Омский дом художника объявил смотр черно-белой графики — KVnews.ru
О начале начал изобразительного искусства вспомнили даже живописцы и скульпторы.
В Доме художника открылась выставка «Карандашный рисунок». Ее цель – привлечь внимание к исчезающей технике, являющейся при этом основой любого вида изобразительного искусства. Недаром рисунок – то, с чего начинается профессиональное обучение.
– Художник ценится по его рисунку, – говорит организатор и куратор выставки Людмила БЕЛОЗЕРОВА. – За живописью можно чего-то и не заметить, а тут уже не за что спрятаться. К сожалению, сегодня даже в профессиональной среде нередко можно услышать мнение, что карандашный рисунок – это скорее вспомогательный рабочий материал, нежели самостоятельное произведение. Надеюсь, эта выставка сможет убедить в обратном. Простой карандаш не претендует на популярность, но он может раскрыть невероятное богатство внутреннего мира художника, проявить его характер и энергетику.
На выставку принимались работы без срока давности, главным требованием было – отсутствие цвета. Выставочный зал погрузился в черно-серо-белую гамму, которая неожиданно выявила, как эффектна, глубока и многогранна может быть работа с тоном, и как при минимуме средств можно добиться максимальной выразительности.
Участие в выставке приняли и живописцы, и скульпторы (например, Александр КАПРАЛОВ), и графики – всего 44 человека. Выразительный портрет «Папа говорит» представила Елена БОБРОВА, кажется, едва ли не главный наш «цветовик». Знакомой иронией и метафоричностью наполнены рисунки Георгия КИЧИГИНА. Они датированы 2006 годом, но по-прежнему откликаются на злобу дня. Взять хотя бы работу «Опасность птичьего гриппа», где мужчина с подозрением поглядывает на крылья смущенного ангела.
В карандашном «зародыше» зрители увидят известные работы Лидии ЗАРЕМБЫ в стиле «ню» и графику Сергея КРАМОРОВА. Среди авторов много и новых имен.
– Как куратор я проявила инициативу и лично обзвонила практически всех омских художников, – рассказывает Людмила БЕЛОЗЕРОВА.
– Убедила их, что хочу собрать бриллианты, поэтому, пожалуйста, поищите. И здесь сегодня самые разные работы. Есть те, которые уже пожелтели от времени, а есть сделанные специально для выставки. Участие в ней приняли даже художники из других городов. Одну работу нам прислали из Санкт-Петербурга. Откликнулась бывшая омичка Любовь СЕРОВА, которая сейчас живет в Екатеринбурге. Есть авторы из Исилькуля, есть люди, которые раньше никогда не выставлялись. И еще я разместила в зале работу Анатолия СТАРЦЕВА, замечательного графика, которого уже нет в живых и которого я просто боготворила, будучи студенткой. Вообще я формировала экспозицию по своему эстетическому восприятию, поэтому, мне кажется, она имеет такой цельный вид.Людмила БЕЛОЗЕРОВА много лет известна как педагог. Недавно она завершила свою педагогическую деятельность и собирается заниматься выставочными проектами, популяризирующими графику. Хотя тут тоже есть педагогический посыл: на подобных выставках студенты и начинающие художники будут познакомиться с лучшими образцами этого вида искусства.
В следующий раз Людмила Ивановна собирается обратиться к цветной графике. И если найдутся желающие поддержать проект, то выставка может стать межрегиональной и даже конкурсной.
Пока же зрителей приглашают на «Карандашный рисунок». Экспозицию можно посетить до 13 марта. В рамках выставки состоятся кураторские экскурсии и мастер-классы.
Фото © Эльвира КАДЫРОВА
Портреты и шаржи по фотографии в Омске
Одно из актуальных направлений, которое активно набирает обороты, пользуется спросом и …
Share ThisАпр 01
51 0 Дрим арт портрет
Яркие тона, любимый снимок, немного компьютерной обработки и получится дрим арт на холсте .
..
Мар 15
58 0 Дрим арт портретМар 15
52 0 Дрим арт портретИзвестное изречение о том, что семья — наследница рода, приобретает сегодня особый смысл. Ведь …
Share ThisНоя 05
168 0 Генеалогическое древо
Заказать картину можно любых сюжетов и любых размеров.
Окт 29
238 0 Портрет на холсте, Портрет по фото, Цифровая живопись Если вы решили произвести неизгладимое впечатление, вовсе необязательно думать о том, как …
Share ThisИюл 26
483 0 Картины блесткамиДля большинства из нас значима и интересна информация о своих корнях, предках. Наверняка в …
Июл 06
178 0 Генеалогическое древо
Для создания домашнего уюта вряд ли найдётся что‑то лучше, чем картина на холсте по .
..
Июл 15
722 1 Портрет на холстеВыбор подарка для родных, друзей, коллег по работе – задача непростая. Хочется, чтобы он был …
Share ThisИюн 19
832 0 Без рубрикиОдним из ярких новинок в мире фотоподарков является алмазная вышивка Омск, которую можно …
Share ThisМай 19
671 0 Алмазная мозаика по фотоОмск (Россия, Европа) Галерея доступна в виде репродукций в рамах, фотографий, настенных рисунков и фотоподарков
> > > Омск — город, расположенный на юге Западной Сибири в России, административный центр области с населением более 1,2 млн человек, основанный в 1716 году как крепость для защиты расширяющейся Российской империи от набегов кочевников.
Омская коллекция от Media Storehouse предлагает широкий выбор настенных картин и репродукций в рамах с изображением города Омск в России, Европе. Коллекция включает потрясающие фотографии, демонстрирующие красоту и разнообразие этого исторического города. От знаковых достопримечательностей до яркой культуры — в этой коллекции каждый найдет что-то для себя.
Омские художественные репродукции представляют собой собрание художественных произведений, изображающих город Омск, расположенный в Европейском регионе России. Эти гравюры демонстрируют красоту и культуру этого исторического города с помощью различных средств, таких как картины, фотографии и иллюстрации. Художественное произведение отражает суть архитектуры, пейзажей, людей и традиций Омска.
Предлагаем широкий ассортимент омских репродукций, которые идеально подойдут для украшения дома или офиса. На этих репродукциях представлены потрясающие изображения знаковых достопримечательностей города, красивых пейзажей и яркой культуры. Вы можете выбирать из множества стилей, включая черно-белую фотографию, красочные иллюстрации и современный дизайн.
Некоторые популярные омские репродукции, доступные в Media Storehouse, включают панорамные виды на городской пейзаж, крупные планы исторических зданий, таких как Успенский собор и Губернаторский дворец, а также портреты местных жителей в традиционных костюмах. Ищете ли вы что-нибудь, чтобы повесить в своей гостиной или подарить кому-то особенному, обязательно найдется омская художественная печать, которая придется вам по вкусу. Благодаря высококачественным технологиям печати и высококачественным материалам, используемым в каждом произведении Media Storehouse, вы можете быть уверены, что эти произведения искусства будут отлично смотреться на любой стене, которую они украшают.
Чтобы купить омские репродукции в Media Storehouse, вы можете просмотреть нашу обширную коллекцию произведений искусства онлайн. После того, как вы нашли принт, который хотели бы приобрести, просто добавьте его в корзину и перейдите к оформлению заказа. В процессе оформления заказа вам будет предложено ввести информацию о доставке и оплате.
Мы предлагаем широкий выбор размеров и вариантов обрамления для их отпечатков, поэтому обязательно выберите размер и рамку, которые наилучшим образом соответствуют вашим потребностям. Кроме того, мы предлагаем различные типы бумаги, включая матовую или глянцевую. Как только ваш заказ будет размещен, Media Storehouse быстро обработает его и отправит прямо в нужное место. Если вы ищете уникальное произведение искусства для себя или в подарок близкому человеку, покупка омских репродукций в Media Storehouse — это простой и удобный способ принести красивые произведения искусства в свой дом или офис.
Мы предлагаем широкий ассортимент омских репродукций по разным ценам. Стоимость художественной печати зависит от нескольких факторов, таких как размер, качество и тип печати. У нас есть множество вариантов, включая печать на холсте, печать в рамке и печать плакатов. В нашей коллекции представлены потрясающие изображения, которые отражают красоту и культуру Омска в России и Европе. Мы гордимся тем, что предоставляем высококачественные художественные репродукции, которые доступны каждому.
Мы предлагаем широкий ассортимент омских репродукций, которые могут быть доставлены Вам различными способами. Наш стандартный вариант доставки — через почтовые службы, которые гарантируют, что ваша печать будет доставлена к вашему порогу в целости и сохранности. Мы также предоставляем варианты экспресс-доставки для тех, кому срочно нужны распечатки. Все наши репродукции тщательно упаковываются, чтобы предотвратить любые повреждения во время транспортировки. Они сворачиваются и помещаются в прочную картонную трубку или упаковываются в плоском виде с защитными материалами, такими как пенопласт или пузырчатая пленка.
Мы работаем с надежными курьерскими партнерами, чтобы обеспечить своевременную и эффективную доставку по всему миру. Вы можете отслеживать свой заказ онлайн, используя номер для отслеживания, предоставленный после того, как он будет отправлен с нашего склада. Будьте уверены, что мы очень тщательно доставляем ваши репродукции из Омска, чтобы они были доставлены вам в идеальном состоянии.
Михаил Врубель Живопись, Биография, Идеи
Краткое изложение Михаила Врубеля
Новаторские работы Врубеля бросили вызов ортодоксальным взглядам в русском искусстве настолько, что его коллеги часто не понимали их. Хотя при жизни его недооценивали, сейчас история «востребовала» его как одного из отцов-основателей русского авангарда.
Врубель заработал свою раннюю известность серией картин маслом и глиняных скульптур, основанных на русском фольклоре, в которые он привнес элементы символистской живописи и стиля модерн. Позже он создал графические иллюстрации к поэзии Михаила Лермонтова, у которых он черпал вдохновение для своих знаменитых произведений «Демон».
Фигура Демона стала мотивом в творчестве Врубеля и прочитывалась, таким образом, как олицетворение собственного внутреннего смятения художника. Действительно, художник провел последние годы своей жизни в психиатрических больницах, хотя именно в эти годы он написал некоторые из своих самых необычных работ, некоторые из которых теперь приводятся в качестве основополагающих образцов русского модерна.
Убрать рекламу
Достижения
- Нарушая все традиции и приемы Академии художеств в Санкт-Петербурге, картина Врубеля передала глубоко духовную и светлую внутреннюю жизнь, вмещавшую в себя тьму и смятение ума. Именно эта мистическая составляющая искусства Врубеля уводит зрителя далеко за рамки его картин.
- Отвергнутый русской церковью неприятие его искусства, Врубель отказался от католицизма и русского православия и обратился к философии. Его особенно привлекал Иммануил Кант, полагавший, что путь к истинному духовному просветлению связан с идеей о том, что можно достичь полной самореализации только через личное творчество.
- Живя в Москве, Врубель знакомился с новыми художественными стилями, зародившимися в Западной Европе. Декоративный и естественный стиль модерна, и особенно его акцент на эстетике, хорошо сочетались с его кантианским мировоззрением. Воодушевленный возможностями нового стиля и желая экспериментировать с символизмом и ближневосточными украшениями и узорами, Врубель стал пионером того, что должно было стать красочным и специфически русским модерном. Можно найти некоторое сходство между Врубелем и символистскими мозаиками Густава Климта.
- Врубеля почитали за его плотные мазки и склонность разбивать фигуры на почти анархическую массу граней и плоскостей. Это побудило нескольких восторженных комментаторов назвать Врубеля одним из первых предшественников кубизма. В картинах, таких как Венеция (1893), Врубель начал сознательно экспериментировать с коллажем и кубическими формами. Действительно, когда Венеция впервые была выставлена в Париже, Пабло Пикассо был настолько увлечен работой, что назвал Врубеля «гением».
Убрать рекламу
Жизнь Михаила Врубеля
Михаил Врубель прожил непростую жизнь; Преследуемый депрессией и помещенный в учреждение после смерти его единственного сына, он также провел свои последние годы в психиатрической клинике. Поэтому неудивительно, что мотив, которым он наиболее известен, — это демон, которого он изображал на картинах на протяжении всей своей жизни.
Читать полную биографию
Читать художественное наследие
Важное творчество Михаила Врубеля
Развитие искусства
1884
Богородица с младенцем
Подвешенная между высокодекоративными колоннами и аркой, Богородица с младенцем — одна из нескольких фресок, которые Врубель помогал реставрировать в церкви св. Кирилла в Киеве в начале 1880-х гг. . Хотя это были реставрационные, а не оригинальные работы (Врублев работал в составе группы студентов, реставрировавших более 150 работ в течение семи месяцев), фрески по-прежнему несли в себе фирменный стиль художника.
Парадная композиция Богородица с Младенцем взята из традиционных изображений Богородицы и Христа и демонстрирует полную связь Врубеля с русской, византийской и средневековой христианской изобразительной традицией. Складки ткани, задумчивое выражение лица, использование сочных красок и золота сродни тому, что Врубель видел в росших русских православных церквях, а также в своих путешествиях в Венецию, предпринятых в том же году, что и это произведение. был окрашен.
В своей биографии Врубеля 1911 года художник Степан Еремич назвал произведения, созданные в Киеве в 1880-х годах, лучшими в творчестве Врубеля. Хотя это мнение может не выдержать критики, комментарии Яремича действительно объясняют важность киевских картин в развитии стиля, который можно увидеть в более поздних работах Врубеля. Росписи церкви Святого Кирилла можно рассматривать как начало исследования Врубелем духовности и личной веры, предшествующее его отказу от религии и экспериментам с символизмом.
Здесь, в торжественности и задумчивости взглядов фигур, зритель начинает видеть Врубеля, созерцающего наполненность и покой, достигаемые через прозрение и личное размышление.
Картон, масло — Кирилловская церковь, Киев, Украина
1890
Демон сидящий
Еще работая в Киеве над реставрационным проектом, Врубель начал экспериментировать с иллюстрациями к «Демону», которые он взял за основу описания Демона в поэме Михаила Лермонтова, крупнейшего поэта и писателя того времени и по сей день величайшего героя русского романтизма. Влияние реставрации святого Кирилла очевидно в использовании Врубелем толстых мазков для создания мозаичной текстуры. Это особенно заметно справа от фигуры Демона, где геометрические формы, созданные кистью, разбивают плоскость на абстрактное пространство. Как отмечает искусствовед Мария Тарутина, здесь зритель видит, как Врубель использует «средневековые средства для модернистских целей». Обращение Врубеля к фигуре Демона тонко детализировано, в то время как он подчеркивает настроение одиночества, помещая свой предмет на пустой и бесконечный фон.
Монументальность этого произведения меценат Врубеля Мамонтов охарактеризовал как «чарующие симфонии гения».
Сам Врубель описывал Демона как «дух, соединяющий в себе мужское и женское обличье, дух не столько злой, сколько страдающий и раненый […] могучее и благородное существо». Неоднозначность пола Демона отражается в неопределенности обстановки. Пейзаж отдаленный и создает ощущение одиночества и беспокойства: Демон может смотреть в далекий закат, а может быть и адское пламя. Эта картина демонстрирует личное неприятие Врубелем христианства и фиксированную стабильность религии в этот период его жизни в пользу представления о том, что творческие свершения принесут ему духовное содержание. Демон задумчив и экспрессивен, взвешивая в уме личную веру, муку и покорность, совсем как сам Врубель в эти годы до того, как попал в психиатрическую лечебницу.
Изолированный и задумчивый, Врубель отвергает традиционный религиозный взгляд на Демона как на злое существо, стирая границы между добром и злом — Христом и Сатаной — чтобы дать более современный взгляд на духовную личность.
В этом отказе от традиционной дихотомии художник призывает зрителя вместо этого рассмотреть индивидуальную душу: ощущение, что путь — это самоанализ, а не массовая религия.
Холст, масло — Государственная Третьяковская галерея, Москва
1897
Портрет Саввы Мамонтова
В этом портрете зритель может увидеть влияние народного творчества, а также церковных мозаик и росписей, которые Врубель помогал восстанавливать в начале своей карьеры. Художник использует толстые мазки, чтобы создать эффект мозаики на заднем плане картины, используя приглушенные цвета, чтобы выделить более смелую фигуру Мамонтова на переднем плане. В окружении предметов, связанных с богатым коллекционером произведений искусства, таких как роскошные ткани и мебель, Мамонтов также облачен в свой первозданный костюм. Это демонстрирует то, что искусствовед Джеймс Кертис описывает как «сильную театральность» искусства Врубеля.
Врубель менее известен как художник-портретист (возможно, из-за того, что он недостаточно абстрактен для передачи идей символизма), но при жизни он создал немало портретов.
Важно отметить, однако, что его портретное творчество в основном состоит из изображений хорошо знакомых ему людей, таких как поэт Валерий Брюсов и его собственная жена Надежда Забела, которых Врубель писал неоднократно. Поэтому вполне естественно, что такой портрет своего покровителя и друга Саввы Мамонтова Врубель нарисовал во время своего пребывания в творческом товариществе Мамонтова: в усадьбе Абрамцево. Пара была близка: Врубель сопровождал семью Мамонтовых на отдыхе в Италию в 189 г.1. Происходя из богатой купеческой семьи, Мамонтов поощрял и прославлял художников, работавших в разных областях, интересующихся традиционным русским фольклором и ремеслами. Искусствовед Анна Чучваха описывает Абрамцево как место, которое «олицетворяло собой возрождение народного искусства и стилизацию народного творчества».
Холст, масло — Государственная Третьяковская галерея, Москва
1900
Царевна-Лебедь
Большую часть этой картины занимает почти абстрактное изображение белых перьев Царевны-Лебедь.
Легкими мазками Врубель создает фактуру перьев, из которых вырисовывается более детализированная фигура Царевны-Лебедя с причудливо раскрашенным головным убором и фатой. Драматизм фигуры на переднем плане и таинственность задника характерны для произведений рубежа веков, вдохновленных русским фольклором и сказками, а широко раскрытые и задумчивые глаза Царевны-Лебедя напоминают врубелевские изображения Богородицы. в его вкладе в реставрацию св. Кирилла в Киеве.
На драматизм и театральность этой картины повлияла женитьба Врубеля на оперной певице Надежде Забеле, состоявшаяся за четыре года до создания этой работы. После женитьбы Врубель ушел в мир театра, создавая декорации и костюмы для нескольких балетов и опер. Здесь главный герой с широко раскрытыми глазами смоделирован со своей жены, когда она снималась в роли Царевны-Лебедя в «» Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» . Именно этот очень личный элемент делает эту картину, по словам искусствоведа Лидии Иовлевой, «кипящей страстью и сильным темпераментом».
Холст, масло — Государственная Третьяковская галерея, Москва
1900
Город Леденец из «Сказки о царе Салтане»
С 1896 по 1901 год Врубель написал эскизы декораций и создал костюмы для 9 оперных постановок в составе оперного театра Саввы Мамонтова. Московская частная оперная труппа. Арка и ворота богато украшены и экзотически оформлены в темных тонах и с обильным использованием золота. Узоры и здесь, и в городе под куполом, лежащем за ним, основаны на врубелевском исследовании фактуры, такой как керамика, витражи и мозаика.
Опера основана на сказке классика русского поэта и драматурга Александра Пушкина. В сказке мистический город Леденец возникает в одночасье из моря, эффект, которого Врубель достиг благодаря использованию синего и белого цветов. В рассказе представлены идеи двойственности между реальностью и сном, которые Врубель снова иллюстрирует в своем эскизе сценографии через фантастически замысловатые и роскошные узоры и манипулирование пространством для создания трехмерной атмосферы.
Он и раньше имел дело с оформлением масштабных площадей, например, церковных фресок, но здесь он использует пространство для создания динамизма и ощущения глубины. За тяжелыми дверями и аркой царство Леденца разворачивается сквозь беспорядочную череду куполов и башен, затягивая зрителя.0039 Салтан декорации, и даже его страшные враги газетные критики говорят, что декорации прекрасны».
Бумага, акварель, карандаш — Бахрушинский музей, Москва Лиетмотив на протяжении всего его творчества изначально был основан на поэме Лермонтова, считается, что увлечение Врубеля фигурой Демона началось после просмотра оперы Антона Рубинштейна «Демон » в Киеве где-то в середине 1880-х годов. проиллюстрировано двумя его самыми знаковыми работами, работами, которые якобы служат продолжением его карьеры: Демон Сидящий (1890) и, двенадцать лет спустя, Демон Поверженный .
Как и Демон, сидящий , Врубель использует мозаичные текстуры для создания абстрактного и неопознаваемого фона, на котором лежит фигура Демона.
Однако на этом сходство заканчивается. В этом произведении фигура Демона резко изменена: он потерял мускулистую стойку предыдущего Демона и вместо этого лежит в простате (а не сидит) и истощен. Он также потерял задумчивый взгляд предыдущего Демона и вместо этого смотрит прямо и вызывающе на зрителя. Врубель использовал металлический бронзовый порошок в элементах этой работы, чтобы отражать свет, подобно русским иконам и произведениям искусства, найденным в русских православных церквях.
На этой картине Демон возвращается, чтобы преследовать Врубеля (или наоборот). Головной убор, который носил Демон, был истолкован как терновый венец, что снова создает двусмысленность между Добром и Злом и отражает собственное неприятие художником религии. Терновый венец намекает на печаль и жертвенность, отражая собственное душевное состояние Врубеля в это время; действительно, после выставки этой работы у него случился тяжелый нервный срыв. Художник-символист-пейзажист Константин Богаевский вспоминал, как увидел картину во время ее показа на выставке «Мир искусства» в 1902: «Он произвел на меня сильное впечатление, которое я не могу сравнить ни с каким другим.
Он светился, как будто был сделан из драгоценных камней, так что все вокруг казалось серым и невещественным», — сказал он.
Группа «Мир искусства» организовала в общей сложности шесть выставок в период с 1898 по 1904 год в Санкт-Петербурге и Москве, хотя последняя выставка была неудачной попыткой Дягилева предотвратить «переход» московских членов группы в Союз русских художников. группа (образована в 1903 г.).
Холст, масло — Государственная Третьяковская галерея, Москва
1904
Шестикрылый Серафим
Эта картина тесно связана с более ранними картинами Врубеля «Демон» как по стилю, так и по сюжету. Снова обращаясь к библейской форме, художник передает фигуру, монументально доминирующую на холсте, на мозаичном фоне переплетающихся мазков. Элементы золота и металла создают ощущение сияния картины, а серьезность лица, запавшие глаза и неоднозначный пол серафима перекликаются с врубелевскими фигурами Демонов прошлых лет. Из тумана заднего плана зловеще появляются руки: одна держит светящийся красный шар, а другая парит над головой зрителя с кинжалом.
Написанный за шесть лет до преждевременной смерти Врубеля, Шестикрылый Серафим был одним из крупнейших произведений позднего периода творчества художника. Эта картина показывает кульминацию пожизненной фиксации и борьбы с религией, а также растущую потребность исследовать темы искупления, страдания и покаяния. Как отмечает искусствовед Мария Тарутина, более поздние картины Врубеля часто отвергались как некоторые из его более слабых работ, но также могут быть истолкованы как признак его все более ухудшающегося психического здоровья. Тем не менее, как и прежде, ранние влияния Врубеля эпохи Возрождения и Византии используются в модернистских целях для создания радикальных форм и передачи духовных тем.
Можно найти явное сходство между Врубелем и символистскими картинами Густава Климта, лидера антиистеблишмента Венского престолонаследия. Подобно Врубелю, зрелые произведения Климта использовали символизм для передачи психологических идей, обычно связанных с сексуальным раскрепощением и человеческими страданиями, и для продвижения тезиса о том, что искусство должно быть освобождено от законов традиционной культуры.
И, как и Врубель, картины и фрески Климта использовали мерцающую узорчатую мозаику, прямоугольные и бетонные узоры для создания богато украшенных фигур и фонов.
Холст, масло — Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Убрать рекламу
Биография Михаила Врубеля
Детство
Михаил Врубель родился в 1856 году в городе Омске на юго-западе Сибири. Один из четырех детей, его мать происходила из древнерусского дворянства и умерла, когда Врубелю было всего три года. Его отец, Александр Михайлович Врубель, был поляком по происхождению и военным, и воспитал своих детей, чтобы они были знакомы как с католицизмом, так и с Русской православной церковью.
Окончив школу, Врубель решил последовать примеру отца и сделать военную карьеру. Он служил в Императорской Российской Армии и астраханском казачестве, пережив конфликты на себе, участвуя в Кавказской и Крымской войнах. После войны Врубель выучился на военного юриста, окончив юридический факультет Санкт-Петербургского университета в 1880 году.
На протяжении всей своей военной деятельности отец Врубеля признавал и поощрял художественные таланты сына, частные репетиторы. Во время учебы в Санкт-Петербурге Врубель посещал вечерние занятия в городской Академии художеств, а затем стал очным аспирантом, где учился у Павла Христякова. Он также имел доступ к музею и архивам Академии, в которых хранились специализированные коллекции древнерусского искусства, в том числе средневековые византийские произведения и русские иконы.
Раннее обучение и работа
Еще до окончания учебы творчество Врубеля привлекло внимание искусствоведа и историка профессора Адриана Прахова, который приехал в школу, чтобы набрать студентов для помощи в восстановлении росписей и мозаик XII века в церкви. Святого Кирилла в Киеве. Вклад Врубеля в реставрацию оказался решающим как для проекта, так и для его собственной карьеры, поскольку он дал ему образование в византийском колорите и методах, которые наполнят его собственные работы.
Врубель пробыл в Киеве пять лет, хотя в 1884 году посетил Венецию для изучения итало-византийских церковных мозаик в качестве исследования.
Его особенно увлекли мозаики базилики Сан-Марко и работы художников Беллини и Карпаччо.
Убрать рекламу
После реставрации Кирилловской церкви Врубель изо всех сил пытался найти оплачиваемую работу. Вернувшись в Россию, он поселился в Одессе и в 1886 году принял участие в конкурсе на проект только что построенного Владимирского собора. Однако на его нетрадиционные идеи было наложено вето. Этот отказ и финансовые трудности, с которыми Врубель столкнулся в конце 1880-х годов, побудили его переосмыслить свое религиозно-философское мировоззрение. Он отошел от организованной религии и начал сомневаться в своей христианской вере, став заядлым читателем работ таких философов, как Иммануил Кант. Все чаще Врубель тяготел к мысли, что он достигнет духовного наполнения только через стремление к своему творчеству.
Зрелый период
В 1890 году Врубель переехал в Москву. Здесь он нашел других художников, которые экспериментировали за пределами живописи в прикладном искусстве, таком как гончарное дело и керамика, витражи, а также дизайн костюмов и декораций.
Новые идеи и художественные течения из Европы можно было увидеть в Москве, и именно здесь Врубель познакомился с зарождающимся стилем модерн. В отличие от исторических стилей, преподаваемых в девятнадцатом веке, модерн искал вдохновения в узорах и движениях, встречающихся в природе, часто за счет использования современных материалов и декоративного искусства, а не живописи. Вдохновленный идеей, что искусство неотделимо от своего окружения, Врубель преуспел в экспериментировании, развивая живой интерес к восточным искусствам, таким как персидские ковры, и развитию фактуры в живописи.
На решение отойти от живописи и изобразительного искусства и перейти к прикладному искусству, безусловно, повлияла его женитьба на известной оперной певице Надежде Ивановне Забеле в 1896 году. Врубель создавал декорации и костюмы для своей жены, которая пела в спектаклях. опер Римского-Корсакова, в том числе Снегурочка и партии Царевны Волховой в Садко и Царевны Лебеди в Сказка о царе Салтане .
В 1898 году художники Александр Бенуа и Леон Бакст вместе с искусствоведом Сергеем Дягилевым основали художественный журнал-манифест «Мир искусства», продвигавший русскую версию модерна. Трио организовало несколько выставок вместе с журналом, и именно благодаря выставочному турне, которое путешествовало по Европе, международная репутация Врубеля выросла (не в последнюю очередь благодаря поддержке Пабло Пикассо). Творчество Врубеля и его современников из «Мира искусства», в том числе Константина Сомова и Евгения Лансере, предлагали иной взгляд на западноевропейские особенности, поскольку они наполняли модерн специфически русской эстетикой: яркими красками, фольклорными сказками и традиционными узорами.
Поздний период
Через жену Врубель познакомился с промышленником и меценатом Саввой Мамонтовым. С 1870-х годов Мамонтов владел имением Абрамцево близ Хотькова, к северу от Москвы, и управлял им как художественной колонией («Абрамцевская колония»). Одной из ключевых целей сообщества было изучение русского народного творчества и качества средневекового производства для производства красивых предметов мебели, керамики и текстиля.
Группа художников, писателей и дизайнеров, собравшихся здесь для обмена идеями, включая Врубеля, Исаака Левитана, Илью Репина, Елену Поленову, Аполлинария и Виктора Васнецовых, стала известна под общим названием Мамонтовский кружок. Врубель стал крупной фигурой в кружке, создавая росписи и декорации: Мамонтов даже назначил его начальником керамических мастерских. Вместе с художниками Константином Коровиным и Валентином Серовым Врубель активно участвовал в жизни колонии: вместе они принимали участие в любительских драматических и музыкальных постановках. Врубель писал в 189 г.1, что в Абрамцеве ему удалось найти «ту интимную национальную ноту, которую [ему] так хотелось запечатлеть на холсте и в орнаменте».
Удалить рекламу
В ходе этого движения к экспериментам в различных формах искусства начали проявляться признаки особого стиля: символизма. В России символизм впервые осуществился в литературе в конце девятнадцатого века, например, в творчестве поэта Александра Блока и писателя Андрея Белого.
Врубель был, по словам искусствоведа Лидии Иовлевой, «первым сознательным, принципиальным символистом среди живописцев». Символистский принцип выражения психологической правды и внутреннего мира художника через искусство дал ключевую отдушину Врубелю, который всю жизнь боролся со своим душевным здоровьем. В то время как другие художники использовали стиль модерн как средство для реалистической живописи, Врубель постепенно перешел к символизму как к средству исследования духовных мыслей, иногда даже через абстрактные формы, которые были далеко от социальной сферы повседневной жизни. . Вскоре с символизмом начали экспериментировать и другие художники из группы «Мир искусства», в том числе Виктор Борисов-Мусатов и Михаил Нестеров.
На рубеже ХХ века психическое здоровье Врубеля ухудшилось, и после тяжелого нервного срыва он был госпитализирован. Он продолжал рисовать, находясь в клинике, но был вынужден остановиться, так как в последние годы своей жизни он становился все более слепым.
Наследие Михаила Врубеля
Врубель был одним из первых художников в России, который исследовал стиль модерн и то, как концепции символизма могут быть исследованы в изобразительном искусстве. Оглядываясь назад на художественные методы прошлого, он использовал такие приемы для создания стиля, который был связан с духовным, а не с религиозным. Эти идеи, хотя и отклонявшиеся в то время жюри конкурса при подаче работ, с большей готовностью были восприняты новым поколением русских художников.
Необходимость оглянуться назад, чтобы двигаться вперед, и предложение о том, что искусство не должно ограничиваться одним холстом, были идеями, которые продолжали находить отклик в двадцатом веке в России и за ее пределами. Как заметила историк искусства Роберта Ридер, «именно он больше, чем любой другой русский художник того периода, должен был оказать решающее влияние на направление, в котором искусство будет развиваться в следующем поколении русских художников».
Сценическое творчество Врубеля почиталось петербургскими артистами группы «Мир искусства», в том числе основателем «Русского балета» Сергеем Дягилевым.
Параллели влияния можно увидеть у крупных художников десятилетия после смерти Врубеля: например, у Павла Филонова, Василия Кандинского и Казимира Малевича. Сын профессора Адриана Прахова, художник Николай Прахов, писал о зарождении лучизма в картинах Врубеля и сравнивал их с народным искусством Михаила Ларионова и Натальи Гончаровой. Между тем скульптор Наум Габо заявил, что Врубель «освободил искусство живописи и скульптуры от академических и реалистических схем. Его гений ответственен за формирование визуального сознания нашего поколения, пришедшего после него».
Удалить рекламу
Влияние и связи
Влияние на художника
Влияние художника
Джованни Беллини
- 9000 5 Павел Христяков
Витторе Карпаччо
Савва Мамонтов
Адриан Прахов
Ренессанс
Византийское искусство
Модерн
Средневековая русская живопись
Василий Кандинский
Михаил Ларионов
Илья Репин
Леон Бакст
Константин Сомов
Сергей Дягилев
Константин Станиславский
Константин Коровин
Валентин Серов
Символизм
Модерн
Лучизм
Русский модерн
90 032
Русский примитивизм
Открытые влияния
Закрыть влияния
Полезные ресурсы о Михаиле Врубеле
Книги
веб-сайты
статьи
книги
Приведенные ниже книги и статьи представляют собой библиографию источников, использованных при написании этой страницы.