Рисунок красная площадь карандашом: Кремль рисунок карандашом для детей и взрослых

Содержание

Дворцовая площадь, детский рисунок, выполненный цветными карандашами и восковыми мелками

Корзина Купить!

Изображение помещёно в вашу корзину покупателя.
Вы можете перейти в корзину для оплаты или продолжить выбор покупок.
Перейти в корзину…

удалить из корзины

Размеры в сантиметрах указаны для справки, и соответствуют печати с разрешением 300 dpi. Купленные файлы предоставляются в формате JPEG.

¹ Стандартная лицензия разрешает однократную публикацию изображения в интернете или в печати (тиражом до 250 тыс. экз.) в качестве иллюстрации к информационному материалу или обложки печатного издания, а также в рамках одной рекламной или промо-кампании в интернете;

² Расширенная лицензия разрешает прочие виды использования, в том числе в рекламе, упаковке, дизайне сайтов и так далее;

Подробнее об условиях лицензий

³ Лицензия Печать в частных целях разрешает использование изображения в дизайне частных интерьеров и для печати для личного использования тиражом не более пяти экземпляров.

Пакеты изображений дают значительную экономию при покупке большого числа работ (подробнее)

Размер оригинала: 2447×3455 пикс. (8.5 Мп)

Указанная в таблице цена складывается из стоимости лицензии на использование изображения (75% полной стоимости) и стоимости услуг фотобанка (25% полной стоимости). Это разделение проявляется только в выставляемых счетах и в конечных документах (договорах, актах, реестрах), в остальном интерфейсе фотобанка всегда присутствуют полные суммы к оплате.

Внимание! Использование произведений из фотобанка возможно только после их покупки. Любое иное использование (в том числе в некоммерческих целях и со ссылкой на фотобанк) запрещено и преследуется по закону.

Автор «Утраченного Леонардо» — о «Спасителе мира» и бизнесе на картинах :: Герои :: РБК Стиль

В Москве проходит кинофестиваль The Artnewspaper, одной из премьер которого стала картина «Утраченный Леонардо» Андреаса Кефеда. Датский режиссер распутывает почти десятилетнюю коллизию вокруг «Спасителя мира» — самой дорогой картины в мире, проданной на аукционе Christie’s в 2017 году за рекордные $450 млн. Неизвестно, где она находится сейчас, а главное, подлинник это или одна из многочисленных реплик учеников и последователей художника (известно порядка 50 вариантов).

В 2004 году она была куплена на неизвестном аукционе за $10 тыс., затем совершила путешествие по всем главным игрокам арт-мира: над его реставрацией потрудилась профессор Нью-Йоркского института изобразительных искусств Диана Модестини и сделала это так хорошо, что работа была показана в Лондонской национальной галерее. Потом ее продал знаменитый швейцарский арт-дилер Ив Бувье бывшему владельцу «Уралкалия» Дмитрию Рыболовлеву, который потом с Ивом Бувье судился. И, наконец, картина снова оказалась продана (не без помощи глобального турне Sotheby’s и рекламной компании с участием Леонардо ДиКаприо) — уже наследному принцу Саудовской Аравии Мохаммеду бин Салману.

Фильм показывает всю эту долгую историю поэтапного и головокружительного подорожания работы, на кадрах появляются, например, офшорное арт-хранилище в аэропорту Женевы и история про политическое давление на сотрудников Лувра, которые должны были показать картину как оригинал, не будучи в этом уверены, но на выставке в музее картина так и не появилась. Все вместе смотрится на одном дыхании, и даже малоинтересные будто бы детали кухни реставраторов («границы между губами и кожей на рисунке нет — это точно Леонардо!») превращают историю в увлекательный детектив.

Вы снимали фильмы об Арабской весне, о датских фермерах и урбанистике. Правильно ли я понимаю, что вы впервые затрагиваете тему арт-рынка?

Да, это правда, это мой первый фильм об искусстве.

Как узнали обо всей этой истории со «Спасителем мира»?

Этим сюжетом мы начали заниматься в 2018 году — сразу после торгов (в ноябре 2017 году картина была продана на аукционе Christie’s за $450,3 млн при стартовой цене $100 млн).

И тогда эта работа попала в мировые новости, потому что побила все мыслимые рекорды. Многие пытаясь понять, почему она ушла за настолько большие деньги, а потом стало известно, что покупателем был кронпринц Саудовской Аравии Мохаммед бин Салман. И этот факт еще больше разогрел всеобщее любопытство: почему принц купил ее, что он собирается с ней делать, что будет дальше?

Так картина попала на обложки всех новостных изданий — и до сих пор их не покидает. Как только о ней появляется новая информация, то «Спаситель мира» сразу оказывается во всех заголовках и газеты ставят его на первую полосу, потому что это такая отличная история, полная загадок, которая продолжает открываться с новых сторон.

© пресс-служба

Кстати, кто ваш любимый художник?

Мой любимый художник — не Леонардо. Мне по-настоящему нравится творчество Да Винчи уровнем мастерства и важностью в истории: это символ эпохи Возрождения и идей Возрождения. Он не просто великий живописец, он, можно сказать, олицетворяет рождение западной цивилизации. А что касается моего личного вкуса, то мне ближе модернизм. Так что я бы, пожалуй, назвал Ротко.

То есть, если бы у вас было несколько свободных сотен миллионов, вы скорее купили бы Ротко, а не Да Винчи?

Если бы у меня была сотня миллионов, я ни за что не потратил бы их на произведение искусства. Я купил бы искусство, но ни за что не стал бы тратить эту сумму только на одно произведение. На самом деле, мне кажется очень странным иметь искусство в частной собственности. Я считаю, что искусство существует для того, чтобы люди видели его и делились им, а когда оно становится настолько дорогим… Думаю, причины, побуждающие людей тратить такие деньги на искусство, меняются. Я скорее купил бы сотню произведений разных художников за небольшую часть этой цены, чем потратил бы сотню миллионов долларов на одну картину, которую нужно беречь, и поэтому ее никто не может увидеть, ведь она должна находиться в защищенном хранилище.

Это безумно странно с точки зрения создания искусства и диалога вокруг произведения. Ну, а если смотреть с точки зрения хранения денег, то это, конечно, совершенно логично.

Думаю, слоганом фильма могла бы стать одна фраза из фильма «После наркотиков и проституции арт-рынок — самый нерегулируемый в мире».

Думаю, дело не только в самом рынке. Арт-рынок предлагает невероятно дорогие объекты, занимающие мало места. Их легко передавать от одного человека другому и легко хранить. Можно было бы сказать то же самое о машинах, но машина весит гораздо больше. Соотношение стоимости и веса совсем иное. То же верно для золота, но даже золото тяжелее. И бриллианты. И дело не только в весе и размере. Дело еще в том, чтобы вложить свои деньги в то, что растет в цене. В топовом сегменте годовой темп роста искусства составляет 9%, так что арт — очень хороший выбор, если вы хотите инвестировать. Особенно если вы хотите сделать это тайно, чтобы никто не мог проследить. Денежный перевод легко проследить, а с произведением искусства есть много способов скрыть, где оно находится — и там оно растет в цене тайно.

Как вы узнали об этом хранилище в аэропорту Женевы? Туда было трудно попасть? Я, честно говоря, не знала о его существовании.

На самом деле, такие места существуют во множестве стран, в Америке они тоже есть. В Делавэре есть фрипорт, который рассматривается как офшорная зона на территории США. Женевский фрипорт делает особенным тот факт, что в нем хранится невероятно ценная подборка искусства: много жителей города и людей, так или иначе связанных с Женевой, хранят там свои коллекции. Ива Бувье, который фигурирует в этой истории, делает особенным тот факт, что он очень много знает. Потому что об очень многих произведениях, находящихся в частных руках, никто на самом деле не в курсе: ни где они хранятся, ни кто их владелец. И поскольку ему принадлежит (или, по крайней мере, принадлежала) компания, которая уже сотню лет занимается транспортировкой искусства, то у него есть доля в фрипорте Женевы. А еще он обладает ценной информацией, которая сделала его выдающейся фигурой в мире фрипортов.

В какой-то момент его называли королем фрипортов. А если вас называют королем чего-то, значит, что есть и другие фрипорты, и другие люди, не короли. Так что это куда более распространено, чем можно было бы подумать.

Диана Модестини изучает неапольскую копию «Спасителя мира» (2019)

© ADAM JANDRUP / Sony Pictures Classics / пресс-служба

При просмотре фильма у меня создалось впечатление, что среди героев нет ни одного, кто бы не нарушал закон.

Я бы оставил это на суд зрителей. Мы в фильме не утверждаем, что кто-то сделал что-то незаконное. Но мы показываем, какую роль сыграли разные финансовые и другие интересы в создании картины, о которой мы теперь говорим, — «Спасителя мира», самой обсуждаемой картины последнего десятилетия. Сегодня она почти так же знаменита, как «Мона Лиза».

Почему это произошло? Какие интересы сыграли в этом роль? Именно это меня заинтриговало, потому что на свете очень много картин, о которых разные люди заявляют, что это Да Винчи. Экспертам, которых мы снимали в фильме, раз в неделю приходят имейлы со словами: «У меня есть картина. Думаю, это Леонардо, посмотрите, пожалуйста». Так что в этой истории необычно как раз не то, что кто-то заявил, что обнаружил картину Леонардо, а что ее действительно признали как подлинник Да Винчи и что она стала новой «Моной Лизой», самой дорогой картиной в мире — вот это по-настоящему необычно.

Экспертам, которых мы снимали в фильме, раз в неделю приходят имейлы со словами: «У меня есть картина. Думаю, это Леонардо, посмотрите, пожалуйста».

Я думаю, причина проста — вокруг этой картины собралась команда супергероев, совсем как в современных марвеловских франшизах. Одного героя мало, теперь нужно десять супергероев, чтобы люди посмотрели фильм. Здесь рецепт успеха точно такой же: гениальная исполнительница реставрации, прекрасно владеющая живописной техникой, дилер, вся работа маркетинговой команды Christie’s, которая сделала рекламу с Леонардо ДиКаприо. Так что эту историю создала десятка талантливых людей.

Да, все сложилось самым удачным образом и сделало ее картиной Да Винчи. Не исключено, что это и есть Да Винчи.

Удивительно, что Christie’s получил такую огромную комиссию. $50 млн за продажу только одной картины — это огромные деньги.

Да, это большая сумма, но я думаю, что у них есть фиксированный процент комиссии на все, что они продают. Полагаю, он зависит от стоимости лота. Кроме того, они вложили деньги в кампанию, в то, как они представили эту картину на рынке, всю сопровождавшую ее рекламу, мировое турне — это большой риск.

Конечно, если смотреть на суммарные продажи Christie’s в тот год, то думаю, что она принесла компании около 10% всей выручки. Но аукционисты пошли на очень большой риск. Я уверен, что в итоге они получили приличные деньги, но, скорее всего, ими двигало не это. Думаю, Christie’s устроил аукцион, потому что за этой картиной, которая, как ожидалось, должна была достичь отметки в $100 млн или даже больше, стоит новый клиент с многомиллиардной коллекцией. Аукционным домам не так уж трудно найти покупателя. Куда сложнее найти произведение искусства, заполучить его именно на аукцион, убедить продавца, что он должен продать его именно через них. На это аукционные дома тратят большую часть своего времени и усилий — на привлечение произведений, которые выходят на рынок. И если рассматривать все это в перспективе ценности, становится понятно, почему Christie’s сделал все это и так старался в плане атрибуции и рекламы. Это был выход на коллекцию стоимостью миллиард с чем-то долларов.

Арт-дилеры Роберт Саймон и Александр Пэриш

© ADAM JANDRUP / Sony Pictures Classics / пресс-служба

Вашего голоса в фильме нет, вы показываете разные точки зрения на подлинность этой работы. Но создается впечатление, что все в этом фильме хотят верить, что это действительно новый Да Винчи. Просто весь мир хочет нового Да Винчи и хочет верить в это. Christie’s, публика — все мечтают о новой картине старого мастера.

Как вы знаете, известно о существовании всего 16 картин кисти Да Винчи во всем мире. Несомненно, он самый знаменитый художник в истории — признанный на мировом уровне. Конечно же, мир хочет больше Да Винчи. В каждом музее на этой планете, где есть картина Да Винчи, она занимает центральное место. Любой, кому удастся заполучить Да Винчи, сорвет громадный куш. Ну и для всего мира обнаружить новую картину самого знаменитого художника — это что-то невероятное.

Но мне кажется довольно удивительным тот факт, что мы считаем работами Да Винчи именно эти вещи, вовсе не означает, что он написал всего 16 картин. Это не означает, что он был не слишком активным художником — существуют сотни вещей Да Винчи, но из его мастерской, его учениками. Некоторые из этих работ — копии самых известных вещей вроде «Моны Лизы». И только об одной мы можем сказать, что это произведение Да Винчи.

Мы думаем о художниках прошлого как об эдаких гениях, которые творили своей уникальной рукой, своим уникальным карандашом, в отличие от современных художников, у которых есть большие мастерские и множество ассистентов. Художники нашего времени — в гораздо большей степени люди, которые формулируют идеи, некий способ создания искусства. Например, Кунс с его «надувными» металлическими скульптурами или Олафур Элиассон с его концепциями — они в большей степени создатели концепций. И мы думаем, что художники прошлого чем-то отличаются, но в действительности это не так. Да Винчи создавал эти невероятные концепции мотивов, и одним из них, безусловно, был «Спаситель мира». Вопрос не в том, разрабатывал ли он этот мотив, а в том, «правильный» ли «Спаситель мира» оказался в руках Мохаммеда бин Салмана. На сегодняшний день известны более 50 версий «Спасителя мира», которые приписываются ученикам, мастерской, последователями и так далее. Все они действительно восходят к тому мотиву, который разрабатывал Да Винчи, а он, создавая этот мотив, в свою очередь вдохновлялся более ранними художниками. Если разбираться, оказывается, что все устроено гораздо сложнее. Но мир простоват, и мы хотим делить все на черное и белое, хотим сказать: «Это Да Винчи, а это не Да Винчи». Поэтому нам хочется, чтобы был этот окончательный конкретный ярлык и ответ, но реальность гораздо сложнее.

Вы согласны с тем, что три города делят ваш фильм на три части: история коррупции на профессиональном арт-рынке, история политической коррупции в Париже и история налоговой коррупции в Швейцарии?

«Коррупция» — чересчур сильное слово. Я, безусловно, считаю, что фильм состоит из трех глав, одна из которых посвящена профессиональному миру искусства, миру знатоков, экспертов. Во втором эпизоде мы видим, как искусство превращается в деньги, а в конце мы, несомненно, обнаруживаем связи искусства и власти; видим, как страны используют искусство в качестве инструмента — инструмента дипломатии, инструмента влияния и брендинга.

«Спаситель мира» во время реставрации, 2006

© Robert Simon / Sony Pictures Classics / пресс-служба

Было трудно найти представителей Лувра для съемок?

Невозможно! Но мне удалось поговорить с одним человеком по телефону. Думаю, Лувр предпочел бы, чтобы мир перестал говорить об этом, потому что за закрытыми дверьми произошло нечто очень некрасивое. Лувр заявил, что занимает полностью независимую позицию, на которую никак не влияет власть и политика. Единственное, что можно сказать с уверенностью, — тот факт, что мы не знаем, какова позиция Лувра, почему они решили не публиковать эту книгу, почему картина так и не оказалась на экспозиции, связан с властью и политикой. И очень жаль, потому что результаты их исследований должны принадлежать человечеству — у Лувра она есть, они анализировали эту картину, она была в их лаборатории, они очень подробно ее исследовали, но у нас нет доступа к этой информации из-за власти и политики, и это очень печально.

Мы хотим делить все на черное и белое, хотим сказать: «Это Да Винчи, а это не Да Винчи».

То есть книга с исследованием подлинности работы действительно существовала?

Книга существовала, Лувр подтвердил, что эта книга была написана и отозвана, потому что законы Франции таковы, что Лувр не может занимать позицию касательно картины, которую он не экспонировал.

Вы пытались связаться с Рыболовлевым?

Да, разумеется.

И что он сказал?

Трудно было уговорить супергероев арт-рынка принять участие в вашем фильме, дать показания? Даже эта женщина, которая выполнила реставрацию, она довольно много появляется в кадре.

Диана Модестини (профессор Нью-Йоркского Института изобразительных искусств, которая работала над реставрацией «Спасителя мира». — «РБК Стиль») уделила мне много времени. Она сказала: «Я хочу выступить в последний раз и больше не буду появляться в прессе», — потому что к ней было приковано очень много внимания, излишнего, нежеланного внимания. Она была далеко не самой сложной из героев. Большую часть времени мы потратили на попытки выйти на людей и разговорить их, потому что это анонимный, обособленный мир, в котором не хочется наживать врагов. А в этой истории была масса конфликтных моментов, так что многие отказались появляться в нашем фильме, потому что говорить о картине, высказывать мнение для всякого автоматически означает включиться в конфликт.

Реставратор Диана Модестини, профессор Нью-Йоркского института изобразительных искусств

© ADAM JANDRUP / Sony Pictures Classics / пресс-служба

Как долго вы работали над фильмом? Вам нужно было вести съемки как минимум в трех разных местах.

Вы снимали в Италии, Люксембурге, Швейцарии, Франции, Великобритании, США, Саудовской Аравии… в восьми-девяти странах. Было очень много работы. На это ушло три года. Масса времени ушла на поиски источников и исследования. У нас была целая команда исследователей, сценаристов, и все тратили время и усилия на то, чтобы понять эту историю, найти к ней подход и сложить все вместе. Это было очень большое предприятие.

У вас есть ощущение, что в кинодокументалистике существует повышенный интерес к внутренней кухне арт-рынка и музеев?

Не знаю. Думаю, интерес к историям об искусстве существовал всегда. Истории о преступлениях в сфере искусства — в некотором смысле вполне самостоятельный жанр. Дело в завораживающем контрасте между чем-то, что должно быть непорочным и прекрасным (как, например, искусство), далеким от власти и политики — и преступлением, его полной противоположностью. И когда они соединяются… Искусство притягивает нас как противоположность преступления, так что в эмоциональном плане людям это очень интересно. Не знаю, как лучше объяснить это, но «Мона Лиза» — отличный пример, потому что когда-то это была малозначимая картина Да Винчи.

Да, мало кто помнит, что знаменитой на весь мир работой ее сделала чета Кеннеди.

Не только Кеннеди. Если вернуться в начало 1900-х, когда «Мону Лизу» похитили из Лувра… До того как это произошло, «Мона Лиза» вовсе не считалась главным произведением искусства даже в контексте коллекции Лувра, у них есть и другие работы Да Винчи. Но это событие действительно привлекло внимание к этому небольшому портрету женщины со странной улыбкой, потому что газеты и средства массовой информации набросились на историю «Моны Лизы». А потом ее нашли и вернули в Лувр. И из этой истории во многом родилась ее слава, ее репутация. Думаю, это отличный пример, показывающий, что и сто лет назад людей тоже завораживало соединение искусства и преступления в одном сюжете.

Как вы думаете, эксперт в принципе может быть независимым?

Все мы так или иначе обязаны кому-то или чему-то. Не стоит воображать, что мир такой уж независимый. Ученых нанимают на работу институции, университеты. И в этом замешано огромное количество политики, постоянно имеет место сильнейший конфликт интересов. Важно показывать, в чем заключаются эти интересы и от чего зависят люди, потому что только это даст нам возможность вести реальную дискуссию о правде и фактах.

В свое время я хотела написать работу о Рембрандте и судьбе его спорных работ — а их в мире порядка 600, — которые то аттрибутируют самому мастеру, то его ученикам, иногда даже эти решения принимают одни и те же институты. И удивительно, что эти решения хорошо накладываются на общие макроэкономические и политические перемены в рынке, удивительно, как в мире оказывается все связано со всем.

Это очень много говорит о том, как вещи, которые мы принимаем за данность, зачастую оказываются продуктом исторического изменения интересов, власти и денег. Так происходит с очень многими вещами. Почему одно из миллионов произведений внезапно получает признание как самая важная, самая гениальная художественная работа? Почему что-то получает такое признание? Потому что оно действительно такое или потому что заинтересованные обладатели власти хотят, чтобы оно таковым было? Можно сказать, что довольно часто что-то становится важным в силу исторических обстоятельств. Часто художники не создают себя, их создают коллекционеры, заинтересованные в продвижении некоторых художников для повышения стоимости собственной коллекции. Мы очень часто видим это сегодня — невозможно стать большим художником в смысле продаж, если у вас за спиной нет группы коллекционеров и галерей, которые хотят сделать вас важным.

Да, этот вопрос постоянно возникает. Хорош ли этот художник или хорош его галерист? Трудно сказать.

И такого рода выгода всегда существовала. Был ли Да Винчи хорош потому, что он нравился герцогу Флорентийскому или королю Франции? Или он был хорош просто потому, что он был действительно хорош? Был ли он хорошим политиком или хорошим художником? Вероятно, и то, и другое.

Как этот фильм изменил вас?

Это было интересное приключение для всех членов съемочной команды, потому что благодаря нему мы побывали в самых безумных, самых невероятных местах.

Вы стали чаще ходить в музеи?

Нет, пожалуй, нет. Я не большой любитель музеев. Я люблю искусство, но музеи меня интересуют чуть меньше, чем новое искусство и новые произведения искусства.

Наверное, вы не ответите на этот вопрос, но как вы считаете, это настоящий Да Винчи или нет?

Я думаю, истина в глазах смотрящего. Я правда не знаю. Весьма вероятно, что Да Винчи дотрагивался этой картины. Но что на самом деле значит, что картину создал Да Винчи? Сколько раз он должен был дотронуться до картины, чтобы она считалась творением Да Винчи? Существует ли другая картина, к которой он прикасался больше? Он вообще дотрагивался до какой-нибудь картины хоть раз или он создавал эскиз, а остальное выполняли его ученики? У нас никогда не будет ответа на эти вопросы. Мы ничего об этом не знаем. Но в этой картине действительно есть что-то сверхъестественное в том смысле, что ее обнаружение привлекло столько внимания и вызвало столько споров, — вроде кольца у Толкина, которое все хотят, но все, кому оно достается, попадают в неприятности.

Я правильно понимаю, что вы не видели картину своими глазами?

Нет. Но мы и не утверждаем, что у нас есть мнение относительно ее подлинности, мы просто рассказываем историю и стараемся рассказать ее как следует.

Как нарисовать Красную площадь | Сделай все сам

Красная площадь – вестимая во каждом мире достопримечательность Москвы, крепко ассоциирующаяся со столицей России. Именно следственно на ее территории организуются все основные мероприятия страны.

Вам понадобится

  • – карандаш;
  • – ластик;
  • – краски;
  • – кисти;
  • – фотография Красной площади.

Инструкция

1. Есть два метода, которые традиционно применяются художниками для изображения Красной площади. 1-й из них состоит в рисовании с натуры, 2-й подразумевает перенос московской достопримечательности на бумагу с фотографии.

2. Если вы решили нарисовать площадь с натуры, то для начала выберите необходимый ракурс. Особенно наилучший вариант – захватить пространство между Спасской башней Московского Кремля и Храмом Василия Блаженного.

3. Расположитесь так, дабы были четко видны архитектурные детали попавших в поле зрения строений и сооружений.

4. Простым карандашом изобразите перспективу, учтите при этом направление ясных лучей и их воздействие на образование теней. Обозначьте центральную точку, от которой в будущем предстоит отталкиваться. Прорисуйте ансамбль куполов храма, череду хвойных деревьев по стены Кремля, основные конструктивные элементы башни.

5. Избегайте крепкого нажима на карандаш, напротив при удалении непотребных линий могут остаться невидимые невооруженным взором углубления от грифеля. А они, в свою очередь, не дозволят продублировать элемент в непосредственной близости от стертого и неблагополучным образом скажутся на всеобщем воспринятии готового изображения.

6. Раскрасьте полученную картину цветом. Начните с неба, потом перейдите на брусчатку, после этого – на архитектурные монументы. Не торопитесь набрасываться на мелкие детали – переход от большего к меньшему должен быть плавным. Такой подход убережет от ляпов и сведет вероятность происхождения недочетов к минимуму. Темные краски используйте осмотрительно: если рисунок окажется слишком угрюмым, осветлить его без урона качеству картинки будет крайне проблематично.

7. Во время переноса изображения Красной площади с фотографии следует придерживаться тех же правил: предпочесть ракурс, обозначить перспективу, прорисовать простым карандашом все трудные детали и только потом переходить к краскам.

Контрастные изображения с отчетливыми силуэтами, находящиеся на однородном ясном фоне, дозволено превратить в эффектные картинки , состоящие из текста либо всяких других знаков, при помощи нескольких инструментов программы Photoshop.

Вам понадобится

  • – программа Photoshop;
  • – изображение.

Инструкция

1. Загрузите в графический редактор картинку, которую вы собираетесь переделать в рисунок из символов . Для этой цели подойдет изображение лица, контур звериного – словом, всякий объект, расположенный на однотонном фоне. Если картинка неудовлетворительно контрастна, подкорректируйте ее опцией Brightness/Contrast группы Adjustments меню Image.

2. Для приобретения на изображении отлично читаемых силуэтов дозволено продублировать картинку опцией Layer via Copy группы New меню Layer и наложить полученную копию на фоновое изображение в режиме Color Dodge либо Linear Dodge. Добавьте в документ новейший прозрачный слой, применив опцию Layer из группы New, и закрасьте все лишние участки при помощи инструмента Brush. В качестве основного цвета выберите оттенок, в тот, что окрашен фон.

3. Сделайте слой, содержащий все видимые фрагменты обрабатываемой картинки, сочетанием Ctrl+Alt+Shift+E. Если вы не создавали дополнительных слоев, легко скопируйте фоновое изображение.

4. Примените к копии слоя с картинкой опцию Threshold группы Adjustments меню Image. Настройте изображение таким образом, дабы получившаяся черно-белая картинка сберегла отчетливость.

5. Включите инструмент Magic Wand, выделите им белые фрагменты изображения. Удалите их опцией Clear меню Edit.

6. При помощи Horizontal Type Tool сделайте текстовую область. Для этого кликните по верхнему левому углу картинки, зажмите левую кнопку мыши и растяните рамку области вправо и вниз так, дабы она охватила каждый рисунок. Заполните всю текстовую область комплектом знаков, введя их с клавиатуры либо скопировав из текстового редактора. Чем поменьше будет размер вводимых знаков, тем больше ясным получится рисунок.

7. Закройте часть текстового слоя маской. Для этого перейдите на слой с черными силуэтами картинки и загрузите выделение опцией Load Selection меню Select. Инвертируйте полученное выделение при помощи опции Invert того же меню и сделайте на его основе маску для слоя со знаками. Дабы это сделать, перейдите на текстовый слой и кликните по кнопке Add layer mask.

8. Дабы увидеть итог работы, спрячьте все слои, помимо текстового. В качестве фона для изображения сделайте слой, заполненный цветом, на котором будут четко видны знаки, составляющие картинку.

9. Сбережете полученную картинку опцией Save As меню File.

Видео по теме

«Москва… Как много в этом звуке для сердца русского слилось!» – писал некогда Писатель. Звук слова рождает образ. При упоминании о Москве воображение начинает рисовать перед глазами картины, навеянные искусством, историей либо ощущениями от посещения этого города. Москва в этом смысле уникальна безмерным многообразием вариантов. Есть среди них и обычные, вековые образы: Москва белокаменная, Москва златоглавая. Есть формальные и роскошные – Москва как опора мощи и величия государства Русского. Есть устаревшие – скажем, образ тихих захолустных московских двориков.

Инструкция

1. Этих образов неудовлетворительно, дабы представить русскую столицу наших дней. Следственно тема Москвы крайне увлекательна и перспективна для современного художника. Определитесь, в каком образе вы хотели бы запечатлеть данный город на бумаге либо холсте. Если вам надобен легко узнаваемый, нормальный образ, то изберите основным объектом своей картины какую-нибудь из знаменитых московских достопримечательностей. Кремлевские стены и набережная Москвы-реки, Красная площадь с Храмом Василия Блаженного, Храм Христа Спасителя, Новодевичий монастырь, «сталинские высотки» (здание МГУ им. М.В. Ломоносова, гостиница «Украина» и др.).

2. Обнаружьте прекрасные фотографии с видами Москвы либо сфотографируйте понравившиеся вам виды сами, допустимо, в каком-то новом странном ракурсе. Определитесь с композицией картины и техникой исполнения (графика, акварель, масляная живопись). Перенесите задуманную композицию на бумагу либо полотно. Дальше работайте над картиной в избранной вами технике.

3. Увлекательной и динамичной может предстать Москва в современном городском пейзаже. Остановите миг быстрой жизни мегаполиса и увидьте в нем кое-что красивое. Скоростные дороги, застывшие «пятнашки» многокилометровых пробок, темно-зеркальные башни Москва-Сити, отражающие облака и высоту небес, броуновское движение московских улиц и проспектов, самочувствие ливня либо удушливый туман смога – поводов для вдохновения много.

4. Дозволено подойти к сюжету картины со стороны общественного аспекта изобразительного искусства. Чай город состоит из людей, а значит, рисуя их, мы рисуем город. Нарисуйте компанию ваших друзей на отдыхе, сцены метро, улиц, кафе либо даже современных офисов. Особняком стоят образы задач и «болезней» столичного мегаполиса: позабытые обществом и государством инвалиды и ветераны Афганистана либо Чечни, бомжи и уличные попрошайки, разномастные представители молодежных субкультур, живописные мигранты из Средней Азии и многие другие.

5. Для создания актуального и не избитого образа Москвы надобно непрерывно искать увлекательные сюжеты. Носите с собой фотокамеру и снимайте виды города в различное время суток. Зарисовывайте странные здания, состояния городской природы, разные типажи и повседневные сцены московской жизни. Огромнее рисуйте с натуры, дабы обучиться передавать специальное самочувствие и энергетику города.

Видео по теме

Храмовая зодчество неизменно привлекала художников, специалистов и начинающих. Нарисовать собор сложно, необходимо владеть чувством линии, видеть перспективу и уметь создавать объем при помощи теней, впрочем, терпение и труд дозволят вам сотворить личный шедевр.

Вам понадобится

  • карандаш, альбомный лист.

Инструкция

1. Нарисуйте параллелограмм так, дабы одна боковая и одна нижняя грани располагались к вам «лицом»- получится объемная фигура. Это и будет основой.

2. Сейчас поделите переднюю часть параллелограмма на три, где две из них будут боковые и одна передняя (по сути, одну боковую часть вы теснее прорисовали при создании параллелограмма, осталось провести еще одну линию, которая закончит данный шаг).

3. Прорисуйте в передней части параллелограмма треугольники, в которые потом впишите купола собор а. Выделите выступы, рельеф собор а, и основные силуэты крыши, где будут расположены купола.

4. Проведите силуэты куполов и башенок собор а. Если рука для таких рисунков не «набита», то потребуется много времени, дабы добиться безукоризненной формы. Усердствуйте обойтись без вспомогательных материалов: круглых линеек либо циркулей, чай значительно славнее нарисовать всякую деталь собор а от руки!

5. Доработайте все детали куполов, изобразив их основания в виде неглубоких дуг, «прикрепленных» к крыше. Поместите несколько окон собор а в передней части, и не позабудьте про входную арку.

6. Осталось вовсе немножко: подробно прорисуйте все составляющие собор а, выделите силуэты. Наложите легкие тени на куполах, на выступах и боковой стене собор а с левой стороны от вас. Сейчас наложите мощные тени у окон, входных арок, и колонн. Текстурируйте крышу и добавьте кресты на купола.

7. Толстыми штрихами выделите купола с левой стороны, проложите больше большие тени выступов и колонн. Зарисуйте штрихами крышу собор а и некоторые мелкие детали, требующие доработки. Сотрите все непотребные линии, слегка растушуйте, и рисунок готов!Не забывайте, что первоначально фигура объемная и расположена одним ребром к вам, следственно все детали на ней располагаются вполоборота. Основное, сберегайте пропорцию, и итог оправдает все ожидания!

Видео по теме

Расшифровка стенограммы анимационного видео Сола Левитта:

Рассказчик: Настенный рисунок № 541 Сола Левита поставлялся с инструкциями, которым должны были следовать установщики.Им были даны конкретные размеры и цветовые схемы для каждой стороны кубиков. После рисования линий художники нанесли три слоя указанного цвета с каждой стороны и повторяли этот процесс для каждого куба, пока не был завершен рисунок стены.

Color Theory Activity

Теория: Один и тот же цвет будет выглядеть по-разному, если поместить его рядом с разными цветами.

Оранжевые квадраты выглядят так, будто они разного цвета?

Посмотрите внимательно на оранжевые квадраты ниже.Оранжевый квадрат, вероятно, выглядит светлее (более желтым) на красном квадрате и темнее (более красным) на желтом квадрате. Это связано с тем, что цвет фона может обеспечить больший контраст и изменить воспринимаемый цвет. В сочетании с более темным цветом более светлый цвет будет выглядеть намного светлее, и наоборот. На самом деле оранжевый цвет одинакового цвета как на красном, так и на желтом квадрате. Попробуйте создать такой же эффект, используя плотную бумагу. Вырежьте два маленьких квадрата одного цвета, размером 1 × 1 дюйм. Затем вырежьте два больших квадрата (3 × 3 дюйма) разных цветов, один с высокой контрастностью, а другой без.Склейте большие квадраты рядом друг с другом на лист белой бумаги. Приклейте маленькие квадратики в середину каждого большего квадрата. Наблюдайте и записывайте свои результаты.

Узнать больше:

Настенный рисунок № 541: Современный и концепт-арт

Кто такой Сол Левитт?

Чертеж № 541: установка

Настенный рисунок № 541: Ущерб и консервация

Настенный рисунок № 541: Действия

Настенный рисунок № 541: Глоссарий

Учебное пособие (с замедленным видео) — Карты Сары Белл

В прошлом году я поделился своей техникой для рисования отмывки графитом (карандаш). С тех пор я изучил несколько различных методов рисования цветной отмывки. Я поделюсь одним из этих методов в этом посте. Этот метод использует эти графитовые рисунки в качестве основы или отправной точки. Итак, чтобы начать, убедитесь, что вы проверили этот процесс здесь .

Прежде чем начать

Всем, кто хочет заниматься этим методом, непременно стоит это сделать! Обратите внимание, что есть некоторые шаги (особенно 2 и 3), в которых упоминается использование программного обеспечения ГИС, включая такие термины, как цифровые модели рельефа (DEMS), векторные данные, контурные линии, и это помогает, если читатели знакомы с этими терминами и как работать в картографическом программном обеспечении.Однако, как вы прочитаете на шаге 2, есть несколько хитрых обходных путей, которые я бы посоветовал попробовать всем — в основном это: если вы найдете область, которую хотите нарисовать на картах Google, а затем переключитесь в режим «Рельеф», шаги 2 & 3 становятся доступными. Это станет более понятным, когда вы прочитаете эти шаги.

Необходимые материалы

Для графитовых ступеней (отмывка в оттенках серого, которую вы рисуете перед добавлением цвета) вам потребуются карандаши, ластики и пни для растушевки художественного качества.Материалы, необходимые для цветных ступеней отмывки:

  1. Мягкие цветные карандаши на восковой основе — Художники используют два типа цветных карандашей: восковые и масляные. Определенно можно запечатлеть отмывку с помощью цветных карандашей на масляной основе, но метод, который я описываю ниже, использует очень мягкие тающие качества цветных карандашей на основе воска. Я лично выбрал карандаши Prismacolor Premier. ВАЖНЫЙ! Если у вас нет всех оттенков, которые вы ищете в местном художественном магазине, вы можете приобрести их в Интернете по отдельности.Я нашел все свои более светлые цветные карандаши на Blick.com примерно по 1,3 доллара за штуку.
  2. Плотная высококачественная бумага — Вы можете проверить свои цвета на любой бумаге. На самом деле, возможно, вы не захотите проводить первоначальную проверку цвета на самой дорогой бумаге. Ваша окончательная версия должна быть довольно качественной. Причина в том, что мягкие цветные карандаши на восковой основе созданы для смешивания. Вы можете слой за слоем добавлять цвета, чтобы получить идеальный оттенок. Если ваша бумага предназначена для набросков, она может не справиться со всей этой переделкой цвета.Для карты и наброска для разминки, которые я показываю в этом посте, я использовал переработанную 96-фунтовую бумагу Bristol XL.
  • 3. Программное обеспечение ГИС — Кроме того, если вы рисуете для точности, рекомендуется начинать рисованную карту в ГИС (для отслеживания линий хребтов и других данных, таких как дороги, реки и т. Д.). Вы также можете отследить их по распечатанному изображению. Этот процесс трассировки более подробно описан в этом руководстве по рисованной отмывке. Обратите внимание, что вы будете прослеживать только линии хребтов и, возможно, несколько речных долин.Эти гребни послужат каркасом, вокруг которого вы от руки начнете рисовать отмывку.
При рисовании для большей точности проследите линии хребта вашего пейзажа по фотографии или программному обеспечению ГИС. Для отмывки это будет единственное начертание. Свободное рисование оставшегося рисунка отмывки придаст вам более богатый эстетический вид.
Почему ГИС для рисования карты от руки?

Вам вообще не нужно использовать ГИС. Однако, начав создание отмывки, зарегистрировав четыре угла вашего рисунка с экстентом карты на экране или световом поле, а затем проследив гребни, вы сможете вернуться к своей ГИС-карте, чтобы точно отслеживать другие данные, такие как реки и дороги. .Это вопрос предпочтения. Я добавил векторные дороги, реки, озера и многое другое на свою нарисованную от руки карту, которой поделюсь в конце этого урока. По этой причине точность была очень важна, и я начал с трассировки линий гребня моей карты по цифровой модели рельефа (DEM) в ArcMap.

При трассировке совместите четыре угла области рисования с четырьмя углами карты на экране или в лайтбоксе. Это также позволит вам вернуться к трассировке, если вы хотите отслеживать другие данные карты, такие как дороги и реки.
О нанесенной на карту области

Я нарисую область в красном квадрате внизу. Эта площадь расположена в горном хребте Северных Каскадов, с более влажными западными склонами на западной стороне и сухой долиной Митоу на северо-востоке. Таким образом, хотя этот район составляет всего 17 миль в поперечнике, как и многие горные районы, он охватывает широкий спектр экосистем и ландшафтов.

Область в красном квадрате показывает расположение карты, изображенной в этом руководстве.

Помимо экологического разнообразия в этой местности очень крутой.Вот что делает рисование таким увлекательным! Самая высокая точка в этом районе — гора Норт-Гарднер на высоте 8 957 футов, а самая низкая — долина Метоу на высоте около 2000 футов.

Самая высокая и самая низкая точки отметки на карте.

Вы, , можете просто полагаться на цвета, которые, по вашему мнению, будут хорошо смотреться на вашей карте, или вы можете провести небольшое исследование области, которую вы наносите на карту. Я все люблю альтернативные цвета, и меня не особо привлекает эстетика гипсометрических оттенков цветов по умолчанию во многих программных пакетах картографирования (подробнее о гипсометрических оттенках ниже.Если вы посетили область, которую раскрашиваете, или немного узнали о ней, это поможет вам лучше понять ваш выбор цвета, даже если он не соответствует действительности. Например, я поделился этим постом в Instagram с фэнтезийной картой, которую я сделал и написал здесь. Это место я придумал в своем воображении. Мне нужно было «знать» даже это воображаемое место, чтобы правильно его нанести на карту. В истории, которую я придумал для этого места, Кистфьель — это уголок мира, который в настоящее время переживает долгий мирный период.Я хотел выбрать теплые успокаивающие оттенки даже для моря, чтобы люди чувствовали себя довольно спокойно, читая это. Вы также можете сделать это с помощью цветовой схемы для своей цветной отмывки! Дело в том, что добавление некоторой преднамеренной продуманности к вашей цветовой схеме может быть действительно полезным для вашей карты.

1. а. Гипсометрические оттенки

Метод, описанный в этой публикации, использует гипсометрическую тонировку, которая представляет собой картографическую технику для карт местности, где цвета применяются к разным диапазонам высот.На изображении ниже квадратный пейзаж слева имеет зеленый цвет в самом низком диапазоне высот по краям, а в центре самый высокий диапазон высот белый, чтобы имитировать снег и лед. Подобно тому, как картографы используют эту технику в своем картографическом программном обеспечении, этот рисованный от руки метод также опирается на гипсометрическую цветовую схему. Рельеф с оттенками серого, который вы уже нарисовали в этом уроке, будет сочетаться с вашими цветными карандашными пигментами. Квадрат справа на изображении ниже отражает эту идею.

На этой схеме показан эффект сочетания гипсометрических оттенков с оттенками серого рельефа.
Цветовая модуляция рельефа

Берхард Дженни и Лоренц Хурни — два ведущих исследователя картографии. В их статье Швейцарский стиль Color Relief Shading Modulated by Elevation and Exposure to Illumination (2006) описываются два типа цветовых рельефных штрихов. Во-первых, это вышеупомянутое гипсометрическое тонирование, которое присваивает цвета диапазонам высот, а второй метод называется с цветовой модуляцией .Этот второй метод добавляет цвет или изменяет цвет в зависимости от освещенности склона. Все вы, практикующие художники, работающие с цветом, знакомы с идеей заливки цветом. Снежный пейзаж Клода Моне « Сорока » — прекрасный тому пример. Снег белый, но чтобы запечатлеть теплые оттенки низкоугольного солнца, Моне использует бледно-золотистые оттенки там, где больше света. Чтобы передать тени, он решил использовать бледно-лиловый оттенок, который находится примерно напротив желтого на цветовом круге.При этом он выглядит как естественный цвет тени для этого пейзажа. В своей картине « Тележка » Моне использует более глубокий фиолетовый цвет, что создает иллюзию более позднего времени суток. Он даже использует более светлый бледно-лиловый на некоторых из наиболее освещенных участков вместо более теплых оттенков; это также помогает нам понять, что эти области все еще не слишком освещены. С помощью гипсометрических оттенков с цветовой модуляцией мы надеемся добиться аналогичных эффектов с цветом.

Выделение только прохладных (теневых) цветов для цветовой модуляции

На изображении выше я решил показать только цветовых оттенков, для всего более тенистых склонов.На этой схеме наклон слева (скажем, запад, ?) Имеет наибольшее освещение, поэтому у него нет модулированных оттенков. Меньше всего освещен восточный склон. Солнечному свету труднее попасть в эти области, поэтому, естественно, здесь прохладнее. Так что у него самая интенсивная модуляция холодных цветов. А северный и южный склоны имеют разную степень освещенности и соответствующую степень модуляции. Добавляя эти модуляции к гипсометрическим оттенкам в Illustrator с помощью прозрачности Overlay, он дает красивый гипсометрический оттененный рельеф с цветовой модуляцией.

На этой схеме показан эффект комбинирования гипсометрических оттенков с рельефом в оттенках серого, а затем добавления этих прохладных цветов модуляции из предыдущего изображения.
1. б. Тестируем свои цвета

Вы захотите проверить свои цветные карандаши, чтобы увидеть, как они растушевываются и светятся вместе. Вы также можете использовать это как возможность увидеть, как они сочетаются друг с другом. Совет! Затенение цветными карандашами на восковой основе может показаться немного нелогичным: сначала нужно нанести более темные и более смелые цвета, а затем выделить последними более бледными цветами.Например, шар в правом нижнем углу имеет розовато-радужный цвет. Сначала я наношу розовый цвет со средним давлением, а затем светло-голубой (слегка барвинковый) цвет, чтобы выделить его с более сильным давлением. Такое сильное давление отлично подходит для смешивания восковых пигментов обоих цветов. Затем я добавил белый цвет там, где этот шар будет ярче всего. Для этого я тоже использовал сильное давление.

Совет! Затенение цветными карандашами на восковой основе может показаться немного нелогичным: сначала нужно нанести более темные цвета, а затем — выделить светлые.

Тестируем цветные карандаши
1.c. FWIW; моя цветовая схема для этой конкретной карты

Я делюсь этой цветовой схемой как к сведению, но, конечно, не как правило, которому нужно следовать. Я присоединяюсь к идее, что мы должны иногда (много раз) нарушать правила картографии, но я также уважаю их существование и что картографы часто ценят воспроизводимые шаги. Долгий способ сказать: используйте эти цвета, если хотите! Но получать хорошую отмывку точно не обязательно.Несколько замечаний о цветовой схеме ниже:

  1. Это только мои базовые цвета, которые я использовал до цветовой модуляции. По сути, это «гипсометрические оттенки».
  2. На изображении ниже показаны эти цвета без графитовой отмывки под ним. Другими словами, они выглядят ярче, чем на большей части моей карты.
  3. ЛОТ моей финальной карты (WIP), показанной в конце этого поста, представлял собой цветовые модуляции и более мелкие детали. Есть несколько цветов, которых нет на изображении ниже, но я буду ссылаться на них на шаге 6 (шаг цветовой модуляции).
  4. Яблочно-зеленый и бледный шалфей . Я называю эти два цвета на изображении, потому что в видео я использую эти два цвета в большинстве случаев. Вызывая их здесь, я могу ссылаться на них позже.

Выбранная мной цветовая схема для карты и разминки, показанных на видео ниже. Порядок этих цветов соответствует порядку диапазонов высот, к которым они применяются: самый низкий — яблочно-зеленый, а самый высокий — белый.

2. Добавьте контурные линии (если возможно, в ГИС)

Этот метод, который я описываю в этом руководстве, основан на гипсометрической тонировке, и по определению (см. Выше) оттенки соответствуют диапазонам высот в отображаемой области. На этом следующем шаге мне нравится добавлять контурные линии на мою карту в программном обеспечении ГИС, а затем использовать их в качестве визуального ориентира для определения того, где должны располагаться цвета. Я использовал ArcMap 10.6, и это видео от Логана Холла — прекрасное руководство по добавлению контурных линий, если вам интересно.Однако, если вы не используете ГИС, есть несколько способов добиться соответствия цветов диапазонам высот на вашей карте. Первый способ — просто использовать ваше здравое суждение о том, где будет / должна применяться ваша цветовая схема — стремитесь к тому, чтобы самые низкие области имели цвет с наименьшей высотой из вашей схемы. Примечание: я сделал это, и это сложно. Другой способ — найти вашу нанесенную на карту область на картах Google и включить режим «Рельеф». Это покажет вам несколько контурных линий вашей нанесенной на карту области.

Для моей карты я добавил горизонтальные линии с интервалом 400 футов для этого шага (я использовал 500-футовые изолинии в качестве картографического отображения на окончательной карте). У меня есть свои причины для этого, которые, в конечном счете, двоякие: 1) Легче точно настроить размеры диапазона на следующем шаге, когда интервалы меньше. 2) Диапазон высот 500 футов на окончательной карте просто легче читать. Это будет иметь смысл, когда вы прочитаете шаг 3.

Шаг 3: Группируйте контурные линии в диапазоны

Вы рады рисовать! Мы на третьем этапе, а рисование еще не началось.Шаг 1 — это выбор отличных цветов, а шаги 2 и 3 гарантируют, что ваша хорошо подобранная цветовая схема будет применена к реальным соответствующим высотам. Это приводит к впечатляюще драматическим результатам, так что я считаю, что потраченное время стоит того. На третьем шаге вы захотите применить свои знания о нанесенной на карту области к контурным линиям, сгруппировав их соответствующим образом. Я очень хорошо знаком с районом, который рисую для этой карты, и знаю различные экосистемы, соответствующие различным диапазонам высот.

Сгруппируйте свои контуры как порядковые диапазоны, где диапазоны каждой группы определяются вашим опытом картографа и вашими знаниями ландшафта. Это означает, что диапазон каждой группы может различаться по размеру.

Я сгруппировал свои контурные линии в диапазоны, которые соответствовали моей цветовой схеме, а также соответствовали фактическому ландшафту — альпийские и субальпийские зоны, низкие лесные долины и все между ними. На изображении выше я перенес свои контурные линии в Adobe Illustrator и раскрасил диапазоны контуров в качестве дополнительной проверки того, имеют ли они смысл для моей карты.Для моей карты имеет смысл оставить самые низкие отметки темно-зелеными, а самые высокие — белыми (это область снежников и ледников!). Не беспокойтесь о том, как вы группируете свои контуры. На самом деле это довольно весело! Вы можете даже сделать одну или две итерации, прежде чем попадете в группу, которая вам нравится (я, конечно, сделал… и буду снова).

Шаг 4 — ЦВЕТ в диапазонах (с соответствующими им цветом / оттенком)

Если вы начали этот процесс с отслеживания моих линий гребня из ГИС, вы могли бы легко зарегистрировать свою бумагу, чтобы выровнять ее с этими сгруппированными контурами, и просто начертить верхнюю линию контура для каждой группы, а затем раскрасить группу.В этом видео ниже вы заметите, что я использовал контуры в качестве наглядного ориентира. Когда я раскрашиваю, я смотрю на свой монитор, чтобы узнать, где находятся диапазоны цветов из шага 3. Я рисую верхнюю контурную линию каждой цветовой группы, а затем закрашиваю всю область этой цветовой группы, используя давление от среднего до легкого.

Мне нравится сначала начинать с более низких отметок, а затем двигаться вверх. В этом видео показано добавление цветов Apple Green и Pale Sage к двум моим нижним группам диапазона высот.

Вот предварительный набросок после шага 4. Слева вы увидите только графитовый рельеф с оттенками серого, а справа — нанесение цвета от среднего до светлого для каждого диапазона. Это не выглядит эффектно по двум причинам: 1) Еще не положено! Так что не расстраивайтесь. Ты делаешь это правильно! Шаг 4 — это точка на вашем рисунке, где вы наносите пигменты на бумагу, чтобы потом ими можно было манипулировать. О, еще одна причина, по которой это выглядит не очень хорошо … 2) Изображение справа — это снимок экрана с замедленным видео, что не всегда делает хорошую фотографию.

Всегда греться! Изображение слева — графитовый рисунок разогревающего пейзажа. Изображение справа показывает этот разогревающий пейзаж после выполнения шага 4: Раскрасьте диапазоны соответствующим цветом / оттенком.

Шаг 5 — Смешивание с ЦВЕТОМ!

Это может стать вашим любимым шагом. После того, как на шаге 4 вы раскрасили все свои диапазоны с помощью среднего давления, вы перейдете к шагу 5: Смешивание! Здесь вы действительно сможете увидеть всю мощь мягких цветных карандашей художественного качества.Вы будете смешивать, беря цвет каждой группы и раскрашивая следующий самый низкий цветовой шаг со средним или сильным давлением. Например, в этом видео вы увидите, как я раскрашиваю карандашом Pale Sage Colored поверх карандаша Apple Green, который используется в самых нижних областях на этой карте. Используя это более сильное давление с Pale Sage, эти два цвета действительно хорошо сочетаются друг с другом. Смешивание этих цветов вместе также смягчит границу в красивый градиент. Я продолжу с этим средним-сильным давлением по всему диапазону цветовой группы Бледный шалфей.Я мог бы немного ослабить давление, когда добрался до более высоких частей Бледного Шалфея, чтобы он был подготовлен к следующему по высоте цвету, Серо-Зеленому Свету — отличный цвет! Затем (не показано в этом видео) я раскрашиваю со средним или сильным давлением серо-зеленым светом над областью бледного шалфея и так далее.

Чтобы завершить шаг 5, вы повторяете этот процесс для каждого цвета в палитре, двигаясь вверх по высоте. Обратите внимание, что есть некоторые личные предпочтения в том, как вы делаете этот шаг, поэтому работайте, пока не найдете ритм, который работает для вас и вашего ландшафта, но я считаю, что это хорошая общая основа для импровизации.(Импровизируйте, пожалуйста!)

Мой набросок разминки после шага 5. Опять же, скриншот из покадровой видеозаписи, так что это не самая идеальная установка для фотосъемки.

Шаг 6 — ЦВЕТОВАЯ модуляция

После шага 5 все будет готово, если рисунок соответствует вашим желаниям. Или вы можете перейти к шагу 6, который является последним шаг: Цветовая модуляция.

Этот шаг затенения с цветом не относится только к отображению. Художники все время оттеняют цветом. То, как вы выполните шестой шаг, действительно зависит от вашего творческого взора.Более прохладные цвета отлично подходят для более тенистых склонов, а более теплые цвета — для более ярких склонов. Я использую темно-зеленый, фиолетовый и лавандовый цвета для теневых сторон, а персиковый, бледно-желтый и белый — для солнечных. Давление меняется в зависимости от пигмента. Чем светлее / бледнее карандаш, тем сильнее давление. Если вы помните, в начале этого поста был совет: сначала наложите более темные и более цвета и выделите после , чтобы получить эти более темные цвета на бумаге. Вы также можете применить это здесь.Эти более светлые бледные цвета действительно хорошо сочетаются с пигментами смелых цветов, но смелые цвета не будут работать таким же образом. Поэтому, выбирая более смелые цвета, убедитесь, что вы начинаете со среднего (возможно, даже среднего) давления во время цветовых модуляций.

На видео ниже вы видите, как я добавляю некоторые из самых высоких цветов высот, а также самую начальную модуляцию темно-зеленого цвета на мою карту. Вы увидите, как я много модулирую и в разминке.Я могу написать целый пост о цветовой модуляции в какой-то момент в ближайшее время, но на данный момент описания выше должно быть достаточно для твердого начала на ваших удивительных рисованных картах!

Мой набросок для разминки с некоторыми оттенками цветовой модуляции вызван для иллюстрации. Мне нравится использовать пурпурный, лавандовый и темно-зеленый для тенистых уголков и много бледно-желтого, персикового и белого цветов для более освещенных склонов.

Финальная карта (WIP)

Вот текущая версия этой цветной карты с отмывкой, расположенной вдоль шоссе 20 штата Вашингтон, обычно называемого шоссе Северных каскадов.Этот участок дороги просто потрясающий, и я надеюсь, что вы все когда-нибудь пройдете по нему. Перед тем как это сделать, обязательно проверьте отчет Вашингтонского агентства транспорта, потому что это шоссе закрыто в зимние месяцы!

Считайте эту карту незавершенной, а не завершенной. Но я хотел (нуждался) опубликовать это руководство сейчас, потому что на прошлой неделе я пообещал, что это сделаю около 400 человек. Однако, пожалуйста, следите за обновлениями на этой карте и, возможно, на некоторые вещи, которые я узнал во время ее заполнения.Текущая версия использует векторные данные для всех картографических данных, кроме отмывки, что было сделано в соответствии с шагами, описанными в этом руководстве.

Незавершенная рисованная карта отмывки с векторными данными. Эта карта покрывает территорию к западу от Вашингтонского перевала до города Мазама, штат Вашингтон, на востоке. Гора Сильвер Стар находится в центре этой карты.

Не забывайте наслаждаться этой медитативной связью с пейзажем и получать от этого удовольствие. Удачного отображения — и рисования!

Стертый рисунок де Кунинга · SFMOMA

На цифровом улучшенном изображении показан рисунок, полученный в двух направлениях, противоположных 180 градусам.При правильной ориентации (в кадре Раушенберга) появляются четыре фигуры: обнаженная женщина внизу справа; еще одна обнаженная вверх ногами, вверху по центру; третья, меньшая фигура с поднятыми руками, перевернутыми вверх ногами и чуть не по центру листа; и вертикальная абстрактная фигура в стиле Шму 35 справа от композиции. Де Кунинг иногда поворачивал свою бумагу и работал с рисунками в разных направлениях, прежде чем останавливаться на одном, поэтому некоторые вариации в направлении и пространственных отношениях не являются чем-то необычным.Однако относительно полные фигуры, разные масштабы и разброс форм на этой странице наводят на мысль, что мы смотрим не на отдельную композицию, а на страницу рабочих эскизов — зачатков идей и грубо записанных деталей, не выполненных полностью. мысли или даже законченные исследования. Более того, нет никаких указаний на подпись де Кунинга. В конечном итоге невозможно определить точный характер стертого рисунка; однако здесь это не имеет большого значения, потому что эффект Erased de Kooning Drawing гораздо больше зависит от репутации де Кунинга, чем от специфики или относительной значимости оригинальных произведений искусства, которые он внес. 36

Чтобы говорить о влиянии работы, мы должны также учитывать ее восприятие критиками и другими художниками. Здесь также детали часто теряются в тени рассказа Erased de Kooning Drawing . Недавние исследования показали, что этот рисунок был публично показан намного раньше, чем было известно ранее, впервые появившись на вышеупомянутой выставке в галерее Пойндекстер в 1955 году вместе с графитом и рисунком для зажигалок Flag (1955) Джонса. 37 Выставка Poindexter проводилась за девять лет до знаменитой выставки Wadsworth Atheneum Black, White and Grey: Contemporary Painting and Sculpture начала 1964 года, которая на протяжении десятилетий была записана как первая запись в истории выставки. 38 Потерянное для истории почти шестьдесят лет шоу Пойндекстера ни в коем случае не было крупным событием, и нет никаких свидетельств того, что кто-либо (кроме Джонса) видел на нем стертых рисунков де Кунинга .Большинство первых зрителей, вероятно, столкнулись с работой в нью-йоркской студии Раушенберга, где она висела на стене и была видна любому, кто заглядывал в общительного художника. История создания этой работы определенно просочилась в художественные круги города в середине и конце 1950-х годов, когда Раушенберг начал рассказывать людям, что почти сразу же стер рисунок де Кунинга. 39 Из уст в уста основные сюжетные моменты этой истории стали известны инсайдерам искусства к 1957 году, когда Стейнберг позже сообщил, что слышал о работе и был настолько озадачен, что взял телефон, чтобы позвонить художнику, чтобы узнать разъяснение. 40 Недавние отчеты показывают, что многие из тех, кто слышал о рисунке вскоре после его завершения, не сочли его особенно шокирующим. 41 Для большинства Боб был просто Бобом. Восприятие скандала вокруг того, что сделал Раушенберг, развилось постфактум: когда стертый рисунок де Кунинга начали канонизировать, он задним числом стал скорее коллективным шоком.

До 1964 года рисунок стертого де Кунинга был почти невидим в литературе Раушенберга, первое упоминание о нем появилось в статье 1960 года японского художника и критика Ёсиаки Тоно. 42 Предлагая свои наблюдения об американском искусстве как об относительном аутсайдере, Тоно без комментариев отмечает, что Раушенберг недавно создал произведение, стирая рисунок де Кунинга. Хотя ссылка краткая, Тоно выделяет рисунок как пример наиболее интересной работы, происходящей в Соединенных Штатах, предполагая, что он является символом группы художников, работающих с концепцией «вычеркивания», не подразумевая отрицания или отрицания. сопротивление. 43 Год спустя Кейдж написал статью о Раушенберге, в которой также мимолетно (и косвенно) упоминается рисунок, образуя его как момент чистки доски: «На самом деле, приятно начинать все сначала.В процессе подготовки он стирает Де Кунинг ». 44 Ссылка Кейджа, хотя и немногим более обширная, чем у Тоно, установила прочную основу для понимания Erased de Kooning Drawing не только как поворотный момент для Раушенберга, но и как необходимую декальцификацию самого искусства, сделавшую возможным все, что было после .

Стертый рисунок де Кунинга , по сути, оставался андеграундным явлением в мире искусства более десяти лет после того, как был завершен. 45 Примечательно, что он был исключен из многочисленных важных персональных и групповых выставок в конце 1950-х — начале 1960-х годов, в решающие годы, когда репутация Раушенберга укреплялась на международном уровне. 46 Ситуация изменилась с открытием Black, White and Grey в январе 1964 года, 47 и импульсом, созданным благодаря яркому внешнему виду работы Томкинса в привлекательном профиле художника New Yorker в феврале 1964 года. Невозможно переоценить ту степень, в которой показ работы Томкинса и ее сюжет повлияли на современное понимание стертого рисунка де Кунинга .Он подготовил почву, отметив статус художника как аутсайдера в «главном течении абстрактной экспрессионистской живописи», и подчеркнул серьезность его усилий; Затем он передал повествование Раушенбергу, подробно процитировав его рассказ от первого лица. В сентябре того же года рисунок был использован в качестве открытия для статьи в журнале Time . 48 Именно благодаря таким публикациям — и продолжительности творческой истории художника — Erased de Kooning Drawing закрепил свое место в каноне Раушенберга.Хотя работа не привлекла особого внимания в обзорах Black, White and Grey , 49 , впоследствии она была включена в две общенациональные выставки и побывала в четырнадцати городах в период с конца 1964 по начало 1968 года. 50

Количество опубликованных ссылок и частота выставок работ резко возросли в последующие десятилетия. В период с 1966 по 1990 год Erased de Kooning Drawing появлялись более чем на тридцати трех площадках в шести странах.Задняя часть его рамы теперь завалена выставочными этикетками (см. Рис. 3), что свидетельствует о мировом спросе на это произведение искусства. Рисунок был упомянут в более чем пятидесяти трех публикациях в период с 1964 по 1976 год, когда он дебютировал в главной ретроспективе Раушенберга Уолтера Хоппса. К тому времени стертых рисунков де Кунинга достигли своего нынешнего положения как определяющая работа в развитии концептуального искусства. Эта позиция зародилась в статье Аллана Капроу «Экспериментальное искусство» 1966 года, в которой стертых рисунков де Кунинга позиционировались как наивысший пример идеала Капроу — вида искусства, которое определяет условные границы и затем находит творческие способы их ниспровергнуть. 51 В 1968 году Гарольд Розенберг назвал стертых рисунков де Кунинга «самым значительным творческим жестом последних двух десятилетий», а в оригинальной статье Люси Липпард и Джона Чендлера «Дематериализация искусства» он был назван яркий пример ультраконцептуализма. 53 Действительно, к моменту проведения выставки Хоппса в 1976 году рисунок стал выдающимся произведением как в творчестве Раушенберга, так и в истории искусства двадцатого века в целом.Розенберг признал его место «краеугольным камнем новой академии, посвященной замене произвольного« я »художника предопределенными процессами и целями, то есть минимализмом и концептуализмом». 54 Он цитировался почти в каждом обзоре ретроспективы Хоппса 1976 года и с тех пор накопил обширную историю выставок и публикаций.

Как показано в этом эссе, за стертым рисунком де Кунинга стоит не одна история, и попытка поместить его в одно повествование рискует скрыть сложность его истории и потенциала.Было бы слишком упрощенно охарактеризовать жест стирания работ де Кунинга как акт эдипального восстания или попытку стереть прошлое, чтобы создать новое настоящее. Раушенберг как художник и как человек никогда не был настроен так односторонне. Также было бы чрезмерным упрощением помещать работу в прямую линию от Дюшана к концептуализму. Акт Erased de Kooning Drawing был гораздо более сложным, а художественные работы — гораздо более тонкими и далеко идущими. Да, стирание было актом разрушения, но как творческий жест оно было также актом почтения или даже преданности де Кунингу, рисованию, истории искусства и идее идти на риск и быть открытым ко всему. приходит в результате.На данный момент рисунок Erased de Kooning Drawing стал прародителем концептуального искусства, но его любопытное начало и природа с чистого листа гарантируют, что он останется открытым для будущих интерпретаций.


Банкноты

QuickShape — Procreate® Handbook

Руководства и помощь по рисованию

QuickShape преобразует нарисованные от руки линии и формы в идеальные формы в мгновение ока.

Создать QuickShape

Нарисуйте линию или фигуру и держите палец на холсте.

Через некоторое время автоматически запустится QuickShape . Ваш штрих будет «привязан» к идеальной линии, дуге, полилинии, эллипсу, треугольнику или четырехугольнику.

Привязка к идеальной форме

Если форма, которую вы создаете, неодинакова, продолжайте удерживать ее и поместите второй палец на холст. Таким образом прямоугольник превращается в квадрат, овал — в круг, а неровный треугольник — в равносторонний.

Масштабирование и поворот

Чтобы масштабировать или повернуть созданную вами фигуру, пока не отрывайте палец от холста.Удерживая нажатой, перетащите, чтобы настроить масштаб и поворот фигуры или линии.

Магнитный поворот

Чтобы вращать фигуру с точным шагом, удерживайте второй палец на холсте, перетаскивая фигуру. Это позволит вам поворачивать фигуру с шагом в пятнадцать градусов.

Изменить QuickShape

Когда вы отпустите фигуру, на панели уведомлений в верхней части холста появится кнопка «Изменить фигуру».

Если вы не хотите редактировать, продолжайте рисовать или нажмите в любом месте, чтобы закрыть кнопку.

Чтобы отредактировать фигуру, нажмите кнопку Edit Shape , чтобы войти в режим QuickShape Edit .

Редактировать фигуру

В режиме Редактировать фигуру доступные параметры определяются исходной формой. Они отображаются в виде кнопок на панели уведомлений.

Преобразование

В режиме Редактировать фигуру узлы преобразования появляются на вашей фигуре. Это позволяет более точно контролировать. Перетащите узел, чтобы настроить эту часть вашей формы.

Для равномерного масштабирования фигуры перетащите саму фигуру в любое место между узлами.

Подтвердить

Когда вы закончите, нажмите в любом месте холста, чтобы выйти из режима редактирования формы.

Настройки

Управляйте своими инструментами с помощью настраиваемых ярлыков.

Для еще более точного управления QuickShape перейдите в меню «Действия »> «Настройки»> «Управление жестами»> «QuickShape».

Здесь вы можете настроить и настроить множество ярлыков и параметров сенсорного экрана и карандаша, чтобы интегрировать QuickShape в свой рабочий процесс.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *