Как нарисовать живопись: Живопись и рисование: бесплатные мастер-классы

Содержание

Живопись по номерам: как создать свой шедевр

Признайтесь, вы ведь подходили в музее поближе к картинам, разглядывали внимательно каждый мазок, каждую линию и даже точку. Как это им удается? Как ухитряются художники так ловко уложить краски рядом, что все эти цветовые пятна образуют настоящую картину?! Отходите на несколько шагов — и происходит чудо! То, что вблизи казалось лишь пазлом из разноцветных клякс, издали складывается в живое лицо, в трепещущие на ветру ветви деревьев, брызги волн, стремительный бег лошадей…

Рисование по номерам

Рисование — это настолько приятный и умиротворяющий процесс, что заняться им хочется многим, и даже тем, кто не имеет к этому таланта. Ведь не возбраняется же петь в душе, не имея ни слуха, ни голоса, так почему бы не порисовать в свое удовольствие и «горе-художнику»? Рисование по номерам — это ваша палочка-выручалочка. «Как это рисовать по номерам? — спросите вы. — Это рисование или математика?» Для вас это, конечно, рисование.

А вот те мастера, которые сделали для вас всю подготовительную работу, проявили именно математический подход к живописи. Суть процесса состоит в том, что любая картина, будь то мировой классический шедевр, импрессионистский пейзаж, смелое авангардное изображение или современный сюжет, раскладывается на сотни мельчайших цветовых пятен точным и верным глазом художника. Получается разноцветная мозаика. Специалист переносит эту мозаику на чистый холст, прорисовывая контуром границы каждого цветового пятнышка, но не заполняя их красками. Вместо краски в каждом пятне проставляется номер, соответствующий тому или иному цвету. А вот сами цвета в каждый контур нанесете вы. При этом вам совершенно не придется заботиться о правильности линий и точности цветовой гаммы. Зато удовольствие от ощущения кисти в руках и нанесения краски на холст вам гарантировано. А результат превзойдет все ожидания! Кто мог подумать, что из-под вашей кисти так легко появятся убедительные копии мировых шедевров: «Царевна-лебедь» Врубеля, «Девочка с персиками» Серова, «Три богатыря» Васнецова, «Купание красного коня» Петрова-Водкина, «Красавица» Кустодиева, «Поцелуй» Климта, «Восходящее солнце» Моне, «Ночное кафе» Ван Гога, «Итальянский полдень» Брюллова и даже «Мона Лиза» Леонардо да Винчи.

Слева: набор «Утро в сосновом лесу». Справа: набор «Три богатыря». Производитель: «Фрея»

Проще всего понять технику росписи по номерам, когда в качестве исходного изображения используются полотна художников-импрессионистов. Они наносили краски крупными густыми мазками. Вблизи их картины подчас напоминают мозаику или пазл. Внимательно изучая их стиль, вы увидите, как целое изображение складывается из мельчайших цветовых пятен. Особенно хороши для копирования по номерам картины современного белорусского художника-импрессиониста Леонида Афремова. Он использует в работе мастихин — тонкую упругую лопаточку. Мастихином художник укладывает яркие мазки один за другим, и на его картинах они как будто кружатся в ослепительном танце, создавая вместе незабываемую разноцветную мелодию. В нашем магазине вы можете выбрать для рисования по номерам многие из его картин: «Городской трамвай», «Бруклинский мост», «На ступеньках», «Осень в парке».

Рисование по номерам, помимо легкости процесса, имеет еще один неоспоримый плюс. За какой бы сюжет вы ни взялись, достаточно будет купить готовый набор. Вам никогда не придется озадачиваться поисками нужной основы, кистей и красок. А многие комплекты еще и снабжены финишным лаком, креплением на стену и даже регулировочным уровнем, как, например, у фирмы Molly: «Зима» Андрея Дареева, «Весна в горах» Сунг Ли, «Ландыши» Игоря Бузина. Это хобби по принципу «все включено». Открываете коробку, достаете все необходимые материалы и незамедлительно приступаете к приятному занятию.

Чувствую, вы уже потираете руки и хотите поскорей ощутить себя живописцем. Я познакомлю вас с содержимым наборов для рисования по номерам, а потом мы займемся выбором сюжета. В каждый комплект вложена цветная репродукция готовой работы, контрольный лист с пронумерованными оттенками, основа для рисования, баночки с акриловыми красками, одна или несколько кистей и дополнительные материалы: лак, крепление и уровень. Выбирая исходное изображение, ориентируйтесь на свой художественный опыт. Если кисточка редко бывает в ваших руках, начните с тех небольших по размеру рисунков, которые состоят из наиболее крупных цветовых фрагментов, как, например, картина «Ухаживание». Ее размер 15×20 см, и в ней использовано всего 10 цветов. Изучая увеличенные фотографии рисунков в нашем магазине в разделе «Роспись по номерам», вы легко поймете, какие из них проще, а какие сложнее. Чем больше цветовых пятен и чем они мельче, тем труднее будет раскрашивать картину.

Основы для рисования

Основы для рисования бывают трех видов: холст, картон и дерево. Холст — самая распространенная основа. Картон и дерево в живописи по номерам встречаются реже. Если вы никогда не рисовали на холсте и дереве, то лучше начать с основы попроще — с картона. На него легко наносится краска, а ее излишки хорошо впитываются. Вы легко справитесь с изображениями собачек на картоне 16,5×13 см: «Боксер» и «Вельш-корги»; или с изображениями в формате А3: «Лондонский автобус», «Поезд» и «Болид». Деревянная основа тоже несложная в работе. Дерево для росписи отшлифовано очень гладко, поэтому краски ложатся на него легко. Рисунок на дереве долговечнее и смотрится красиво благодаря естественной природной фактуре. Если вы поупражняетесь и научитесь наносить краску тонким прозрачным слоем, то деревянная фактура, проступающая через изображение, придаст дополнительный эффект. Особенно заиграют при этом натюрморты с букетами цветов: «Букет подсолнухов», «Белые розы» и «Огненные маки». Самая сложная для работы основа — это холст. Но она же и самая изысканная. Холст соткан из хлопковых волокон, натянут на подрамник и загрунтован. Плетение нитей обязательно проявится сквозь краски и сделает вашу домашнюю картину «настоящей, как в музее». Такое творение, обрамленное в изящный багет, не стыдно повесить на стену.

Слева: набор «Ромашки». Справа: набор «Белые розы». Производитель: «Молли»

Сюжеты и краски

Приступим к выбору картины! Уверенные и амбициозные рисовальщики захотят украсить своими творениями главную комнату в доме — гостиную. В гостиной прекрасно сморятся разнообразные пейзажи. Они могут напомнить о ваших путешествиях: «Париж», «Эверест», «Вид на Биг-Бен», «Лодки на канале», «Цветные дома в Амстердаме». Поднимут ваше настроение пейзажи, насыщенные яркими цветами: «Осень в деревне», «Дом у воды», «Летний горный пейзаж», «Пальмы Майями», «Яркие лодочки», «Поле с подсолнухами». Идиллические умиротворяющие виды, напротив, подарят вам спокойствие и расслабят после трудного дня, как например: «Прогулка под парусом по Которской бухте», «В ромашковом краю», «Домик у пруда», «Домик у водопада в лесу», «Часовня и пруд», «Райский сад», «По водной глади». А целый триптих «Восход на озере» размером 120×40 см буквально заменит вам сеанс психотерапии. Неугомонные оформители и любители сезонного декора выберут изображения разных времен года, которые можно менять в соответствии с календарем: «Весна в Провансе», «Летнее великолепие», «Золотая осень», «Декабрьское утро». Если вы приверженец строгого минималистского интерьера с яркими и стильными акцентами, то вам понравятся романтичные картины в лаконичной черно-серо-красной гамме: «Париж», «Вечерняя прогулка» или «Улочка старого города».

Хотите видеть самодельные творения в более интимной атмосфере, не выставляя их напоказ критикам? Самое удачное место для них — спальня.

Копии работ художника Константина Разумова идеальны для современного будуара. Дети на его полотнах — сущие ангелы, а женщины — идеальные существа. Выбирайте сюжеты: «Запах детства», «Мяу», «Маленькая художница», «Маленькая балерина», «Портрет девушки с пионами». Также уместны в спальне и романтические изображения прекрасных девушек или влюбленных пар. Кстати, такая самодельная картина может еще и стать оригинальным подарком любимому. Рисуйте по номерам: «Девушку-загадку», «Дочь Посейдона», «Хрустальные чувства», «Поцелуй. Поп-арт», «Под красным зонтом», «Свидание под луной», «Волшебные качели», «Море любви» или «Романтическое свидание».

Из спальни мы плавно переместимся в детскую, так как это наиболее востребованное и подходящее место для оформления стен творениями своих умелых рук. Тем более что большинство наборов росписи по номерам походят для детей старше 8 лет. Дети могут сами выбрать сюжет и создать самостоятельные картинки или попыхтеть над одним полотном вместе с родителями.

Коль скоро мы признали, что дети — это ангелы, то именно ангелочков хочется увидеть маме в детской комнате: «Ангелочек и котенок», «Ангел в сказочном лесу», «Три ангела», «Маленький ангелочек». Портреты детей не уступают ангельским изображениям. Ваше сердце растопит картина «Пушистых снов», «Девочка и тюльпаны», «Мяу», «Детские мечты» и «мальчики-рыбаки». Дети предпочитают изображения своих четвероногих друзей — собак и кошек. Они скорее всего выберут: «Кота на крыше», «Кота-мыслителя», «Кошку в лукошке», «Собаку-улыбаку», «Мопсов», «Щенка у ботинка», «Котят на подоконнике», «Двух спаниелей», «Яркого кота» и «Щенков в цветах».

Слева: набор «Кот-мыслитель». Справа: набор «Мопсы». Производитель: «Фрея»

А вот, например, диких кошек скорее предпочтут родители. Они охотно украсят кабинет или библиотеку изображениями пантеры, льва-индейца, леопарда на охоте, снежных барсов, грациозного тигра или гепарда. Живописный зоопарк, который можно нарисовать по номерам, очень разнообразен. Вы можете поселить у себя: лошадей на лугу, зайчиков в траве, волка в осеннем лесу, любопытных енотов, северных оленей, милую панду, обезьянку и хитрого лисенка. Огромное пространство художественного зверинца занято птицами, которых вы тоже легко нарисуете, закрасив пронумерованные фрагменты. Кто из пернатых вам больше по душе: сова, голуби, яркие фламинго, лебедь в лотосах, попугаи, красногрудые снегири, пингвины, тукан или гуси.

Излюбленный сюжет для живописи — натюрморт. Он поможет сделать вашу кухню или дачную веранду уютной и изящной. Удачно впишутся среди полочек с кухонной утварью полотна: «Натюрморт с яблоками и виноградом», «Завтрак подан», «Чаепитие у окна», «Перец и чеснок», «Яблоки на снегу», «Домовые с тыквами», «Чайное настроение». Стильным художественным акцентом над обеденным столом станет композиция из четырех небольших картинок 18×24 см с разнообразной съедобной тематикой: «Кексы», «Кофе», «Вино», «Кулинарные травы в горшках» или «Рождественские пряники». В столовой, где собираются гости, или в уютном уголке у камина, освещающего романтические трапезы с любимым, подогреют аппетит картины: «Розовое шампанское», «Вино и груши», «Дегустация».

Слева: набор «Вино и груши». Производитель: «Белоснежка». Справа: набор «Завтрак поэта». Производитель: «Молли»

Выбор сделан, и заветный набор у вас в руках. Хотя в нем есть все необходимые материалы, все же не забудьте подготовить место для работы. Позаботьтесь о хорошем освещении. Лучше всего дневной свет, но не яркие солнечные лучи, падающие прямо на рисунок. Застелите рабочую поверхность пленкой или газетой, чтобы ваш стол не подвергся раскрашиванию. Поставьте рядом стакан с водой для споласкивания кисточки и бумажные салфетки для ее протирания. Еще вам пригодятся зубочистки, которыми можно нарисовать очень тонкие линии, и ватные палочки для того, чтобы быстро стереть излишне нанесенную краску. Во время работы не спешите открывать все баночки с красками сразу, так как акрил быстро густеет на воздухе. Лучше открывать только тот цвет, который вы сейчас наносите на работу. Или возьмите кисточкой некоторое количество краски на палитру или пластиковую тарелку.

Итак, вы не профессиональный художник, но холст уже перед вами, и рождение живописного шедевра вот-вот произойдет. Вы мало знакомы с понятиями света и тени, линий и штриховки, перспективы и плоскости, переднего и заднего плана, цветоделения и контраста… Вместо этого вам достаточно придерживаться четырех простых и логичных правил росписи по номерам. Первое: от светлого — к темному. Сначала закрасьте фрагменты со светлыми, бледными и пастельными оттенками. Если вы нечаянно закрасите больше, чем надо, то светлые тона гораздо легче потом перекрыть темными и яркими цветами. Второе: от большего — к меньшему. Большой фрагмент с большим контуром легче закрашивать, пока он не окружен со всех сторон мелкими, уже раскрашенными пятнами. Третье: от центра — к краям. Начиная рисовать от центра, вы не смажете рукой или рукавом закрашенные ранее по краям участки. Четвертое: сверху — вниз. Это правило похоже на предыдущее. Продвигаясь сверху вниз, вы не заденете свежую краску внизу картины. Следуя этим нехитрым правилам, вы набьете руку в нанесении краски в заданные контуры. Почувствовав себя уверенно, поэкспериментируйте с толщиной слоя краски, попробуйте в рамках одного цветового пятна нанести ее точками или длинными мазками в зависимости от стиля имеющегося оригинала. Внимательно изучив репродукцию-образец, определите, где вам необходим четкий контур между фрагментами, а где его можно слегка размазать, чтобы добиться плавного перехода оттенков. Это, конечно, уже сверхзадача. Даже если вы просто будете четко следовать инструкции и наносить краску аккуратно, шедевр вам гарантирован. Цветовые схемы составлены настолько искусно, что даже простое закрашивание по контуру в итоге превратится в полноценную картину.

Часто рисование по номерам воспринимают как детскую раскраску и относятся к этому хобби снисходительно. Иногда люди берутся за такие картины, чтобы отдохнуть, расслабиться, переключиться на спокойную волну после тревог и стрессов. Однако занятие живописью — это своеобразное таинство. Вы старательно наносите краски на холст, и чем дольше ваша рука вытанцовывает над пронумерованным полотном, тем яснее вы начинаете видеть суть изображения — как целое складывается из малого. Картина состоит из мазков, как наша жизнь из коротких мгновений. Рисуя по номерам, вы, может быть, захотите всерьез научиться живописи или станете философом, а может, просто успокоите нервы или весело проведете время с детьми — в любом случае положительные эмоции всем гарантированы.

10 основных ошибок в цифровой живописи и как их исправить

Цифровая живопись весьма сложная. Все что вам нужно для того, чтобы начать рисовать — правильное программное обеспечение. Любой инструмент, даже самый мощный, находится в пределах вашей досягаемости. Все цвета готовы к использованию, не требуется никакого смешивания. Если вы только что перешли из традиционной живописи в Photoshop то все не так уж сложно; вам просто нужно найти копии ваших любимых инструментов. Но если вы новичок в обоих видах искусства, то начинается настоящий кошмар — тот, в котором вы не осознаете, что вы спите!

Хитрость Photoshop основана на его кажущейся простоте: вот набор кистей, здесь все цвета, вот ластик, в вот команда «отменить». Вы начинаете рисовать, все выглядит плохо, поэтому вы ищете другие инструменты, чтобы сделать еще лучше. И только посмотрите, сколько там инструментов! Вы начинаете пробовать их все, один за другим, и происходит волшебство.

Однако «магия» означает, что вы позволяете Photoshop рисовать завас. У вас нет никакого контроля над этим, но рисунок по-прежнему выглядит лучше, чем все что вы, как новичок, когда-либо сами делали (по крайней мере, это то, во что вы верите). Итак, вы позволили этому произойти и создали много рисунков в надежде, что однажды они превратятся в шедевры.

Профессиональные цифровые художники, которым вы восхищаетесь, используют Photoshop для воплощения своих видений, но они используют его как инструмент, а не как искусство, которе производит за вас машина. Какая разница?

  • Специалисты представляют себе эффект и заставляют программу делать это.
  • Начинающие заставляют программу делать что-нибудь и, если им это нравится, то они оставляют эффект.

Второй вариант звучит знакомо? Если да, то продолжайте читать. В этой статье я покажу вам, как улучшить десять различных аспектов рабочего процесса, чтобы вы стали по-настоящему знающим художником Photoshop. С помощью этих десяти простых советов вы поймете свои ошибки, которые, возможно, останавливали вас в течение долгого времени!

Примечание. Проблемы, которые я описываю, применимы к ситуации, когда художник непреднамеренно достигает эффекта для реалистического стиля. Это не ошибки, если вы их планируете!

1. Неправильный размер холста

Начало нового рисунка это как детская игра. Вы переходите в меню «Файл»> «Новый», или, если вы более продвинутый, используйте сочетание клавиш «Control-N». Это выглядит так просто, что часто упускается из виду.

Есть три аспекта этой проблемы.

1. Слишком маленький холст

Подобно тому, как все объекты сделаны из атомов, любой цифровой рисунок состоит из пикселей. Это вы, наверное, знаете. Но сколько именно пикселей вам нужно для создания детальной картины? 200×200? 400×1000? 9999×9999?

Общей ошибкой для начинающих является использование размера холста, подобного разрешению экрана. Проблема в том, что вы никогда не знаете, какое разрешение использует ваш зритель!

Допустим, что ваше изображение выглядит на вашем экране, как в примере 1. Высота рисунка максимальная, без необходимости прокручивать его, и это нормально для вас. Это самое большое разрешение, 1024×600. Пользователи с разрешением 1280×720 (2) и 1366×768 (3) тоже не будут жаловаться. Но обратите внимание на то, что происходит с пользователями с большим разрешением — 1920×1080 (4) и 1920×1200 (5). Постепенно изображение занимает все меньше и меньше места на экране. Для этих пользователей вы не использовали всю возможную высоту!

И дело не только в «белом пространстве» вокруг вашей картины. «Большее разрешение» не всегда означает «больший экран». Ваш смартфон может иметь больше пикселей на своем компактном экране, чем у вас на ПК! Взгляните:

  1. Одинаковые размеры, разное разрешение
  2. Разные размеры, одинаковое разрешение

Что это значит? Для зрителей, картина, которой вы планировали заполнить весь экран, может выглядеть так… :

Но это не единственный признак, по которому вы выбираете размер для своего рисунка.   Чем больше разрешение, тем больше пикселей. В меньшем разрешении глаз может занимать 20 пикселей, а при большем разрешении он может содержать 20000 пикселей! Представьте себе все возможные детали, которые вы можете разместить в такой большой области!

Вот интересная уловка: когда вы рисуете что-то маленькое в большом разрешении, независимо от того, насколько оно неряшливо, есть отличный шанс, что издали (т.е. в уменьшенном размере) оно будет выглядеть интересным. Попробуйте!

Большое разрешение позволяет увеличить масштаб изображения до мельчайших деталей.

2. Слишком большой холст

Значит ли это, что вы всегда должны использовать огромное разрешение, чтобы дать себе больше свободы? Теоретически, да. На практике это не всегда необходимо, а иногда это невозможно.

Чем больше разрешение, тем больше пикселей вашего основного штриха. Чем больше пикселей в штрихе, тем труднее обрабатывать его, особенно когда дело доходит до уровней давления с переменной Flow. Итак, это практический аргумент против этого — вам нужен мощный компьютер, чтобы было удобно использовать большие разрешения.

Второй момент — большие разрешения предназначены для очень подробных фрагментов. Вопреки распространенному мнению начинающих, не всякая картина должна быть детализирована. Даже когда вы хотите рисовать реалистично, вы можете смело игнорировать большое количество информации, которую вы получите от фотографии, — то, что мы видим в реальности, никогда не выглядит как фотография!

Если вы используете более высокое разрешение, чем необходимо, может возникнуть соблазн добавить некоторые детали в различных местах, только потому, что вы можете это сделать. И когда вы это сделаете, пути назад не будет. Есть много уровней детализации, но конкретный фрагмент должен использовать только по одному за раз. Если вы хотите создать быстрый, живописный мех, не тратьте часы на глаз и нос — это только заставит весь кусок выглядеть непоследовательным и незавершенным.

3. Слишком большой конечный размер

Допустим, вы нашли идеальное решение для своей картины. Она не слишком велика и не слишком мала — идеально подходит для уровня детализации, который вы хотите достичь. Однако здесь есть место для еще одной ошибки. Это разрешение было вашим рабочим размером. Возможно, вам понадобилось много пикселей, чтобы добраться до этой детали глаза, но эта деталь будет видна и «с расстояния».

Зачем всем видеть эти неприятные подробности …
… если вы можете заставить их видеть только то, что должно быть видно?

Перед сохранением файла для окончательного вида измените его размер. Я не скажу вам самое оптимальное разрешение, потому что его нет. Правило: чем детальнее участок, тем меньше он потеряет в качестве, если будет представлен в большом разрешении. Чем более «схематичная» картина, тем лучше она будет выглядеть, когда представлена в маленькой версии. Если вы хотите узнать больше об этом, посмотрите, какое разрешение используют ваши любимые художники при публикации своих работ в Интернете.

Еще одна вещь: при изменении размера изображения проверьте, какой алгоритм работает лучше всего для вас. Некоторые из них затачивают изображение, что может быть нежелательным.

2. Начиная с белого фона

Это может показаться тривиальным — что собственно не так с белым фоном? Он … нейтрален, верно? Это похоже на лист бумаги.

Проблема в том, что нет «нейтрального» цвета. «Прозрачный» является самым близким к нему, но его невозможно нарисовать. Цвет — это цвет. Когда встречаются два цвета, то определенное отношение появляется само по себе. Для белого + цвет А это отношение: «цвет А темный». Независимо от того, каково ваше намерение, вы начинаете с темного цвета только потому, что вы использовали самый яркий фон! Все будет темным по сравнению с ним.

Тот же оттенок изменяет свою относительную яркость, если смотреть на другом фоне

В традиционном искусстве мы используем белый фон, потому что технически легче нанести темный яркий цвет, чем наоборот. Но нет никаких оснований для этого в цифровом рисовании! Фактически, вы могли бы даже начать с черного фона, но это такая же плохая идея, как и чистый белый цвет. На практике самый «нейтральный» цвет, который мы можем получить, составляет 50% ярко-серого (#808080).

Почему? Цвет фона меняется так, как вы воспринимаете другие цвета. На белом фоне темные оттенки будут казаться слишком темными, поэтому вы избегаете их. На черном фоне он будет работать одинаково с яркими оттенками. В обоих случаях результатом будет слабый контраст, который вы замечаете, когда пытаетесь добавить какой-либо другой фон. Вот доказательство:

Я начал эту картину с слишком темного фона, и когда я захотел добавить более яркий, он выглядел ослепительно!

Опытные художники могут начать свою работу с любого цвета и сделать все возможное, но если вы не уверены в цветовой теории, всегда начинайте с чего-то нейтрального — ни слишком темного и ни слишком яркого.

3. Избегайте сильного контраста

Конечно, иногда ваше восприятие яркого и темного может быть нарушено низким качеством вашего экрана. Если вы используете ноутбук, вы, вероятно, заметили, как контраст изменяется, когда вы смотрите на свою фотографию под углом. Как вы можете добиться надлежащего контраста, который каждый будет видеть правильно, независимо от того, какие экраны используются?

Даже если ваш экран хороший, после долгого сосредоточения на картине ваше восприятие тоже не нарушается. Если вы по-немногу меняете оттенки шаг за шагом, то этот контраст может показаться вам хорошим только потому, что он будет лучше, чем предыдущий пять шагов назад. Объект ниже может выглядеть красиво …

…. пока вы не сравните его с объектом с более сильным контрастом. И кто знает, может быть, если бы вы сравнили еще с другим, его воспринимаемый контраст автоматически бы снизился?

У Photoshop есть инструмент, который помогает в этой ситуации. Это называется Levels, и это фактически гистограмма — она показывает вам, сколько каждого оттенка есть на рисунке. Вы можете открыть это окно, выбрав Изображение>Коррекция>Уровни или с помощью сочетания клавиш Control-L.

Как это работает? Взгляните на эти четыре примера:

  • Почти одинаковое количество белого, черного и среднего тона
  • Только черные и темные полутоны
  • Только белые и светлые полутоны
  • Только черно-белые, почти без полутонов

Можете ли вы прочитать это на гистограмме?

Вы можете изменять уровни, перетаскивая ползунки. Хотя это уменьшает общее количество оттенков, это помогает разместить их в нужном месте на гистограмме.

Гистограмма показывает, что в нашем объекте много полутонов, но есть и видимое отсутствие темных и ярких областей. Независимо от того, что мы видим, это то, что говорит нам компьютер! Хотя нет ни одного идеального рецепта для уровней (все зависит от освещения вашей сцены), полное отсутствие темных и ярких областей — это плохой знак.

Просто посмотрите, что происходит, когда мы перемещаем ползунки к середине!

Контраст изменился очень хорошо, но смешение пострадало от этого — это потому, что у нас теперь меньше полутонов. Но это не трудно исправить вручную!

Есть ли способ использовать правильные оттенки с самого начала, так что бы не нужно было все это делать? Да, и на самом деле это займет у вас меньше времени, чем вы думаете! Решение заключается в использовании меньшего количества оттенков — темного, яркого, среднего тона и немного черного и белого.

Чтобы реализовать это на практике, прежде чем начинать рисунок, планируйте свое освещение на сфере:

  • Нарисуйте круг и залейте его самым темным оттенком (черный не рекомендуется).
  • Добавьте средний тон.
  • Добавьте яркий оттенок (белый не рекомендуется).
  • Добавьте один или два средних тона между ними.
  • Добавить чуть-чуть черного и белого цвета.

Вы понимаете, где все эти части лежат на гистограмме? Когда мы объединяем их, вот что появляется. Используйте эту сферу в качестве набора образцов для вашего объекта, затеняя его таким же образом — темная тень, средний тон, самый яркий свет, более полутоновые оттенки, самые темные расщелины и яркие блики. Тогда вы сможете все это правильно смешать!

Если вы смешаете сферу, вы получите очень хорошую гистограмму со множеством полутонов!

Один момент на последок. Если вы сравните эти две головы еще раз, одну с изначально правильным контрастом и исправленную, вы заметите разницу. Вот почему увеличение контрастности не может реально исправить вашу сцену, если вы не учли значения с самого начала — каждый материал имеет свой собственный диапазон оттенков. Например, самая темная часть белой поверхности будет намного ярче, чем самая темная часть черной поверхности. Это означает, что вы должны подготовить столько сфер, сколько разных материалов присутствует на вашей сцене.

Помните: светлый объект, затененный темными оттенками, так же неправилен, как темный объект, затененный светлыми оттенками!

4. Использование слишком сложных кистей и слишком больших штрихов

Когда вы сравниваете традиционные кисти с Photoshop, разница настолько поразительна, что вы можете удивиться, почему они имеют одно и то же имя. В конце концов, классические кисти позволяют рисовать только более или менее хаотичные штрихи, в то время как цифровые создают собственные произведения.

И вот в чем загвоздка. Если они создают что-то самостоятельно, вы отказываетесь от своего контроля над ними. Профессиональные художники чаще всего используют простые мазки, время от времени помогая себе более сложными. Использование сложных кистей на ежедневной основе не только делает вас ленивыми — это также мешает вам научиться достигать эффекта самостоятельно, потому что в этом нет никакой необходимости!

Когда вы начинаете свое приключение в цифровой живописи, может быть вполне естественным искать пути для прогресса как можно быстрее.  Вы хотите получить результаты, прямо здесь и сейчас. Настраиваемые кисти — путь к результату. Вы хотите мех — вот меховая щетка; вам нужна чешуя — вот кисть для чешуи. Вы не можете что-то нарисовать сами — скачайте инструмент, который может.

Пользовательские кисти не являются чем-то плохим — на самом деле они очень полезны. Проблема возникает, когда вы используете их в качестве основы своего «навыка». Если вы на самом деле потратили время, пытаясь понять, как быстро рисовать мех, вы поймете, что на самом деле он не состоит из одиночных волос, которые вам нужно рисовать один за другим. Вы узнаете, что видение чего-то в наших головах часто не соответствует действительности. Вы узнаете, как видеть и как создавать то, что вы видите, а не то, что вы думаете, что видите.

Вместо этого вы перестаете тратить полчаса на рисование одиночных волос и поиск кисти, которая сделает это за вас. Вы находите то что нужно, вы счастливы, и готовы двигаться дальше. Это так просто, что появляется привыкание, и вы вообще перестаете учиться — вы скорее бы скачали все кисти, если бы это было возможно.

Но как традиционные художники это преодолевают? На самом деле у них нет такого разнообразия кистей. А как они тогда рисуют мех? Ответ прост — так же как вы, если бы пользовательских кистей не существовало. Если вы хотите улучшить свои навыки новичка, отбросьте все сложные кисти на некоторое время. Придерживайтесь простого набора, например, этого, и узнайте, как сделать с его помощью все возможное. Не ищите коротких путей, когда рисование становится трудным. Боритесь с этим, и вы получите бесценный опыт вместо дешевых трюков.

Здесь не использовалась «меховая щетка»

Слишком большой

Другая распространенная ошибка, связанная с кистями, — использование слишком больших штрихов. Все опять же основано на нетерпении. Правило состоит в том, что 80% работы занимает 20% времени, затрачиваемого на нее, а это означает, что вам нужно потратить 80% рабочего времени на завершение вашего произведения. Если за два часа вы набросали эскиз, базовые, плоские цвета и простую штриховку, у вас осталось еще восемь часов. Более того, за эти восемь часов вы увидите меньше прогресса, чем в первые два! Это обескураживает, не так ли?

Вы можете четко это видеть в процессе, который художники иногда показывают своей публике, вот так. Первые шаги огромны — создается что-то из ничего. А затем все замедляется. Вы едва видите разницу между последними шагами, и все же эта тонкая разница, вероятно, заняла больше времени, чем все предыдущие!

Когда вы остановитесь?

Это проблема. Когда ваша картина почти закончена, вы чувствуете, что хотите закончить ее и увидеть ее наконец уже готовой.  Но это момент, когда вы на самом деле наоборот должны начать! Я помню, как читал комментарий в одном из этих процессов рисования: «Я бы остановился на шаге 4» [из 10]. И в этом разница между этим новичком и профессионалом! Потому что другая часть этого правила такова: последние, медленные 20% работы способствуют 80% итогового результат.

Решение простое. Вы никогда не должны заканчивать свою фотографию большими штрихами (если только это не скоростная живопись). Они зарезервированы для начала, для этого 20% времени. Используйте их, чтобы заблокировать формы, определить освещение, добавить большие части цвета. И затем постепенно уменьшайтесь, увеличивайте масштаб, очищайте, добавляйте детали. Вы увидите, что вы заканчиваете, когда работаете с очень маленькой кистью в очень крупном размере. Как правило, чем больше мест на вашей картине, которых вы касаетесь своей кистью (и чем больше вы ее меняете, например, добавляя небольшую разницу в яркости или оттенке при каждом маленьком штрихе), тем более изысканной она будет выглядеть.

Есть и другая сторона этого правила. Поскольку 80% фрагмента не так сильно влияют на конечный эффект, нет необходимости чрезмерно нам нем фокусироваться. Начинайте свои картины быстро, свободно, и оставьте все свои усилия на потом. Помните: не всякая картина должна быть закончена только потому, что вы ее начали. Отбрасывая то, во что вы не верите, вы сохраняете для себя в четыре раза больше времени, чем вы уже потратили впустую!

5. Использование слишком большого количества цветов

У традиционных художников не слишком много цветов, готовых к использованию. Они должны научиться создавать их, смешивать, чтобы получить желаемый эффект. Это неудобство, по сути, является благословением. У них нет другого выбора, кроме как изучить теорию цвета. У вас, как у цифрового начинающего, под рукой сразу есть все цвета, доступные в пределах вашей досягаемости. И это проклятие!

Мы не понимаем цвета интуитивно. В нашей повседневной жизни нет в этом никакой необходимости. Но, как художник, вы должны полностью изменить свою точку зрения. Вы больше не можете полагаться на интуицию, потому что она плохо работает в этой теме. Вам нужно перестать думать о цветах, как вы их знаете, и понять концепцию Оттенок, Насыщенность, Яркость.

Цвета не существуют сами по себе. Они основаны на отношениях. Например, если вы хотите сделать цвет ярче, вы можете либо увеличить его яркость, либо уменьшить яркость фона. Красный, называемый теплым цветом, становится теплым или прохладным в зависимости от того, каким будет его соседний цвет. Из-за отношений даже может меняться насыщенность!

Даже оттенок цвета может меняться в зависимости от его окружения. И это знание имеет решающее значение для живописи, а не только для дизайна, как вы можете думать!

Новичок, не знающий всего этого, заполняет свой эскиз целым набором случайных цветов. Они выбирают какой-нибудь синий цвет, а затем добавляют другой какой-нибудь зеленый цвет, без какой-либо связи между ними, они выбирают их из тысяч других цветов с синеватым и зеленоватым оттенком!

Это то, как новичок видит цвета:

  1. Синие
  2. Грязные синие
  3. Серые
  4. Черные

Но … почему у нас тогда так много оттенков, если они бесполезны? Ответ в том, что это не так. Вам нужно только понять, как они произошли и что они означают. Давайте посмотрим на тот же подборщик цветов, и как его видит профессионал:

  1. Ненасыщенные синие
  2. Насыщенные синие
  3. Яркие синие
  4. Темно-синие

Выглядит сложно? Наверное, но это не повод их игнорировать! Если это слишком сложно для вас, то на какое-то время придерживайтесь оттенков серого. Поймите проблему освещения, затенения и смешивания, и вы получите прочную основу для будущих рисунков. Более того, цвета (а точнее их оттенки) являются глазурью на том торте, который называется вашим произведением. Они могут сделать его слаще, но они не могут быть его основой. Никакое количество крема не сделает хороший пирог хорошим!

И если вы решите освоить цвета, попробуйте эти статьи для начала:

6. Выбор цвета непосредственно из справочника

Трудно бороться с этим искушением, оно настолько сильное, что может заставить вас плакать. Я это хорошо знаю. Тем не менее, если вы хотите действительно научиться цифровой живописи, вы не должны использовать инструмент «Пипетка», чтобы заимствовать цвет из ссылки. Почему это так важно?

Начинающие обычно используют низко насыщенный оранжевый/розовый для кожи. Это кажется очевидным, но эффект далек от естественного. Если вы используете ссылку, хотя … это совсем другая история! Почти у каждого пикселя различный оттенок, не только розовый, вы можете найти красные, желтые, оранжевые, даже холодные пурпуры, зеленый и голубой. Насыщенность и яркость изменяются все время, и, тем не менее, конечный эффект не похож на хаос.

Когда вы выбираете цвета из ссылки, ваша собственная картина приобретает новую жизнь. Проблема в том, что она не отличается от трассировки. В результате отслеживания вы получаете линии, которые вы не могли повторить сами, и, выбирая цвета, вы получаете красивое затенение, которое вы не сможете повторить. Эффект потрясающий, но на него нельзя рассчитывать.

Есть еще одна вещь. Выбор цвета останавливает ваш прогресс. Вы «покупаете» набор цветов вместо того, чтобы научиться создавать их самостоятельно. У вас есть цветное колесо со всеми ползунками; Каждый цвет, который вы выбираете, может быть воссоздан вами. Но вы все равно решите использовать те, которые уже созданы — это быстро и эффективно, но вы знаете, что еще быстрее и эффективнее? Сделать фотографию.

Чтобы однажды стать независимым от ссылок, вам нужно научиться видеть цвета. Посмотрите на любой объект рядом с вами — каков его тон, яркость, насыщенность? Это очень трудно определить, не так ли? Но если вы продолжаете выбирать цвета с помощью инструмента «Пипетка», вы никогда не узнаете его. Вы не можете начать гонку, так как ваши тренировочные колеса все еще включены.

Все эти уроки были написаны мной из ссылки, но без использования инструмента «Пипетка». Как новичок, начните с более простых вещей — чем меньше цветов, тем лучше

7. Добавление цветов в оттенки серого без надлежащих значений

Я написал эту картину в 2011 году. Это, безусловно, приятная, душераздирающая сцена, и мне она все еще нравится. Я помню, что нарисовал ее в оттенках серого, а затем добавил цвета, используя, вероятно, несколько режимов наложения (Color, Multiply, Overlay). Я помню, что была одна досадная проблема: как получить правильный желтый цвет при рисовании в оттенках серого?

У меня больше нет оригинального файла, но, вероятно, это выглядело так в оттенках серого. Обратите внимание, что и зеленая, и желтая области одинаково темные. Но в действительности это не так !

Когда я был новичком, как вы, я полагал, что свет делает все цвета равномерно ярче, а тень делает их равномерно темнее. Вот почему живопись в оттенках серого казалась такой удобной. Я мог бы сосредоточиться на затенении и добавить цвета позже. К сожалению, этот трюк не сработал, и мне потребовалось много времени (главным образом потому, что я не очень старался), чтобы понять, почему это не так.

Простой ответ заключается в том, что разные цвета имеют разную яркость независимо от освещения. Когда вы игнорируете это, в результате вы получаете грязные цвета. Цвета, добавленные непосредственно в изображение в оттенках серого, лишены важной части. Если вы хотите узнать больше об этом, я написал сложное руководство по теме значения цветов.

Обе головы имеют одинаковые цвета, применяемые в режиме цвета. Заметьте, что это не цветной слой

8. Затенение с помощью инструментов Осветление и Затемнение

Осветление и Затемнение являются одними из фаворитов для новичка. Они прекрасно вписываются в убеждение, что Photoshop — это «программа рисования». Вам нужно только выбрать базовые цвета, а затем выбрать области, которые вы хотите закрасить. Остальное управляется продвинутыми алгоритмами, а не вами, и это здорово, потому что в любом случае вы не знаете, что делать.

Однако все не так просто. Эти инструменты не совсем бесполезны, но когда вы новичок, лучше держаться от них подальше. Это не «инструменты затенения». Инструмент Осветление не равен «добавить свет», а инструмент Затемнение не равен «добавить тень». Проблема заключается в том, что они так хорошо подбирают видение новичка о затенении, что трудно преодолеть искушение.

Проблема заключается не в инструментах, а в непонимании самого затенения. Начинающие часто думают, что объекты имеют определенный цвет, и этот цвет темнеет в тенях и наоборот становится ярче на свету. Все не так просто. Это может хорошо работать для затенения ячейки или для целей мультипликации, но даже там это просто короткий путь.

Если это «работает», почему бы просто не использовать это?

  • Это еще одна техника, которая блокирует ваш прогресс. При ее использовании вы даже не замечаете, чего не хватает. Затенение является сложной проблемой, и вы ограничиваете ее правилом «темнее-светлее», потому что это легко. Photoshop работает здесь за вас, а не для вас. Не позволяйте этому мешать вам учиться.
  • Он выравнивает затененный объект. Независимо от того, сколько текстур вы добавите к нему после этого, все работает точно так же, как большая кисть — это означает, что вы можете начать с ним картину, но так никогда и не закончите.
  • Это искажает цвета; Они должны зависеть от окружения (прямой свет, окружающий свет), но ни Осветление, ни Затемнение ничего не знают о фоне, который вы используете. Они все затеняют одинаково!
Между этими частями существует разница в целый год. Первый был затенен дуэтом Осветление — Затенение, другой — пониманием цвета.

Затенение с черно-белым

Расширение этой техники затенения с помощью белого для света и черного для теней. Это происходит из убеждения, что каждый цвет начинается как черный (в тени) и заканчивается как белый (на свету). В то время как это может быть верно для пере- или недодержанных фотографий, это не должно быть правилом, используемым в живописи.

Мы все ищем простые правила, которые легко запомнить и использовать. Но это не значит, что мы должны изобретать простые правила, которые не имеют ничего общего с реальностью: «добавьте белый, чтобы сделать цвет ярче, добавьте черный, чтобы сделать его темнее». Это верно только для оттенков серого! Если вы хотите узнать, какие правила вы можете использовать для создания оттенка цветов, смотрите эту статью.

Необязательная заливка

Когда вы преодолеваете предыдущую проблему, вы можете попасть в другую. Допустим, вы выбрали оранжевый в качестве базового цвета для вашего персонажа. Вы решите, что источник света будет желтым, а окружающий свет будет синим (небо). В соответствии с этим вы переводите оттенок базового цвета на желтый в светло-синем в тени, и это все. Это делает затенение гораздо более интересным, чем если бы вы использовали черно-белое изображение, но это все еще короткий путь, который не обязательно приводит к желаемым результатам.

Почему это короткий путь? Создавая только три основных оттенка для вашего объекта, вы автоматически помещаете его в искусственную среду, где все отражает свет со 100% прогнозируемым образом.

В действительности, свет непрерывно отскакивает от всего вокруг, включая «холмы и долины» вашего 3D-объекта. Поэтому затенение редко может быть ограничено двумя или тремя цветами. Синева неба может сделать некоторые тени на объекте синим, но в некоторых других местах  они могут выглядеть зеленоватыми из-за отраженного от травы света. Более того, некоторые тени могут быть действительно яркими и насыщенными из-за света, который попал через препятствие в «тень» (см. Подповерхностное рассеяние).

Если вы примете все это во внимание и решите использовать непрямые источники света, чтобы сделать затенение более разнообразным, вы будете вынуждены рисовать более осознанно — и это здорово! Здесь нельзя использовать большую кисть, потому что она будет смешивать цвета, и в результате вы потеряете их. А маленькая кисть означает, что вы создаете текстуру на лету!

9. Смешивание мягкой кисточкой

Есть два основных метода, которые новички используют для смешивания оттенков, оба предназначены для быстрых эффектов:

  1. Смешивание мягкой кистью
  2. Смешивание с инструментом Размытие/Резкость

Как мы уже выяснили, быстрые эффекты часто означают, что они вне нашего контроля. В этом случае смешение с большими штрихами выравнивает объект и делает его неестественно гладким. Даже если вы потом добавите фото-текстуру, это не изменит этот «пластический» эффект. Опять же, этот метод может быть хорош только для этой стартовой фазы.

Если вы хотите получить приятную тонкую текстуру (которая хороша для большинства натуральных материалов), используйте более жесткую кисть с нажимом, контролируемым давлением ручки (чем сильнее вы нажимаете, тем более твердый получается штрих).

Этот тип кисти позволяет вам контролировать количество цвета, которое вы хотите использовать.

Благодаря этому атрибуту вам не нужно смешивать границу между двумя цветами. Вы начинаете с базового цвета и слегка прикрываете его другим. Затем вы можете добавить еще один слой того же цвета, сделав его более прочным.

Если вы хотите сделать цвет более плавным, просто выберите цвет где-нибудь посередине и слегка покрасьте границу.

Для более прочной текстуры используйте текстурированную кисть (с острыми краями).

В соответствии с правилом 80-20 не заботьтесь о смешивании на первом этапе. Используйте большую кисть и сделайте края видимыми, создавая преувеличенное затенение.

Позже вы можете использовать меньшую текстурированную кисть для смешивания краев. Не используйте инструмент Палец, или мягкую кисть, только Пипетку и жесткую кисть с переменным нажимом. Помните: смешивание зависит от текстуры поверхности, поэтому вы не можете использовать один и тот же способ смешивания для любого материала!

10.

Использование 2D-текстур для 3D-форм

Фототекстуры — последнее средство для новичков, когда объект теоретически закончен, окрашен и затенен, но он все еще похож на пластиковую игрушку. Однако, сама текстура может сделать все ее еще хуже.

Допустим, мы хотим добавить текстуру этой большой кошке.

Перед добавлением текстуры объект должен быть затенен. Сложная часть — это не обязательно полное затенение. Метод смешивания зависит от текстуры — если вы смешиваете без какой-либо текстуры, вы получите не-текстурное смешение (гладкую поверхность).

Вы можете загрузить текстуру из Интернета или использовать один из шаблонов Photoshop — есть целое множество в наборах по умолчанию. Это мой любимый узор для чешуи, перевернутая дверь.

Если вы измените режим наложения текстуры на оверлей, вы увидите, что он применяется к затенению. Однако обратите внимание, что некоторые части были просветлены. Вам может понравиться, если затенение не было сделано правильно, но это еще один случай отказа от контроля. В большинстве случаев мы не хотим, чтобы текстура создавала собственную версию затенения. В то время как режим наложения не является лучшим решением, он позволяет увидеть, как текстура выглядит на объекте.

Теперь, самая важная и упущенная часть. Если объект предназначен для 3D, он не может быть хорошо покрыт 2D-текстурой. Нам нужно настроить ее форму на форму, которую она покрывает. Существует три основных способа сделать это: экспериментировать и найти свои любимые:

  • Инструмент Свободное преобразование (Control-T) в режиме обертки
  • Фильтр> Превратить в жидкость
  • Редактирование> Марионеточная деформация
Для сфер лучше использовать Фильтр> Искажение > СфераПеред использованием Марионеточной деформации
После использования Марионеточной деформации

Режим наложения осветляет участки слоя, покрытые белыми областями текстуры. Вместо этого мы могли бы использовать Multiply (это делает белые области прозрачными), но это сделало бы темные тоны (серые) темнее, чем это необходимо. Есть еще один инструмент, идеально подходящий для настройки прозрачности текстуры.

Дважды щелкните слой и поиграйте с ползунками Blend If. Проще говоря, с ними вы можете настроить прозрачность белого и черного.

Удерживайте клавишу Alt, чтобы «разбить» слайдер и получить более плавный эффект

Нам нужно понять, что такое текстура. Это не «грубая картина», размещенная прямо на объекте. Это, по сути, шероховатость поверхности. Когда свет попадает на гладкую поверхность, он отражается равномерно. Если поверхность грубая, то есть сделана из крошечных выступов и трещин, свет, попавший в нее, создаст целый набор крошечных теней. И это текстура, которую мы видим.

Из этого можно извлечь еще один факт. Если свет, создает видимую текстуру, то не может быть текстуры без света. А что такое тень, если не недостаток света? Поэтому мы должны уменьшить текстуру в темных областях (если присутствует окружающий свет) или вообще удалить ее (нет света, нет текстуры). Вы можете использовать маску слоя для этого или поиграть с ползунками Blend If (вторая строка). Имейте в виду, что трещины текстуры на самом деле являются тенями, поэтому они не должны быть темнее, чем «нормальная» область тени.

Применение текстуры выполняется быстро и легко, как только вы знаете, какие действия предпринять после ее выбора. Однако это еще не конец. Каждая текстура отличается, и хотя некоторые из них будут отлично смотреться при непосредственном применении, большинство из них потребует дополнительной работы.

Опять же, здесь применяется правило 80-20. Добавить текстуру очень просто, но для ее работы требуется больше времени. В моем примере я смешал края затенения с отдельными чешуйками. Подобные вещи очень трудоемки, но они все меняют!

Первая сфера имеет плоскую текстуру в режиме наложения с более низкой прозрачностью, чтобы сделать ее менее заметной; Вторая — такая же, но с искажением. Сравните их с предыдущим, с пользовательскими значениями Blend If или ручным смешиванием

Заключение

Как вы заметили, большинство проблем начинающих исходит из стремления к достижению больших целей без особых усилий и как можно быстрее. Так что на самом деле это не недостаток навыков, а скорее, это глубокое убеждение, что Photoshop — это программа для создания произведений искусства. Это приводит к постоянному поиску инструментов и трюков, вместо того, чтобы самим пытаться понять и решить проблему.

Вы не сможете стать цифровым художником за один день, только потому, что приобрели продвинутое графическое программное обеспечение. Photoshop — это просто инструмент, более удобный для использования, чем пигменты и кисти, но он все еще инструмент. Он не может сделать больше, чем вы хотите! Если вы хотите сделать все возможное, отнеситесь к нему как к цифровому холсту с цифровыми цветами. Забудьте обо всех этих необычных инструментах, фильтрах, кистях или режимах наложения. Просто рисуйте, как на реальном холсте.

Изучите теорию цвета, перспективу, анатомию — все эти вещи должны освоить «нормальные» художники. Со временем вы поймете, как использовать инструменты Photoshop, чтобы делать то же самое проще и быстрее, но не ставьте телегу впереди лошади, пытаясь получить великолепные эффекты, не понимая их. Терпение — это ключ!

Как нарисовать восторг

В 1930—1940-е годы многие художники переехали из Европы в Нью-Йорк, ставший колыбелью нескольких новых течений современной живописи. Одно из таких направлений получило название «живопись действия».

Когда зритель смотрит на картину, он прежде всего стремится рассмотреть на ней узнаваемые формы, предметы, образы. Однако художники, создавая свои полотна, могут ставить перед собой совершенно иные задачи. Понять их можно, только приняв предложенный художником взгляд на окружающую реальность.

«Абстракция» Франца Клайна.

«Абстракция» (ок. 1947) Франца Клайна. Эта картина обладает целым рядом признаков, характерных для «живописи действия». В первую очередь, это относится к свободной, смелой манере нанесения красок на холст. Обратите внимание на «счастливую случай/юань» — образовавшееся в нижней части холста пятно белой краски.

Кто сказал, что картина не может быть совершенно самостоятельным произведением искусства, не связанным с окружающей действительностью ничем, кроме цвета и фактуры краски, покрывающей поверхность холста? В этом риторическом вопросе и заключена суть творческих поисков художников-абстракционистов. Здесь можно провести параллель с музыкой, которая может быть иллюстративной — мелодичной — или обращенной непосредственно к нашим эмоциям.

Страницы истории абстракционизма
В западной живописи интерес к абстракции начал проявляться во второй половине XIX века, с появлением работ Винсента Ван Гога (1853—1890) и Поля Гогена (1848—1903). Смелый густой мазок Ван Ibra продемонстрировал новые возможности нанесения краски па поверхность холста, в то время как плоские цветовые пятна Гогена помогали художнику подчеркнуть двухмерный характер его композиций.
Первые признанные абстракционисты в истории живописи — кубисты — развили идею чистоты форм. Сюрреалисты опирались в своем творчестве на подсознательное и создавали свои картины-сновидения под явным влиянием работ венского психоаналитика Зигмунда Фрейда (1856—1939). В 1940-х годах художники Андре Масон (1896—1987) и Макс Эрнст (1891—1976) основали новое сюрреалистическое направление — «автоматизм», основанное на интуитивном нанесении краски на холст. Среди появлявшихся в этот период одно за другим новых направлений абстрактной живописи был и так называемый «абстрактный экспрессионизм». Его идея заключалась в выражении подсознательного через автоматические, интуитивные действия художника. Наиболее яркими представителями абстрактного импрессионизма считаются Биллем дс Кунинг (1904— 1953) и Франц Клайи (1910—1962). На пике славы Клайн создавал свои шедевры, нанося несколько широких мазков черной краски на белый холст большой кистью.

«Номер 6» Джексон Поллок

«Номер 6» (1948) — типичный образец «живописи действия» Джексона Поллока, любившего покрывать холст причудливыми завиткалш краски.

Живопись действия
Наиболее тесно понятие «живопись действия» связано с творчеством американского художника Джексона Поллока (1912—1956), писавшего свои картины на огромных холстах, расстеленных на полу мастерской. Краску на холсты Поллок наносил прямо из банки, а затем размазывал палкой или же пробивал отверстие в донышке банки с краской и ходил вместе с ней вдоль холста. Иногда он забирался на стремянку и лил краску на холст с высоты, любуясь образующимися при этом динамичными пятнами краски.

Линия в «живописи действия» никак ие связана с рисунком в его привычном понимании. Эти линии ничего ие описывают и не делят холст на участки, а выполняют чисто декоративную функцию, образуя сложный узор.

Ташизм — это способ мыслить вслух
В Европе возникло параллельное «живописи действия» направление, получившее название «ташизм» (от французского «капля» или «ПЯТНО»). По утверждению идеологов ЭТОГО направления Ганса Хар-тунга (1904—1989) и Жоржа Матье (род. 1921), ташизм представлял собой визуальный язык, с помощью которого художник мог выразить свое внутреннее состояние и мысли. Больше того: благодаря тому, что эстетика этого направления живописи испытывала сильное влияние каллиграфии и восточного пиктографического письма, его можно было воспринимать как разновидность надписи или письменного послания — правда, не поддающегося расшифровке или интерпретации.

ЗАРИСУЙТЕ СВОИ ЧУВСТВА
Если вы привыкли изображать на бумаге или холсте только то, что вы видите, вам будет непросто понять основные идеи «живописи действия». И все же проведите этот смелый эксперимент. Возможно, вы обнаружите в себе некие скрытые возможности.
Возьмите несколько больших листов бумаги, пару больших кистей и, используя всего лишь несколько основных красок, нанесите на бумагу мазки краски. Пивное условие: вы должны сделать это интуитивными, бессознательными движениями кисти. Попытайтесь зафиксировать таким способом свои чувства и эмоции — разочарование, гнев, покой, боль, восхищение и так далее. Включите музыку И постарайтесь передать те чувства, которые она у вас вызывает. Выпустите свои эмоции на холст!

Абстрактный экспрессионизм и ташизм подвели черту под историей абстрактной живописи. Следующее, возникшее в 1960-х годах XX века, направление в живописи — поп-арт, — провозгласило возврат к легко узнаваемым образам,

«Крыло птицы» Ганс Хартун

«Действие» у художников-таишстов выражается с помощью серии взрывных мазков, как, например, па картине «Крыло птицы» немецкою художника Ганса Хартуна.

В чем разница между рисованием и живописью

Основное различие между рисунком и живописью заключается в том, что рисование фокусируется на линиях и формах, а рисование фокусируется на цвете и форме .

Рисунок и живопись — две разные формы изобразительного искусства. Рисование — это искусство представления объекта или обведения фигуры, плана или эскиза с помощью линий, а рисование — это практика нанесения цвета на твердую поверхность, такую ​​как бумага или холст. Иногда рисунок может быть основой картины.

Ключевые области охвата

1. Что такое рисунок
— определение, функции
2. Что такое рисунок
— определение, особенности, элементы
3. Разница между рисунком и покраской
— Сравнение ключевых отличий

Ключевые термины

Искусство, рисунок, живопись

Что такое рисунок

Рисунок – это искусство изображения предмета или наброска рисунка, плана или эскиза с помощью линий.Рисунок также может относиться к изображению, сделанному карандашом, ручкой или мелком, а не краской. Для рисования используются различные инструменты, такие как карандаши, перо и чернила, восковые цветные карандаши, мелки, чернильные кисти и уголь, а также различные поверхности, такие как бумага, картон или холст. Независимо от используемых материалов рисунок дает точное представление визуального мира на плоской поверхности. Даже каракули, мультфильмы, технические рисунки, которые можно увидеть в таких областях, как дизайн одежды, архитектура и дизайн интерьера, считаются рисунками.

Рисование в основном сосредоточено на создании линий и форм с помощью карандаша, ручки или угля. Обычно они выполнены в одном цвете, в отличие от картин. Более того, реалистичные рисунки предполагают измерения и масштабы.

Что такое живопись

Живопись — это практика нанесения цвета на твердую поверхность, такую ​​как бумага или холст. Это один из древнейших видов искусства. Цветовые пигменты, используемые в живописи, могут быть во влажном виде, как краска, или в сухом виде, как пастель.Художники могут использовать различные материалы для своих картин, такие как акварель, акрил, масло, фреска и темпера. Среду обычно наносят на твердую поверхность кистью; некоторые художники могут также использовать другие инструменты, такие как губки, ножи и аэрографы. Более того, картины можно делать на многих типах поверхностей, таких как бумага, холст, дерево, стекло, лак, стены, керамика, листья и бетон.

Картины могут быть натуралистическими и реалистическими (натюрморты и пейзажи), абстрактными, повествовательными, фотографическими, эмоциональными (как в экспрессионизме), символическими (как в символистском искусстве) и/или политическими по своему характеру (как в артивизме).

Есть несколько основных компонентов картины. Мы называем их элементами картины. К ним относятся цвет, тон, линии, формы, текстуры и форма. Цвет, пожалуй, самый важный элемент картины. Он создает настроение; например, картина может быть теплой и привлекательной или темной и мрачной в зависимости от используемых цветов. Цвета могут быть дополнительно разбиты на оттенок, интенсивность и значение. Хорошее сочетание элементов приводит к хорошей картине.

Разница между рисованием и живописью

Определение

Рисунок — это искусство представления объекта или обведения фигуры, плана или эскиза с помощью линий, тогда как рисование — это практика нанесения цвета на твердую поверхность, такую ​​как бумага или холст.

Фокус

Рисование фокусируется на линиях и формах, а рисование — на цвете и форме.

цветов

В то время как рисунки обычно выполняются одним цветом, картины выполняются множеством цветов.

Носители и инструменты

Для рисования используются различные инструменты, такие как карандаши, перо и чернила, цветные восковые карандаши, мелки, чернильные кисти и уголь, тогда как для рисования используются различные материалы, такие как акварель, акрил, масло, фреска и темпера.

Заключение

Вкратце, рисунок и живопись — это две разные формы изобразительного искусства. Основное различие между рисованием и живописью заключается в том, что рисунок фокусируется на линиях и формах, а живопись — на цвете и форме. Иногда рисунок может быть основой картины.

Изображение предоставлено:

1. «Рисующая рука» Автор cdaltonrowe (CC BY 2.0) через Flickr
2. «Люди, человек, художник, картина, краска, музей, искусство, выставка, рамка» (CC0) через Pikist

Учебники по рисованию — Corel Discovery Center

Как пользоваться зимними щетками

В этом уроке мастер-художник Джастин Буус покажет вам, как использовать кисти «Зима» для создания завихряющихся, снежных и морозных эффектов.

Как пользоваться набором кистей Wilderness

Узнайте, как создать свой собственный необработанный ландшафт, не выходя на улицу, используя набор кистей Wilderness для ParticleShop и Painter.

Как пользоваться набором свадебных кистей

Профессиональный фотограф и художник Мари Отеро демонстрирует, как использовать различные кисти из набора кистей Wedding для Painter и ParticleShop.

Как пользоваться набором водяных кистей

Узнайте, как создать все, от жидкого неба до каменистых пляжей с колоссальными волнами, белыми шапками и рябью, используя набор кистей Painter’s Watery.

Как пользоваться набором городских кистей

Добавьте волнения и смелости своим городским пейзажам, используя набор кистей Urban для ParticleShop, Painter и Painter Essentials.

Как пользоваться набором полупрозрачных кистей

Художник-мастер Elite Джастин Буус демонстрирует, как использовать полупрозрачные кисти для создания капель, призм, отражений и других эффектов освещения.

Как пользоваться набором кистей Tide

Узнайте, как создать рябь, морские брызги, пузыри и бегущую воду с помощью 15 кистей с водной тематикой из набора кистей Tide для Painter и ParticleShop.

Как пользоваться набором кистей Storm

Вот краткая демонстрация, показывающая, как использовать кисти Storm для Painter и ParticleShop для создания молнии, дымки, ветра и других элементов шторма.

Как пользоваться набором кистей Stipple

Получите предварительный просмотр кистей Painter Stipple и узнайте, как эти кисти можно использовать для создания узоров быстрее и проще, чем с помощью отдельных мазков.

Как пользоваться набором кистей «Звездная ночь»

Получите предварительный просмотр кистей Painter Starry Night и узнайте, как их можно использовать для создания реалистичного космоса и звезд, от вспышек новой звезды до стрельбы по астероидам.

Как пользоваться набором пружинных кистей

Художник-мастер Elite Аарон Руттен демонстрирует, как он использует кисти Spring, чтобы добавить к изображению птиц, листву, цветы, солнечные лучи и дождь.

Как пользоваться щетками для снега

Узнайте, как с помощью реалистичных кистей «Снег» Painter создать зимнюю сказку с кружащимися, падающими и белоснежными снежинками.

Как пользоваться кистями для ржавчины и патины

Художник-мастер Elite Аарон Руттен демонстрирует набор кистей «Ржавчина и патина», превращая простую фотографию в сложное произведение искусства всего за несколько минут.

Как пользоваться дождевыми кистями

Узнайте, как использовать кисти Painter’s Rain для добавления реалистичных эффектов к вашим работам, от капель и мелкого тумана до проливного ливня.

Как пользоваться кистями для поп-арта

Нарисуйте свою собственную интерпретацию поп-культуры, используя забавные и смелые кисти Pop Art Painter, чтобы создать цвет, форму и движение.

Как пользоваться кистями с неоновой подсветкой

Получите несколько советов от Painter Master Elite Аарона Руттена о том, как использовать кисти Neon Lights для создания светящихся, мерцающих, сверкающих огней и лазеров.

Как пользоваться набором кистей Nature

В этом коротком видео вы познакомитесь с 15 вариантами кистей Nature и узнаете, как лучше всего их использовать, чтобы добавить в свою работу ощущение естественной среды.

Как пользоваться набором кистей Manga II

Посмотрите кисти Painter’s Manga II в действии! Этот набор кистей — именно то, что вам нужно, чтобы поддержать свое воображение и создать простых, чистых персонажей.

Как пользоваться набором кистей Majestic Animals

Это короткое видео познакомит вас с 15 вариантами кистей Majestic Animals и с тем, как лучше всего их использовать для добавления крыльев, перьев, пятен, рогов и многого другого к изображениям животных.

Как пользоваться набором кистей Light It Up

Painter Master Elite Аарон Руттен оживляет эти улицы с помощью набора кистей Light it Up, добавляя молнии, блики, полосы задних фонарей и многое другое!

Как пользоваться набором кистей для листьев

Узнайте, как использовать набор кистей Painter’s Leaves, чтобы воспроизвести зелень матушки-природы и оживить ваши пейзажные картины.

Как пользоваться набором кистей для рисования

Узнайте, как использовать кисти Painter’s Inking, чтобы добавить иллюстративности и разнообразия чернильных мазков, передающих дух вашего предмета.

Как пользоваться кистями для фейерверков

Узнайте, как рисовать и комбинировать блестки, взрывы, вспышки, огоньки и многое другое, чтобы добавить уникальный фейерверк в свои работы с помощью кистей Painter’s Fireworks.

Как пользоваться щеткой для ткани

Узнайте, как использовать кисти «Ткань» для Painter и ParticleShop, чтобы добавить красивый и реалистичный эффект развевающейся ткани к модному дизайнерскому изображению.

Как пользоваться набором кистей Creepers

Painter Master Elite Дон Сигмиллер показывает, как он использует набор кистей Creepers, чтобы добавить некоторые детали и последние штрихи к персонажу.

Как пользоваться массивными кистями для рисования

Узнайте, как добавить нужную текстуру и толщину любой картине с помощью больших, коренастых и пухлых кистей из набора кистей Chunky Paint.

Как пользоваться праздничными кистями

Узнайте, как с помощью светящихся кистей Celebration добавлять следы от ракет, бенгальские огни, светящиеся палочки, конфетти и многое другое в фотокомпозиции и картины.

Как пользоваться набором кистей Bubbles

Посмотрите демонстрацию шипучих кистей в наборе кистей Bubbles и узнайте, как с их помощью можно создавать всевозможные уникальные пузырьковые формы.

Как пользоваться набором щетинок

В этом руководстве рассматривается каждая кисть из нового набора кистей Bristly и то, как их можно использовать для оживления различных типов материалов.

Как использовать набор кистей для анимации

Узнайте, как использовать капающие, светящиеся и мерцающие кисти для создания волшебства на холсте с помощью набора кистей «Анимация» для Painter и ParticleShop.

Как пользоваться набором абстрактных кистей

Painter Master Elite Джереми Саттон демонстрирует, как использовать абстрактные кисти, чтобы толкать, тянуть, царапать и рисовать, чтобы воплотить ваши концепции в жизнь.

Как пользоваться набором кистей в стиле модерн

Получите предварительный просмотр абстрактных кистей в стиле модерн для Painter и Painter Essentials, вдохновленных одним из величайших художников-декораторов Густавом Климтом.

Рисование кистью — Как нарисовать кисть шаг за шагом

Работа над новым художественным проектом — один из лучших способов расслабиться и творчески выразить себя. Когда дело доходит до художественных проектов, рисование может быть одним из самых веселых и полезных способов, которым вы можете заняться.

Существует множество различных красок, которые можно использовать, и это значительно упрощается при использовании качественной кисти.

С таким количеством разных кистей иногда может быть немного страшно научиться рисовать кистью, если у вас нет правильного руководства.

К концу этого пошагового руководства по рисованию кисти вы сможете нарисовать один из этих полезных инструментов для рисования!

Как нарисовать кисть — приступим!

Шаг 1

Чтобы начать это руководство о том, как рисовать кисть, мы начнем с ручки кисти.

Эта часть ручки будет деревянной частью, которую вы фактически будете держать в пальцах, когда рисуете. У его основания также будет гребень, который вы можете нарисовать тонкой округлой формой.

Сама ручка будет нарисована с очень слегка изогнутыми линиями, достигающими кульминации в точке на конце.

После того, как вы нарисовали эту деревянную часть ручки, вы можете перейти к следующему шагу, чтобы мы могли продолжить этот рисунок.

Шаг 2 – Затем нарисуйте еще немного ручки

Вы нарисовали деревянную часть ручки, и теперь мы добавим более короткую металлическую часть вашего рисунка кистью.

Эта металлическая секция обычно соединяет ручку с щетиной щетки. Чтобы нарисовать эту часть, просто нарисуйте еще несколько слегка изогнутых линий, которые завершатся еще одной из тех маленьких тонких фигур, которые вы нарисовали у основания деревянной части ручки кисти.

Это позаботится об контуре ручки, а в следующей части мы поработаем над щетиной кисти.

Шаг 3 – Теперь нарисуйте кончик кисти

Ручка щетки — это хорошо, но без щетинок кисть была бы не очень хорошей.

Мы добавим их в этом первом шаге нашего руководства о том, как рисовать кисть. Эта часть кисти соединится с концом металлической части, которую вы нарисовали на предыдущем шаге.

Его основание будет нарисовано несколькими изогнутыми линиями, которые ведут к тому, что на концах щетинок собирается немного краски.

Вы можете нарисовать этой краской несколько более округлых линий, и вы можете отличить щетину от краски, добавив несколько линий на щетину.

Затем мы можем начать добавлять окончательные детали текстуры в следующие несколько шагов, так что давайте продолжим!

Шаг 4 – Затем нарисуйте детали деревянной текстуры для кисти

Для следующих нескольких частей вашего рисунка кистью мы вернемся к предыдущим элементам, которые вы нарисовали, и добавим к ним некоторые детали.

Сейчас мы сосредоточимся на деревянной части ручки, чтобы она больше походила на деревянную. Для этого вы можете нарисовать несколько линий, идущих по диагонали вдоль ручки, чтобы придать ей вид текстуры дерева.

Это все, что нужно сделать для этой части, поэтому мы перейдем к некоторым окончательным деталям кисти в следующем шаге.

Шаг 5 – Теперь завершите рисунок кистью

Детали, которые вы будете добавлять на этом шаге нашего руководства о том, как нарисовать кисть, будут небольшими, но они также хорошо закончат.

На этом этапе вы также сможете добавить некоторые детали и дополнения, так что эта часть доставит вам массу удовольствия!

Что касается наших деталей, мы добавим несколько тонких линий на металлическую часть кисти, чтобы придать ей вид блестящего металла. Как только вы нарисовали эти линии, вы технически завершили этот шаг.

Перед тем, как перейти к финальному, вы можете добавить к нему некоторые свои элементы и детали.

Вы можете нарисовать несколько кистей разного размера, лежащих рядом с ним, добавить еще несколько инструментов для рисования или даже дать представление о картине, над которой работает эта кисть.

Это всего лишь несколько идей, но что еще вы можете придумать, чтобы закончить эту картинку перед последним шагом?

Шаг 6 – Завершите рисунок кистью, добавив немного цвета

Это последний этап рисования кистью, и именно на нем вы можете оживить свой рисунок удивительными цветами!

Мы использовали немного коричневого и серого для кисти, а немного фиолетового для краски в конце. Однако это всего лишь один пример цветов, которые вы можете использовать для этого.

Видя, что это изображение связано с краской, это дает вам множество вариантов цветов, которые вы могли бы выбрать!

Цвета — это только часть процесса. Вы также можете поэкспериментировать с различными средами и, возможно, даже использовать густую краску для краски на кисти для прохладного прикосновения.

Нам не терпится увидеть, какие цвета и материалы вы используете для завершения этого изображения!

Ваш рисунок кистью готов!

Мы надеемся, что это руководство по , как рисовать кисть , было для вас интересным рекламным опытом!

Следуя шагам в руководстве и не торопясь, вы можете использовать свои собственные художественные инструменты для создания творческих изображений этого конкретного художественного инструмента.

Есть множество способов повеселиться, используя дополнительные детали, цвета и художественные материалы.

В этом руководстве мы упомянули несколько идей, но это ваш шанс показать нам, насколько творчески вы можете подойти к завершению изображения!

После того, как это руководство будет завершено, на нашем веб-сайте вы найдете еще много других. У нас есть руководства, охватывающие огромное количество тем, и мы загружаем их чаще, чтобы вы могли наслаждаться ими!

Нам было бы очень интересно посмотреть, как вы завершили этот рисунок кистью, поэтому, пожалуйста, не забудьте поделиться им на наших страницах Facebook и Pinterest, как только он будет готов.

Как рисовать или раскрашивать свои чувства

Я часто чувствую себя более непринужденно, когда выражаю свои чувства через искусство, будь то рисунки или картины.

Со словами я часто чувствую себя обремененным, выбирая правильные слова и надеясь, что другие правильно поймут мои намерения.

Однако с помощью искусства я могу избавиться от этого бремени, не обходя его целиком, а вместо этого встречаясь с ним лицом к лицу.

Искусство открыто для интерпретации каждым, и это нормально.

Это универсальный язык, и в искусстве всегда будет красота, несмотря ни на что.

Искусство — это то, как мы все можем передать наши внутренние чувства, даже если мы не полностью их понимаем, — и именно это делает его таким прекрасным.

Я надеюсь, что эта запись в блоге поможет вам узнать и поэкспериментировать с тем, как вы можете передать свои чувства через искусство, будь то рисунок, живопись или что-то еще.

Это отличный способ узнать, что ваши собственные чувства пытаются вам сказать, и кто знает, возможно, ваше искусство сможет затронуть жизни многих людей в будущем.


1. Не отталкивайте свои чувства

Нормально чувствовать любые эмоции, которые вы сейчас испытываете.

Иногда наши чувства могут доставлять нам дискомфорт, даже невыносимость, но это то, через что мы все проходим в разное время нашей жизни.

У ваших чувств есть причина – и я считаю, что какими бы они ни были, они подобны внутреннему компасу, указывающему нам в какое-то неизвестное место, которое мы пока не можем предсказать.

Так что не отталкивай свои чувства.

Осознайте, что вы чувствуете, и просто позвольте им говорить через созданное вами искусство.

Иногда очень помогает просто дать им возможность высказаться, так что попробуйте.


2. Откажитесь от любых ожиданий от себя

Чтобы изобразить свои чувства, лучше всего отказаться от ожиданий от своего искусства.

Ваше искусство не обязательно должно быть идеальным.

Иногда то, что мы видим мысленным взором, отличается от того, что мы можем нарисовать или нарисовать физически — и это нормально!

Цель этой записи в блоге — просто нарисовать или нарисовать свои чувства!

Нет неправильного способа сделать это.


3


3. Выберите стиль искусства

Типы стилей искусства:

  • Аннотация
  • Realism
  • Сюрреализм
  • Мультфильма
  • Минимализм

Вы можете нарисовать или рисовать, используя несколько художественных стилей или одного — выбор за вами.

Создавайте искусство в соответствии со стилем, который вам подходит.

Иногда бывают дни, когда вы не знаете, что именно рисовать или раскрашивать. В эти дни лучше всего создавать более абстрактные произведения искусства.

В другие дни вы можете точно знать, что хотите нарисовать.

Все зависит от обстоятельств – делайте все, что душе угодно.

Даже каракули прекрасны! Ниже представлена ​​картина Сая Твомбли из Artsy.


4. Создавай искусство!

Создай искусство! И занимайтесь искусством регулярно!

Всегда есть способ заняться искусством, будь то простой карандаш или бумага или покупка недорогих принадлежностей для рисования.

Экспериментируйте с различными материалами (карандаш, уголь, пастель, акварель, акриловые краски, гуашь, масляные краски и т. д.) и просто получайте удовольствие от изучения искусства.

Заполните пустую страницу или холст цветом.

Сделать каракули.

Создание фигур.

Напишите слова.

Вы также можете попробовать создать коллаж, как показано ниже:


Вещи, чтобы нарисовать или нарисовать свои чувства

Если вам нужны подсказки, что рисовать, вот несколько вещей в этом мире, которые могут вызвать чувства или определенные ассоциации или воспоминания для вас.

  • Rainbows
  • Sky
  • Ocean
  • Дорожки
  • Faces
  • Бабочки
  • Горы
  • Руки
  • Цветы
  • Звезды
  • Огонь
  • Деревья
  • Животные
  • Light
  • Тени
  • Листья
  • Пейзажи
  • Облака
  • Дома
  • Сердце
  • Нарисуй свою любимую цитату

Если вам нужно больше идей о вещах для рисования (а также примеры), ознакомьтесь с многочисленными сообщениями в моем блоге, где вы найдете идеи для рисования и рисования :

55 крутых и простых вещей для рисования
31 простые идеи рисования акварелью
30 простых идей рисования на холсте
35 причудливых идей рисования


Большое спасибо, что нашли время посетить этот пост в блоге. Я надеюсь, что вы нашли это полезным!

Люди испытывают эмоции самыми разными и уникальными способами — и выражают их так же разнообразно, как и испытывают.

Это нормально, когда ты не можешь найти слова, чтобы выразить свои эмоции. Эмоции — это совсем другой язык — и как это все передать парой слов?

Я надеюсь, что возможность выразить себя через искусство может облегчить ваше сердце и позволить вам немного больше свободно выражать себя.

Посылаю вам много любви и хорошего дня!

Поделись любовью!

Как нарисовать индейку на День Благодарения

Нужен быстрый и простой 40-минутный урок рисования для детей дошкольного возраста или первоклассников? В последний день моей осенней ротации каждый Kinders создает очаровательную индейку на День благодарения.Я еще не проводил урок рисования с этой группой, но, поскольку все они освоились и стали довольно хорошими слушателями, я решил, что нужно провести урок рисования с помощью линий.

Вам понадобится кусок сульфитной бумаги размером 12 x 18 дюймов, черная масляная пастель, цветная масляная пастель, жидкая акварельная краска, ремесленные перья, клей ПВА и небольшая пластиковая крышка от контейнера.

Посмотрите это короткое обучающее видео:

Как нарисовать индейку…

Должен признать, что мой вариант индейки на День Благодарения больше похож на павлина, чем на индейку, но в то время это было лучшее, что я мог сделать.Я поэкспериментировала с несколькими формами тела, прежде чем решила, что лучше всего начать этот урок с моими киндерами с обводки крышки контейнера. Я был не одинок с этой оценкой. Группа студентов, которые любят помогать мне готовиться по утрам, согласились с тем, что обведение круга не только намного симпатичнее, чем мой предыдущий образец, но и понравился более простой урок для их маленьких приятелей.

Кому спорить с шестиклассницами?

Другим КЛЮЧЕВЫМ компонентом, помогающим в этом проекте, было сложить бумагу пополам, чтобы создать линию сгиба. Вы можете подумать, что это глупо, но для моей группы Киндеров у многих плохое пространственное восприятие, и, хотя мы усердно работали над этим, многие рисунки, как правило, начинаются далеко внизу листа. Вы испытали это? Так и думал.


Итак, нарисовать индейку на День Благодарения….

  • Сложите бумагу пополам, чтобы получилась линия сгиба, и поместите шаблон контейнера поверх линии сгиба. Это помогает не только центрировать индейку, но и создает основу для размера индейки.
  • Обведите верх контейнера черной масляной пастелью.
  • Нарисуйте две точки для глаз и перевернутый треугольник для клюва.
  • Нанесите масляную пастель на линию сгиба рядом с головой и нарисуйте БОЛЬШОЙ ЖИРНЫЙ живот. Пройдите весь путь к другой стороне головы. Большинство детей (75%) получили это, так что это действительно помогает использовать как верхнюю часть контейнера, так и линию сгиба.
  • Нарисуйте шею GOBBLE GOBBLE WIGGLY под головой.
  • Добавьте две ноги, нарисовав две прямые линии, соединенные когтями.Повторите для второй ноги… или третьей, как это делали некоторые киндеры.
  • Теперь нарисуйте хвостовые перья. Как я уже говорил, я, должно быть, думал о павлинах, потому что мы сделали несколько очень длинных хвостовых перьев. Начните с рисования прямой линии над головой и пройдите до самого верха бумаги.
  • Нарисуйте большую изогнутую линию вокруг линии. Повторяйте по бокам тела, пока у вас не будет столько хвостовых перьев, сколько вы хотите.
  • Цветной масляной пастелью добавьте линии, точки и узоры на хвостовые перья и даже на туловище.
  • Раскрасить индейку легко и просто жидкими акварельными красками . Я кладу свои в баночки с детским питанием и даю каждому ребенку по щеточке. Не уверен, что это было с этой группой Киндеров, но, черт возьми, они сохранили краску чистой. Обычно это проблема с маленькими детьми и жидкой акварелью, но эта группа действительно увлеклась чисткой своих кистей. Должно быть, я как-то непреднамеренно пригрозил им…
  • Закрасьте каждую область или фигуру цветом краски. Этого никто не слушал.Некоторые дети использовали один цвет для всей индейки, а другие рисовали радугу. Я люблю их всех.
  • Когда дети закончат рисовать, добавьте немного клея ПВА на макушку головы и позвольте каждому ребенку приклеить перо на голову. Это просто для развлечения, но очень хороший мотиватор, чтобы закончить рисование.

Не всегда все получается так, как вы надеетесь. Многим киндерам очень тяжело с формами и линиями. Их мизинцы не только трудно контролируются, но чаще всего они не соединяют фигуры с таким объектом, как индейка.В каждом классе я получаю несколько странно выглядящих существ, и это почти всегда от младшего Киндера. Но насколько драгоценной выглядит индейка на День Благодарения каждого ученика?

Нужен раздаточный материал? Нажмите на изображение ниже, чтобы получить урок, доставленный на вашу электронную почту.

Могу ли я рисовать, если не умею рисовать?

Да, любой может рисовать, даже если он плохо рисует. Это тема, близкая моему сердцу.Я изучал техническое рисование и обладаю определенными математическими навыками, которые мне помогли, но я никогда не был лучшим в рисовании.

Даже сейчас я использую различные приемы и то, что некоторые могут назвать «обманками», чтобы помочь моему рисованию и рисованию . Я узнал, что я могу нарисовать гораздо лучше, чем . То же самое может относиться и к вам. Пока не попробуешь, никогда не узнаешь.

Нужно ли рисовать, чтобы стать художником?

Нет, чтобы стать художником, не обязательно рисовать.Некоторым картинам просто легче рисовать без рисования, а некоторым людям просто легче рисовать. Используя акриловые краски , легко закрасить любые ошибки, потому что сама краска непрозрачна,

Масляными красками вы можете перемещать и манипулировать формой и цветом на картине дольше, так как краска сохнет намного дольше.

Акварельная живопись может больше полагаться на навыки рисования , но им можно научиться, и многие люди используют акварели, у которых мало технических способностей, когда дело доходит до рисования.

Создание форм и узоров на картине может быть очень увлекательным и очень простым. Почему бы не взглянуть на некоторые из наших уроков рисования или некоторые из фантастических картинок в наших статьях об обучении рисованию.

Я бы посоветовал начать рисовать акриловыми красками , так как они очень просты в использовании и быстро сохнут. Если все пойдет не так, вы можете просто нарисовать поверх всего и начать заново.

Рисовать сложнее, чем рисовать?

Нет, покраска не сложнее рисунок .Некоторым людям легче рисовать, другим легче рисовать. Необходимы разные навыки, и некоторым людям просто проще, чем другим.

Лично мне рисовать намного легче, чем рисовать , но, возможно, это отчасти потому, что именно в этом заключается моя страсть.

Я до сих пор не считаю себя лучшим в рисовании , но я научился использовать свои навыки рисования и раскрашивания намного лучше, чем я когда-либо думал.

Выберите то, что лучше всего подходит для вас

Выберите то, что облегчает вам обучение.Для кого-то это будет живопись , для кого-то рисунок. Как бы вы ни учились, с практикой вы сможете улучшить свои навыки, и вы поймете, что для вас проще всего.

Одна вещь, которая помогла мне понять, как пользоваться красками, оказалась действительно полезной, это рисовать абстрактные картины. Вы можете сделать это вообще без какого-либо рисунка , и он научит вас, как использовать , и получить лучшее от краски, которую вы решите использовать.

С помощью акриловых красок вы научитесь использовать заливку и начнете понимать, как различные цвета влияют на цвета вокруг них. Вы также узнаете, насколько важным может быть эффект смелых мазков кистью. В конце концов, вы можете попробовать рисовать мастихином, и вы можете сделать это акриловыми красками , а также маслом.

Использование масляных красок может показаться немного более пугающим, но на самом деле это не так. Как только вы узнаете, как краска смешивается с холстом , вы можете использовать медленное время высыхания, чтобы помочь вам.

Вы можете гораздо проще добиться действительно постепенного затенения, а поскольку многие цвета полупрозрачны, вы можете изменить нижележащие цвета, добавляя тонкую заливку или небольшое количество другого цвета, чтобы очень драматично повлиять на другие цвета.

Должен ли я научиться рисовать, прежде чем научиться рисовать?

Вы можете научиться рисовать , прежде чем пытаться научиться рисовать, но это не обязательно. Почему бы не попробовать оба и посмотреть, что вам больше подходит. По мере вашего продвижения вы можете исследовать рисование еще , но может случиться так, что рисование без какого-либо реального рисунка сначала подойдет вашему стилю.

Некоторым людям нравится получать рисунок , а затем закрашивать его. Другие люди очень мало рисуют перед тем, как начать рисовать.Вы можете использовать базовый набросок на холсте или бумаге, чтобы дать себе отправную точку. Немногие художники сначала работают с подробными рисунками .

Заключительные мысли

Помните, рисуете ли вы или рисуете , целенаправленная практика — это то, что больше всего улучшит ваши навыки и способности. За каждый час, который вы потратите на практику, вы увидите, как улучшаются ваши техники.

Чтобы понять цвет в живописи, я в числе прочего нарисовал сетку на большом листе грунтованной бумаги и отметил каждый цвет сверху и сбоку.

Используйте чистую кисть, чтобы поместить каплю цвета, отмеченного на каждой стороне, в ячейках под ней и напротив нее. Повторите этот процесс для каждого цвета, который вы отметили, чтобы в каждом квадрате сетки было 2 разных цвета краски .

Смешайте 2 капли краски вместе в каждом пространстве сетки, каждый раз тщательно очищая кисть. Вы заметите, что некоторые цвета, которые могут выглядеть похожими, по-разному влияют на один и тот же цвет.

Это может быть потому, что в одном из них просто больше пигмента или он более прозрачен, но некоторые я никогда не понимал, почему они создают такие разные эффекты.

Даже если вы не понимаете почему, понимание того, как один цвет влияет на другой цвет, поможет вам смешивать нужные цвета в любой картине .

Изменение искусства: 4 причины, по которым вы должны рисовать или рисовать в группе

Изменение искусства: 4 причины, по которым вы должны рисовать или рисовать в группе

В начале занятий преподаватель Брюс Коди просит своих учеников выставить свои работы. Затем группа проводит следующие 35-40 минут в режиме обсуждения и критики.

Вы увлечены изобразительным искусством в своем сообществе. Вы активно выступаете за художественное образование. Одним словом, вы потрясающие — и вы тоже заслуживаете некоторых преимуществ.

Вот что вы получите, вступив в художественный клуб и создавая искусство в групповой обстановке:

1. Обратная связь.

Могут ли художники создавать картины или офорты в тишине и уединении своих мастерских? Определенно.На самом деле, многие делают. Рисование — это не софтбол; вам не нужно товарищей по команде.

Или, опять же, может быть, да.

Художник Брюс Коди, ведущий канала GroupWorks по рисованию и живописи, является членом и инструктором двух художественных клубов, расположенных в спланированном сообществе Сан-Сити, штат Аризона. По его словам, в начале каждого занятия он просит всех своих учеников выставить свои работы. Затем группа проводит следующие 35-40 минут в режиме обсуждения и критики.

«Я думаю, что они учатся друг у друга», — говорит Коди.«Они учатся на наблюдениях».

2. Возможности и доступ.

Членство дает возможность демонстрировать работы на выставках, начиная от групп для всех желающих, таких как Калифорнийский художественный клуб, и заканчивая коллективами, доступными только по приглашению, такими как Plein-Air Painters of America. В Калифорнийском художественном клубе, с отделениями от Сан-Диего до района залива Сан-Франциско, члены начального уровня, известные как ассоциированные художники, также могут посещать лекции и семинары.

Некоторые группы, такие как Национальное общество акварелистов, предлагают ассоциированное членство начального уровня, которое могут получить за ежегодные взносы как любители искусства, так и художники.Это дополняется подпиской на информационный бюллетень, который держит вас в курсе событий, спонсируемых обществом (и, кстати, дает вам форум, чтобы похвастаться своей последней отмеченной наградами работой). Вы также получаете скидку на участие в ежегодной выставке членов общества.

3. Любовь.

Новое исследование Университета Бэйлора показало, что занятия рисованием способствуют выработке окситоцина — так называемого «гормона объятий» — у участников, которые участвуют как пары.

«Обычно урок рисования не рассматривается как интерактивное свидание с вашим партнером.Но иногда пары, которые рисовали, превращали это занятие во время общения, выбирая взаимодействие — обнимая своего партнера или просто говоря: «Хорошая работа», — сказала Карен Мелтон из Baylor, доцент кафедры детских и семейных исследований. пресс-релиз университета.

Было обнаружено, что мужчины особенно восприимчивы к созданию произведений искусства в групповой обстановке: на занятиях по искусству они выделяют в 2,5 раза больше окситоцина, чем женщины.

4. Разум имеет значение.

Точно так же, как обучение искусству в классе творит чудеса с молодым, развивающимся умом, создание искусства в группе обостряет зрелый ум.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.