Нарисовать красками поэтапно: Лёгкие рисунки красками для начинающих на бумаге, учимся поэтапно

Как поэтапно нарисовать лаванду красками?

В данном мастер классе мы разберёмся, как рисовать лаванду акриловыми красками. В качестве основы я буду использовать фанерную заготовку в виде овала, но вы можете повторить данную работу абсолютно на любой удобной для вас поверхности. Главное — уловить суть! Данная работа рассчитана на тех, кто абсолютно никогда не пробовал себя в качестве художника, но очень хочет начать.

Для того, чтобы научиться поэтапно рисовать лаванду, вам понадобятся следующие материалы:

• акриловые краски «Акрил-Хобби Де Люкс» Ежевичный;

• акриловые краски «Акрил-Хобби» Окись хрома, Чёрный, Фиолетовый, Белый; 

• заготовка из фанеры;

• грунт акриловый «ТАИР»;

• лак акриловый «ТАИР»;

• парафиновая свеча;

• кисти синтетические: плоская и круглая.

Рисуем лаванду поэтапно акриловыми красками

Фигурный край (фаску) по кругу вешалки окрашиваем кистью акрилом ежевичного цвета.

Этот цвет будет цветом наших потёртостей. Лицевую часть вешалки покрываем в один слой белым акриловым грунтом.

Сушим заготовку минут 15-20, можно ускорить процесс с помощью обычного фена. После просушки ошкуриваем поверхность наждачной бумагой со средней зернистостью 240Р.

Кусочком парафиновой свечи местами натираем вешалку по краю (только по окрашенной в ежевичный цвет части).

Акриловой краской белого цвета и кусочком поролоновой губки окрашиваем всю поверхность плотным слоем. Оставляем на естественную просушку. В данном случае ускорить высыхание феном никак нельзя, ведь под белой краской у нас слой парафина, который будет плавиться от тёплого воздуха.

Наждачной бумагой (320Р) прошкуриваем заготовку лёгкими касаниями. В тех местах, где мы натирали воском, краска сходит очень легко, и получаются красивые живописные потёртости.

Получившийся результат закрепляем в один слой акриловым лаком и сушим.

Переходим к рисованию. На палитру выкладываем краски нужных цветов. Тонкими линиями простым карандашом делаем едва заметный набросок будущего букета.

Краской Оксид Хрома (слегка разбавленной водой) и маленькой круглой синтетической кистью прорисовываем контуры стеблей лаванды. Линии должны быть полупрозрачные.

Теперь уже не разбавленным зелёным цветом (он темнее, насыщенней) прорисовываем более чёткий контур стеблей и короткими мазками добавляем листочков на стебли.

Смешиваем на палитре фиолетовый и ежевичный оттенок краски. Получившимся приглушенно-фиолетовым цветом начинаем рисовать цветы лаванды. Снизу стеблей делаем более крупные мазки, сверху  — совсем мелкие, точечные.

В уже смешанный фиолетовый оттенок добавляем белой краски. Получившимся оттенком добавляем на уже нарисованные цветки более светлые фиолетовые пятна. Это придаст цветкам объём и сделает более живописными.

Смешиваем зелёный цвет с чёрным. Получаем тёмно-зелёный, холодный оттенок. Тонкой синтетической кистью прорисовываем нижние части стеблей.

Уже полученный тёмно-зелёный цвет немного разбавляем водой. Получившейся полупрозрачной краской добавляем объёма нашему букету, прорисовывая дополнительные стебли. На верхушках этих стеблей легкими мелкими точками рисуем бутоны нераспустившейся лаванды.

Нарисуем ленту и бантик, перевязывающий букет. Фиолетовым оттенком и тонкой кистью рисуем три горизонтальные полоски (место сборки букета). Далее нарисуем «петельки» банта и два свободных края ленты. Чёрной краской и тонкой кистью прорисовываем бант, придавая ему дополнительный объём.

Чистым белым цветом добавляем бликов на цветы лаванды и бант. Кисть в данном случае берем самую тонкую.

На данном этапе работы наш букетик лаванды можно считать завершённым. Но мне захотелось немного гармонизировать пространство вокруг самого букета. Для этого я сделала легкий набрызг вокруг букета сильно разбавленной акриловой краской фиолетового оттенка.

О том, как сделать набрызг, можно почитать в статье: «Техника набрызга в рисовании и декупаже».

Так как я планирую данное изделие использовать в качестве вешалки, поэтому решила сделать вот такую деревянную ручку, заранее окрашенную в тон соцветий лаванды.

Ну вот, в принципе, и всё. Вот такая интересная и довольно простая вещица у меня получилась. Рисовать лаванду довольно просто даже не имея профессиональных художественных навыков. Поскольку лаванда — это один из любимых элементов стиля Прованс, то умение рисовать её пригодится, если вы захотите украсить какую-нибудь вещицу в данном стиле. Разумеется, лучше иметь под рукой несколько фотографий лаванды, чтобы уловить её форму и цвет. 

Не забудьте закрепить вашу работу несколькими слоями акрилового лака для долговечности нанесенного декора и нарисованного изображения.

Не бойтесь учиться, рисуйте! И пусть ваше творчество приносит вам только положительные эмоции!

Автор — Александра Качесова, ДЕКУПАЖНЫЙ СТИЛЬ-студия Творческой Личности.

Как нарисовать платье на манекене акварелью поэтапно

В этом уроке я попробую научить Вас раскрашивать платье на манекене с помощью акварели. Для этого я взяла:

• акварель (24 цвета,но использовала я тут меньше)
• линер 0.4 мм (можно взять и чёрную ручку)
• карандаш для рисования наброска
• ластик (куда без него)
• кисть нейлон 2 (можно заменить белкой или пони)
• белый карандаш (не обязателен)
• палитра для смешивания красок

Шаг 1

В первом шаге,я бы хотела обозначить для Вас блики и тени.Далее по ним будет легче рисовать акварелью.Их рисовать на вашем платье не обязательно.Рисовать мы гардиент.

Шаг 2

Наносим тени,берем кисть в руки,далее наносим на неё основной цвет (в моём случае-красный) и добавляем немного коричневого.Перемешав в палитре,я обычно поверяю краску на бумаге,а уже потом рисую.Не забудьте стирать карандашные линии!

Шаг 3

Далее все легче,смешиваем предыдущий цвет с белым,чтобы тот стал светлее примерно на один тон и наносим на бумагу.

Шаг 4

Продолжаем смешивать предыдущий цвет с белым,пока не дойдем до «Основного цвета».Здесь нужно быть очень аккуратным,чтобы не испортить плавные переход.

Шаг 5

Теперь на блики нужно добавлять немного больше белого,тона на полтора светлее.Самый последний (самый левый) должен быть самым светлым и выделяться на фоне других,но не слишком сильно(дабы не испортить плавный переход).По этому же принципу делаем верхнюю часть платья.

Шаг 6

На этом шаге можно подровнять переход.Если он у вас слишком резкий,то дождитесь пока краска высохнет,намочите кончик кисти в воду и пройдитесь по акварели от самого темного,до самого светлого.

Шаг 7

Теперь займемся верхней частью манекена.Возьмем коричневую краску и сделаем его слегка светлее с помощью белого цвета.Красим по тому же принципу.

Шаг 8

Заканчиваем верхнюю часть манекена.

Как нарисовать космос акварелью — поэтапно для начинающих

Многие любят смотреть на звездное небо. В городе не так видна вся небесная красота. Но стоит выехать за город, как перед вами открывается другая вселенная. Попробуйте в абсолютной тишине в приятной компании поднять голову. Красивые созвездия, планеты и другие небесные тела. Каждое созвездие может рассказать о многом. При виде такой красоты появляются приятные мысли, невероятные мечты. Поэтому многих интересует, как красиво нарисовать космос акварелью?

Лучше всего это сделать, используя акварель. Именно она сможет передать всю глубину вселенной. Так можно получить картину, которая в любой момент сможет перенести в бесконечные дали. Если вы давно мечтали, но не знали, как это сделать данная статья поможет создать настоящий шедевр. Не стесняйтесь в выражении собственных эмоций. Только так у вас получится особая вселенная. Вы можете освоить азы в школе рисования в Харькове https://kharkov.

spbsot.com.ua/risovanie-kaligrafii либо попробовать самостоятельно.

Что понадобится из материалов?

Рисование позволяет выражать свои чувства, пробудить творческий потенциал. Рисунок акварелью считается самым оптимальным вариантом. В процессе нет ничего сложного, ведь не надо рисовать сложные предметы. Все что требуется – правильно смешать краски и дать волю чувствам.

Для создания настоящего шедевра понадобится:

• прессованный лист бумаги;
• акварельные краски;
• мольберт;
• палитра;
• контейнер с водой;
• тканевый кусочек;
• крупная соль;
• малярная лента.

Имея все необходимое, нарисовать космос будет не так сложно. Главное – это вдохновение, поэтому если настроения творить нет, то лучше не начинайте. Подождите более подходящего момента. Простые советы о том, как нарисовать космос акварелью поэтапно для начинающих позволят создать уникальную картину.

Процесс рисования поэтапно

Для начала берем акварельную бумагу и крепим ее на деревянную доску. Для этого пригодится малярная лента. Отступите от краев по полтора сантиметра и выполните крепеж. Выполнив простые действия, вы уменьшите возможность деформации бумаги при рисовании. Далее начинаем готовить краску. Для этого берем щетку и приступаем к смешиванию цветов.

Этап 1

Для получения светло-алого цвета нужно смешать полупрозрачный оранжевый со светло-красным. Темно-вишневый оттенок получится, если к глубокому красному добавить фиолетовый и капельку индиго. Темно-синий можно получить при смешении индиго с синим. Также пригодится средне-зеленый оттенок.

Этап 2

Полотно должно быть расположено под небольшим уклоном. С помощью кисти-швабры намочите весь лист. Взяв в руки кисть, начинайте легкими штрихами окрашивать в светло-красный цвет верхний левый угол. Дальше кистью, окрашенной в синий цвет, пройдите те места, где раньше нанесли краску. За счет небольшого наклона полотна краски самостоятельно смешаются. Закон гравитации позволит создать особую игру цветами.

Этап 3

Дальше вам понадобится меньшая кисть. Заранее подготовленный зеленый цвет нужно наносить по диагонали с левой нижней части до верхнего правого угла. Закройте глаза и представьте, какие цвета должны присутствовать в вашей вселенной? Если в голове картинка уже нарисована, то останется только перенести это на бумагу. Окончательный результат рисования акварелью космоса вас порадует. Поэтому перед тем как приступить продумайте общую картину.

Этап 4

Для усиления конкретных участков и заполнения пробелов нужно добавить больше краски. Делайте это на влажном полотне. Используйте несколько простых приемов. На участке где нанесен синий, добавьте голубой или зеленый оттенок. Сине-фиолетовый добавьте к участку с красным или синим оттенком. Если вам кажется, что чего-то не хватает, используйте хром оранжевый и кадмий светло-желтый. Такой способ позволит заполнить свободные участки.

Этап 5

После частичного высыхания краски нанесите еще один слой. Так вы сможете получить насыщенный цвет. Учтите, что акварель смотрится насыщенной только в мокром виде. Когда картина полностью можно оценить общее впечатление и добавить красок на участки, где элемент получился бледноватым. Каждый раз при добавлении нового оттенка обязательно промачивайте кисть.

Этап 6

Если внешний вид картины устраивает, то до завершения осталось совсем чуть-чуть. Для волшебной вселенной не хватает немного магии. Возьмите крупную соль, рассыпьте ее поверх работы. Количество соли должно быть небольшое иначе она впитает чересчур много влаги. После высыхания удалите солевые остатки удобной лопаткой, не повредив картину.

Этап 7

На влажной бумаге создайте границы туманности. Для этого смешайте лазурную, черную и слоновую кость. Края получаются темного цвета. Для этого можно использовать кусок ткани. При любом контакте с полотном используйте только круговые движения.

Этап 8

Осталось нанести финальные штрихи. Чего не хватает на вашем полотне? Звезд! Поэтому возьмите кисть с титановыми белилами и добавьте завершающие аккорды. Следите за количеством воды, иначе краска станет слишком прозрачной. Так не получится желаемого эффекта. Для этого возьмите в руки деревянную палочку. Держать ее нужно параллельно полотну. Благодаря легким ударам кисти о палочку белые частички попадут на картину. Продолжайте так делать до того момента, когда звезд станет достаточно. После того как полотно высохнет, снимите малярную ленту. Все что осталось – это выбрать подходящую рамку под шедевр.

Теперь вы знаете, как нарисовать космос акварелью. Главное в таком деле – иметь представление, как должна выглядеть ваша картина. Что вы хотите в конечном счёте увидеть на полотне. Поднимите голову вверх. Не бойтесь мечтать, представьте, что кроется в этой бесконечности. А теперь попробуйте выразить ваши эмоции на бумаге. От ваших внутренних переживаний зависит, каким получится ваш шедевр.

 

Урок как нарисовать руку акрилом для начинающих поэтапно

Руки, как известно, один из самых сложных объектов для рисования карандашом или красками. Некоторые вообще стараются этого избегать, однако такой подход не самый лучший. В конце концов, руки – это инструмент, с помощью которого создается изобразительное искусство! Данный урок с подробными пошаговыми пояснениями поможет вам справиться с трудностями.

Прежде чем приступить непосредственно к рисованию, приготовьте необходимые материалы и инструменты:

– Акриловые краски таких цветов, чтобы путем их смешивания добиться реалистичного изображения кожи рук. Для этих целей часто используется белая, красная, желтая и коричневая (сиена натуральная) краска. Может понадобиться также зеленый и голубой цвет.

– Набор художественных кистей: широкие – для закрашивания больших участков, более узкие – для прорисовки деталей.

– Натянутый холст или лист бумаги.

Важная вещь, о которой нужно помнить: краска наносится слоями

Такой способ нанесения красок имеет ряд весомых преимуществ. Прежде всего, он позволяет добиться глубины цвета за счет создания богатых оттенков. Кроме того, дает возможность упорядочить процесс рисования. Если вам нужно изобразить много объектов (или закрасить много областей), нанесение краски слой за слоем значительно облегчает сложную задачу.

Шаг 1. Набросок руки

Сделайте фото своей (или чьей-нибудь) руки и используйте его в качестве образца для наброска. Рука при этом должна неподвижно лежать на плоской поверхности.

Ниже будет представлено наиболее простое положение руки, при котором у вас не будет трудностей с ракурсом. Если хотите усложнить себе задачу, попробуйте сложить руку в кулак или согнуть один палец. Еще труднее будет изобразить руку с пальцами, направленными в сторону камеры.

Используя карандаш, сделайте легкий набросок руки на холсте или бумаге. Начните с общих очертаний (большой круг для руки и вытянутые овалы для пальцев), а затем прорисуйте суставы, костяшки пальцев и ногти. Нарисуйте несколько складок (особенно там, где они видны на коже), но избегайте при этом слишком большого количества деталей – например, от многочисленных линий рука будет выглядеть старческой.

Шаг 2. Нанесение первого слоя краски

Смешайте краски для нанесения первого слоя. После того как получите нужный цвет, разбавьте краску водой и начинайте рисовать. Делайте это легкими мазками – так, чтобы под слоем краски проглядывали карандашные линии.

Если у вас возникли трудности с подбором красок для смешивания, найдите хорошее руководство, написанное доступным языком.

Шаг 3. Нанесение второго слоя краски

Смешайте те же краски, что и в шаге 2, но на этот раз добавьте меньше воды. Цвет при этом получится немного темнее. После этого посмотрите на снимок руки, чтобы определить расположение темных и светлых участков. На те области, которые должны быть более темными, нанесите второй слой краски. Несмотря на то что второй слой наносится не во всех местах, этот шаг помогает обозначить форму руки.

 

Повторяйте этот шаг, пока не добьетесь нужного тона. Не стоит переживать о прорисовке самых темных участков – мы расскажем об этом далее.

Шаг 4. Прорисовка теней

После шага 3 должен появиться визуальный эффект – рука начнет выглядеть объемной, но все еще немного плоской. Это легко можно исправить с помощью прорисовки теней!

Есть несколько способов прорисовки теней на вашем рисунке, но ни один из них не включает применение черной краски. Чтобы изображение было реалистичнее, вместо нее используется коричневая краска (например, умбра жженая или сиена натуральная) в случае светлой кожи или ультрамарин синий, если кожа темнее. Эти пигменты дают более богатую палитру оттенков по сравнению с черной краской.

[direct]

 

 

Будьте аккуратными с прорисовкой теней – прерывайтесь время от времени и оценивайте работу. Начинайте с теней по бокам пальцев, чтобы подчеркнуть их скругленную форму – особенно там, где они отбрасывают тень друг на друга.

Шаг 5. Прорисовка светлых участков

И, наконец, последний шаг. Теперь, когда у вас есть тени, приступайте к прорисовке светлых участков рук.

Для этого снова смешайте краски, чтобы получить нужный тон кожи, но на этот раз используйте в качестве доминирующего цвета белый или желтый. Затем с помощью тонкой кисти нанесите легкие мазки светлым пигментом в наиболее освещенных участках рук, например, на месте костяшек пальцев или вен.

Как и в случае теней не переусердствуйте со светлыми участками – если их будет слишком много, рука станет похожей на пластиковую!

поэтапно от простого к сложному

Детское творчество – важный этап в развитии. Особенно интересным видом прикладного искусства является рисование, к которому тянет всех малышей с самого раннего возраста. Рисунки красками для детей невероятно полезны, они формируют личностные качества, развивают фантазию.

Польза рисования для детей

Почему все педагоги и психологи рекомендуют начинать рисование с детьми как можно раньше? Научить малыша рисовать действительно важно. Детям раннего и дошкольного возраста творчество полезно по таким причинам:

• стимулирует мелкую моторику и логику;
• развивает речь;
• помогает формулировать мысли, предложения;
• улучшает функцию самовыражения;
• способствует самоутверждению;
• учит принятию нестандартных решений;
• развивает память и внимание;
• способствует улучшению трудолюбия, усидчивости.

Процесс рисования для детей 2-3 лет и даже младше подарит массу радостных эмоций, поможет диагностировать различные проблемы – медицинские, психологические. Рисование борется с комплексами, замкнутостью, неуверенностью в себе. Также это искусство закладывает эстетическое восприятие мира и уже с малых лет выявляет творческие наклонности ребенка. Рисование с родителями – это повод для дополнительного совместного пребывания и развлечения.

к содержанию ↑

Возраст начала рисования

Потребность рисовать у ребенка может возникнуть уже в младшем возрасте – в 1 год или чуть позже. У большинства малышей отчетливо просматривается тяга к ярким цветам, желание изобразить что-то на бумаге к 1,5-2 годам. Конечно, первые рисунки представляют собой размалеванные пятна, зато ребенок с каждым разом трудится все активнее. Также нередко его «таланты» становятся заметными на мебели, стенах, обоях, но психологи не рекомендуют сильно ругать ребенка за это, чтобы не отбить желание творить.

Примерно к 4-5 годам дети уже могут начинать посещать уроки рисования, если есть желание и склонность. Красивые картинки можно научиться рисовать и дома, занимаясь с родителями. В интернете сейчас много полезных мастер-классов, тематической информации. Дети 7-8 лет и старше могут ходить на занятия школьного кружка по рисованию, где им расскажут об основах живописи и научат многому интересному.

к содержанию ↑

Какие краски подойдут – выбор материала для детского творчества

Для малышей раннего возраста рекомендуется выбирать пальчиковые краски, идеально подходящие для рисования пальчиками, ладошками. Их же можно использовать и позже, применяя кисточку.

Для рисования детьми с 4-х лет уже можно приобретать гуашь. Начинающим эти краски подходят прекрасно. Их плотность позволяет последовательно накладывать цветные слои, закрашивать испорченные фрагменты. Обычно для раскрасок или рисования картинок в альбоме достаточно набора из 6 цветов, из которых можно получить много новых оттенков. Детям постарше лучше купить более крупные наборы – 10 цветов и больше. С 6 лет уже можно переходить на акварельные краски, а в 7-9 – применять для творчества акриловые красители (например, для рисования на фольге, ткани).

к содержанию ↑

Начало рисования – подбор рисунков

В рисовании нужно действовать поэтапно – переходить от легкого к сложному. Мама может давать малышу «уроки» рисования сразу, как только он будет в состоянии держать руками разные предметы. Вначале желательно предложить ребенку карандаш, предварительно показав, как с его помощью на бумаге делают линии. Поняв смысл работы, малыш будет относиться к ней с интересом.

С 1,5 лет ребенок уже может выполнять самые простые рисунки – черточки, подобие фигур. Постепенно задачи, цели усложняются, но строгих требований малышу не предъявляют. Напротив, желательно прохождение им «фазы марания», которая заканчивается около двухлетнего возраста. Далее рекомендации по созданию рисунков будут такими:

• 2-3 года – начальные навыки работы с кистью, рисование цветов, геометрических фигур, первого снега и т. д.;
• 4-5 лет – закрашивание, заштриховывание, работа с карандашами, кистью;
• 6-7 лет и старше – рисование композиций, картин-пейзажей, леса, животных, изучение портретной техники.

к содержанию ↑

Прочие принадлежности для рисования

Не менее пристальное внимание, нежели краскам, следует уделить выбору кисточки. Ее ручка должна быть надежной, лучше из крепкого пластика, чтобы не сломать. Железная капсюль обязана быть гладкой, чтобы ребенок не поцарапал кожу. Диаметр кисти – как у обычной ручки. Детям хорошо подходят кисточки из щетины, которые не сильно впитывают краску, делают ровные мазки. Длина кисти должна быть такой, чтобы не задевать лицо ребенка.

Список того, что еще может потребоваться для рисования:

1. Фломастеры. Они яркие, позволяют выполнить красивый рисунок быстро, без усилий. Некоторые фломастеры и вовсе выдуваются на бумагу в виде «цветного дождика».
2. Карандаши. Менее яркие, зато не марают руки.
3. Мелки. Незаменимы для рисования на асфальте. Размеры мелков должны быть большими, чтобы ребенок не повредил кожу об асфальт. Ими же можно рисовать на доске дома.
4. Восковые мелки. Хорошо подходят для закрашивания фигур внутри контура.
5. Бумага. Для малышей идеален формат А3, детям постарше покупают стандартные альбомы А4.
6. Простой карандаш. Помогает создавать базовые контуры. Лучше взять карандаш с пометкой НВ, он не крошится.
7. Ластик. Важный инструмент, позволяет стереть неправильно нарисованные контуры, детали.
8. Точилка. Лучше сразу купить хорошую, поскольку дешевые быстро выходят из строя.
9. Банка для воды. Подойдет и обычный стакан, в котором удобно промывать кисточку.

к содержанию ↑

Уроки рисования от 2 лет

Перед началом урока важно убедиться, что рабочее место ребенка хорошо освещено. Все принадлежности он должен доставать, не вставая со стула. Стол лучше покрыть плотной клеенкой, которую легко отмыть, ведь дети в таком возрасте сильно марают все вокруг на занятиях.

Начать первый урок стоит с пальчиковой техники. Описание процесса пошагово:

1. Мама или другой взрослый окунает палец в краску, ставит отпечаток или проводит им по бумаге. Достаточно буквально 1-2 мазков.
2. Нужно предложить ребенку сделать то же самое. Можно взять один его пальчик, смочить краской, поставить пятнышко.
3. Рекомендуется помочь ребенку нарисовать пальцем легкую картинку – лепесток, гусеницу. Можно сделать солнце с лучами.

Далее можно заниматься с малышом по мере возможности, позволяя ему делать рисунки самостоятельно и с помощью взрослых. Не стоит давать краску в большой таре, достаточно мелких баночек, чтобы в них не помещалась вся рука. Лучший вариант – купить специальный набор именно для данного возраста.

Ближе к 2,5-3 годам можно уже осваивать иные художественные приемы. Например, техника «клякса» выполняется так:

• мама сгибает лист пополам, на одной стороне рисует любую картинку гуашью, например, крыло бабочки;
• плотно прижимает половинки листа друг к другу, позволяя крылу отпечататься на чистой стороне;
• помогает ребенку проделать те же действия, нарисовав кляксу, фигуру, листок, цветок и прочие картинки.

К трем годам у малыша обычно получается обводить трафареты, которые можно купить, распечатать из интернета. Их возможно оставить в виде контуров рисунка, закрасить, заштриховать. Проще всего начинать с трафаретов геометрических фигур – кругов, квадратов, треугольников. Также в этом возрасте можно делать отпечатки всей ладони, закрасив ее гуашью. Маме стоит показать, как из серии таких отпечатков делают настоящие картины – букеты, солнце, деревья и т. д.

к содержанию ↑

Рисование в 3-4 года

В данном возрасте можно начинать освоение новых техник и постепенно приучать малыша к выполнению настоящих рисунков гуашью. Вот несколько способов творчества:

• примакивание – ставить кистью легкие пятна, из которых формируется изображение;
• мазки – при помощи линий, сделанных в разных направлениях, также получают оригинальные рисунки;
• капли – можно обмакивать кисть в краске, позволять ей капать на бумагу, после формировать причудливые узоры;
• мокрые рисунок – немного смочить лист, капнуть краски, посмотреть, как она растекается по бумаге;
• эскизы – к 4-м годам следует попробовать рисовать их простым карандашом, после их заштриховывать, закрашивать;
• девочки, мальчики из фигур – нужно показать ребенку, как из простейших контуров получаются очертания человека.

Также ребенку в 3-4 года доверяют работу с губкой. Можно даже ставить на бумаге красочные отпечатки пальцами, ладонями, а затем делать мазки губкой, чтобы придать рисунку законченный вид. В 3-4 года достаточно рисовать трижды в неделю по 10-20 минут. Это исключит пресыщение данным занятием, но и не позволит его забросить.

к содержанию ↑

Уроки рисования с 4 лет

По мере взросления ребенок уже рисует более сложные картинки – осень или зиму, подводный мир и космос, конечно, исходя из своего видения. Вначале результаты могут получаться угловатыми, растекающимися, но в 5-6 лет дети, начавшие тренироваться в малом возрасте, обычно хорошо рисуют такие картинки. Очень важно говорить с детьми об их творчестве – что изображено, какие герои, чем они занимаются и т. д. Нужно обязательно хранить работы малыша, это придаст ему уверенности в значимости своего дела.

Популярным рисунком в 4-5 лет является осеннее дерево или зимняя елочка. Техника рисования елки такова:

• выполнить вертикальную линию;
• провести немного изогнутые линии – ветки;
• обрисовать веточки зелеными иголками, сделав их пушистыми;
• ствол прорисовать коричневым;
• после высыхания среди зелени сделать отметины белой краской.

Также рекомендуется нарисовать с ребенком ежика, работа займет максимум 12-13 минут. Вначале намечают карандашом тело ежика зигзагами, затем добавляют ушки, овал с острым носиком – голову. Внизу дорисовывают лапки. После можно сделать более тонкую работу – выполнить глазки, носик, рот, раскрасить ежа цветными карандашами, красками.

Также дети любят рисовать сову, ослика, кошек и собачек. За основу можно брать геометрические фигуры, к которым после пририсовываются лапы, хвосты. Несложно будет нарисовать и человека – достаточно круга, овалов и удлиненных прямоугольников. Дети с 7-10 лет при наличии желания могут попробовать себя в портретах, натюрмортах и прочих сложных рисунках. Если есть потребность и способности, нужно обязательно отдать ребенка на специализированное обучение, где его таланты проявятся в полной мере.

Как рисовать космос красками?

Космос – невероятно богатая тема для творчества. Каждый художник может найти свой сюжет и создать собственную «космическую» картину: безграничную вселенную с далекими звездами и планетами, необыкновенный космический пейзаж или летящую ракету, научный спутник. Для работы лучше использовать краски, рисунки получаются более интересными и яркими.

Как нарисовать космическую картину

Запомнить, как рисовать космос красками, помогут несколько простых правил:

1. Сюжет и композиция. Важно заранее продумать, что будет изображено на картине: неизведанная вселенная, таинственные звезды, чужие планеты, яркие кометы, космические корабли. Также следует определиться с расположением основных объектов. Можно воспользоваться готовыми фотографиями или картинками, положить их рядом и срисовывать.
2. Материалы. Бумага должна быть плотной, лучше использовать акварельную. Краски можно брать любые, однако необходимо учитывать их особенности. Масляные – яркие, стойкие по цвету, но долго сохнут. Акриловые – становятся глянцевыми после просушки, но сохнут быстро. Гуашь – простая в использовании, но после высыхания цвета блекнут, поэтому желательно оживлять их яркими контурами, воском и прочим. Акварель – требует предварительного смачивания листа водой, тона мягкие, полупрозрачные. Кисти нужно подбирать в соответствии с красками, разных размеров, от большой для фона до маленькой для прорисовки мельчайших звезд или рельефа планет. Материалы необходимо подготовить заранее, чтобы не отрываться в процессе работы.
3. Набросок. Начинающему художнику лучше сначала сделать набросок простым карандашом, а затем переходить к краскам. Не нужно прорисовывать мелкие детали, достаточно наметить местоположение основных объектов, их форму, количество.
4. Картина. Как правило, сначала рисуют фон. Не стоит использовать черный цвет. Космическая палитра гораздо богаче. Подойдут фиолетовый, синий и их темные, глубокие оттенки. Когда фон подсохнет, можно переходить к основным объектам. При работе маслом полного высыхания ждать не нужно. Не стоит делать четких границ и контуров. Лучше чередовать резкие и размытые детали, отдавая предпочтение вторым. Планеты должны быть светлее фона на несколько тонов, кометы и звезды – яркими, можно применять оттенки красного и желтого. В конце добавить детали, светлые пятна, вспышки, блики. Для этого понадобятся краски ярких и светлых тонов, в первую очередь оттенки желтого и белого. Для эффектности можно использовать краски с перламутром или блестками, золотой и серебряный контуры.

Начинающему художнику удобнее и проще рисовать поэтапно. Для первых картин лучше выбирать простые сюжеты. Стоит потренироваться в рисовании отдельных объектов. Если они будут получаться, то можно переходить к полноценным картинам.

к содержанию ↑

Комета

Комета – это украшение картины, яркий акцент. Рисунок начинается с наброска. Нужно изобразить комету схематично: голова – круг, хвост – прямая линия.

Прорисовать голову кометы, наметить яркой вспышкой начало хвоста.

Добавить среднюю часть хвоста. Показать языки пламени.

Закончить хвостовую часть.

Комета может быть с прямым хвостом или изогнутым.

Ярко и четко изображают голову кометы. Для этого используют белый, светло-желтый и светло-голубой цвета. Хвост рисуют более размытым. Чем дальше от головы, тем рассеяннее и прозрачнее будет хвостовой веер.

к содержанию ↑

Ракета

На картине можно изобразить космический корабль, земной или инопланетный, спутник или большую станцию.

Достаточно приложить фантазию, чтобы на основе простой детской ракеты создать более сложный корабль.

к содержанию ↑

Планета

Можно нарисовать родную Землю, Сатурн или Юпитер или же обратиться к неизвестным планетам. Переходя к краскам, следует помнить о светотени. Одна сторона планеты должна быть светлее.

к содержанию ↑

Звезды

Главные объекты космической картины – это звезды. Они могут быть маленькими точками, разбросанными по листу бумаги, крупными яркими пятнами с расходящимися лучами.

Распределение звезд должно быть неравномерным. Большие скопления сопровождают изображением дымки, туманности.

Для того чтобы добиться такого эффекта, нужно обмакнуть в краску губку или кусочек ваты и слегка промокнуть готовый рисунок. Также можно взять большую кисть или зубную щетку, окунуть в краску и, проводя пальцем по щетине, забрызгать рисунок. Большие и маленькие капли осядут на листе бумаги, и получится звездное небо.

к содержанию ↑

Простой рисунок

Освоив принципы изображения основных объектов, рекомендуется переходить к большой картине. На фото показано, как рисовать космос красками поэтапно.

Необходимо взять лист бумаги, положить его горизонтально, сверху расположить крышки – будущие планеты.

Обвести трафареты карандашом.

Положить на лист небольшую бутылочку или флакончик, например корректор.

Обвести трафарет будущей ракеты.

Заострить нос ракеты, нарисовать иллюминатор.

Добавить детали, опоры, пламя.

Можно приступать к раскрашиванию акварелью. Сначала – фон. Краску лучше наносить от краев к центру. Взять большую кисть и нарисовать фиолетовую полоску, затем зеленую.

Добавить сиреневый, синий и розовый цвета.

Затем использовать голубой. Планеты обвести фиолетовым и зеленым, голубым и розовым. В центре добавить желтый или зеленый.

Фон готов, можно переходить к планетам. Выбор цвета зависит от вкуса художника, но не стоит брать фоновые тона, лучше контрастные.

Оранжевым цветом обвести одну из планет, нарисовать несколько пятен внутри контура. Добавить синий и зеленый.

Вторую планету раскрасить зеленым, голубым и желтым цветами. Третью – алым и коричневым. При желании можно выделить контуры планет фиолетовым или темно-зеленым.

Последний объект – ракета. Взять маленькую кисть. Корпус покрыть серебряной краской, нос и опоры – красной. Иллюминатор – сиреневой. Обвести контуры черным или фиолетовым цветом. Огонь нарисовать желтым, оранжевым и красным.

Оживить рисунок. Добавить по контуру огня и одной планеты фиолетовый цвет. Другие планеты обвести красным и желтым. Линии должны быть не сплошными, а отрывистыми.

Дать краскам подсохнуть, закрыть объекты трафаретами.

Последний этап – звезды. Взять большую кисть или зубную щетку, обмакнуть в белую гуашь, разведенную до жидкого состояния, и разбрызгать краску, проведя пальцем по щетине.

Рисунок готов.

к содержанию ↑

Космический пейзаж

Сначала необходимо сделать набросок, наметить положение планеты, гор.

Прорисовать рельеф, схематично обозначить людей.

Добавить детали, наметить переходы света и тени.

Закончить пейзаж, убрать вспомогательные линии.

Можно переходить к работе с красками. Начинать лучше с фона, мазки кистью нужно наносить, соблюдая рельеф.

к содержанию ↑

Космос

Рисовать космос красками – невероятно увлекательно, даже начинающий художник может создать настоящую картину. Особенно таинственно смотрятся закрученные по спирали галактики.

Самая яркая точка картины – ядро. Темный фон перекрывается светлыми витками, скоплениями звезд. Выделяются несколько наиболее ярких звезд, которые изображают не большими точками, а добавляют 2–4 луча. Основные цвета – белый, желтый, все оттенки синего и фиолетового. Для эффектности можно добавить красный, розовый.

Геометрия на ногтях пошагово, стильные идеи (+50 фото)

Садясь в кресло мастера, вашу голову вновь и вновь одолевают сомнения по поводу давно наскучившего френча? Рисунки также изрядно надоели? А об однотонном покрытии и речи идти не может? Что ж, специалисты по nail-art’у нашли альтернативный дизайн, способный удовлетворить запросы самых искушенных ценительниц, и это — геометрия на ногтях. ProstoNail продемонстрирует настоящий мастер класс по созданию простых, но эффектных линий — абсолютной мечты перфекциониста и научить делать геометрический маникюр одним взмахом руки.

Геометрия на ногтях гель-лаком — идеи и фото

Современные активные девушки выбирают простоту и удобство во всем, даже в маникюре. Если ранее красивые ногти — были ногти с ярким, броским лаком, усыпанным стразами или жемчугом, то сейчас аскетичность и минимализм — главная мантра модниц. Устав от гламура, родом из нулевых, все больше и больше женщин просят мастеров не практиковаться в шедеврах изобразительного искусства, а просто проявить немного фантазии, создав лаконичный дизайн.

При работе важно учитывать несколько особенностей, о которых мы поведаем ниже:

• подготовьте ногти к покрытию по классической схеме: полировка и обезжиривание ногтевой пластины, а после нанесение базы и основного пигмента;
• для того, чтобы прорисовать тонкие полоски, используйте ультратонкую кисть с длинным, заостренным ворсом либо же специальный дизайнерский лайнер;
• не набирайте много продукта на инструмент и не прижимайте его к пластине — ваши движения должны быть плавными и поступательными;
• нанесите предварительную разметку на месте будущего узора. Это сократит возможность ошибки во время рисования.

Геометрия на ногтях пошагово

Для того, чтобы воссоздать маникюр с геометрическими фигурами не нужно обладать способностями художника. И даже если вы прогуливали черчение в школе, не беда. Наши советы позволят вам стать обладательницей трендового дизайна в пару счетов:

• по завершению классического процесса маникюра уделите несколько секунд нанесению безкислотного праймера для продления стойкости носки лака;
• для нанесения точек используйте апельсиновые палочки, а для прорисовки линий — обычную художественную кисть, «подстричь» которую можно самостоятельно;
• работайте на контрасте — на светлую основу нанесите темные полоски и наоборот;
• для дизайна отдайте предпочтение густым консистенциям с плотной пигментацией;
• боитесь, что рука дрогнет? Тогда самое время для клейкой ленты, исполняющей роль трафарета;
• не переусердствуйте с деталями. Сложные схемы в данном типе дизайна выглядят неуместно.

Простой геометрический орнамент

Главное и основное преимущество дизайнов с использованием простых линий в их уместности. Так, черно белая геометрия в повседневном образе разнообразит самый базовый и скучный аутфит, а в случае вечернего променада, ногти не будут отвлекать внимание от пикантного выреза на платье.

Еще одна особенность лаконичного nail-art’a — великолепная сочетаемость с другими типами дизайнов и текстур. Пара штрихов — и классический френч уже не так скучен, один взмах кисти — и матовое покрытие получит свою «изюминку». Не забывайте о трендах! Последним прорывом сезона считается выигрышный небанальный тандем, именуемый ботаника. Это геометрия на ногтях, украшенная листьями или цветами.

Оригинальные рисунки на ногтях

Плюс любого творчества в том, что вы не скованы рамками и шаблонами, ограничениями и правилами. Любая, даже самая безумная идея в вашей голове, может найти свое воплощение на полотне, даже если это полотно — ногти. Несколько точек, пара линий и фантазийные узоры, преображающие наскучившие дизайны, готовы.

Среди разновидностей оформлений можно выделить несколько тенденций, пользующихся особенной популярностью среди клиенток салонов красоты:

• анимализм. Идея пришла в неил-пространство из сферы бодиарта. Это графичные минималистичные изображения животных, похожие на японские оригами. Так, забавная лиса отлично дополнит монотонное матовое покрытие, создавая иллюзию лайнворка;
• эклектика. Смешение стилей, смешение настроений и ярких красок. Подойдет в качестве альтернативы летнему маникюру;
• море зовет. Еще одна идея для отпуска на солнечном побережье океана — дизайн с морскими элементами. Вдохновляясь классическим оформлением тельняшки, получаете двойной бонус — необычный маникюр и круизное настроение.

Линии на ногтях

Линии на ногтях также можно скомбинировать в необычном, затейливом формате, совершенно не похожим на все то, что было популярно ранее. ProstoNail покажет вам насколько разным может быть банальное единение простых линий:

• абстракционизм. Идеально для «вольных художников». Особенно броско смотрится геометрия на красных ногтях или любом другом контрастном фоне;
• шахматная доска. Еще один пример того, что черно-белая классика никогда не выходит из моды. Единственный нюанс, который стоит учесть, выбирая такой вид дизайна, это то, что ваши ноготки должны быть достаточно длинными;
• новый лунный маникюр. Или же вариации на тему френча — тут выбор за вами. Стильные минималистичные ноготки как нельзя кстати впишутся в офисно-деловой манер бизнес-леди;
• сплошная нежность. Геометрия на розовых ногтях, украшенная плавным переходом пудровых оттенков и парочкой белоснежных линий — вот секрет идеального романтичного маникюра;
• negative space. Правила вычитания современных модниц говорят о том, что если не можешь определиться с цветом основы, не наноси ее вовсе. Видимо, отсюда истоки трендовой техники «голого» дизайна.

Нужно заметить, что не все линии уместно и хорошо смотрятся в маникюре. Главные «геометрические теоремы» нашли свое отображение в следующей таблице:

Тип и длина ногтевой пластины	Рекомендуемый тип линий
Короткие ногти	Выбирайте ультратонкие вертикальные линии, визуально удлиняющие пластину
Длинные ногти	Подходят горизонтальные и вертикальные узоры, анималистичные принты и техника оригами, а также яркая геометрия
Широкое ногтевое ложе	На монохромном фоне темного цвета нанесите контрастные по оттенку геометрические фигуры прямоугольной формы

 

Надеемся, что копилка ваших идей пополнилась парой-тройкой новых, необычных дизайнов маникюра, ждущих своего звездного часа. Что ж, держим курс на минимализм и лаконичность, воплощая самые смелые задумки на своих изящных ручках.

Научитесь рисовать акриловыми красками за 5 шагов

Акриловая живопись, очень простая в использовании техника на водной основе, — настоящий хамелеон! Когда вы используете его сильно разбавленным, он дает текстуру акварели, а когда вы очень густой, текстура приближается к масляной краске. Вот пять основных шагов, которые помогут вам создать акриловую картину.

1. Выбор темы и ее составление

Начните с простых предметов, таких как натюрморты, прежде чем приступать к более сложным композициям (пейзажи, портреты).Чтобы составить тему, следуйте своей интуиции! Вот несколько приемов, с которых можно начать:

• Правило третей. Разделите медиум по горизонтали и вертикали на три равных ряда, затем расположите важные элементы изображения рядом с этими линиями: простой, но эффективный прием!
• Выбор формата. «Пейзаж» (горизонтальный прямоугольник) создает впечатление простора; «портрет» (вертикальный прямоугольник) создает впечатление интимности; «панорама» (очень широкий прямоугольник), создает панорамный вид; в квадрате привлекает внимание к центру изображения.

Уловка профессионала : У вас есть много вариантов кадрирования. Сделайте наброски, чтобы узнать о различных вариантах (плотный, широкий угол…). Они могут быть больше или меньше, но должны включать ключевую информацию изображения и отбрасываемые тени.

2. Чертеж

Рисование — это первый шаг к удачной живописи! Не все художники делают это, но это поможет вам расположить основные элементы в пространстве и определить формы и пропорции.

• Слегка нарисуйте основные элементы картины мягким карандашом, углем (лучше для добавления теней и света) или акриловыми красками, которые дают преимущество в том, что они не исчезают, когда вы хотите начать рисовать.
• Вы не уверены в рисовании карандашом? Используйте сетку или кальку, чтобы помочь вам.

3. Цветной фон

Хотя это и не обязательно, это может помочь объединить цвета в вашей картине: выберите один из основных оттенков объекта и используйте его, чтобы нанести очень разбавленную смывку.

• Убедитесь, что цвет не слишком темный, чтобы он не скрывал рисунок.
• Подождите, пока фон высохнет, чтобы добавить цвета.

Уловка: оригинальные цветные фоны…

• Чтобы сделать цветной фон однородным: используйте широкую гибкую кисть и нанесите краску горизонтальными полосами.

• Для движущегося фона: наносите краску любым способом (круговыми мазками, зигзагами и т. Д.)) и пусть ваш мазок кисти виден.

• Для разноцветного фона (ничто не мешает вам, если ваш объект требует этого!): Продолжайте делать то же самое, применяя один цвет за другим.

4. Нанесение цветов

Наносите краску тонкими слоями, смешанными с водой.

• Работа от самого светлого до самого темного. Чтобы получить более светлые цвета, добавляйте воду, никогда не белую: белый цвет делает цвет темнее и делает его непрозрачным.
• Не забудьте дать каждому слою краски высохнуть перед нанесением следующего: это позволит вашим цветам и прикосновениям оставаться свежими и четкими.

5. Добавление деталей

Последний шаг включает добавление элементов, которые оживляют вашу картину.

• Усиление цветов, добавление объема и яркости.
• Вы только начали? Наберитесь терпения и много тренируйтесь: вы обнаружите, как легко работать с акрилом!

5 шагов в создании картины

Для каждого продукта, который мы видим, существует процесс изготовления.То же самое и с картинами: у вас есть идея, вы делаете набросок, переносите его на холст, берете кисти и рисуете. Поначалу это может быть нехорошо, но со временем наверняка станет лучше. И, как и в любом другом деле, чем больше вы практикуетесь, тем лучше.

«Маленький Иосиф» — одна из моих любимых картин. У моего 4-летнего сына есть крошечные туфли 22-го размера ярких цветов. Он оставил их на балконе, на ящике с красными фруктами. Я пил свой первый кофе, когда на них светило солнце.Это было потрясающе, насколько они красивы! Цвета, тени и способ их укладки на ящик — идеальная композиция. Мне вспомнилась библейская история об Иосифе, который получил разноцветную ткань в подарок от своего отца. Отсюда и название «Маленький Иосиф». Пришлось их раскрасить.

Вот весь процесс создания картины за 5 шагов.

Шаг 1: Чертеж

Вот как я начинаю. Вначале я делал простой набросок того, что хотел нарисовать, но потом мне часто хотелось импровизировать.Сейчас я предпочитаю иметь точный рисунок, как на фото ниже. Затем переношу рисунок на холст, используя графитовую бумагу, что экономит время.

5 шагов в создании картины: Шаг 1 — Рисование

Шаг 2: Блокировка в

После того, как я сделал набросок на холсте, я продолжаю блокировать (рисовать области, которые находятся в тени), используя только жженую умбру и сырую сиену. Этот процесс помогает мне увидеть глубину холста и в то же время выделить светлые участки.

Шаг 2: Блокировка в

Шаг 3: Добавление цвета

Рисую акриловыми красками, рисую слоями. Вот первый слой. Он очень тонкий. Это помогает мне увидеть, как определенные цвета подходят к холсту, и, если они мне не нравятся, я могу легко покрыть их другим цветом позже.

Шаг 3: Добавление цвета

Шаг 4: Добавление слоев

Когда я знаю точные цвета, я наношу на них тонкие слои краски.Когда краска находится на холсте, она становится более прозрачной, поэтому, когда свет проходит через слои, он придает глубину картине в конце.

Шаг 4: Добавление слоев

Шаг 5: Готовая окраска

Рисование в основном делается на шаге 4. На этом последнем шаге я просто проверяю детали или добавляю цвет здесь и там (обычно белый в этот момент), если я хочу подчеркнуть некоторые детали. Но это самый сложный шаг для меня, потому что в какой-то момент я должен сказать: «Теперь все готово», и у меня всегда возникает соблазн добавить еще один мазок кисти 🙂

Вот последняя картина.Надеюсь, тебе понравилось.

5 шагов в создании картины «Маленький Иосиф»

Шаг 8: Нарисуйте свой первый объект

Как нарисовать то, что вы видите

Прежде чем мы начнем, посмотрите Часть 3 из «Как нарисовать реализм» ниже. Если у вас нет видео, вы можете либо приобрести его, щелкнув видео ниже, либо вы можете посмотреть мое бесплатное видео на YouTube «Как рисовать маслом», щелкнув здесь. Бесплатное видео охватывает весь процесс рисования, оно не демонстрирует ничего, кроме рисования одной серебряной чашки.

После того, как вы посмотрите видео, потратьте немного времени на то, чтобы просмотреть интерактивный таймлапс, в котором я рисую натюрморт «желтые цветы», даже если вы уже просматривали его раньше. Обратите особое внимание на то, как я закладываю каждый шаг один за другим, заканчивая каждый шаг перед тем, как перейти к следующему.

После того, как вы просмотрели интерактивный таймлапс и закончили просмотр Часть 3 из «Как нарисовать реализм» , продолжайте читать ниже. Не начинайте рисовать , пока не прочтете всю страницу!

Раскрашивайте по одному объекту за раз

В большинстве случаев я рисую по одному объекту за раз.Это означает, что я полностью заканчиваю над любым объектом, над которым работаю, прежде чем перейти к другому объекту. Это не означает, что я не вернусь к нему и не внесу коррективы позже, когда натюрморт будет закончен, но я стараюсь полностью закончить один объект, прежде чем двигаться дальше — и обычно я никогда не возвращаюсь и не работаю над ним снова.

Слишком сложно сосредоточиться на нескольких объектах одновременно. Еще одно преимущество рисования одного объекта за раз заключается в том, что если краска высыхает или становится липкой, вы можете дать ей высохнуть, а затем продолжить рисование свежей краской.Это намного сложнее сделать, если у вас есть предметы, которые высохли, когда они были только наполовину окрашены.

Это одна из многих причин, по которым я рекомендую сначала нарисовать фоновый цвет вокруг любого объекта, который вы рисуете. Таким образом, если ваша краска высохнет на холсте, вы можете очень легко смешаться с сухими цветами фона, чтобы снова смочить эти области и продолжить свой натюрморт.

Правила покрытия холста краской

Эти правила в основном применяются к тому, как вы накладываете свой цвет до тех пор, пока холст полностью не покроется в определенной области.После того, как вы покрыли холст объекта, который рисуете, вы измените свой подход к рисованию, и некоторые из этих правил могут быть нарушены. Я расскажу об этом позже в разделе «Как только ваш холст будет покрыт» внизу этой страницы.

Не смешивать

Это правило номер один. За ним труднее всего следить, и это также самое важное. Я не могу научить вас рисовать, если вы будете растушевывать и «исправлять» по ходу движения. Вы должны научиться рисовать мазком, а затем оставьте это в покое .

До тех пор, пока вы не закрасите все свои шаги и не покроете холст полностью, вы не можете и не должны даже пытаться судить о том, что не так с вашей картиной. Наполовину раскрашенная ваза (или что-то еще) всегда будет выглядеть совершенно неправильно. Взгляните на эти наполовину раскрашенные объекты и обратите внимание, как они выглядят неправильно, но до сих пор я рисовал их правильно.

Еще одна причина избегать смешивания — это самый верный способ испортить цвет.Один мазок наложения тени превратит ее из насыщенного естественного цвета в молочно-неуместный цвет. И вы даже не узнаете, что это произошло — на самом деле вы, вероятно, подумаете, что это помогает, потому что ваш холст вокруг него голый. Посмотрите это видео ниже, где я обсуждаю защиту ваших теней.

Есть еще одна причина не смешивать, менее очевидная. Несмешанный цвет — «вкусный» цвет. Не знаю, как еще это выразить. Вблизи, когда вы сидите за мольбертом, это может выглядеть как «юк», но сделайте шаг назад, и это будет выглядеть естественно и чудесно.Ровный смешанный цвет выглядит искусственно. Обратите внимание на изображения ниже, что если вы внимательно посмотрите на детали, в этих классических картинах не все цвета смешаны вместе.

Не преувеличивайте

Доверьтесь проверке цвета. Когда вы проверяете цвет, спросите себя, как далеко уходит цвет влево? Как далеко вправо? Как далеко внизу? Как далеко? Затем раскрасьте его соответствующим образом. Не делайте предположений. Большинство людей так делают.

Не думайте, что вы умеете лучше, чем проверка цвета.Не поддавайтесь искушению преувеличивать то, что вы видите. Не делайте ярче свечение на дне вазы. Не заставляйте линии отражения больше выделяться на столе. Не делайте свою картину более «попсовой». Художники-любители любят все перерисовывать — не делайте этого . Просто доверьтесь своей проверке цвета и при необходимости перепроверьте цвет. Не «позволяйте себе уйти» и не начинайте играть со своей краской. Очень весело преувеличивать все, что вы видите, но в итоге ваша работа будет выглядеть дилетантской и неестественной.

Взгляните на это сообщение в блоге, где я говорю о двух важных качествах хорошего реализма — одно из них — не преувеличивать: Два основных качества хорошего реализма

Краска от темного к светлому

Не прыгайте. Легче увидеть, как развивается ваш объект, если вы сначала рисуете самые темные цвета, а затем переходите к следующему значению, а затем к следующему и так далее. Взгляните на изображения ниже и обратите внимание, как вы можете увидеть, как объект развивается, потому что я нарисовал его в порядке от темных к светлым.

Другая причина, по которой я рисую от темного к светлому, заключается в том, что гораздо легче перекрасить светлый цвет в более темный, чем наоборот. Пытаться нарисовать тень более светлым цветом очень сложно, не разбавив краску.

Раскрасьте фон

Закрашивание фона вокруг объекта поможет вам лучше рассмотреть края. Если вы просто рисуете объект на холсте без какой-либо другой краски вокруг него, ваши края будут выглядеть совершенно неправильными, даже если они правильные.

Еще одна вещь, которую он делает, это позволяет вам «подталкивать» ваши линии, если вам нужно, «отодвигая» ваши линии обратно с цветом фона.

Over-Paint Your Darks

Перекрашивайте темные участки, но не перекрашивайте свет. Прочтите это сообщение в блоге, в котором я обсуждаю эту проблему: Две самые распространенные ошибки при проверке цветов

Посмотрите на отражение белой чаши на изображении ниже.

Когда вы проверяете свой цвет, большинство людей склонны проверять цвет в центре отражения, где я поместил черные точки на изображении ниже.

Но посмотрите, что произойдет, если я затем «закрашу» этим цветом область в отражении, которой, похоже, она принадлежит.

Итак, вместо этого вы должны проверить цвет вокруг внешней стороны отражения, где я разместил черные точки на изображении ниже.

Сначала закрасьте темным цветом, а затем — и только потом — нарисуйте небольшое пятно посередине, как я это сделал в своей картине.

Итак, когда вы рисуете натюрморт, всегда лучше перекрашивать темные участки, а не перерисовывать свет.Когда вы рисуете ступеньку, нарисуйте ее немного дальше того места, где она идет, зная, что, когда вы рисуете следующий более светлый шаг, вы немного отодвинете его назад.

Уродливая краска

Вблизи, когда вы сидите за мольбертом, ваши краски будут выглядеть некрасиво, неаккуратно и беспорядочно. Издалека весь этот беспорядок заставляет цвета танцевать, а поверхность казаться «осязаемой». Гладкая смешанная краска издали выглядит искусственно.

Эти изображения из пары моих портретов иллюстрируют это:

Не рисовать «лучше», чем исходный текст

Это правило похоже на правило «Не преувеличивайте».Никогда не смотрите на свою работу и не начинайте влюбляться в свою манеру письма или в какой-нибудь интересный цвет, который вы случайно нарисовали. В этом курсе наша цель — нарисовать то, что мы видим. Когда вы научитесь хорошо рисовать, это совсем другое дело — я совсем не против того, чтобы художники использовали свое воображение при рисовании. Но в этом курсе, когда вы учитесь видеть цвета и рисовать, очень важно рисовать именно то, что вы видите.

Не пытайтесь улучшить свой источник, доверьтесь проверке цвета!

Используйте достаточно краски

Рисуйте кистью, полной краски, но не настолько, чтобы на поверхности краски возникали отражения и блики.И никогда не пытайтесь рисовать, используя слишком мало краски в кисти. Попытка рисовать, растирая краску по холсту кистью, не является рисованием — цвет будет другим, если холст просвечивает. Небольшой просвет холста — это нормально, но убедитесь, что ваша кисть заполнена краской, чтобы ваши цвета оставались верными.

Не торопись

Не торопитесь. Вы изучаете метод, и спешка или срезание пути только усложнят задачу в конце. Как только вы нарисуете пару картин, вы, естественно, начнете ускоряться.Вскоре все это станет второй натурой.

И после того, как вы будете рисовать этим методом в течение года или двух, вы можете отказаться от этого метода и рисовать как хотите — потому что вы будете знать, как видеть, рисовать и раскрашивать. В этот момент вы, естественно, избежите ошибок, которые очень легко сделать, когда вы все еще тренируетесь.

Как только ваш холст будет покрыт

Как только вы закончите наложение всего цвета и закончите покрытие холста для объекта, над которым вы работаете, вы полностью измените свой подход к рисованию.

Если раньше я говорил вам доверять своей проверке цвета и никогда не доверять своему глазу, теперь вы должны доверять своему глазу. Важно не делать этого, пока не будет покрыт холст! Но как только ваш холст покрыт , пришло время спросить себя: «В чем разница?» Если раньше вы не могли доверять своему глазу из-за чистого холста, теперь даже начинающий художник может легко увидеть различия. Например, на этом соседнем изображении вы, вероятно, сможете найти множество небольших различий между нарисованным объектом и реальным объектом.

«В чем разница?»

После того, как вы покрыли весь холст краской и закрасили как самые темные тени, так и самые яркие блики — голый холст не виден — в этот момент (а не раньше) вы готовы начать спрашивать себя: «Что разница? »

Вот какие вопросы вы зададите себе:

• Что более тонко: отражение в вазе на моей картине или отражение в настоящей вазе?
• Что круче: угол на краю очков на моей картине или угол на краю настоящих очков?
• Что толще: горизонтальные линии в таблице отражают мою картину или настоящие отражения толще?

Список бесконечен.Ищите небольшие (или большие) отличия, а затем исправляйте их одну за другой. Если вам нужна помощь с этой частью, опубликуйте фотографию своего прогресса на форуме Draw Mix Paint, и кто-нибудь будет рад помочь!

Зная, когда это можно назвать завершенным

Не переутомляй свою картину. Остановитесь раньше, чем позже. Оставьте цвет без смешивания, если вам это подходит. Чем больше вы работаете с краской — чем больше вы смешиваете и «исправляете», тем легче испортить цвет, особенно тени.Вместо того, чтобы смотреть на холст со своего места для рисования, время от времени отступайте и смотрите на картину издалека.

Судя по предмету

Когда вы выбираете тему и композицию, вы должны поработать над этим и хорошенько обдумать и обдумать. Потратьте несколько дней или больше на то, чтобы решить, что нарисовать и изучить свои идеи … затем выберите свой любимый из пятидесяти вариантов. Усердно работайте над этим.

Но как только вы решите, что вам что-то действительно нравится, и начнете работать над этим, никогда не сомневайтесь, нравится вам это или нет.По мере работы над этим — рисования, смешивания цветов и особенно рисования — вы, скорее всего, устанете от этого. Со мной такое всегда случается. Разбирая его и работая над ним часами, он больше не будет создавать искру, которая возникла, когда вы впервые увидели его и решили, что он вам действительно понравился.

Помните, когда люди увидят вашу картину, они впервые увидят композицию. Это очень и очень разное! Хотел бы я войти в комнату и посмотреть на свою картину, даже не видев ее раньше.Но, конечно, этого никогда не произойдет. Мы должны это принять.

следующий шаг →

Как пройти мимо уродливой стадии картины

Уродливой стадии

Вы когда-нибудь были посреди картины и думали про себя: « это действительно уродливо »? Что ж, вы, наверное, правы.

Я знаю, что это звучит ужасно, но почти в каждой картине есть некрасивый этап рисования. Обычно это происходит сразу после того, как вы закончили подкраску и заблокировали свет, темные и полутона.

Нет цвета и очень мало формы, но помните, что вам все равно нужно добавить эти вещи. Ваша картина, вероятно, не уродлива, она просто не закончена.

Вы находитесь на уродливой стадии картины.

** Эта страница может содержать партнерские ссылки на продукты, которые я использовал или рекомендую. Если вы покупаете что-то на этой странице, я могу получить небольшой процент от продажи без каких-либо дополнительных затрат для вас. Для получения дополнительной информации щелкните здесь. **

Советы, которые помогут вам преодолеть этот уродливый этап в вашей картине

1.Отойдите от холста

Иногда, когда мы слишком близки к ситуации, мы не можем увидеть общую картину. То же самое и с картиной.

Сделайте шаг назад, получите некоторую перспективу и посмотрите, где вам нужно добавить цвет, тени, блики и более мелкие детали, чтобы сделать картину сбалансированной и законченной.

Часто картина выглядит намного лучше и ближе к желаемому эффекту, если отойти от нее. В конце концов, зритель не будет так внимательно смотреть на вашу картину, как вы.

2. Картинка стоит тысячи штрихов

Используйте свой мобильный телефон, чтобы сфотографировать свой прогресс. По какой-то причине вы лучше видите свою картину с картинки.

Во время работы я делаю несколько снимков. Картинки не только помогают мне увидеть, где нужно внести изменения, но и служат визуальной записью моего прогресса.

Фотографии прогресса также отличный способ заинтересовать ваших поклонников в социальных сетях. Людям нравится наблюдать за работой художников, и это может привести к увеличению продаж ваших работ.

Для получения дополнительной информации о съемке ваших произведений искусства см. Простые советы по фотографированию вашего искусства

3. Переверните хмурый взгляд вверх ногами

Перевернув холст вверх ногами, вы сможете увидеть реальные формы, которые вы рисуете, а не быть ошеломленным всей сценой.

Теперь вместо пейзажа вы рисуете углы, овалы, круги и квадраты. Все представляет собой сочетание различных форм, сплоченных вместе.

4. Пришло время перерыв на кофе

Иногда лучше всего отойти от картины на несколько часов или даже дней. Вернитесь и посмотрите на него свежим взглядом.

Через некоторое время вы можете увидеть это по-другому, и у вас появятся новые идеи и новый взгляд на то, что вы рисуете.

Вашему телу тоже нужен отдых. Жесткая шея и скованные руки делают весь процесс более трудным и менее приятным. Несколько минут потягивания или прогулки вокруг квартала заставят вас почувствовать себя отдохнувшим и готовым снова взяться за рисование.

5. Посмотрите на свою картину в черно-белом режиме

Сфотографируйте свою картину и отредактируйте ее, чтобы сделать ее черно-белой. Вы сможете увидеть, правильны ли ваши темные и светлые тона, по сравнению с вашей эталонной фотографией.

Если вы делаете снимок на свой телефон, вы можете легко использовать фоторедактор камеры, чтобы быстро отредактировать его и получить черно-белую фотографию.

Небольшая корректировка стоимости может иметь решающее значение в картине. (См. Мой пост на Value )

6.Начни что-нибудь новое

Работа над новым произведением избавляет от беспокойства о том, как правильно сделать первый. Вы можете почерпнуть новые идеи или вдохновение, поработав какое-то время над чем-то другим.

У меня часто бывает сразу несколько произведений, обычно на разных носителях. Я считаю, что это поддерживает мой творческий потенциал и подавляет разочарование.

7. Вы рисуете не то кусок

Звучит немного странно, но иногда картина, которая у нас в голове, не то, что создают наши руки.

Одна из моих самых популярных картин, изображенная ниже, началась именно так. Когда я начинал, у меня не было этой идеи в голове, но она превратилась в нечто замечательное.

Иногда нужно просто дать возможность покраске.

Оранжевый зонтик от MarilynO @Trembelingart

8. Последнее средство

Если ваша картина сделана акриловыми красками и вы абсолютно не можете ее спасти, вы всегда можете нанести на нее левкас и начать заново. Не используйте акриловый левкас поверх масляной живописи.Акриловый гипс на водной основе, масло и вода не смешиваются. Вместо этого попробуйте использовать нейтральный цвет или оттенок земли, чтобы скрыть то, что вы уже сделали. Вы также можете использовать левкас на масляной основе, чтобы покрыть оригинальную картину.

Убедитесь, что ваша картина маслом высохла, прежде чем рисовать поверх нее. Вы же не хотите, чтобы у вас была странная, окрашенная в грязь поверхность, на которой можно рисовать. Вероятно, лучше всего хранить картину маслом в шкафу в течение нескольких месяцев, пока она не высохнет, прежде чем пытаться закрасить ее.

У меня есть сообщения о Как создать холст и Что делать с практическими холстами , если вам нужны советы о том, как спасти холст.

Помните, даже великие мастера писали свои картины.

Надеюсь, эти советы помогли вам преодолеть уродливую стадию рисования. Все художники проходят через это, и по мере того, как вы набираетесь опыта, вы поймете, что это происходит, и не будете переживать из-за этого.

Рисование должно быть веселым и расслабляющим. Способ сбежать в свой собственный художественный мир.

Если вам нужно больше вдохновения и идей, присоединяйтесь к группе в Facebook Trembeling Art Creative Corner. Это отличное место, чтобы пообщаться с другими художниками, опубликовать свои работы, задать вопросы и получить советы и идеи.

Спасибо за чтение.

Все, что нужно знать при рисовании акриловыми красками

Живопись акрилом 101

Сторонники рисования акриловыми красками сказали бы, что этот материал имеет преимущества, которые отличают его как от масла, так и от акварели. С одной стороны, акрил стойкий и не желтеет с возрастом, как масло. Но, будучи водорастворимыми, они быстро сохнут, как акварель, и не требуют агрессивных растворителей для разбавления или очистки.

Акриловые краски также не растворяются при высыхании и остаются эластичными при высыхании, в отличие от масляных красок, которые имеют гораздо более хрупкую поверхность. Недостатки при изучении того, как красить акриловые работы, заключаются в том, что эта среда быстро сохнет, что сокращает время, в течение которого можно смешивать и манипулировать влажной краской.

Но универсальность рисования акриловыми красками — вот что заставляет людей возвращаться. Его можно использовать непрозрачно или разбавить водой или средой для большей прозрачности. Его можно использовать как традиционный носитель для рисования, а также он хорошо работает с другими материалами, что делает его идеальным для сочетания со смешанной техникой, коллажами и даже аэрографией.

С точки зрения восприятия акрила в мировой живописи изобразительного искусства живопись акрилом является новинкой — она ​​существует только с 1940-х годов. До этого художники рисовали маслом и акварелью почти так же, как их предшественники на протяжении веков.

Из-за своей новизны живопись акрилом часто рассматривается как занятие для студентов и начинающих. Но с присущей ей гибкостью и растущим качеством живопись акриловыми красками становится стандартом для художников всех уровней.

Получите бесплатную электронную книгу, наполненную техниками рисования акрилом и советами! Просто введите свой адрес электронной почты в поле ниже!

10 советов по развитию навыков рисования акрилом

1. | Акриловые краски — это пигменты в полимерной эмульсии, разбавленные и разжиженные при добавлении воды. Акриловые краски высшего качества высыхают, образуя почти устойчивый слой цветного пластика.

Поскольку они водорастворимы, вредные растворители не требуются в процессе окраски или при очистке.Некоторые акрилы содержат небольшое количество формальдегида или других веществ, замедляющих рост плесени. Имейте в виду, что они могут вызвать аллергические реакции.

2. | Когда вы рисуете акриловыми красками, вы заметите, что они очень быстро сохнут, что может беспокоить художников, которые рисуют на открытом воздухе в сухом климате. Но эту характеристику можно использовать в своих интересах.

Рисование слоями идет намного быстрее, чем если бы вы использовали масло. Готовые акриловые картины легче транспортировать и путешествовать, потому что они быстрее сохнут и менее хрупкие, чем масла.

3. | Акриловая краска всегда будет дешевле, чем масляная, потому что пигменты дешевле.

4. | При рисовании акрилом можно использовать множество материалов, что позволяет создавать различные текстуры и поверхности. Некоторые из них — это средний блеск, гель из пемзы, матовый акриловый гель для рисования, паста для кракле, замедлитель схватывания, лак и жидкость для глазури.

5. | Первый урок рисования акрилом, который вы получите, вероятно, покажет вам, как вы можете обращаться с ними, как если бы они были акварелью, разбавляя их водой или средой.Некоторые эффекты акварели, такие как грануляция, невозможно воспроизвести с помощью акрила; снятие предыдущих слоев краски невозможно.

6. | Акриловые техники сродни многим процессам масляной живописи, хотя рисовать акриловыми красками alla prima более 20 минут — это непростая задача. Однако смачивание палитры и использование замедлителей схватывания помогает.

7. | Акриловые краски подходят для многих окрашенных поверхностей, которые не требуют подготовки левкаса. Если на поверхности есть хотя бы небольшой зубец, краска будет держаться без угрозы отслоения.Акриловая краска очень устойчива, но при очень низких температурах может треснуть.

8. | При рисовании тонкими прозрачными красками, напоминающими акварель, часто можно создать мягкие края без смешивания. Но вот один из многих важных уроков рисования акрилом: как только краска высохнет, вы не сможете смягчить края, что сильно отличается от гибкости акварели.

9. | Вы заметите, что акриловые пигменты высыхают темнее, чем они выглядят после нанесения.Это связано с тем, что в красках содержится полимер, который во влажном состоянии становится непрозрачным и белым, но при высыхании становится прозрачным.

10. | Акриловая краска может выдавливаться прямо из тюбика с краской для получения твердого, насыщенного цвета. Но их также можно купить как жидкую жидкость для брызг, капель и аэрографии.

* Информация взята из статьи Боба Бара.

Акриловая пейзажная живопись

Пейзажи — популярный объект для создания акриловых красок.Здесь Ли Хаммонд дает вам советы и подходы, как максимально эффективно использовать акриловые краски на открытом воздухе.

Методы, повышающие универсальность материала

Водяные лилии Шона Гулда, 2004, акриловая живопись.

Последние несколько лет Шон Гулд сосредоточился на том, чтобы научиться рисовать акриловыми красками, и его больше всего интересует, как извлечь выгоду из его универсальности. «Я люблю рисовать акрилом», — говорит художник. «Это просто имеет смысл».

Гулд указывает, что с помощью акриловой живописи он может рисовать мокрым по мокрому или сухой кистью от непрозрачной краски до тонкой прозрачной глазури.Гулд также ценит быстрое высыхание, с которым он сталкивается, потому что это требует от него более раннего посещения областей, требующих внимания или дополнительных изменений.

Он считает, что художникам часто бывает трудно достичь богатства масляных красок с помощью акрила, но его обходной путь — рисование слоями.

Гулд красит от трех до 10 слоев, вперед и назад, непрозрачными и прозрачными акриловыми красками. Обычно он начинает со среднего цвета и работает вовне, не всегда становясь темнее или светлее, а раскрашивая взад и вперед по значению.Например, он может сделать на один шаг светлее среднего значения, а затем нанести более темную глазурь, что придаст цвету «приятный эффект». Как отмечает художник: с помощью акрила, рисование светлого поверх темного может сделать цвет мутным. Он сохраняет самые светлые огни и самые темные тени для последнего слоя.

Художник считает, что для успешной работы акриловой краской необходим не только многослойный рисунок, но и сильный подмалевок. Гулд делает наброски графитом, выделяя большие формы и основные ценности. Затем он глазирует доску, чтобы запечатать поверхность и придать ей общий тон, обычно используя приглушенный земляной цвет.

Подмалевок объединяет акрил и сохраняет его свежий вид. В картине «Водяные лилии » Гулд начал с подмалевка теплого цвета сок / оливково-зеленый, добавляя последующие слои глазури, выполненные в местных цветах, с рисованием кувшинок в полутонах.

Гулд будет использовать гель-среду при рисовании акриловыми красками, чтобы замедлить высыхание красок, но большую часть времени он использует воду. Чтобы краска дольше оставалась влажной на палитре, Гулд держит под рукой распылитель с водой и часто распыляет краски.

Когда он закончит рисовать, Гулд в последний раз распыляет пигменты, а затем накрывает палитру полиэтиленовой пленкой. «Краски остаются пригодными для использования в течение всего процесса рисования», — утверждает он. Художник также борется с быстрым высыханием своих акриловых красок, смешивая больше краски, чем он будет использовать, чтобы он мог быстро рисовать мокрый по мокрому и смешивать цвета.

* Информация заимствована из статьи Линды Прайс .

Эксперименты с росписью акрилом

Художник-акварелист и художник-акварелист Барбара Эдвардс рисует реалистично и абстрактно.При рисовании акриловыми красками художник обычно работает в необъективном стиле. Люди могли дразнить, что эта двойственность — признак раздвоения художественной личности художника. Но Эдвардс утверждает, что она работала таким образом более 30 лет.

Для нее это либеральное мышление и чувство принятия неизвестного не только держит ее сосредоточенной, но также позволяет ей находить предмет как из внутренних, так и из мирских источников. Когда начинает рисовать акриловыми красками , Эдвардс намеревается быть в первую очередь абстрактным.Она обращается к эталонным исследованиям и фотографическим изображениям, чтобы начать выстраивать концепцию в своей голове.

Горное пастбище, Барбара Эдвардс, 2007, акриловая живопись. Искусство

Эдвардса иногда может сочетать репрезентативные и абстрактные элементы, как, например, в Mountain Pasture. Эта картина возникла из мысли художника о том, что коровы, вездесущие рядом с ее сельским домом, действуют успокаивающе. И любой образный элемент в абстрактном произведении придает значительную эмоциональную окраску.

Что касается ее акриловой техники, Эдвардс не растягивает бумагу.При рисовании акриловыми красками она предпочитает 200-фунтовую бумагу Saunders Waterford. Сначала художник покрывает бумагу левкасом или фактурной средой. Затем она протягивает инструмент для лепки из глины через среду, чтобы создать гребни по всей поверхности, которые позволят краске стекать непредвиденным образом. Эдвардс также использует кухонные шпатели и другие инструменты для создания различных текстур.

Затем Эдвардс выбирает два или три цвета, которые сочетаются между собой в ее воображении, и наливает золотистый жидкий акрил в маленькие тарелки.Затем она использует эту посуду, чтобы вылить краску, которую она разбавляет водой, на обработанную бумагу. После этого художник использует инструменты для рисования дома и на кухне, чтобы перемещать краску, добавляя и изменяя акриловые краски, чтобы создать необычные узоры и цветовые отношения.

На начальных этапах создания картины Эдвардс стремится позволить акриловой живописи развиваться самостоятельно. «Я никогда не знаю, чего ожидать, когда рисую акриловыми красками», — говорит она. «Иногда картина выглядит так, как я думаю.А иногда мне просто нужно следовать тому, что он хочет делать ».

* Информация взята из статьи Линн Перричелли.

Готовы начать рисовать акриловыми красками? Вот бесплатная электронная книга, с которой вы начнете!

Сохранить

Живопись традиционным способом — Часть 2 — Нижний рисунок

Холст, угольный рисунок.

Традиционная живопись

— Часть 2 —

Андерграунд

Дамиана Осборна

После проклейки, грунтовки и тонировки полотна самое время приступить к рисованию! Если вы пропустили первую часть, просто вернитесь и быстро проверьте ее.В предыдущей главе я показываю, как подготавливаю холст к стадии эскиза.

Мне было поручено создать картину маслом женщины, купающейся в тропическом горном бассейне. Водопад и пышная зелень создают умиротворяющую атмосферу.

Картина предназначалась для Австралии, в клинику естественного здоровья. Поэтому я хотел изобразить что-то красивое, умиротворяющее, волшебное и идею близости к природе — красивую женщину в освежающем горном бассейне.

Что такое андерграунд?

Нижний рисунок — это рисунок углем или мелом, сделанный на холсте при подготовке к масляной живописи.Древесный уголь легко стирается, что делает его подходящим для исправления ошибок в рисунке перед переходом к этапу рисования.

Холст может быть белым или тонированным (цветной фон) для подготовки к рисованию.

Чертеж может начинаться как отдельный рисунок на бумаге, обычно в масштабе, с помощью которого художник может разработать композицию или заранее проработать какие-либо сложные элементы.

Предварительный чертеж может быть настолько подробным, насколько это необходимо. Или это может быть просто набросок эскиза.

После того, как художник был доволен подготовительным рисунком, он может перенести рисунок на холст, используя сетку или копируя на глаз. См. Также: Картина маслом — материалы и техники: эскиз музея Виктории и Альберта.

Почему вы должны начать рисовать маслом с эскиза углем?

Когда вы начинаете рисовать маслом, полезно составить и спланировать картину, сделав предварительные наброски углем или любым другим способом рисования по вашему выбору.

Бумага намного дешевле холста, и вы можете сделать несколько рисунков, прежде чем найти подходящую композицию или жест.

Также важно рисовать с натуры.

Вы можете рисовать настолько точно, насколько хотите, детально разбирая все элементы. Или вы можете не слишком беспокоиться о точности. Возможно, более важно как можно быстрее изложить «ощущение» на бумаге.

Рисуя с натуры, художник может уловить первоначальную энергию или эмоцию, которые в первую очередь послужили источником его вдохновения.

Начнем с грубого наброска углем с натуры на бумаге.

Я начал с предварительного рисунка на большом листе бумаги, используя спину моей девушки в качестве быстрого ориентира. Ей не нравится долго позировать, поэтому мне пришлось поторопиться и сделать быстрый жест углем, нарисованный с натуры.

На самом деле это не самый точный рисунок, который я мог бы сделать, но он был просто для того, чтобы дать мне общее представление об позе. Я планирую как можно меньше использовать фотографии в этой картине.

Я попросил ее представить, как она погружается по бедрам в прохладную горную воду, получая таким образом естественную позу вместо чего-то слишком поверхностного или излишне драматичного.

Как перенести рисунок углем на холст

Когда подготовительный рисунок на бумаге завершен, художник может перенести его на холст и создать нижний рисунок.

Если ваш предварительный рисунок точный, подробный и в масштабе, вы можете обвести рисунок калькой.

Затем вы можете скопировать рисунок на обратной стороне бумаги, обведя линии углем или мелом. Затем положите бумагу на холст и второй раз пройдитесь по линиям рисунка. Таким образом «прижимают» рисунок к холсту.

Кроме того, вы также можете создать сотни крошечных отверстий вдоль линий всего рисунка с помощью булавки. Положите бумажный рисунок на холст. Затем воспользуйтесь мешком, наполненным древесным углем, и слегка постучите им по линиям отверстий для булавочных уколов.

Это заставляет угольную пыль проходить сквозь отверстия и переносить рисунок на холст. Вы также можете нанести порошок древесного угля на проколы пальцем.

Маленькие точки угля, оставленные на холсте, затем можно соединить в линии, и рисунок таким образом воссоздается на холсте.

Другой способ переноса рисунка — создание сеточного узора. Этот метод заключается в простом рисовании сетки из равномерно расположенных вертикальных и горизонтальных линий на чертеже.То же самое и с холстом.

Сетка на холсте может иметь такой же масштаб, что и сетка на бумажном рисунке. Или, если ваш рисунок меньше холста, перенос можно математически масштабировать до нужного размера.

Художник мог затем скопировать бумажный рисунок на холст, используя сетку для поиска ориентиров.

Однако мой любимый способ переноса рисунка — просто положить рисунок на бумаге где-нибудь на уровне глаз рядом с мольбертом.Затем отойдите назад и, используя карандаш для рисования углем, на глаз скопируйте исходный рисунок на холст.

Это требует гораздо более органичного подхода к передаче рисунка. И позволяет сделать рисунок менее жестким.

Изменения и улучшения исходного чертежа всегда происходят естественным образом при повторном рисовании.

Практика ведет к совершенству.

И любой достойный художник легко сможет не только на глаз скопировать свой предварительный набросок на холст, но и лучше нарисовать его во второй раз.

Когда начертание или «набросок» становится полезным, это когда действительно большие рисунки переносятся на массивный холст или фреску.

Масштаб размера мешает избежать ошибок пропорциональности и перспективы при работе так близко к произведению искусства, как к многоэлементному целому.

Многие художники говорят об использовании проектора как о быстром и легком способе передачи рисунка. Хотя существует много литературы о художниках, использующих камеру-обскуру, я все же не рекомендую использовать какую-либо проекцию.

Объектив, используемый при проецировании, может вызывать ошибки искажения, которые художник может даже не заметить. См. Также: «Изобретения или рисунки» от essentialvermeer.com

Рисунок углем на холсте, женщина в тропическом бассейне.

Теперь, когда у меня было базовое представление о пропорциях и концепция того, как я хочу скомпоновать картину и как разместить части, я от руки скопировал нижний рисунок на холст с помощью виноградного угля и черного мела.

Вот где я был рад, что розовая земля была достаточно прочной, чтобы выдержать постоянное стирание и переделку рисунка углем на холсте.Прошло некоторое время, прежде чем я был доволен этим.

Деталь рисунка углем левой руки.

Рисунок попугаев углем

Я добавил пару попугаев красного лори, так как хочу улучшить композицию этими красивыми ярко-красными птицами. Они также добавляют картине тропический «вид».

Я нарисовал углем пару красных лори, добавив к картине тропического ощущения.

Я нарисовал их в своем воображении, хотя использовал несколько эталонных фотографий, чтобы понять их базовое строение, форму и длину хвоста, их цвета и т. Д.

Красные лори произрастают в тропических лесах Австралии, и поэтому я нашел географически правильный вид птиц — видя, что картина направляется в Австралию.

Комната, в которой будет висеть картина, имеет сиреневые стены. Это еще одна причина, по которой я выбрал розовый цвет.

Ярко-красные птицы были также выбраны как часть моей цветовой схемы, так что картина действительно хорошо смотрится в ее новом доме. Важно заранее спланировать цвета, но я расскажу об этом по мере прохождения этапов.

Как сделать самодельный экстендер для рисования углем или карандашом

Чтобы сделать удлинитель для рисования углем, мелом или карандашом, просто возьмите старую кисть на длинной ручке с круглым металлическим наконечником и удалите щетину. Затем прорежьте прорезь на стороне наконечника или откройте его.

Вставьте уголь или конец карандаша в наконечник. Затем оберните наконечник вокруг угля и аккуратно зажмите его плоскогубцами.Будьте осторожны, чтобы не сломать нижний конец угля или карандаша.

Я сделал эту палочку для рисования углем, чтобы лучше видеть, когда я рисовал, стоя сзади. По сути, это старая кисть с выдернутыми волосками и металлическим наконечником, обернутым вокруг мела или угля.

Очень важно стоять в стороне, особенно при рисовании или рисовании на довольно большом холсте. Рисуя слишком близко, легко получить «туннельное зрение».

Еще один способ проверить свою анатомию и композицию — проверять свое произведение каждые 20 минут в зеркале.

Это покажет любые вопиющие проблемы с пропорциями, которые вы можете пропустить. Ваш мозг компенсирует и корректирует то, как вы видите вещи, когда вы слишком долго работали над рисунком.

При рисовании важно иметь свежий взгляд, поэтому отойдите как можно чаще и делайте частые перерывы, глядя на что-нибудь еще, кроме своего рисунка, в течение нескольких минут.

Моя самодельная палочка для рисования углем из старой ручки кисти.

Удаление излишков древесного угля

Когда я был доволен наброском углем на холсте, я взял сухую тряпку и протер ею рисунок, чтобы удалить излишки мела и угля.

Затем я окунул угол тряпки в немного скипидара, чтобы стереть ошибки и очистить линии. Я должен был быть осторожным, чтобы не тереть слишком сильно тряпкой, пропитанной скипидаром, так как я не хотел повредить розовый слой земли растворителем.

Создает призрачное изображение для следующих моделей imprimatura или brunaille .

Излишки древесного угля стерли подложку.

Imprimatura vs brunaille

Imprimatura в переводе с итальянского означает «первый красочный слой».На самом деле это должно быть написано imprimitura .

Технически это прозрачный слой масляной краски, нанесенный на грунтованный белый грунт, который «запечатывает» нижний рисунок. Для окраски имприматуры обычно используются теплые и прозрачные землистые пигменты, например сиены или охры.

Брюналь — это термин, используемый для обозначения подмалевка, выполненного в оттенках коричневого. Это позволяет художнику наращивать тональные значения в монохроматическом подмалевке, что помогает процессу рисования «многослойного» подхода.

Обычные пигменты для окрашивания брюналя — это земляные пигменты, такие как умбра, сиена или, более конкретно, коричневый вандик.

Нанесение имприматуры или бруналя на нижний рисунок обожженной сиеной.

В моем случае я уже затонировал землю непрозрачным розовым оттенком. А затем нарисовал свой рисунок углем поверх этой цветной земли.

Так что, назову ли я этот следующий шаг имприматурой или бруналем, на самом деле не имеет значения.

В основном я обводил линии рисунка углем разбавленной краской, чтобы «запечатать» рисунок.

Я смешал немного жженой сиены и немного постной среды льняного масла и уайт-спирита на своей палитре. Затем я закрасила углем все линии, улучшив рисунок масляной краской.

Черный уголь немного смешивается с жженой сиеной. Мне очень нравится этот эффект и дымчато-коричневый / оранжевый цвет.

Традиционно некоторые художники обрабатывали свой рисунок углем тонкой кистью и тушью. Но я сразу делаю это тонкой линией масляной краски и круглой боровой шерстью или кистью из соболя, в зависимости от того, насколько детализирован рисунок.

Сохранение тонкости краски позволяет создавать оттенки (светлые и темные) для создания теней. Свет проходит через эти тонкие слои, отражая краску в виде прозрачного блеска — как своего рода техника глазирования.

Картина имприматуры или стадии брюналя завершена, женщина в тропическом бассейне.

Сиена быстро сохнет, особенно в смеси с небольшим количеством среды и растворителя. Я смешиваю цвет с холстом с помощью кисти из натурального свиного фундукса, и получаю прозрачный оранжевый оттенок.Тонкий подмалевок быстро сохнет.

Я могу начать со следующего слоя через день или два. Вы можете использовать любой быстросохнущий пигмент, например жженую или сырую умбру, сиену, черную слоновую кость, охру или красную землю. Идея состоит в том, чтобы получить быстросохнущий, нежирный, подмалевочный слой.

Если вы хотите увидеть похожую серию картин, в которой я прорисовываю угольную фигуру необработанной умброй, посмотрите «Рисование фигуры — Часть 1. Это серия картин из четырех частей (с видео), где я рисую фигуру в немного другой способ.

Использование растворителей в подкрашивании

Не многие знают, что при рисовании масляными красками растворители не нужны.

Тщательно следуя практике и используя краски высочайшего качества и льняное масло ручной работы, вы можете смягчить многие проблемы, связанные с рисованием растворителями.

И я не говорю о шипе лаванды, цитрусовых маслах или венецианских скипидах.

Будьте осторожны, не злоупотребляйте растворителями для окраски.Я обычно предпочитаю использовать краски по мере возможности по мере их поступления из тюбика или смешивать собственные средства по мере необходимости, в зависимости от цели.

Помимо того, что растворители очень токсичны и имеют сильный запах (уайт-спириты без запаха могут не пахнуть, но вы все равно вдыхаете токсичные пары), слишком большое количество растворителя может разбавить связующее в пигменте.

Это ослабляет сцепление с поверхностью до такой степени, что краска отслаивается или отслаивается.

Если вы все же используете растворители, немного растворителя на начальном этапе должно быть хорошо, потому что растворители высыхают при испарении.(Масла, такие как льняное, ореховое и т. Д., Высыхают путем окисления).

Вы также хотите, чтобы первый слой был достаточно тонким. Добавление небольшого количества растворителя помогает с подмалевкой, так как это дает краске хорошее растекание по рисунку и помогает ему быстро высохнуть.

Я бы посоветовал не смешивать столько растворителя, чтобы краска начала стекать и стекать с холста.

Здесь важно помнить правило «жир выше постного», а именно потому, что высыхание масляного слоя из-за окисления в нижних слоях вашей картины может вызвать проблемы с растрескиванием позже, поскольку эти масла начинают сохнуть под более тонкими, более хрупкими слоями над ними. .

Жирность вместо худой можно лучше понимать как «гибкость вместо менее гибкой».

Вот почему я обычно делаю слои для рисования довольно тонкими, естественно. Ни разбавление растворителями, ни жирность масла. (Ближе к последним этапам рисования я обычно начинаю добавлять более жирную среду для финальной глазури и т. Д.).

Для получения дополнительной информации о рисовании медиумами на этапах подмалевка, ознакомьтесь с 13 странными вопросами, которые задают начинающие масляные художники.Здесь я подробнее расскажу о слоях подмалевок, а также об использовании акрила, алкидных сред и домашнего льняного масла.

В следующем посте я начну уточнять анатомию и покажу, как я добавляю так называемый «мертвый слой». Так что следите за обновлениями!

Спасибо за внимание, присылайте мне любые комментарии или вопросы ниже. Если какой-либо из этих приемов или методов рисования вас смущает, или если вам нужна дополнительная информация, сообщите мне.

Здесь вы можете увидеть еще несколько моих рисунков.

Дамиан Осборн — прекрасный художник из Кейптауна, Южная Африка. Черпая вдохновение в традициях старых мастеров, в природе и в людях вокруг него (особенно его жене), он пытается выйти за рамки посредственности и стремиться к мастерству в своих картинах.

Последние сообщения Дамиана Осборна (посмотреть все)

Техника рисования Вермеера: Рисование

После того, как начальный контурный рисунок был закончен, Вермеер начал «мертвую окраску» (или подмалевок, как ее называют сегодня), один из самых важных этапов в своей рабочей процедуре.Без глубоких знаний и владения техникой подмалевка было бы нелегко достичь того необычайного единства, которое характеризует самые зрелые картины Вермеера. Техника подмалевка значительно облегчает реализацию тонко сбалансированных композиций, точную передачу световых и хроматических тонкостей.

Подмалевок сегодня практикуется редко. В прошлом веке художники просто начали рисовать прямо на заранее подготовленных белых холстах с полным цветом, превосходящим все, кроме сокращенного рисунка.Таким образом, ни функция, ни практика подмалевок не совсем понятны.

СМОТРЕТЬ НА ПЛЕЧЕ ВЕРМЕРА

Полная книга о техниках живописи и материалах семнадцатого века с особым акцентом на живопись Иоганна Вермеера .

2020 | PDF | 3 тома | 294 страницы

Взгляд через плечо Вермеера — это всестороннее исследование материалов и техник живописи, которые сделали Вермеера одним из величайших мастеров европейского искусства.Чтобы составить наиболее ясную картину его повседневных методов, мы должны не только посмотреть на то, что происходило внутри студии Вермеера, но и на то, что происходило внутри студий его наиболее опытных коллег.

Взгляд через плечо Вермеера , таким образом, излагает понятным языком все аспекты живописи 17-го века, включая такие темы, как художественное обучение, подготовка холста, нижний рисунок, подмалевок, глазирование, палитра, кисти, пигменты и композиция.Также исследуется ряд вопросов, относящихся непосредственно к искусству Вермеера, таких как камера-обскура, организация студии, а также то, как он изобразил настенные карты, напольную плитку, картинки в картинках, турецкие ковры и многое другое. характерные мотивы.

Благодаря его квалификации знатока и практикующего художника Vermeer, трехтомный формат PDF позволяет автору обратиться к каждой из 24 тем книги с должным вниманием. Внимательно наблюдая за студийными практиками Вермеера и его выдающихся современников, читатель получит конкретное представление о методах живописи 17-го века и по-новому взглянет на 35 произведений искусства Вермеера, которые раскрывают неразрывное единство ремесла и поэзии.

Хотя это не практическое руководство, начинающие художники-реалисты найдут настоящую сокровищницу технической информации, которую можно применить практически к любому стилю фигуративной живописи.

Взгляд через плечо Вермеера (бета-версия)
автор : Джонатан Янсон
дата : 2020 (второе издание)
страницы : 294
формат : PDF | 3 тома
иллюстраций : более 200 иллюстраций и схем

Все три тома можно приобрести отдельно по цене .

---

VOL I ( 11MB ) 11,99 долл. США

1 / Обучение, техническая подготовка и амбиции Vermeer’s
2 / Обзор технической и стилистической эволюции Vermeer
3 / Слава, оригинальность и предмет
4 / Реальность или иллюзия: существовали ли когда-либо интерьеры Вермеера?
5 / Цвет
6 / Композиция
7 / Мимеси и иллюзионизм

---

VOL II ( 17MB ) 11 долларов США.99

8 / Перспектива
9 / Камера Obscura Vision
10 / Свет и моделирование
11 / Студия
12 / Четыре основных мотива в творчестве Вермеера
13 / Драпировка
14 / Живопись телесного цвета

---

VOL III ( 13MB ) 11,99 долл. США

15 / Холст
16 / Заземление
17 / «Изобретение» или аннулирование чертежа
18 / «Мертвая окраска» или подмалевок
19 / «Обработка» или окончательная обработка
20 / Остекление
21 / Материалы, связующие и лаки
22 / Нанесение краски и консистенция
23 / Пигменты, краски и палитры
24 / Кисти и кисти

* обратите внимание: :
Взгляд через плечо Vermeer’s не подвергался окончательной редакции копии, поэтому иногда могут встречаться незначительные ошибки в грамматике, сносках и подписях к изображениям.Как только окончательная редакция копии станет доступной, покупатель будет уведомлен и, по запросу, получит ее без задержки или оплаты.

Проще говоря, подмалевок — это монохромная версия финальной картины, которая фиксирует композицию, придает объем и содержание формам, а также распределяет темные и светлые тона для создания эффекта освещения. Отсутствие цвета, вероятно, объясняет слово «мертвый» в термине «мертвая картина». Краска наносилась на подмалевок только после того, как он полностью высох.Подмоновые рисунки обычно выполнялись в теплых землистых тонах на нейтральных серых или теплых коричневых тонах. Для этой цели часто использовалась необработанная умбра, иногда смешанная с черным. Также использовались холодные серые подмалёвки. Пример схематичного коричневого подмалевка можно увидеть в правой части лицевой части неоконченного портрета итальянского художника Андреа дель Сарто. Сохранились сравнительно новые подмалевки.

Портрет женщины в желтом (фрагмент неоконченного портрета, показывающий подмалевок на затененной стороне лица)
Андреа дель Сарто
c.1529–1530
Панель из тополя, масло, 64,3 x 50,1 см.
Королевская коллекция, Букингемский дворец, Лондон
Жертвоприношение Исаака
Андреа дель Сарто
c. 1527
208 х 171 см.
Cleveland Museum of Art, Кливленд, Огайо

На этой незаконченной картине угол окрашен в монохромный коричневый цвет, в то время как цвет начал становиться грубым на ранних стадиях стадии обработки.

В неоконченной работе Леонардо да Винчи Поклонение волхвов (рис.1) отчетливо видны как начальный рисунок (Богородицы), так и различные стадии подмалевка (младенца Иисуса). Рубенс использовал белый цвет, чтобы усилить освещенные участки подмалевка.

инжир. 1 Поклонение волхвов
Леонардо да Винчи
1481–1482
Масло на панели, 246 х 243 см.
Галерея дельи Уффици, Флоренция

Таким образом, с минимальными усилиями художник смог представить всю свою живописную идею.Он мог наблюдать за дефектными частями и исправлять их с относительной легкостью, поскольку моделировать форму с помощью нескольких нейтральных тонов гораздо легче, чем с помощью более сложных цветовых смесей. Даже широкие участки холста, которые казались слишком темными, можно было легко обработать, а более светлые — потемнели. Степень отделки и точные цвета, используемые на стадии подмалевка, варьировались от школы к школе и даже от художника к художнику. Невозможно установить, определял ли Вермеер свой подмалевок так же точно, как подмалевки Леонардо, но лабораторные данные показывают, что они были более схематичными.В подмалевке Вермеер обычно использовал черный и коричневый цвета.

В частности, известно, что Рембрандт и Рубенс очень эффективно использовали подмалевок. Считается, что когда-то художники хранили в своей мастерской несколько подмалевок, ожидая интереса клиентов, прежде чем завершить картину с полным цветом и деталями.

Подмалевок был не только быстрым и экономичным способом представить и проработать композицию, но и помог художнику создать ряд оптических эффектов, которые не могут быть достигнуты путем прямого смешивания красок.

Подмалёк Вермеера

Теперь кажется очевидным, что подмалевок был фундаментальным шагом в творческом процессе Vermeer. Лабораторный анализ показывает, что на стадии подмалевка художник внес много существенных и мелких изменений в тип, расположение и размеры предметов, обнаруженных в его композициях. ¹ Стулья, карты, картины в рамах, музыкальные инструменты, корзины, стоящего кавалера и даже собаки больше нельзя увидеть там, где они были изначально представлены.Вермеер, вероятно, нарисовал их на стадии подмалевка, убедившись, что они не производят желаемого эффекта и не отвлекают от темы картины. Он изменил положение рук и пальцев, чтобы создать желаемый жест. Края карт были перемещены влево или вправо для стабилизации композиции. Контуры одежды молодых женщин были изменены, чтобы сделать их более элегантными, а тени были осветлены или затемнены, все в зависимости от эффекта подмалевка.

Было замечено, что в The Geographer есть различные отрывки, которые, кажется, остались незавершенными или которые со временем обнажились.Возможно, значительная часть глубоко затененного участка ковра раскрывает прием подмалевка Вермеера. Если это так, то его методы кажутся похожими на методы его современников.

Использовал ли Вермеер камеру-обскуру для определения своих подмалевок?

инжир. 4.Переносная камера-обскура 18 века

Лоуренс Гоуинг, художник и один из самых проницательных ученых Вермеера, полагал, что рентгеновский снимок лица девушки с жемчужной сережкой (рис.3) свидетельствует о способе рисования художника. Рентгеновские снимки показывают присутствие свинца, который является основным компонентом свинцового белила, основного белого пигмента, используемого художниками до середины 19 века. Гоуинг предполагает, что белые области изображения соответствуют стадии подмалевка и представляют собой прямую транскрипцию падения света на экран камеры-обскуры (рис. 4). Эффект камеры-обскуры особенно характерен для идеально сферической изюминки жемчужной серьги, которая была изменена в окончательной версии.То же самое можно сказать и о тусклом блеске правого глаза. Чтобы объяснить разницу между подмалевком и окончательным изображением, Гоуинг утверждал, что «художник, очевидно, продолжал, заканчивая картину, посредником между объективностью и условностью». ¹ Поскольку рентгеновское изображение показывает только присутствие более тяжелого свинцового белого цвета, а остальные области регистрируются как черные, контраст преувеличен.

инжир. 3 Девушка с жемчужной сережкой (рентгеновский снимок)
Джоннес Вермеер Идея

Гоуинга была подтверждена более поздней гипотезой Филиппа Стедмана о том, что Вермеер мог использовать камеру-обскуру не только для отслеживания проецируемого изображения камеры-обскуры на холст, но и для рисования в строгой корреляции с изображением камеры-обскуры, всегда под рукой.

Гипотеза о методах подкрашивания Вермеера

На изображении ниже (рис. 5) показана разумная гипотеза о методе подкраски Вермеера, задуманная автором этого веб-сайта Джонатаном Янсоном.

Щелкните здесь, чтобы получить доступ к большому изображению подмалевка.

рис. 5 Девушка в синем гиацинте (подмалёк)
Джонатан Янсон
2002
Холст, масло
Hallmark Corporation, Сент-Луис .