Ваза академический рисунок: Классическая гипсовая ваза. Учебный академический рисунок

Содержание

Академический рисунок в мини-формате. Упр. 2 | Топ-топ арт

В предыдущей статье я рисовала по заданному чертёжику натюрморт. Знаете, мне эта форма упражнений понравилась, приглашаю присоединиться. Свой вариант набросков выкладывайте в комментариях к соответствующему посту, очень интересно будет сравнить. Вот моя картинка по тому заданию, я её показываю здесь.

Натюрморт с чайником, чашкой и коробкой. Само задание в предыдущей статье.

Натюрморт с чайником, чашкой и коробкой. Само задание в предыдущей статье.

Напоминаю, задача упражнений в мини академическом рисунке — сделать короткую, очень небольшую зарисовку в альбоме, простым карандашом, но при этом постараться выполнять именно правила учебного рисования, следуя законам перспективы, распределения светотени по форме и так далее.

Я хочу постепенно создать систему таких упражнений «на коленке», последовательно усложняя задачи. Думаю, буду рисовать по представлению или с использованием самой простой натуры, имеющейся под рукой. Так, как покажется нужным по логике учебной программы.

Скорее всего, захочется и в цвете поработать. Сейчас не буду задавать себе рамки…

Если вы поучаствуете в этом небольшом проекте, это будет здорово. Выполненные упражнения можно прикреплять в комментариях, вместе мы их проанализируем. А можно прислать результат на почту, тогда отвечу лично и без публикации. Почтовый адрес вы найдёте на этой странице моего сайта.

Теперь задание 2.

Теоретическая часть. Придумаем вазу.

Ваза — это «тело вращения». Так преподаватели называют предмету, форма которых образована вращением какой-то плоской фигуры вокруг центральной оси. Тела вращения вокруг нас — это и бутылки, и чайники, и абажуры ламп.

Придумаем вазу, сперва в разрезе, скомпоновав её из нескольких форм.

Придуманный силуэт вазы

Придуманный силуэт вазы

Вы видите — в конструкции имеются шары, цилиндры, конусы. Целые или их части. Ручки — «колбасками». Плавных переходов форм, в целях большей ясности, не предусмотрено. Все ключевые пропорции формы определены переходами, круглыми в сечении. Теперь вспомним основные правила рисования кругов в перспективе.

1. Чем дальше лежащий в горизонтальной плоскости круг от линии горизонта, тем эллипс, его изображающий, больше «раскрыт» (значит, пропорционально шире)

2. Эллипс симметричен относительно вертикальной оси, а относительно горизонтальной — не совсем. Половина круга, находящаяся ближе к зрителю, будет чуть шире. И ни в коем случае не наоборот.

Рисуем. Практически 3D-моделирование, а кто проходил курс черчения, многое вспомнит 🙂

Вот какая наша ваза, свет сверху.

Ваза с ручками

Ваза с ручками

Теперь ещё раз. Конструкция типа пивной кружки (не судите мой дизайн строго 🙂 Присутствуют тор, конус, цилиндр и плоская ручка.

Кружка

Кружка

Рисуем, поместив объект выше линии горизонта. Свет слева. Помним о распределении светотени: свет, полутень, тень, рефлекс.

Кружка, парящая в воздухе

Кружка, парящая в воздухе

Предлагаю и вам нарисовать тело вращения. Вот модель в разрезе. Для наглядности показано, что туловище состоит из полушария, переходящего в конус.

Очередная ваза

Очередная ваза

Ручки в сечении круглые. Но, если хочется, можно представить их вырезанными из плоского пласта.

Предлагаю нарисовать такую вазу. Можно взять модель из вариантов выше, но обязательно поменяв направление источника света и расположение вазы в пространстве относительно горизонта по высоте. Прикрепляйте в комментариях ваши рисунки, или пишите на почту!

Оглавление этого канала по темам постов здесь, на моём сайте.

Размер рисунков

Размер рисунков

07. Рисуем Вазу. Построение | Udemy

[eng below} Привет,

Всё, что вы хотели рисовать — города, портреты, фэшн, скетчи и тд — всё начинается с рисунка. С правильного построения.

Поэтому на первых курсах художественных ВУЗов акцент именно на этом предмете — на академическом рисунке.

Рисунок — это залог ваших крутых рисунков в любых стилях и направлениях.

Начинать учиться рисовать надо всегда именно с рисунка.

Все курсы я прошу проходить по очереди — по номерам в названиях курсов

1. Основы рисунка

2. Перспектива от А до Я

3. Освещение в архитектуре

Меня зовут Дарья Остапенко, я художник с двумя художественными образованиями,

(Казанская академия им. Н. Фешина и МГХПА им. С.Г.Строганова)

Я рисую с самого детства и просто обожаю графику.

Моя любовь к академическому рисунку вылилась в то, что я сейчас преподаватель самого большого государственного художественного ВУЗа — Строгановской Академии,

преподаю анатомию для художников в самой огромной школе рисования в России — Kalachevaschool, и у меня сейчас несколько тысяч учеников по всему миру.

А еще я работаю в самом любимом музее страны — Третьяковской галерее, и именно она каждый день служит мне сильным вдохновением, которым я обязательно поделюсь с вами в своих рисунках.

PS. 10% от всех продаж курсов уходит подопечным детского хосписа «Дом с маяком»

_______________

Hello,

Everything you wanted to draw — cities, portraits, fashion, sketches etc — all of this starts from drawing. From right drafting.

This is the reason why art universities pay a special attention exactly to this disciple — to academics drawing. Russian drawing schools is one of the strongest one in the world.

Drawing — is the guarantee of your cool drawings in any style and genres.

The drawing studyings you should always start with a drawing.

I advise you to study all the courses one after another — following the numbers listed in courses’ name

Drawing basics

Perspective from A to Z

Lighting in architecture

About myself: I studied and worked at the largest Russian art university, I have two high art education!

I have been drawing since my childhood and really in love with graphics.

I also teach anatomy for artists at the largest art school in Russia — Kalachevaschool, and currently I have several thousands of students all over the world.

I have been working in the major country’s museum — Tretyakovskaya gallery, the museum which has become to be a daily inspiration I will definitely share with on my drawings

.

PS. 10% of the course profit receives a children hospice “The house with light”.

ИСТОРИЯ ПРЕПОДАВАНИЯ АКАДЕМИЧЕСКОГО РИСУНКА В РОССИИ В XVIII – XIX ВЕКАХ. ОПЫТ ХУДОЖНИКОВ-ПЕДАГОГОВ.

      «Рисовальный экзамен — это градусник,

указывающий на талант избранника

или на бездарность труженика»

Н.Рамазанов [13].

Академические традиции, определившиеся в России в ХVIII веке и во многом сохранившиеся до нашего времени, утверждали важнейшую роль рисунка в процессе художественного образования. Вне зависимости от специализации ученики Академии художеств обязаны были выполнять многочисленные задания в рисунке (карандашом, пером, тушью, сепией). Именно на рисунок возлагалась основная нагрузка при освоении искусства передавать пластику человеческого тела, работать над композицией.

В первом Уставе Академии художеств граф И.И. Шувалов писал: «к достижению всего вышеописанного началом и основанием служить имеет твердое и исправное рисование, без чего упражняющийся в сих благородных художествах желаемого совершенства достигнуть не может» [4].

На протяжении всего периода обучения в Академии учащиеся рисовали каждый день: самые младшие — по 2 часа в день, средние — по 4 часа, старшие — по 6 часов в день. Рабочий день учеников Академии строился весьма строго: «В 7 часов утра шел звонок, и все 4 возраста направлялись в научные классы до 9 часов, после чего старшие два возраста отправлялись в специально-художественные классы, младшие же два возраста — в классы рисования, которые продолжались до 11 часов. Затем в 11 1/2 часа был обед; после обеда прогулка продолжалась до 1-го часа, после чего у младших были вторичные учебные классы, а у старших 2-х возрастов — занятия в специально-художественных классах; затем 2 часа отдыха — по раздаче младшим классам по куску полубелого хлеба, как то было и утром. В 5 часов вечера — рисовальные классы для всех 4 возрастов до 7 часов, после чего ужин… В 9 часов шли по своим спальням, где и спали до 5 часов утра» [8].

Правила Академии предписывали, чтобы в классе всегда находились два педагога, «из коих одному ставить натуру и поправлять работы учеников, а другому в то же время самому с ними рисовать или лепить» [11]. Ежедневно работая в классе рядом с учениками, художники-педагоги демонстрировали свой подход к решению необходимых задач. Поняв, как тот или иной мастер использовал возможности подготовительного рисунка в своей работе, ученики открывали для себя интереснейшие возможности в подходе к натуре, расширяли пути и средства решения творческих задач.

В XVIII веке в России над проблемами учебного рисунка и методикой его преподавания работали такие прославленные художники, как А.П. Лосеноко, Г.И. Угрюмов, А.И. Иванов, А.Е. Егоров, В.К. Шебуев, С.К. Зарянко. Постоянно убеждаясь на практике, что для качественного преподавания, одного умения рисовать недостаточно, художники-педагоги стремились уделять внимание и методике преподавания рисования, и правильной организации учебного процесса.

Благодаря их трудам появились первые отечественные методические пособия и разработки.

С 1769 года в Академии художеств начал преподавать А.П. Лосенко. Как прекрасный рисовальщик и педагог, он стремился дать научно-теоретическое обоснование каждому положению Академического рисунка. Из собственного учебного опыта А.П. Лосенко понимал, что пособиями по рисунку бедна не только русская Академия, но и считавшаяся лучшей в то время французская Академия художеств. В годы своей учебы А.П. Лосенко несколько раз направлялся в Парижскую Академию художеств, где рисовал в натурном классе. Выполненные там рисунки и композиции А.П. Лосенко неоднократно были отмечены медалями французской Академии художеств. Во многом благодаря А.П. Лосенко метод преподавания рисунка стал основываться на серьезном изучении анатомии, пропорций человеческой фигуры, перспективы. Стараясь помочь своим ученикам в освоении знаний по анатомии, в 1771 году А.П. Лосенко создал пособие «Изъяснение краткой пропорции человека».

Эта работа представляла собой собрание выполненных в карандаше этюдов с обнаженной модели, так называемых «академий». Листы «академий» пользовались большой популярностью у студентов, пособие быстро износилось и, к сожалению, было утрачено. Два других пособия А.П. Лосенко («Учебное пособие по анатомии для художников» и «Руководство, как увеличить фигуру человека») были подготовлены, но так и не изданы.

Вслед за А.П. Лосенко, в помощь своим ученикам составил пособие художник В.К. Шебуев. Его труд под названием «Антропометрия» предназначался для издания, однако книга так и не была опубликована. К изданию даже изготовили медные награвированные доски, которые впоследствии были потеряны. Не дошла до нас и работа 1760-х годов Е.П. Чемесова, от которой сохранились лишь награвированные резцом на меди изображения частей скелета.

На протяжении столетия многим поколениям русских художников в качестве единственного учебного пособия по рисованию служило переводное издание «Основательные правила или краткое руководство к рисовальному художеству Управителя Нюрнбергской Академии живописного художества Иоанна Даниила Прейслера». Так называемая «Плейслерова рисовальная книга», отпечатанная в типографии Академии наук в 1734 году, стала первым в России официальным учебным пособием по рисованию.

По книге И.Д. Плейслера, главным в обучении рисунку являлось изображение человеческой фигуры. Ее надо было уметь изображать обобщенно, со знанием анатомии и перспективы, а при необходимости уметь прорабатывать в деталях. Для овладения способом обобщенного изображения И.Д. Прейслер предлагал сопоставлять формы человеческого тела с геометрическими фигурами. Обучение рисунку предполагало постепенность, или «поступенность», как называл это И.Д. Прейслер. На первой ступени обучающийся знакомился с прямыми (взаимно перпендикулярными и параллельными) и кривыми линиями. Линии необходимо было научиться проводить от руки, без чертежных инструментов. Для практики рекомендовалось рисовать вазы и копировать предлагаемые образцы криволинейных орнаментов. Выполняя несложные упражнения для развития глазомера и чувства пропорций, ученик одновременно развивал и технику карандаша.

После этого, по И.Д. Прейслеру, ученик мог переходить к срисовыванию с образцов изображений частей человеческого тела. Только после многочисленных упражнений в изображении различных частей лица, рук и т.п. разрешалось переходить к изображению обнаженной фигуры человека. Эти принципы рисунка описывались автором на страницах первых двух частей книги, к тексту прилагались 54 таблицы. Далее следовали разделы, посвященные изображению светотени и драпировок. Только после прохождения такой школы изобразительной грамоты, учащиеся допускались к работе с натуры (с постепенным усложнением заданий) и к выполнению композиционных заданий, ориентированных на словесно сформулированные программы. В соответствии с основными положениями «Прейслеровой книги», строилась вся методика преподавания нашей Академии художеств.

Резким критиком подобных методических устоев выступил Дени Дидро. Он посетил Россию в 1773 году и заинтересовался постановкой учебного процесса в русской Академии художеств. Высоко оценив работы наших рисовальщиков, Дидро все же утверждал, что «академическую», то есть искусственно поставленную, модель полезно рисовать не более чем один раз в месяц. «Ищите публичных сцен. Наблюдайте на улицах, в садах, на рынках, в домах и вы получите правильное представление о настоящих движениях в действительной жизни» — утверждал Дидро [7]. По поводу обучения рисунку в академиях он писал: «Находите ли вы, что действительно приносят пользу те семь лет, которые вы проводите в академии?.. именно там, в продолжение этих ужасных лет приобретается манера рисунка. Всякий раз, как только художник берет в руки кисть или карандаш, тоскливые призраки (академических натурщиков) пробуждаются и встают перед ним» [15].

Однако Дидро не возражал против рисования слепков с античных скульптур и изучения анатомии, что было принято в академической школе.

Помимо многочасовых натурных штудий, ученики Академии художеств обязаны были выполнять ежемесячные задания, в которых отрабатывались навыки композиционного мышления «в листе» по воображению, без натуры. При выполнении такого задания ученик получал не только тему, но и ее программную разработку. Формулировались эти задания весьма интересно.

Так, в 1776 году Г. Гроот предложил ученикам живописного класса задание на тему «птиц и зверей», которое должно было выразить взаимоотношения Екатерины II и ее подданных. Программная разработка этого задания гласила: «Написать на приятном ландшафте наседку, вышедшую из кустарника и являющуюся некоторому числу малых цыплят, к ней приспешающих с распростертыми крылышками, для изъявления своей питательнице, покровительнице и повелительнице их сокровенной радости о возвращении ее, а при том, своей любви, благодарности и повиновения; при чем на особливом мраморном куске изобразить в барелиеве Гениуса, у коего на одной стороне лежат орудия свободных художеств и который, с поднятыми к правой стороне обеими руками, показывает на восходящее солнце со изъявлением бодрствующей своей об оном солнце радости» [8]. Для живописного класса «плодов и цветов» задание формулировалось следующим образом: «Представить подсолношник, выросший из земли, а под сенью оного ваз плоский по нынешнему образцу; оной ваз должен быть наполнен цветами — розами, гвоздиками, яцынтами, нарцызами, анимониями и мальвою, все в образе ландшафта; на земле ж подле ваза несколько рассыпанных или просто лежачих цветочков, оранжевых цветков, виноградных кустов, вишенья, персиков и прочего, что сочинителю встретится в мыслях» [8].
Подобные композиционные работы рассматривались и оценивались на экзамене каждые четыре месяца.  

Мастера XIX века во многом восприняли академические традиции своих предшественников. Однако, по выражению Н.Н. Ростовцев «в них удивительным образом отразилась традиция и сохранилась индивидуальность» [9]. Пройдя традиционную академическую школу, они чувствовали необходимость в поиске новых художественных методов и средств.

В начале XIX века вышло первое методическое пособие по рисованию, автором которого был русский художник. Труд А.П. Сапожникова «Курс рисования», опубликованный в 1834 году, предназначался для общеобразовательных учебных заведений. Это методическое пособие определило новое направление в преподавании рисования. Будучи военным инженером и известным художником-любителем А.П. Сапожников разработал систему моделей из проволоки и картона, которые помогали учащимся понимать строение формы предмета, явление перспективы и законы светотени.

За шесть лет до выхода в свет пособия А. П. Сапожникова, Академию художеств окончил К.П. Брюллов, заслуживший от современников звание «блистательный Карл». Знаменитый во всем мире своими живописными работами, Брюллов отмечал, что «рисовать надо уметь прежде, чем быть художником, потому что рисунок составляет основу искусства; механизм следует развивать от ранних лет, чтобы художник, начав размышлять и чувствовать, передавал свои мысли верно и без всякого затруднения» [10]. Карандашные рисунки К.П. Брюллова представляют собой интереснейшее наследие и занимают почетное место во многих крупнейших музеях мира.

При поступлении в Академию художеств, будучи лишь десяти лет от роду, К.П. Брюллов рисовал лучше всех своих товарищей, даже старших по возрасту. Он блестяще проходил художественные классы академии, почти на всех экзаменах получая высшие отметки. Его работы отвечали всем требованиям академических канонов относительно правильности и точности рисунка. В тоже время, он умел вносить в свои рисунки определенную легкость, непосредственность впечатления и артистизм. По воспоминаниям В.В. Стасова, К.П. Брюллов любил «записывать на память» карандашом то, что он видел ранее, и то, что он сочинял на основании полученных впечатлений. Такое «сочинение» карандашом было неотъемлемой частью всей творческой и преподавательской работы К.П. Брюллова. Метод преподавания К.П. Брюллова отличался индивидуальным подходом к каждому ученику. Особенность его методики была и в том, что он приучал ученика самостоятельно находить ошибку. Он никогда не исправлял рисунок сразу, а вначале давал возможность ученику самому разобраться в ошибке.

Выдающийся вклад в искусство рисунка в России внес В.А. Серов. В своей педагогической практике он опирался как на собственный учебный опыт, так и на особенности своего творческого процесса. Историки искусства называют его «гениальным мастером штриха и линии» [5]. Во всех учебных руководствах по рисованию, как у нас в стране, так и за рубежом в качестве образца приводится иллюстрация его знаменитого «Портрета балерины Тамары Карсавиной». В.А. Серов достиг здесь высочайшего изобразительного мастерства, выработанного непрестанным трудом и беспощадной требовательностью к себе.

В.А. Серов был одним из любимых учеников прославленного педагога П.П. Чистякова, которого почтительно называл «единственным (в России) истинным учителем незыблемых законов формы» [5]. Способность Чистякова  угадывать особенность каждого таланта, бережное отношение к любому дарованию давали удивительные результаты.

Разнообразие творческих индивидуальностей учеников П.П. Чистякова говорит само за себя: В.И. Суриков, В.М. Васнецов, М.А. Врубель, В.Д. Поленов, И.Е. Репин и многие другие прекрасные мастера.

Выполняя подготовительные рисунки к своим работам, И.Е. Репин сформировал своеобразный девиз и следовал этому принципу всю жизнь: «Будет просто, если сделаешь раз сто» [13]. П.П. Чистяков этот девиз дополнил для своих учеников: «Нарисовать сто схожих голов – коллекция, а вот понять, как ее нужно рисовать, — учеба» [16].

Художник-педагог П. П.Ч истяков, отводил рисунку главную роль в становлении личности мастера. Строгую школу рисунка он считал основой основ изобразительного искусства. За долгие годы учительства П.П. Чистяков разработал особую систему рисования. Он учил видеть натуру, какой она существует и какой она кажется, соединять линейное и живописное начало, знать и чувствовать предмет независимо от того, что нужно изобразить, будь то скомканный лист бумаги, гипсовый слепок или сложный исторический сюжет. «Нужно знание предмета и законов, по которым он кажется таким или иным» [16] — говорил он своим ученикам. Начинал обучение П.П. Чистяков с простейших постановок и затем последовательно переходил ко все более сложным. Но сам характер рисунка, по мнению мастера, должен был определяться особенностями конкретной модели. Продолжая классические традиции Академии, П.П. Чистяков требовал от своих воспитанников внимательнейшего изучения анатомии, дающей знание строения живой формы. «Техника высокая, простая, состоит в том, что каждая линия, обрисовывающая форму, сознательна для художника и выражает часть кости, мускула и прочее» [16]  — объяснял он.

Его наставления, хотя не полностью дословно, но с сохранением основной мысли, остались в дневниковых записях и письмах его учеников. Вот некоторые из высказываний художника и педагога П.П. Чистякова. «…Все мужественное, твердое, благородное в искусстве выражается рисунком…» [16].

«Не умеющий рисовать не будет и писать как следует» [13].

«Рисунок – основа всего, фундамент, кто не понимает его или не признает, тот без почвы… Рисовать —  значит соображать» [13].

Многие искусствоведы сходятся во мнении, что принципы, которые отстаивал П.П. Чистяков, его борьба за реалистическую методику преподавания, за приближение рисунка к действительности во многом определили подъем искусства рисунка в XIX века.

Многое сделал для развития методики преподавания рисования и подготовки художников-педагогов Я.Ф. Ционглинский. Он пользовался большим уважением среди учеников Академии. По воспоминаниям М.П. Гронеца: «К рисунку он подходил со всей строгостью, требовал от учеников точности и правильности, не допуская никакого искажения формы и, в то же время, умел внушить каждому, что владения рисунком – искусство, а потому к нему надо подходить с творческим горением, с трепетом в груди» [15].

Я.Н. Ционглинский любил говорить своим ученикам: «Как бы ни казалась проста задача, художник обязан к ней подходить с вдохновением рисуете ли вы натюрморт, гипсовую голову или фигуру, творческое начало должно присутствовать в работе. Художник потому и является художником, что он творит» [15].

«Овладевать рисунком надо постепенно, не упуская ни малейшей детали в методике построения каждого изображения. С чего начинается рисунок, как он развивается дальше и чем закачивается» [15] — отмечал Я.Н. Ционглинский.

По воспоминаниям учеников, Я.Н. Ционглинский умел последовательно, ясно и понятно раскрыть самые сложные положения рисунка, о законах построения формы на плоскости, о методической последовательности построения изображения он рассказывал так, будто бы речь шла о самой захватывающей истории. В своих лекциях о рисунке Я.Н. Ционглинский проводил аналогию с законами гармонии в музыке, с красотой поэтического слова, с точностью математического расчета.

Другое имя, которое заслуживает особого внимания в ряду выдающихся педагогов и художников, имя Д. Н. Кардовского. Непосредственный ученик П.П. Чистякова и И.Е. Репина, все свои ученические годы и потом, на протяжении всей своей преподавательской деятельности, стремился найти синтез системы педагога и живописца.

С 1903 года Д.Н. Кардовский работал в качестве помощника в мастерской живописи в высшем художественном училище при Петербургской Академии художеств. Затем, в 1907 году, став профессором, Д.Н. Кардовский начал самостоятельную педагогическую деятельность. Из его мастерской вышли такие художники, преподаватели живописи, как А.И. Савинов, А.Е. Яковлев, П.М. Шухмин, Н.Э. Радлов и многие другие.

Д.Н. Кардовский учил начинающих рисовальщиков не только понимать, видеть и строить объемную форму в рисунке, но и глубоко ее анализировать. Опираясь на лучшие традиции прошлого, Д.Н. Кардовский выработал систему, в основе которой был принцип упрощения сложной формы предметов до наипростейших геометрических форм.

«Изучающий рисунок, — отмечал Д.Н. Кардовский, — должен в своей работе руководствоваться формой. Что же представляет собой форма? Это – масса, имеющая тот или иной характер подобно геометрическим телам: кубу, шару, цилиндру и так далее. Живая форма живых натур, конечно, не является правильной геометрической формой, но в схеме она тоже приближается к этим геометрическим формам и таким образом повторяет те же законы расположения света по перспективно-уходящим плоскостям, какие существуют для геометрических тел» [6]. 

Вплоть до сегодняшнего дня художники, стремящиеся создать иллюзию реального трехмерного мира на двухмерной рабочей поверхности, пользуются этим методом.

Методика преподавания по Д.Н. Кардовскому строится на следующих принципиальных положениях:

 — «Обучение рисунку и живописи должно вестись только по натуре. Моделями являются: натюрморт; человек (голова, человеческая фигура, одетая и раздетая).

— Мыслить и работать следует отношениями. Ничего не должно быть сделано, как говорят «в упор», так как в результате такого рисования мы неизбежно придем к натурализму. Держать большой свет, большой характер,   большой цвет и идти от общего к частному.

— Рисунок – это пластическая основа искусств, служащих изображению зрительных восприятий на плоскости, то основное общее, что объединяет все изобразительные искусства. Основная задача рисунка – изучение построения формы на плоскости графическими средствами по законам природы» [6].

По инициативе Д.Н. Кардовского у нас в стране были организованы первые специальные художественно-педагогические учебные заведения, готовящие учителей рисования с высшим образованием.

Изученный опыт художников-педагогов выявляет важный аспект в построении художественно-образовательного процесса. Выстраивая систему преподавания, определяя учебные цели и методы их достижения, художники-педагоги во многом опираются на личный академический опыт учебы, а также особенности собственного творческого процесса. Подобная практика позволяет ученикам не только получить профессиональные основы мастерства, но также развивает важнейшие качества необходимые художнику, воспитывает серьезное и ответственное отношение к искусству. Подобная практика является важнейшим залогом, как преемственности традиций, так и развития художественного потенциала. 

ЛИТЕРАТУРА

Белютин Э. М. Русская художественная школа второй половины XIX — начала XX века. М.: 1967.
Белютин Э.М., Молева Н.М.  П. П. Чистяков — теоретик и педагог. Москва: Изд-во Акад. художеств СССР, 1953.
Белютин Э.М, Молева Н.М. Педагогическая система Академии художеств XVIII века. М.: Искусство, 1956.
Долгополов И. Мастера и шедевры. Том 3. М.: Изобразительное искусство, 1988.
Кардовский об искусстве. Воспоминания. Статьи. Письма. Под редакцией Д.А. Шмаринова. М: Академии художеств, 1960
Машковцев Н. Книга для чтения по истории русского искусства. Москва. 1950. Вып. II.          
Молева Н. М. Выдающиеся русские художники-педагоги. 2-е изд., доп. М.: Просвещение, 1991
Рёскин Дж. Лекции об искусстве М: Б.С.Г.-Пресс, 2011
Розанова Н.Н. Рисунок: историко-теоретические аспекты. Московский государственный университет печати. Москва 2000
Ростовцев Н.Н. Академический рисунок. М: Просвещение, 1984
Русская живопись. Под редакцией Н. Барисовской, Л.Яраловой. М: Белый город, 2000
Савинов А.М. Методические принципы учебного рисования как основа теории и практики обучения академическому рисунку//Вестник университета российской академии образования/М.:УРАО,2010,№5 (53).
Скороходько О.О. Афоризмы об искусстве. М.: ПКЦ Альтекс. 2009.
Соколинский В.М. Формирование художника-педагога. Московский Педагогический Государственный Университет. М. 2009         
Чистяков П.П. Письма, записные книжки, воспоминания. М.: Мосиздат, 1953
Школа изобразительного искусства. Том 5. Под редакцией Н.А. Пономарева, М.М. Курилко. М: Изобразительное искусство, 1994.   

Обучение академическому рисунку, художественная студия

 
 
 
 

 
 
Обучение рисунку
 

    Сейчас к нам в художественную студию приходят ученики, родители которых учились читать по книгам, которые проиллюстрированы мною. И я понимаю, как замечательно работало издательство «Детская литература», когда оно издавало миллионными тиражами русскую классику.    

Тогда это казалось обычным делом и, совершенно естественным, рисовать иллюстрации на высоком уровне и оформлять книги, решать концепцию всего макета. А возглавлял издательство главный художник Б.А. Дехтерёв, мой учитель, чью мастерскую я окончила в Суриковском институте в 1972 году.

Оказывается, была очень счастливая пора издательского и творческого дела. Как хочется, чтобы в наше время появились высокие профессионалы — художники. Безвкусица и непрофессионализм возмутительны на полках, заполонивших книжные магазины.

Сейчас родители, воспитанные на моих книгах приводят своих детей и внуков нашу художественную студию и удивляются нашей встрече. Я сама поняла, что в жизни все взаимосвязано, люди, обладающие хорошим вкусом, хотят привить его и своим детям. И это самое лучшее вложение в будущее, как для родителей, так и для детей.

Теперь я понимаю, куда я отправляла мои книги, и сейчас я встречаю радостные глаза своих зрителей у себя в мастерской, но уже вместе со своими детьми и внуками.

 

 

 

Обучение академическому рисунку.

Любая работа, выполненная акварелью или маслом, любой натюрморт, пейзаж, жанровая сцена, начинается с работы над основой академического рисунка — композицией.

С выбора композиционного решения, мы полагаем, что лучше всего заниматься раскадровками, поиска выгодного расположения предметов на листе. Эскизы, поиски, могут быть и обязательно должны быть горизонтального и вертикального расположения, предметы должны находиться как в глубине, так и приближенные к зрителю.

Решение должно быть не только линейное, но и тональное. На начальном этапе поиска удачного расположения натюрморта, пейзажа, желательно увидеть его через видоискатель с полями в 2-3 см. и прищурившись одним глазом.

 

Выбрав удачный эскиз, только тогда мы начинаем его переносить на большой лист. Нам нужно подумать о трехмерности изображения. Нам дана высота, ширина листа и третье, главное, это глубина. Почувствовать глубину листа и это и передать зрителю — цель наших последующих уроков.

Центральные «Главные герои» мы на них смотрим одним глазом и даже прищурившись. Т.е. никаких центральных осей отдельных предметов в построении натюрморта мы сейчас на этом этапе не делаем! Большой массой, мы как скульпторы берущие глыбу глины, мы размещаем на листе общий силуэт всех предметов, как бы слепленных вместе.

Почему мне приходится говорить об этих мелочах — это общая ошибка всех, кто приходит к нам в художественную студию. Если отдельно рисовать предметы с осями на начальном этапе, то трудно их передвигать в листе. А передвигать приходится, потому, что трудно сразу молодому художнику угадать их самое удачное месторасположение.

 

После расположения массы, которая вписывается в «трапециевидные» силуэты, мы рисуем все предметы межпредметными пространствами, очень тонкими линиями. И если мы уверены, что это единственно верная линия очертания предмета, лишь в том случае мы нажимаем на карандаш.

Первый план натюрморта мы рисуем более сильной линией, чем второй и третий.

 

Обучение академическому рисунку, живописи и композиции проводится в мастерской художников по индивидуальной программе с любого уровня подготовки.

Можно принести свои работы, мы укажем, на что надо обратить внимание, как усилить работу в области композиции, покажем схемы построения композиции, подскажем выгодное расположение предметов на листе.

Обучение рисунку включает в себя и обучение композиции, технике построения и штриховки изображаемого.

Мы научим вас как правильно поэтапно вести работу и как эффектно закончить рисунок. Мы покажем как создаются рисунки карандашом классической штриховкой, тушью пером, сангиной, уголем, пастелью, соусом. Научим быстро писать акварелью плоской и круглой кистью. Научим пользоваться спектральным кругом в живописи.

Поговорим об обязательном присутствии в картине дополнительных цветов и другим секретам мастерства. Ни одно печатное пособие, диснанционное обучение не может заменить живого общения мастера с учеником.

Я счтитаю, что обучение рисунку и его технике должно передоваться педагогом при непосредственном общении, это должен показывать учитель своим примером рисования, манерой работы. И как это создается и конечный результат, все должно происходить на глазах ученика — зрителя. И по скольку мы, художники, работающие постоянно, находимся в непрерывном движении своей профессии в поиске как это не высокопарно звучит — совершенства.

Илья Ефимович Репин, учитель моих учителей, очень много показывал своим студентам Академии художеств личным примером как он пишет, рисует. И когда ученик наблюдает и видит каким движением и положением руки, локтя, мизинца достигается тот или иной штрих или мазок и как достигается тот или иной результат в рисунке, только тогда и ученик сможет понить как добиться нужного результата, который требует учитель!

Темп нашей жизни ускорился, у нас нет времени «медленно зреть», учиться на своих ошибках нашим студентам. Роль учителя возросла, по скольку надо передать свой опыт, полученный нами за многие годы, молодому человеку на вооружение. В этом я вижу смысл преподавания. Вот почему наши ученики добиваются хороших результатов, поступают в престижные вузы.

Сохранение наших традиций это наша обязанность, мы учителя старшего поколения являемся связующим звеном между нашим богатым культурным прошлым и будущим.

Волхонская — Чвокова Галина Сергеевна.

 
 
Художественная школа рисования: обучение рисунку, живописи и композиции — Академический рисунок (классический, тушью пером, сангиной, уголь), живопись (акварель, масло, пастель), обучение рисованию, композиция. .. Подготовка во все художественные и художественно-технические вузы и колледжи, в т.ч. Суриковский, Архитектурный, Полиграфический, Текстильный им. Косыгина. Художественная студия — курсы рисунка и живописи. Обнаженная натура. Ню.
 
 

 

 

TAEA — Учебное мероприятие по изобразительному искусству

VASE для старших классов, VASE для младших классов, TEAM и VASE штата — равноправные партнеры в рамках TAEA

Государственные директора VASE с одобрения Исполнительного совета TAEA приняли решение перевести VASE для старших классов и VASE для младших классов на полностью виртуальные мероприятия в 2022 году из-за быстрого распространения COVID в наших сообществах.

участника,

Когда мы начали планировать VASE, мы надеялись, что события будут проводиться лично, с пониманием того, что нам придется следить за ситуацией и корректировать ее по мере необходимости. После нескольких недель наблюдения за ситуацией и получения информации от каждого регионального директора VASE исполнительный совет TAEA и директора VASE штата пришли к выводу, что в интересах наших учителей, сотрудников и учащихся перейти на виртуальную платформу как для средней школы, так и для Junior VASE Региональные соревнования . Это было непростое решение, но необходимое в той ситуации, в которой мы сейчас находимся. Спасибо всем, кто участвовал в процессе принятия решения.

Как и на VASE 2021, все входные материалы будут загружены.И квалификация, и судебное разбирательство будут проходить онлайн. Я знаю, что мы все очень разочарованы отсутствием ценной личной связи и отзывов от присяжных заседателей. Пожалуйста, знайте, что безопасность всех участников является нашей главной заботой.

Мероприятие VASE штата старших классов все еще планируется провести с личным присутствием; TEAM остается виртуальной, как и планировалось. Если обстоятельства потребуют изменений, все затронутые будут уведомлены как можно быстрее. Пожалуйста, направляйте ваши вопросы вашему региональному директору или соответствующему государственному директору VASE для вашего уровня программы.Знайте, что мы продолжим помогать вам, пока будем продвигаться по этому процессу. Спасибо за то, что вы являетесь Сообществом Художников и продолжаете быть Art Strong! TAEA ценит вас.

С уважением,

Государственные директора VASE
Трейси Холл, КОМАНДА
Сюзанна Грин, Юниор ВАЗА
Крис Купер, старшая школа VASE
Эми Семиферо, Государственное мероприятие средней школы

Исполнительный совет TAEA
Уолтер Холланд, президент
Линь Нгуен, избранный президент
Сара Чепмен, исполнительный директор

PS — Если у вашего администратора электронной почты округа есть вопросы о «белом списке» электронных писем VASE для записи учащихся, вам может помочь это письмо от директоров VASE штата.

Для студента Polk. Ваза — это урок настойчивости и адаптации

Опубликовано

Для всех остальных ваза, которую студентка Лаура Хокинс недавно подарила администратору штата Полк, — это именно и только это — ваза.

Для Хокинса, профессора искусств Гэри Бейкера и декана по академическим вопросам Марты Сантьяго, однако, это самодельное, обожженное в печи доказательство того, что нет препятствий — даже сильно ограниченного зрения — которые не смог бы преодолеть целеустремленный студент.

«С тех пор, как я приехал в Полк Стейт, я научился превращать камни преткновения в ступеньки, — сказал 56-летний Хокинс, житель Бартоу. «Каждый раз, когда я поднимаю кусок глины, мне приходится преодолевать. Но я преодолею».

Хокинс сказала, что страдает рядом нарушений зрения, в том числе кератоконусом, заболеванием глаз, которое влияет на структуру роговицы, вызывая помутнение зрения, катаракту и форму дальтонизма, из-за которой она не может воспринимать определенные оттенки синего.

Последнее условие является частью того, что впервые привлекло к ней внимание Бейкера.

Хокинс записалась на онлайн-курс «Искусство для учителей», и у нее возникли проблемы с выполнением заданий, потому что она не могла видеть синий текст на своем экране или в материалах, которые она распечатала для класса.

Она пошла к Бейкеру, расстроенная. Когда он, наконец, понял, в чем проблема, он изменил настройки цвета для материалов курса – так начались долгие отношения между учителем и учеником.

С тех пор Хокинс прошел множество курсов по изобразительному искусству, включая дизайн, рисование, цифровую фотографию I и II и керамику I и II.

Каждый день ее зрение бросает вызов. У нее особые проблемы с расстоянием; даже объекты, находящиеся всего в нескольких футах, трудно различить.

«Что касается ее обучения, я понял, что все, что я показываю другим, я должен приносить версию, которую она может видеть вблизи», — сказал Бейкер. «Если я покажу PowerPoint, я распечатаю для нее слайды.

«Она также использует некоторые устройства, такие как увеличительное стекло, в классе. Из-за ее зрения некоторые вещи занимают у нее больше времени, чем другие, но что бы она ни задумала, она делает хорошо».

Около года назад Хокинс трудился над вазой в классе Бейкера, когда Сантьяго зашел в гости. Несколько минут она разговаривала со студентами, восхищалась их работой и шла своей дорогой, но эта встреча произвела на Хокинса сильное впечатление.

«Она так мило вошла.Для меня было честью показать ей мой проект», — сказал Хокинс.

Хокинс так ценила время, которое уделил Сантьяго, что решила сделать вторую вазу специально для нее. Хокинс даже назвал работу «Марта».

«Я поражен, что она вообще подумала о том, чтобы сделать мне такой замечательный подарок», — сказал Сантьяго незадолго до того, как на прошлой неделе получил вазу в классе Бейкера.

Сантьяго выставит вазу в своем офисе, WSC 101-A в Уинтер-Хейвене штата Полк, и Хокинс надеется, что она будет служить постоянным напоминанием о том, что Колледж меняет жизнь каждый день.

На изготовление вазы у Хокинса ушло больше времени, чем у других учеников. По словам Бейкера, студенты должны были использовать шаблоны, чтобы их проекты были идеально симметричными. Однако из-за ее зрения использование шаблонов оказалось для Хокинс трудным.

При поддержке Бейкер она добавила трехмерные элементы — бабочку, виноградные лозы и цветок — чтобы компенсировать любые несовершенства общей формы вазы.

По словам Хокинса, поддержка Бейкер не в первый раз помогает ей двигаться вперед.

«Профессор Бейкер научил меня принимать то, что иногда искусство — это то, чем оно не является, — лучшая часть в нем», — сказал Хокинс. «Идти со своим проектом и заставить его работать на ваши способности — это лучшая часть».

То, чему она научилась в Полке под руководством Бейкера — просто продолжать идти, делать все возможное и заставить ситуации работать на вас — влияет на все сферы ее жизни.

Хокинс учится на степень бакалавра прикладных наук в области надзора и управления по направлению «Информационные технологии для бизнеса». В дополнение к своим образовательным занятиям она надеется в конечном итоге работать с людьми с физическими и умственными недостатками, помогая им выражать себя через искусство.

Из-за проблем со зрением ни одна из ее целей не будет легкой для достижения, но она не сдастся.

«Мои уроки рисования научили меня делать вещи шаг за шагом, изучать одно, затем другое, и продолжать строить из этого, как строительные блоки. Они научили меня не сдаваться. Я не уйду и получу диплом», — сказала она.

В дополнение к изобразительному искусству штата Полк, в отдел изящных искусств штата Полк входят факультеты музыки и театра колледжа, все из которых пользуются выдающейся репутацией в масштабах штата.

Статьи по теме

Роспись вазы с черной фигурой | Кафедра классики

Чернофигурная техника росписи ваз была изобретена в городе Коринфе около 700 года до н. э. Примерно в это же время коринфские художники-вазописцы начали украшать свои сосуды фризами с животными и случайными мифологическими сценами, и они разработали этот новый стиль живописи для изображения этих мотивов. В этом стиле украшения силуэты рисовались на поверхности кожано-жестких сосудов черным шликером. Детали были добавлены с помощью разреза, который показал цвет глины под ним. Хотя она была изобретена коринфянами, афиняне быстро переняли технику черных фигур и сделали ее своей собственной. Одним из самых замечательных примеров чернофигурной техники росписи ваз является амфора Эксекиаса, изображающая греческих героев Ахиллеса и Аякса, играющих в кости.Эта сцена была настолько известна в древности, что ее копировали более 150 раз.

Как видно из названия, фигуры на этих вазах представляли собой черные силуэты на фоне цвета глины под ними, которая в Афинах была красно-оранжевого цвета. Изготовление чернофигурных ваз было длительным процессом и началось с заготовки глины. Гончары в древних Афинах использовали процесс, называемый левигацией, при котором глина смешивалась с водой, а тяжелые примеси опускались на дно. Этот процесс повторялся до тех пор, пока глина не достигла достаточного уровня чистоты и, следовательно, пластичности. Перед тем, как бросить глину на гончарный круг, глину расклинивали, чтобы устранить пузырьки воздуха. В Древней Греции гончарный круг представлял собой большой деревянный или каменный диск, прикрепленный к оси, которая располагалась на опорной точке на земле. Колесо приводилось в движение рабом или помощником гончара, что позволяло гончару формировать сосуды обеими руками (1). Большинство гончарных изделий изготавливалось в виде секций и придатков, таких как крышки, носики и ручки, которые добавлялись после того, как сосуд высыхал до состояния твердой кожи.

После того, как сосуд высох до твердой кожи, его можно было полировать и/или украшать.Процесс полировки горшка включает энергичное растирание его твердым гладким предметом, например, кожей, деревом или камнем, чтобы уплотнить и сгладить поверхность глины (2). Иногда наносился легкий слой красной охры, и сосуд повторно полировался, усиливая естественный красно-оранжевый цвет глины (3). Затем на поверхности сосуда с помощью древесного угля был сделан эскиз окончательного дизайна. Затем художник по вазам наносил черный шликер на участки, которые нужно было украсить, и использовал острый инструмент, чтобы вырезать все необходимые детали, процесс, который выявлял цвет глины под ним.

После того, как украшение было нанесено, художник по вазам, который иногда также мог быть гончаром, мог добавить дополнительные цвета. Белые, красные и желтые цвета были единственными цветами, способными выдержать высокую температуру гончарных печей. Цвета наносились в соответствии с определенными условностями, развившимися вместе с чернофигурной техникой. Белый цвет, например, использовался для обозначения женской плоти, в то время как мужскую плоть обычно оставляли в черном цвете накладки, хотя иногда ее закрашивали красным.Применение красного и белого цветов можно использовать для создания узоров, таких как полосы на драпировках или ребра на животном (4). Белый цвет можно было использовать для усиления бороды пожилых мужчин, а красный иногда выделял волосы других человеческих фигур или гривы лошадей (5).

После того, как сосуд украшен, он проходит через трехэтапный процесс обжига. Этот трехэтапный процесс обжига, который состоял из цикла окисления, восстановления и повторного окисления атмосферы внутри гончарной печи, был необходим для достижения блестящего черного блеска и сдержанных красно-оранжевых декоративных панелей (6).Трехэтапный процесс происходил в следующем порядке:

  1. Окисление: печь нагревали до 800 градусов Цельсия. Воздух, поступающий через вентиляционные отверстия, позволял кислороду поступать в камеру обжига, и на этом этапе любой налет на поверхности вазы приобретал коричневато-красный цвет, в то время как зарезервированные участки глины обжигались до светло-красного цвета.
  2. Восстановление: все вентиляционные отверстия были закрыты, чтобы снизить уровень кислорода в печи, а температура была увеличена до 950 градусов Цельсия. В дополнение к этим изменениям добавлялись влажные опилки или сырая древесина, что вызывало неполное сгорание.Сочетание удаления кислорода из красной глины и выделения монооксида углерода, а не диоксида углерода, позволило зарезервированным участкам поверхности сосуда превратиться из светло-красного в матово-темно-серый, в то время как покрытые скользкой области поверхности спекались. — процесс, при котором частицы кварца в шликере сплавляются вместе, заключая в себе глину под ним — до глубокого блестящего металлического черного цвета (7).
  3. Окисление: в печь повторно подали кислород, и температура была снижена до 900 градусов Цельсия.Зарезервированные области сосуда поглощали кислород и возвращались к своему красно-оранжевому цвету, в то время как покрытые шликером области оставались черными, потому что спеченная поверхность больше не могла поглощать кислород. Важно отметить, что если температура внутри печи превысит 1050 градусов по Цельсию во время этой третьей фазы, весь горшок повторно окислится, и весь черный цвет будет потерян (8).

Древнегреческие гончары и художники по вазам не имели полного понимания химии, связанной с этими процессами, и не имели инструментов для точного измерения температуры.Таким образом, гончарное производство было процессом проб и ошибок, и, как потребители их искусства, мы можем восхищаться их способностью создавать красивые и функциональные изделия.

Коллекция Художественного музея ТС содержит один образец аттического чернофигурного декора, V век до н.э. lekythos, изображающий две человеческие фигуры, лежащие под продуктивной виноградной рощей.

Сноски

  1. Дуглас Р. Аллен, «Обзор греческих ваз», Музей изящных искусств штата Юта (https://umfa.utah.edu/sites/default/files/2017-10/Greek-and-Roman-Art.pdf), по состоянию на 6 февраля 2019 г. 
  2. Эндрю Дж. Кларк, Майя Элстон и Мэри Луиза Харт,  Понимание греческих ваз: руководство по терминам, стилям и методам  (Лос-Анджелес: Музей Дж. Пола Гетти, 2002 г.): 74.
  3. Кларк, Элстон и Харт, Понимание греческих ваз : 118.
  4. Джон Бордман, Афинские вазы с черными фигурами: архаический период (Лондон: Thames and Hudson, 1975): 198.
  5. Гизела М.А. Рихтер, Справочник по греческому искусству (Лондон: Phaidon, 2006).
  6. Кларк, Элстон и Харт, Понимание греческих ваз : 91.
  7. Кларк, Элстон и Харт, Понимание греческих ваз : 92.
  8. Эндрю Уилсон, «Химия афинской керамики», The Classics Pages (http://www.users.globalnet.co.uk/~loxias/chemistry.htm), по состоянию на 31 января 2019 г. 

Учебное мероприятие по изобразительному искусству — VASE

Художники Crockett выиграли крупный приз на конкурсе VASE 2014

26 февраля 2011 года средняя школа Крокетта приняла участие в школьном мероприятии по изобразительному искусству.Двадцать два произведения искусства получили окружной рейтинг IV (высший рейтинг), а еще 4 получили рейтинг III (второй наивысший рейтинг).

Техасская ассоциация преподавателей искусств

ВАЗА

Учебное мероприятие по изобразительному искусству

УИЛ

26 февраля 2011 г.

Средняя школа Сан-Маркос

 

Медаль IV рейтинга округа (высшие награды)

 

Мария Ариас, 11 «Ми Афан, Ми Аврора» Акриловая картина

Мария Ариас, 11 Акриловая картина «Догма де Фе»

Молли Барнаби-Кирби, 10 лет «Trigger Happy» Изготовление блочной печати

Молли Барнаби-Кирби, 10 «Торт», блочная гравюра

Адриана Бесерра, 10 «Раскрывая тайну» Акварельная картина

Тирни Карри, 10 «В этом есть смысл», смешанная техника

Даниэль Драммонд, 10 «Принятие», рисунок Prismacolor

Ша’Рик Фаган, 12 акварельных картин «В воздухе»

Эшли Эррера, 9 «Автосюрреализм» Картина темперой

Майкл Хьюстон, 12 «Мои мысли» Рисунок тушью

Кевин Крэнг, 11 лет «Велосипед», печатная графика

Леа Луве, 12 лет «Попытка отдохнуть от давления», рисунок Prismacolor

Леа Луве, 12 «Расколотая маска», рисунок Prismacolor

Мэрайя Мехиа, 9 «сюрпризов» рисунок тушью

Трейси Партида, 11 «Доисторический брат» Картина темперой

Трейси Партида, 11 «Сны длятся только одну ночь», смешанная скульптура

Тейт Рейган, 12 коробок, рисунок тушью

Тейт Рейган, 12 смешанных скульптур «Капли»

Флор Сандовал, 12 «Под» смешанная техника

Флор Сандовал, 12 «Скелет», смешанная техника

Пенни Васс, 12 «Видение барокко» Рисунок углем

Пенни Васс, 12 «В моей комнате», рисунок Prismacolor

 

Окружной рейтинг III (высокие награды)

 

Джоселин Домингес, 11 «Диета» Печать печатных форм

Ша’Рик Фэган, 12 «Предки внутри», акриловая картина

Майкл Хьюстон, 12 «Холод», картина темперой

Джасинда Смит, 12 лет «Это безумный мир», смешанная скульптура

 

Учителя рисования

 

Кристина Коро-Диксон Эрин Лейн Дженнифер Нозарадан Джоан Уэлч

 

Художники готовятся к VASE – The Cat’s Eye

В течение этого семестра художники усердно работали над завершением своих шедевров и отправкой их на VASE, Школьное мероприятие по изобразительному искусству. По мере приближения даты подачи 7 января многие студенческие работы почти закончены или готовы к конкурсу.

«[VASE] — это UIL искусства, — сказала преподаватель рисования Линда Гринвуд, — это место, где ученики собираются вместе со своими лучшими работами и уходят с наградой от судьи, чтобы помочь ученикам расти».

Мероприятие VASE способствует творчеству и индивидуальности произведений искусства, над которыми работают художники.

«Это открытый проект, поэтому они могут выбирать, исходя из своих личных интересов и своих любимых способностей, а затем разрабатывать что-то исходя из этого», — сказал Гринвуд.«То, что ищут [судьи VASE], — это то, чего никогда раньше не видели. Что-то настолько оригинальное из сердца художников, где они что-то выражают».

Художники могут показать частичку себя через искусство.

«Ваза — это возможность выразить себя через искусство без суждений», — сказала второкурсница Art II Эшли Канади. «Вы можете выбрать, что делать и что вы должны добавить к своему произведению, чтобы сделать его своим».

В течение семестра было предложено несколько подсказок, чтобы вдохновить художников.

«Только что мы выбросили комбинированные фобии. Они могут объединить две фобии или три, чтобы создать что-то изнутри и выразить значимое сообщение», — сказал Гринвуд. «У нас есть несколько старых книг, которые ученики могут рисовать, рисовать, разрывать на части или складывать вместе каким-то творческим образом, что будет способствовать развитию мышления более высокого уровня, которого мы пытаемся достичь в Искусстве 2. И дань уважения классический художник, чтобы исследовать и посмотреть, какие произведения они создали, и создать основу для этого произведения через творческое оригинальное произведение искусства.

Студенты-искусствоведы вкладывают в свои работы все свои мысли и усилия.

«С VASE вы должны вложить в нее частичку себя», — сказала Канади. «В нем больше эмоций и глубины, чем в других проектах».

Учителя рисования очень рады этому событию в этом году, основываясь на своем опыте прошлых лет.

«Это очень веселый день, когда мы туда доберемся. Мы все приносим закуски, смотрим на произведения искусства со всего региона, у нас появляются идеи и мы делаем фотографии», — сказал Гринвуд.«Это действительно вдохновляющий день».

VASE — соревновательное мероприятие с уровнями продвижения, основанными на критике судей.

— Это страшно, — сказал Гринвуд. «Они должны выступить перед судьей и обсудить элементы искусства и принципы дизайна, а также почему они сделали то, что сделали. Они покажут свой референс на обратной стороне своего художественного произведения, которое показывает, что они работают с оригинальными фотографиями или оригинальными идеями, собранными вместе, чтобы они были оригинальными. Это растущий опыт.

Художники, вошедшие в первую десятку процентов от VASE, продвигаются в штат. Затем первые десять процентов из штата переходят к регионам. И, наконец, первые десять процентов из регионов переходят к Золотой печати.

«Получить Золотую печать — это высшая награда в Техасе для школьного искусства», — сказал Гринвуд. «Мы создаем искусство, чтобы делиться искусством, так что это отличный шанс проявить себя с лучшей стороны».

Предыдущие мероприятия VASE оказались успешными для студентов-искусствоведов Аледо.

«У Аледо успешная художественная программа, — сказал Гринвуд. «Мы соревнуемся с некоторыми из крупнейших школ, и в прошлом году мы забрали 7% побед и получили несколько достижений в штате. Учителя так счастливы, потому что мы видим приверженность и работу, которую вкладывают эти дети, и очень приятно видеть, что они получают признание за это».

Canady была среди тех, кто успешно участвовал в мероприятии в прошлом году.

«В прошлом году подсказка, данная мне, была крайне эмоциональной. Я решил нарисовать девушку, чье лицо было почти идеально нарисовано мягкими линиями.Две детские руки, появившиеся снизу, и две руки, похожие на корни деревьев, исходившие сверху, оттягивали ее лицо, как маску, обнажая череп, нарисованный четкими линиями», — сказала Канади. «Очевидным смыслом этого была маска, которую мы надели для общества. Однако более глубокое, более личное значение заключалось в том, каково было пытаться вести себя храбро, когда на самом деле мой отец проходил через процесс пересадки почки. Было очень важно получить за это высший ранг».

Независимо от результатов прошлого, невозможно узнать или предсказать результаты этого года.

«Из года в год все по-разному, и судьи меняются из года в год, поэтому вы не можете предсказать происхождение судей или то, что они ищут», — сказал Гринвуд.

«Я думаю, что произведения VASE демонстрируют глубину искусства и студентов, изучающих искусство, более глубокий уровень мышления», — сказал Гринвуд. «Это не только развивает их в искусстве и помогает познать себя как личность, но и помогает использовать весь мозг, то есть левую и правую сторону вместе».

заявки на VASE должны быть отправлены в январе.7, а соревнования пройдут 8 февраля в средней школе Бердвилля.

В.А.С.Е. – The Stampede

Учебное мероприятие по изобразительному искусству, также известное как VASE, представляет собой соревнование, в котором старшеклассники соревнуются друг с другом в скульптуре, живописи, рисовании и многих других видах искусства,  из разных средних школ и разных подразделений в сложном соревновании. произвести впечатление на судей, и попытаться сделать это, чтобы заявить.

Ваза — сложный конкурс, требующий много времени и терпения.Все должно быть тщательно спланировано, одна ошибка, и вы вернетесь назад во времени. На завершение художественного произведения ушло около двух месяцев, и участники должны убедиться, что они успевают в школе. Как и в других академических мероприятиях, VASE требует, чтобы учащиеся сдали все классы, чтобы участвовать в соревнованиях.

Джуниор Салли Кейлор работала над произведением искусства, состоящим из игрушечных солдатиков, красок и пианино.

«Я не знаю, это просто пришло мне в голову, и я решил это сделать», — сказал Кейлор.

Ваза, написанная младшей Салли Кейлор

Она использовала цветной карандаш и графит, чтобы завершить свой проект. Нервничая из-за конкуренции, Кейлор хочет, чтобы ее зрители получили из этого определенное сообщение.

«Это показывает, как общество теряет творческий потенциал, а игрушечные солдатики пытаются его вернуть», — сказал Кейлор.

Решив попробовать что-то новое, Джуниор Лилиан Нгуен приняла участие в конкурсе визуальных искусств, написав автопортрет. Не уверенная в том, как сложится соревнование, она чувствует себя вдохновленной, счастливой, напряженной и немного нервной.

«Первый раз на вазе! Пытаюсь уложиться в срок», — сказал Нгуен.

Ее послание судьям состоит в том, что дом всегда ближе, чем вы думаете. Узнав, что для этого потребовалось много работы, она больше всего гордится сердцем.

«Все работы такие потрясающие! Желаю вам всего наилучшего», — сказал Нгуен.

Ваза, написанная младшей Лилиан Нгьюен

Рисунок, основанный на наблюдениях, второкурсница Марисоль Морено использовала перо и немного чернил, чтобы завершить свой проект.

«Расследование наблюдения», сказал Морено

Значение, которое она надеялась донести до своей аудитории.Работая над своим проектом, Морено сначала нервничала, потому что никогда не использовала чернила. В ее голове пронеслись мысли о том, как произведение искусства будет выглядеть в конце. Чувствуя гордость за то, как она показала ценность предметов, Морено научилась лучше пользоваться пером.

«Я думаю, что это будет очень тяжелое соревнование», — сказал второкурсник Далтон Терпин.

Работая с вороньим пером и тушью, Терпин выполнил наблюдательный проект по нанесению чернил. Это произведение искусства, которое требует времени и внимания, чтобы набросать наблюдения художника, которые были сделаны над нарисованным объектом.

«Удачи и пусть победит лучший художник», — сказал Терпин.

 

Шаг за шагом учимся рисовать вазу

Техника рисования вазы является одним из этапов обучения академическому рисунку в художественных учебных заведениях. Учащиеся таких школ рисуют в основном мраморные или гипсовые сосуды. Если вы начинающий художник, выбирайте вазу самой простой формы.

В этом случае лучше рисовать на вертикально расположенном листе бумаги. Однако если у вас невысокая широкая ваза, лист можно расположить горизонтально.

На первом этапе, приступая к задаче, как нарисовать вазу, определяем ось нашего рисунка. Для этого посередине листа отмечают вертикальную линию и, располагая перпендикулярно ей у нижнего края листа, устанавливают положение дна вазы. От этой точки вверх по вертикальной линии определяем высоту вазы. При этом обводкой до верхнего края листа должно остаться место для цветов.

Чтобы понять, как нарисовать вазу, нужно разобраться, из каких частей она состоит.У него может быть выпуклая часть, горлышко, какие-то другие детали. В нашем примере это сферическая выпуклая часть и цилиндрическая шейка. Необходимо определить, на какой высоте начало и конец грифа, где находится наиболее выпуклая часть, и провести через эти точки легкие горизонтальные прямые линии. Это вспомогательные линии, и рисовать их лучше твердым карандашом без нажима.

Далее нам необходимо выяснить соотношение ширины вазы и ее высоты в разных частях, а также отдельных ее частей по толщине между собой.Отметьте на горизонтальных линиях отрезки, примерно равные толщине шеи, выпуклой части. Теперь нам нужно соединить конечные точки этих отрезков тонкой линией, соблюдая симметрию правой и левой сторон объекта.

Разобрались с контурами корабля. Теперь нам нужно подумать, как нарисовать вазу, чтобы она выглядела реалистично. Дно, горлышко изделия и место соединения цилиндрической части со сферической по законам перспективы обычно рисуют в виде эллипса.Удалите лишние линии, которые вы использовали для построения с помощью ластика, и обведите рисунок вокруг контура.

Как нарисовать вазу, чтобы увидеть объемный предмет? Черты формы предмета передаются легкой светотенью. Всегда, применяя тени на картине, сначала решите, с какой стороны падает свет. Места, расположенные дальше от источника света, выглядят темнее, и наоборот. То же самое можно сказать и о вогнутых и выпуклых местах вазы. Обводка, старайтесь повторять линии предмета линиями, хотя возможна и прямая штриховка в разные стороны.Сначала светотенью обозначьте самые вогнутые и самые выпуклые части сосуда и только потом приступайте к детализации.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.