Картины написанные акварелью – 26 современных шедевров акварели

«У акварели есть два врага: страх и стереотипы.»

Мне очень нравится творчество Сергея Курбатова. Сергей относится к категории художников-романтиков. Он видит красоту в самых простых вещах. Его акварели поэтичны и полны историй.

Именно поэтому после мастер-класса Сергея мне захотелось увидеть, как появляются его картины на натуре, чем он руководствуется, как рисует.

«Художник — не тот, кто аккуратно все копирует, а тот, кто умеет интерпретировать! Он видит истории и умеет их рассказать»

Пленэр художников-акварелистов проходит в Выборге каждый год в августе.

В его программе: мастер-классы художников, экскурсии, прогулка на яхте по Выборгскому заливу и общая выставка в галерее или замке.

И конечно, подобные пленэры — это замечательная возможность совместного творчества, обмена опытом, полезных знакомств.

Больше полезных тематических подборок:

izo-life.ru

акварельная история – Ярмарка Мастеров

Обычно я рассказываю про акварельную технику на моих занятиях с учениками. И тут подумала, а почему бы мне не поделиться с вами некоторыми мыслями, наблюдениями и рассказать, чем уникальна акварель и как с ней совладать! Да-да, именно совладать, чуть ниже расскажу, почему именно так.

С одной стороны, мы все знаем акварель, скорее всего, из детства. Может быть поэтому у многих сформировалось мнение, что акварель — простой и не такой «крутой» материал, как, например, масло. А на деле оказывается, что акварельная техника — одна из самых сложных, и чтобы достичь в ней мастерства, нужно учиться, и только со временем она открывает перед художником свои неограниченные возможности и красоту. Чтобы ее понять, почувствовать, нужно время, смелость, терпение и много бумаги 🙂 И оно того стоит!

Не буду с головой погружаться в историю акварели, но про ключевые моменты с удовольствием расскажу.

Акварель — (от франц. aquarelle — водяной, от лат. aqua — вода). Состоит из мелко растертого пигмента, гуммиарабика и декстрина. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу. Еще одна составляющая красок — это бычья желчь. Кстати, некоторые компоненты можно дополнительно добавлять в уже готовые краски, тем самым придавая им определенные свойства.

Китайские акварели традиционно пишутся не только на бумаге, но и на шелке или иной ткани. Наиболее часто встречающиеся жанры акварельной китайской живописи — это пейзажи, цветы, животные. Китайскую живопись узнаешь сразу — по легкости и точности мазка, совершенной гармонии.

Поэтому такие рисунки-свитки можно не только вешать на стену, но и сворачивать в рулон и хранить в специальных футлярах, что сохраняет краски в первозданном виде. Традиционные жанры китайской акварели: пейзаж, цветы и птицы, портрет, анималистический жанр.

А это работы современного китайского акварелиста Chen YuLian, не очень у нас известного.

В Европе акварельная техника вошла в употребление в XV веке, одни из самых примечательных художников периода Возрождения, использующие акварель, — это Альбрехт Дюрер и Антонис ван Дейк. «Заяц» стал хрестоматийной работой, а вот, собственно, и он.

Акварель поначалу не была по достоинству оценена живописцами того времени. Долгое время акварель считалась пригодной только для вспомогательных задач, художники писали ею как темперой или маслом, а ее преимущества воспринимались как недостатки. Зато акварель использовали картографы, путешественники, ботаники, те, кому нужно было делать зарисовки без каких-либо специальных приспособлений, имея под рукой только воду и краску.

И вот пара таких ботанических иллюстраций, созданных итальянским художником Жерардо Кибо в 16 веке.

Расцвет акварельной живописи в Европе, а также в России пришелся на на рубеж XVIII—XIX веков. Многие русские художники использовали акварель, часто для зарисовок, эскизов. Постепенно акварель становилась самостоятельным видом искусства.

Пейзаж Левитана.

Особенно популярна акварельная живопись была в Великобритании, где в 1804 году было создано Общество акварелистов. Акварель стала одной из ведущих техник, дав возможность художникам заниматься исключительно акварелью.

Художник Эдвард Вессан.

Не могу не поделиться замечательными работами современного английского художника Ричарда Торна.

С тех пор акварель расцветала и развивалась. Заняла свое место также и в американском искусстве. Один из любимых художников 20 в. — Эндрю Уайет.

«Не важно, что именно ты делаешь, важно, чтобы все, к чему ты прикасаешься, меняло форму, становилось не таким, как раньше, чтобы в нем оставалась частица тебя» (Э. Уайет).

Я почти не касаюсь современной акварели, так как это длинная и очень интересная история, заслуживающая отдельной главы.

«Делать все самому — большая ошибка. То, что делаю я — только детали, основное творит сама акварель. Масляная живопись — это словно езда не лимузине, а акварель — на феррари. Не та респектабельность — но это, и правда, круто.
Вся моя философия — в одной простой фразе. Просто рисуй» (Д. Збуквич)

Переходя от истории к более практической части, расскажу о том как акварель ворвалась в мою жизнь. Акварель была в детстве, в юности, но даже на первом курсе университета особого понимания ее возможностей не было. Потом мы уже писали другими материалами, почти не трогая водную красочку. Иногда попадались акварели других художников и заставляли останавливаться. Столько природы, какой-то естественной красоты может дать эта краска.

Можно сказать, что акварель вернулась в мою жизнь после рождения первого ребенка, как ни странно. Дефицит времени заставлял использовать каждую свободную минуту с пользой. И акварель позволяла уйти в такой отрыв, она в этом плане очень хороша, нужна всего лишь бумага, кисть, вода и краска. Нет запаха растворителей, краска сохнет быстро, работы легко хранить. Это не в обиду другим материалом, при желании с детьми можно писать и маслом и горячие батики ваять, если есть потребность найдется и время и все остальное. Иногда бывает очень трудно, часто в ущерб другим вроде бы тоже важным делам и сну, но иначе никак. Если именно сейчас в руки хочется взять бумагу или другой любимый материал, то лучше найти время, ведь желание что-то сделать уже дорого стоит и не известно появится ли оно завтра.

А теперь переходим к тому, с чего начинается акварель. И чтобы было понятнее, разберем, в

Акварель часто называют самой непредсказуемой техникой. И в этом есть и ее преимущество и сложность. Получить желаемый результат бывает не просто, исправлений акварель не любит, а порой они и вовсе невозможны. Акварель — краска настоящего момента — как положил, направил, так и будет.

Иногда оказывается, что это непредсказуемость и живая природа краски и есть ее самая большая ценность. Поэтому можно сказать, что акварель — это соавторство воды и человека.

Главная особенность акварели — прозрачность красок. И ключевую роль тут играет вода, а это значит, что многие эффекты и приемы строятся на ее свойствах. Притягательна способность акварели плавно растекаться, смешиваясь с другими оттенками, образуя удивительные цветовые переходы. Акварель позволяет получить тончайшие нюансы полутонов, недоступные никакой другой технике.

Акварель бывает многослойная — такой способ нанесения краски называют лессировка и а-ля-прима, когда краска наносится в один слой. Краской можно работать как по-сухому, так и по-мокрому, предварительно увлажнив бумагу. Большую роль в этом деле играют материалы, особенно бумага. Они должны быть хорошими. На бумаге низкого качества может просто ничего не получиться. Поэтому для укрощения этой самой акварели в первую очередь нужны соответствующие материалы. Если вы только начинаете писать акварелью, выбирайте пусть не самые дорогие, но профессиональные краски, кисти, бумагу. Иначе легко разочароваться, а ведь акварель стоит того, чтобы ее попробовать и получать массу положительных эмоций беря в руки кисть!

Следующая часть моего рассказа будет именно об этом. Подробно расскажу о красках, марках, кистях, бумаге и как в них не запутаться и выбрать необходимый минимум. И перейду к технике и к ее тонкостям.

Спасибо, что уделили свое время началу этой акварельной истории.

И напоследок еще один наш современник, возможно, многим знакомый — Аруш Воцмуш.

www.livemaster.ru

Умиротворяющая акварель

Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Для тех, кто устал от суеты и котиков.

В мире, где на нас ежедневно сваливаются тонны информационного мусора, иногда так хочется отрешиться от всего, вдохнуть полной грудью и остановить свой взгляд на чем-то спокойном, не вызывающем никакого раздражения и дискомфорта.

Мы в AdMe.ru считаем, что лучший отдых для ума и зрения — это погружение в мир искусства. В этом обзоре мы собрали такие работы акварелистов, которые наполнят вас тишиной и станут глотком свежего воздуха в жаркий городской день.

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин «по географическому признаку». Тем не менее, любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. Дюваль пишет картины исключительно акварелью. При этом у него есть своя собственная техника многослойного нанесения краски, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Жаркий полдень Канта Харусаки

Канта Харусаки (

) — японский акварелист, родился в Кумамото, работать акварелью начал в возрасте 32 лет. Харусаки любит писать, используя «wet brush», но сохраняя правильность рисунка. Он умеет мастерски и достоверно передать прозрачнейший легкий цвет,а также свет и пространство. Зрители восхищаются умением художника передать чёткие контуры бликов и листвы, сочетая это с техникой «по-мокрому».

Живая вода Дэвида Драммонда

www.adme.ru

Как написать идеальную картину акварелью

Джессика Браун нашла превосходный стиль и идиллическую обстановку для своих работ. Она живет на старой ферме на холмах Дартмура со своим мужем, двумя маленькими детьми и множеством куриц, свободно гуляющих во дворе, а иногда и в доме. Всего этого она добилась благодаря тяжелой работе.

Со своей первой выставки в 1997 году она ежегодно создавала по 25-30 натюрмортов с изображениями фруктов, птиц, яиц в чаше. Все ее выставки имели большой успех. Учитывая, что на каждую картину необходимо потратить 2 недели, а в году всего 52 недели, трудно представить, как она все успевает.

«Я провожу у мольберта 4-5 часов в день в зависимости от того, сколько у меня получается поработать при дневном освещении. Я знаю, что лампы дневного света неплохи, но люблю работать при натуральном освещении, ведь тени выглядят иначе. Зимой времени на работу у меня меньше», — говорит Джессика.

Джессика Браун практически самоучка. Она унаследовала умение обращать внимание на технические детали от отца — архитектора и краснодеревщика. Ему дочь разрешает критиковать свои работы: «Иногда он смотрит на картину, которой я горжусь, и говорит, что мои овалы неправильные. Я смотрю на них снова и соглашаюсь с ним. Иногда ты так долго смотришь на картину, что больше не видишь её. Помогает еще перевернуть её вверх ногами или поднести к зеркалу, благодаря новому ракурсу ошибки становятся очевидны».

Дедушка Джессики жил в окрестностях Рима. «В возрасте 10-20 лет мы проводили многие часы в музеях и церквях, даже просто чтобы скрыться от жары. Так я многое узнала об истории искусств».

Мысли о том, что труд художника не гарантирует стабильный доход не давали Браун покоя, но сразу после окончания университета она все же стала им. «Пять лет я рисовала лабрадоров, детей, скаковых лошадей, но это не приносило денег в семейный бюджет. Но однажды я наконец-то получила первый гонорар. Это было благодаря одному знакомому, который заказал двенадцать натюрмортов с изображением дичи и овощей для своего ресторана. Так я открыла для себя натюрморты и больше не возвращалась к другим видам живописи. Я подумала:»Вау, это идеально мне подходит. Предметы не двигаются, и я могу сидеть и рисовать так реалистично, как считаю нужным».

Около пяти лет назад Браун написала двенадцать пейзажей для поместья лорда Солисбери в Дорсете в качестве исключения, но обычно это фрукты, еда, предметы быта и иногда мертвые птицы или насекомые.

«Дети приносят мне мертвых бабочек и спрашивают, хочу ли я нарисовать их. Стрекозу с натюрморта с лимоном нашёл наш друг у себя в огороде, а в морозилке у нас мертвый воробей, которого мы нашли в окрестностях пару недель назад».

Советы Джессики Браун:

1. Потратьте как можно больше времени на подготовку композиции и используйте цифровую камеру, чтобы выбрать наилучший вариант.

2. Выбирайте предметы, которые вам нравятся. Я провожу много времени на антикварных ярмарках, в магазинах, а иногда даже нахожу такие вещи в домах своих друзей. У меня большая коллекция керамики и гладкой серебряной посуды, которую я особенно люблю за отражающие свойства.

3. Начните с общего контура и правильного цвета. Затем с использованием глазури прорисуйте тени, основные акценты и, наконец, текстуру. Я предпочитаю глазурное связующее Robertson, с ним слои действительно высыхают за ночь, хотя некоторым цветам, например, Виридоновой (Viridian), требуется больше времени.

4. Я использую акварельные кисти из соболя. Это моя основная статья расходов, так как я плохо ухаживаю за ними. Я знаю художника, который до сих пор пишет кистями своего отца. Он моет их специальным мылом после каждого использования. К моему стыду, мне их хватает на две картины. Сейчас я пользуюсь Winsor & Newton, но готова покупать любые недорогие кисти из соболя. Недавно я открыла для себя магазин Jackson’s Art.

5. Я пишу на деревянных панно, которые делает мой отец. Он же делает мне багеты. Я использую белую грунтовку на масляной основе. Я пробовала писать на гипсе, но это очень длительный и трудоемкий процесс.

6. Смешивайте черный с Ван-Дайк коричневым (Van Dyke Brown) и Ультрамарином (Ultramarine). Я никогда не использую черный из тюбика. Ван-Дайк коричневый (Van Dyke Brown) я предпочитаю от Winsor & Newton.

7. Неаполитанская Желто-палевая (Naples Yellow Pale) очень подходит для теплых акцентов. Белый хорош для бликов на серебряных или металлических предметах, но он слишком холодный и ненатурально смотрится на фруктах.

8. Из зеленых я использую Оливковую зеленую (Olive Green) или Травяную зелень (Sap Green) от Winsor & Newton, у других брендов они слишком матовые.

9. Когда я пишу натюрморты с белым вином, я сначала рисую основу, поверх использую полупрозрачное глазурное связующее и Сиену жженую (Burnt Sienna), чтобы добавить желтоватый оттенок.

Источник: Ссылка

Поделиться статьей:

urokiakvareli.ru

Пишем акварелью: 10 советов для начинающих

С технической точки зрения, писать акварелью просто: разбавляй краску водой да води кисточкой по бумаге – вот и вся премудрость. Так и начинается восхитительное творческое приключение акварелью! Предлагаем вам 10 подсказок, которые помогут избежать основных ошибок и улучшить самые первые результаты.

Читайте также:

1. Высыхая, акварель светлеет.

Пока акварель влажная, цвет всегда будет более насыщенным и темным, и, соответственно, станет более тусклым и бледным, когда высохнет.
Со временем и опытом вы приспособитесь к этой особенности. Если вам не хватает яркости, возьмите больше краски и меньше воды, или нанесите дополнительный слой краски поверх предыдущего.

2. Тестируйте цвета

Акварель сохнет очень быстро, поэтому перед нанесением проверяйте новый цвет на клочке бумаги или на краю вашего листа. Тогда вы будете точно знать, тот ли это оттенок, что вам нужен.

3. Высохшая акварель остается растворимой

Даже если краска на картине высохла, ее все равно можно развести водой. Вы можете смочить ее кисточкой и тогда с нею опять можно работать. Это позволяет исправить огрехи, осветлить какие-то участки, убрав немного краски, или же вмешать туда другой цвет. Но все же это нужно делать аккуратно и в меру, чтобы не повредить поверхность листа.

4. Акварель прозрачна

Да, совершенно прозрачна. Глядя на картину, вы можете видеть все слои краски, которые вы нанесли, так что «закрасить» свои ошибки вам не удастся. Не стоит с этим бороться, просто примите как данность и используйте, как инструмент, не воспринимаю досадной помехой.

5. Двигайтесь от светлого к темному

Поскольку белого цвета в акварели нет, и краску в этом случае заменяет бумага, то обычной рекомендацией в акварельной технике почти всегда будет начинать со светлого, постепенно затемняя работу. Впрочем, не бойтесь экспериментировать – всегда может оказаться, что начинать с темных пятен – это именно ваш стиль.

6. Используйте хорошую кисточку

Лучше иметь одну качественную кисть, чем несколько дешевых, которые деформируются и теряют волоски. Это убережет вас от многих разочарований и испорченных работ. Хорошая кисть держит форму, что позволяет сходу делать красивые мазки, а также удерживает больше краски, а значит, ее реже придется в нее макать.

7. Не добавляйте чересчур много воды

Чтобы избежать чрезмерного смачивания кисти после ее промывания, слегка просушите ее чистой тряпочкой, а лишь потом берите ею краску. Если же вы уже набрали краску, и решили, что краски вам нужно меньше, той же тряпочкой можно снять лишнюю краску, промокнув у самого основания волосков – тогда краска останется на кончике, где ей быть и нужно.

8. Акварельная бумага бывает разная

Под этим названием продается масса разных вариантов. Отличия могут быть в толщине листа, текстуре, гладкости и даже оттенке, не говоря уже о различных форматах листа.

9. Тонкую бумагу лучше натянуть

Чем тоньше лист и чем больше краски вы наносите, тем больше вероятность, что бумага покоробится и пойдет волнами. Этого можно избежать, натянув лист на планшет (как это делать, мы еще расскажем).

10. Используйте жидкую маску и маскирующую ленту

Жидкая маска (frisket) помогает «заблокировать» те места, которые вы не хотите закрашивать, пока не закончите остальные участки. Ее нужно просто нанести на нужные места и дать высохнуть. Затем маску удаляют каучуковым ластиком (но только когда краска полностью высохла). Единственный момент – жидкая маска подходит не ко всем видам бумаги, так что выясните это заранее, иначе средство просто впитается в работу и удалить вы его не сможете. 
Лентой же обычно закрывают края – и они остаются чистыми. 

Удачи в живописи!

masterkrasok.ru

Мир в красках: Акварельные шедевры — Вернисаж: Мир красок классический — ИСКУССТВУ БЫТЬ — Каталог статей

Акварель часто называют самой непослушной, самой капризной краской. С ней трудно работать, ее трудно хранить, она непредсказуема и требует от художника максимальной сосредоточенности. Зато те, кому удалось ее покорить и приручить, знают секрет создания по-настоящему потрясающих работ, глядя на которые задаешься единственным вопросом: «Кому они продали душу, чтобы так рисовать?»

______________________

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс.

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

++++++++++++++++++++++++++

_____________________

Альбрехт Дюрер, «Молодой заяц». 1502

Эту акварель, изображающую сидящего настороженного зайца, Дюрер написал в 1502 году. Тогда ему, чтобы поправить здоровье, пришлось подолгу гулять в окрестностях родного Нюрнберга. Однажды художник подобрал зайчонка, принес домой и решил написать его. Дюрер подолгу разговаривал с ним, пытаясь приручить зверька, чтобы тот спокойно сидел. Но искусная акварель запечатлела настороженную позу зайца, его рыжую взъерошенную шерсть: кажется, он вот-вот убежит. Картина, которая теперь считается хрестоматийной, хранится в венском собрании графических работ Альбертина, в Австрии.

Наталью Гончарову-Пушкину писал акварелью и другой мастер этой техники, Эдуард Петрович Гау, в 1840-х годах. Но известность ему принесли строгие акварельные изображения великолепных интерьеров Эрмитажа и Зимнего дворца.

Сумма, вырученная за картину, превысила ожидания аукционистов почти в два раза, что говорит о неувядающем интересе к акварельной технике и о том, что акварельная живопись занимает особое место в ряду других техник, ни в чем не уступая им.
 

Aрхитектор и художник Том Шаллер (Thomas Schaller) после своей 20-летней карьеры архитектора в Нью-Йорке поселился в Калифорнии, где посвящает живописи целые дни. Уже долгое время он считается одним из лучших архитектурных пейзажистов мира. Шаллер получил огромное количество престижных премий и наград за свои художественные работы. 

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией. 

Гиперреалист Станислав Золадз (Stanislaw Zoladz) родился в 1952 году в Польше, художественное образование получил в Краковской академии изящных искусств. Он начал рисовать акварелью еще в детстве и оттачивал свое мастерство в течение долгих лет. В работах Станислава доминируют природные виды и свет. О присутствии человека напоминают лишь покосившиеся дома на горизонте, старые лодки, заброшенные тракторы. Картины наполнены покоем и умиротворением. 

Слово, которое лучше всего передает стилистику австрийского мастера Бернхарда Фогеля (Bernhard Vogel), — свобода. Главное в его городских пейзажах — не достоверность передачи, а цельность настроения, экспрессия, энергетика. Художник обретает настоящее вдохновение при работе с натурой. Он признает, что отличные пейзажи можно создавать по фотографиям и эскизам в удобной студии. Но только работа на месте придает картинам убедительность. 

Рита Зодке (Rita Zaudke) наполовину итальянка. Она часто приезжала на родину своей матери и вдохновлялась итальянской культурой, живописными деревушками, архитектурными изысками. Ее Италия — солнечная и теплая, залитая светом, наполненная ароматом цветов. Это страна радости и счастья — dolce vita как она есть. 

 
Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов. 
______________________
Источник
 

www.crown6.org