То маслом, то акварелью
Калужский художник Елена Белова рассказала о том, как рождаются ее картины.
-
В мастерской.
Уже с детства судьба начертала ей, девочке, родившейся в творческой семье Беловых, пойти по стопам отца, талантливого скульптора, художника Валентина Белова. Увлеченная, привыкшая к созерцанию окружающего мира, Лена рано взяла в руки кисть и краски. Взрослые говорили ей, что акварель удивительно тонко передает состояние души, красоту родного края. И образы, рождающиеся на листе бумаги под ее рукой, были прозрачны и воздушны. Одаренная от природы, девочка училась художественному ремеслу без особого труда. Все давалось легко. А главным учителем в жизни и непререкаемым авторитетом, на которого хотелось равняться, конечно, был папа Валентин Михайлович.
Впоследствии Елена Белова окончила факультет живописи Московского художественного училища памяти 1905 года, художественно-графическое отделение Московского педагогического университета имени М.
Шолохова. Сейчас преподает рисунок, живопись, композицию и батик в детской школе искусств № 3 города Калуги. Строгая, как педагог, и добрая, как мама, к каждому своему ученику она находит подход, помогая начинающему свой путь в искусстве по-особому почувствовать мир. Старается научить его быть личностью — творческой и незаурядной.
Став известным в Калуге и за ее пределами живописцем, Елена Валентиновна теперь редко может позволить себе взять в руки акварель. Для нее это почти роскошь, сопряженная с приятными воспоминаниями о детстве. Больше художница творит маслом. Но, даже часто работая мастихином с такими сложными, многослойными красками, мастеру удается добиваться все той же легкости исполнения. Пейзажи, сюжетные работы, натюрморты Беловой неповторимы. В каждой картине – загадка, глубина, образность, философия. И каждая – в ореоле невесомой, почти прозрачной дымки. Осень ли, любимая зима с белыми снеговыми покровами, лето… В этом прелесть ее полотен. Они пронзительно лиричны.
— В жизни так сложилось, что в школе преподаю акварель, а в мастерской работаю как художник-живописец маслом. Но люблю пленэры, когда можно писать акварели. Они получаются какие-то особенные, словно невесомые. И даже плохая погода мне не в тягость, а как дополнение. Ведь и серым днем можно увидеть красивое состояние неба или природы. К примеру, совсем недавно на пленэре сделала сразу четыре этюда. Едва забрезжил рассвет, я уже была у реки. Утренний августовский туман, такой холодный, с летящей паутинкой, лег на бумагу. Туман в цвете. Хотелось передать ощущение августа. Показать, что еще лето, но оно уже уходящее. Во всем этом особый смысл. Когда пишешь акварель, рука сама скользит по белому полю листа. Не надо думать, что-то высчитывать, работать карандашом. Детей в художественной школе я, как педагог, учу именно этому. Но в своей маленькой работе я хотела показать чистоту акварели, поэтому получилось этакое летнее «Утро туманное».
Я видела этюды в художественной мастерской Елены Беловой. На них – гармония. Лето, рассвет плывет в розово-золотой туманной дымке, пастельное настроение. Такое ощущение, что не кисточка художника-профессионала коснулась бумаги, а сама нежность. Чтобы ее объяснить зрителю, можно сделать силуэты нечеткими, как бы размытыми. А можно для передачи состояния бросить легкий акцент – одним штрихом прописать веточку на первом плане. И все будет понятно. Как призналась художница, именно такие моменты можно оставить в этюдах. Ведь что такое на самом деле этюд для живописца? Миг: необычно легла тень, луч солнца упал и что-то красиво осветил. А он увидел, восхитился, запечатлел. В общем, летом мастерская для художника – это лес, луг, полный разнотравья, непостоянство речных вод.
Уже потом, в холодное время года, по летним этюдам творец перекладывает на холст… состояние. Хотя это порой бывает нелегко. Нелегко поймать тот лучик света (освещенности) в условиях мастерской, но в этом и заключается труд художника.
К слову, мастерская Беловой, что находится в Доме художника, летом не пустует. Здесь проходят встречи педагога со своими теперь уже бывшими учениками, студентами, приезжающими в гости из художественных вузов Москвы и Санкт-Петербурга, творческие посиделки с клубом авторской песни «Калужские барды», с местными литераторами и даже с космонавтами. На одной из таких встреч, проходивших совсем недавно, лётчик-космонавт СССР, дважды Герой Советского Союза, генерал-майор авиации, художник Владимир Джанибеков оставил свой автограф на… гитаре. Да, сложилась такая добрая традиция: посетившие творческую мастерскую художницы известные гости оставляют на память автографы. Так что на музыкальном инструменте уже успели расписаться поэт Станислав Куняев, космонавты Александр Лавейкин, Юрий Романенко и Владимир Джанибеков.
А вообще свое лето Елена Валентиновна проводит вдали от городской суеты. Сейчас идет реконструкция родительского дома в деревне Горбёнки, где большая и дружная семья Беловых собирается в летние месяцы.
Это очень интересное место расположено недалеко от поселка Товарково Дзержинского района. Там огромные заливные луга Угры, яблоневые сады, а над полями летают аисты словно символ возрождения.
– Я очень люблю эти места. Часто их пишу. Угра, как Пояс Богородицы, меня вдохновляет. Прогулка к реке по Залидовским лугам или на Скифский курган с этюдником – просто фантастика! Ведь это древний памятник археологии. И, пожалуй, единственное место федерального значения в нашей области, которое охраняется государством. По предположению краеведов, в 1480 году здесь происходили события, которые впоследствии стали называть Великим стоянием на Угре. Победа, одержанная тогда русскими ратниками над войском хана Ахмата, положила конец ордынскому игу и дала начало становлению российской государственности. А еще около деревни Свинухово расположено древнее городище, где жили племена восточных балтов. Они обосновались здесь в первые века нашей эры. Возможно, на этом месте находился древний город Залидов, разоренный Ахматом в ходе Великого стояния.
Из окон дома Беловых виден храм, что в соседнем селе Ярлыково. Не случайно он часто появляется на картинах Елены Валентиновны. По сути, это одна из страничек летописи Калужского края. Каменный храм в честь апостола и евангелиста Иоанна Богослова был построен в 1866 году помещиком, гвардейским штаб-ротмистром Никитой Александровичем Воронцом. В богоборческие годы он был разрушен, долгое время пустовал, но сейчас стремительно восстанавливается благодаря стараниям отца Александра и спонсорской помощи одного из местных жителей. Стены храма еще стоят в строительных лесах, но золото куполов уже летит в небо.
— Я не могу упустить этот момент и хожу через поле к храму с этюдником, чтобы оставить на полотнах его возрождение. Уже идет реставрация внешней облицовки, внутренних помещений. Когда случайно узнала, что обновленные купола стоят на земле, вот-вот готовые вознестись, сделала легкую карандашную зарисовку для будущей картины.
Белова активно участвует в проводимых в Калуге и области выставках, выезжает на пленэры.
Ее произведения хранятся в калужской картинной галере «Образ», картинных галереях Малоярославца и Тарусы, а также находятся в частных коллекциях России, Украины, Германии, Франции. В 2009 году Елене Валентиновне было присвоено звание «Заслуженный работник культуры» города Калуги.
Татьяна САВКИНА.
Фото автора.
Андрияка Сергей Николаевич – Академия акварели и изящных искусств
АНДРИЯКА Сергей Николаевич, Народный художник Российской Федерации, действительный член Российской Академии художеств, Художественный руководитель Школы акварели, Ректор Академии акварели и изящных искусств, художник-акварелист, педагог родился в Москве в 1958 году.
Отец, Николай Иванович Андрияка, Заслуженный художник РФСР, преподавал в художественной школе при Московском художественном институте имени В. И. Сурикова. Он оказал большое влияние на становления сына как художника. Мать – Этолия Рудольфовна — переводчик и преподаватель иностранных языков.
Рисовать Сергей Андрияка начал рано, около 6 лет. Под руководством отца тренировал зрительную память, овладевал техникой акварели. Окончив художественную школу, поступил в институт имени В. И. Сурикова; с 1977 (после смерти отца) совмещал учебу с преподавательской деятельностью.
Сергей Андрияка: Мой выбор объединил результат личностного развития и семейные традиции. В детстве я практически не видел отца, который, будучи директором Суриковской школы, просто пропадал на работе. Моим воспитанием занималась мама. С искусством меня познакомила именно она. Лет с четырёх помню, как мы с ней лепили из теста и пластилина, рисовали… Она рассказывала мне сказки и разные жизненные истории и тем самым насыщала мои первые работы каким-то высшим смыслом, который стимулировал фантазию и творчество. Оставаясь один, я спокойно мог играть сам с собой. Телевизор у нас был, но не работал. Мама как-то его сломала, а потом никто не удосужился починить.
Примерно с пяти лет отец стал брать меня на летние плановые практики в Подмосковье. Я видел, как учащиеся рисовали, видел, как на бумаге у них получается отображать красоту природы. Это вдохновляло, хотелось тоже пробовать. Я начал рисовать карандашом, потом акварелью. Лет в семь отец стал обращать внимание на мои рисунки. Он видел, что для меня искусство становится не просто развлечением и игрой. Я жил этим, часами мог рисовать, лепить, не отвлекаясь ни на что более. Папа стал со мной заниматься, не объясняя, как писать, а обращая внимание на красоту – дом, дерево или лучи света. Это давало возможность развиваться фантазии и творческому воображению, восприятию прекрасного. Отец был и первым зрителем моих картин. У нас дома стояло ужасно расстроенное чёрное пианино Мюльбах, которое и служило мне выставочным стендом. Отец, приходя домой поздно вечером, высказывал свои замечания.
В 1977 году он умер, я потерял не только отца, но и учителя. Тогда я только поступил в институт.
Большинство студентов, учившихся со мной, были люди семейные, с училищным образованием за плечами, они чётко понимали, что им надо. Я же, в свои 19 лет, метался в растерянности. Пробовал много всего, вплоть до авангарда, экспрессионизма и модерна. Потом всё лишнее отошло…
Вы знаете историю своей семьи? Кем были ваши предки, откуда пошла такая необычная фамилия?
– Насколько мне известно, по линии отца никто художеством не занимался. Дед был по происхождению греком, а по профессии кочегаром. Он умер в первые послевоенные годы. Бабушка, которую я тоже не застал в живых, была безграмотной и очень набожной. Родом она с Прилук Черниговской области Украины. Слушая службу в храме, она всё запоминала и знала почти всю Библию наизусть. Её уважали, к ней приходили за советом. До 1945 года фамилия писалась по греческой транскрипции «Андриака». В начале войны отец ушёл воевать добровольцем и попал на Второй украинский фронт.
Через год раскрылось, что он художник. Его работы попали во фронтовые газеты. Украинцам было проще произносить и писать «Андрияка». Потом как-то так повелось, стал использоваться именно такой вариант фамилии.
Отец матери окончил Железнодорожный институт в Петрограде, знал несколько иностранных языков. Бабушку он встретил на Северном Кавказе. Она родилась в станице Суворовская. Говорили, что именно в её казацкой семье были художники-иконописцы и даже музыканты.
– У вас большая семья. Как ваши дети воспринимают искусство?
Действительно, я многодетный отец. Для моих детей главный путь воспитания – мой личный пример. Дети видят, как я, приезжая домой, работаю. Старшая дочь Анна очень жалеет, что недоучилась, так как период обучения совпал у неё с переходным возрастом, однако она занимается дизайном одежды, учится в сфере бизнеса и экономики. У старшего сына Фёдора склонность гуманитарная, но он наотрез отказался от художества, хотя, на мой взгляд, у него есть потенциал.
Федор с удовольствием занимается экономикой и техникой. Сейчас он служит на Черноморском флоте. Его сестра Лиза учится достаточно успешно, ей 17 лет. Младшие дочки: Маше – девять, а Соне двенадцать лет. Машенька много рисует и лепит. Вижу себя в ней – она может часами сидеть, у неё нет свойственной детям неуёмной энергии и тяги к смене впечатлений, она спокойно может заниматься творчеством в одиночестве.
Ваш отец, будучи замечательным художником и педагогом, оказал большое влияние на Вас в выборе, если не профессии, то уж жизненного направления несомненно.
Отец умер в 1977 году. К столетию со дня его рождения в 2005 году мы сделали выставку, которая вызвала большой интерес. В 1982 году я закончил Суриковский институт и пребывал в некоторой растерянности. В Союз художников не сразу вступил, в художественном комбинате предлагались скучные заказы. Я решил делать свои персональные выставки. Таир Салахов как-то сказал, что все групповые выставки безлики. А тогда в моде были масштабные всесоюзные, республиканские выставки.
Я решил — пусть будет один зал, но авторский. Моя первая выставка прошла в 1985 году в Звенигороде. Она многому меня научила — видеть собственные картины со стороны, уметь выстраивать экспозицию. К 1994 году у меня было уже 30 персональных выставок. В тот год в Манеже на моей персональной выставке было показано 600 работ. Ещё в 80-е годы появились заказчики. Но были разные периоды, было и затишье. Сейчас наоборот.
После окончания института Сергей Андрияка занимался в Творческих мастерских Академии художеств (1982-1985) под руководством А. М. Грицая и братьев Ткачевых. С 1983 член Союза художников СССР. Активно участвовал в различных выставках, в том числе и за рубежом. В 1985-1989 преподавал в Художественном институте им. В. И. Сурикова. С 1996 заслуженный художник РФ.
Работал маслом, гуашью, темперой, выполнял настенные росписи в технике мозаики, витража, офорта, занимался росписью по фарфору и эмали. Участвовал в реставрации храма Трифона-мученика в Москве.
Почему же, всё-таки, выбор остановился на акварели?
Сергей Андрияка: Объяснить этого никто не может. Это просто сидело во мне внутри. Я писал акварелью с детства. Профессора в Суриковском институте мне говорили: «Есть задание по масляной живописи – вот его надо сделать, а акварель – по желанию». И я делал наброски и эскизы, портреты натурщиков акварелью – всё исключительно по желанию. Потом стал заниматься акварелью более серьёзно. Много писал с натуры, потом по памяти. Кстати, по памяти писал ещё в школе. Старался запоминать главные законы цвета, света, тона, существующие в природе. Со временем появились большие форматы. Стало ясно, что акварелью можно сделать всё, вопреки традиционно пренебрежительному отношению к ней. Повторюсь, что интерес к акварели существовал у меня всегда. Это вещь для меня абсолютно естественная, независимо от ученических заданий. Помню, в Суриковской школе я любил писать по памяти именно гуашью. Тогда я ещё не мог акварелью писать, только очень маленькие работы делал, в открытку размером.
Большие акварели технически не мог делать. Это сейчас я делаю масштабные акварели, соразмерные масштабу замысла.
-Можно ли вообще говорить, что есть именно русская школа акварели?
Великие русские художники работали в акварели: Суриков, Репин, Васнецов, Врубель, Брюллов, Примацци, Соколов, Гау. Они создавали потрясающе выдающиеся вещи. У нас была великая акварельная портретная живопись в первой половине 19 век, на западе такого уровня не было. А вот пейзажная архитектурная акварель за рубежом была посильнее. Были целые национальные акварельные школы: французская, итальянская, испанская, голландская. Огромные объединения художников, которые писали только акварелью. В начале 19 века встречаются полутораметровые акварели. Их писали так же, как и маслом, с той же плотностью и живописью. Были огромные объединения художников- акварелистов, кто-то охоту писал, кто архитектурные виды и т.д. По всей Европе были тысячи мастеров. Мне посчастливилось в 1988 году в Эрмитаже просмотреть все фонды западноевропейской акварели.
Они огромны по объёму. С самого открытия до вечера я всю неделю только и успевал, что перелистывал эти работы. И они прекрасны. Но о них, к сожалению, никто не знает.
Как Вы считаете, Вам лично удалось внести в искусство акварели что-то новое?
– Сложно ответить однозначно. Я целенаправленно и фундаментально занимаюсь акварелью. Маслом я тоже писал не один десяток лет, и у меня тысячи работ маслом, так же как и гуашью я работал и многим, многим другим.
С одной стороны, акварель — это моё восприятие мира, с другой – технические приёмы письма. Технические приёмы лежат в области экспериментов со светом, положением красок и слоёв, с масштабами работ и т.д. Но ведь искусство – это, в первую очередь, видение, а потом техника. Моё творчество – моё восприятие мира. Я своими глазами смотрю на этот мир. Два разных художника могут совершенно иначе изобразить один и тот же предмет, в зависимости от настроения, одухотворённости, личностного восприятия. Картина в отличие от самого хорошего фото – это не механическая фиксация объекта.
Творец только дотронулся карандашом до бумаги – тут же его энергетика, его внутреннее состояние идёт в холст.
Картина, как дитя, живёт своей жизнью. Она уже не зависит от творца. Мне, чаще всего, не интересно, при каких жизненных обстоятельствах писал, скажем, Рубенс. Я чувствую эмоциональный заряд, энергетику картины. Это расскажет гораздо больше, чем сухие факты, прошедшие через века.
Сейчас все пишут одинаково. Акварелисты пишут, как правило, только по сырой бумаге и разводами, краска ложится однослойно, глубина не получается. Акварель может быть самой разной – и расплывающейся и насыщенной. У меня же с детства интерес к цветовой стороне. Я меньше занимаюсь портретом, где рисунок определяющий. Пейзаж мне интересен, мне интересно передавать мимолётность состояния света, влажность воздуха.
Основным занятием художника является многослойная акварельная живопись. Андрияка рисует по памяти, без предварительного рисунка карандашом (кроме сложных архитектурных мотивов).
В работе использует послойные лессировочные прописки (20-30 слоев) по сухой или просохшей поверхности бумажного листа. Белила и другие материалы, кроме акварельных красок, не использует. Высококачественная английская бумага и хорошие краски позволяют сохранять цвет и колористическое богатство акварелей, отличающихся цветовой гармонией и поэтичностью восприятия мира.
Любимые темы художника — сельские и городские пейзажи, натюрморты. Он стремится запечатлеть окружающую жизнь в ее постоянно меняющихся состояниях. Многие работы посвящены архитектуре российских городов (Москвы, Тулы, Коломны, Великого Устюга и др.), а также городов Западной Европы и Америки. В 1995-ом году по заказу московской мэрии художник создал 6-метровую акварельную панораму Москвы 19 века. Цветовой облик города того времени воссоздан благодаря фотографиям из альбома Найденова (1867). В дальнейшем было написано еще несколько акварелей больших размеров, причем, не только пейзажей, но и натюрмортов («Лес», «Цветы и фрукты» и др.
). Работа над этими полотнами позволила художнику сделать ряд открытий в технологии живописно-акварельного процесса.
Сергей Андрияка: …А потом со мной случилась интересная вещь. Я закончил институт, поступил в Мастерские Академии художеств, жил за городом у друзей в Подмосковье. Такое обыкновенной дачное место, никаких сверхкрасот, никаких сказочных далей и горизонтов. И как-то вдруг я стал писать по памяти акварелью то кустарничек, то лужу, то заборчик. Мне хотелось понять, как эта лужа себе ложбинку выбрала, как устроено отражение? Или выхожу из дома — а там по улице какой-то необыкновенный розовый иней. Бегом домой и писать. Год за годом я осваивал технику акварели. Параллельно работал маслом, пытался извлечь максимум цвета, света и возможностей, но масло оказалось тяжёлым, неблагополучным материалом для меня. Это кому-то может показаться странным. Ведь у меня тогда были английские краски «Виндзор ньютон» — 600 тюбиков, и все виды красок, которые выпускал ленинградский завод.
Но я чувствовал, что всё богатство цвета, которое мой глаз видит, всю светоносность, прозрачность – масляные краски не могут передать. Сколько труда надо было приложить, чтобы достичь элементарного эффекта.
И вот в какой-то момент я почувствовал, что именно акварелью можно написать всё! Очень удобный, оперативный и портативный материал, быстро сохнет плюс сохранность. Для акварели нужно два основных компонента: это, в первую очередь, бумага и краски. Удивительная сохранность, если акварель хорошей краской написана на хорошей бескислотной бумаге, на сто процентов хлопковой или льняной. А ленинградские краски были замечательными по всем параметрам. Более того, скажу – остаются самыми лучшими на сегодняшний день! Техническая оснастка завода тогда была минимальной, почти всё вручную там делали да и до сих пор делают. Завод производит множество пигментов по жёстким ГОСТам, более жёстким, нежели те требования, которые западные производители предъявляют к своим краскам! Современные же масляные краски на синтетической основе временем проверены самым негативным образом.
Картины, написанные этими красками в 50-60 годы прошлого века уже осыпаются, потускнели, требуют реставрации. Очень плохо влияют вещества, которые добавляется для ускорения процесса. А на питерском комбинате всё делается как и 100 и 200 лет назад – гуммиарабик, патока, ну, антисептик — получается абсолютно натуральная краска, проверенная столетиями.
А вот совсем молодой Сергей Андриака, сын талантливого художника и педагога, только что получивший диплом, думал ли он когда-нибудь о том, что создаст Школу акварели, обретет учеников и педагогов-единомышленников?
Я об этом никогда не думал. Я об этом мог только мечтать. Я мечтал. Но не о ВУЗе. Я, поначалу, мечтал о школе. О том, что хорошо бы, чтобы была возможность учить художеству по-новому.
В 1999-ом году была открыта Московская государственная школа акварели Сергея Андрияки (с музейно-выставочным комплексом). По настоящее время художник является ее художественным руководителем…Учебные мастерские школы рассчитаны на небольшое количество учащихся.
Рядом с классами расположены мастерские преподавателей. С целью распространения многослойной акварели в смежные прикладные области , такие как роспись по фарфору, миниатюрная эмаль, сочетание акварельной живописи с гравюрой, в школе оборудованы офортная, керамическая, ювелирная мастерские. В музейно-выставочном центре школы экспонируются работы учащихся и их преподавателей, коллекции других музеев.
Сначала Школа акварели, теперь Академия. Никто, даже «заклятый друг» не сможет, не осмелится назвать всё, что Вы делаете, сизифовым трудом. Но я, в сотый раз задаюсь вопросом: Зачем ему, успешному, популярному, состоявшемуся художнику, нужна эта головная боль, зачем ему это нужно?
Мне кажется, самое главное, чем я занимаюсь – это преподавание. Если ты этим можешь принести пользу, то этим и занимайся. На мой взгляд, первый опыт со школой получился очень удачным, школа востребована, эффективность обучения высока. Я и стал заниматься собственно академией потому, что это абсолютно новое художественное образование и в этом новом образовании, которое мы придумали, я вижу — как можно принести пользу.
Я и сейчас в постоянном поиске того, как сделать это образование более эффективным, как выстроить методику и систему.
Если бы не была реализована идея школы, академия бы не родилась?
Моя позиция всегда была такой – надо начинать с малого. Вот если ты начинаешь с малого и не замахиваешься сразу же на очень большое и глобальное, то это получается лучше. Ты как бы себе самому доказываешь, что это может получиться. Когда мы школу только начинали создавать, то, собственно говоря, было все пусто. Нам был дан некий аванс. Было построено здание, приобретено оборудование какое-то минимальное. А вот что будет потом в этом здании, как оно начнет работать, насколько действительно будет востребовано это обучение, насколько оно будет эффективным, как мы выстроим обучение, как пойдут люди и пойдут ли, потому, что людей не обманешь. Они не пойдут учиться туда, где их ничему не научат. Это же очевидно. В первые годы было очень трудно. Но сейчас, когда уже школе 13-й год, можно с уверенностью сказать: мы смогли, школа действительно состоялась.
Сколько огромных выставок мы сделали, показывая людям то, чем мы занимаемся. Это не очковтиральство, не мираж обучения, не обман. Мы показали и доказали, что действительно можем обучать. И мы обучаем. И получается это хорошо. Другое дело, что возник некий тупик. А что дальше? Нужно было, просто необходимо было замахиваться на более значительное, более глобальное. На то, что, собственно говоря, будет венчать всё обучение – как высшее художественное образование. Со всеми вытекающими последствиями.
Говорят: кому много дано, с того очень много спросится.
Наверное, да. Мы и стараемся делать максимум. Но в любом деле главное требование и к себе и к другим: требуя, показывай на личном примере У нас все обучение в школе построена на личном примере. Поэтому, если ты говоришь своим педагогам – надо творчески работать, то ты обязан соответствовать сам этому и быть на уровне.
А способен художник- педагог, талантливый художник- педагог как Вы, как Ваши друзья художники, в школе, а теперь и в Академии за короткое время дать, передать практически 100% своего мастерства?
У нас всё обучение построено на том, чтобы «передать из рук в руки».
У нас нет консультативной системы обучения. Она прямая. Причем, это будет в Академии по всем предметам. Это новые предметы, которых у нас не было. Та же керамика, витраж, мозаика – это всё будет передаваться. Педагог не будет отсылать своих студентов: вы почитайте, вы посмотрите, вы изучите. Педагог обязан поделиться со своими учениками тем опытом, который он имеет. Обязан. И эта обязанность заложена в нашей системе обучения в Академии. Именно обязанность педагога, потому, что никакой другой формы обучения быть не может.
Беседовал Валерий Голубцов
«Акварéль» — происхождение и значение слова
Первые краски на водной основе создали в Древнем Египте, ими расписывали папирусы. Во II веке китайцы изобрели бумагу и стали использовать похожую технику. Художники писали черной тушью, но с помощью воды получали оттенки от серебристо-серого до смольного.В XII–XIII веках бумага распространилась в Европе, а вместе с ней и акварель. С ее помощью создавали миниатюры к книгам и раскрашивали гравюры.
Известным акварелистом был Альбрехт Дюрер. Благодаря обилию разных оттенков животные и растения на его рисунках получались натуралистичными. Самой известной работой Дюрера в этом жанре стал «Заяц».
Художники сами готовили и измельчали краски, поэтому хранили в секрете свои рецепты. Специальные магазины появились в крупных европейских городах только в XVIII веке. Они поставляли краски большими плитами, которые художники разбивали на комочки и растирали с водой. К концу столетия производители начали выпускать готовые краски для мастеров и недорогие наборы для любителей. Акварель также использовали в научных и военных экспедициях, чтобы зарисовывать артефакты, растения и животных, раскрашивать топографические планы.
И только на рубеже XVIII–XIX веков английские художники сделали акварель «серьезным жанром». Томас Гёртин начал использовать ее для больших картин, а Джозеф Тёрнер разработал метод, который экономил время и усиливал эффект пространственной глубины. Он раскладывал по студии рисунки, смешивал на палитре один тон и покрывал им нужные участки на каждом полотне.
Затем художник затемнял краску, добавлял на высохшие работы новый тон и продолжал работать таким образом от светлых оттенков к темным.
Под влиянием Гёртина и Тёрнера мода на акварель началась и в России. Особенно популярны стали акварельные портреты: позировать для них нужно было в разы меньше, чем для масляных. Первым известным российским акварелистом стал Петр Соколов. Портреты у него заказывали представители высшего света и члены императорской семьи.
«Акварель. По-сырому. Как нарисовать дерево акварелью.»
План-конспект урока №8
Тема: «Акварель. По-сырому. Как нарисовать дерево акварелью.»
Предмет: Живопись 4 класс
Цель урока: Создать рисунок дерева в технике акварели по-сырому.
Задачи урока:
1. Познакомить учащихся с техникой работы акварельными красками «по-
сырому», смешивать краски и получать новые оттенки и цвета.
2.Развивать умение мыслить творчески, создавать что-то новое,
оригинальное, видеть прекрасное в обычных вещах, эстетическое
восприятие природы и искусства художников.
3.Развить наблюдательность и воображение, творческую фантазию и
активность, интерес к искусству.
4.Воспитывать аккуратность, чувство прекрасного, нравственно-
эстетическое отношение к миру искусства.
Ожидаемые результаты:
У учеников воспитывается любовь к природе через своеобразие русского пейзажа.
Ученики познакомиться с основами акварельной живописи.
Ученики познакомиться с акварельной техникой «по сырому».
Ученики смогут выполнить базовые упражнения акварельной живописи.
Тип урока: комбинированный.
Оборудование для учителя: видеоролик, презентация, ноутбук, интерактивная доска.
Оборудование для учащегося: акварельные краски Сонет/Белые ночи, кисти акварельные: синтетика/натур круглая с наполненной вершинкой №10 и такелажная №0,бумага плотная (от 270г/м2) акварельная/пастельная белая формата А4, ватные диски, скотч бумажный малярный, пульверизатор.
План урока:
– Организационный момент.
– Постановка задачи.Восприятие.
–Практическая часть. Беседа с учащимися, объяснение материала. Практическая работа.
– Подведение итогов.
Ход урока
Организационный момент.
Приветствие, концентрация внимания, организация рабочего места.
Постановка задачи.Восприятие.
Оглашение темы.
Сегодня мы с вами будем рисовать дерево в технике акварель по-сырому.
Практическая часть. Беседа с учащимися, объяснение материала. Практическая работа.
Смешайте следующие краски на палитре, густо и много.
Вот пример смешивания дополнительных цветов для летнего пейзажа из основных красок.
Сделайте карандашный набросок.
Смочите его ватным диском с водой.
Ваша рабочая кисть №10 с наполненной вершинкой (острая). Начните со светлого зеленого, например оливковкового, а для тени используйте индиго. Пусть краски смешиваются на работе, вносите краску точечно, а не мазками. Кисть должна быть «полной, жирной и тяжелой», набирайте краску всей кистью, не жалейте ее.
Более синим индиго добавьте листву около ствола дерева, несколько капель.
Острый кончик вашей рабочей кисти поможет вам создать ажурный контур кроны. В светлых местах используйте светлые краски, в темных — темные. Крона еще сырая, фон уже почти сухой, поэтому листва по краю будет четкой, но в кроне краска должна плавно смешиваться.
Вот так вы должны обработать край у кроны дерева острым кончиком вашей рабочей кисти.
Густой краской индиго по сырому рабочей кистью сделайте ветви в кроне, дайте краске смешаться с кроной.
Возьмите кисть наполненную чистой водой и резко встряхните ее на крону, как бы ударив воздух, чтобы капли воды сильно ударились об уже прокрашенные места. Вы заметите появляются светлые места на влажной краске. Подождать пока высохнет.Должно получится красиво.
Продолжайте вести работу с темной краской по стволу дерева, также добавляя коричневые оттенки.
Ствол тоже можно побрызгать каплями воды и подождать пока высохнет.
Залейте оливковой краской траву под деревом, а тень можно сделать следующим цветом — кобальт (70%) + лимонный (30%), или более синим индиго.
Обратите внимание что ствол у меня уже высох и тень под деревом смотриться резко.
Для того чтобы тень смотрелась гармонично и естественно, пройдитесь там чистой кистью с водой: кончиком зайдите в тень, остальной частью кисти на ствол, чтобы краска из тени плавно перетекла на ствол.
Я добавила в еще мокрую тень у основания дерева несколько капель темной густой краски.
На заднем плане я дорисовала синеватый холм.
Такелажной кистью я сделала траву. Иногда кисть с краской, иногда с чистой водой.
Обрызгайте пульверизатором крону, так чтобы капельки были как роса, отдельными друг от друга и не образовывали больших скоплений/луж.
Такелажной кистью с густой темной краской нарисуйте тонкие ветви из кроны до тех пор, пока вам не покажется, что работа закончена.
Готовая работа!
Подведение итогов и выставление оценок.
Обратить внимание на усвояемость материала.
Литература:
1.Уиссман П. — Основы акварельной техники (Перевод с английского) — М.: Издательство Астрель, 2010.
2. Форд Д. — Школа рисования. Акварель — «Контэнт», Москва 2011.
3. Гаррисон Х. – Как рисовать пейзажи акварелью. – (Перевод с английского) — М.: Издательство Арт-Родник, 2010.
Рецепт: натуральные акварели профессионального уровня — натуральная земляная краска
Создание собственной акварели позволяет вам создавать невероятно архивную высококачественную краску, которая обладает более яркой яркостью, чем профессиональные акварели в тюбиках, и не содержит наполнителей, консервантов, тяжелых металлов, пигментов на нефтяной основе и токсинов.
И это не может быть проще!
Ингредиенты
или
Дополнительные ингредиенты:
- Эфирное масло гвоздики или тимьяна (консервант)
- Бензоат натрия (более сильный консервант)
- Oxgal (увеличивает поток, не веганский)
2
23
33Смешивание акварельной основы
3Смешивание акварельной основы
Смешайте 1 стакан горячей воды с ½ стакана порошка гуммиарабика. Затем добавьте 1/5 стакана меда или глицерина (чуть меньше ¼ стакана). Чтобы сохранить смесь, добавьте две капли эфирного масла гвоздики или тимьяна. Для более сильного консерванта вы можете использовать пищевой консервант бензоат натрия (1/2 — 1 чайная ложка)
В отдельной посуде смешайте 1 ст. меда с 9 ст. вышеуказанной смеси (1:9).
2.Смешивание пигмента
Смешайте 1 часть акварельной основы с 1 частью пигмента (при необходимости отрегулируйте).
Например, если вы используете 1 ст. акварельной основы используйте 1 ст. пигмент.
Примечание: Каждый натуральный пигмент имеет разные свойства и ведет себя по-разному, поэтому вам нужно будет соответствующим образом настроить его. Например, мы обнаружили, что для Ultramarine Blue требуется немного больше пигмента, чем 1:1, а для Terre Verte требуется меньше пигмента.
Смешайте пигмент и смесь мастихином на стеклянной палитре.
Дополнительно: Для более тщательного смешивания смешайте пигмент и смесь с помощью стеклянного шлифовального станка, совершая круговые движения по краске, затем с помощью мастихина соскребайте краску обратно в ворс и снова размалывайте.
3. Хранение
Храните в герметичных банках или небольших алюминиевых тубах или дайте высохнуть в форме для выпечки или форм.
Примечания
- Если вы храните акварельную основу в течение длительного времени, поместите ее в холодильник, чтобы продлить срок годности. Эти варианты консервантов являются естественными и мягкими, поэтому они не сохранят краски при высоких или комнатных температурах в течение длительного периода времени, как это делают токсичные синтетические консерванты.
Эти варианты консервантов являются естественными и мягкими, поэтому они не сохранят краски при высоких или комнатных температурах в течение длительного периода времени, как это делают токсичные синтетические консерванты.Советы художникам
- Добавьте 2 капли бычьей галлы, чтобы усилить растекание краски. Добавьте 24 капли глицерина, чтобы усилить поток и добавить яркости.
- Если лепешки трескаются при высыхании, запишите цвет и в следующий раз добавьте больше раствора гуммиарабика. Кроме того, помогает добавление нескольких капель глицерина.
Больше визуалов? Ознакомьтесь с нашим уроком по акварели «Яркая Земля»!
Об ингредиентах:
Мед:
Мед является увлажнителем, который помогает краске удерживать влагу и повторно увлажняться после высыхания.
Мед также является естественным консервантом и пластификатором, а это означает, что он увеличивает гибкость гуммиарабика (хрупкое связующее вещество от природы) и предотвращает растрескивание на сковороде после сушки.Жидкий мед лучше, чем более твердый.
Гуммиарабик:
Гуммиарабик представляет собой водорастворимую камедь, которую извлекают из дерева акации и действует как клей, связывающий пигмент.
Глицерин:
Как и мёд, глицерин является увлажнителем и пластификатором, который можно купить в аптеке (это обычный ингредиент средств по уходу за кожей). Я использую и мед, и глицерин в своем связующем, потому что считаю, что слишком много меда делает его очень липким, но либо глицерин, либо мед будут работать сами по себе.
Гвоздичное масло:
Натуральное антибактериальное и противогрибковое средство, гвоздичное масло является отличным консервантом, предотвращающим плесень краски.
Хотите узнать больше рецептов с продуктами Natural Earth Paint? Посетите нашу страницу Рецепты !
Подпишитесь на нас в Instagram, Facebook и Pinterest, чтобы получать больше вдохновения от природы.
Набор натуральной акварели — Натуральная земляная краска
Описание Технические данные видео ПеревозкиСделайте свои собственные нетоксичные и яркие акварельные краски профессионального качества с помощью нашего набора Natural Watercolor Kit ! Этот набор содержит материалы, необходимые для создания акварельных красок, не содержащих токсичных консервантов, добавок, тяжелых металлов и пигментов на нефтяной основе, присутствующих в обычных красках.Наши простые и проверенные временем ингредиенты объединяются для создания архивной краски с превосходной яркостью и укрывистостью. Просто добавьте мед или глицерин!
Наш набор Natural Watercolor Kit включает:
- 3 унции. пакет гуммиарабика
- 7 формочек для акварели (29 мм x 19 мм x 10 мм)
- 7 2 унции. пакеты земляных и минеральных пигментов венецианский красный, оранжевая охра, желтая охра, изумрудно-зеленый, ультрамарин синий, ультрамарин фиолетовый, и жженая сиена
- Полные инструкции по смешиванию
Посетите нашу страницу рецептов натуральной акварели , чтобы получить инструкции и видеоурок по смешиванию и хранению акварельных красок.
Щелкните вкладку Технические данные для получения дополнительной информации.
Веганский и без жестокости. Не предназначен для потребления. Мы отправляем Priority Mail (доставка в течение 2-3 дней) для всех посылок, кроме заказов весом менее 14 унций.
которые отправляют USPS первого класса. Мы отправляем в течение одного рабочего дня после получения заказа, и подтверждение доставки автоматически отправляется с номерами отслеживания USPS для всех посылок.
Все европейские заказы должны проходить через натуральная земляная краска.ком
Мы отправляем по всему миру по всему миру, и доставка USPS оценивается в 8-15 дней. Вы можете понести таможенные сборы при доставке. К сожалению, мы никогда не знаем, когда это произойдет и произойдет ли это — это совершенно случайно.
К сожалению, мы не можем предоставить калькулятор доставки в режиме реального времени на нашем сайте, поскольку это непомерно дорого, но вы можете использовать калькулятор доставки USPS на их веб-сайте, чтобы получить приблизительную стоимость и сроки доставки. Пожалуйста, свяжитесь с нами , если вы хотите приобрести ускоренную услугу , такую как USPS Express.
Купить Рублев Цвета Акварель Онлайн
РУБЛЕВЫЕ КРАСКИ
АКВАРЕЛЬ
Сделана как акварель, которую использовали мастера акварели прошлого.
Рублевские краски Акварельные краски изготавливаются теми же пигментами, которыми пользовались мастера акварели 17-19 веков. Цвета представляют собой настоящие однопигментные краски, доступные поштучно в тюбиках и пирожных.
Мы производим акварель Rublev Colors небольшими партиями, используя гуммиарабик и сахарный сироп, которые были основными ингредиентами акварели прошлых веков.Никаких других добавок, изменяющих характеристики каждого цвета, нет. Акварель Rublev Colors не содержит наполнителей для продления цвета, диспергаторов для диспергирования и гранулирования пигментов и осветлителей для усиления цвета. Скорее, каждый цвет создан для развития своего уникального характера, поэтому они ведут себя почти так же, как цвета прошлых мастеров.
Постоянство
Большинство красок Рублева Акварельные краски имеют рейтинг I или II в соответствии со стандартом светостойкости ASTM, показывая незначительные изменения в акварели или их отсутствие.Изделия с III категорией светостойкости могут быть достаточно светостойкими, если они снабжены дополнительной защитой от УФ-излучения.
Окрашивание
Окрашивание — это характеристика, которая затрудняет удаление краски с бумаги после ее нанесения. Менее окрашивающие цвета могут быть удалены почти полностью при намокании или повторном увлажнении, а затем сняты чистой влажной кистью и промокнуты бумажным полотенцем. Окрашивание во многом зависит от бумаги и размера частиц пигмента.Окрашивание усиливается при использовании диспергаторов, поскольку они встраивают частицы пигмента в волокна бумаги, притупляя конечный цвет. В то время как большинство марок акварелей содержат диспергаторы, в акварелях Rublev Colors Watercolors их нет; поэтому окрашивание сведено к минимуму.
Грануляция
Грануляция – это появление видимых частиц пигмента в наносимом цвете, особенно когда краска разбавляется и наносится влажной кистью.
Флокуляция
Флокуляция — это слипание частиц пигмента, типичное для некоторых цветов, например ляпис-лазури.И грануляция, и флокуляция создают тонкие эффекты по мере высыхания краски и считаются желательными опытными акварелистами. Тенденция коммерческой акварели состоит в том, чтобы подавить текстуру пигмента в пользу однородных цветовых пятен. Многие пигменты, используемые в акварелях Rublev Colors, состоят из крупных частиц и создают эффект грануляции естественным образом без использования добавок.
Узнайте больше о Стойкости и совместимости акварелей Rublev Colors.
Представляем сверхтонкие акварельные краски Lutea на растительной основе
Органические, редкие и экологически чистые акварели: это новое видение в мире художественных красок. Серия Lutea Extra Fine Plant-Based Watercolour , изготовленная с использованием лучших пигментов из натурального сырья, настолько уникальна, насколько это желательно.
Доступный в 12 цветах в тюбиках по 9 мл, дальновидный бельгийский бренд Lutea предлагает удивительную возможность заново открыть для себя редкие и красивые органические цвета, полученные из благородных растительных материалов со всего мира.
«Цвет был частью нашего наследия и нашей экономики на протяжении многих веков», — говорит Анн-Сильви Годо, Основательница Lutea , которая является пионером того, что однажды может стать революцией в области органических красок. Твердо нацелившись на создание альтернатив традиционным, ненатуральным краскам, отличительной чертой Lutea является возрождение и прославление драгоценных материалов и цветов, которые мало-помалу исчезли с момента установления индустриальной эры.После искусственного синтеза ализарина (красный пигмент, присутствующий в корне марены) в 1869 году немецкими химиками, к началу прошлого века культуры растений для получения пигментов в значительной степени исчезли.
Основательница компании Lutea Anne-Sylvie Godeau с органически выращенным индиго в Бельгии
Ассортимент Lutea предлагает яркие акварельные краски с превосходной светостойкостью (оценка от хорошей до очень хорошей (5–6) согласно сертификату французской лаборатории Green’ing). Эти акварели, от марены до индиго, предлагают уникальную возможность заново открыть для себя естественные цвета, которые вошли в историю искусства.
Индиго
Прежде чем вручную заполнить тюбик объемом 9 мл, краски Lutea проходят длительное приключение. Пигменты линейки Lutea были выбраны благодаря их высококачественным красителям и светостойкости и являются результатом обширных исследований и разработок органических красителей. После того, как пигменты были извлечены из растений под наблюдением и опытом ремесленника Анны-Сильви Годо, измельченные пигменты затем тщательно смешиваются с связующими веществами высочайшего качества (гуммиарабик, глицерин и мед), руководствуясь исследованиями Изабель Рулоф.
Полный ассортимент из 12 цветов включает в себя натуральное сырье, полученное из культурных растений, собранных растений, переработанных растений, международных растений и одного насекомого, выращенного в таких частях мира, как Иран, Канада и родная Бельгия.
Измельчение фиалки из бревна и включение ее в связующие вещества происходит в лаборатории Изабель Рулоф Isaro Lab , которая специализируется на производстве масляных и акварельных красок
.Ремесленное, устойчивое производство является пробным камнем Lutea.Речь идет также об инновациях: использование методов экстракции для выделения новых растений, семейство пигментов которых позволяет получать краски отличного качества. Хотя стоимость Lutea выше, чем у большинства акварельных красок, она отражает органическое происхождение материалов, используемых для создания этих сложных и совершенно уникальных акварелей, а также строгий практический процесс, необходимый для получения пигментов.
12 уникальных цветов дают возможность создавать смеси, которые невозможно получить с помощью синтетических красок.
Для тех, кто хочет добиться значительного распространения пигмента, мы рекомендуем добавлять бычью желчь в воду при покраске. Эти акварельные краски совместимы с синтетическими и минеральными акварельными красками.
Мы рекомендуем хранить Lutea: очень тонкие акварели на растительной основе при температуре ниже 25°C, так как эти органические и живые акварели нежны и должны храниться вдали от источников тепла, а тюбики должны быть закрыты после использования.
Художница Кристин Холланд тестирует Lutea: экстратонкие акварели на растительной основе
Британская художница Кристин Холланд экспериментировала с акварелями Lutea и делится своим опытом:
«Я решил использовать ограниченную палитру, чтобы бросить вызов глубине и тональным качествам цветов, используя темно-зеленый, желтый, красный и оранжевый.Поскольку одним из главных уникальных моментов в красках является то, что они получены из органических и природных источников, я подумал, что было бы интересно нарисовать все, из чего сделаны пигменты.
Оранжевый пигмент сделан из Cosmos Sulphureus, растения, произрастающего в Мексике и Центральной Америке, поэтому я подумал, что это будет хорошей отправной точкой для тестирования цветов.
При первом выдавливании цветов в палитру я заметил, насколько плотным был пигмент. Пигмент хорошо смывается, его хватает на долго.Я привык работать с густыми, непрозрачными акварельными красками, а также использовать их довольно сухими, так что это было небольшим изменением, так как пигменты довольно прозрачны. Они очень легко смешивались друг с другом, они довольно быстро высыхали, а при повторном увлажнении слегка гранулировались, и их было не так легко смешивать друг с другом. Я обнаружил, что цвет при высыхании становится довольно матовым и немного теряет свою яркость – однако это вполне нормально для некоторых акварелей. Я смешал Lutea Watercolors с Winsor & Newton Opaque White , они очень хорошо смешивались друг с другом, и я смог еще больше усилить тональные качества пигментов.
Я обнаружил, что пигменты очень хорошо снимаются при минимальном трении, что идеально подходит для сохранения целостности бумаги. В целом, я думаю, что это отличный выбор для тех, кто ищет естественную альтернативу своим пигментам — они интенсивные, пигменты действуют долго и поэтому будут держаться долго!»
Тестирование некоторых характеристик Lutea
Линейка красок Lutea : Extra Fine Water-Based Watercolours доступна в 12 цветах в тюбиках по 9 мл.
Тестирование проводилось на бумаге Arches Aquarelle и бумаге Bockingford с шероховатой текстурой.
12-цветная гамма немного ограничена, с хорошим выбором теплых цветов, но есть только один синий, сероватый. Обе зелени коричневатые.
Акварельные краски Lutea легко смешиваются с водой, обеспечивая ровный цвет на кисти.
Слева 12 цветов, мокрые. Правильно через 20 минут, после высыхания.
Как и ожидалось, поскольку все они основаны на растениях, в них нет грануляции.
Цвета очень хорошо наслаиваются, большинство цветов не сильно осветляются после высыхания, синий немного осветляется.
Lutea Blue наносился поэтапно. Затем, когда все высохло, сверху нанесли две порции светло-зеленого.
Вы можете смешать прекрасный ярко-зеленый сок, используя синий и светло-зеленый.
Краска Lutea хорошо растекается сама по себе, но она растекается еще лучше, если вы добавите в воду несколько капель бычьей желчи. Акварельная заливка пойдет дальше и будет меньше четких краев.
Lutea grey — теплый серый цвет. Вы можете смешать холодный серый цвет с розово-розовым и голубым.
Розовый цвет красивый, но не очень сильный. Вы можете смешивать целый ряд великолепных розовых, красных и фиолетовых цветов с красками Lutea.
Облака красиво поднялись из ниоткуда, пока было мокро.
Ознакомьтесь со всей линейкой Lutea : экстратонкая акварель на растительной основе здесь.
Софи Пинчетти
Когда Софи работала в блоге Jackson’s Art Blog, помимо интервью с художниками, она занималась написанием статей, посвященных устойчивому развитию искусства.Сейчас она живет на Амазонке, пишет о творчестве, экологии и духовности.
Лучшая акварельная палитра для журналов о природе
Хорошая акварельная палитра — одно из лучших вложений в искусство, поэтому я покажу вам свою любимую палитру и четыре причины, почему она лучшая!
Когда вы ведете дневник природы или даже рисуете городские зарисовки, вы можете быстрее создавать более привлекательные наброски, если у вас есть акварель.Как оказалось, существует множество вариантов акварели и палитры. Тем не менее, найти хорошую переносную палитру и выбрать подходящие акварели — непростая задача. Вы можете потратить все свое время на поиск нужных материалов, и у вас не останется времени на творчество! Поэтому я помогу вам избежать этой проблемы, показав вам лучшую акварельную палитру, которую я нашел.
Давайте углубимся в это. Дайте барабанную дробь!
Лучшая акварельная палитра для зарисовок природы и ведения дневника — это персонализированная палитра Джона Мьюира Лоуса!
Вы можете купить одну из этих палитр на его сайте здесь.Но имейте в виду, что эти палитры изготавливаются вручную и часто заканчиваются, поэтому не забудьте сначала получить свою. Или вы даже можете сделать свою собственную палитру по инструкциям Джона Мьюира Лоуза, потому что он такой замечательный и щедрый парень (подробнее о том, как сделать свою собственную палитру, ниже).
Я использую акварельную палитру John Muir Laws для записи природы.4 причины, по которым это лучшая акварельная палитра
- Вы сэкономите столько денег! Потому что один этот художественный инструмент может устранить необходимость в сотнях и сотнях долларов на другие художественные принадлежности.Вы можете сделать так много комбинаций с 32 акварелями, включенными в эту палитру. Кроме того, акварель настолько концентрирована, что держится долго.
- Отличный выбор цветов! Поскольку профессиональный иллюстратор и натуралист тщательно выбрал все 32 цвета, вы можете не гадать. Поэтому вы можете сосредоточиться на создании искусства и научиться использовать цвета в своих картинах. Большинство красок поступает от Daniel Smith Fine Watercolors, небольшой компании, базирующейся в США, которая по-прежнему заботится о качественных художественных принадлежностях.
- Так организованно и компактно! От расположения цветов до четкой маркировки снаружи этот набор акварельных красок подобран идеально! Есть также зоны микширования во всех нужных местах. Вам не нужно экспериментировать снова и снова, чтобы найти систему, потому что John Muir Laws сделал это за вас. Комплект также достаточно компактен, чтобы поместиться в сумочке или заднем кармане. Это много силы искусства в вашем кармане!
- Проверено в полевых условиях и одобрено детьми! Наконец, эта акварельная палитра была протестирована многими художниками в самых сложных условиях полевой живописи! Джон Мьюир Лоус и я использовали эту палитру в таких местах, как Британская Колумбия, джунгли Амазонки, Серенгети, Руанда, горы Сьерра-Невада и Эквадорский облачный лес. Эта палитра жесткая и выдержала испытание временем.
Эта палитра жесткая и выдержала испытание временем.Еще одна причина приобрести этот набор акварели
Последнее, но не менее важное. Эта акварельная палитра — лучшая, потому что John Muir Laws делится всем процессом ее создания БЕСПЛАТНО на своем веб-сайте! Просто перейдите по этой ссылке. Это доказывает, что он настолько верит в эту палитру, что скорее расскажет, как ее сделать, чем просто попытается заработать деньги. Какой отличный парень!
Посмотрите, какие цвета можно получить с помощью этого набора! Вот диаграмма, которую я сделал, показывающая все комбинации.
Как насчет акварельной палитры для студии?
Если вы хотите получить больше идей о том, что будет хорошо работать в студии, посмотрите это видео
Но какую бумагу мне использовать?
Теперь, когда вы знаете лучшую палитру для ведения дневника природы, вам может понадобиться помощь в выборе лучшего альбома для рисования. Посмотрите этот пост, где я делюсь всеми критериями, которые вам нужно знать, чтобы выбрать лучший альбом для рисования для вас!
Акварель в лесу: руководство для начинающих по рисованию природы | Розали Хейзлетт
Стенограммы 1.
Добро пожаловать в мой класс!: Привет, меня зовут Розали, я иллюстратор, специализирующийся на мире природы. Акварель — один из основных инструментов, которые я использую в своей работе. Я путешествовал повсюду, изображая пейзажи, растения и животных, с которыми сталкивался. Но сегодня мы находимся в моем любимом месте на земле — на ферме моей семьи в Аппалачах, где я вырос. Если вы чем-то похожи на меня, вам нравится проводить много свободного времени на свежем воздухе, и изучение некоторых базовых навыков рисования и рисования является отличным дополнением к этому, потому что вы можете делать крутые снимки, когда находитесь в походе, возвращая их обратно. в свой дом, а затем создайте этот постоянный сувенир о тех временах, которые вы провели на улице.Это также весело, потому что позволяет вам более глубоко соединиться с вещами, которые вы видите на открытом воздухе. В этом курсе мы собираемся превратить вдохновение, которое мы находим на открытом воздухе, в акварельную живопись. Я собираюсь провести вас через все.
Он полностью удобен для начинающих. Даже если вы никогда раньше не прикасались к акварели, не бойтесь. Мы собираемся рассказать, как сделать хороший эталонный снимок, когда вы в походе. Как набросать эту ссылку на страницу, Как найти нужные материалы, которые не опустошат банк, но при этом принесут вам пользу.Как смешивать цвета, чтобы они соответствовали тому, что вы видите на объекте, и создавать слои, детали, все, что вам нужно знать, чтобы создать крутую картину, которой вы будете гордиться. Вы можете рисовать с референсной фотографии, которую вы сделали, или вы можете скачать одну из сделанных мной фотографий, с которых я собираюсь рисовать в этом курсе, если вы хотите следовать шаг за шагом, это тоже нормально. Я так рада, что ты здесь и что тебе интересно акварель. Сделайте себе уютный напиток, и давайте начнем.2. Сбор материалов. Давайте поговорим о материалах, которые вам понадобятся для создания акварельной картины. Удивительная вещь в акварели заключается в том, что это действительно недорогие первоначальные затраты для начала работы, особенно по сравнению с маслом, акрилом или другими материалами для рисования.
В конечном итоге вы можете потратить около 18 долларов за трубку, и это складывается. Акварель действительно недорогая, и вам на самом деле не нужны супер качественные материалы, чтобы создать действительно хорошую картину. Практически все, что вам нужно, это карандаш для рисования…здесь. Вы можете использовать механический карандаш или обычный карандаш для рисования, это не имеет большого значения. Вам понадобится несколько кистей. Обычно я использую четыре кисти. У меня есть один ход, это три четверти дюйма, а у меня есть один ход на полдюйма. Затем у меня есть шесть раундов, а это два раунда. Они не обязательно должны быть точно такого же размера или формы, но это только те, которые мне нравятся. Я думаю, что вы хотите знать о кистях, что если волосы выпадают, когда вы рисуете, это слишком дешевая кисть.Вы не хотите этого, и вы хотите, чтобы он держал свою форму. Другим инструментом, который очень удобно иметь для этого процесса, является ручка Micron или ручка с перманентным тонким наконечником Sharpie.
Неважно, что это за бренд, но что-то с действительно тонким наконечником и постоянным, потому что вы хотите, чтобы, если вы добавите ручку, когда вы добавите воду сверху, она не размазалась так сильно. Далее вам понадобится ластик. Неважно, какой у вас ластик, в основном они делают одно и то же. Я использую оба из них. Что в этом хорошего, так это то, что он называется ластик-замешивание, и если вы разомнете его в руках, он станет более податливым.Это хорошо, потому что, если вы сделали действительно тяжелый набросок и хотите просто облегчить его, вы можете просто кляксу. А вот с этим сделать это немного сложнее. Но любой из них будет работать. Акварель на самом деле существует в нескольких различных формах, поэтому она может поставляться в этих тюбиках, и они, опять же, довольно недорогие. Это краски Виндзор и Ньютон, или вы можете взять акварель в кюветах. Это акварели под названием Hushwing Watercolors, которые сделала моя подруга Кирстен, они действительно забавны, особенно для землистых тонов.
Тогда это всего лишь дешевый дорожный набор за 25 долларов из акварельных красок Windsor и Newton. Это потрясающе, если вы действительно хотите рисовать акварелью в походе, или на самом деле я просто использую их для всего, потому что они очень удобны. Когда вы закончите, вы просто закроете крышку, и вам не придется убирать беспорядок. Затем, что касается поддонов, если вы используете акварельные краски в тюбиках, вам понадобится место, куда вы будете распылять краску. Я использую в основном этот забавный керамический, который сделал другой человек, которого я знаю. Но вы также можете использовать один из них, и они стоят около 0 долларов.50 в любом художественном магазине или вы можете использовать крышку или что-то в этом роде. Затем иногда мне нравится включать другие забавные материалы. Например, это чернила ручной работы из черного ореха, которые я сделал из деревьев, которые растут прямо на ферме. Это забавно, потому что у него просто есть много разных коричневых оттенков, которые можно создать, чтобы получить действительно насыщенные тона.
Последней вещью были бы бумажные полотенца, я их спрятал, потому что они уродливые. Но вы можете использовать бумажное полотенце, если вам нужно наметить какие-либо ошибки. Хорошо иметь их под рукой, а потом просто любую чашку с обычной водой.Это почти все, что я использую для всего, что я делаю. Это широко открыто, даже если у вас просто есть набор Crayola в вашем доме, когда вам было четыре года, вы можете полностью использовать его, и это действительно не будет иметь большого значения. Суть в том, чтобы потратить время на то, чтобы развить свои навыки работы с акварелью, а не в том, чтобы иметь правильный инструмент или правильный бренд. Это действительно не так уж важно. Я пользуюсь довольно дешевыми кистями, и они мне отлично подходят. Это пара вещей, которые следует учитывать, но не тратьте руки и ноги, пытаясь подготовиться к этому курсу.3. Делаем референсное фото. Каждый раз, когда я выхожу на улицу, даже если это просто прогулка по улице или в парк, я внимательно ищу интересные вещи, из которых, как мне кажется, получилась бы крутая картина.
Если я что-то найду, даже если у меня нет времени, чтобы сесть и набросать картину на месте и в моем скетчбуке, я сделаю несколько хороших эталонных фотографий просто на свой телефон. Мой первый совет — убедитесь, что вы сосредоточены на самом предмете. Я не могу сказать вам, сколько раз я был в походе, и я нашел что-то действительно классное, сделал быстрый снимок, а затем я иду домой и смотрю на фотографию, и фокус был на чем-то другом, например, на странном маленьком листе и эта сторона находится в фокусе.Во-вторых, позаботьтесь о хорошем освещении. Если солнце восходит позади объекта, оно будет освещено сзади и будет больше похоже на силуэт. Вы хотите убедиться, что если вы сможете наклонить свое тело или объект к солнцу, то это будет лучше освещенная картина, и это облегчит ваш процесс рисования в будущем. Затем последний шаг — просто сделать несколько фотографий с разных ракурсов, чтобы вы могли лучше понять объект, и они могут пригодиться, когда вы рисуете позже.4. Карандашный набросок.
Для этой картины я ссылаюсь на фотографию, которую я сделал в Национальном лесу Джорджа Вашингтона в Вирджинии, на великолепном фиолетовом грибе, на котором много действительно крутых капель дождя, и вы можете либо используйте эту фотографию, я собираюсь загрузить ее, или вы можете сделать свою собственную контрольную фотографию, и все эти навыки пересекаются, так что вам не нужно следовать за вами, вы можете заниматься своими делами, если хотите. Теперь мне нужно перенести это на большой экран, иначе я мог бы рисовать с телефона.Это тоже хорошо. Это приятно, потому что вы можете увеличить все детали, и, если вам так удобнее, я часто просто рисую с телефона, что очень приятно. Или вы можете отправить его по электронной почте или сбросить с помощью Airdrop на другое устройство, ноутбук или iPad. У меня есть этот большой iPad только для рисования. Я могу положить его прямо рядом со своей страницей, и это действительно легко увидеть все детали, и это действительно весело, потому что вы можете очень сильно увеличить масштаб и получить все эти детали.
Именно так я делаю множество картин, в которых много деталей.У меня есть прием, который я называю трюком с карандашом, и он помогает мне получить правильные пропорции, когда я выкладываю свой набросок. Я воспользуюсь своим карандашом, или, если у вас есть линейка или что-то прямое, это тоже сработает. Для трюка с карандашом мы возьмем наш карандаш, и я положу его прямо на экран, а затем я пойду и положу карандаш горизонтально и выровняю левую сторону карандаша с левая часть моей ссылки. Я перенесу большой палец на правую сторону. Я принесу это сюда.Я использую свой палец, чтобы попытаться измерить верх и низ, я выровняю их, а затем перенесу это в центр своей страницы. Я просто продолжу использовать свои пальцы, чтобы очень приблизительно понять, насколько велик мой объект. Поначалу это может выглядеть так: «Что, черт возьми, она делает?» Но через некоторое время это становится действительно легко, и вы можете использовать его, чтобы просто убедиться, что вы не растягиваете свой объект, потому что тогда я знаю, что это грубая область, в которой мне нужно нарисовать свой объект.
Если я хочу сделать его немного больше, в этом случае я хочу сделать его немного больше, чем эта область, чтобы заполнить страницу, поэтому я могу просто добавить одинаковое количество места со всех сторон. Тогда это станет моим пространством, в котором я буду рисовать. Затем я собираюсь просто медленно разбить это на разные формы, которые помогут мне понять мой предмет. Я сразу вижу, что эта кепка представляет собой полукруг, поэтому я собираюсь войти и просто очень легко нарисую полукруг. Затем я замечаю, что стержень изгибается вправо в нижней части, что он выходит немного правее центра, когда выходит из-под колпачка.Я собираюсь сделать это изогнутым внутрь и наружу. Это основная форма этого гриба, и она великолепна, потому что очень проста. Затем я возьму свой резиновый ластик или обычный ластик, неважно, и избавлюсь от всех лишних линий, которые мне не нужны. Что-то странное происходит с акварелью: как только вы наносите немного воды поверх графита, она запечатывает ее на странице, и вы не можете ее стереть.
Если я положу это сюда, даже если это будет просто вода, она не будет иметь никакого цвета.Если я позволю этому высохнуть, я попытаюсь стереть его, и он не появится, вода запечатывает его. Мы хотим убедиться, что у нас есть только те эскизы, которые нам действительно нужны, иначе они просто загрязнятся. из графита. 5. Подготовка вашей палитры: я собираюсь начать с моих тюбиковых акварелей и помещать их в палитру, а также немного поговорить с вами о том, как работает акварель. Если вы знакомы с акриловыми красками, вы знаете, что вы можете использовать белый цвет, и он сразу осветлит цвет, или вы можете использовать белый цвет, чтобы исправить ошибки.С акварелью все по-другому, потому что, хотя некоторые наборы содержат белую краску, они мало что дают, они просто меловые, поэтому я просто избавляюсь от белых из своих наборов, избавляюсь от черных и Причина этого в том, что часто, если вы используете черный цвет, он сгладит всю картину, потому что даже теневые области имеют много размеров и цветов, отражающихся там.
Если вы избавитесь от черного, то сможете создать замену, используя самый темный синий и самый темный коричневый.Это действительно хорошо, потому что здесь все еще есть намек на окраску, но вы можете получить очень, очень темные оттенки. У меня здесь нет ни черного, ни белого. Это некоторые из цветов, которые я использую, но, как я уже сказал, я довольно небрежно отношусь к своим цветам, я просто использую то, что у меня есть на данный момент. Когда вы начнете настраивать свою палитру, вы захотите использовать крошечную ложку, потому что акварель проходит очень долгий путь, тогда как с другими материалами для рисования, такими как масло или акрил, вы в конечном итоге будете использовать тонны и тонны. .Я мог бы сделать несколько картин, используя всего лишь эту маленькую ложку каждого цвета. 6. Упражнение с образцами цветов. Теперь, когда у меня есть кастрюля с акварельными красками, мы можем научиться смешивать цвета, чтобы начать рисовать. Здесь все становится очень весело. Я собираюсь сделать небольшое упражнение, которое мне нравится делать в начале каждого сеанса рисования, это поможет мне по-настоящему понять свой предмет, потому что я внимательно его рассматриваю.
Я пытаюсь заметить все различные цвета, которые я вижу в объекте, и в то же время я замечаю в нем другие вещи, которые помогают информировать меня о том, как я рисую все это.Но я собираюсь использовать эту акварель горячего прессования, которая мне не очень нравится обычно, но мне нравится использовать ее для некоторых набросков. Я собираюсь сделать маленькие цветовые образцы каждого цвета, который я вижу в моем предмете. Я вижу темно-синий, темно-фиолетовый, немного желтый, немного коричневый. Вы хотите принести немного воды из банки в зону смешивания и сделать там небольшую ложку воды. Затем я окунаю кисть в один из цветов, которые, как я знаю, там есть, но обычно я стараюсь не переходить прямо из тюбика к своей картине, потому что приятно немного поиграть с цветами, и вы можете создать так много разных вариаций только этих основных цветов.Я добавил немного синего в маленький водянистый центр, а затем хочу сделать этот фиолетовый цвет, а в моей палитре нет фиолетового. Я просто играю, я просто немного погружаюсь, и вы заметите, что я смешиваю там другие цвета.
Я думаю, чем более грязным вы будете, тем лучше будут ваши цвета, потому что они более естественны. В мире природы нет чистых цветов прямо из тюбика, в нем есть все эти вариации и нюансы. Быть грязным, быть свободным. Я нахожу, что этот довольно близок к некоторым пурпурным цветам, которые там есть.Я просто собираюсь прийти и сделать небольшой образец этого цвета. Затем я собираюсь сделать более темно-фиолетовый, поэтому я добавляю больше синего и красного, смешивая их, получаю хороший темно-фиолетовый. Я тоже хочу сделать очень светло-фиолетовый. Чтобы сделать что-то светлее, вместо того, чтобы добавлять белую краску, вы просто пропускаете белый цвет бумаги. Затем я думаю, что вижу немного желтого в стебле, поэтому я собираюсь подойти и, честно говоря, я не знаю, как называются эти цвета, может быть, некоторые из них.Я просто говорю, темно-желтый и светло-желтый, потому что я нахожу, что много времени уделяю тому, чтобы точно узнать, как именно называются цвета и какие именно материалы используются, просто затягивает меня, и я бы предпочел просто весело с краской.
Я не слишком зацикливаюсь на «разговорах об акварели». Теперь я хочу получить действительно темные тона этого гриба, поэтому я собираюсь сделать почти черный, используя эту комбинацию темно-синего и темно-коричневого, и вот оно. Я думаю, что это почти все цвета, которые есть в моей теме.Затем процесс использования панорамной палитры очень похож. Вы убедитесь, что ваша кисть достаточно влажная, вы капаете воду на лоток с цветом, который вы хотите использовать, а затем тянете его вверх и вниз в область смешивания. Как видите, я давно не чистил. Мне просто нравится иметь естественный цвет, поэтому я смешиваю все вместе. Если вам нужно, чтобы он был более густым, вы просто продолжаете добавлять все больше и больше пигмента, а затем, если я хочу что-то смешать, скажем, я хочу получить зеленый, желтый, светло-зеленый, я добавлю больше. воды, чтобы расслабить его, а затем принести сюда все вместе.Вам нужно будет продолжать рисовать все больше и больше на протяжении всей картины, потому что она высохнет или вам придется ее использовать, поэтому постарайтесь мысленно отметить некоторые цвета, которые вы используете, но у вас их нет.
чтобы это было точно так, как вы начали рисовать. Вы можете играть с ним, и мы могли бы изменить во всем. Я думаю, вот что в этом такого забавного. 7. Начните рисовать. Сегодня мы изучаем технику, называемую акварелью по сухому. У нас не так много воды на наших кистях, как раз достаточно, чтобы нанести пигмент на страницу, бумага сухая, когда мы начинаем.«Мокрый по мокрому» — это альтернативная форма акварели, когда у вас на кисти много воды, а страница смачивается водой, когда вы начинаете. У меня лично с этим проблемы, потому что я люблю детали, и эта техника с сухим и сухим позволяет мне рисовать почти акварелью. У вас будет тонна контроля, может быть тонна деталей и цветов. Я работаю слоями, поэтому начну с легкого слоя поверх всего. Иногда это будет просто серый цвет. Как видите, здесь я делаю сумасшедшие цвета, потому что меньше всего люблю их сохранять.Я собираюсь закрасить большую часть кепки нейтральным цветом. Хороший серый можно сделать с темно-коричневым, темно-синим, просто добавь много воды, и он осветлится до серого.
Я собираюсь просмотреть все это. Что касается этого, я признаю, что на этой кепке много маленьких белых бликов. Я постараюсь не закрашивать всю область. Я хочу, чтобы часть этого белого сияла. Если вам нужна картина, которая имеет большую ценность или контраст, что означает, что она действительно выделяется на странице, тогда вы хотите оставить одну часть своей картины как можно более белой, чтобы позволить белому цвету бумаги просвечиваться.Затем у вас есть одна часть вашей картины, которая должна быть максимально темной. Вы создаете действительно темный, насыщенный оттенок и добавляете его так, чтобы он сразу выглядел так, как будто он оживает, а не плоский. Я думаю, что многие люди, работающие с акварелью, как правило, немного робки, и они не хотят делать ошибки, поэтому они в конечном итоге делают действительно размытые акварели, они просто сбрасывают кусты. Это идеальный переход, потому что я хотел поговорить об ошибках с акварелью и о том, что многие люди думают, что вы не можете исправить ошибки, которые вы не можете исправить, которые вы не можете замазать белой краской.
Но я собираюсь показать вам совет, который поражает людей, потому что он позволяет вам взорвать даже довольно серьезные ошибки и начать все сначала. Как только люди попадают в это, они говорят: «Подожди, акварель не так страшна». Это было прекрасно, потому что я только что закрасил все это краской, но я собираюсь показать вам, что произошло бы, если бы это были часы побольше. Я знаю, что ошибся, может быть, что слетела с кисти, а может, я подумал, что хочу что-то там начать, и решил, что не надо. Довольно быстро, увидев свою ошибку, вы можете намочить кисть кучей воды, капнуть ее на страницу, продолжать наливать воду из чашки на ошибку и просто растирать ее.Поскольку акварельная бумага похожа на ткань и представляет собой пучок хлопка, спрессованных вместе, и точно так же, как вы стираете одежду, когда она становится грязной, вы можете стирать бумагу, просто добавляя тонну воды, растирая ее. а потом я использую свое бумажное полотенце, и ты его сразу купил, и оно практически полностью исчезает.
8. Наслоение акварели. После того, как я нанес первый слой, я хочу убедиться, что он полностью высох, прежде чем добавлять новые краски. Затем, как только это произойдет, я посмотрю на свою эталонную фотографию и найду самые темные области тени моего объекта.Я хочу начать медленно, слой за слоем, создавать эти области теней, чтобы к концу рисунка они были красивыми, насыщенными и темными. Я собираюсь смешать цвет, который немного темнее, чем мой первый слой, и я собираюсь добавить более темную краску везде, где я вижу эти тени. Затем я собираюсь смешать очень темный оттенок, используя самый темный синий и самый темный коричневый. Я найду свою самую маленькую кисть и начну делать тонкий контур вокруг моего гриба. Ключевым моментом здесь является то, что вы должны брать кисть так часто, чтобы вы делали пунктирную линию.Это поможет вам избежать эффекта книжки-раскраски со сверхжирными мультяшными очертаниями и сделает рисунок более тонким и естественным. В этот момент вы, вероятно, замечаете, что продолжаете наносить более темные оттенки, а через минуту краска высыхает, и все это выглядит очень размытым.
Вот почему мы собираемся продолжать наращивать слой за слоем, давая каждому слою высохнуть, прежде чем добавлять больше краски. Я хочу убедиться, что мои области выделения красивы и ярко-белы. Но часто часть вашей акварели просачивается в эти области, из-за чего они начинают выглядеть темнее или грязнее.Если это произойдет, это действительно легко исправить. Все, что вам нужно сделать, это наполнить кисть водой и растереть ее по светлым областям, куда вы нанесли немного краски. Затем вы берете свое бумажное полотенце и можете просто поднять прямо на этот пигмент, и он должен подняться. Это может занять пару попыток, но это должно осветлить и вернуть вам ваши блики. Теперь я замечаю, что мой стебель выглядит плоским, и чтобы он выглядел округлым, как в реальной жизни. Я немного осветлю цвет в центре стебля и оставлю края темнее.Это дает мне иллюзию, что мои грибы трехмерны. Теперь я собираюсь смешать еще одну супертемную комбинацию темно-синего и темно-коричневого цветов и оживить свои тени.
Я не собираюсь сдерживаться на этот раз, я буду очень смелым, и я собираюсь пойти дальше и добавить некоторые супер темные детали, потому что чем раньше в процессе рисования вы сможете установить контраст, тем лучше он получится. вне. Хочешь взглянуть на это? Уже все поблекло. Это просто природа зверя акварелью.Мне нужно смешать еще одну темную комбинацию, вернуться к теневым областям и добавить еще один слой. Чтобы убедиться, что есть хорошая естественная градация цветов, я делаю и жду, пока мой последний слой высохнет, а затем я собираюсь наполнить свою кисть просто водой, на этот раз без краски. Я собираюсь провести кистью по этой теневой области, чтобы она перешла в более светлую область. На этом этапе я собираюсь сойти с ума, добавляя пятнышки всех видов разных цветов, чтобы моя картина выглядела очень яркой и веселой.9. Добавление фона: Честно говоря, в первый раз, когда я пытался нарисовать этот гриб, я полностью испортил фон. Это фон, который я пытался сделать, я пытался сделать его похожим на опавшие листья, которые были на моем эталонном фото, это не сработало, поэтому я начал заново.
Для фона вы можете сделать все, что захотите, вы можете оставить его белым, вы можете добавить сплошной цвет на фон или вы можете попытаться сделать что-то из своего воображения, как я делаю сейчас с этим текущим исполнением моего рисование грибов.Мне, кстати, пришлось начинать с нуля, что часто случается со мной и, вероятно, с вами тоже. Но я придерживаюсь всего нескольких лезвий простой кисти, потому что хотел что-то там вернуть, но с первого раза не получилось, поэтому я не хотел повторять эту ошибку. Вы всегда хотите, чтобы ваш фон был на заднем плане и не привлекал слишком много внимания, потому что внимание должно принадлежать вашему основному объекту. Старайтесь не делать что-то слишком сложное, я думаю, что это часть моей проблемы раньше, я пытался сделать слишком много в фоновом режиме.Также постарайтесь подумать о хорошей цветовой гамме, поэтому, если ваш объект более теплого цвета, например, красный, оранжевый или желтый, то, возможно, сделайте более холодные оттенки фона, поэтому, возможно, выберите синий, зеленый или что-то, что будет плавно переходить в другой.
фон. 10. Создание текстуры: [МУЗЫКА] Последним этапом разработки картины является добавление текстур. Таким образом, вы захотите очень внимательно рассмотреть свой объект, супер-зум на этой фотографии или посмотреть вблизи на реальную вещь в дикой природе, чтобы понять все различные текстуры, которые вы можете найти.Затем есть три разных метода, которые я люблю использовать для добавления этих текстур. Первый — использовать крошечную кисть для создания тонких линий. Затем используйте бумажное полотенце, чтобы промокнуть немного краски, чтобы добавить текстуру, похожую на брызги. Затем вы даже можете использовать свою влажную кисть, чтобы бросить краску на страницу, и это создаст действительно классный эффект брызг. Это отлично подходит для листьев, деревьев и тому подобного. 11. Уточнение вашей картины: поздравляю, вы добрались до финальной стадии рисования, если вы чувствуете стресс, прямо сейчас, это совершенно нормально.Многим людям тяжело работать с акварелью, поэтому я хочу, чтобы вы отдохнули, может быть, быстро занялись йогой на полу, зажгли свечу, что угодно, что вам нужно сделать, чтобы помнить, что это все для развлечения, и оно не собирается быть совершенным.
На этом заключительном этапе мы собираемся сходить с ума по текстуре, добавляя всевозможные точки и линии и захватывая все прекрасные несовершенства, которые можно найти в природе. Теперь я собираюсь смешать светло-желтый цвет и применить его везде на моей картине, где я хочу, чтобы это выглядело так, как будто солнце падает на мои объекты.Итак, верх шляпки гриба, верх травы. Теперь я добавляю темно-красный оттенок к теневым областям моей травы. Мы так близко. Теперь мы хотим использовать этот трюк снова с влажной кистью и бумажным полотенцем, чтобы промокнуть любые участки моей световой области, которые стали слишком темными или грязными. Наконец, я вернусь к своей самой маленькой кистью и своему самому темному оттенку, и я просто добавлю немного больше четкости к любым частям картины, которые не выделяются так сильно, как должны. .Та-да покраска грибов завершена. 12. Бонусный урок: Нарисуйте папоротник!: В этом уроке мы будем практиковать все навыки, которые мы только что изучили, и рисовать этот прекрасный маленький папоротник.
Для начала мы используем трюк с карандашом, чтобы получить правильные пропорции нашего папоротника, чтобы начать наш карандашный набросок. Теперь я набрасываю основную форму папоротника. Здесь я считаю, сколько листочков выходит с каждой стороны оси и стебля. Теперь я вхожу и просто примерно указываю, куда идет каждая листовка.Иногда мне помогает быстро сделать пробный набросок, чтобы лучше понять сложную форму, такую как эта маленькая листовка, поэтому я делаю это в стороне, а потом сотру. Теперь я использую свой резиновый ластик, чтобы убрать лишние карандашные пометки, которые мне не нужны. Теперь, когда у меня есть общая форма, я могу пойти и сделать более точный набросок. Это не обязательно, но иногда мне нравится это делать, чтобы не запутаться, когда я начинаю рисовать. Прежде чем я начну рисовать, я собираюсь сделать краткую палитру цветов, просто чтобы ознакомиться с цветами, которые я буду использовать на протяжении всей этой картины.Помните, что не стоит волноваться, если ваша краска станет грязной или если ваша палитра станет грязной, потому что на самом деле, чем более смешанными становятся ваши цвета, тем ближе они будут выглядеть к естественному миру.
Теперь, когда я нашел хороший светло-зеленый цвет, я собираюсь перейти к моему первому слою и просто зафиксировать весь набросок этим зеленым оттенком. Как только этот первый слой высохнет, я собираюсь смешать немного более темный зеленый оттенок, и я также смешаю немного синего с этим, потому что это дает вам хороший глубокий насыщенный цвет теней, и я собираюсь пойти в более темные оттенки моего предмета и сделать его популярным.Когда я просто увеличил масштаб, я заметил центральную жилку, которая проходит через каждый маленький листочек, а затем есть множество других маленьких жилок, которые отходят от этой. Я собираюсь начать с того, что вставлю эту центральную вену на данный момент, а позже я добавлю маленькие, которые отходят от этой. Теперь я заметил, что ось и стебель, идущие по центру папоротника, закруглены, поэтому я собираюсь добавить тень слева и справа от этой оси и стебля, чтобы он выглядел размерный.Здесь я наношу небольшой мазок темно-синего цвета на то место, где листочек выходит из центральной оси, и это просто отделит лист от оси и сделает все это немного более трехмерным.
Увеличив масштаб, я понял, что в верхней части каждого листочка и вдоль оси, идущей посередине, есть немного желтого, поэтому я смешиваю светлый оттенок желтого и просто добавляю во все места, где солнечный свет попадал бы на объект. Потратьте минуту, чтобы заметить любые недостатки, которые вы видите в своем объекте, поэтому для этого папоротника я заметил странное маленькое обесцвеченное красное пятно и отсутствие части листочка.Я обязательно включу их в свою картину, потому что хочу, чтобы она была максимально реалистичной, а в природе много несовершенств, поэтому очень важно их включить. Здесь я вхожу и добавляю маленькие крошечные жилки, которые отходят от центральной жилки в каждом листочке, и вы можете использовать свою микронную ручку или самую маленькую кисть, чтобы сделать эту работу, и для самого последнего шага я беру свою бумагу. полотенцем, и я просто промокаю все оставшиеся влажные пятна на моей картине, чтобы придать ей окончательную текстуру.13. Заключительные мысли: [МУЗЫКА] Большое спасибо, что присоединились ко мне на этом курсе.
Я надеюсь, что вам было весело, вы расслабились и у вас появились новые навыки, которые можно добавить в свой творческий арсенал. Я не могу дождаться, чтобы увидеть, что вы создаете.
9781440328831: Рисование природы акварелью с Кэти Джонсон: 37 пошаговых демонстраций с использованием акварельных карандашей и красок — AbeBooks
Вдохните свежий воздух в свои акварели! Запечатлейте чудеса природы!
От грохота волн до скульптурных пустынь, от великолепных закатов до скромных полевых цветов, от открытий на заднем дворе до экзотических путешествий — мир природы предлагает достаточно вдохновения на всю жизнь! В этой книге один из ведущих современных художников-натуралистов покажет вам, как извлечь из этого максимальную пользу.
В привлекательном формате в стиле скетчбука вы научитесь изображать сокровища природы с помощью акварельных карандашей и красок.
Внутри вы найдете:
- Пошаговое исследование пяти различных ландшафтных тем: леса, воды, луга, горы и пустыни.
- 37 пошаговых демонстраций из двух самых любимых книг Джонсона: Создание природы акварелью и Магия акварельного карандаша .
- Любимые советы Джонсона по съемке различных текстур и объектов, включая растения, деревья, воду, дикую природу, скальные образования, сезонные изменения и многое другое.
- Множество советов экспертов по сбору справочных материалов, сборке собственного полевого комплекта, рисованию людей на природе и многому другому.
«Синопсис» может принадлежать другому изданию этого названия.
Кэти Джонсон написала более тридцати пяти книг, многие из которых посвящены искусству.Она была редактором, писателем и иллюстратором для Художник-акварелист более десяти лет и вела регулярные колонки для этого журнала и Журнал художника . Она начала вести популярный групповой блог Sketching in Nature (naturesketchers.blogspot.com). Она также ведет онлайн-семинары на www.cathyjohnson.info и ведет блоги The Quicksilver Workaholic (katequicksilvr.
livejournal.com) и Cathy Johnson Fine Art Galleries (cathyjohnsonart.blogspot.com). Джонсон живет и работает в Эксельсиор-Спринг, штат Миссури, со своим мужем и кошками.
«Об этом заголовке» может принадлежать другому изданию этого заголовка.
.