История создания повести «Портрет» Гоголя, прототипы героев
Повесть «Портрет» входит в цикл Петербургских повестей
.
В этой статье представлена история создания повести «Портрет» Гоголя, интересные факты о прототипах героев и т.д.Смотрите:
— Краткое содержание повести
— Все материалы по повести «Портрет»
История создания повести «Портрет» Гоголя
Первая редакция
Над первой редакцией повести «Портрет» Гоголь работал в течение 1833-1834 гг. «Портрет» был впервые напечатан в 1835 г. в сборнике «Арабески. Разные сочинения Н. Гоголя».
Переработка повести
После выхода в печать «Портрет» получил отрицательные отзывы критиков, в частности B. Г. Белинского.
В значительной мере под воздействием критики Гоголь переработал повесть в 1841-1842 гг. во время пребывания в Риме. Новая редакция «Портрета» была впервые опубликована в третьей книжке «Современника» за 1842 г.
В новой редакции «Портрет» был напечатан со следующим примечанием от редакции:
«Повесть эта была напечатана в «Арабесках», но вследствие справедливых замечаний была вскоре после того переделана вся и здесь помещается совершенно в новом виде».
Прототипы героев
Среди возможных прототипов гоголевского ростовщика называют известного в Петербурге ростовщика-индейца, которого описывает в своих мемуарах актер П. А. Каратыгин:
«Бронзовое лицо его было татуировано разноцветными красками, черные зрачки его, как угли, блистали на желтоватых белках с кровяными прожилками».В образе художника, живущего в Италии и приславшего на выставку свое гениальное произведение, усматривают черты А. А. Иванова, чей подвижнический труд над картиной «Явление Мессии» стал для Гоголя образцом преданности искусству.
Черты Иванова угадываются и в другом персонаже повести — идеальном старце-художнике, аскетически равнодушном к жизненным благам.
В издателе продажной «ходячей газеты» угадывается Фаддей Булгарин, издатель газеты «Северная пчела». Известно, что в своей газете Булгарин размещал «заказные» статьи наподобие той, что заказал о себе художник Чартков.
Это была история создания повести «Портрет» Гоголя, интересные факты о прототипах героев и т.д.
Смотрите: Все материалы по повести «Портрет»
Портрет (Гоголь) – анализ повести кратко (10 класс)
Анализ «Портрета» Гоголя помогает выявить замысел писателя, а также рассмотреть приемы, с помощью которых Н. В. Гоголь смог передать основную мысль произведения. Данный кратко изложенный материал поможет при подготовке к уроку литературы в 10 классе.
Краткий анализ
Год написания – первая редакция – 1833-1834 гг., вторая редакция – 1841-1842 гг.
История создания – в 1832 г. возникает замысел «Портрета», лишь в 1842 г. Н. В. Гоголь полностью оканчивает работу над повестью.
Тема – искусства, творчества.
Композиция – повесть делится на две части: первая часть, включающая экспозицию, завязку, развитие действия, кульминацию и развязку, повествует о судьбе художника Чарткова, вторая часть, которая написана с помощью приема рассказа в рассказе, повествует о происхождении зловещего портрета.
Жанр – повесть.
Направление – соединение традиций романтизма и реализма.
История создания
В 1832 году Н. В. Гоголю пришла идея создания «Портрета», в 1833 году писатель начал работать над произведением, а уже в 1834 году его закончил. Впервые повесть была опубликована в составе сборника «Арабески» в 1835 году.
После многочисленных негативных критических статей Н. В. Гоголь решает изменить свою повесть: сюжет, имя главного героя, стиль изложения, многие диалоги. Переработка занимает у писателя год: с 1841 по 1842 годы. Отредактированное произведение было опубликовано в известном журнале «Современник» с примечанием о том, что данная повесть не является первоначальной.
Посмотрите, что еще у нас есть:
Тема
Главной темой произведения является тема искусства и творчества. Н. В. Гоголь противопоставляет истинный талант ремеслу. Главный герой Чартков стремится к деньгам и славе, поэтому выбирает путь безнравственности. Материальные ценности оказались для Чарткова важнее творчества, поэтому постепенно он теряет свой талант. Главный герой умирает тогда, когда предает настоящее искусство и губит свой талант. Нравственная смерть влечет за собой физическую.
Другой же художник, который нарисовал зловещий портрет ростовщика, обладает истинным талантом, так как он смог отказаться от материальных благ и уйти в монастырь.
Композиция
Повесть «Портрет» делится на 2 части. Части являются завершенными, но взаимосвязанными между собой. Связующим элементом является портрет ростовщика, приносящий несчастья.
В первой части рассказывается о жизни Чарткова, начинающего художника. Повествование строится от эпизода покупки Чартковым картины до страшной гибели главного героя. То есть в данной части есть экспозиция, связанная с прежней жизнью Чарткова, завязка, связанная с покупкой портрета, развитие действия, связанное с обогащением Чарткова, кульминация, связанная с душевным расстройством главного героя, и развязка, связанная со смертью Чарткова.
Вторая часть рассказывает о зловещем портрете, который так стремятся купить люди. Сын художника, написавшего портрет, повествует о том, какие несчастья принесло это произведение искусства. Композиционно такой прием можно оценивать, как рассказ в рассказе.
Композиционной особенностью повести также является то, что образы и части противопоставлены друг другу. Чартков выбирает коммерческий путь и славу, теряя талант и жизнь, отец художника Б. выбирает истинное искусство, отказавшись от мирской жизни.
Жанр
«Портрет» Н. В. Гоголя в жанровом отношении является повестью. На это указывает одна сюжетная линия, связанная с темой искусства и с образом портрета ростовщика, небольшое количество персонажей и небольшой объем произведения.
Направление
Анализ повести «Портрет» Гоголя невозможен без рассмотрения направления, в котором творил писатель. Работая над своим произведением, Н. В. Гоголь находился между романтизмом и реализмом, поэтому «Портрет» вобрал в себя черты этих двух направлений. От романтизма Н. В. Гоголь взял фантастический мир и прием антитезы. Однако элементы мистики объясняются сном Чарткова, все происходящие события описываются реалистично.
Данная статья, которая поможет написать сочинение «Анализ «Портрета» Гоголя», рассмотрит историю создания повести, ее тему, композиционные особенности, жанр и направление.
Тест по повести
Доска почёта
Чтобы попасть сюда — пройдите тест.
-
Алексей Ожгибецов
9/14
Татьяна Богданчик
11/14
Илья Рейлганов
14/14
Юрий Литовченко
13/14
Влад Демченко
12/14
Елизавета Соловьева
11/14
Мехродж Носиров
14/14
Екатерина Плетнева
13/14
Ева Мещерякова
10/14
Настя Ратиёва
13/14
Рейтинг анализа
Средняя оценка: 4.1. Всего получено оценок: 747.
История создания повести «портрет» гоголя, прототипы героев
Анализ повести «Портрет» (Н. Гоголь) | Литерагуру
Н. В. Гоголь видел Петербург не только как цветущую столицу, чья жизнь полна пышными балами, не только город, где сосредоточены лучшие достижения искусства России и Европы.
Писатель видел в нем концентрат порочности, бедности и малодушия. Обозначению проблем общества северной Пальмиры, а вместе с тем и всей России, и поиску путей спасения был посвящен сборник «Петербургские повести».
В этот цикл включен «Портрет», о котором пойдёт речь в нашей статье.
История создания
Идея повести «Портрет» возникла у писателя в 1832 году. Первая редакция была опубликована в сборнике «Арабески» в 1835 году.
Позднее, уже после написания «Мёртвых душ» и поездки за границу, в 1841 году Гоголь подвергает книгу существенным изменениям. В третьем номере «Современника» новая версия увидела свет.
Обратите внимание
В нем были изменены эпитеты, диалоги, ритмика изложения, а фамилия ведущего персонажа стала «Чартков» вместо «Чертков», что ассоциировалось с чёртом. Такова история «Портрета».
Мотив изображения, обладающего зловещей силой, был навеян Гоголю модным тогда романом Метьюрина «Мельмот Скиталец». Кроме того, образ жадного ростовщика также роднит эти произведения. В образе алчного дельца, чей портрет переворачивает жизнь главного героя, слышны отголоски мифа об Агасфере – «Вечном жиде», который не может обрести покой.
Смысл названия
Идейный замысел произведения кроется в его названии – «Портрет». Гоголь не случайно так нарекает своё детище.
Именно портрет является краеугольным камнем всего сочинения, позволяет расширить жанровый диапазон от повести до детектива, а также полностью меняет жизнь главного героя.
Наполнен он и особым идейным содержанием: именно он является символом алчности, порочности. Эта работа ставит вопрос об искусстве, его подлинности.
Кроме того, такое название повести заставляет читателя задуматься над проблемами, которые раскрывает писатель.
Каким ещё мог бы быть заголовок? Предположим, «Гибель художника» или «Жадность», всё это не несло бы такого символического значения, а зловещее изображение оставалось бы только произведением искусства.
Название же «Портрет» фокусирует читателя именно на этом творении, заставляет всегда держать в уме, а впоследствии, видеть в нём больше, чем запечатлённое лицо.
Жанр и направление
Направление фантастического реализма, заданное Гоголем, относительно мало проявилось в этом произведении.
Здесь нет призраков, оживших носов или иных очеловечившихся предметов, но присутствует некая мистическая сила ростовщика, чьи деньги приносят людям только горе; картина, выполненная в конце его жизни, продолжает страшную миссию запечатленного на ней человека.
Но всем наводящим ужас явлениям, происходившим с Чартковым после приобретения полотна, Гоголь даёт простое объяснение: это был сон. Поэтому роль фантастики в «Портрете» не велика.
Важно
Повесть во второй части получает элементы детективной истории. Автор даёт объяснение, откуда могли появиться деньги, находка которых в начале произведения казалась волшебной. Кроме того, черты детектива имеет и сама судьба портрета: он таинственным образом исчезает со стены во время аукциона.
Изображение характеров капризных клиентов Чарткова, его наивная тяга к безвкусной пышности – всё это приёмы комического, воплощенные в книге. Поэтому жанр повести соотносится с сатирой.
Композиция
Повесть «Портрет» состоит из двух частей, но каждая из них имеет свои особенности композиции. Первый раздел имеет классическое строение:
- экспозиция (быт бедного художника)
- завязка (покупка портрета)
- кульминация (душевное расстройство Чарткова)
- развязка (смерть живописца)
Вторую часть можно воспринимать как эпилог или некий авторский комментарий к вышеизложенному. Особенности композиции «Портрета» в том, что Гоголь использует приём рассказ в рассказе.
Сын художника, написавшего зловещий портрет, появляется на аукционе и заявляет о своих правах на работу. Он рассказывает о непростой судьбе своего отца, жизни алчного ростовщика и мистических свойствах портрета.
Обрамляет его речь торг аукционеров и исчезновение самого предмета спора.
О чем?
Действие происходит в Петербурге. Молодой художник Чартков находится в крайней нужде, но на последние гроши покупает в лавке на Щукином дворе портрет старика, глаза которого «гладят, как живые». С тех пор в его жизни стали происходить небывалые перемены. В одну ночь молодому человеку приснилось, будто старик ожил и высунул мешок с золотом.
На утро в рамке картины были обнаружены золотые червонцы. Герой переехал с лучшую квартиру, приобрел все необходимые для живописи вещи в надежде посвятить всего себя искусству и развить свой талант. Но всё вышло совсем по-другому. Чартков сделался модным популярным художником, а его основной деятельностью стало написание заказных портретов.
Однажды он увидел работу своего товарища, которая пробудила в молодом человеке былой интерес к настоящему творчеству, но было уже слишком поздно: рука не слушается, кисть выполняет лишь заученные штрихи. Тогда он приходит в бешенство: скупает лучшие полотна и зверски уничтожает их. В скором времени Чартков погибает.
Такова суть произведения: материальные блага губят в человеке творческую натуру.
Во время аукциона, когда распродаётся его имущество, один господин заявляет права на портрет старика, который был куплен Чартковым на Щукином дворе. Он рассказывает предысторию и описание портрета, а также признается, что сам он — сын художника, автора этой работы. Но во время аукциона полотно загадочным образом исчезает.
Главные герои и их характеристика
Можно сказать, что у каждой части повести есть свой главный герой: в первой это Чартков, а во второй ярко представлен образ ростовщика.
- Характер молодого художника на протяжении произведения меняется кардинально. В начале «Портрета» Чартков – это романтический образ художника: он мечтает развить свой талант, учиться у лучших мастеров, только были бы для этого деньги. И вот деньги появляются. Первый порыв был вполне благороден: молодой человек закупился всем необходимым для занятий живописью, но желание стать модным и известным более легким путем, нежели через многочасовой труд, взяло верх. В конце первой части художник обуреваем алчностью, завистью и досадой, что заставляет его скупать лучшие картины и уничтожать их, он становится «свирепым мстителем». Конечно, Чартков – маленький человек, неожиданное богатство вскружило ему голову и в итоге свело с ума.
- Но можно предположить, что действие золотых червонцев на главного героя связано не с его низким социальным положением, а с мистическим действием денег самого ростовщика. Сын автора портрета этого персиянина рассказывает множество историй об этом. Сам ростовщик, желая сохранить часть своей силы, просит художника написать с него портрет. Отец рассказчика взялся за эту работу, но не смог с нею справиться. В этом живописце Гоголь изобразил истинного творца в христианском понимании: пройти очищение, усмирить свой дух и только тогда приступать к работе. Он противопоставляется Чарткову — художнику из первой части повести.
Темы
Эта относительно небольшая по объёму повесть затрагивает множество тем, касающихся довольно разнообразных сфер жизни человека.
- Тема творчества. Гоголь представляет нам двух художников. Каким должен быть истинный творец? Один стремится к изучению работ мастеров, но не прочь обрести славу и более легким путём. Другой живописец в первую очередь работает над собой, над своими желаниями и страстями. Для него искусство – это часть его философии, его религии. Это его жизнь, оно ей не может противоречить. Он чувствует ответственность перед творчеством и считает, что человек должен доказать своё право заниматься им.
- Добро и зло. Эта тема выражена как через искусство, так и через богатство. С одной стороны, необходимы оперённые средства, чтобы творец мог свободно заниматься своим делом и развивать свой талант. Но на примере Чарткова мы видим, что изначально благие намерения вложиться в своё совершенствование могут обернуться гибелью, прежде всего, гибелью человеческой души. Только ли мистическая мила наследия ростовщика тому виной? Гоголь показывает, что всё человек может преодолеть, только бы он был сильным. Главный герой же продемонстрировал слабость духа, потому и сгинул.
- Богатство – основная тема в повести «Портрет». Здесь она представлена, как способ обрести счастье. Казалось бы, вот немного денег, и всё станет прекрасно: будет счастливый брак с первой красавицей, кредиторы оставят в покое семью, приобретётся всё необходимое для творчества. Но всё выходит иначе. Кроме удовлетворения потребностей, у денег есть оборотная сторона: порождение алчности, зависти и малодушия.
Проблематика
- Проблема искусства. В повести Гоголь предлагает художнику два пути: писать портреты ради денег или заниматься самосовершенствованием без особых претензий на достаток. Живописец стоит перед сложным выбором: для развития ему необходимы средства на краски, кисти и прочее, но многочасовая работы и бесславие никаких денег не принесут. Есть способ быстро разбогатеть, но написание портретов не подразумевает повышение уровня мастерства. Решая, как быть, необходимо помнить одно: если тот, кто следует пути мастера-инока, ошибется, он сможет ещё спастись, но идущий по лёгкой дороге уже не избавится от «затверженных форм».
- Тщеславие. Гоголь показывает в повести, как неожиданно разбогатевший Чартков постепенно приходит к тщеславию. Сначала он делает вид, что не узнаёт своего учителя, потом соглашается терпеть капризы клиентов ради денег и славы. Предзнаменованием беды становится порицание классиков, а итогом этого пути явилось сумасшествие.
- Бедность. Эта проблема стоит перед большинством героев «Портрета». Нищета не позволяет Чарткову свободно заниматься творчеством, из-за не самого высокого положения один из героев второй части не может жениться на возлюбленной. Но бедность здесь — проблема не только материальная, но и духовная. Золото сводит героев с ума, делает их алчными и завистливыми. По мнению автора, малодушный человек с большими деньгами не в состоянии справиться: они его окончательно разрушают.
Смысл повести
Всегда помнить о своей душе, а не гнаться за богатством – это и есть основная мысль повести «Портрет». Все возможности для достижения цели, обретения счастья в человеке уже есть – об этом говорит Гоголь.
Позже Чехов обратится к этой мысли в своей драме «Три сестры», где девушки будут верить, что путь к радости – Москва. А Николай Васильевич показывает, что прийти к цели, в данном случае – постичь искусство, можно и без особенных материальных затрат.
Главное не в них, а во внутренней силе человека.
Совет
Рассказчик во второй части повествует о фатальном воздействии денег ростовщика, но справедливо ли все беды приписывать мистике? Человек, ставящий во главу угла деньги, уязвим перед завистью и порочностью. Именно поэтому в счастливом супруге пробудилась дикая ревность, а в Чарткове – отчаяние и мстительность. В этом кроется философский смысл повести «Портрет».
Личность, сильная духом, на подвластна таким низким качествам, она способна справиться с ними и изжить их из себя. Это иллюстрирует жизненный путь художника, автора портрета ростовщика.
Чему учит?
Повесть «Портрет» предупреждает об опасности превознесения денег. Вывод прост: нельзя богатство ставить как цель жизни: это приводит к гибели души. Важно заметить, что для образа маленького человека свойственна не только бедность материальная, но и духовная. Этим можно объяснить беды Чарткова и заёмщиков ростовщика.
Но Гоголь не приводит ни одного положительного примера, когда деньги принесли бы пользу. Авторская позиция выражена ярко: единственный правильный путь писатель видит в духовном совершенствовании, в отречении от светских соблазнов.
Главный герой понимает это слишком поздно: он не внял предупреждениям своего учителя, за что был жестоко наказан.
В этой повести Гоголь по стилю и методу соотнесения фантастического и реального наиболее близок к Гофману. Здесь каждую необычную вещь можно объяснить рационально, а действующие лица максимально близки к обществу Петербурга. Такая убедительность встревожила читателя повести и сделала «Портрет» актуальным произведением и для современников Гоголя, и для наследников.
Критика
Литературная критика современников автора была разнообразной. Белинский неодобрительно относился к этой повести, особенно к второй части, он считал её приделкой, в которой не видно самого сочинителя.
Придерживался подобной позиции и Шевырев, обвиняя Гоголя в слабом проявлении фантастического в «Портрете». Но вклад Николая Васильевича в развитие русской классической прозы трудно переоценить, и «Портрет» в том числе вносит сюда свою лепту.
Об этом говорит в своих статьях Чернышевский.
Рассматривая оценки критиков, важно иметь в виду, что финальная редакция «Портрета» была в поздний, критический период творчества Гоголя.
Обратите внимание
В это время писатель ищет путь к спасению России, погрязшей во взяточничестве, жадности и филистерстве.
В письмах к друзьям он признаётся, что видит возможность исправить ситуацию в поучении, а не во внедрении каких-либо новомодных идей. С этих позиций следует рассматривать справедливость критики Белинского и Шевырёва.
Источник: https://LiteraGuru.ru/analiz-povesti-portret-n-gogol/
Повесть “Портрет”
Повесть Гоголя «Портрет» – это произведение, написанное им под впечатлением от жизни в Петербурге. Сумрачный северный город вдохновил писателя на создание выдающихся творений, многие из которых продолжают восхищать современных читателей.
В мистической истории о дьявольском изображении старого ростовщика заключен глубокий смысл. К сожалению, в этой статье будет изложено лишь ее краткое содержание. «Портрет» (Гоголь назвал это произведение в честь необыкновенного предмета, фигурирующего в повести) поражает своим завораживающим сюжетом.
Ниже будут переданы только основные моменты его развития.
Покупка портрета
С покупки старинного полотна начинается эта захватывающая история. Не может передать всех ее нюансов краткое содержание. «Портрет» (Гоголь Н. В.) повествует о молодом художнике Черткове, который неожиданно для себя самого приобретает в лавке работу неизвестного живописца.
На ней изображен старик, одетый в азиатский наряд, с бронзовым от загара лицом и необыкновенно живыми глазами. Юноша живет очень бедно, вечно должен за квартиру, но не стремится к легким заработкам, а хочет упорным и кропотливым трудом раскрыть свой талант.
Однако странный портрет тревожит его душу, всю ночь юный художник видит кошмары: ему мерещится страшный старик, покидающий раму и пересчитывающий на его глазах золотые червонцы.
Новая жизнь
Повесть Гоголя «Портрет» носит мистический характер. Утром юноша неожиданно обнаруживает у себя сверток с золотыми монетами, после чего возвращает все долги, переезжает с Васильевского острова на Невский проспект и начинает новую жизнь.
Сначала он хочет полностью посвятить себя искусству, но, увлеченный всевозможными соблазнами, быстро забывает об этом. Чертков приобретает модные наряды, заказывает о себе статью в газете и находит богатых заказчиков.
Они ничего не смыслят в творчестве, зато щедро платят, поэтому юноша принимается рисовать красивые безделушки и быстро богатеет.
Расплата за отступничество
О неминуемой расплате за отказ от своего предназначения повествует Н. В. Гоголь. «Портрет» – это история человека, предавшего высокое искусство. Разбогатев, Чертков быстро утрачивает былую юношескую живость.
Он становится модным живописцем, приобретает вес в обществе, но вместе с тем окончательно утрачивает свой талант. Однажды Академия искусств приглашает его оценить работу живописца, долгие годы стажировавшегося в Италии. Увидев это произведение, Чертков поражается его гармонии и совершенству.
Он возвращается домой и пытается сам написать что-нибудь подобное. Однако огрубевшая рука уже не слушается художника, и вскоре он убеждается, что его талант иссяк. Тогда Чертковым овладевает безумная зависть и злоба.
Остаток жизни он посвящает тому, что скупает на аукционах все выдающиеся полотна и беспощадно их уничтожает. Художник умирает в припадке очередного безумия, а в предсмертном бреду ему повсюду мерещатся живые глаза загадочного старика.
Ростовщик
Теперь вы знаете, о чем идет речь в первой части своей повести. О судьбе безумного художника повествует ее краткое содержание. «Портрет» (Гоголь Н. В. умеет захватить читателя) имеет и вторую часть. В ней описывается история создания загадочного изображения.
Портрет старика продают с аукциона. Покупатели долго спорят о цене, и в финале остается только два богатых претендента. Неожиданно скромно одетый человек лет тридцати пяти прерывает торги и начинает рассказывать об истории этого портрета.
Много лет назад в Коломне (предместье Петербурга) жил странный ростовщик. Он обладал выдающейся внешностью: высоким ростом, бронзовым цветом кожи и резкими чертами лица. Кроме того, он был необыкновенно богат и давал деньги взаймы самым известным жителям столицы.
Важно
Однако его золото никому не приносило счастья. Молодой человек, стремившийся посвятить себя служению обществу, после совместных дел с ростовщиком превратился в бесчеловечного чиновника.
Страстно влюбленный юноша, взяв заем у странного старика, стал безумным ревнивцем и чуть не убил свою супругу. Жители Коломны боялись ростовщика и никогда не брали у него в долг…
Великий художник
Был страстным поклонником изобразительного искусства Н. В. Гоголь. «Портрет» – это плод размышлений писателя о роли творчества в жизни каждого человека.
Далее в произведении речь идет о простом и честном живописце, который сумел своим упорным трудом и выдающимся талантом добиться признания окружающих. Однажды ростовщик обратился к нему с просьбой написать его портрет.
Художник с радостью откликнулся на это предложение, но во время работы над полотном почувствовал сильное отвращение к происходящему.
Он попытался остановиться, тогда старик упал перед ним на колени и раскрыл свою тайну: он готовится к смерти и хочет, чтобы его сущность воплотилась в портрете. Художник в ужасе покидает дом ростовщика, а на следующий день узнает, что тот умер. Изображение старика с тех пор хранилось в доме живописца.
Дьявольское наущение
Удивительные события описываются в произведении. О порочном влиянии мистического изображения на окружающих повествует его краткое содержание. «Портрет» (Гоголь создал эту повесть в двух редакциях) рассказывает о том, что все, кто хранил у себя это плотно, подвергались дьявольским искушениям.
Честный художник внезапно начал завидовать своему ученику и попытался обойти его в конкурсе на оформление новой церкви. Только долгим монашеским служением он сумел потом искупить свою вину перед Богом и создать действительно великое произведение – картину «Рождество Иисуса».
Совет
Остальные обладатели портрета также испытали на себе силу его негативного воздействия. В финале повести раскаявшийся художник завещал своему сыну найти изображение ростовщика и уничтожить его. Потомком великого живописца и был рассказчик этой захватывающей истории.
Увлеченные его повествованием слушатели не заметили, как со стены исчез предмет отчаянного торга. На этом заканчивается история, написанная Н. В. Гоголем. Портрет загадочным образом исчез, возможно, был украден.
Герои повести
Так кого же можно назвать главным героем повести, которую написал Гоголь («Портрет»)? Сюжет произведения позволяет назначить на эту роль художника Черткова. Ведь в центре повествования находится история его отступничества и морального крушения.
Но относительно роли, которую играют персонажи в построении произведения как единого целого, его главным героем является ростовщик. Именно о стремлении дьявольской силы с помощью золота подчинить себе искусство размышляет в своей повести Гоголь.
«Портрет», смысл которого заключен автором в яркую и выразительную форму, повествует и о тайной власти денег над человеческой душой, и о высоком творчестве, способном сделаться орудием зла в порочных руках.
И, конечно, нельзя забывать о роли города Петербурга в произведении. Только здесь, по Гоголю, оживают старинные полотна, плетут свои сети демонические ростовщики и внезапно пропадают опасные портреты. Искушающий и величественный, бедный и богатый, прекрасный и обманчивый город Петербург можно также считать полноправным героем повести.
Источник: https://www.syl.ru/article/184334/new_povest-portret-kratkoe-soderjanie-portret-gogol-geroi
Гоголь “Портрет”, кто главные герои, какая главная мысль?
Повесть Гоголя “Портрет” впервые опубликована в 1835 году. Главные ее герои –
- Художник Чартков,
- Старик – ростовщик, изображенный на портрете,
- Художник, написавший портрет.
Начинающий художник Чартков проявлял признаки несомненного таланта. Его захватывал сам процесс творчества и результаты высоко оценивались преподавателями.
Он мечтал развить свои способности, стать успешным и знаменитым, но для этого нужны были деньги.
Однажды он встречает странный портрет старика с поразительно живыми глазами и все меняется: в раме картины обнаруживается клад золотых монет.
Молодость взяла свое – Чартков расплатился с долгами, приоделся и стал завсегдатаем светских тусовок. Появились и заказы, но клиентов интересовали не художественные достоинства картины, не освещение их внутреннего мира а чтоб было покрасивей и поскорей. И с годами невостребованный талант творца постепенно превратился в рутинное ремесло копировщика.
Однажды осознав это, под воздействием зависти и досады Чертков принялся скупать всюду лучшие произведения искусства и уничтожать их; денег у него теперь было достаточно.
Ростовщик. Старик азиатской внешности в широком костюме, высокого роста и с большими, необыкновенно выразительными глазами.
Он мог выдать любую сумму, но рассказывали, что странная судьба постигала его заемщиков: молодой меценат преобразился в гонителя талантов, благородный князь, долго добивавшийся и наконец женившийся на первой красавице Петербурга, в течение года превратился в ревнивца и тирана и покончил с собой, и еще множество подобных историй.
Художник. Он был увлеченным самоучкой, выполнявшим заказы на христианские темы. Однажды к нему явился жуткий ростовщик, живший по соседству, и попросил написать его портрет, в котором бы он остался жить после своей смерти.
Художник с воодушевлением взялся за работу, стремясь как можно точней запечатлеть на бумаге эти необыкновенные черты, особенно его занимали глаза. Но закончить картину художник не смог, а к вечеру ростовщик умер.
Обратите внимание
Портрет стал переходить из рук в руки, и каждый владелец под воздействием гипнотического взгляда начинал ощущать его тягостное влияние и неожиданно совершать неблаговидные поступки.
Художник посчитал себя виновным в этих несчастьях и постригся в монахи, чтоб очистить свою душу, а сыну своему поручил, если встретит этот портрет – непременно его уничтожить.
Главная мысль повести “Портрет”: в каждом человеке заложено материальное и духовное начало, и что именно человек в себе выберет, а что растопчет – этим и определится смысл и результат его жизни.
Источник: http://www.bolshoyvopros.ru/questions/3020091-gogol-portret-kto-glavnye-geroi-kakaja-glavnaja-mysl.html
Анализ повести Николая Гоголя «Портрет»
До наших дней дошла отредактированная версия повести «Портрет». У читателя возникает вопрос о том, кто является главным героем произведения. Может это город Петербург, где происходят все события или расчетливый ростовщик. На первый взгляд может показаться, что герой повести именно художник.
В центре событий находится художник Андрей Петрович Чартков. Автор не просто так дал герою такую фамилию. Это своеобразный намек на связь с потусторонними силами. Гоголь сочувствует художнику и не дает повода читателям сомневаться в его таланте.
В образе Ростовщика изображено великое Зло. Чартков сам притягивает его в свою жизнь. Истратив последние деньги и подвергая себя на голод, художник покупает произведение искусства.
Он не думал ни о чем плохом, жил правильно. Безусловно, художник не знал, что все владельцы портрета становятся его жертвами. Всю ночь Чартков мучился в кошмарах, из картины выходил ростовщик и считал деньги.
Утром он обнаружил большую сумму.
Такое искушение не каждый способен выдержать. В нем спорили внутри два человека. С одной стороны он был художником и хотел просто работать беззаботно, а с другой стороны в нем проснулся молодой парень, который любит покутить.
Эта беззаботная жизнь манила его. Вскоре желание беззаботно растрачивать свое существование победило. Трагедия этой ситуации заключается в гибели художника. В его потери желания творить. Для такого как он это было подобно смерти.
Он потерял себя, его жизнь утратила смысл.
Происходит противостояние материальных благ и кутежа безусловному таланту. Автор очень реалистично передает сомнения человека и его душевные терзания. Актуальность повесть не утратила и сегодня.
Важно
Испытание деньгами может пройти не каждый человек. Нужно иметь сильный характер и силу воли, чтоб устоять перед соблазном.
Художник не только за деньги отдал свой талант, но и пошел на службу темным силам.
Переехав в шикарный дом, Чартков пытается рисовать. Хотя творчество его мало волнует. Он занимается больше подлогом. Создает своеобразные подделки, подобие творчества. В образе первой модели Гоголь олицетворяет гибель естественности. Лиза в русской классике символизирует героиню повести Карамзина.
Со временем художник презирает великого метра Микеланджело. Таким образом, автор отображает презрение падшего человека, утратившего свою душу к олицетворению ангела. Чартков больше не мог рисовать, он потерял даже элементарные навыки художника. Он хочет все же создать картину и начинает рисовать Падшего Ангела. На самом деле художник рисует свою душу.
(2 votes, average: 4.00
Источник: https://school-essay.ru/analiz-povesti-nikolaya-gogolya-portret.html
Билет 4
Билет 4. Вопрос 1.
Композиция, герои, проблематика повести
Н.В. Гоголя «Портрет».
Повесть была
излюбленным жанром Гоголя. Он создал
три цикла повестей, и каждый из них стал
важной вехой в истории русской литературы.
(- “Вечера на хуторе близ Диканьки”,
«Миргород» , «Петербургские повести»).
В третий цикл повестей входит пять
произведений, среди которых и повесть
«Портрет», изданная в 1842 году.
Общей
темой цикла становятся социальное
неравенство, трагическое неустройство
жизни.
Тематика “Портрета”связана с волшебной силой искусства, ответственностью
человека за свою судьбу, губительной
властью денег.
Повесть “Портрет” – история художника,
изменившего искусству и понёсшего
наказание за то, что он стал относиться
к творчеству как к выгодному ремеслу.
Нам даётся сопоставление двух вариантов
поведения служителей искусства, их
отношения к жизни, творчеству, людям.
Гоголь показывает читателю, что художник
более, чем кто-либо другой в ответе за
свою судьбу.
Его искусство пробуждает
в людях добрые или злые чувства. Поэтому
художник отвечает не только за своё
будущее, но и за судьбы других людей.
Повесть состоит из двух взаимосвязанных
частей.
Первая часть повести
рассказывает зрителю о молодом художнике
по фамилии Чартков,
который однажды в картинной лавке купил
портрет старика. Этот портрет обладает
дьявольской силой. Глаза старика обладали
странною живостью; и разрушали гармонию
своей реальностью. Чартков покупает
портрет и несет его в свой бедный дом.
На тот момент художник имел вкус, талант,
работоспособность, умел отличать
подлинное искусство от бездарности.
Профессор предупреждает его, что
нетерпеливость и жажда быстрого успеха
могут привести к гибели таланта: «Оно
заманчиво писать, можно пуститься писать
модные картинки, портретики за деньги.
Да ведь на этом губится, а не развертывается
талант. Терпи». Между тем, мечта Чарткова
– разбогатеть и стать модным живописцем,
в общем- то стать одним из многих
ремесленников. Чартков сомневается,
ропщет «Терпи! Терпи!.. а на какие деньги
я завтра стану обедать?».
Совет
Голодный художник ложится спать, и ему снится,
будто старик вылез из своего портрета,
и показывает мешок, в котором множество
свертков с деньгами. Художник во сне
незаметно прячет один из них, а утром
он действительно обнаруживает деньги.
Дьявольская сила вмешивается в его
судьбу.
Чартков нанимает новую квартиру, начинает писать модные портреты, в
которых приукрашивает лица. Деньги
текут рекой. Чартков становится модным
художником , но талант постепенно уходит,
«кисть его хладеет и тупеет». Однажды
Академия художеств просит высказать
его свое мнение по поводу работ одного
молодого художника.
Чартков собирается
было раскритиковать картину, но вдруг
видит, как великолепно творчество
молодого таланта. Чартков узнает в этом
произведении руку художника, который
все отдал ради искусства и стал гением.
И тут он понимает, что когда-то променял
свой талант на деньги.
И тогда им овладела
зависть ко всем талантливым художникам,
«зависть до бешенства» – он начинает
скупать лучшие картины и уничтожает
их. При этом Чарткову постоянно мерещатся
глаза старика с портрета. Вскоре он
умирает, находясь в безумии, ни оставив
после себя ничего.
Во второй части повести рассказываетоб обстоятельствах создания портрета
и судьбе его авторов. Человек, купивший
портрет на аукционе, рассказывает
невероятную историю. Давно жил в
Петербурге ростовщик, отличавшийся
возможностью ссудить какую угодно сумму
денег.
Но странная особенность – все,
кто получал от него деньги, заканчивали
жизнь печально. Некий юноша покровительствовал
искусству и разорился, ненавидя
искусство. Или – некий князь влюбляется
в красавицу. Но жениться на ней не может,
так как разорен. Обратившись к ростовщику,
жениться на ней и становится ревнивцем.
Как-то даже бросается на жену с ножом,
но в итоге закалывает себя.
Однажды ростовщик попросил молодого
художника – иконописца изобразить его.
Но чем дольше тот рисует, тем больше
отвращения испытывает к старику.
Художнику кажется, что через портрет
проходит какое – то зло. Он не в силах
дописать портрет, но ростовщик говорит,
что теперь будет жить в портрете, вечером
следующего дня умирает.
В самом художнике
происходит перемены: он начинает
завидовать таланту ученика, а сам не
может выполнить заказ расписать церковь,
т.к. им овладела гордыня и жажда первенства.
Когда же портрет забирает приятель,
художнику возвращается покой. Вскоре
выясняется, что и приятелю портрет
принес несчастье, и он его продал.
Художник понимает, сколько беды может
принести его творенье. Приняв, постриг
в монахи, очищает свою душу от страстей
и завещает сыну найти и уничтожить
портрет. Он говорит: «Кто заключает в
себе талант, тот чище всех должен быть
душою». Люди, слушающие рассказ,
оборачиваются к портрету, но его уже
нет – кто успел украсть его.
Так
заканчивается повесть Н.В.Гоголя Портрет.
Обратите внимание
Только прочитав повесть, понимаешь,
что события второй части предшествуют
первой: сначала портрет был написан
молодым художником – иконописцем, а
затем попал к Чарткову. Это изменение
в хронологии позволяет Гоголю держать
читателя в напряжении, ведь основная загадка портрета раскрывается во второй
части.
Становится понятен и смысл заглавия
повести – это и фантастический портрет,
играющий судьбоносную роль в жизни
героев, и творения художников, изображенных
писателем, и, наконец, портреты самих
живописцев.
В начале творческого
пути и Чартков привлекает лучшими
человеческими стремлениями. НО он так
бездарно загубил талант и искалечил
свою жизнь ради денег, славы, общества.
Здесь нам явственно представляется
мотив искушения, соблазна.
В повести
испытывается на прочность характер и
жизнестойкость таланта Чарткова.
Читатель понимает, что главная мысль
повести в том, что истинное служение
искусству требует от человека нравственной
стойкости и мужества, художник несет
нравственную ответственность за свои
произведения.
Источник: https://StudFiles.net/preview/4189525/
Анализ повести «Портрет» Гоголя
Произведение «Портрет», анализ которого мы сейчас сделаем, входит в сборник «Петербургские повести» Николая Гоголя, куда также включены «Невский проспект», «Нос», «Шинель», «Записки сумасшедшего».
При всей разнице сюжетов они объединены не только местом действия, но и общей проблематикой.
Безусловно, разбор этой повести поможет лучше понять задумку Гоголя, что поможет вам, например, при написании сочинения или просто если вы делаете краткий анализ повести «Портрет» Гоголя.
Проблематика повести «Портрет» Гоголя
Произведение посвящено важной для любого писателя теме истинного и ложного искусства, ответственности художника за своё творение.
Не менее значима сквозная тема, объединяющая все «Петербургские повести» – вопрос настоящих и мнимых ценностей, обманчивой привлекательности столичной жизни, за которой скрывается пошлость, посредственность, ненужная суета и призрачная красота.
Звучит в повести «Портрет», анализ которой мы проводим, тема утраченных иллюзий, которая в этот период активно разрабатывалась многими европейскими писателями, например, французскими романистами О. де Бальзаком, Ф. Стендалем.
Анализ повести «Портрет» Гоголя – композиция
Произведение имеет двухчастную композицию. Первая посвящена судьбе художника Чарткова, прослежена его жизнь от ранней молодости до старости, показано разрушение таланта и духовная деградация под влиянием служения золотому тельцу.
Во второй части показан истинный художник, который понимает ответственность за созданное им произведение искусства. Совершив ошибку, он стремится её исправить, проходит путь духовного очищения.
Две части противопоставлены друг другу, два художника – два нравственных полюса: один разрушение, второй созидание. Продолжим анализ повести «Портрет».
Тема искусства и образ художника в повести «портрет» Гоголя
Анализ повести «Портрет» показывает, что центральное место занимает проблема творчества. Если вы пишите сочинение на эту тему, учтите этот момент. При подготовке вам также поможет краткое содержание повести «Портрет».
В первой части читатель видит молодого, подающего надежды художника Чарткова. Он беден, мечтает иметь свою мастерскую, чтобы погрузиться в творчество, не отвлекаясь ни на какие житейские проблемы.
Профессор пророчит ему большое будущее, видя в нём настоящий, но пока ещё не полностью развитый талант. Учитель предостерегает его от торопливости, объясняет, что талант требует вдумчивого, постоянного труда. Но случайность вмешивается в судьбу художника.
В лавке он неожиданно находит портрет старого ростовщика, поразивший его пронзительными, как будто живыми глазами. Хотя взгляд их неприятен, но в них видится притягательное зло. Чартков потрясён искусством неизвестного художника и на последние деньги покупает портрет.
Ночью ему снится долгий сон о том, как ростовщик выходит из рамы и пересчитывает золотые червонцы. Проснувшись, юноша находит деньги, спрятанные в раме портрета.
Благодаря анализу повести «Портрет» ясно, что внешне повествование укладывается в рамки традиционного мотива продажи души дьяволу: сатана, явившийся в образе ростовщика, искушает героя деньгами, и тот поддаётся соблазну. Однако вдумчивый анализ повести показывает: Гоголь неоднократно подчёркивает, что не слепой случай и даже не дьявол виноваты в судьбе героя.
Важно
Дальнейшее поведение Чарткова – результат его собственного выбора. Так, после получения денег молодой человек размышляет, на что их потратить. Первым побуждением было снять небольшую комнату и работать, совершенствуя картины.
Но затем он решает поехать в парикмахерскую завить волосы, сходить в лучший ресторан, снять огромную, богато обставленную квартиру, да ещё и заказать журналисту похвальную статью о себе.
Выбор художника – тема для сочинения
Когда у художника появляются первые клиенты, он снова оказывается перед выбором: поддаться их требованиям и написать посредственный портрет, который нравится даме с дочкой, или работать над образом Психеи, вкладывая в него талант и душу.
Но в погоне за деньгами Чартков выбирает лёгкий путь и за несколько лет разменивает своё дарование на золото. Выберите эту тему, чтобы раскрыть ее в своем сочинении, а анализ повести «Портрет» Гоголя вам поможет в этом, как и краткое содержание.
Только увидев прекрасную картину истинного художника, много лет прожившего в Италии затворником, совершенствуя мастерство, Чартков осознаёт, что зря потратил жизнь. Но воскрешения не наступает: наоборот, он сходит с ума, скупает картины великих художников и в озлоблении уничтожает их.
В повести Гоголя Чарткову противопоставлен настоящий художник. Во второй части мы слышим историю человека, написавшего портрет ростовщика. Это одухотворённый художник-самоучка, постигнувший высокое значение и духовную глубину искусства. Что еще нам становится ясно, когда мы делаем анализ повести «Портрет» Гоголя?
Художник понимает, что создав эту картину, он впустил в мир зло: портрет приносит несчастья всем обладателям. Искупить свою вину герой пытается уйдя в монастырь, отмаливая свой грех. Только очистив душу, он решается написать произведение живописного искусства на религиозную тему. Художник завещает сыну найти портрет, приносящий зло, и «истребить» его.
Словами этого художника об искусстве выражены мысли самого писателя: талант – «драгоценнейший дар Бога», «кто заключил в себе талант, тот чище всех должен быть душою», настоящее «высокое создание искусства» снисходит в мир «для успокоения и примирения всех».
Вы прочитали анализ повести «Портрет» Гоголя, и надеемся, что эта информация оказалась полезной и интересной для вас. Посетите наш литературный блог, где сотни статей на подобную тематику помогут вам познакомиться с известными произведениями, а также будут хорошим подспорьем при написании сочинений. Также читайте по теме:
- Краткое содержание повести «Портрет»
- Биография Николая Гоголя
Источник: https://reedcafe.ru/blogs/analiz-povesti-portret-gogolya-0
«П ОРТРЕТ » Николай Васильевич Гоголь. «Портрет» повесть Николая Васильевича Гоголя из цикла «Петербургские повести». Повесть была создана в 1833 1834. – презентация
1 «П ОРТРЕТ » Николай Васильевич Гоголь
2 «Портрет» повесть Николая Васильевича Гоголя из цикла «Петербургские повести». Повесть была создана в годах и впервые опубликована в книге «Арабески. Разные сочинения Н. Гоголя» в Вторая редакция (текст был значительно переработан в конце 1841начале 1842 года) была напечатана в 1842 в третьей книге «Современника».
3 Сюжет Живущий в бедности молодой художник Чартков, несмотря на то, что ему нечем расплатиться за аренду квартиры, в лавочке на Щукинском дворе покупает за двугривенный портрет неизвестного ему человека, старика в азиатских одеждах, который привлёк его внимание тем, что глаза изображённого выглядят совершенно как живые. Придя домой, он не может отделаться от впечатления, что старик смотрит на него, ночью Чарткову снятся кошмары, связанные с портретом. В одном из снов старик выходит из рамы с мешком, набитым деньгами, и художнику удаётся схватить один свёрток с надписью «1000 червонцев». Утром, когда появляется квартальный, требующий с Чарткова плату за квартиру, в раме портрета обнаруживается точно такой же свёрток, какой художник видел в своём кошмаре.
4 Чартков переезжает в роскошную квартиру на Невском проспекте, даёт объявление в газету, и вскоре у него появляется много заказчиков. Чартков становится модным художником, пишет множество портретов. Он удовлетворяет запросам клиентов, однако многие его прежние знакомые замечают, что талант его, раньше явно проявлявшийся, исчез. Чартков становится скрягой и мизантропом. Увидев на выставке картину одного из прежних знакомых, он понимает, что собственные его работы на самом деле далеки от совершенства. Чартков запирается в своей мастерской и пытается создать что-то подобное, однако у него ничего не получается; тогда он начинает скупать живописные шедевры и уничтожает их. Вскоре Чартков сходит с ума и скоропостижно умирает.
Совет
5 Через некоторое время на неком аукционе выставляется среди прочих предметов искусства портрет азиата, когда-то купленный Чартковым. Когда цена в ходе торгов значительно возрастает, появляется художник Б. и заявляет, что обладает особыми правами на эту картину. В подтверждение своих слов он рассказывает историю. Он описывает некогда жившего в петербургской Коломне ростовщика, который был известен тем, что мог ссудить любую сумму на казавшихся выгодными условиях, но при этом в результате всегда оказывалось, что на самом деле набегали огромные проценты. Сделка с ростовщиком неизменно приносила его клиентам несчастья.
6 Отец Б., тоже художник, живший неподалёку, получил заказ на портрет от азиата. Поскольку он давно думал о том, чтоб изобразить духа тьмы в облике своего соседа, он принял заказ. Однако в ходе работы над портретом (на котором особенно страшными получаются глаза) художник начинает испытывать непонятный ужас и в конце концов бросает работу и убегает из дома заказчика. На следующий же день ростовщик умирает, и служанка приносит художнику неоконченный портрет. Со временем художник начинает чувствовать в себе странные перемены. Он хочет сжечь портрет, но приятель отговаривает его и забирает себе; затем сам сбывает его своему племяннику. Каждого владельца портрета преследуют несчастья, а у его создателя вскоре умирают жена, дочь и сын.
7 Тогда художник, понявший, что в портрет вселилась часть души старика, отправляет оставшегося в живых старшего сына в Академию художеств, а сам уходит в монастырь, где через некоторое время ведения строгой жизни и самоотвержения пишет Рождество Христово, и его работа оказывается исполненной святости. Сын посещает его в монастыре, и отец сообщает ему некоторые наставления и мысли об искусстве, а также завещает ему найти портрет и уничтожить его. Художник Б. представляется сыном автора портрета и говорит, что после долгих лет поисков наконец нашёл картину. Но когда он, а вместе с ним и посетители аукциона, поворачивается к стене, где висело полотно, оказывается, что портрет исчез.
Источник: http://www.myshared.ru/slide/740657
Краткое содержание Гоголь Портрет
Рассказ входит в сборник Петербургские повести
Художник Чартков на Щукинском дворе разглядывал картины, и тут его взгляд упал на портрет старого мужчины в восточном одеянии. Отдав за картину последние деньги, Чартков идёт домой. Уже позже он пожалеет о покупке, ведь ему даже нечем платить за жильё.
Взглянув на старика с портрета, ему становится не по себе от его глаз – настолько живыми они казались. Чартков даже занавесил картину на ночь, чтобы не пересекаться больше взглядом со стариком. Но ночью случилось ужасное: простыня с картины была сдёрнута, и из рамы вышел старик.
В мешке его были деньги, и он начал их пересчитывать. Такие кошмары снились художнику несколько ночей подряд.
Хозяин квартиры требует оплаты, но так как денег у Чарткова нет, он захотел забрать портрет старика в счёт долга. При разглядывании картины из рамы падает свёрток с деньгами, уже знакомый Чарткову по снам. На эти деньги он смог уплатить долг за жилье, снять квартиру побольше, приодеться.
Художник подал объявление о том, что пишет портреты на заказ. Внезапно на него обрушивается популярность, и он становится модным портретистом. Старые знакомые лишь поражаются тому, насколько он утратил своё мастерство и талант. Вскоре художник и сам понял своё падение.
В отчаянии он заперся и пытался написать что-то, но всюду ему мерещились глаза старика с того портрета. Чартков умер в чахотке.
Спустя какое-то время на аукционе выставлен на продажу портрет старого азиата с удивительно живым взглядом. Многие желали его купить, но тут выходит художник Б., рассказавший присутствующим свою историю. Когда-то жил в Коломне ростовщик. Все, кому он давал деньги, вскоре погибали весьма трагическим способом. Отец Б.
Обратите внимание
был художником и соседом этого ростовщика. Как-то азиат пришёл к нему с заказом нарисовать себя на холсте. Чем больше живописец писал портрет, тем живее получались глаза. С каждым днём у художника внутри росло отвращение к своей работе. Ростовщик обронил, что после его смерти, вся его сила перейдет в эту картину.
Эти слова окончательно испугали художника, и он убегает, не закончив работу, но ему все-таки передали портрет лично в руки, и на следующий же день ростовщик умер. У художника начинаются неприятности, и он пытается избавиться от картины. Пытаясь убежать от проклятия старика, художник уходит в монастырь и начинает писать картину по библейским мотивам.
Перед смертью он завещал своему старшему сыну отыскать и уничтожить проклятый портрет.
Закончив рассказ о своём отце, Б. оборачивается взглянуть на портрет, но тут все видят, что его нет на месте.
Главная мысль
В произведении противопоставляются две разные судьбы художников. Автор подчеркнул, что, только отказавшись от мирской суеты, мастер может раскрыть свой талант и не превратиться в ремесленника.
Можете использовать этот текст для читательского дневника
- Краткое содержание Мериме Кармен
Повествование ведется от имени археолога, прибывшего в Испанию для установления места последней битвы Юлия Цезаря, в которой он победил, за счет чего прославился еще больше. Дело происходит в первой четверти 19 века - Краткое содержание Солоухин Мочёные яблоки
В произведении «Мочёные яблоки», созданном Владимиром Алексеевичем Солоухиным, повествуется о том, как один шофёр на своём автомобиле попал в огромную лужу и какие выводы из этой ситуации мужчина сделал. - Краткое содержание Хаксли О дивный новый мир
В романе рассказывается о вымышленной планете. На дворе продолжается 632 год Эры Форда. Форд был великим человеком, создавшим автомобильную компанию. Для народа планеты Форд стал Богом. В стране процветала технологическая индустрия. - Краткое содержание Кот Иваныч Скребицкого
Главный персонаж рассказа – толстый, ленивый, но очень добродушный кот по кличке Иваныч. Кот – любимец семьи, он легко уживается со всеми членами семьи и другими домашними животными, вот только озорной щенок Бобка порой задирает - Краткое содержание Лермонтов Валерик
Стихотворение это стилизованное письмо рассказчика к своей возлюбленной. Начинается оно с намёка на письмо Онегина той самой Татьяне. Здесь герой пишет, что, возможно, после такой долгой разлуки
Источник: https://2minutki.ru/kratkie-soderzhaniya/nikolaj-gogol-kratko/portret-kratko
Сюжет, герои, проблематика одной из повестей Н. В. Гоголя («Портрет»). Гоголь Н. В
Сюжет, герои, проблематика одной из повестей Н. В. Гоголя (“Портрет”). Гоголя всегда интересно читать. Даже давно известные произведения начинаешь читать и увлекаешься. А тем более повести малоизвестные.
Казалось бы, серьезный классический писатель, философ, но берешь его книгу и переносишься в интереснейший мир, порой мистический, а порой и самый житейский. В повести “Портрет” присутствует и то и другое.
Автор ставит своего героя в небывалую ситуацию: бедный, талантливый художник получает вдруг все, о чем мечтает, через таинственный портрет, который он сам покупает на последние деньги у торговца. Его странно привлекают глаза изображенного на портрете.
Словно живой взгляд удивляет всех своей силой и страшной правдоподобностью. В ту же ночь Чартков видит. странный полусон-полуявь. Ему снится, что старик, изображен” ный на портрете, “пошевелился и вдруг уперся в рамку обеими руками.
Наконец приподнялся на руках и, высунув обе ноги, выпрыгнул из рам…” Во сне Чартков видит у старика 1000 червонцев, но наяву деньги действительно оказываются в раме портрета.
Квартальный неосторожно задевает раму, и тяжелый сверток падает перед Чартковым.
Первые мысли, подсказываемые рассудком, были благородны: “Теперь я обеспечен, по крайней мере, на три года, могу запереться в комнату, работать.
На краски теперь у меня есть; на обед, на чай, на содержанье, на квартиру есть; мешать и надоедать мне теперь никто не станет; куплю себе отличный манекен, закажу гипсовый торсик, сформую ножки, поставлю Венеру, накуплю гравюр с первых картин.
И если поработаю три года для себя, не торопясь, не на продажу, я зашибу их всех и могу быть славным художником”. Но давно бедствующий художник мечтал и о другом.
“Изнутри раздавался другой голос, слышнее и звонче. И как взглянул он еще раз на золото, не то заговорили в нем двадцать два года и горячая юность”.
Важно
Чартков и не заметил, как накупил себе нарядов, “прокатился два раза по городу в карете без всякой причины”, побывал в ресторане, у парикмахера и переехал на новую квартиру.
Головокружительная карьера свалилась на него. О нем напечатали в газете, и появились первые заказчицы.
– Знатная дама привела свою дочь, писать с нее портрет. Гоголь ни в одном из своих произведений не обходится без комичных моментов. Здесь очень меткая шутка восторгов дамы по поводу живописи: “— Однако мсье Ноль… ах, как он пишет! Какая необыкновенная кисть! Я нахожу, что у него даже больше выраженья в лицах, нежели у Тициана.
ты не знаете мсье Ноля? — Кто этот Ноль?— спросил художник. — Мсье Ноль. Ах, какой талант!” Одной шуткой переданы уровень и интересы светского общества.
Художник с большим интересом и еще не утраченным талантом начал писать портрет. Он передавал холсту все оттенки юного лица, не пропустил и некоторую желтизну и едва заметную голубую тень под глазами. Но матери это не понравилось.
Она возразила, что это может быть только сегодня, а обычно лицо поражает особой свежестью. Исправив недостатки, художник с огорчением заметил, что пропала и индивидуальность натуры. Желая все же выразить то, что он подметил в девушке, Чартков переносит все это на свой старый эскиз Психеи.
Дамы же приходят в восторг от “сюрприза”, что худож ник придумал изобразить ее “в виде Психеи”.
Не сумев переубедить дам, Чартков отдает портрет Психеи. Общество восхищалось новым талантом, Чарткову посыпались заказы. Но это было далеко не то, что дает возможность развиваться живописцу.
Здесь Гоголь тоже дает волю юмору: “Дамы требовали, чтобы преимущественно только душа и характер изображались в портретах, чтобы остального иногда вовсе не придерживаться, округлить все углы, облегчить все изъянцы и даже, если можно, избежать их вовсе…
Мужчины тоже были ничем не лучше дам.
Совет
Один требовал себя изобразить в сильном, энергическом повороте головы; другой — с поднятыми кверху вдохновенными глазами; гвардейский поручик требовал непременно, чтобы в глазах виден был Марс; гражданский сановник норовил так, чтобы побольше было прямоты, благородства в лице и чтобы рука оперлась на книгу, на которой бы четкими словами было написано: “Всегда стоял за правду”.
И вот со временем Чартков становится модным, но, увы, пустым живописцем. Причиной тому, конечно, был купленный портрет с его дьявольскими чарами.
Но через фантастический сюжет автор показывает, что могут сотворить с человеком слава и богатство. Не обязательно покупать волшебный портрет, чтобы стать рабом.
Не зря еще в самом начале повести Чарткова предупреждает профессор, его наставник: “У тебя есть талант; грешно будет, если ты его погубишь.
Смотри, чтоб из тебя не вышел модный живописец”. Постепенно пропадает творческое стремление, трепет. Занятый балами и визитами художник едва набрасывает основные черты, оставляя дорисовывать ученикам.
Уже и тот талант, который пробивался в нем вначале, бесследно угас за приукрашиванием чиновников, дам, их дочерей и подруг. На пьедестал, который раньше занимала живопись, взгромоздилась страсть к золоту. Золото стало для Чарткова всем. Оно заполонило бы его жизнь полностью, если б не одно событие.
Академия художеств пригласила знаменитого Чарткова оценить привезенную из Италии картину русского художника.
Увиденная картина так поразила знаменитость, что он даже не смог выразить заготовленное пренебрежительное суждение. Живопись была так прекрасна, что всколыхнула в нем зачерствевшее прошлое. Слезы задушили его, и, не сказав ни слова, он выбежал из залы. Внезапное озарение погубленной жизни ослепило его.
Обратите внимание
Осознав, что никогда не вернуть убитый талант, ушедшую молодость, Чартков становится страшным чудовищем. Со зловещей алчностью начинает он скупать все достойные произведения искусства и уничтожать их. Это становится главной страстью и единственным его занятием.
В итоге безумный и больной художник умирает в жуткой горячке, где везде ему чудится портрет старика.
Отовсюду смотрят на него страшные глаза с портрета… Но еще один герой, о котором говорится только во второй части повести, поступает иначе.
Этот молодой художник встречает очень необычного человека, ростовщика, который просит написать его портрет. Слухи о ростовщике ходят очень таинственные. Все, кто связывался с ним, обязательно попадали в беду.
Но художник все же берется писать портрет. Сходство с оригиналом выходит поразительное, глаза словно смотрят с портрета.
И вот, написав ростовщика, художник осознает, что не сможет больше писать чистые образы. Он понимает, что изобразил дьявола. После этого он навсегда уходит в монастырь, чтобы очиститься. Седым старцем он достигает просветления и, берясь за кисть, уже способен писать святых.
Давая наставления сыну, он сам говорит как святой: “Намек о божественном, небесном заключен для человека в искусстве, и по тому одному оно уже выше всего… Все принеси ему в жертву и возлюби его всей страстью, не страстью, дышащей земным вожделением, но тихой небесной страстью: без нее не властен человек возвыситься от земли и не может дать чудных звуков успокоения.
Ибо для успокоения и примирения всех нисходит в мир высокое создание искусства”. Но тем не менее повесть не заканчивается оптимистично.
Важно
Гоголь дает портрету продолжить свое роковое путешествие, предупреждая, что никто не застрахован от зла.
Источник: http://historylib.net/syuzhet-geroi-problematika-odnoj-iz-povestej-n-v-gogolya-portret-gogol-n-v/
«Портрет» за 9 минут. Краткое содержание повести Гоголя
: Молодой художник покупает портрет, в котором находит тайник с золотом. Золото совращает его, губит его талант. Позже выясняется, что в портрете заключена душа ростовщика, погубившего много людей.
Названия частей — условные.
Часть 1. Таинственный портрет губит молодого художника
Проходя однажды мимо одного из петербургских рынков, молодой художник Чартков случайно зашёл в лавку с дешёвыми картинами, начал рыться в хранившемся там хламе и нашёл неоконченный, но очень талантливо написанный портрет.
Андрей Петрович Чартков — молодой художник, талантливый, бедный, трудолюбивый, но способный увлечься и сойти с верного пути
Продолжение после рекламы:
На портрете был изображён старик со смуглым восточным лицом, в широком азиатском костюме. Особенно тщательно были написаны глаза старика, глядящие с полотна как живые.
Это было уже не искусство: это разрушало даже гармонию самого портрета. Это были живые, это были человеческие глаза!
На последние деньги Чартков купил портрет и повесил его в своей квартирке.
Художник был беден, талантлив и самоотверженно предан своему делу, но нетерпелив и иногда слишком увлекался чем-то одним. Профессор не раз предупреждал Чарткова, чтобы тот берёг свой талант, не поддавался пустому щегольству и не вздумал становиться модным живописцем. Двадцатидвухлетнему Чарткову иногда хотелось «кутнуть и щегольнуть», но был он способен и на упорный труд. Большую часть времени он проводил в своей мастерской, совершенствуясь во владении кистью и забывая про еду и сон.
Когда стемнело, портрет старика стал ещё более зловещим. Чартков начал его бояться. Закрыв портрет простынёй, он лёг за ширму и уснул. Ему приснилось, как старик вылез из портрета, сел у его постели и начал пересчитывать продолговатые свёртки с золотыми монетами. Один свёрток откатился в сторону и художник схватил его. Старик же пересчитал своё золото, собрался залезть обратно в портрет, но обнаружил, что одного свёртка не хватает, и вернулся. Задыхаясь от ужаса, Чартков проснулся, увидел, что стоит перед портретом и смотрит ему в глаза и… проснулся снова, а потом проснулся ещё раз, увидев, как страшный старик пытается сбросить накинутую на портрет постынь. После этой чреды кошмаров Чартков заснул только под утро.
Брифли существует благодаря рекламе:
Поздно утром к художнику явился хозяин дома в сопровождении квартального и начал требовать плату за квартиру. Квартальный тем временем, рассматривая портрет старика, слишком сильно нажал на раму, в ней открылся тайник, из которого выпал продолговатый свёрток с монетами, точно такой же, как и во сне Чарткова. Художник подхватил свёрток так быстро, что никто не заметил, что же выпало из рамы. Быстро выпроводив домовладельца и квартального, Чартков открыл свёрток. В нём была тысяча золотых монет. На один миг у Чарткова мелькнула мысль, что теперь он может надолго запереться в мастерской, работать и стать хорошим художником. Однако потом в нём заговорила «горячая юность», и он не устоял перед искушением.
Чартков переехал в хорошую квартиру, купил новую одежду и заказал журналисту статью, которая описывала его как непревзойдённого портретиста. Вскоре у него появились клиенты из высшего света.
Сначала Чартков старался выписывать каждую деталь, подмечать индивидуальные черты, вкладывать в портреты душу и талант. Его первая работа — портрет дочери богатой дамы, вышел очень хорошо. О Чарткове заговорили, клиенты потекли рекой. Каждый из них требовал изобразить себя в неестественной, шаблонной позе, сглаживая все изъяны, художнику приходилось повиноваться. Вскоре Чартков перестал работать тщательно, его портреты стали похожи на грубые картинки из дешёвой лавки.
Продолжение после рекламы:
Шли года. Сначала Чартков стал модным художником и светским щёголем, потом его начали считать мэтром, «предлагать по службе почётные места», приглашать в комитеты и на экзамены. С высоты своего положения он упрекал молодёжь в безнравственности и начинал верить, что вдохновения не существует.
Слава не может дать наслажденья тому, кто украл её, а не заслужил; она производит постоянный трепет только в достойном её.
Постепенно страстью Чарткова стало золото, он начал копить, скопил огромные богатства и стал «беспричинным скрягой».
Однажды его попросили высказать своё мнение о художнике, приславшем из Италии свою картину. В отличие от Чарткова, этот художник не польстился на соблазны и сумел раскрыть свой талант. Увидев картину, Чартков разрыдался и выбежал из залы. Он понял, что безжалостно погубил свой талант. Чартков попытался написать падшего ангела, но убедился, что может создавать только «модные картинки».
Чартковым овладела ужасная зависть. Он начал скупать картины талантливых художников и уничтожать их. Благодаря накопленному богатству, он смог купить и уничтожить множество прекрасных произведений. Жгучая зависть изменила внешность Чарткова, он стал похож на демона. Наконец, накал страстей сказался на его здоровье — у него начались припадки бешенства, во время которых ему виделись живые глаза старика с портрета. Затем он заболел чахоткой и умер.
Брифли существует благодаря рекламе:
От огромных богатств Чарткова ничего не осталось. Люди нашли только куски уничтоженных им картин.
Часть 2. История создания портрета
В одном богатом доме проходил аукцион — продавалось имущество умершего мецената. Большая толпа собралась возле портрета смуглолицего старика в восточном одеянии с необычайно живыми глазами. Все жаждали купить этот портрет, но внезапно появился известный художник Б., предъявивший на него права.
Художник Б. — известный и талантливый художник, 35 лет, сын художника-самоучки, скромно одет, с приятным, беззаботным лицом и чёрными кудрями
Он рассказал историю этого портрета, написанного его отцом.
Во времена царствования Екатерины II в мрачном каменном доме глухого района Петербурга жил очень богатый ростовщик, о котором ходили плохие слухи.
Ростовщик — богатый, нелюдимый старик в просторном азиатском одеянии, высокий, смуглолиций, с восточной внешностью и горящими, пронзительными глазами
Ростовщик щедро раздавал деньги на казалось бы выгодных условиях, которые оборачивались пожизненной кабалой. Кроме этого, деньги ростовщика приносили несчастья.
Один молодой меценат, отличившийся на государственной службе и замеченный императрицей, взял у ростовщика денег на развитие наук и искусств, но после этого сильно изменился. Им овладела зависть к уму и таланту, он стал подозрительным и начал писать доносы. Узнав об этом, императрица наказала его, и он умер в припадке страшного безумия.
Один князь, хотевший жениться на первой красавице Петербурга, тоже взял заём у ростовщика — родня красавицы считала, что он слишком беден. До этого благородный князь и красавица были влюблены друг в друга и считались идеальной парой, но после свадьбы молодой муж стал неимоверно ревнив, начал всячески изводить и даже избивать жену. Когда она заговорила о разводе, князь попытался убить её, и, потерпев неудачу, покончил с собой.
Ходили слухи и о множестве других несчастий, случившихся с простыми людьми, которые взяли деньги у ростовщика.
Там честный, трезвый человек делался пьяницей; там купеческий приказчик обворовал своего хозяина; там извозчик, возивший несколько лет честно, за грош зарезал седока.
Недалеко от ростовщика жила и семья художника Б. Его отец был талантливым художником-самоучкой, он писал картины и иконы для церквей.
Отец художника Б. — художник-самоучка, талантливый самородок, честный, прямой, немного грубый, с гордой душой и твёрдым характером и принципами
Однажды ему заказали картину, на которой должен был присутствовать дьявол. Размышляя о том, каким должен быть дьявол, художник невольно вспоминал тёмное лицо и горящие глаза ростовщика.
Однажды ростовщик сам явился в мастерскую художника и заказал ему свой портрет. У ростовщика было одно условие: портрет должен быть «совершенно как живой».
Художник согласился, пришёл в дом ростовщика и начал писать портрет, особенно тщательно выписывая его глаза. Постепенно художником овладел сильный страх. Наконец, он отказался продолжать работу и ушёл, хотя ростовщик и умолял его закончить портрет. Он верил, что если художник верно передаст его черты, он останется жить в этом портрете.
На следующий день слуги ростовщика художнику принесли незаконченный портрет. Вечером художник узнал, что ростовщик умер.
Вскоре характер художника начал меняться, он стал зол, раздражителен и завидовал своему самому талантливому ученику. Когда ученик обошёл его в конкурсе на картину для новой церкви, художник впал в ярость и хотел сжечь незаконченный портрет. Картину спас его приятель-живописец, большой весельчак. Он взял картину себе, но вскоре почувствовал беспричинный страх, и отдал её племяннику, тот продал портрет коллекционеру, и картина пошла по рукам.
Узнав об этом, художник понял, что стал орудием дьявола. Смерть жены, дочери и младшего сына убедили его в этом. Отправив оставшегося сына в Академию искусств, художник ушёл в монастырь, а потом стал отшельником. Отмолив свой грех, он создал великолепную картину, изображавшую рождение Иисуса.
К этому времени художник Б. окончил Академию искусств и перед отъездом в Италию пришёл попрощаться с отцом. Отец рассказал сыну историю портрета и попросил уничтожить, если он попадётся ему на глаза.
Мне говорили, что портрет этот ходит по рукам,… зарождая в художнике чувство зависти, мрачной ненависти к брату, злобную жажду производить гоненья и угнетенья.
Закончив рассказ, художник Б. обернулся к стене, где висел портрет, и обнаружил, что он исчез — пока все слушали историю, кто-то стащил картину. Люди долго недоумевали: на самом ли деле они видели изображение страшного старика, «или это была просто мечта, представшая только на миг глазам их, утружденным долгим рассматриванием старинных картин».
Анализ повести «Портрет» (Н. Гоголь)
Н. В. Гоголь видел Петербург не только как цветущую столицу, чья жизнь полна пышными балами, не только город, где сосредоточены лучшие достижения искусства России и Европы. Писатель видел в нем концентрат порочности, бедности и малодушия. Обозначению проблем общества северной Пальмиры, а вместе с тем и всей России, и поиску путей спасения был посвящен сборник «Петербургские повести». В этот цикл включен «Портрет», о котором пойдёт речь в нашей статье.
История создания
Идея повести «Портрет» возникла у писателя в 1832 году. Первая редакция была опубликована в сборнике «Арабески» в 1835 году. Позднее, уже после написания «Мёртвых душ» и поездки за границу, в 1841 году Гоголь подвергает книгу существенным изменениям. В третьем номере «Современника» новая версия увидела свет. В нем были изменены эпитеты, диалоги, ритмика изложения, а фамилия ведущего персонажа стала «Чартков» вместо «Чертков», что ассоциировалось с чёртом. Такова история «Портрета».
Мотив изображения, обладающего зловещей силой, был навеян Гоголю модным тогда романом Метьюрина «Мельмот Скиталец». Кроме того, образ жадного ростовщика также роднит эти произведения. В образе алчного дельца, чей портрет переворачивает жизнь главного героя, слышны отголоски мифа об Агасфере – «Вечном жиде», который не может обрести покой.
Смысл названия
Идейный замысел произведения кроется в его названии – «Портрет». Гоголь не случайно так нарекает своё детище. Именно портрет является краеугольным камнем всего сочинения, позволяет расширить жанровый диапазон от повести до детектива, а также полностью меняет жизнь главного героя. Наполнен он и особым идейным содержанием: именно он является символом алчности, порочности. Эта работа ставит вопрос об искусстве, его подлинности.
Кроме того, такое название повести заставляет читателя задуматься над проблемами, которые раскрывает писатель. Каким ещё мог бы быть заголовок? Предположим, «Гибель художника» или «Жадность», всё это не несло бы такого символического значения, а зловещее изображение оставалось бы только произведением искусства. Название же «Портрет» фокусирует читателя именно на этом творении, заставляет всегда держать в уме, а впоследствии, видеть в нём больше, чем запечатлённое лицо.
Жанр и направление
Направление фантастического реализма, заданное Гоголем, относительно мало проявилось в этом произведении. Здесь нет призраков, оживших носов или иных очеловечившихся предметов, но присутствует некая мистическая сила ростовщика, чьи деньги приносят людям только горе; картина, выполненная в конце его жизни, продолжает страшную миссию запечатленного на ней человека. Но всем наводящим ужас явлениям, происходившим с Чартковым после приобретения полотна, Гоголь даёт простое объяснение: это был сон. Поэтому роль фантастики в «Портрете» не велика.
Повесть во второй части получает элементы детективной истории. Автор даёт объяснение, откуда могли появиться деньги, находка которых в начале произведения казалась волшебной. Кроме того, черты детектива имеет и сама судьба портрета: он таинственным образом исчезает со стены во время аукциона.
Изображение характеров капризных клиентов Чарткова, его наивная тяга к безвкусной пышности – всё это приёмы комического, воплощенные в книге. Поэтому жанр повести соотносится с сатирой.
Композиция
Повесть «Портрет» состоит из двух частей, но каждая из них имеет свои особенности композиции. Первый раздел имеет классическое строение:
- экспозиция (быт бедного художника)
- завязка (покупка портрета)
- кульминация (душевное расстройство Чарткова)
- развязка (смерть живописца)
Вторую часть можно воспринимать как эпилог или некий авторский комментарий к вышеизложенному. Особенности композиции «Портрета» в том, что Гоголь использует приём рассказ в рассказе. Сын художника, написавшего зловещий портрет, появляется на аукционе и заявляет о своих правах на работу. Он рассказывает о непростой судьбе своего отца, жизни алчного ростовщика и мистических свойствах портрета. Обрамляет его речь торг аукционеров и исчезновение самого предмета спора.
О чем?
Действие происходит в Петербурге. Молодой художник Чартков находится в крайней нужде, но на последние гроши покупает в лавке на Щукином дворе портрет старика, глаза которого «гладят, как живые». С тех пор в его жизни стали происходить небывалые перемены. В одну ночь молодому человеку приснилось, будто старик ожил и высунул мешок с золотом. На утро в рамке картины были обнаружены золотые червонцы. Герой переехал с лучшую квартиру, приобрел все необходимые для живописи вещи в надежде посвятить всего себя искусству и развить свой талант. Но всё вышло совсем по-другому. Чартков сделался модным популярным художником, а его основной деятельностью стало написание заказных портретов. Однажды он увидел работу своего товарища, которая пробудила в молодом человеке былой интерес к настоящему творчеству, но было уже слишком поздно: рука не слушается, кисть выполняет лишь заученные штрихи. Тогда он приходит в бешенство: скупает лучшие полотна и зверски уничтожает их. В скором времени Чартков погибает. Такова суть произведения: материальные блага губят в человеке творческую натуру.
Во время аукциона, когда распродаётся его имущество, один господин заявляет права на портрет старика, который был куплен Чартковым на Щукином дворе. Он рассказывает предысторию и описание портрета, а также признается, что сам он — сын художника, автора этой работы. Но во время аукциона полотно загадочным образом исчезает.
Главные герои и их характеристика
Можно сказать, что у каждой части повести есть свой главный герой: в первой это Чартков, а во второй ярко представлен образ ростовщика.
- Характер молодого художника на протяжении произведения меняется кардинально. В начале «Портрета» Чартков – это романтический образ художника: он мечтает развить свой талант, учиться у лучших мастеров, только были бы для этого деньги. И вот деньги появляются. Первый порыв был вполне благороден: молодой человек закупился всем необходимым для занятий живописью, но желание стать модным и известным более легким путем, нежели через многочасовой труд, взяло верх. В конце первой части художник обуреваем алчностью, завистью и досадой, что заставляет его скупать лучшие картины и уничтожать их, он становится «свирепым мстителем». Конечно, Чартков – маленький человек, неожиданное богатство вскружило ему голову и в итоге свело с ума.
- Но можно предположить, что действие золотых червонцев на главного героя связано не с его низким социальным положением, а с мистическим действием денег самого ростовщика. Сын автора портрета этого персиянина рассказывает множество историй об этом. Сам ростовщик, желая сохранить часть своей силы, просит художника написать с него портрет. Отец рассказчика взялся за эту работу, но не смог с нею справиться. В этом живописце Гоголь изобразил истинного творца в христианском понимании: пройти очищение, усмирить свой дух и только тогда приступать к работе. Он противопоставляется Чарткову — художнику из первой части повести.
Темы
Эта относительно небольшая по объёму повесть затрагивает множество тем, касающихся довольно разнообразных сфер жизни человека.
- Тема творчества. Гоголь представляет нам двух художников. Каким должен быть истинный творец? Один стремится к изучению работ мастеров, но не прочь обрести славу и более легким путём. Другой живописец в первую очередь работает над собой, над своими желаниями и страстями. Для него искусство – это часть его философии, его религии. Это его жизнь, оно ей не может противоречить. Он чувствует ответственность перед творчеством и считает, что человек должен доказать своё право заниматься им.
- Добро и зло. Эта тема выражена как через искусство, так и через богатство. С одной стороны, необходимы оперённые средства, чтобы творец мог свободно заниматься своим делом и развивать свой талант. Но на примере Чарткова мы видим, что изначально благие намерения вложиться в своё совершенствование могут обернуться гибелью, прежде всего, гибелью человеческой души. Только ли мистическая мила наследия ростовщика тому виной? Гоголь показывает, что всё человек может преодолеть, только бы он был сильным. Главный герой же продемонстрировал слабость духа, потому и сгинул.
- Богатство – основная тема в повести «Портрет». Здесь она представлена, как способ обрести счастье. Казалось бы, вот немного денег, и всё станет прекрасно: будет счастливый брак с первой красавицей, кредиторы оставят в покое семью, приобретётся всё необходимое для творчества. Но всё выходит иначе. Кроме удовлетворения потребностей, у денег есть оборотная сторона: порождение алчности, зависти и малодушия.
Проблематика
- Проблема искусства. В повести Гоголь предлагает художнику два пути: писать портреты ради денег или заниматься самосовершенствованием без особых претензий на достаток. Живописец стоит перед сложным выбором: для развития ему необходимы средства на краски, кисти и прочее, но многочасовая работы и бесславие никаких денег не принесут. Есть способ быстро разбогатеть, но написание портретов не подразумевает повышение уровня мастерства. Решая, как быть, необходимо помнить одно: если тот, кто следует пути мастера-инока, ошибется, он сможет ещё спастись, но идущий по лёгкой дороге уже не избавится от «затверженных форм».
- Тщеславие. Гоголь показывает в повести, как неожиданно разбогатевший Чартков постепенно приходит к тщеславию. Сначала он делает вид, что не узнаёт своего учителя, потом соглашается терпеть капризы клиентов ради денег и славы. Предзнаменованием беды становится порицание классиков, а итогом этого пути явилось сумасшествие.
- Бедность. Эта проблема стоит перед большинством героев «Портрета». Нищета не позволяет Чарткову свободно заниматься творчеством, из-за не самого высокого положения один из героев второй части не может жениться на возлюбленной. Но бедность здесь — проблема не только материальная, но и духовная. Золото сводит героев с ума, делает их алчными и завистливыми. По мнению автора, малодушный человек с большими деньгами не в состоянии справиться: они его окончательно разрушают.
Смысл повести
Всегда помнить о своей душе, а не гнаться за богатством – это и есть основная мысль повести «Портрет». Все возможности для достижения цели, обретения счастья в человеке уже есть – об этом говорит Гоголь. Позже Чехов обратится к этой мысли в своей драме «Три сестры», где девушки будут верить, что путь к радости – Москва. А Николай Васильевич показывает, что прийти к цели, в данном случае – постичь искусство, можно и без особенных материальных затрат. Главное не в них, а во внутренней силе человека.
Рассказчик во второй части повествует о фатальном воздействии денег ростовщика, но справедливо ли все беды приписывать мистике? Человек, ставящий во главу угла деньги, уязвим перед завистью и порочностью. Именно поэтому в счастливом супруге пробудилась дикая ревность, а в Чарткове – отчаяние и мстительность. В этом кроется философский смысл повести «Портрет».
Личность, сильная духом, на подвластна таким низким качествам, она способна справиться с ними и изжить их из себя. Это иллюстрирует жизненный путь художника, автора портрета ростовщика.
Чему учит?
Повесть «Портрет» предупреждает об опасности превознесения денег. Вывод прост: нельзя богатство ставить как цель жизни: это приводит к гибели души. Важно заметить, что для образа маленького человека свойственна не только бедность материальная, но и духовная. Этим можно объяснить беды Чарткова и заёмщиков ростовщика. Но Гоголь не приводит ни одного положительного примера, когда деньги принесли бы пользу. Авторская позиция выражена ярко: единственный правильный путь писатель видит в духовном совершенствовании, в отречении от светских соблазнов. Главный герой понимает это слишком поздно: он не внял предупреждениям своего учителя, за что был жестоко наказан.
В этой повести Гоголь по стилю и методу соотнесения фантастического и реального наиболее близок к Гофману. Здесь каждую необычную вещь можно объяснить рационально, а действующие лица максимально близки к обществу Петербурга. Такая убедительность встревожила читателя повести и сделала «Портрет» актуальным произведением и для современников Гоголя, и для наследников.
Критика
Литературная критика современников автора была разнообразной. Белинский неодобрительно относился к этой повести, особенно к второй части, он считал её приделкой, в которой не видно самого сочинителя. Придерживался подобной позиции и Шевырев, обвиняя Гоголя в слабом проявлении фантастического в «Портрете». Но вклад Николая Васильевича в развитие русской классической прозы трудно переоценить, и «Портрет» в том числе вносит сюда свою лепту. Об этом говорит в своих статьях Чернышевский.
Рассматривая оценки критиков, важно иметь в виду, что финальная редакция «Портрета» была в поздний, критический период творчества Гоголя. В это время писатель ищет путь к спасению России, погрязшей во взяточничестве, жадности и филистерстве. В письмах к друзьям он признаётся, что видит возможность исправить ситуацию в поучении, а не во внедрении каких-либо новомодных идей. С этих позиций следует рассматривать справедливость критики Белинского и Шевырёва.
Автор: Александра Барбашова
Интересно? Сохрани у себя на стенке!И.Е. Репин. Портрет И.С. Тургенева (1879)
Холст, масло. 89 х 68
Сложна и запутанна история создания Ильей Ефимовичем Репиным (1844 – 1930) портрета великого русского писателя Ивана Сергеевича Тургенева (1818 – 1883). Портрет был заказан художнику Павлом Михайловичем Третьяковым, мечтавшим собрать портретную галерею передовой русской интеллигенции XIX века – «разума нации»: художников, писателей, ученых.
Впервые Тургенев позировал художнику в 1874 году в Париже в доме Полины Виардо. По окончании портрет не понравился многим, в первую очередь П. Виардо, да и сам художник считал его неудачным. Сначала Третьяков приобрел его, но впоследствии вернул автору (только после революции этот портрет вновь оказался в ГТГ). Однако Третьяков не отказался от первоначальной идеи и сумел уговорить Тургенева вновь позировать, а Репина – еще раз взяться за работу.
В феврале 1879 года Репин в течение нескольких сеансов писал Тургенева во время его кратковременного приезда в Москву, несмотря на тяжелые приступы подагры у последнего. Судя по письмам Третьякова, этот портрет значительно больше нравился коллекционеру, но по каким-то причинам он его не приобрел. Портрет экспонировался на VII передвижной выставке Товарищества передвижных художественных выставок в Москве и позже, в 1908 году, – на XXXVI выставке Товарищества в Петербурге. Он был воспроизведен в каталоге выставки и тогда же с него печатались открытки.
Данная работа долгие годы находилась в мастерской художника и только в начале XX века была продана варшавскому коллекционеру Н.Н. Максимовскому. При продаже, то есть через много лет, Репин ошибочно поставил на нем дату – «1878», чем позднее ввел в заблуждение московских исследователей, позволив им усомниться в авторстве, так как надпись, конечно же, не соответствовала красочному слою всего холста.
Однако Тургенев был в России, в Москве только в феврале 1879 года, да и письма Третьякова Репину, написанные тогда же, во время работы художника над произведением, подтверждают правильность существующей датировки. Кроме того, в 1991 году из Всесоюзного государственного художественно-реставрационного центра имени И.Э. Грабаря пришло экспертное заключение, подтверждавшее подлинность произведения.
История тургеневских портретов на этом не закончилась. В 1883 году после смерти писателя Репин по старым наброскам написал еще один, близкий предыдущему портрету писателя, который в 1884 году экспонировался на XII выставке ТПХВ. Дальше сведения об этих портретах были перепутаны. Чаще всего специалисты вели разговор об одном портрете, просто считая, что художник несколько раз его переписывал.
Известный исследователь И.С. Зильберштейн «развел» эти портреты, доказав, что их было два, и они различны. Тем более, что в 1909 году на большой выставке, посвященной памяти Тургенева в Императорской Академии наук, экспонировались два портрета писателя, написанные в 1879-м (ныне севастопольский) и 1883 годах, причем первый уже значился в каталоге как собственность Н. Н. Максимовского, другой – кассы взаимопомощи учащихся Академии художеств.
Однако затем и И.С. Зильберштейн ошибся. Он перепутал сами изображения, вероятно, потому, что не существовало точного воспроизведения более позднего портрета да и местонахождение обоих произведений в 1940-е годы было неизвестно. В 1947 году в книге «Репин и Тургенев» он воспроизвел портрет, который с 1950-х годов хранится в Севастополе (композиция и все детали совпадают). Однако дату под ним поставил «1883 год», хотя, несмотря на ретушь, даже на этой репродукции, а также на дореволюционных открытках и воспроизведении в каталоге XXXVI выставки ТПХВ над головой писателя в боковом свете можно прочесть дату «1878».
Вот таким сложным и очень долгим оказался путь к зрителю одного из лучших портретов знаменитого русского писателя И.С. Тургенева, созданного в 1879 году великим русским живописцем И.Е. Репиным.
Портрет Дориана Грея. История создания текста
Художник Бэзил Холлуорд пишет портрет молодого и прекрасного Дориана Грея. Любуясь своим изображением, юноша выражает желание, чтобы портрет старел, а он всегда оставался молодым. Далее он случайно знакомится с другом Бэзила, лордом Генри, саркастичным гедонистом, презирающим традиционные викторианские ценности, и попадает под влияние его порочных идей.
Дориан влюбляется в актрису, юную красавицу Сибилу Вэйн, но после провала спектакля, на который он пригласил лорда Генри и Бэзила, он грубо отвергает её, из-за чего она кончает с собой. Брат Сибилы, моряк Джеймс Вэйн клянётся отомстить, а Дориан замечает, что после этого случая лицо портрета исказила злая усмешка, и понимает, что его желание о «стареющем вместо него портрете» сбылось.
Поддавшись дурному влиянию Генри, Дориан становится всё более порочным и развратным, что отражается на портрете, но сам он при этом сохраняет молодость и по-прежнему хорош собой. Годы спустя, художник пытается выяснить, правда ли все эти ужасные слухи, что ходят о Дориане, после чего Грей показывает ему портрет, а затем убивает, так как именно его считает виноватым в своём моральном падении.
После убийства его начинают преследовать навязчивые страхи, которые усиливаются после случайной встречи с Джеймсом Вэйном, мечтающим отомстить за смерть сестры. Дориану удаётся уйти от Вэйна, убедив его, что тот перепутал его с кем-то другим — ведь он по-прежнему выглядит молодо, как и 18 лет назад. Однако Вэйн быстро осознаёт свою ошибку, и снова начинает искать его, но погибает, будучи случайно застреленным.
Несмотря на миновавшую опасность, Дориан никак не может найти покоя, и решает, что теперь будет делать добро. Сделав, по его мнению, доброе дело — отпустив влюбившуюся в него крестьянскую девушку, не обесчестив её, он идёт к портрету, надеясь, что тот стал лучше, но, взглянув на него, понимает, что его помыслами руководит лишь тщеславие. Дориан в отчаянии вонзает нож в портрет, после чего умирает сам.
Слуги находят нетронутый портрет, на котором изображён прекрасный молодой человек, а рядом с ним — отталкивающего старика, вонзившего нож себе в грудь. В старике они и узнают Дориана Грея.
Оскар Уайльд говорил, что в романе «Портрет Дориана Грея» (1891) три главных героя являются отражением его самого:
«Бэзил Холлуорд — это, по моему мнению, я сам; Лорд Генри — это я, по мнению окружаюших: Дориан — это тот, кем бы я хотел быть — в другие времена, возможно».
Лорд Генри и Бэзил Холлуорд перед портретом Дориана Грея (иллюстрация 1908 года
Источники вдохновения
В Дориане Грее, главном герое романа, угадываются черты нового Фауста. В роли Мефистофеля выступает лорд Генри, именно он на протяжении всего романа соблазняет Дориана Грея идеями нового гедонизма, превращает невинного и талантливого юношу в порочное чудовище. Под роль Маргариты попадает Сибилла Вейн, новый Валентин — Джеймс Вейн. Как известно, Фауст также получил от Мефистофеля вечную молодость.
Основным источником вдохновения для Уайлда служил, по-видимому, аллегорический роман Бальзака «Шагреневая кожа». Декадентский же дух произведения восходит к натуралистическому роману Гюисманса «Наоборот» (1884). Вероятно, это и есть та книга, которую лорд Генри даёт Дориану. Готический роман «Мельмот Скиталец» был известен Уайльду с детства, поскольку его автор, Чарлз Роберт Метьюрин, приходился ему двоюродным дедушкой. Именно к «Мельмоту» восходит и идея о таинственном портрете, прототип которого не старится, и отчасти герой, который может позволить себе всё. Также Уайльда вдохновила фантастическая-психологическая повесть «Странная история доктора Джекила и мистера Хайда». В романе встречаются многочисленные аллюзии на произведения Уильяма Шекспира («Буря», «Ромео и Джульетта», «Гамлет»). Не вызывает сомнений влияние на роман рассказа «Овальный портрет» (1842) Эдгара Аллана По. За пять лет до выхода романа Уайльд одобрительно высказывался о выразительности произведений По.
Работа над романом. История публикации
Роман был написан всего лишь за три недели. Впервые напечатан в июле 1890 года в американском «Ежемесячном журнале Липпинкотта» (Lippincott’s Monthly Magazine). В апреле 1891 года издан в Лондоне отдельной книгой, дополненной особым предисловием, ставшим манифестом эстетизма, а также шестью новыми главами. Некоторые главы во второй версии полностью переработаны.
После публикации романа в обществе разразился скандал. Литературные критики осудили его как аморальное произведение, а некоторые даже требовали подвергнуть его запрету, а автора романа — судебному наказанию. Уайльда обвиняли в оскорблении общественной морали. Однако обычными читателями роман был принят восторженно.
Ни один из пороков Дориана Грея чётко в романе не назван, кроме его злоупотребления опиумом. Сам Уайльд говорил, что каждый видит в его герое свои собственные грехи и пороки:
Каждый человек видит в Дориане Грее свои собственные грехи. В чём состоят грехи Дориана Грея, не знает никто. Тот, кто находит их, привнес их сам Из письма О. Уайльда редактору «Скотс обсервер», 1890 г.
Сотворение Адама Микеланджело
Картина Микеланджело «Сотворение Адама» может быть только частью потолка Сикстинской капеллы, но что-то в этой картине выделяет ее. Его можно считать одним из самых знаковых образов в истории европейского искусства.
Он отражает не только смелую точку зрения художника — неудивительно, что картина, даже находясь рядом с Сотворением Евы и Конгрегацией вод, по-прежнему составляет самую известную часть потолка Сикстинской капеллы.Во времена Микеланджело большинство художников создавали свое искусство одним особым образом. Сцены творения были обычным явлением, но Сотворение Адама нарушило границы, установленные в области искусства, и вышло за рамки обычного. На картине преобладают фигура Бога и фигура Адама.
Адам, расположенный слева, раскрашен в несколько непринужденной манере. Его фигура, кажется, откликается на неминуемое прикосновение Бога — вот тут-то и появляется название.Адам получает жизнь непосредственно из источника, и через данную ему жизнь он, в свою очередь, даст жизнь всему человечеству. Религиозные темы стали одними из самых вдохновляющих материалов для художников эпохи Возрождения.
Описание картины
Эта картина, в некотором смысле, изображает нечто большее, чем создание первого человека, фактически, она показывает самое начало того, что позже станет человечеством.Фигура Адама изогнута, когда он тянется к Богу, думая о том, что человек создан по подобию самого Бога. По тому, как две доминирующие фигуры связаны и соответствуют друг другу, можно почти увидеть близость Адама со своим создателем. Микеланджело сотворил Сотворение Адама таким образом, что фигура Адама перекликается с фигурой Бога, как если бы одна из них была не чем иным, как продолжением другой.
Форма Бога, в свою очередь, простирается, чтобы достичь Адама.Однако кажется, что Бог находится в какой-то подвешенной незаметной форме, в которой обитает он и другие ангельские фигуры. Ангелы в кадре Микеланджело отличаются от типичного изображения ангелов тем, что у них нет крыльев. Эти ангелы держат опору, на которой изображен Бог, и кажется, что на их фоне разворачивается какая-то драпировка. На этом рисунке форма Бога проясняется, как если бы он был человеком. Он пожилой, но даже с его длинными седыми волосами и такой же длинной бородой его тело выглядит мужественно и несколько молодо.
По сравнению с имперскими изображениями Бога, которые ранее рисовал другой художник, очевидно, что Микеланджело сделал смелый шаг с этим произведением. Бог всегда считался величественным и всемогущим правителем человечества. Можно было бы ожидать, что такая личность будет изображена в королевских одеждах и тому подобном, но Микеланджело сводит его к простому старику в простой легкой тунике с обнаженной большей частью его конечностей.Этот образ вызывает у человека вопрос — а что, если это лицо Бога? Это интимное изображение его существа. Показано, что Бог доступен, осязаем и близок к своему творению, поскольку его фигура образует выпуклую форму, чтобы дотянуться до Адама.
Искусство далеко не ясное, и много споров было поднято по поводу ангельских фигур, которые выдерживают вес создателя. Они бескрылые, поэтому существует много сомнений в том, что они ангелы.Прямо под мышкой Бога находится женская фигура. Традиционные искусствоведы определили эту фигуру как Еву, которая терпеливо ожидала рядом с Богом завершения своего творения. Позже она станет женой Адама. Некоторые идентифицировали ее как Деву Марию, которая позже родит Мессию — Христа. Более поздняя теория возникла из-за ребенка, нарисованного рядом с женской фигурой — обсуждается, что это мог быть ребенок-Христос, который терпеливо ждет рядом со своим отцом. Эта теория основана на изображении пальцев Бога, которые слегка касались тела ребенка.В этой теории Сотворение Адама становится намного больше, чем картина, показывающая начало человечества — картина начинает показывать некоторую связь между началом человеческого рода и спасением человеческого рода, которое, согласно христианству, было принесено сын Бога — Иисус Христос.
На этой картине показаны элементы основного занятия Микеланджело, скульптора. Фигуры кажутся произведениями скульптуры, а не мазками кисти.Потолок Сикстинской капеллы — это своего рода краткое содержание книги Бытия. Это история Ноя, Адама и Евы и общая история сотворения мира. «Сотворение Адама» выделяется тем, что стиль, в котором оно написано, отличается от других фресок. Например, цифры более доминирующие.
Однако остается неясным, что означает эта картина? Одно дело анализировать содержание и делать очевидные выводы по тому, как фигуры кажутся глазу, но по-настоящему расшифровать более глубокий смысл картины — другое дело.Палитра Микеланджело очень красиво запечатлена на потолке Сикстинской капеллы, но этот художник действительно обладал уникальным взглядом на мир. Его вдохновение пришло из самых необычных мест, и для создания Адама только Богу известно, как и почему он решил создать этот шедевр.
Что означает?
Очевидное значение этой картины имеет прямое отношение к сотворению человека и зарождению человеческой расы, но если заглянуть глубже, эта картина повествует об отношениях, которые создатель установил со своим творением.Просто протягивая руки, Бог создает Адама и указывает на младенца Христа как на его спасителя. Здесь создатель действительно всезнающий. Он собирается одарить Адама всем, что ему нужно, но Бог уже видел падение человека после искушения от дьявола. Поэтому он ожидает этого падения и предлагает готовое решение через Христа.
Но на этой картинке все еще есть большая серая зона — Адам и Бог отпускают друг друга или тянутся друг к другу? По тому, как нарисованы их пальцы, трудно сказать, удовлетворяют ли Бог и человек свое взаимное желание сосуществовать, или они расходятся, и человек уходит жить независимой жизнью.Наблюдая за формой Адама, мы видим, что он расслаблен. Это можно интерпретировать так, что, хотя он жив, он все еще безжизнен. Поэтому он обращается к Богу, чтобы получить тот компонент, который отделяет человека от всех остальных зверей, бродящих по полям. Что касается Бога, он выглядит довольно сосредоточенным. Его фигура выглядит активной, как будто он усердно работает, чтобы сделать свое творение идеальным. Таким образом, было бы разумно сделать вывод, что фигуры тянутся друг к другу в союзе и не отделяются друг от друга.
Даже географы интерпретировали эту картину как сходство с двумя массивами суши, соединенными узкой полосой, но разделенными огромным каналом. Ученые проанализировали картину, символизирующую рождение человечества, вытянув свою гипотезу из красного фона, который они интерпретировали как человеческую маточную мантию с зеленым шарфом, символизирующим недавно перерезанную пуповину.
Все эти интерпретации более или менее указывают на одно и то же.Но почему Микеланджело сделал руки именно таким образом? Почему бы не заставить их встретиться? Приятно думать об этом. Эта одна деталь — вся причина, по которой эта картина знаменита. Расстояние между двумя пальцами чуть меньше дюйма, но из-за этого зазора вся картинка стоит второго и третьего взгляда. Даже с учетом того, что было сделано о значении этой картины, она остается очень загадочной. Присмотревшись, можно увидеть то, чего нет, — почувствовать силу, которая, кажется, существует между двумя пальцами.Это похоже на электрический заряд, и когда картина проникает в сознание, появляется некое осознание, которое заставляет наблюдателя осознавать важность картины. Это самое начало, один неверный шаг, и человечество пошло бы по совершенно другому пути. Речь идет о концепции деликатности, и о том, как Бог сосредоточен на поставленной задаче, можно почти сказать, что он стремится только к совершенству и не меньше.
Еще интереснее представить, как соприкасаются два пальца.О, то, что, должно быть, чувствовал Адам, прикосновение бессмертия проникло в самую его душу. Микеланджело запечатлел то, что церковь пыталась объяснить своим последователям на протяжении веков — он уловил божественную искру жизни. Он получил доказательство того, что Бог и человек — ничто иное, как совершенный образ друг друга. Микеланджело через Сотворение Адама безмолвно представляет прошлое, настоящее и будущее человечества в одном кадре. Можно сказать, что это изображение было создано в самом начале времен, потому что то, что на нем показано, просто невероятно.Для простого глаза это просто изображение двух фигур, тянущихся друг к другу, но если присмотреться, то простой момент перед тем, как перст Божий вдохнет жизнь в перст Адама, станет сущностью всего, что мы знаем и во что верим.
Картина прославляет Бога разными способами. Тот факт, что он запускает целую расу людей простым прикосновением пальца, должен быть достаточным, чтобы утвердить его место всесильного, но Микеланджело идет еще дальше.Богу не нужно прикасаться к Адаму, чтобы наблюдатель почувствовал силу, силу и жизнь, переходящие из одного пальца через щель в другой палец. По праву, эта картина заслуживает всего признания, которое она получает. Есть и другой аспект этого. Для тех, кто видел название картины и знает историю создания, легко делать выводы, но для тех, кто никогда не слышал о Микеланджело или его работах, становится немного сложно понять, что такое Сотворение Адама. о.Глядя на картину с такой точки зрения, нет искры между пальцами, нет младенца Христа и, конечно же, нет ничего, связанного с рождением человечества. Все, что есть на этой картине, — это две наклоненные друг к другу фигуры.
Тонкая связь между создателем и творением возникает только после того, как человек понимает, о чем картина, но есть еще одна проблема. Представленная здесь концепция власти вовсе не является результатом изображения.Тот факт, что большинство людей знают историю, стоящую за этой картиной, не позволяет им понять, что это просто двое, деликатно тянущихся друг к другу, оба с чувством тоски и сдержанности. Их пальцы вытянуты так, чтобы касаться друг друга, но руки вытянуты в пустоте небытия, и, честно говоря, те ангелы, которые держат форму Бога, похоже, не справляются с этой задачей. Без влияния истории создания эта картина становится демонстрацией любви и дружбы.Он перестает быть о сотворении Адама Богом и становится о двух людях, которые просто хотят соединиться друг с другом. Это аспект картины одновременно утешающий и душераздирающий. Трудно представить себе человека без Бога, но и представление отношений между двумя личностями как строго односторонних — тоже не так уж и утешительно.
Теперь вернемся к красному фону, расположенному за изображением Бога. Некоторые считают, что этот фон — мозг.Это привело к выводу, что Бог намеренно скрыл разум от Адама. Бог скрыл от своего творения познание добра и зла, и только после того, как Адам согрешил, Бог пришел, чтобы позволить ему это знание. Но если анализ этой картины и научил нас чему-то, так это тому, что Бог не просто создал человека, он наладил отношения с человеком. Присмотревшись к картине, действительно можно увидеть смелость, с которой она была создана. Мазки Микеланджело были уверенными и энергичными — он не оставлял места на волю случая.Были написаны книги, были сделаны переосмысления, но настоящая красота Сотворения Адама не в том, что оно будет вечным шедевром, а в том, что эта часть касается каждого человека на земле. . Это начало всех нас, независимо от различий. Эта картина десятки раз интерпретировалась, и все же ее еще предстоит понять. В взгляде на него есть что-то такое, что невозможно передать словами, какими бы поэтическими они ни были. Микеланджело этими более чем сотней мазков нарисовал саму жизнь.Он нарисовал источник жизни, начало жизни, и, включив образ младенца Христа, он нарисовал жизнь вечную. Он запечатлел тот момент до того, как все началось, возвращая нас к началу всего этого, когда человечество было всего лишь смутным воображением в воздухе. Невероятные детали в этой части восхитительны, и то, как она сочетается со всеми другими частями, составляет весь потолок, захватывает дух.
Поразительно, сколько художников пытались и не смогли по-настоящему запечатлеть момент сотворения Адама.Микеланджело запечатлел весь процесс, ничего не упустив. Эта фреска столь же долговечна, как и они, и, когда он лежит на земле, его физическая сила очевидна глазу наблюдателя. Он — идеальный образец идеальной греческой или римской мужской фигуры, но даже с его элегантностью и волнистыми мускулами это творение не завершено. Адам по-прежнему тянется к Богу, показывая свою зависимость от Создателя. Бог поддерживает его, и, хотя Адам кажется законченным, он все же простирается, чтобы встретить простое прикосновение Бога.Сам образ Бога — это образ Адама, и когда они смотрят друг другу в глаза, между ними возникает сильная и прекрасная связь. Адам с тоской смотрит на своего создателя, и в этот момент Микеланджело запечатлел все, что делает людей такими, какие они есть. На картинке показан порог творения, когда Адам тянется, чтобы получить питание, которое позволит его физической форме выжить. Бог простирается, чтобы даровать своему творению дух и душу. Если запечатлеть этот единственный момент, создание физического и духовного «я» Адама навсегда останется в памяти каждого поколения.
«Сотворение Адама» — фреска Микеланджело, написанная около 1508–1512 годов и являющаяся частью потолка Сикстинской капеллы. Картина основана на библейской истории создания, которая изображает Бога, вдыхающего жизнь в Адама, первого человека, созданного в Книге Бытия. Это четвертый в серии сложной иконографической схемы, изображающей эпизоды из Книги Бытия. На картине изображен полностью обнаженный Адам в нижнем левом углу, а Бог — седобородый пожилой мужчина, одетый в завитую вуаль.Правая рука Бога протянута так, чтобы почти касаться левой руки Адама, что означает передачу искры жизни человечеству. Пальцы Бога и Адама не соприкасаются, что означает разрыв, существующий между ними, и то, что они не находятся на одном уровне, как это было бы при рукопожатии двух людей. Образ человека является зеркальным отражением Бога, который символизирует Бога, создающего человека по своему образу и подобию.
Существует множество гипотез о значении фигур вокруг Бога, особенно на его левой руке.Фигура принимает форму женщины, которая могла бы изобразить Еву из-за того, как она смотрит на Адама, хотя есть предположения, что Микеланджело мог иметь Софию, богиню мудрости, Деву Марию, женщину-ангела или человека. олицетворенная душа в уме. Папа Юлий II пригласил Микеланджело обратно в Рим в 2950 году. Ему было поручено построить гробницу Папы, которая должна была быть завершена в течение пяти лет с включением сорока статуй. В его работе были многочисленные перерывы, которые помешали ему завершить гробницу к своему удовлетворению, несмотря на то, что он работал над ней в течение 40 лет.
Гробница находится в церкви Сан-Пьетро-ин-Винколи в Риме. Гробница прославилась благодаря центральной фигуре Моисея 1516 года. Умирающий пленник и героический пленник были статуями, предназначенными для гробницы, но были перенесены в Лувр. Роспись потолка Сикстинской капеллы, выполненная Микеланджело в тот же период, заняла около четырех лет, с 1508 по 1512 год. Браманте, который работал над базиликой Святого Петра, по словам Кондивиса, был недоволен заказом Микеланджело Папой. работать над могилой Папы.Это заставило его убедить Папу поручить ему какое-то незнакомое задание с намерением, чтобы Микеланджело не справился с новым заданием.
Папа первоначально поручил Микеланджело нарисовать «Двенадцать учеников» на треугольных опорах потолка, а также сделать украшения в центральной части. Он, однако, убедил Папу Юлия предложить ему задачу более сложной схемы, которая представляет творение, падение человека, спасение пророка и генеалогию Христа.Работа представляет собой более крупную схему украшения, которая символизирует доктрину католической церкви. Композиция содержит более 300 изображений и занимает площадь более 500 квадратных метров на потолке. Сотворение Богом Земли, сотворение Богом человечества и отпадение от Божьей благодати, а также представление человечества Ноя и его семьи — это три части в центре композиции, основанной на девяти эпизодах из Книги Бытия.
Потолок поддерживается двенадцатью подвесками с изображениями мужчин и женщин, пятью сивиллами-пророческими женщинами классического мира и семью пророками Израиля, которые предсказывали пришествие Иисуса.Сотворение Адама, Всемирный потоп, Адам и Ева в Эдемском саду, Кумская Сивилла и Пророк Иеремия являются наиболее значительными картинами на потолке. Камею, изображающую обнаженного Августа Цезаря верхом на Козероге, можно отнести к основному вдохновению Микеланджело на эту тему, Адама, на его картине «Сотворение Адама».
Фреска «Сотворение Адама» — один из наиболее известных элементов потолка Сикстинской капеллы.С тех пор, как оно было завершено, это произведение искусства было показано во всех международных средствах массовой информации и является самой узнаваемой фреской Микеланджело. Символические отсылки, найденные в этом произведении искусства, показывают, что Бог дает жизнь человеку в лице Адама. Это, несомненно, ключевая тема христианства, которая заслужила видное место в общей коллекции фресок на потолке. Адам и Ева часто изображались вместе в искусстве эпохи Возрождения во времена художника Микеланджело, но это был художник, который всегда стремился решать темы и темы иначе, чем другие художники, что также видно по его скульптуре Давида, например.
«Сотворение Адама» — известная фреска итальянского художника Микеланджело, и этот сайт посвящен этому влиятельному и очень уважаемому произведению религиозного искусства. Вы можете найти изображения картины Сотворение Адама Микеланджело ниже, включая подробную версию основного направления работы. Также обсуждается сопроводительное произведение искусства «Сотворение Евы», которое также было создано Микеланджело в Сикстинской капелле в виде фрески.Желающие могут также найти здесь картины Микеланджело. Микеланджело был очень влиятельным представителем итальянского искусства эпохи Возрождения, который был опытным во многих различных областях так же, как и его коллега по творчеству Леонардо да Винчи.
В период Возрождения Микеланджело считался одним из лучших кандидатов для получения высоких комиссионных, и это привело к его обширной работе в Сикстинской капелле, где он украсил ее потолок до невероятных деталей.Работа завершена в 16 веке. Сотворение Адама — лишь часть этой огромной фрески, но она считается одной из самых важных и впечатляющих с художественной точки зрения частей всей работы. Сотворение Адама — это известный религиозный момент в учении христианства, который остается сильным в Италии. На картине запечатлена сцена, в которой Бог вдыхает жизнь в Адама, который должен был стать первым человеком, а затем соединился вместе с Евой, которая помогла зародить человеческую расу в том виде, в каком мы ее знаем.Адам и Ева были показаны в бесконечных картинах, которые часто приходятся на те периоды Возрождения, когда религия была еще более влиятельной в обществе.
Связь на этой картине между пальцами Адама и Бога, которая символизирует создаваемую искру жизни, очень популярна сама по себе для тех, кто на самом деле предпочитает эту обрезанную версию более крупной работы и часто покупает ее как художественный принт. репродукции, чтобы добавить в свой дом, или в качестве альтернативы в виде плаката или натянутого холста.Панно на потолке Сикстинской капеллы, которое включает эту работу, подошло к концу общей установки завершенного произведения искусства. Сотворение Адама в Сикстинской капелле является одной из самых больших туристических достопримечательностей Италии и существует уже много лет, при этом проводятся регулярные работы, чтобы исключительная фреска не пострадала с течением времени, уже охватывая последние 500 лет.
Немногие художественные инсталляции существовали так долго, и дали столько вдохновения многим, поэтому продолжают в равной мере вызывать уважение и признательность со стороны ученых-искусствоведов и публики.Все изображения Сотворения Адама на этом веб-сайте сопровождаются ссылками, по которым вы попадете прямо в нашу рекомендуемую галерею Art.com, в которой хранится большая коллекция художественных репродукций жикле, плакатов и натянутых полотен работ Микеланджело с множеством различных версий Создание фрески Адама готово к покупке. Мы сами пользуемся Art.com и более чем рады порекомендовать их вам, особенно потому, что у них есть такой широкий выбор принтов Creation of Adam, и они также предоставляют отличный сервис.
Микеланджело создал четыре панели в Сикстинской капелле, изображающие эпизоды из христианской книги Бытия, и эти отрывки до сих пор очень хорошо известны среди продолжающегося христианского населения, которое по-прежнему велико по всей Европе, а также на большей части большинства других континентов. Итальянское искусство в целом стало считаться лидером всей Европы в периоды Возрождения, и события в искусстве, произошедшие здесь, сыграли решающую роль в движении ко всем современным движениям, которыми мы наслаждаемся сегодня.«Сотворение Адама» стало культовым изображением, которое узнают почти все, даже не зная, кто был первоначальным художником или каково было истинное значение произведения.
Он вполне обоснованно может претендовать на то, чтобы быть таким же известным, как и другие значимые картины и фрески, такие как Мона Лиза да Винчи, и Микеланджело также создал скульптуру Давида, демонстрируя столь же впечатляющий набор навыков, не уступающий своему коллеге-художнику Леонардо да Винчи.Гравюры с изображением Адама сегодня регулярно покупаются во всем мире благодаря распространению популярности в итальянском искусстве 15 и 16 веков, где они сыграли решающую роль в привнесении новых идей и техник в европейское искусство, которые вдохнули новую жизнь в относительно устаревшее искусство, существовавшее примерно в средние века.
Это особенно важно в Америке и христианских странах по всей Европе, которые прославляют красоту фрески «Сотворение Адама».Мы надеемся, что вы оцените этот веб-сайт, и мы надеемся, что в ближайшие годы он будет развиваться, и в нем будет больше информации о самой фреске, Сикстинской капелле, а также о художнике Микеланджело. Мы также хотим переводить сайт на разные языки по мере его расширения, чтобы помочь отразить истинную международную аудиторию, которая окружает это выдающееся произведение итальянского искусства 16-го века.
Список известных картин Микеланджело
Ниже приведен обобщенный список лучших картин Микеланджело, представленных на этом веб-сайте.
- Сотворение Адама
- Страшный суд
- Разделение света и тьмы
- Ливийская сивилла
- Обращение Саула
- Сикстинская капелла Люнет и Папы
- Заупокойство св. Петра
- Потоп
- Сотворение Солнца и Луны
- Сотворение Евы
- Обращение Святого Павла
- Распятие Святого Петра
- Погребение
- Падение человека
- Мучение святого Антония
- Пророк Иеремия
- Наказание Амана
- Разделение земли и воды
история фотографии | История, изобретения, художники и события
История фотографии , метод записи изображения объекта при воздействии света или связанного излучения на светочувствительный материал.Слово, образованное от греческих фотографий («свет») и graphein («рисовать»), было впервые использовано в 1830-х годах.
Британская викторина
Знай своих фотографов
Сколько известных фотографов вы можете назвать? Проверьте свои знания с помощью этой викторины.
В этой статье рассматриваются исторические и эстетические аспекты фотосъемки.Для обсуждения технических аспектов носителя, см. фотография, технология. Для обработки кинофильмов или кинематографии, см. кинофильмы, история и технологии кино.
Общие соображения
Как средство визуальной коммуникации и выражения фотография обладает определенными эстетическими возможностями. Чтобы понять их, нужно сначала понять характеристики самого процесса. Одна из важнейших характеристик — оперативность.Обычно, но не обязательно, записываемое изображение формируется объективом камеры. Под воздействием света, формирующего изображение, чувствительный материал претерпевает изменения в своей структуре, формируется скрытое (но перевернутое) изображение, обычно называемое негативом, и изображение становится видимым в процессе проявления и постоянным за счет фиксации тиосульфатом натрия, называемого «гипогликемией». . » При использовании современных материалов обработка может происходить немедленно или может откладываться на недели или месяцы.
Существенные элементы изображения обычно устанавливаются непосредственно во время экспонирования.Эта особенность уникальна для фотографии и отличает ее от других способов создания изображений. Казалось бы, автоматическая запись изображения с помощью фотографии придала процессу ощущение подлинности, которого нет ни в одной другой технике создания изображений. В общественном сознании фотография обладает такой очевидной точностью, что пословица «фотоаппарат не лжет» стала общепринятым, хотя и ошибочным, клише.
Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчасТакое понимание предполагаемой объективности фотографии преобладало в оценках ее роли в искусстве.В начале своей истории фотографию иногда принижали как механическое искусство из-за ее зависимости от технологий. На самом деле, однако, фотография — это не автоматический процесс, который подразумевается при использовании камеры. Хотя камера обычно ограничивает фотографа изображением существующих объектов, а не воображаемыми или интерпретируемыми видами, опытный фотограф может привнести творческий потенциал в процесс механического воспроизведения. Изображение можно модифицировать с помощью различных линз и фильтров.Тип чувствительного материала, используемого для записи изображения, является дополнительным элементом управления, а контраст между светом и тенью может быть изменен в зависимости от проявки. При печати негатива фотограф имеет широкий выбор физической поверхности бумаги, тонального контраста и цвета изображения. Фотограф также может создать полностью искусственную сцену для фотографирования.
Самым важным элементом контроля, конечно же, является зрение творческого фотографа. Он или она выбирает точку обзора и точный момент воздействия.Фотограф воспринимает основные качества объекта и интерпретирует его в соответствии со своими суждениями, вкусом и вовлеченностью. Эффективная фотография может распространять информацию о человечестве и природе, фиксировать видимый мир и расширять человеческие знания и понимание. По всем этим причинам фотографию справедливо назвали самым важным изобретением со времен печатного станка.
Изобретая среду
Предшественники
Предшественником камеры была камера-обскура, темная камера или комната с отверстием (позже линзой) в одной стене, через которое изображения предметов за пределами комнаты проецировались на противоположную. стена.Этот принцип, вероятно, был известен китайцам и древним грекам, таким как Аристотель, более 2000 лет назад. В конце XVI века итальянский ученый и писатель Джамбаттиста делла Порта продемонстрировал и подробно описал использование камеры-обскуры с линзой. В то время как в последующие века художники обычно использовали вариации камеры-обскуры для создания изображений, которые они могли отслеживать, результаты этих устройств зависели от навыков рисования художника, и поэтому ученые продолжали искать метод полностью механического воспроизведения изображений.
В 1727 году немецкий профессор анатомии Иоганн Генрих Шульце доказал, что потемнение солей серебра — явление, известное с XVI века и, возможно, раньше, было вызвано светом, а не теплом. Он продемонстрировал этот факт, используя солнечный свет, чтобы записать слова на солях, но он не предпринял никаких попыток сохранить изображения навсегда. Его открытие в сочетании с камерой-обскурой предоставило основные технологии, необходимые для фотографии. Однако фотография появилась на свет только в начале 19 века.
Ранние эксперименты
Нисефор Ньепс, изобретатель-любитель, живущий недалеко от Шалон-сюр-Сон, города в 189 милях (304 км) к юго-востоку от Парижа, интересовался литографией, процессом, при котором рисунки копируются или наносятся вручную на литографические камень, а затем напечатанный чернилами. Не имея художественного образования, Ньепс изобрел метод, с помощью которого свет мог рисовать нужные ему картины. Он смазал гравюру маслом, чтобы сделать ее прозрачной, а затем поместил ее на пластину, покрытую светочувствительным раствором иудейского битума (разновидность асфальта) и лавандового масла, и выставил установку на солнечный свет.Через несколько часов раствор под светлыми участками гравировки затвердел, в то время как раствор под темными участками оставался мягким и мог быть смыт, оставляя стойкую точную копию гравюры. Называя этот процесс гелиографией («рисунок солнца»), Ньепс преуспел с 1822 года в копировании промасленных гравюр на литографический камень, стекло и цинк, а с 1826 года — на оловянные пластины.
В 1826/27 году, используя камеру-обскура, снабженную оловянной пластиной, Ньепс сделал первую удачную фотографию с натуры — вид на внутренний двор своего загородного поместья Гра из верхнего окна дома.Время воздействия составляло около восьми часов, в течение которых солнце двигалось с востока на запад, так что казалось, что оно светит с обеих сторон здания.
Ньепс создал свою самую удачную копию гравюры, портрет кардинала д’Амбуаза, в 1826 году. Он был выставлен примерно за три часа, а в феврале 1827 года он протравил оловянную пластину, чтобы сформировать печатную форму, и получил два отпечатка. потянул. Отпечатки на бумаге были конечной целью гелиографического процесса Ньепса, но все остальные его попытки, будь то с помощью фотоаппарата или с помощью гравировки, были недоэкспонированы и слишком слабы, чтобы их можно было травить.Тем не менее открытия Ньепса показали путь, которым другие должны были следовать с большим успехом.
Арт-объект Страница
Знакомое лицо, как и проницательный взгляд, которым натурщик смотрит прямо на зрителя. Нет сомнений в том, что это Рембрандт в конце своей жизни, в то время, когда он пережил жестокие унижения неудач после стольких лет успеха. Действительно, этот портрет, написанный в 1659 году, датируется годом после того, как владения Рембрандта и его дом на Синт-Антонисбрестраат были проданы с аукциона в результате его несостоятельности.Возможно, это была одна из первых работ, которые он написал в маленьком домике на Розенграхте, в живописном квартале Амстердама, куда он переехал, когда его состояние и перспективы были на исходе. В следующем году Рембрандт заключил деловое соглашение со своим сыном Титусом и Хендрикье Стоффельс, товарищем художника в последние десятилетия его жизни, которое не позволяло ему предъявить иск любому из его недовольных кредиторов о взыскании долгов.
Правильно или ошибочно, кажется, почти невозможно размышлять над этим произведением, не интерпретируя его в свете того, что известно о жизни Рембрандта.Эта склонность частично ощущается из-за дошедшей до нас обширной биографической информации, благодаря которой мы можем почувствовать более тесный контакт с этим человеком и его жизнью, чем с большинством художников этого периода. Также кажется возможным интерпретировать настроение Рембрандта в таких картинах, потому что он нарисовал, нарисовал и запечатлел так много автопортретов, что изменения его внешности можно измерить и проанализировать, сравнивая их друг с другом. Однако еще важнее то, что мы читаем эти изображения биографически, потому что Рембрандт заставляет нас это делать.Он смотрит на нас и прямо противостоит нам. Его глубоко посаженные глаза пристально всматриваются. Они кажутся устойчивыми, но тяжелыми и не без печали. Как заметил Хофстеде де Гроот по поводу этой картины, когда она была показана на выставке Рембрандта 1898 года в Амстердаме: «Трудно найти на любой из его картин пару глаз, которые смотрят на нас более пристально или проницательно». Эмиль Мишель в своем обзоре выставки еще более выразительно оценил силу взгляда Рембрандта сквозь тяжелые морщины, которые так преждевременно состарили его лицо.
Хотя наблюдения Хофстеде де Гроота и Мишеля кажутся полностью соответствующими изображению, слишком часто эта картина подвергалась чрезмерно романтическим интерпретациям, в которых авторы пытались втиснуть в этот мрачный образ собственные размышления Рембрандта о глубокой трагедии его жизни. . Интерпретировать картины на основе биографии художника опасно, особенно для художника, жизнь которого романтизирована до такой степени, как жизнь Рембрандта. В данном случае склонность интерпретировать это изображение как трагическое было усилено толстыми слоями обесцвеченного лака, которые придавали портрету тяжелую задумчивость.После удаления обесцвеченного лака во время реставрации в 1992 году ошибочность такой интерпретации стала особенно очевидной. Когда на его лице снова видна богатая палитра розовых и других телесных тонов, душевное состояние Рембрандта, кажется, заметно улучшилось. Хотя толстые импасто и смелые мазки, которые он использовал для моделирования своего лица, по-прежнему создают динамическую энергию головы, теперь также очевидна экономия, с которой Рембрандт работал со своей краской: он допустил зеленовато-серый цветовой грунтовочный слой ImprimaturaA, используемый для создания тональность картины.слой читать как затененная область вокруг глаз. Наконец, твердость его прикосновений подчеркнута жесткими ритмами в его усах и в волосах, торчащих из-под берета, которые он обозначил, поцарапав влажную краску тупым концом кисти.
Дополнительным преимуществом реставрации было удаление Overpaint — слоя краски, покрывающего исходную краску. это сделало торс Рембрандта более плоским. После восстановления трехмерного характера этой части картины голова кажется гораздо более плотно прилегающей к телу, чем раньше.Свет, который так эффектно освещает голову, теперь также акцентирует внимание на левом плече Рембрандта и, в меньшей степени, на его широко сложенных сложенных руках. Рентгеновский снимок [см. Рентгенография — метод анализа фотографических или цифровых изображений, который визуально фиксирует способность объекта поглощать или передавать рентгеновские лучи. Схема дифференциального поглощения полезна для изучения внутренней структуры объекта, а также для сравнения различий в типах пигмента.] Головы, которая раскрывает энергичный, почти скульптурный характер обращения с краской Рембрандтом, также указывает на плотность краски. нарисуйте в берете, что Рембрандт изначально покрасил берет в другой цвет [рис.1] [рис. 1] Деталь головы, композитный рентгеновский снимок, Рембрандт ван Рейн, Автопортрет , 1659, холст, масло, Национальная галерея искусств, Вашингтон, Коллекция Эндрю Меллона, 1937. 1. 72. Он вполне мог быть белым, потому что верхние выступы белесого красочного слоя видны через лежащую сверху черную краску.
Хотя поза Рембрандта кажется настолько подходящей для силы его взгляда, что довольно удивительно, она была вдохновлена портретом Бальтазара Кастильоне, созданным Рафанелем [рис.2] [рис. 2] Рафаэль, Бальтазар Кастильоне , ок. 1514–1515, масло на панели, Лувр, Париж. Фото: © RMN / Art Resource, NY. Фотограф: Жан-Жиль Берицци. Воспоминания о прямом взгляде и сцепленных руках Кастильоне, которые Рембрандт впервые увидел, когда картина появилась на аукционе в Амстердаме 19 апреля 1639 года, должно быть, глубоко укоренились в его голове в течение прошедших двадцати лет. Эта знаменитая работа произвела на Рембрандта колоссальное влияние, поскольку он даже сделал черновой набросок после нее на распродаже (Альбертина, Вена).В том же 1639 году Рембрандт запечатлел автопортрет, частично вдохновленный изображением Рафаэля, а частично — портретом Тициана, тогда известного как Ариосто, , который находился в Амстердаме в коллекции Альфонсо Лопеса (Национальная галерея, Лондон). . В следующем, 1640 году, Рембрандт написал автопортрет (Национальная галерея, Лондон), который отразил композицию и интеллектуальную концепцию как Рафаэля Бальтазара Кастильоне , так и Тициана Ариосто. На этом автопортрете 1640 года , Рембрандт, одетый в причудливый исторический костюм, изобразил себя со всей элегантностью и достоинством известных писателей эпохи Возрождения, которые, как считается, были изображены Рафаэлем (Маркиджан, 1483-1520) и Тициан (Венецианец, 1488/1490 — 1576).
В «Автопортрете» Рембрандта 1659 г., , исчезли все композиционные отсылки к портрету Тициана, особенно каменный парапет, на который художник опирается рукой на офорте 1639 года и картине 1640 года. Возможно, в этот более поздний момент своей жизни он был привлечен к картине Рафаэля из-за ее замкнутой композиции, которую он, должно быть, счел подходящей для выражения тихой интенсивности, которой он хотел наполнить свой автопортрет; возможно, он вспомнил приглушенные цвета костюма Кастильоне или эффектный способ, которым Рафаэль использовал берет, чтобы обрамить голову.Очевидно, что Рембрандт адаптировал все эти аспекты живописи Рафаэля в своем автопортрете, в то же время преобразив природу своего изображения с помощью драматических световых эффектов и богатых импастатов его красок.
Однако самое главное, Рембрандт вернулся к прототипу Рафаэля, потому что он нашел в нем средство выражения своего восприятия себя как ученого художника, тема, которая так или иначе лежит в основе ряда его поздних автопортретов, особенно его великолепных картины в коллекции Фрика, гр.1658, и в Iveagh Bequest, Kenwood, c. 1665. Во всех трех этих работах Рембрандт создает поразительно позитивный образ самого себя, в котором отсылки к его самооценке как художника передаются через позу, костюм и выражение.
Артур К.Уилок-младший
24 апреля 2014 г.
Гретцки и Уорхол: что привело к созданию самого известного портрета Великого?
Линсдей Билодо 8 апреля 2019 г.,
Что общего у супа Кэмпбелла, Мэрилин Монро, Уэйна Гретцки и коробок с подушечками Brillo? Все они — предметы искусства Энди Уорхола.
В 2017 году Канадский исторический музей приобрел одну из гравюр Уэйна Гретцки, созданную Уорхолом, в рамках приобретения коллекции фанатов Ultimate Leafs Майка Уилсона и Дебры Туэ. Этот принт — одно из шести изображений, обнаруженных Уорхолом в 1983 году. Шесть картин Гретцки были единственными работами, которые Уорхол когда-либо делал, с изображением спортсмена. Их заказал Франс Винанс, коллекционер произведений искусства из Британской Колумбии, который пообещал покупателю картину Уэйна Гретцки Уорхола. Почти чудесным образом и Уорхол, и Гретцки согласились с этой идеей.Картины были написаны в нью-йоркской студии Уорхола, и Уинанс присутствовал при встрече Гретцки с Уорхолом для создания портрета.
Выставка хоккея, Канадский исторический музей
Согласно рассказам, которыми поделился Уайнанс, серия событий почти помешала завершению работ. Во-первых, Гретцки опоздал на три часа, потому что по дороге в студию он застрял в пробке, и Уайнанс и Уорхол подумали, что он не собирается выступать. Когда Гретцки наконец прибыл, чтобы сесть за картину, ни у кого из них не было клюшки для портрета.К счастью, Винанс заметил спортивный магазин через дорогу от студии, поэтому он поспешил и попросил одолжить клюшку. Когда Уайнанс объяснил, что это был портрет Уэйна Гретцки, который Энди Уорхол создавал, и что эти знаменитые люди ждали через улицу, работники магазина отнеслись к этому скептически. Винансу пришлось вывести Гретцки на улицу, чтобы доказать, что он действительно был там, и ему нужна была палка для портрета Энди Уорхола. Наконец, им выдали клюшку, и Гретцки мог сесть за портрет с клюшкой в руке.
В то время, когда он встретил Гретцки, Уорхол вернулся к своим корням, делая объявления в газетах. В тот же период он работал с такими художниками, как Жан-Мишель Баския, Франческо Клементе и Кейт Харинг — всеми важными фигурами в мире искусства. Эти партнерские отношения продолжали его интерес к совместной работе, которую он развивал и экспериментировал на пике своей фабричной эры, заложив основу для его более поздних работ в конце 1970-х — начале 1980-х годов. Это был самый плодотворный период Уорхола, в течение которого он создал больше произведений искусства, чем за все остальные годы, вместе взятые.
Выставка хоккея, Канадский исторический музей
В это время Уорхол заинтересовался концепцией искусства и ценностей, и это было исследовано во всех его работах, включая его репродукции в стиле поп-арт, фильмы и скульптуры (например, Brillo Box ). Он также интересовался знаменитостями, включая Мэрилин Монро и Джона Леннона, и политиками, такими как Мао Цзэдун и Рональд Рейган. Уорхол исследовал идеи славы и власти, а также способы их получения и использования. Гретцки был одним из этих знаменитостей — человеком большой известности, успеха и власти в хоккейном мире, хотя в то время ему было только двадцать с небольшим.
Когда в 1983 году были обнаружены портреты Гретцки, они были быстро куплены коллекционерами произведений искусства со всего мира как потому, что на них изображен известный современный спортсмен, так и потому, что они имели престиж как произведения Уорхола.
Этот Гретцки был представлен на выставке Хоккей Канадского музея истории; версия этого экспоната в настоящее время путешествует по Канаде.
Выставка хоккея, Канадский исторический музей
Портрет художника в виде пещерного человека — Новая Атлантида
В письме к ботанику Асе Грей, написанному в 1860 году, через год после публикации О происхождении видов , Чарльз Дарвин писал: «От перышка в хвосте павлина, когда я смотрю на него, меня тошнит!» Его новая теория эволюции путем естественного отбора — или «выживания наиболее приспособленных», как позже классно охарактеризовал ее биолог Герберт Спенсер — вряд ли могла объяснить этот красивый, но бесполезный элемент птичьего орнамента.Позже Дарвин смирился с красотой павлиньего хвоста в Происхождение человека , понимая, что экстравагантно окрашенные перья действительно использовались : не для увеличения выживаемости павлина в условиях естественного отбора, но привлечь павлиньих на соревнование по половому отбору.
Так что же прекрасного в мире людей? Кажется, что он совершенно иной по форме, чем хвост павлина, в то же время все менее и более великолепный: человеческому телу не хватает впечатляющих природных украшений павлина, но мы почти всегда покрываем себя украшениями, созданными нами самими.И мы создаем и окружаем себя множеством других прекрасных произведений, еще более сложных и разнообразных. Таким образом, проблема, аналогичная павлиньему хвосту, стоит перед попыткой понять красоту человеческого мира в форме искусства. Кажется, что он так же бесполезен для выживания, как красивый хвост павлина, но не может быть так легко объяснен с помощью механизма индивидуального полового отбора. Как отмечается в одной нетипично серьезной статье на эту тему: «Как ни странно, люди во всех культурах занимаются широким спектром эстетически ориентированной деятельности, которая, кажется, не имеет очевидной эволюционной полезности, включая погружение в ту ложь, которая называется вымыслом.”
Но если кажется, что хвост павлина представляет собой загадку для понимания искусства через эволюцию, он также демонстрирует универсальность эволюционного объяснения. В последние годы эволюционные психологи, которые рассматривают человеческий разум как совокупность приспособлений, созданных естественным отбором за миллионы лет для решения проблем, с которыми столкнулись наши предки, взяли на себя кажущееся обещание павлиньего хвоста. Пытаясь включить человеческое искусство и литературу в сферу эволюционного механизма, к ним присоединился сегмент философов и искусствоведов, стремящихся найти исчерпывающий отчет об универсальных чертах человеческого художественного творчества и эстетической оценки.
Инстинкты, эмоции и истоки искусства
История о хвосте рассказана в одной из наиболее известных работ, пытающихся объяснить искусство через эволюцию: в книге « The Art Instinct », вышедшей в 2009 году покойным Денисом Даттоном. Родившийся в Америке Даттон, который, возможно, был наиболее широко известен как основатель популярного веб-сайта Arts & Letters Daily, был профессором философии в Кентерберийском университете в Новой Зеландии. Одна из целей его книги — привнести дозу холодной и твердой науки в борьбу с лихорадкой культурного релятивизма, который, похоже, затуманивал суждения гуманитарных и социальных наук на протяжении большей части двадцатого века.
Этот культурный релятивизм был широко распространен в различных школах модернистского искусства и художественной критики, которые, по словам Даттона, заменили традиционные художественные ценности «красота, мастерство и удовольствие» на «решимость шокировать или озадачить», которая «послала многие современные произведения искусства пошли по ложному пути ». Печально известным прототипом этого релятивизма в мире искусства является работа Марселя Дюшана « Fountain » 1917 года, писсуар, купленный французским художником и подписанный именем «R. Mutt »и представили на авангардной художественной выставке.Даттон отмечает, что в опросе 2004 года, проведенном среди пятисот самых известных художников, критиков и кураторов мира искусства, 64 процента выбрали Fountain как самое влиятельное произведение искусства двадцатого века.
Даттон перечисляет список из двенадцати универсальных черт искусства, которые, как он утверждает, уходят корнями в нашу развитую человеческую природу, и использует их, среди прочего, чтобы попытаться понять противоречивый пример Дюшана. К этим характеристикам относятся: прямое чувство удовольствия от произведения искусства; мастерство и виртуозность, задействованные в его создании; наличие узнаваемого стиля, в котором выполнено произведение искусства; его новизна и оригинальность; его способность генерировать критические суждения и признательность; его представление или имитация реального или воображаемого опыта; то, как произведения искусства отделены от повседневной жизни и им уделяется особое внимание; его выражение индивидуальной личности художника; его «эмоциональная насыщенность» или способность произведения вызывать эмоции у аудитории; интеллектуальный вызов, который он может предоставить аудитории; значение произведения в художественной традиции; и, наконец, творческий опыт, который произведение представляет для продюсера и вызывает у аудитории.В конце концов, Даттон признает, что, хотя «теоретико-художественному жесту» Дюшана не хватало «эмоций, индивидуальности, навыков [и] красоты», которыми мы наслаждались благодаря эволюции в искусстве, его творчеству и оригинальности, Наряду с его неоспоримым влиянием, они в некотором смысле делают его произведением искусства.
В то время как его позиция по этому спорному произведению искусства менее чем решительна, его анализ сложной эстетической проблемы, которую представляет такая работа, как Fountain , является плодотворным и проясняющим.Не менее замечательна его энергичная, но непредвзятая защита эстетического здравого смысла от арт-критиков и теоретиков, которые подходят к ироническому или трансгрессивному современному искусству, как Fountain , с парадоксальным видом возвышенной серьезности.
Пожалуй, наиболее похвальным является то, что, формулируя «натуралистический» взгляд на эстетику, книга Даттона, в отличие от многих других книг об эволюции и искусстве, избегает иллюстрации «высших приспособлений, задействованных в человеческом инстинкте искусства» анекдотами из «искусства животных».В некоторой степени работа Даттона идет по стопам антрополога Эллен Диссанаяк, которая пыталась объяснить развитие искусства в самом широком смысле, сосредоточив внимание на его культурных функциях в обществах до современности. Даттон также признает, что, хотя искусство может быть основано на инстинкте, оно основано на уникальном человеческом инстинкте. Он отмечает, что хотя наши ближайшие живые родственники, шимпанзе, иногда и создают картины в неволе, это «искусство» существует «только потому, что дрессировщики удаляют бумагу в нужном месте; в противном случае шимпанзе будет продолжать наносить краску до тех пор, пока не останется ничего, кроме мутной капли.Более того, шимпанзе не проявляют интереса к своим собственным творениям и тем более к творениям других шимпанзе, что говорит о том, что у них отсутствует чувство эстетической оценки искусства, которое занимает центральное место в человеческой культуре.
Даже животное, которое, как утверждает Даттон, наиболее близко подходит к людям в преднамеренном создании эстетической гармонии — самец шалашника, который создает детализированные и тщательно сконструированные гнезда — не обладает каким-либо устойчивым чувством эстетической признательности за свою работу.Самки шалашников оценивают внешний вид этих гнезд, но только с целью выбора партнера и «не являются частью художественной культуры, которую нужно сохранять, обсуждать и ценить вне рамок спаривания животных». Более того, шалашник очень отдаленно связан с людьми, поэтому какие бы гены, склонные к искусству, он ни имел, вряд ли будут разделять люди.
Шалашник, являя наглядный пример художественного инстинкта, который можно легко объяснить с помощью полового отбора, показывает, насколько тот же самый процесс неадекватен для объяснения совершенно иной природы человеческого искусства.В отличие от гнезда шалашников, человеческое искусство «сложно и разнообразно» — нет двух одинаковых произведений, и часто они являются «одними из самых ярких и ярких человеческих творений». И «на разреженном уровне самых глубоких и устойчивых шедевров, — продолжает Даттон, — они могут раскрыть возвышенную духовность, не имеющую себе равных в человеческом опыте». Вместо того, чтобы сравнивать нас с нашими близкими эволюционными родственниками или предлагать аналогии между нашим поведением и поведением других относительно умных животных, таких как слоны или дельфины, Даттон начинает с нашего «непосредственного опыта» искусства и работает в обратном направлении, добавляя в этнографии «дописьменных охотников». племена собирателей », когда это необходимо.На основе таких свидетельств Даттон пытается изобразить свой взгляд на человеческий инстинкт к искусству.
Первая особенность нашей склонности к искусству состоит в том, что мы, кажется, испытываем всеобщую любовь к пейзажным картинам — и не только к любому пейзажу, но и к пейзажам, подобным тем, которые наши предки встречали в африканской саванне. Центральным аргументом в пользу его аргументов является исследование, проведенное в 1993 году российскими художниками Виталием Комаром и Александром Меламидом, в ходе которого были опрошены люди из десяти разных стран и обнаружено удивительное количество последовательных эстетических предпочтений.Даттон пишет:
Люди почти во всех странах не любили абстрактный узор, особенно зазубренные формы, созданные толстым импасто в обычно презираемых цветах золота, оранжевого, желтого и бирюзового. Это межкультурное сходство негативных мнений сопровождалось с положительной стороны еще одним замечательным единообразием настроений: почти без исключения наиболее востребованными картинами были пейзажи с водой, людьми и животными.
Даттон предполагает, что это, казалось бы, всеобщее предпочтение картин, изображающих открытые пространства, деревья, воду и животных, связано с поиском нашими предками пищи и безопасности.Такие пейзажи открыли бы возможности для выращивания; а наличие воды и скоплений деревьев, по которым можно было забраться, которые могли бы служить убежищем для дичи и обеспечивать безопасность от хищников, охотники-собиратели предпочли бы темному лесу или пустынным равнинам. Эмоциональная реакция на пейзажи, чувство покоя, предполагает Даттон, возникли из выбора среды обитания «людей (и протолюдей) в плейстоцене».
Конечно, не все художественные предпочтения столь же универсальны, как наша любовь к пейзажам.Тем не менее, понимание искусства само по себе является универсальным человеческим фактором, и хотя «мы можем не получить приятного или даже сразу понятного опыта от искусства других культур», — пишет Даттон, — сходства гораздо больше, чем различий. Более того, сходство может помочь объяснить, почему некоторые различия, такие как дадаизм и Дюшан, не представляют особого интереса для огромных масс. Изучив в истории искусства причины, по которым работа Дюшана соответствовала некоторым чертам искусства и поэтому заслуживает некоторого уважения (недовольства или иного) за свою новаторскую смелость, Даттон в конечном итоге, кажется, встал на сторону более традиционного взгляда на то, что делает хорошим искусство, и утверждает, что эта традиция является более устойчивой и универсальной, потому что искусство является естественным, а не просто культурным.То, что в названии книги называется «инстинктом» к искусству, буквально заложено в наших генах.
Некоторые ученые, такие как покойный палеонтолог Стивен Джей Гулд, критиковали попытку объяснить с помощью принципов естественного отбора уникальные человеческие аспекты человеческого разума, включая нашу склонность к созданию и признанию искусства. В эссе 1997 года в журнале New York Review of Books Гулд утверждал, что большинство специфических черт человеческой психологии, таких как наши эстетические предпочтения, являются побочными продуктами нашего чрезмерно большого мозга, а не конкретными адаптациями, сформированными нашей эволюционной историей.Но Даттон, напротив, утверждает, что нечто столь глубоко укоренившееся в человеческой природе, как искусство, лучше всего понимать как адаптацию — «унаследованную физиологическую, аффективную или поведенческую характеристику, которая надежно развивается в организме, увеличивая его шансы на выживание и воспроизводство». — другими словами, как продукт естественного и полового отбора наших человеческих предков.
Моральное измерение искусства
Ограничения эволюционного подхода Даттона начинают проясняться, когда он обращается к объяснению адаптивных характеристик художественной литературы.Он утверждает, что придумывание историй и их прослушивание могло увеличить шансы наших предков на выживание и воспроизводство тремя способами. Во-первых, рассказывание историй могло обеспечить «недорогой и малорисковый» способ рассмотрения возможных сценариев в ответ на реальные «проблемы, угрозы и возможности». Художественная литература функциональна: рассказы «являются приготовлениями к жизни и ее сюрпризами». Во-вторых, рассказы могли стать «ярким и запоминающимся способом передачи информации», например, можно предположить, что саблезубого тигра нельзя кормить.В-третьих, истории позволяют нам проявлять сочувствие к другим людям, что, возможно, было полезно для увеличения «межличностных и социальных способностей».
Даттон отмечает, что при таком подходе следует проявлять осторожность. Он справедливо ругает психолога Стивена Пинкера за то, что он утверждает, что художественная литература помогает нам, предлагая гипотетические ситуации, «с которыми мы можем однажды столкнуться, и результаты стратегий, которые мы могли бы в них применить. Какие у меня были варианты, если бы я заподозрил, что мой дядя убил моего отца, занял его положение и женился на моей матери? » Вряд ли полезный вклад в наше понимание Гамлет .Тем не менее, Даттон не может избежать недостатков, присущих утверждению, что литература дает эволюционные преимущества, и он начинает сталкиваться с очевидными проблемами, когда приводит ряд анекдотов и мысленных экспериментов, чтобы проиллюстрировать адаптивные преимущества рассказов, и утверждает, что это просто необходимо. «Правдоподобно», чтобы быть здравым. Правдоподобие — очень слабый критерий успеха аргументации в философии, особенно в науке, которая по праву гордится тем, что отличает правдоподобное от экспериментально проверенного и обоснованного.Действительно, история науки наполнена примерами правдоподобных теорий, рекламируемых как научная истина, которые позже уступают место более сложным реальностям.
Аргумент Даттона о том, что художественная литература может способствовать улучшению наших межличностных и социальных способностей, подрывается его утверждением о том, что моральные выгоды, которые дает художественная литература, «настолько неясны, настолько расплывчаты и противоречивы, что являются очень слабым доказательством того, что моральное назидание является главное достижение литературы ». Даже если мы примем сомнительное утверждение о том, что искусство напрямую улучшает выживание и воспроизводство, действительно ли это «недорогой» и «малорисковый» способ сделать это? Одержимая приверженность многих художников своему ремеслу свидетельствует о высокой стоимости искусства — не только с точки зрения финансовых ресурсов людей, которые его создают, но и с точки зрения умственных требований, альтернативных издержек и даже часто приводящего к саморазрушающему поведению.Кажется преувеличением предполагать, что такой механизм был бы скорее помощью, чем пустой тратой времени в борьбе наших предков за еду, избежание смерти и воспитание семей.
Строгий эволюционный анализ также должен был бы объяснить, как развивались наши художественные способности: какие неврологические адаптации появились первыми и как они были вызваны наследственными генетическими вариациями? Почему мы развили способности к художественной литературе, повествованию и рифмам, которыми мы сейчас обладаем, а не какие-то другие методы категоризации и коммуникации, которые могли бы решить те же адаптивные проблемы? Прежде всего, как какое-то генетическое или неврологическое различие вызвало категорический скачок от простого использования знаков к использованию символов человеком, и почему эта мутация была одобрена в эволюционной борьбе за существование? В книге эти вопросы не задаются, возможно, потому, что методология такого рода науки не подходит для их решения.
Что еще хуже, хотя Даттон отказывается сводить человеческое искусство к искусству животных, он пытается уменьшить его самобытность другими способами, особенно когда речь идет о моральном значении искусства. Изучая пейзажи, он отмечает, что они создают ощущение longin g — как для «перспективы», так и «убежища». Он утверждает, что эти эмоциональные реакции были адаптивными для наших предков, когда они искали пищу и безопасность в своей изначальной борьбе за выживание.Тем не менее, многие пейзажные картины изображают гораздо больше, чем просто пейзажи, которые предлагают очевидные перспективы и убежища. Наша реакция на эти работы, на более глубоком уровне, связана с тем, что мы понимаем под присущей нам красотой порядка и мира — чувством правоты, которое нельзя свести к эмоциональному стремлению к личной безопасности без отказа от чего-то из того, что мы действительно переживаем. в таком просмотре.
Рассмотрим два совершенно разных пейзажа, оба из которых изображают французскую сельскую местность: серия Клода Моне «Стога сена» (1890–91) и Поля Нэша Мы создаем новый мир (1918).Наше естественное, развитое удовлетворение видом накопленных ресурсов могло бы объяснить раскрашивание стогов сена; но как мы можем понять одержимость Моне рисованием одного и того же предмета снова, снова и снова — и как мы можем объяснить, почему мы находим каждую картину уникально красивой в тонких отношениях? Что касается пустынного и безнадежного пейзажа Нэша, можно сказать, что изображение пустоши вызывает отвращение и отвращение из-за его бесплодия и непригодности для проживания людей. Но на карту поставлено гораздо большее: на этой картине изображен Западный фронт в конце Первой мировой войны, а запустение, как видно из названия работы, создано нами самими.Наши отклики на эти картины не только эмоциональны, но, собственно говоря, моральны, заставляя задуматься, с одной стороны, об упорядоченной жизни на земле, а с другой — об ужасах способности человечества к войне и разрушению.
Стеки пшеницы (Конец лета) Клода Моне (1890 — 91)Художественный институт Чикаго
Это моральное измерение — одна из отличительных характеристик человеческого искусства. Чувства, которые он вызывает, являются реакцией не только на то, что мы считаем желательным или нежелательным, но и на идеи , которые делают определенные утверждения о том, что правильно или неправильно, добро или зло, красиво или гротескно.Другими словами, великие произведения искусства не только демонстрируют совершенные технические навыки и «эмоциональную насыщенность», но и предоставляют тонкие воплощения универсальных человеческих истин, таких как наше предпочтение любви вместо ненависти или справедливости над несправедливостью. Объяснение искусства с точки зрения эволюции реакций, а не вдохновленных творений — вопреки утверждению Даттона, что оно «ничего не испортит» — действительно подрывает смысл и значение человеческого искусства.
«Мы создаем новый мир», Пол Нэш (1918)Имперский военный музей
Даттон действительно отрицает неотъемлемую моральную значимость искусства, потому что, хотя искусство «наполнено эмоциями и ценностями, оно … никогда не подойдет. с моральными требованиями, от которых зависит любое функционирующее общество.Но мораль не просто тождественна господствующим мнениям, которые способствуют нормальному функционированию общества. Даже если фиксация современного искусства на нарушении социальных норм часто является незрелой и безрассудной, произведения искусства могут отражать подлинное и продуманное моральное несогласие с нормами общества.
Почти каждый философ и критик, от Аристотеля до Рене Веллека, предполагал, что искусство предъявляет моральные требования. Даттон отвергает эту идею, утверждая, что искусство не «улучшает нас морально», высмеивая аргумент Марты Нуссбаум о том, что литература «обладает способностью расширять воображение, выставлять нас в художественном отношении на образцовые моральные нормы поведения, обусловливать эмоции и давать нам моральное руководство.Но идея о том, что искусство улучшает нас морально, сильно отличается от идеи о том, что искусство предъявляет моральные претензии. То, что произведения искусства представляют противоречивые моральные требования или что они «полны моральных злодеяний», никоим образом не доказывает, что искусство по сути аморально. Фактически, это показывает с точностью до наоборот — произведения искусства содержат своего рода утверждения относительно характеристик добра и зла или природы Вселенной.
Литературовед Брайан Бойд, как и Даттон, эмигрировал в Новую Зеландию, где он является профессором Оклендского университета.Как и Даттон, он посвятил большую часть своей карьеры применению открытий эволюционной биологии в искусстве. И, как и Даттон, Бойд обещает предложить эволюционный подход к художественной литературе и поэзии, который не только объяснит происхождение этих форм искусства, но также предложит более богатый и «обширный» анализ, чем другие подходы. Параллельно с критикой современного искусства Даттоном Бойд осуждает так называемые «критические» подходы к литературе, такие как деконструкция, которые рассматривают тексты и литературные традиции как простые социальные конструкции и игнорируют или отрицают любые универсальные характеристики, которые могут быть укоренены в человеческой природе.И, как и в случае с Даттоном, приверженность Бойда эволюционному подходу по-прежнему приводит к тому, что он неверно характеризует и искажает некоторые ключевые особенности форм искусства, которые он пытается понять и объяснить.
Бойд начинает свою книгу об эволюции художественной литературы « Происхождение историй», (2010), с описания универсальности игры с использованием шаблонного языка в человеческих культурах. Истоки искусства, предполагает Бойд, могли быть формой познавательной игры — набором действий, «предназначенных для привлечения человеческого внимания посредством обращения к нашему предпочтению логически богатой и, следовательно, структурированной информации.«Игра для наших прото-человеческих предков, как и для других видов животных, была способом тренировки и тренировки для важных занятий, таких как охота или сражения. Но наши предки тренировали не только тело, но и разум, позволяя нам умело взаимодействовать с другими людьми. Бойд предполагает, что со временем эта пьеса изменила «ключевые человеческие системы восприятия, познания и выражения», породив самосознание и язык. Именно эти важные способности сделали возможными наши повествовательные способности, а не какие-либо конкретные адаптивные преимущества самого повествования.
Наша способность рассказывать истории действительно приносила прямую пользу нашим предкам, увеличивая их способность к памяти, развивая их способности к воображаемым размышлениям, помогая принимать решения и увеличивая социальную сплоченность племени, заставляя их заботиться о жизни других людей. другие. А конкуренция за аудиторию, предполагает Бойд, побудила рассказчиков изменить свои сказки, чтобы усилить эмоциональное воздействие. Именно это соревнование за внимание других привело к рождению художественных повествований.
В качестве доказательства своей теории о том, что повествование возникло из игривости, Бойд обращается как к формам игры у разумных животных — дельфинов и шимпанзе, — так и к недавним нейробиологическим исследованиям. Например, он отмечает, что игра «стимулирует высвобождение нейромедиатора дофамина… что побуждает к дальнейшей игре». Зеркальные нейроны, которые «срабатывают, когда мы видим, как другие действуют или выражают эмоции, как если бы мы совершали то же действие», предполагают, что у людей есть «автоматическая внутренняя имитация», с помощью которой мы понимаем намерения других и «настраиваемся на их чувства».Кроме того, он отмечает, что имитация и игра с воображением являются естественными для детей, поскольку они возникают до овладения языком и способности правильно приписывать психические состояния других.
В своей последней книге, Why Lyrics Last (2012), Бойд также пытается объяснить лирическую поэзию в терминах эволюции, утверждая, что это аспект языковой игры, хотя «языковая игра, вероятно, не является собственной адаптацией. . » Но, как и в случае с повествованиями, эта квалификация не означает, что языковая игра, которая привела к поэзии, не имела никакого преимущества для выживания.Бойд утверждает, что поэзия также возникла из механизмов привлечения и поддержания внимания других. По его мнению, эта поэтическая линия методом проб и ошибок подошла к «человеческому слуховому присутствию или объему рабочей памяти». Кроме того, конкуренция за аудиторию побуждала поэтов вводить новшества, чтобы «максимизировать привлекающую внимание силу строки», что, в свою очередь, привело к созданию стихов без повествования.
Хотя Бойд дает семь преимуществ лирики, их можно свести к двум.Во-первых, поскольку лирика — более сложная языковая игра, чем художественная литература, она требует от аудитории большего внимания и рассуждений. Во-вторых, эмоции, передаваемые в лирической поэзии, не опосредуются персонажами, а, благодаря иллюзии самого лирического режима, кажутся мыслями и чувствами другого человека в его «наименее ограниченном» состоянии, что позволяет лирике производить то, что отчасти Бойд. туманно называет «чрезвычайно резонирующим ответом». Хотя тексты песен, возможно, не возникли как отдельные адаптации, утверждается, что они, тем не менее, принесли нашим предкам значительные биологические и социальные преимущества.
Точно так же, как Даттон утверждал, что человеческий инстинкт к искусству универсален, Бойд также отмечает, что создание историй и игра с использованием шаблонного языка — универсальная черта человеческой натуры. Этот момент имеет большое значение для того, как мы понимаем художественную литературу и поэзию. По мнению Бойда, если что-то является универсальным для человека, оно «нуждается в биокультурном объяснении», которое затрагивает нашу эволюционную историю и биологию. Тем не менее, он замалчивает две человеческие универсалии, которые, казалось бы, неразрывно связаны с истоками искусства и фантастики: рождение самосознания и символического использования знаков (примером которого является язык, но не ограничиваясь им).До тех пор, пока эти и другие изменения, необходимые для искусства, не будут объяснены в строго биологических терминах, все эволюционные попытки объяснить развитие процессов мозга более высокого уровня — языка, сознания и моральных ценностей — останутся просто историями.
Неспособность Бойда серьезно относиться к моральному значению и значению литературы проявляется в его чтении «Одиссеи » . Он сводит широкий спектр литературных приемов и тем в стихотворении к простым стратегиям привлечения внимания аудитории.Например, Бойд указывает на то, что вместо того, чтобы рассказывать простые инциденты, Гомер организует свое повествование вокруг эпизодов, которые придают работе согласованность и единство: стремление Одиссея к четкой цели, которой на пути мешают препятствия и проблемы, увеличивает эмоциональное воздействие повествования. Нам говорят, что в этой истории также присутствуют темы «взаимного альтруизма» и «неограниченности», а также используется экономика дикции. Благодаря этим особенностям, утверждает Бойд, Гомер смог успешно привлечь и удержать внимание своей аудитории — определяющую черту искусства.
Это не только довольно скучное прочтение стихотворения Гомера, но и утверждение, что эти якобы альтруистические чувства иллюзорны — вырабатываются нашими генами, чтобы помочь нам выжить, а не являются истинными убеждениями о врожденной ценности отдельных людей. Но это утверждение подрывает само себя: сама полезность этих чувств для сохранения вида свидетельствует об их реальности, а также об их истинности.
Анализ Бойда Шекспира аналогичным образом сводит сложные и значимые произведения искусства к горстке техник и эволюционно значимых тем.В его чтении все сонеты Шекспира оказываются об увеличении возможностей для продолжения рода, избегании смерти и предоставлении словесных головоломок, стимулирующих ум. Тот факт, что сонеты Шекспира часто отстаивают совершенно противоположное — бессмертие искусства за счет физических отношений — не совсем ускользает от Бойда, но он видит сонеты, в которых Шекспир выбирает искусство над деторождением как выбор статуса над рабством, выражение «Наше глубоко укоренившееся желание противостоять господству других.«Конечно, статус не имеет эволюционной ценности, если человек отвергает деторождение. И дело в том, что у нас, , есть ощущение вечности, отличное от наших желаний, связанных с рождением потомства, даже противоположное им — реальность, которую Бойд игнорирует в своей интерпретации Шекспира, несмотря на центральную роль этой темы в сонетах Барда.
Что упускают из виду эволюционные объяснения
Счета, предложенные Даттоном и Бойдом, сосредоточены на предложении эволюционных объяснений наблюдаемых черт.Но в то время как эволюционная биология у других видов в значительной степени полагается на изучение летописи окаменелостей наряду со сравнениями вымерших и живых организмов, в летописи окаменелостей недавней эволюции человека имеется относительный недостаток доказательств, особенно когда речь идет о детальных структурах мозг, что затрудняет создание объяснений очень специфического поведения человека. И хотя человеческие артефакты можно рассматривать как окаменелости разума — устойчивые следы художественной практики наших предков, — археологические записи таких артефактов также неполны.Самым старым из человеческих артефактов, таким как Венера Холе Фельс, всего около сорока тысяч лет, что затрудняет выводы о роли искусства в эволюции современного человека сотни тысяч лет назад.
Основная проблема, однако, более категорична, чем доказательна. Редуктивная форма исследования в естественных науках всегда будет иметь ограниченную способность объяснять символическое, моральное и религиозное значение искусства. Сканирование мозга и другие когнитивные эксперименты над живыми сегодня людьми могут кое-что сказать нам о неврологических коррелятах эстетического опыта, но они не могут сказать нам, как, когда, почему и изменились ли наши эстетические предпочтения.
Каждый раз, когда эволюционные объяснения пытаются перейти от предшествующих причин искусства к пониманию его высших проявлений и глубочайшей природы, они спотыкаются. В этом случае аргументы Даттона об инстинктивной основе эстетических предпочтений и художественного творчества более правдоподобны, чем попытки Бойда объяснить специфические особенности великих произведений, таких как Odyssey , с точки зрения набора развитых способностей — хотя Даттон действительно отклоняется от этого. территория тоже.Хотя эволюционная биология может предложить некоторые соблазнительные, если не доказуемые намеки и теории относительно происхождения искусства, и даже может дать некоторое понимание универсальных особенностей художественного поведения, она плохо подходит для того, чтобы задавать более важные вопросы о значении и значении искусства. искусство теперь, когда оно здесь.
Как отмечали другие, истории о том, как искусство могло помочь нашим предкам выжить и размножаться, наиболее успешны, когда они просто повторяют здравый смысл.Конечно, половой отбор является причиной многих попыток изобретательства — факт, который мы знали с незапамятных времен. Как писал Шекспир, «тот человек, у которого есть язык, я говорю, не мужчина / Если своим языком он не может завоевать женщину». Но сосредоточение внимания на этих очевидных эволюционных истоках искусства может привести к тому, что мы упустим самое главное. У Гомера, слепого поэта, наверняка было нечто большее, чем простое желание привлечь внимание своей аудитории и научить их теме «взаимного альтруизма».То же самое можно сказать и о его творческих преемниках. Чувство возвышенного в Каспаре Давиде Фридрихе; потеря себя в экстазе масс Берда; человечность, но трансцендентность Достоевского — попытка объяснить такие вещи исключительно с точки зрения голых сил эволюционного выживания, рискует полностью объяснить их.
Посмотрите на первый подводный портрет в истории фотографии (около 1899 г.)
Изображение выше может сначала выглядеть как тарелка из романа Жюля Верна или, возможно, как кадр из одного из самых фантастических движущихся картин Жоржа Мельеса.Это действительно происходит из конца века Франции, времени и места, в которых жили и творили Верн, Мельес и многие другие творцы с богатым воображением, но на самом деле это настоящая подводная фотография — или, скорее, настоящий подводный портрет, и первый Пример такой вещи в истории фотографии. На снимке, сделанном в 1890-х годах (скорее всего, в 1899 году) биологом и пионером фотографии Луи Бутаном, румынский коллега Бутана Эмиль Раковица держит табличку с надписью «Photographie Sous Marine» или «Подводная фотография».”
Вряд ли тогда такая диковинная концепция могла прийти в голову многим, и еще меньшее количество придумали бы практические способы ее реализации. Чтобы начать с самых простых задач, есть, как пел Дэвид Бирн, вода на дне океана — но не так много света, особенно по сравнению с обременительными требованиями камер конца 19 века. Это потребовало разработки того, что Лоуренс Бартоне из Petapixel назвал «сумасшедшей установкой для подводной съемки со вспышкой», достаточно мощной, чтобы «легко можно было использовать как бомбу».При создании использовалась спиртовая лампа на баллоне, наполненном кислородом. Затем резиновая груша выдувала слой магниевого порошка над пламенем, создавая вспышку ».
Любители фотографии поймут масштабы достижений Бутана (сделанных с помощью его брата Огюста и лаборанта по имени Джозеф Дэвид). Некоторые зашли так далеко, что воссоздали это, что вы можете увидеть в видео о подводном фестивале в Барселоне чуть выше.Мало того, что повсюду плавают рыбы и другие морские существа — особенность окружающей среды, не видимая на оригинальном кадре Бутана, но и реконструкторы сталкиваются с давлением любопытных прохожих, молодых и старых, которые проходят через близлежащий прозрачный подводный туннель, а не уважение к Бутану и его сотрудникам. Этот революционный успех в подводной портретной живописи пришел через 54 года после того, как химик из Филадельфии по имени Роберт Корнелиус впервые повернул камеру к себе. Записала ли история фотографии, сколько времени понадобилось человечеству после знаменитого снимка Бутана, чтобы сделать первое подводное селфи?
через Дайан Дониол-Валькроз в Twitter
Связанное содержание:
Впервые зафиксировано извержение подводного вулкана
Reef View: Google дает нам потрясающие подводные снимки больших коралловых рифов
Sunken Films: смотрите кинематографическую медитацию на фильмах, найденных на дне океана
Посмотрите первое в истории «селфи», сделанное Робертом Корнелиусом, химиком из Филадельфии, в 1839 году
История фотографии за пять минут анимации: от камеры-обскуры до телефона с камерой
Колин Маршалл, базирующийся в Сеуле, пишет и ведет передачи о городах, языке и культуре.Его проекты включают книгу Город без гражданства: прогулка по Лос-Анджелесу 21-го века и сериал Город в кино . Следуйте за ним в Twitter, @colinmarshall, Facebook или Instagram.
Портрет тети Пепы | Основные моменты из коллекции | Музей Пикассо
Портрет тети Пепы
Подпись Пабло Руис Пикассо в верхнем левом углу
Малага, июнь-июль 1896 г.
Холст, масло
57.5 x 50,5 см
Подарено художником, 1970
МПБ 110.010
Работа
Портрет тети Пепы — одна из вех в портретном творчестве молодого Пикассо.
Модель — Хосефа Руис Бласко (1825–1901), сестра его отца. Масло без даты было написано в 1896 году во время одной из учебных поездок Пикассо в Малагу со своей семьей.
Игра света, выделяющего лицо на фоне темной одежды и теней, и более четкая обработка последнего, способствующая концентрации внимания на выражении лица, делают эту работу удивительно глубоким психологическим портретом.
Необработанный реализм лица, а также хроматическая и световая обработка указывают на явное влияние испанской портретной традиции (например, Риберы и особенно Веласкеса).
Свобода и выразительная плавность линий, основанная на очень свободных и плавных мазках, также демонстрирует быстрое и виртуозное творение: Сабартес даже заявил, что портрет был написан менее чем за час, еще раз развеяв легенду о молодом Пикассо. . В любом случае, быстрое исполнение, похоже, в равной степени связано с более прозаической причиной — Хосефа Руис не любила, чтобы ее рисовали, и ее первоначальный отказ, сопровождаемый отсутствием мотивации Пикассо, отложил производство работы на год — работа была заказана. его дядя Сальвадор.
История
Хосефа Руис уже была изображена Пикассо в 1895 году на карандашном рисунке ( Портрет тети Пепы, сидящей на стуле ), который является явным прецедентом для этого портрета маслом. В новом портрете Пикассо решил изменить рамку и сделать ее сбоку, чтобы полностью сконцентрироваться на лице и, таким образом, на психологии модели.
Портрет тети Пепы, сидящей в кресле
Подпись П. Руис и дата в правом нижнем углу
Малага, 1895
Бумага, графитный и конте-карандаш
12 x 8 см
MPB 111.174
Принадлежит к 36-страничному альбому 1895 года (MPB 110.913, датированному художником в 1970 году), содержащему рисунки, сделанные в Малаге и Барселоне, с этюдами и зарисовками семейных портретов и две копии работ Веласкеса.
Прием работы
По словам его друга и личного секретаря Жауме Сабартеса, этот портрет свидетельствует о большой способности восприятия, которую Пикассо развил с 14 лет, что позволяет ему полностью запечатлеть все, что он видел.
Таким образом, биограф Пикассо Жозеп Палау-и-Фабр считает портрет тети Пепы шедевром, «где виртуозность соперничает с глубиной, как будто оба хотят превосходства».
Расположение
Комната 2
.