Как развивался жанр портрета: История портретного жанра

Портретная живопись — история жанра

История портретной живописи насчитывает множество веков. Изображение человека было популярно еще в древности. Первые образцы портретов имели скульптурное исполнение и относятся к древнеегипетской культуре. Затем портрет развивался в античный период, на протяжении которого художники достигли значительных высот.

Фаюмские портреты I-III век

Средневековье вызвало упадок данного жанра. Новые открытия в портретной живописи были сделаны в эпоху Возрождения. В наши дни портрет пишут с помощью различных средств и техник.

Портреты средневековья

Тенденции, повлиявшие на развитие жанра

• Улучшение изобразительных навыков. Рост мастерства художников и овладение приемами реалистичного изображения позволили легко решать различные художественные задачи. По мере совершенствования портрета усложняется его композиция и формат.
• Повышение уровня веры в возможности отдельного человека и его разума.

Задача жанра – как можно реалистичнее воспроизвести натуру. Способ, при помощи которого художник добивался портретного сходства, всегда зависел от идеи и выбранного жанра.

Портреты эпохи Ренессанса

Для развития портрета характерны:

• Демократизация. Если ранее собственное изображение мог заказать только представитель аристократии, то сейчас это доступно любому человеку.
• Увеличение размеров. В самом начале изображения человека делались небольшими и хранились в ящиках. Со временем их роль возросла и они стали полноценным элементом декора интерьера.

Портреты XVII-XIX века

Многие хотят украсить дом или квартиру собственным портретом. Заказать портрет или портрет по фото можно в галерее искусств Мир Искусства.

Портреты XX век

Жанр портрета в искусстве- МастерКрасок

Портрет (от французского portrait) – это один из жанров изобразительного искусства, центром которого является человек. Появился он несколько тысяч лет назад в античном искусстве, где чрезвычайно ценилась красота человеческого лица и тела. Подавляющее большинство художников разных эпох обращались к этому жанру: мы можем найти портреты в живописи Леонардо да Винчи, Тициана, А. Дюрера, Э.Дега, П.Пикассо, и, конечно же, у русских художников. Величайшими представителями жанра портрета в России стали В. Боровиковский, В. Перов, И.Крамской, П. Брюллов, В. Серов, М. Врубель, И. Репин и др.

Портреты бывают разными в зависимости от назначения, характера изображения и от эпохи. 

1.  Парадный. Торжественное изображение важной персоны: царственных особ, знать, аристократия. Знаки отличия, парадная форма и прочие элементы, относящиеся к высокому сословному классу, обычно также присутствуют на портрете.  

1.  Камерный. Более свободное и непринужденное изображение на нейтральном фоне, обычно поясное, погрудное или поплечное. Задача портретиста в нём показать не сколько внешнее сходство с моделью, сколько его внутренний мир, моральные качества и чувства.

Парадные портреты подразделяются на коронационные, тронные, придворные, военные.

Отдельный жанр портрета – миниатюра. Изготавливается на круглой или овальной основе.

Виды жанров портрета

В зависимости от эпохи жанры портрета могут делиться на:

—Костюмированный. Модель переодевается в маскарадный, бальный или охотничий костюм, преображается в литературного, исторического или театрального персонажа.

—Исторический. Жанр исторического портрета представляет собой изображение человека в историческом антураже. Иногда в толковании термина «исторический» случаются разночтения – в некоторых источниках данный вид портрета  подразумевает собой изображение известной личности, написанное современниками.

—Ретроспективный. Портрет человека, написанный после его смерти. Может называться историческим из-за разницы в применении терминологии.

—Религиозный. На нём реально живший человек изображён рядом с Мадонной или на алтарной створке. В таком антураже писались портреты религиозных благотворителей.

—Групповой. Особенностью жанра «групповой портрет» является изображение двух и более людей.

—Семейный. На нём герои являются родственниками.

—Парный. В отличие от парной картины, это две отдельные картины, дополняющие друг друга. Как правило, на них изображают супругов.

—Портрет-картина. Модель вписана в пейзаж, жанровую или сюжетную картину. Окружающая среда представляет собой не просто «подложку», а является неотъемлемой частью всей композиции.

—Портрет-прогулка. Подраздел предыдущего жанра. Описываемая личность прогуливается на фоне природы.

—Портрет-тип (сословный). Представляет собой собирательный образ. Крестьянин, военнослужащий, купец – в  портрете отображаются характерные черты того или иного сословия.

—Автопортрет. Изображение художником самого себя. Часто в каком-либо образе.

История жанра портрет

Портретное искусство началось, как ни странно, со скульптуры. В Средневековье жанр сошёл на нет, а на Ренессанс – во времена смены жёстких духовных ограничений на светские ценности – пришёлся его расцвет. 

Портреты писались в профиль, позднее пришло разнообразие – лица изображались в анфас и в три четверти. Абсолютная монархия принесла с собой моду на парадные портреты: их заказывали короли и приближенные к ним особы, аристократия и влиятельные церковники. В тот период появилась должность придворного живописца, который писал портреты правящей семьи в течение всего периода их царствования.

С развитием стилей живописи развивались и менялись портретные стили. В эпоху барокко художники от классического, сдержанного  изображения перешли к более глубокому, где преобладала эмоциональность и драматизм. Само же изображение стало более цветным и контрастным.

Рококо внёс свою лепту посредством теплоты, интимности, камерности изображения.

 

Художники романтизма старались внести одухотворённость в образ модели.

В конце  XVIII века художники снова обратились в реализм, а позднее – в эпоху развития импрессионизма, портретисты, как и пейзажники, устремились к изображению настроения и чувств зачастую в ущерб реалистичности.

Экспрессионисты, кубисты, сюрреалисты экспериментировали с цветом, формой, пропорциями, выражали на портретах нестандартные эмоции.

Современные художники используют различные концептуальные подходы, используют современные техники и технологии. 

Известные русские художники жанра портрет и их знаменитые шедевры. 

К самым знаменитым портретам кисти русских художников можно отнести:

В. Г. Перов. «Портрет Достоевского Федора Михайловича» является образцом классического портрета конца XVIII века. Фёдор Михайлович изображён на нём глубоко погружённым в свои мысли. Художник сумел отобразить его внутреннее состояние – знаменитый писатель был очень закрытым и глубоко задумчивым человеком.

 

И.Е. Репин. «Портрет С. И. Мамонтова» – известного железнодорожного магната и мецената. С.И. Мамонтов изображён в расслабленной позе. Врубель же написал миллионера в своем легко узнаваемом жанре.

 

Знаменитый «Портрет Марии Лопухиной» В. Л. Боровиковского отображает не сколько социальный статус графини, сколько её личные качества: образ получился нежным и загадочным, портрет и пейзаж на заднем плане искусно переплетаются, создавая эффект гармонии человека и природы.

 

Невозможно обойти вниманием портрет «Неизвестной» И.Крамского, которую часто называли русской Джокондой. Хорошо одетая юная особа сидит в экипаже одна, что было немыслимо для тех времён. Историки и критики до сих пор не нашли достоверной информации, кто изображён на этом портрете – по одной из версий это была Екатерина Долгорукова, любовница Александра II.

 

В. Серов и «Девочка с персиками». Мы снова возвращаемся в усадьбу С.Мамонтова, и на этот раз художник пишет его дочь Веру.

 

М. Врубель. При упоминании имени художника перед глазами сразу же встаёт его знаменитый «Демон сидящий». Сюжет картины навеян одноимённой поэмой М. Лермонтова. Портрет несуществующего персонажа, духа, олицетворяющего образ борьбы, силы и сомнений в правильности своих поступков.

 

Картины современных художников, работающих в жанре портрет, вы можете найти на нашем сайте. Добро пожаловать!

 

Репин, Серов, Ван Гог, Вермейер

Портрет — это самый антропоцентричный живописный жанр. Внимание художника полностью сосредотачивается на человеке. Смыслом работы живописца становится как минимум отображение на холсте внешности модели (до появления авангардных стилей — реалистичной), а как максимум — раскрытие души, характера. Следует заметить, что в современном искусстве на первый план выходит не портретное сходство, а погружение во внутренний мир человека. А вот классический портрет подразумевает ещё и высокую точность в изображении человека.

Портрет в живописи — это всегда изображение реального человека. Недаром в старину на Руси портреты назывались парсунами — от латинского слова persona, что означает «личность». Как видим, парсуна и персона — родственные слова. Что же касается современного термина для обозначения данного жанра живописи, то в его основе лежит старофранцузское слово portraire. Оно означает воспроизведение чего-либо очень точно, «черта в черту». Но, что интересно, портретный жанр стал самостоятельным раньше, чем у него появилось отдельное название.

Портрет в европейской живописи обособился от других жанров ещё в раннеренессансную эпоху. Однако применять термин portrait исключительно по отношению к изображению конкретного человека стали только в XVII столетии. Первоначально слова portrait, portraiture могли относиться к любым картинам.

Теоретический базис под такое словоупотребление подвёл друг одного из первых классицистов Никола Пуссена (Nicolas Poussin) — историк Андре Фелибьен (André Félibien).

Он закрепил современное, антропоцентричное понимание, что такое портрет, категорично отделив от него изображения животных и растений.

Классификация — какими бывают портреты?

По характеру их делят на две большие группы: парадный (репрезентативный) и камерный. Первый, обычно, представляет достаточно важную персону и подаётся художником в торжественном антураже.

Камерные портреты более лиричны, интимны.

Среди парадных выделяют:

• коронационные и их разновидность — тронные;
• придворные;
• конные;
• военные (они тоже могут быть конными).

Также иногда называют промежуточный вид — полупарадный. Такие работы часто делались для фамильных галерей.

Парадные картины писались, как правило, в полный рост. Полупарадные могли быть и ростовыми, и поколенными, и поясными. Камерные — поясными, погрудными, оплечными.

Особый вид — портретная миниатюра. Для неё часто выбиралась круглая или овальная форма.

Виды портрета (поджанры)

Портретный жанр включает с десяток поджанров, выделившихся в различные эпохи. Давайте познакомимся с основными из них:

• Костюмированный — на нём герой предстаёт в образе исторического, литературного, театрального героя или в каком-либо особом наряде — охотничьем, маскарадном.

• Исторический (portrait historié), на котором человек изображён в мифологическом или аллегорическом антураже. В терминологии имеются разночтения: так, в России portrait historié чаще объединяется с костюмированным, а под историческим портретом нередко понимается изображение известной личности, написанное в более позднюю эпоху.

• Ретроспективный — сделан по прижизненным изображениям умершего человека или даже создан на основе описаний. Как уже сказано, из-за проблем с терминологией ретроспективные полотна иногда называются историческими.

• Религиозный (его также называют ктиторским или донаторским), где реальный человек или целая семья изображены рядом с Мадонной или на одной из алтарных створок. Как правило, это был даритель, совершивший пожертвование храму. В названии картины обычно упоминается его фамилия.

• Групповой — на нём может быть изображено двое и более лиц.

• Семейный — разновидность группового. Герои на нём связаны родственными узами.

• Парный — две картины, взаимодополняющие друг друга. Как правило, на них изображают супругов. (Не путать с одним полотном, на котором изображено два человека). Такие пары — написанные в любом жанре — называются панданами.

• Фамильный — изображает одного из представителей рода. Аристократия создавала из них целые галереи. Опять же, есть некоторые терминологические расхождения: фамильным может называться и общий семейный портрет.

• Портрет-картина — изображаемая персона является частью сюжета, жанровой сцены или полноценного пейзажа (то есть ландшафт выступает не просто фоном, а играет важную художественную роль).

• Портрет-прогулка — разновидность предыдущего подвида. Представляет прогуливающегося на фоне природы.

• Портрет-тип — представляет собой обобщающий, собирательный образ.

• Сословный — отображает характерные черты того или иного сословия — военного, купеческого, крестьянского. Часто носит обобщающий характер и становится портретом-типом.

Как особый жанр выделяется автопортрет — изображение художником самого себя.

Автопортреты могут быть костюмированными, как у Зинаиды Евгеньевны Серебряковой, аллегорическими (например, Караваджо написал себя в образе Бахуса) и носить черты других поджанров.

А иногда автопортрет становится и частью группового, семейного — как, например, у Рембрандта, запечатлевшего себя с супругой на коленях.

Что же касается стиля, то свои портретные шедевры найдутся практически в любом: от барокко, классицизма и рококо до кубизма и других современных направлений.

История портретного жанра

В Древнем мире портретное искусство было в основном скульптурным, а в Средневековье вообще практически сошло со сцены. Развитие портретного жанра в европейской живописи началось в эпоху Проторенессанса, с нарастанием светских и антропоцентрических идей, которые стали в итоге основой ренессансного мировоззрения.

Сначала лица писали в профиль — подобно тому, как чеканили на монетах. Большим достижением художников Возрождения стал разворот лиц в профиль и три четверти.

Эпоха абсолютизма принесла моду на парадные портреты. Их заказывали короли, высшие духовные лица, аристократы. Предпочтение отдавалось классицистическому подходу. Появилась должность придворного живописца, специализировавшегося преимущественно на этом жанре.

Барокко внесло в портретное искусство свето-теневые контрасты, силу эмоций, глубину и драматизм.

Живописцы рококо добавили портретам интимности, лиричности, изящного очарования.

Серьёзно повлиял на развитие жанра романтизм: художники-портретисты этого направления стремились заглянуть в душу человека, создать одухотворённый образ в портрете.

С конца XVIII столетия в портретной живописи нарастали реалистические тенденции.

Но к концу XIX — началу XX веков реализм сдаёт позиции. Так, импрессионисты старались отразить настроение модели, подчеркнуть эмоции в конкретный момент времени.

Многие художники стали делать акцент на экспрессии. Выразительный образец — кричащий образ Гюстава Курбе.

Другие экспериментировали с цветом, третьи искажали пропорции, четвёртые создавали образы из кубических форм, пятые приправляли сюрреализмом…

Современные портретисты продолжают искать оригинальные художественные подходы, позволяющие отобразить индивидуальность человека.

Известные портретисты

В наследие многих великих художников входят знаменитые портреты, ставшие признанными шедеврами.

Великолепные образцы жанра созданы:

Их работы в портретном жанре, как вы наверняка заметили, выбраны в качестве иллюстраций к данной статье.

Некоторых художников прославили именно портреты — например, загадочная «Неизвестная» Ивана Николаевича Крамского или скандальная «Мадам X» Джона Сингера Сарджента (John Singer Sargent).

Были и живописцы, которые специализировались именно на портретах (или сделали портретный жанр одним из основных в своём творчестве) и достигли известности в этой области. Например:

Знакомство с шедеврами мировой живописи побуждает поклонников прекрасного создавать и свои собственные коллекции. На сайте Very Important Lot вы сможете поучаствовать в аукционах или приобрести картины у современных художников, которые не только будут

от каменного века до нашего времени

Семантика самого слова «портрет» восходит к старофранцузскому языку: «portraire» – воиспроизведение чего-либо с точностью до единой черты. Происхождение термина полно и емко отражает современную суть понятия. Портрет – это изображение человека или группы людей, фигурировавших либо фигурирующих в реальном мире, с помощью разнообразных художественных средств: живописи, графического и гравюрного искусств, скульптурной техники, фотографических снимков и полиграфического дела.

Поразительное совпадение, но первый образец портретного искусства в истории человечества, ставший известным исследователям, также находится на территории Франции, рядом с городом Ангулем. Это подобие портрета было выполнено 27 тысяч лет назад на весьма своебразном «холсте»: на природном рельефе пещерной породы мелом было начертано что-то, отдаленно похожее на лицо человека. Данная находка имела огромное значение не только для искусствоведов и ученых. Она доказала гораздо более важную вещь: человек разумный всегда стремился запечатлеть себя — пусть даже не в памяти далеких потомков, а на краткий срок — пока не исчезнут линии недолговечного мелка.

Древний Восток: точка отсчета

Но, собственно говоря, действительной точкой отсчета развития портретного жанра как полноценного вида искусства стало появление и формирование в Древнем Египте скульптурной техники.

Причем мотивом для точной персонификации изображений послужили религиозные доводы: создание скульптурных портретов было тесно связано с процессом мумификации. Религия Египта требовала максимального соответствия между оригиналом и каменным изображением.

Конечно, сейчас мы не узнаем имен всех тех мастеров, которые живописали в скульптуре изображения принца Рахотепа и его супруги Нофрет, Хефрена, вельможи Ти, Хемона, Ранофера и загадочного писца. Зато благодаря этим работам теперь мы можем проследить за каждым шагом по дороге к расцвету древней мировой скульптуры. От Древнего и до Нового царств в типах композиций и сословной принадлежности изображаемых изменилось очень многое. Если вначале чести быть запечатленными в скульптуре удостаивались лишь цари и знатные подданные, то к эпохе пятой династии заказать художественный портрет в камне или в дереве могли уже и просто хорошо обеспеченные египтяне. Серьезным изменениям подвергся и тип композиции портрета в целом: от трех вариаций — коленнопреклоненного человека; фигуры, расположившейся на троне или сидящей на корточках; человека в ходьбе с выступающей вперед левой ногой — египетские скульпторы постепенно приходят к удлиненным пропорциям силуэта и более грациозным портретам вообще. Изображения лиц также претерпели своебразную эволюцию: если в Древнем царстве их очертания оставались еще довольно грубыми и типично стандартизированными (с акцентированно крупными губами и расширяющимися в нижней части крыльями носа), то лица, «написанные» художниками Амарнского стиля, можно в полной мере назвать шедеврами изобразительного искусства. Ярким примером тому служит женский портрет — бюст царицы Нефертити, выполненный древнеегипетским скульптором Джехутимесу (Тутмосом Младшим).

 

Античный мир: расцвет «по наследству»

Следующим важным этапом в становлении портретного жанра можно назвать создание в пятом веке до нашей эры в Древней Греции портретных статуй и герм (герма — скульптура головы или бюста на 4-ехгранном постаменте). Это уже не прежние классические портреты, имевшие мало общего со своими древнегреческими прототипами; это персонифицированные изображения реальных людей (публичных деятелей, служителей Каллиопы, Эвтерпы и прочих муз, известных философов). До этого момента сходство натуры и портрета было невозможным априори, поскольку нарушало принцип равенства граждан и расценивалось как свидетельство высокомерия. Скульптура могла передавать лишь универсализированные черты некоего идеального образа.

Реалистическое портретное искусство зародилось во времена Перикла, а продолжило укрепление собственных позиций при Александре Македонском. Брат скульптора Лисиппа начал исполнять портреты на заказ в оригинальной и невиданной ранее манере: он формировал слепки масок со своих моделей, а значит, пытался достичь наивысшего сходства с натурой. Эллинистический портрет и далее развивался в рамках индивидуализма, но постепенно для художников той эпохи стало значимым не только простое воспроизведение индивидуальных особенностей конкретного человека, но и отображение в его портрете мельчайших деталей настроения. Причем, как правило, улыбка редко доставалась «в награду» заказчикам-прототипам скульптурных изваяний. Напротив, конечной целью древнегреческих художников было создание драматического облика: либо изображение волевого и деятельного человека; либо воссоздание образа мыслителя, находящегося в плену печальной действительности и не имеющего возможности разрушить устоявшийся порядок вещей.

В хрониках сохранились записи и о наличии станковой эллинистической живописи (на досках и в меньшей степени — на холстах), но никаких работ и произведений время не пощадило.

Римляне искусство портретирования унаследовали от древнегреческих мастеров, некоторые из которых трудились в Вечном городе и выполнялипортреты на заказ, пытаясь удовлетворить взыскательный вкус богатых заказчиков. Древнеримский портрет тем и отличался от древнегреческого, что внимание привлекала вполне определенная личность, а не человек как уникум в этом мире. Портретный жанр у мастеров Древнего Рима на стыке тысячелетий нашей и дохристианской эры достиг максимума реалистичности. В этом смысле показателен, к примеру, скульптурный портрет Марка Поция Катона Старшего (приблизительно 80 год до н.э.): крупная общественная фигура и литератор, он изображен без всяких прикрас и ухищрений. Причиной подобного стремления к натуралистичности явился философский и жизненный принцип: человек заслуживает уважительного отношения как личность сам по себе, вне зависимости от внешнего вида. Говоря обычным языком, что с того, если портрет какого-нибудь древнеримского оратора запечатлеет в истории все его морщины, ценен-то он не этим, а своим ораторским талантом.

 

Помимо всего прочего, натурализм как явление в портретном искусстве был обусловлен отличными познаниями системы лицевых мускулов и всей гаммы выражений человеческого лица. Специфичные знания были приобретены благодаря обычаям древней культуры: знатные римляне снимали с лиц умерших посмертные маски и хранили их в ларариумах (то есть в частных алтарях).

Римляне отличились и тем, что к древнегреческим гермам и статуям добавили еще один вид портретного искусства — бюст. Также повсеместное хождение получили портреты, выполненные на камеях и монетах: ремесленники-чеканщики были очень искусны в своем деле. Развитие живописного портрета в то время еще только начиналось: именно нарисовать портрет стремились немногие. Станковая портретная живопись развилась гораздо позднее — в I-III вв. н. э. на территории подконтрольного римлянам Египта. Сформировалась она здесь в виде фаюмскихпортретов — живописные произведения служили заменой привычным посмертным маскам-слепкам.

Средние века: регресс в действии

Густав Моро (французский художник, живший в XIV веке) как-то сравнил искусство живописи со страстным молчанием. Так случилось, что в Средние века искусство живописи вообще и портретирования в частности действительно «замолчало», пришло в упадок. Преемственность этого ремесла оборвалась: мастера Западной Римской империи и Византии не приняли реализма древнеримского портрета. Наступил регресс. Он выражался, в первую очередь, в возвращении универсализации образов и в отходе от персонификации. В придачу к тому, в живописи стали преобладать спиритуализированные изображения. Кроме непосредственного буквального смысла, каждое изображение имело еще и аллегорическое значение. Во-вторых, регрессу подверглось само мастерство и техника исполнения художниками Темных веков своих картин. В течение целого тысячелетия живопись в Европе пребывала в упадке. Сам портрет как жанр живописи встречался в те времена очень редко: строгие церковные догмы ограничивали художника в изображении тех или иных объектов и предметов.

В X-XII вв. портреты понемногу восстанавливают утраченные позиции, но по-прежнему остаются на вторых ролях. Главным образом, они занимают свое место в соборных архитектурных комплексах, чеканятся на монетах и воссоздаются в виде книжных миниатюр. Отличной иллюстрацией к вышесказанному является картина Джотто ди Бондоне «Проповедь птицам» (ок. 1295-1300 гг.). Эта фреска, описывающая эпизод из жизни святого Франциска Ассизского, уже выделяется среди прочих подобных произведений того времени: персонажи, изображенные на картине, не отвечают требованиям церковных канонов. У них нормальный разрез глаз; округлые лица, не искаженные неестественно удлиненными пропорциями; плотный тип телосложения.

 

Постепенно портретный жанр прокладывает себе дорогу и в станковой живописи Европы. В позднеготический период здесь у чешских и немецких живописцев появляется совершенно новый вид станкового портрета: человек изображается в три четверти, а не в профиль. Первой такой картиной стал портрет эрцгерцога Рудольфа IV Австрийского, созданный неизвестным мастером в 1365 г. Это произведение ознаменовало начало попыток воссоздания трехмерного пространства в портретном жанре, но само по себе оно еще очень слабо соответствует задумке автора. Вряд ли художник, не знавший о правилах перспективного сокращения, смог бы осуществить полноценную экспликацию субъекта в пространство с тремя системами координат.

 
Следует отметить, что в Китае и на территории Японии искусство портретирования в Средние века переживало свой расцвет, и там явлений регресса не наблюдалось вовсе. Мастера стран Средней Азии, Индии, Ирана, Азербайджана, Афганистана создавали в то время картины действительно высокого класса исполнения. Их портретные миниатюры восхищают зрителей и сегодня. Примером такого неподдельного восторга для искусствоведов и обычных любителей живописных картин может служить портрет пастуха, нарисованный персидским художником Риза-йи-Аббаси в 1634 г.

 

Ренессанс: возрождение в стиле антропоцентризма

С приходом Ренессанса в западноевропейской живописи снова воцарился реализм, и оборванные некогда связи с традициями античного искусства восстановились. Возвращение к индивидуализму в портретном жанре обуславливалось формированием новой гуманистической философии антропоцентризма, которая гласила: человек — главная ценность и главное мерило этого мира.

Возрождение началось с итальянского скульптурного портрета. Лука делла Роббиа, Мино да Фьезоле, Донателло, Антонио Росселлино — все они стремились не только достичь определенного сходства с натурой в своих произведениях, выразить характер прототипа, но и сохранить благородство манеры работы.

В дальнейшем развивающийся портретный жанр Ренессанса приобрел характерные, легко узнаваемые черты.

Первой особенностью ренессансного портрета стало невольное копирование итальянскими мастерами своих ранних работ с античных первоисточников (медалей и монет), а потому человек на их картинах чаще всего нарисован исключительно в профиль. К такому способу изображения человека, как портрет в анфас и в три четверти, авторы пришли позднее. Интересны в этом отношении портреты Андреа Соларио: модель всегда изображена по грудь или по пояс, а голова повернута на те самые три четверти. Ярким выражением всего творчества Соларио стала картина «Мужчина с гвоздикой» (приблизительно 1495 г.).

 

Второй характерной чертой живописного искусства эпохи Возрождения стало начало применения художниками масляных красок, что придавало картинам изящную филигранность и необычную душевность.

Помимо указанных типичных черт искусства портретирования того времени, Ренессанс привел также к изменению фона живописных портретов: если в эпоху Средневековья фон изображался весьма условным и сюрреалистичным, то художники Возрождения воссоздавали вполне реалистичные панорамы и интерьеры.

К XV веку все эти характерные особенности портретного жанра Ренессанса прочно укоренились в творчестве Доменико Венециано, Мазаччо, Доменико Гирландайо, Пьеро делла Франческа, Пинтуриккьо, Сандро Боттичелли, Мантенья и др. Но наиболее известными сегодня именами, конечно, стали Тициан, Рафаэль, Леонардо да Винчи и Джорджоне. Вряд ли кто-не не видел «Мону Лизу» или не имел удовольствия лицезреть «Сикстинскую Мадонну» Рафаэля. Эти художники по праву заняли особое место в исторической галерее портретов благодаря одухотворенности их образов и усовершенствованию выразительных средств. Разумеется, портрет как жанр живописи возрождался в ту эпоху не только в одной Италии, но и в других странах. Так, например, общепризнаными мастерами Ренессанса являются немецкие художники Ганс Гольбейн младший и Альбрехт Дюрер (преуспевший и в живописи, и в ксилографии), а также французские портретисты Франсуа Клуэ и Жан Фуке.

XVI век ознаменовался наступлением эпохи маньеризма, который обладал иными, не схожими с ренессансными портрерами, стилевыми чертами. Обобщенно формула маньеризма выражается в сочетании следующих составляющих: змеевидные, ломаные линии + изляшняя спиритуализированность + нарушение гармоничности в очертаниях фигур + перенасыщенность содержимого картин в целом. Сложив все эти компоненты, вы получите, к примеру, работу Ханса фон Аахена «Вакх, Церера и Купидон».

 

В стилистику маньеризма вписываются и портреты Эль Греко и Бронзино.

Барокко: взлет станковой живописи

Эпоха Барокко вознесла искусство портретирования на новые высоты. Но портретный жанр не достиг бы таких высот, если бы предварительно нидерландскими художниками Северного Возрождения не был подготовлен соответствующий постамент для качественного толчка вверх.

Итак, XVII век — век неестественности и вычурного благородства — принес миру таких звезд живописного искусства, как Рембрандт, Диего Веласкес, Франц Хальс, Николя Пуссен, Питер Пауль Рубенс и другие. И настоящим ценителям портретной живописи не столь уж важно, кто из мастеров к которой художественной школе принадлежал — голландской ли, фламандской ли — или же вовсе был родом из Франции или Испании. Главное — эти авторы подарили нам возможность любоваться не только изображениями королей, знатных вельмож и купцов, но и людьми из всех сословных категорий. Чего стоит один портрет цыганки, написанной Францем Хальсем (1628-1630 гг.)?

 

Буржуазный уклад жизни и общий рост благосостояния людей в те времена резко увеличили число людей, имевших возможность заказать художественный портрет. В Нидерландах того времени огромную востребованность получили групповые портреты. Причем взаимоотношения между персонажами в рамках конкретной сюжетной линии ощутимо оживляются. «Ночной дозор» Рембрандта (1642 г.) — прямое тому подтверждение.

 

Барокко также открыло широкую дорогу станковой живописи и возвело в ряд наиболее распространенных видов живописного искусства, но эта эпоха отметилась в истории портретов и совершенно несообразными тенденциями. Так, определенной нелепостью эпохи Барокко стало установившееся разделение всех жанров искусства на «низкие» и «высокие» категории. В довершение чего, портретный жанр был занесен современниками Франсиско Сурбарана в категорию «низких». Вряд ли можно было придумать нечто абсурднее, но факт состоит в том, что подобное положение вещей просуществовало до конца XIX века.

Портрет XVIII века: Рококо — игра на грани жизни

Портретный жанр в XVIII веке вновь не жалует реализма в изображении своих героев. Первоисточником, определяющим развитие искусства портретирования, становится культура Франции. А во Франции того времени правдивость не была в чести ни в действительной жизни, ни в изобразительных средствах. Эталоном для всей Европы стал придворно-аристократический портрет, переживший подъем во время правления династии Людовиков и распространившийся позднее повсеместно. Однако этот официальный портрет при всей своей парадности стремился не к достижению индивидуализма изображаемых фигур (то есть не к максимальной схожести портрета и оригинала), а к идеализации их образов. Художники этого времени — Франсуа Гюбер Друэ, Гиацинт Риго, Жан Натье, Пьер Миньяр и другие — старались следовать исключительно вкусам своих богатых и знатных заказчиков. Поэтому большинство их картин более похоже на декорации, в которых играют актеры, причем игра актеров явно неумела и неестественна. Техника исполнения страдает; впоследствии в искусствоведческой среде появится термин «кукольное лицо».

В завершающей трети XVIII века в устоявшемся порядке вещей наметились крупные перемены. В художественной среде появляется и укрепляет свои позиции новый портрет — жизненный и отвечающий принципам реализма. Сюда можно отнести скульптурные произведения Жана Батиста Пигаля и Жана Антуана Гудона, позднее творчество Антуана Ватто, пастельные картины Ж. Б. Перонно, портреты Франагора, Аведа, остросоциальные работы англичанина Уильяма Хогарта и пр.

Типичным примером развития техники пастели является картина Ж. Б. Перонно «Девочка с кошкой». Подобные средства выражения идеальны для изображения лиц и настроений, но совсем не подходят для изображения вычурной помпезности.

 

К 50-м гг. XVIII века портретисты пытаются охватить своим искусством более широкие слои населения, в результате чего появляется «дешевый» портрет, выполненный с помощью карандаша, акварельных красок или в виде гравюры. Появляется и пользуется огромным успехом и самостоятельное ответвление в портретном искусстве — портретная миниатюра.

В конце века на мировом уровне заявили о себе и русские портретисты: Боровиковский и Левицкий.

Портрет XIX века: стилистический бум

XIX век принес человечеству великое разнообразие стилистических направлений и подстилей портретирования: классицизм, реализм, романтизм и импрессионизм.

Вначале бурному развитию классицизма способствовала Великая Французская революция, убравшая из работ художников всякую напыщенность и приторность. Общая кайма портретов выдерживается в более каноничных и бесстрастных рамках исполнения. В подобной манере творили французские художники Жак Луи Давид, Поль Деларош и Франсуа Жерар.

В первой половине XIX века сформировалось и романтическое направление. Помимо Европы, романтизм как часть искусства проник и на территорию Российской Империи: творчество Карла Брюллова, Ореста Кипренского и частично Василия Тропинина пронизано культом чувств и природы. Так, например, невозможно не отметить глубокомысленную страстность во взгляде Василия Андреевича Жуковского, запечатленную в 1815 году в его портрете Кипренским.

 
В середине этого шумного века, совпавшего с промышленном переворотом и появлением фотографического ремесла, в искусство возвращается реалистичный портрет. Но эти произведения нацелены не столько на достоверность изображения персонажей, сколько на отображение героя как представителя конкретного социума: кто он? чем заняты его мысли? какими этическими принципами обусловлено его поведение? К этому направлению относятся художники из совершенно разных стран с абсолютно разным уровнем развития: норвежец Эрик Вереншёлль; француз Густав Курбе; поляк Ян Матейко; немецкие художники Адольф фон Менцель и Вильгельм Лейбль; бельгийский живописец Альфред Стивенс; Квидо Манес из чешского государства; американец Томас Эйкинс. В России последователями реализма стали художники-передвижники: Ге, Перов, Крамской и др.

В завершающей трети XIX века появился импрессионизм, который в корне изменил концептуальное содержание портрета. Импрессионисты сосредоточились не на достоверности портретного облика человека, а на изменчивости его вообще и образе действий во внешней вариативной обстановке. Типичные представители данного направления — это тяготевшие в той или иной мере к импрессионизму Огюст Роден, Эдуар Мане, Эдгар Дега, Огюст Ренуар.

Портрет в XX веке: фотография против мольберта

Портретный жанр в прошлом веке пришел в явный упадок. Художественный портрет стал уделом избранных в отличие от массового фототиражирования. Но все же искусство портретирования продолжило свою эволюцию. Возникновение модернизма привело к появлению нетипичных произведений: произведений, в которых образ человека преподносился довольно схематично — так, как его увидел художник, и никак иначе. Образцом модернизма, например, уверенно можно назвать работу Амадео Модильяни «Портрет Жанны Эбютерн в желтом свитере» (1918 г.).

 
Затем последовало противостояние двух абсолютно разных стилей в портретном жанре: реалистичного и абстрактного. Многие знают о представителях абстрактного искусства (основоположнике кубизма Пабло Пикассо или лидере направления фовистов Анри Матиссе), но мало кто слышал о художниках-реалистах: графике Кете Кольвиц, скульпторе Аристиде Майоле или живописце Уильяме Орпене. XX век расставил свои приоритеты, но хотелось бы узнать, почему он расставил их именно в таком порядке.

Как назывался ранний жанр портрета на Руси?

Автор Екатерина Васильева На чтение 2 мин Опубликовано 18.12.2020 Обновлено 18.12.2020

В Русском царстве существовал ранний и довольно примитивный жанр портрета. О сходстве человека и его образа на портрете мастера особо не заботились. Часто личность изображённого можно было определить только по подписи на портрете. А как такой жанр портрета назывался? (Слово из 7 букв)

Это ранний «примитивный» жанр портрета в Русском царстве, в своих живописных средствах находившийся в зависимости от иконописи.

Парсуна это вид ранней русской портретной живописи, который развивался в XVII — начале XVIII века. Термин предложен в середине XIX века. И.М. Снегирёвым.

Парсуна стала переходным жанром между иконописным изображением людей и светским портретом.

Слово «парсуна» происходит от искаженного латинского слова persona, что означает «личность», «особа», «лицо». До XVIII века так называли все портретные изображения людей.

Парсуна это рисованное изображение человека, точнее его портрет, отсюда и название происходит-изображена персона. Рисовать персоны-парсуны стали в конце 16-го века, можно сказать, что парсуны были вроде фотографии, появившейся гораздо позже.

Они были малого размера, люди их дарили друг другу, в том числе и влюблённые, точно как фотки в наше время. Однако сходство было не на высоте, с фото не сравнить, так как писали парсуны в стиле, похожем на иконопись. Поэтому на парсуне писали имя изображённого, прямо с лицевой стороны, чтоб не перепутали ни с кем. Самая, пожалуй, знаменитая-парсуна царя Ивана Грозного, она долгое время присутствовала в советских учебниках истории, кто учился в советской школе ни с чем этот портрет не спутают.

Правильный ответ — парсуна

Следующий вопрос

Термины и понятия в искусстве — Портрет

Просмотров: 56763

Портрет, изображение человека либо группы людей

Портрет (франц. portrait, от устар. portraire — изображать), изображение (образ) какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в действительности. Портрет — один из главных жанров живописи, скульптуры, графики. Важнейший критерий портретности — сходство изображения с моделью (оригиналом). Оно достигается не только верной передачей внешнего облика портретируемого, но и раскрытием его духовной сущности, диалектического единства индивидуальных и типичных черт, отражающих определенную эпоху, социальную среду, национальность. В то же время отношение художника к модели, его собственное мировоззрение, эстетическое кредо, находящие воплощение в его творческой манере, способе трактовки портрета, придают портретному образу субъективно-авторскую окраску. Исторически складывалась широкая и многоплановая типология портрета: в зависимости от техники исполнения, назначения, особенностей изображения персонажей различают портреты станковые (картины, бюсты, графические листы) и монументальные (фрески, мозаики, статуи), парадные и интимные, погрудные, в полный рост, анфас, в профиль и т. д. Существуют портреты на медалях (см. Медальерное искусство), геммах (см. Глиптика), портретная миниатюра. По числу персонажей портрет делятся на индивидуальные, двойные, групповые. Специфический жанр портрета — автопортрет. Подвижность жанровых границ портрета позволяет в одном произведении сочетать его с элементами других жанров. Таковы портрет-картина, где портретируемый представлен во взаимосвязи с миром окружающих его вещей, с природой, архитектурой, другими людьми, и портрет-тип — собирательный образ, структурно близкий портрет. Возможность выявления в портрете не только высоких духовно-нравственных качеств человека, но и негативных свойств модели обусловила появление портретной карикатуры- шаржа, сатирический портрет. В целом искусство портрета способно глубоко отражать важнейшие общественные явления в сложном переплетении их противоречий.

Зародившись в глубокой древности, портрет достиг высокого уровня развития в древневосточной, особенно в древнеегипетской скульптуре, где он выполнял главным образом роль «двойника» портретируемого в загробной жизни. Подобное религиозно-магическое назначение древнеегипетского портрета приводило к проецированию на канонический тип изображения индивидуальных черт определенного человека. В Древней Греции в период классики создавались идеализированные скульптурные портреты поэтов, философов, общественных деятелей. С конца V в. до н. э. Древнегреческий портрет всё более индивидуализируется (творчество Деметрия из Алопеки, Лисиппа), а в эллинистическом искусстве тяготеет к драматизации образа. Древнеримский портрет отмечен чёткой передачей индивидуальных черт модели, психологической достоверностью характеристик. В эллинистическом искусстве и в Древнем Риме наряду с портретными, иногда мифологизированными бюстами и статуями широко распространились портреты на монетах и геммах. Живописные файюмские портреты (Египет, I-IV вв.), во многом связанные с древневосточной магической традицией «портрета-двойника», создавались под воздействием античного искусства, несли в себе ярко выраженное сходство с моделью, а в поздних образцах — специфическую духовную выразительность.

Эпоха средних веков, когда личностное начало растворялось во внеличностной корпоративности, религиозной соборности, наложила особый отпечаток на эволюцию европейского портрета. Часто он представляет собой неотъемлемую часть церковно-художественного ансамбля (изображения правителей, их приближённых, донаторов). При всём том некоторым скульптурам эпохи готики, византийским и древнерусским мозаикам и фрескам присущи ясная физиономическая определённость, начатки духовной индивидуальности. В Китае, несмотря на подчинение строгому типологическому канону, средневековые мастера (особенно периода Сун, X-XIII вв.) создали множество ярко индивидуализированных портретов, часто подчёркивая в моделях черты интеллектуализма. Выразительны портретные образы средневековых японских живописцев и скульпторов, из живых наблюдений исходили мастера портретной миниатюры Средней Азии, Азербайджана, Афганистана (Кемаледдин Бехзад), Ирана (Реза Аббаси), Индии.

Выдающиеся достижения в искусстве портрета связаны с эпохой Возрождения, утверждавшей идеалы героической, активно-действенной личности. Свойственное ренессансным художникам ощущение цельности и гармоничности мироздания, признание человека высшим началом и центром земного бытия определили новую структуру портрета, в котором модель зачастую выступала уже не на условном, ирреальном фоне, а в реальной пространственной среде, иногда — в непосредственном общении с вымышленными (мифологическими и евангельскими) персонажами. Принципы ренессансного портрета, намеченные в итальянском искусстве треченто, прочно утвердились в XV в. (живопись Мазаччо, Андреа дель Кастаньо, Доменико Венециано, Д. Гирландайо, С. Боттичелли, Пьеро делла Франческа, А. Мантеньи, Антонелло да Мессина, Джентиле и Джованни Беллини, статуи Донателло и А. Верроккьо, станковая скульптура Дезидерио да Сеттиньяно, медали Пизанелло). Мастера Высокого Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто углубляют содержание портретных образов, наделяют их силой интеллекта, сознанием личной свободы, душевной гармонией, а иногда и внутренним драматизмом. Большей по сравнению с итальянской портретом духовной заострённостью, предметной точностью изображения отличалось портретное творчество нидерландских (Я. ван Эйк, Робер Кампен, Рогир ван дер Вейден, Лука Лейденский) и немецких (А. Дюрер, Л. Кранах Старший, Х. Хольбейн Младший) мастеров. Герой их портретов нередко предстаёт как неотделимая частица мироздания, органически включённая в его бесконечно сложную систему. Ренессансным гуманизмом проникнуты живописные, графические и скульптурные портреты французских художников этой эпохи (Ж. Фуке, Ж. и Ф. Клуэ, Корнель де Лион, Ж. Пилон). В искусстве Позднего Возрождения и маньеризма портрет утрачивает гармоничную ясность ренессансных образов: она сменяется напряжённостью образного строя и подчёркнутой драматичностью духовного выражения (произведения Я. Понтормо, А. Бронзино в Италии, Эль Греко в Испании).

Кризис возрожденческого антропоцентризма в условиях общественно-политических сдвигов на рубеже XVI и XVII вв. определил новый характер западноевропейского портрета. Его глубокая демократизация, стремление к многостороннему познанию человеческой личности в XVII в. получили наиболее полное воплощение в искусстве Голландии. Эмоциональной насыщенностью, любовью к человеку, постижением сокровенных глубин его души, тончайших оттенков мысли и чувства отмечены портреты работы Рембрандта. Полные жизни и движения портреты кисти Ф. Халса раскрывают многомерность и изменчивость душевных состояний модели. Сложность и противоречивость действительности отражены в творчестве испанца Д. Веласкеса, создавшего галерею полных достоинства, духовного богатства образов людей из народа и серию беспощадно правдивых портретов придворной знати. Яркие, полнокровные натуры привлекают фламандского живописца П. П. Рубенса, тонкой выразительностью характеристик отмечены виртуозные по технике портреты его соотечественника А. ван Дейка. Реалистические тенденции искусства XVII в. проявились также в портретном творчестве С. Купера и Дж. Райля в Англии, Ф. Де Шампеня, братьев Ленен во Франции, В. Гисланди в Италии. Существенному идейно-содержательному обновлению портрета, выразившемуся, в частности, в расширении его жанровых границ (развитие группового портрета и перерастание его в групповой портрет-картину, особенно в творчестве Рембрандта, Халса, Веласкеса; широкая и многообразная разработка станковых форм автопортрета у Рембрандта, ван Дейка, французского художника Н. Пуссена и др.), сопутствовала эволюция его выразительных средств, придававших изображению большую жизненность. Одновременно многие портреты XVII — первой половины XVIII вв. не выходили за границы чисто внешней импозантности, демонстрировали ложно идеализированный, часто «мифологизированный» образ заказчика (произведения французских живописцев П. Миньяра и И. Риго, англичанина П. Лели).

Свежие реалистические тенденции проявились в портрете XVIII в., связанных с гуманистическими идеалами эпохи Просвещения. Жизненная правдивость, точность социальных характеристик, острая аналитичность свойственны произведениям французских портретистов (живопись и станковая графика М. К. де Латура и Ж. О. Фрагонара, пластика Ж. А. Гудона и Ж. Б. Пигаля, «жанровые» портреты Ж. Б. С. Шардена, пастели Ж. Б. Перронно) и живописцев Великобритании (У. Хогарт, Дж. Рейнолдс, Т. Гейнсборо).

В условиях экономического и культурного роста России в XVII в. здесь получают распространение портреты-парсуны, носившие ещё условно-иконописный характер. Интенсивное развитие светского станкового портрета в XVIII в. (полотна И. Н. Никитина, А. М. Матвеева, А. П. Антропова, И. П. Аргунова) к концу столетия подняло его на уровень высших достижений современного мирового портрета (живопись Ф. С. Рокотова, Д. Г. Левицкого, В. Л. Боровиковского, пластика Ф. И. Шубина, гравюры Е. П. Чемесова).

Великая французская революция 1789-94, национально-освободительные движения первой половины XIX в. способствовали постановке и решению новых задач в жанре портрета. Существенные аспекты эпохи ярко и правдиво отразились в целой галерее отмеченных чертами классицизма портретов французского художника Ж. Л. Давида. Приподнято-романтические, страстно-эмоциональные, а подчас гротескно- сатирические образы создал в своих портретах испанский живописец Ф. Гойя. В первой половине XIX в. наряду с развитием тенденций романтизма (живописные портреты работы Т. Жерико и Э. Делакруа во Франции, О. А. Кипренского, К. П. Брюллова, отчасти В. А. Тропинина в России, Ф. О. Рунге в Германии) новым жизненным содержанием наполнились и традиции портретного искусства классицизма (в творчестве французского художника Ж. О. Д. Энгра), появились значительные образцы сатирического портрета (графика и скульптура О. Домье во Франции).

В середине и во второй половине XIX в. расширяется география национальных школ портрета, возникает множество стилистических направлений, представители которых решали проблемы социально-психологической характеристики, отображения этических достоинств современника (А. Менцель и В. Лейбль в Германии, Я. Матейко в Польше, Д. Сарджент, Дж. Уистлер, Т. Эйкинс в США и др.). В психологических, часто социально типизированных портретах передвижников В. Г. Перова, Н. Н. Ге, И. Н. Крамского, И. Е. Репина воплотился их интерес к представителям народа, к разночинской интеллигенции как к социально значительным, полным духовного благородства личностям.

Достижения французских мастеров импрессионизма и близких им художников (Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега, скульптор О. Роден) привели в последней трети XIX в. к обновлению идейно-художественных концепций портрета, передающего теперь изменчивость облика и поведения модели в столь же изменчивой среде. Противоположные тенденции нашли выражение в творчестве П. Сезанна, стремившегося выразить в монументально-художественном образе устойчивые свойства модели, и в драматических, нервно-напряжённых портретах и автопортретах голландца В. ван Гога, глубоко отразивших жгучие проблемы нравственной и духовной жизни современного человека.

В предреволюционную эпоху русский реалистический портрет получил новое качество в остропсихологических произведениях В. А. Серова, в духовно значительных, наполненных глубоким философским смыслом портретах М. А. Врубеля, в жизненно полнокровных портретах-типах и портретах-картинах Н. А. Касаткина, А. Е. Архипова, Б. М. Кустодиева, Ф. А. Малявина, в скрытой драматичности живописных и графических портретов К. А. Сомова, в скульптурных произведениях Конёнкова С. Т., П. П. Трубецкого и др.

В XX в. в жанре портрета проявились сложные и противоречивые тенденции искусства новейшего времени. На почве модернизма возникают произведения, лишённые самой специфики портрета, нарочито деформирующие или вовсе упраздняющие образ человека. В противовес им идут интенсивные, иногда противоречивые поиски новых средств выражения сложной духовной сущности современного человека, отразившиеся в графике К. Кольвиц (Германия), в пластике Ш. Деспьо (Франция), Э. Барлаха (Германия), в живописи П. Пикассо, А. Матисса (Франция), А. Модильяни (Италия). Творчески развивали и развивают традиции реалистического портрета живописцы Р. Гуттузо в Италии, Д. Ривера и Д. Сикейрос в Мексике, Э. Уайет в США, скульпторы В. Аалтонен в Финляндии, Дж. Манцу в Италии и др. Позиции общественно активного реализма занимают портретисты социалистических стран: Ж. Кишфалуди-Штробль в Венгрии, Ф. Кремер в ГДР, К. Дуниковский в Польше, К. Баба в Румынии и др.

Советское многонациональное искусство портрета является качественно новой ступенью в развитии мирового портрета. Его основное содержание — образ строителя коммунизма, отмеченного такими социально-духовными качествами, как коллективизм, революционная целеустремлённость, социалистический гуманизм. В советских портретах-типах и портретах-картинах отразились невиданные прежде явления в трудовой и общественной жизни страны (работы И. Д. Шадра, Г. Г. Рижского, А. Н. Самохвалова, С. В. Герасимова). Опираясь на классические традиции западноевропейского и русского реалистического портрета, творчески осваивая лучшие достижения портретного искусства XIX-XX вв., советские мастера создали жизненно правдивые портретные образы рабочих, колхозников, воинов Советской Армии (пластика Е. В. Вучетича, Н. В. Томского, живопись А. А. Пластова, И. Н. Клычева и др.), представителей советской интеллигенции (живописцы К. С. Петров-Водкин, М. В. Нестеров, П. Д. Корин, М. С. Сарьян, К. К. Магалашвили, Т. Т. Салахов, Л. А. Мууга, скульпторы Конёнков, С. Д. Лебедева, В. И. Мухина, Т. Э. Залькалн, графики В. А. Фаворский, Г. С. Верейский). Новаторскими чертами отмечены советские групповые (произведения А. М. Герасимова, В. П. Ефанова, И. А. Серебряного, Д. Д. Жилинского, С. М. Вейверите) и историко-революционные («Лениниана» Н. А. Андреева, работы И. И. Бродского, В. И. Касияна, Я. И. Николадзе и др.) портреты. Развиваясь в русле единого идейно-художественного метода социалистического реализма, советское портретное искусство отличается богатством и многообразием индивидуально-творческих решений, смелыми поисками новых выразительных средств.

Лит.: Искусство портрета. Сб. ст., М., 1928; М. В. Алпатов, Очерки по истории портрета, [М.-Л.], 1937; В. Н. Лазарев, Портрет в европейском искусстве XVII в., М.-Л., 1937; Очерки по истории русского портрета второй половины XIX в., под ред. Н. Г. Машковцева, М., 1963; Очерки по истории русского портрета конца XIX — начала XX в., под ред. Н. Г. Машковцева и Н. И. Соколовой, М., 1964; Очерки по истории русского портрета первой половины XIX в., [под ред. И. М. Шмидта], М., 1966; Л. С. Зингер, О портрете. Проблемы реализма в искусстве портрета, [М., 1969]; его же, Советская портретная живопись 1917 — начала 1930-х гг., М., 1978; В. Н. Стасевич, Искусство портрета, М., 1972; Проблемы портрета, М., 1973; М. И. Андроникова, Об искусстве портрета, М., 1975; Портрет в европейской живописи XV — начала XX в. [Каталог], М., 1975; Waetzoldt W., Die Kunst des Portrдts, Lpz., 1908; Zeit und Bildnis, Bd 1-6, W., 1957.

Родительская категория: История | Культура

Категория: Термины | Понятия

Жанр портрета в культуре разных времен и народов :: SYL.ru

Жанр портрета в культуре разных времен и народов остается одним из любимых в ярком мире изобразительного искусства. В портрете художник проявляет интерес к свойствам человеческого характера, умение эмоционально настроиться на волну своего персонажа. В лучших образцах портретного жанра можно разглядеть внутренний облик человека, трепетные мгновения его душевной жизни.

Жанровое своеобразие

В культуре разных времен жанр портрета – один из главных в графике, живописи и скульптуре. Каждая эпоха диктовала художнику определенные принципы в изображении людей сообразно тому, какой была цель создания художественного произведения. Были картины, изображавшие характеры или обобщенные типы, портреты-символы и рисунки-настроения.

Египетские ритуальные изображения

Портретный жанр возник в глубокой древности как попытка запечатлеть личность в глубине и разнообразии ее проявлений. В Египте бюст или статуя, изображавшая конкретного человека, имели магическое ритуальное значение – так отправляли в загробный мир душу усопшего. Портреты египетской знати, дошедшие до наших времен, интересны тем, что отображают неповторимую внешность и характер.

Во времена античности

В Древней Греции жанр портрета отражал значимые идеалы, владевшие умами людей. Красота, соразмерность, ориентир на эталонность присутствуют в скульптуре, мозаике, чеканке и фресках греков.

Древний Рим, подхвативший эстафетную палочку традиций античного искусства, добавил достоверности в передаче человеческой натуры. Портреты суровых императоров, волевых полководцев, проницательных философов и остроумных поэтов в бюстах и рельефных изображениях и сегодня поражают предельным правдоподобием. Одной из причин такой достоверности стало то, что искусство портрета в Риме тесно связано с изготовлением посмертных восковых масок. Их снимали с умерших и хранили в пределах домашнего алтаря.

Лучшим образцом портретной живописи являются удивительно реалистичные фаюмские погребальные портреты, выполненные в технике энкаустики (восковой живописи).

Портретный жанр в скульптуре развивался параллельно его эволюции в живописи.

Средневековые портреты

Во времена Средневековья изобразительное искусство в Европе переживало упадок, поскольку господствовало религиозное мировоззрение, согласно которому интеллектуальное и душевное существование человека было подчинено высшим силам и растворено в ощущении себя частицей божьего мира. Главной фигурой духовной жизни был бог, а изображать лик господа, согласно библейскому предостережению, было запрещено.

На Востоке с портретным жанром дела обстояли лучше. Китайский и японский средневековые портреты, несмотря на строгие каноны, воссоздают индивидуализированные образы представителей придворной знати. Жанр портретной миниатюры достиг совершенства в работах мастеров Средней Азии, Индии, Афганистана.

Говоря о жанре портрета в культуре разных времен и народов, нельзя не упомянуть о произведениях перуанских индейцев мочика. Изображения людей в них достоверно передают анатомические особенности строения человеческого тела и неповторимые специфические черты людей разных возрастов и социальных групп.

Гении Возрождения

В эпоху Ренессанса портретный жанр переживает новый взлет. Царствуют ценности гуманизма – вера в красоту человеческой личности, человек, как и в античные времена, считается мерой всех вещей. Центром расцвета живописи стала Италия. Из-под кисти гениев Возрождения — Рафаэля, Леонардо да Винчи, Тициана, Тинторетто, Джорджоне — рождаются портреты, герои которых сознают собственную духовную свободу и переживают глубоко драматичную внутреннюю жизнь. Зарождаются традиции аллегорического портрета. Позднее Европейское Возрождение в лице Эль Греко, Пантормо, Бронзино дарит истории портреты, в которых душевное напряжение персонажей достигает огромного накала.

Портрет барокко

В 17 веке в ряде стран произошли изменения титанического масштаба, они коснулись науки и идеологии, социальной жизни людей и, разумеется, отразились в искусстве. Портретный жанр в живописи развивается в сторону воплощения насыщенного поиска смысла жизни и самопознания человека. На первые позиции выдвинулись голландские и фламандские художники, образовались две соответствующие школы. Техника живописи стремительно совершенствовалась, приобретали популярность групповые портреты, в основе композиции которых была динамика.

Европейский портрет 18 века переживает кризис: заказчики-аристократы не заинтересованы в изображении душевных бурь, они хотят быть на картине идеализированными. В портретах появляется либо напыщенная театральность, либо чрезмерная чувствительность. Лишь во времена позднего Просвещения в работах Фрагонара, Ватто, Шардена в изображение человека возвращается аналитизм, искренность и простота.

В поединке с фотографией

Хотя жанр портрета в разные эпохи переживал взлеты и падения, 19 век стал в его развитии своеобразным прорывом. Расширяется географический охват, совершенствуются и оттачиваются приемы, появляется обилие художественных стилей. Распространение фотографии становится своеобразным вызовом мастерам живописи. Новым словом в портретистике становятся открытия импрессионистов, стремившихся в портрете отразить динамику и текучесть каждого мгновения жизни.

Век двадцатый, отмеченный дыханием модернизма в искусстве, увел портрет в сторону условности и намеренного отказа от реализма. Тем не менее поиски в рамках реалистического наследия продолжились в творчестве американских, итальянских, польских, финских, русских художников.

В разное время жанр портрета в культуре того или иного народа живет по законам поиска новых форм и одновременно продолжает сохранять традицию. Так происходит и в 21 веке. Современное портретное искусство пользуется многообразной палитрой самых неожиданных средств и приемов.

Жанр портрета в искусстве России

В отличие от стран Востока и Западной Европы, портретное искусство на Руси появилось лишь в 17 веке с возникновением парсуны – портрета, написанного в стиле иконы. По-настоящему портретный жанр стал развиваться в России лишь в 18 веке. Первыми русскими портретистами историки живописи считают Ивана Никитина, Ивана Аргунова, Алексея Антропова. На вторую половину столетия, которое принято назвать «веком портрета», пришлось творчество Дмитрия Левицкого, Федора Рокотова, Владимира Боровиковского, которые могли составить конкуренцию любому прославленному художнику Европы.

Традиция психологизма, заложенная во времена романтизма, достигла невероятного расцвета в работах мастеров второй половины 19-го и начала 20 века. Портреты кисти Ильи Репина и Ивана Крамского, Василия Перова и Валентина Серова – это признанные шедевры жанра. В исканиях художников наметились попытки уловить и воплотить ассоциативный знаковый подтекст в изобразительном «отпечатке» человеческой личности.

Что такое портретная живопись в контексте современного искусства?

Давайте проясним с самого начала: портретная живопись, без сомнения, один из важнейших жанров в истории искусства . Вместе с пейзажами портретная живопись, вероятно, является наиболее часто используемым художественным жанром в искусстве в целом. Для этого существует множество причин, и все они могут быть описаны могущественной магией портретной живописи. Несмотря на все препятствия, с которыми сегодня сталкивается современная портретная живопись, она все еще жива, по-прежнему популярна и, безусловно, будет в ближайшем будущем.Тем не менее, современной портретной живописи подвергается некоторым обвинениям в том, что она не принадлежит к современному искусству (конечно, не из-за художников, а из-за основных характеристик этого жанра). В частности, речь идет о портретах, на которые нацелены некоторые искусствоведы; Однако портретной живописи благодаря своей магии удается выжить в жесткой конкуренции современного искусства.

Саша Брауниг — Без названия (Ледяной пряный) [деталь]

Что такого волшебного в портретной живописи?

Портретная живопись — это запись внешнего вида и личности человека на фотографии, картине, скульптуре или на любом другом носителе.Что делает его таким волшебным, так это его способность изображать не только физические, но и психологические характеристики фигуры. Когда дело доходит до рисования людей, нам просто нравится смотреть на лица и фигуры других людей. В этом процессе наблюдения есть что-то удовлетворительное (возможно, даже мастурбационное — конечно, в символическом смысле этого слова, но иногда и буквально, если кому-то нравится эротическая портретная живопись, которая также является формой искусства). Однако уже несколько десятилетий портретная живопись считается слишком консервативной, устаревшей и не «соответствует» неписаным нормам, определяющим современное искусство.Тем не менее, портретная живопись (даже традиционный вид, достигший своего пика в 19 веке) по-прежнему очень популярен среди коллекционеров и любителей искусства.

Томоо Гокита — Как выйти замуж за миллионера, 2015

Статус портретной живописи в современном искусстве

Одной из основных характеристик портретной живописи является то, что их функция — представление внешнего вида и личности человека. Одно из самых больших влияний движения концептуального искусства на современное искусство в целом — это критика чистой репрезентации.Помимо информации, которую портрет передает своим зрителям относительно внешнего вида объекта, для современного искусства также важно, чтобы портрет содержал контекст, вопросы идентичности, социальные проблемы . Даже символика не может ответить на эти требования. Однако существует очень много примеров художников-портретистов, которые прекрасно решают эти вопросы. Давайте просто вспомним удивительное искусство Кехинде Вили, портреты которой характеризуются глубоким политическим и социальным выражением. Портреты Чака Клоуса также настолько новаторские и оригинальные, что никто не может сказать, что их нельзя рассматривать как часть современного искусства.

Смотрите портреты Чака Клоуса, доступные на нашей торговой площадке!

Kehinde Wiley — Femme piquée par un serpent, 2008

Пройдет ли портретная живопись?

С развитием технологий, развитием современной фотографии и распространением социальных сетей одна из основных функций портрета — создание подобия — становится неактуальной, потому что нам действительно не нужен художник, чтобы рассказать нам, как кто-то выглядит. Это особенно касается изображения знаменитостей (т.е. Элизабет Пейтон или даже Энди Уорхол). Теперь мы можем просто погуглить и увидеть изображение знаменитости. У нас также есть бесчисленные фотоконкурсы (например, World Press Photo Contest или международный конкурс уличной фотографии URBAN 2015) с потрясающими портретами, которые часто делают любители. Нас окружают селфи, фотографии в социальных сетях и Интернете — и все они признаны портретными. Итак, какое собственно место портретной живописи в современном искусстве?

Синтия Вествуд — цинковая ванна

Различные примеры портретной живописи в современном искусстве

Да, нас окружают портреты — мы видим изображения людей повсюду.Однако в современном искусстве портреты — это гораздо больше, чем просто изображение. Ему удалось адаптировать свой жанр к требованиям современного искусства. Портретная живопись по-прежнему жива, популярна, и людям она нравится. Он изменил свои формы, он немного отличается от того, что когда-то был, и на него повлияли различные направления в искусстве (абстрактное искусство, минимализм, цифровое искусство). Появляются новые художники, создающие красивые портреты (просто взгляните на работы Саши Браунига), и они обеспечивают прочный статус портретной живописи в современном искусстве.Магия портретной живописи слишком сильна.

Chuck Close

Featured Image: Hendrik Kerstens — Bag (деталь). Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Определение портретов и портретов в искусстве

Портреты — это произведения искусства, в которых запечатлены образы людей или животных, которые были живы или были живы. Слово портрет используется для описания этой категории искусства.

Цель портрета — запечатлеть образ человека на будущее.Это можно сделать с помощью живописи, фотографии, скульптуры или почти любого другого материала.

Некоторые портреты также создаются художниками исключительно для создания искусства, а не для работы по заказу. Человеческое тело и лицо — увлекательные предметы, которые многие художники любят изучать в своих личных работах.

Типы портретов в искусстве

Можно предположить, что большинство портретов создается при жизни объекта. Это может быть один человек или группа, например семья.

Портретные картины выходят за рамки простой документации, это интерпретация художником предмета. Портреты могут быть реалистичными, абстрактными или репрезентативными.

Благодаря фотографии мы можем легко запечатлеть, как люди выглядят на протяжении всей своей жизни. Это было невозможно до изобретения медиума в середине 1800-х годов, поэтому люди полагались на художников при создании своих портретов.

Нарисованный портрет сегодня часто рассматривается как роскошь, даже больше, чем в предыдущие века.Они, как правило, написаны для особых случаев, для важных людей или просто в качестве произведения искусства. Из-за высокой стоимости многие люди предпочитают заниматься фотографией, а не нанимать художника.

«Посмертный портрет» — это портрет, сделанный после смерти объекта. Этого можно добиться, скопировав другой портрет или следуя инструкциям человека, заказавшего работу.

Отдельные изображения Девы Марии, Иисуса Христа или каких-либо святых портретами не считаются.Их называют «религиозными образами».

Многие художники также предпочитают делать «автопортреты». Это произведение искусства с изображением художника, созданное собственноручно. Обычно их делают по эталонной фотографии или глядя в зеркало. Автопортреты могут дать вам хорошее представление о том, как художник видит себя, и довольно часто это довольно интроспективно. Некоторые художники будут регулярно создавать автопортреты, некоторые — всего по одному при жизни, а другие не будут их создавать.

Портрет как скульптура

Хотя мы склонны думать о портрете как о двухмерном произведении искусства, этот термин также может применяться к скульптуре.Когда скульптор фокусируется только на голове или голове и шее, это называется портретом . Слово бюст используется, когда скульптура включает часть плеча и груди.

Портреты и ассигнования

Обычно портрет фиксирует черты лица объекта, хотя часто он также что-то о них говорит. Портрет искусствоведа Роберта Розенблюма (1927–2006), сделанный Кэтлин Гилье, запечатлел лицо натурщицы. Он также отмечает выдающуюся стипендию Энгра путем присвоения портрета графа де Пасторе (1791–1857) Жана-Огюста-Домоника Энгра.

Портрет Энгра был завершен в 1826 году, а портрет Гилье — в 2006 году, за несколько месяцев до смерти Розенблюма в декабре. Роберт Розенблюм участвовал в выборе ассигнований.

Репрезентативный портрет

Иногда портрет включает в себя неодушевленные предметы, которые представляют личность субъекта. Необязательно включать сам предмет.

На портрете Альфреда Штиглица «Ici, C’est Ici Stieglitz» Фрэнсиса Пикабиа («Вот Штиглиц», 1915, Собрание Штиглица, Музей Метрополитен) изображен только сломанный меховой мех фотоаппарата.Штиглиц был известным фотографом, дилером и мужем Джорджии О’Киф. Модернисты начала двадцатого века любили машины, и любовь Пикабиа как к машине, так и к Штиглицу выражена в этой работе.

Размер портрета

Портреты могут быть любого размера. Когда картина была единственным способом запечатлеть человека, многие зажиточные семьи предпочитали увековечивать людей в «портретных миниатюрах». Эти картины часто выполнялись эмалью, гуашью или акварелью на коже животных, слоновой кости, велуме или аналогичной подложке.Детали этих крошечных портретов — часто всего на пару дюймов — изумительны и созданы чрезвычайно талантливыми художниками.

Портреты тоже могут быть очень большими. Мы часто думаем о картинах королевских особ и мировых лидеров, висящих в огромных залах. Само полотно иногда может быть больше, чем человек был в реальной жизни.

Однако большая часть рисованной портретной живописи находится между этими двумя крайностями. «Мона Лиза» Леонардо да Винчи (около 1503 г.), вероятно, является самым известным портретом в мире, и он был написан на панели из тополя размером 2 фута 6 на 1 фут 9 дюймов.Многие люди не осознают, насколько он мал, пока не увидят его лично.

История живописи. Эволюция искусства

Как появилась живопись

История живописи. Живопись возникла в доисторические времена, когда кочевники использовали росписи на скалистых стенах. Они рисовали углем, оставляя следы в пещерах, где они проходили.

Недавнее открытие, сделанное в Испании, показало, что самые старые из обнаруженных на сегодняшний день картин, сделанные людьми, были созданы более 42000 лет назад.

История живописи — Наскальное искусство

Кто написал первую картину?

Первая картина была написана первобытными людьми. Считается, что она была написана Homo Neanderthalis в доисторическую эпоху. Археологические раскопки, проведенные в Европе, Африке и Азии, показывают, что первобытные люди были первыми художниками и скульпторами и с помощью этих искусств демонстрировали свою повседневную жизнь.

Археологи и антропологи изучают и датируют эти открытия. Извлеченные из раскопок предметы — исторические документы, достоверные свидетельства начала жизни человека в далекие времена и исчезнувших культур.

Недавнее открытие в пещере Нерха в Малаге, Испания, обнаружило картины возрастом более 42 000 лет, и они могут изменить наши представления об эволюции человечества.

История живописи — Живопись в пещере Нерха, Малага — Испания

Картины были найдены в пещерах Нерхи, в 60 км к востоку от Малаги, в южном регионе Андалусии.

До сих пор археологи считали, что древнейшее искусство было создано в ориньякский период современными людьми.

Но они намного старше и примитивнее, чем картины в пещере Шове-Пон-д’Арк (самые старые из обнаруженных рисунков, возраст которых составляет 32000 лет). История живописи — Chauvet-Pont-d’Arc Cave

Мы думаем, что история искусства принадлежала исключительно развитым людям, что наша чувствительность была «внутренней частью нас самих, sapiens, потому что мы думаем, что мы мыслители».Это открытие, если оно будет подтверждено дальнейшими исследованиями, доказывает, что эта идея, ориентированная на разумных людей, ошибочна.

Согласно имеющимся научным данным, эти изображения мог сделать только Homo Neanderthalis, а не Homo Sapiens, что было совершенно немыслимо до этого открытия.

«Угольки находились рядом с тюленями, что не имеет аналогов в палеолитическом искусстве», и мы знаем, что неандертальцы питались тюленями. «И нет никаких доказательств существования homo sapiens в этой части Пиренейского полуострова, — говорят ученые.

Картина эволюции человека

Исследователи считают, что эта пещера была одной из последних точек в Европе, где искали убежище неандертальцы, жившие от 120 до 35 тысяч лет назад.

Где была написана первая картина?

Считается, что первая картина, известная также как наскальная живопись или наскальное искусство, была написана в убежищах, пещерах, которые использовались кочевниками для самозащиты.

Первые росписи стен и потолка пещер.

Эти первые картины, обнаруженные археологами, представляют собой яркие картины с использованием более чем трех цветов. Это картины, которые пытались максимально реалистично имитировать природу, основываясь на наблюдениях, сделанных во время охоты. В пещере в Альтамире в Испании есть наскальная картина с изображением бизона (предка коровы), впечатляющая своими размерами, объемом и использованием техники светотени.

История наскальной живописи — Альтамира

В других местах рисунки, сделанные людьми, подчеркивают успехи охотников, в других изображены животные, отмеченные стрелками.

Каким бы ни было оправдание, желание заниматься искусством или желание запечатлеть повседневную жизнь того времени, наскальное искусство, сохраненное тысячелетиями, позволило нам сегодня превратить эти места в первые музеи человечества.

Большая часть этих обнаруженных картин приносит с собой фигуры животных, растений, предметов с разной степенью реализма, есть также графические и абстрактные изображения, сложные сцены, значение этих картин обсуждают многие археологи и ученые.Но в целом они думают, что они могут быть связаны с ритуалами для привлечения хорошей охоты, плодородия, предотвращения опасности или просто придания символического языка идеям, чувствам или повседневной жизни.

История живописи

Каково происхождение живописи?

Происхождение живописи в том виде, в каком мы ее знаем сегодня, историки считают, что она зародилась в период неолита (X тысячелетие до нашей эры), когда наскальная живопись начинает приходить в упадок из-за развития сельского хозяйства и общества, появившегося в Древней Греции. и усовершенствованный позже римлянами.

Около 3000 г. до н.э. на материковой части Греции начали появляться небольшие деревушки, и там началась традиция росписи керамических артефактов, таких как вазы и горшки.

Со второго тысячелетия до нашей эры. в городе Крит возникло монархическое общество со сложной урбанизацией, даже с дворцами, и там появляются первые признаки фресок, но немногие останки сохранились во времени.

Фреска «Прыгающий бык»

Эта фреска, являющаяся частью Кносского дворца на Крите, Греция, была написана около 1400 г. до н. Э.

Возникли города, и критские модели фресок стали стандартом для всей этой области. Были построены дворцы и большие здания, а стены были окрашены в образном стиле, смешанном с геометрическими узорами, изображающими людей, участвующих в различных мероприятиях, таких как сцены поклонения, игры, дворцовые церемонии, а также животные и пейзажи.

Mestre Dipylon — Вазы, расписанные так называемым Mestre Dipylon, отмечают высшую точку геометрического периода и являются одними из старейших форм погребальных памятников.

Примерно в XI веке до нашей эры в Древней Греции живопись развивалась и принесла с собой несколько новшеств.

Разработка визуальной перспективы и объемного затемнения для придания трехмерной глубины изображению сложных сцен. Картины стали более реалистичными, в дополнение к разработке более естественной и идеалистической модели человеческого тела, которая до сегодняшнего дня стала великой традицией для основы живописи, которую мы знаем сегодня.

В то время использовались следующие материалы: темперирование на основе яиц, эмаль на основе воска, еще одно греческое новшество и париетальные фрески с использованием минеральных и растительных пигментов в водной среде.

Предпочтительными цветами были белый, черный, охристо-желтый и красный; зеленый и фиолетовый были менее стойкими и менее используемыми тонами, а синий был очень дорогим, полученным путем шлифовки полудрагоценного камня, лазурита.

История живописи — Саркофаг Амазонки и Похищение Персефоны

Все эти техники и мотивы легли в основу римской, а затем и западной живописи, и до сих пор широко используются в практике современной живописи.

Искусство живописи стало вирусным, когда образовались города и общества и образовалось несколько школ, конкурирующих друг с другом.

Многие художники стали знаменитыми, такие как Агатарх, Полигнот, Апеллес и Зевксис, их работы стоили целых состояний и их жадно коллекционировали греки и римляне. Несмотря на свою важность, он известен в основном своим наследием только римлянам, которые позже передали его в недавнее время.

Расписная деревянная доска, найденная в Коринфе. 6 век до н.э. Национальный археологический музей Афин

Именно римлянам принадлежит большая часть своих нынешних знаний о том, чем была греческая живопись, из-за обширной утраты материальных предметов из-за стихийных бедствий, которые разрушили греческие города и все в них, они были только те, кто учился у греков, как их рисовали.

Хотя греки оставались основным ориентиром на протяжении всей истории римской живописи, римляне смогли внести свои собственные прочтения в сложившуюся традицию, создав индивидуальный язык и создав новые композиции.

Картина Свадьба Зефира и Клорис, Дом Навильо, Помпеи

Римляне провели греческое исследование трехмерности и построили городские сцены большой архитектурной и пространственной сложности с поразительным пластическим эффектом и иллюзией, которые были нарисованы в нескольких больших пространствах. такие как аристократические дворцы и деревни.Они придавали большое значение пейзажу и натюрмортам.

Большое значение придали пейзажу и натюрмортам.

Его заключительные этапы демонстрируют влияние восточного и египетского искусства и развивают яркий и элегантный стиль, названный «барокко».

Рубенс: Последствия войны, 1637-38 гг. Палаццо Питти, Флоренция

Картины, вписанные в архитектурные декорации, демонстрируют любовь к деталям и сцены с большой выразительной силой. Помимо фресок, римляне были пионерами и использовали другие типы материалов для выражения живописи, такие как ткань, дерево, слоновая кость, металл, камень и холст.

Наказание Иксиона: Дом Веттиев, Помпеи, Четвертый стиль (60–79 гг. Н. Э.).

В конце своего пути, возможно, из-за растущего христианского влияния, они отказались от греческой ссылки. Скорее, то, что так присутствовало как обнаженные люди и натуралистическое изображение, уступает место более иератическому и схематическому стилю, который позже служит основой для палеохристианской живописи.

История живописи

Раннехристианская живопись была переломным моментом между античной и средневековой живописью и по-прежнему давала много субсидий художникам эпохи Возрождения, неоклассицизма и романтизма.

Самое древнее известное изображение Марии с младенцем Иисусом. (II век, Катакомбы Санта-Присцилы, Рим)

История живописи

Какое значение имеет живопись?

Важность живописи обусловлена ​​тем, что она стара, как история человечества. Историки, философы, антропологи пытаются найти ответы на вопросы о нашем собственном существовании, и живопись — один из способов, которыми они пытаются объяснить развитие исчезнувших цивилизаций и культур.

«Мы познаем историю человечества через искусство»

Начиная с наскальных рисунков, сделанных первобытными народами, человек пытается выразить свои убеждения, свою деятельность, свою повседневную жизнь и то, как он видит мир вокруг себя.Вот почему история искусства обычно организована в периоды, которые следуют за самим развитием цивилизаций.

Реконструкция Australopithecus afarensis, гоминида, который развил двуногость, но не обладал большим мозгом современного человека.

После роста христианства среди римлян они отказались от классического греческого стиля живописи и разработали картину со своим собственным, более сложным языком, добавив сценарии, пейзажи, натюрморты, которые позже послужат основой для того, что мы знаем. сегодня как живопись модерн.

Тони Роберт-Флери (1837-1911) — Последний день Коринфа — Роберт-Флери описывает момент, когда римская армия вошла в разграбленный город.

Живопись настолько важна, что стала одной из основных форм репрезентации и общения первобытных народов, начиная с эпохи Возрождения и до наших дней.

Битва при Сан-Романо, часть войн между Сиеной и Флоренцией. Живопись Паоло Уччелло, 1438 г., Лондонская национальная галерея

. Начиная с XIX века, с промышленной революцией, станковая живопись потеряла свой рынок из-за появления фотографии.

И благодаря художественным галереям она снова получает пространство, настолько, что она живет на пике своего развития, благодаря выставкам художников начинают узнавать в разных частях света.

Анри Матисс, Galerie Maeght / Le Noir est un Couleur, 1946 / Энди Уорхол, Выставка величайшей звезды века, 1974

С развитием современного искусства и новых технологий художники адаптировали техники, создавая новые формы репрезентации и визуального выражения.

Некоторые художники экспериментируют с живописью с другими формами искусства, такими как фотография, например, создавая коллажи и принты, таким образом, рождаются новые направления живописи, такие как дадаизм и поп-арт, создающие новые формы представления и визуального выражения.

В наши дни живопись важна как никогда и ценится различными профессионалами, которые используют ее как основу в своей работе, например:

Дизайнеры, стилисты, иллюстраторы

Живопись преодолела территориальные и технические барьеры, переосмыслив себя за тысячи лет, от наскальной живописи до поп-арта, мы можем сказать, что важность живописи заключается в том, что она стала способом самовыражения человечества и на которую она повлияла с тех пор, как наша культура , даже политика и экономика.

Картина сопровождает человека на протяжении всей его истории.

История живописи — Мона Лиза — самая заметная и известная работа Леонардо да Винчи.

Смотрите тоже:

Что такое абстрактное искусство? Типы, характеристики Объектив

Искусство фотографии в поп-культуре!

Лучшие обложки альбомов художников-визуалов

10.2: Портреты (18 век) — Гуманитарные науки LibreTexts

Живопись 18 века была разделена Атлантическим океаном, классическая английская живопись против новаторской живописи-самоучки в Новом Свете.Художественные стили, импортированные в Новый Свет, пришли из Европы, являющейся продолжением центра европейского искусства из Парижа. На протяжении веков портреты преимущественно включали изображения королей, королев, государственных деятелей или религиозных божеств, увековечивая память богатых и могущественных. Однако в Новом Свете портреты создавали люди, простые поселенцы и граждане развивающихся стран. В 1730-х годах портреты начали переходить от фальшивого притворства к почти точному сходству, часто с упором на точные исторические изображения.В дополнение к индивидуальным портретам стали популярными семейные портреты, а постановочный жанр сцен в семейных домах среднего класса превратился в живописные повествования.

После провозглашения независимости от Англии Соединенные Штаты искали новую идентичность и историю, возможность визуального общения, направленную на всех граждан. Живописцы колонии часто были самоучками и копировали английское искусство. Важным элементом портрета, помимо деталей одежды, было нанесение идеальных тонов кожи.Художник обычно наносил основу для кожи из слоев нескольких цветов, а затем использовал белый цвет, чтобы осветлить основу. Дополнительные более темные цвета обеспечивали тени, необходимые для реалистичной передачи.

Чтение: Как нарисовать идеальные тона кожи

В Англии Королевская академия искусств, основанная на принципах продвижения творчества, визуального искусства посредством выставок, образования и признания искусства, оказала значительное влияние, сила, которая первоначально распространилась на колонии.В Королевской академии художеств в Лондоне было всего две женщины-основательницы, Анжелика Кауфман (1741–1807) и Аделаида Лабиль-Гьярд (1749–1803), успешные художники в Англии во второй половине 18 века. Рожденные с разницей в несколько лет, обе женщины были одаренными художниками, росли с кисточкой в ​​руках и в ранние годы были опытными художниками.

Кауфман и Лабиль-Гьяр были известны своим жанром аллегорической работы, вниманием к деталям и изысканной росписью тканей.Кауфманн была талантлива в детстве, говорила на нескольких языках, получила художественное образование у своего отца и изучала оперу. К раннему подростковому возрасту ей приходилось выбирать между оперой и искусством, быстро выбирая искусство, когда кто-то сказал ей, что в опере полно неряшливых людей. Автопортрет, колеблющийся между искусством музыки и живописи (10.1) изображает ее конфликт, оперу в шелковистом красном платье и искусство в синем, указывающее путь вперед, сама Кауфманн в кружевном, девственно-белом платье. Семейный портрет (10.2) была знакомая обстановка для русской дворянской семьи, одетой в свою повседневную одежду, каждый человек смотрел на что-то свое, не имея понятия о взаимодействии.

10.1 Автопортрет, колеблющийся между искусством музыки и живописью 10.2 Семейный портрет

Лабиль-Гьяр считался мастером миниатюры и пастели, а также маслом. Скульптор Огюст Пажу (10.3) — это картина, на которой скульптор творил себя из глины. Лабиль-Гьяр был пионером в области прав женщин, и, хотя женщинам не разрешалось преподавать искусство, было очень мало женщин-художников, и Лабиль-Гьяр открыла двери возможностей, открыв школу для студенток.Съемка изящного кружева и бархата, настолько реалистичного, что у зрителя возникает соблазн протянуть руку и прикоснуться к картине Автопортрет с двумя учениками (10.4).

10.3 Скульптор Огюстен Пажу

В школе Королевской академии в Лондоне ученики мужского пола должны были представить изображение в полный рост, в то время как студентки могли представить только изображение головы. В течение 1890-х студентки протестовали против того, чтобы студентки могли рисовать почти с обнаженных моделей; однако у мужской модели должна была быть «повязка» на пояснице, чтобы ткань оставалась на своем месте.»Иммиграция в Соединенные Штаты и движение искусства в Нью-Йорк вдохновили британских художников пересечь Атлантику и найти новый дом. Академия Пенсильвании была немного более прогрессивной, чем европейские академии, и позволяла художницам учиться; однако обнаженные мужчины Модель по-прежнему была покрыта, чтобы защитить нежность женщин.

10.4 Автопортрет с двумя учениками

Джон Смиберт (1688-1751) и Уильям Берчи (1744-1813) были двумя из самых известных художников-портретистов, которые принесли свои знания и навыки, чтобы начать художественную школу в Новой Зеландии. Мир.Картина Смиберта, Полковник Джеймс Отавей (10.5), изображает заходящее солнце над холмами, резко контрастируя с человеком в черном доспехах. Текстовое изображение черной брони смягчается коричневой шалью, повязанной вокруг его талии. Иллюзия солнечного света обеспечивала контраст, позволяющий фигуре выделяться.

10.5 Полковник Джеймс Отавей

Берчи создавал семейные портреты, похожие на жанровые картины; однако эти портреты были поставлены, чтобы представить композицию The Woolsey Family (10.6) и организованный иерархически, отец в стоячей патриархальной позе. Остальные члены семьи сидели, если они не были очень маленькими, и нарисованная собака на переднем плане закрепляет изображение. Написанная в неоклассическом стиле, в картине преобладает хроматическая гамма холодных цветов.

10.6 Семья Вулси

Одним из величайших художников 18 века, рожденных в Америке, был Джон Синглтон Копли (1738-1815), художник портретов и исторических сюжетов. Мальчик с белкой-летяга (10.7) продвинул Копли к славе благодаря тому, что он использовал тонкие картины и цвета, похожие на Тициана. Мальчик на портрете — его младший брат, он сидит за столом и играет с белкой. Копли мастерски использовал цвет, чтобы объединить картину, красный цвет на столе и шторах, и оттенки кожи лица мальчика. Копли также создавал текстурные изображения, которые выглядели как живые; беличий мех и полированный стол.

10.7 Мальчик с белкой-летяга

Французы пытались захватить остров Джерси, а Смерть майора Пирсона (10.8) — большая картина маслом, изображающая неудачу французов, одна из многих исторических картин Копли. Он детально запечатлел сцену, когда майор Пирсон становится героем после битвы. Майор выделен белым в центре как фокус, многочисленные британские солдаты в красных куртках сильно контрастируют с майором и фоном и, кажется, выходят из картины, придавая ей глубину. Фон приглушается и отступает, придавая изображению глубины.

10.8 Смерть майора Пирсона

Каждый американский школьник узнает это изображение Бенджамина Франклина, запускающего воздушного змея во время грозы. Бенджамин Вест (1738-1820) произвел Бенджамин Франклин, получающий электричество с неба (10,9), когда Франклину было за сорок; однако он изобразил его как пожилого джентльмена, и этот образ более узнаваем американскими гражданами. Сцена показывает Франклина с искрой электричества, прыгающего ему на суставы с облаками и ангельскими помощниками, делающими картину аллегорической.

10.9 Бенджамин Франклин получает электричество с неба 10.10 Пеннский договор с индейцами

Запад произвел огромное количество работ, а Пеннский договор с индейцами (10.10) изображает Уильяма Пенна, подписывающего мирный договор в 1683 году с главой клана черепах ленапе. Картина, заказанная сыном Уильяма Пенна, представляет собой исторический пейзаж с предполагаемым действием, происходящим в центре композиции. Приглушенные тона европейцев соседствуют с красочными цветами коренных американцев и пейзажами.

Faces of America: Portraits

Что такое портрет? Какие истины и вопросы передает портрет?

Что портрет может выразить о человеке, которого он изображает? Как это отражает сообщество, обстановку, семью или друзей ситтера? Что портрет раскрывает о художнике?

Основное увлечение захватом и изучением изображений самих себя и других — за то, что они говорят о нас, как личностях и как людях, — вот что делает портретную живопись такой неотразимой.

На протяжении веков портреты составляли важную летопись жителей Америки. Когда вы думаете о первом президенте страны, на ум приходит образ, созданный портретистом Гилбертом Стюартом, Джордж Вашингтон (портрет Вона), 1795. Гилберт запечатлел широкоплечого, румяного и серьезного президента, который смотрит прямо на нас, полный характера и честности. Мы знаем первых колонистов, лидеров, политиков, торговцев и философов Америки по их портретам.Очень сознательно эти люди вместе с художниками создали публичные мемориалы о том, какими они хотели бы, чтобы их запомнили будущие поколения. Они продемонстрировали свои личные качества, такие как рассудительность, лидерство и сила; их достижения, будь то военные, профессиональные или интеллектуальные; и их социальная роль или положение, например матриарх, землевладелец или политик.

Доступ к портретам в колониальной Америке и в первые годы республики был ограничен. Портреты были доступны очень немногим, в основном европейским колонистам или американским иммигрантам — тем, кто мог позволить себе эту дорогостоящую роскошь (и дом для ее размещения).Постепенно, по мере роста экономики, предпринимательский класс портретистов-самоучек начал служить растущему среднему классу, который хотел сохранить свое подобие по личным, а не по общественным причинам, например, чтобы записать свое семейное происхождение для потомков. Джошуа Джонсон, один из немногих афроамериканских художников, практикующих портретную живопись в начале 19 века, написал множество таких семейных документов, в том числе Грейс Эллисон МакКерди (миссис Хью МакКерди) и ее дочерей, Мэри Джейн и Летиция Грейс , около 1806.Его домашняя обстановка (испытуемые сидят на диване с высокой спинкой), а также интимность и нежность, передаваемые матерью и дочерьми, отличают его от публичных портретов Гилберта Стюарта.

Начиная с XIX века, новые технологии, расширение страны и обширные социальные и политические изменения побуждали художников использовать современные средства массовой информации, такие как фотография, а также новые подходы, основанные на изменениях во взаимоотношениях между художником и объектом. Эта динамика изменения видна в двух портретах американских индейцев Джорджа Кэтлина: Женщина-орел — Шавано, , 1830, и , Мальчик-вождь — Оджиббуэй, , , 1843.Кэтлин изображал этих людей из-за его личного интереса к тому, что он считал исчезновением местной культуры, и его стремления задокументировать это, а не из коммерческих мотивов. Между тем с появлением фотографии появились недорогие отпечатки, которые продавались и собирались в первых фотоальбомах. Они включали изображения людей из разных социальных слоев и изображения людей, которые воплощали определенные идеалы, такие как портрет аболициониста и активиста Соджорнера Трут, 1864. Она добавила подпись к своему портрету: «Я продаю тень, чтобы поддержать вещество». что указывает на то, что она продвигала свой имидж, чтобы продвигать свои убеждения.

Жанровая живопись — zxc.wiki

A жанровая картина (французский: tableau de genre ; от латинского: род ‘тип’, ‘пол’; устаревший: моральный образ ; соответствующий моральный образ для термина жанровая живопись ) представляет собой рисованное изображение повседневной сцены — например, групп людей, сцен и действий — как описание образа жизни людей и их живописной, рабочей или жилой среды.

Четкое отграничение от портретного или группового портрета не всегда возможно. Хотя это в основном показывает людей, которых можно опознать, фигуры в жанровой живописи анонимны и характеризуются своим окружением; интерьер часто оказывается на переднем плане.

Иногда переход к пейзажной живописи плавен, особенно в эпоху романтизма. В Испании и Латинской Америке жанровая живопись XIX века также известна как костюмерно.

история

Жанровые сцены написаны в древности.Вы можете найти z. Б. на греческих вазах или фресках в Помпеях. В средние века их заменили представления морального и аллегорического содержания. Предшественниками более поздней жанровой живописи были, в частности, жанровые сцены в ежемесячных картинах, особенно во фламандских часовых книгах 15 века. Но также и старые мастера, такие как Питер и Ян Брейгель Старший. Ä. Лукас фон Лейден уже в 16 веке создавал картины с типичными крестьянскими и семейными сценами. Основное внимание уделялось представлению резко отрицательных примеров человеческого поведения, таких как пьянство, ссоры или сутенерство.Жанровая живопись достигла своего пика после решительного изменения в направлении отражения ценностей высших слоев в голландской и бельгийской живописи 17-18 веков. С тех пор моральные призывы открываются зрителю только через скрытый смысл. Жан Вермеер в это время создавал и жанровые картины.

Интерпретация содержания

Более ранние исследования подходов часто интерпретировали изображения так называемого Gouden Eeuw как моментальные снимки повседневной жизни, которым они придали ценность культурного и исторического свидетельства.Однако с 1970-х годов стало возможным расшифровать иконографический контекст. Стало ясно, что жанровые изображения в качестве примера изображают повседневную сцену, но за которой почти всегда скрывается более глубокий посыл. Соответственно, в смысле популярных образов эпохи барокко их обычно следует понимать как аллегории, иногда со сложными, двусмысленными утверждениями.

Многие предполагаемые повседневные сцены берут свое начало в популярных комических пьесах или пословицах и поэтому часто — если не всегда — имеют повествовательный характер.Итальянский жанрист, неаполитанец Гаспаре Траверси, например, создавал свои картины параллельно с развитием и расцветом оперы Buffa napolitana примерно в середине 18 века, в которой повседневная жизнь низших социальных слоев подвергалась воздействию. высмеивать через разоблачение ситуаций. Это стало моральным посланием аудитории. Большинство жанровых картинок носят назидательный характер, потому что имеют сильное моральное содержание. Изображение отрицательного поведения должно сдерживать и поощрять лучшее поведение, а положительные примеры должны побуждать зрителя к подражанию.Конечно, нельзя отрицать зрелищную ценность картинок. Благодаря доктринальным и морализаторским подходам к интерпретации, присущим картинам, их владельцы смогли подчеркнуть свою культурную принадлежность. Таким образом, клиенты этого вида искусства были исключительно из буржуазно-светской среды.

Соцреализм

В первой половине 19 века (бидермейер) жанровый образ возродился как «образ социальной тенденции», особенно через Дюссельдорфскую школу живописи, особенно в связи с более сильным поворотом к реализму, например, с Иоганном Петером Хазенклевером.После 1848 года такие художники, как Людвиг Кнаус, Бенджамин Вотье и Франц фон Дефреггер, представляли в Германии жанровую живопись, которая была связана с литературным движением буржуазного реализма того времени. Жанровая живопись тех десятилетий может считаться пионером современных течений в искусстве, таких как импрессионизм. Быстро растущее число покупателей, интересующихся искусством, особенно из семей среднего класса, исполнили свое желание и создали собственное произведение искусства на стене. В частности, сельская деревенская жизнь, вошедшая в моду в связи с возросшей туристической активностью, была показана в средних форматах, и в США тоже.В таких мегаполисах искусства, как Берлин, Дюссельдорф и Мюнхен, художники со всей Европы собирались в больших количествах, чтобы зарабатывать на жизнь жанровой живописью. Среди наиболее известных жанровых художников, чьи работы также распространялись в ежемесячных журналах, были такие представители мюнхенской школы, как Франц Дефреггер, Рудольф Эпп, Николаус Гизис и Герман фон Каульбах.

литература

• Ханс Ф. Швеерс: Жанровые картины в музеях Германии. Справочник художников и произведений. KG Saur, Мюнхен / Нью-Йорк, Нью-Йорк / Лондон / Париж, 1986, ISBN 3-598-10517-7.
• Barbara Gaehtgens (Hrsg.): История жанровой живописи (= история жанров классической картины в исходных текстах и ​​комментариях. Vol. 4). Дитрих Раймер, Берлин, 2002 г., ISBN 3-496-01141-6.
• Норберт Шнайдер: История жанровой живописи. Открытие повседневной жизни в раннем современном искусстве. Дитрих Раймер, Берлин 2004, ISBN 3-496-01296-X.
• Йерун Гилтайдж (Ред.): Магия повседневности. Голландская живопись от Адриана Брауэра до Иоганнеса Вермеера. Hatje Cantz, Ostfildern-Ruit 2005, ISBN 3-7757-1522-3.
• Клаус Тюрк: Фотографии работы. Иконографическая антология. Westdeutscher Verlag, Висбаден 2000, ISBN 3-531-13358-6.
• Лотар Бригер: Жанровая картина. Развитие буржуазной живописи . Дельфин-Верлаг, Мюнхен 1922.

Интернет-ссылки

Commons: Genre Pictures — коллекция картинок, видео и аудио файлов

Индивидуальные доказательства

1. ↑ Словесная чеканка французской теории искусства 18 века — Ср.Ute Ricke-Immel: Die Düsseldorfer Genrealerei . В: Wend von Kalnein (Ed.): Дюссельдорфская школа живописи . Verlag Philipp von Zabern, Mainz 1979, ISBN 3-8053-0409-9, стр. 149
2. ↑ ^{a b} Голландская живопись 17 века . Мюнстерский университет
3. ↑ Henning Bock, Thomas W. Gaehtgens (ed.): Голландская жанровая живопись в 17 веке (= ежегодник прусского культурного наследия собственности . Специальный том 4, ZDB -ID 236025-1). Манн, Берлин, 1987 г., стр. 5.
4. ↑ Henning Bock, Thomas W. Gaehtgens (ed.): Голландская жанровая живопись в 17 веке (= ежегодник прусского культурного наследия собственности . Специальный том 4, ZDB -ID 236025-1). Манн, Берлин, 1987, стр. 3.
5. ↑ Меммель 2013.

6 самых легендарных портретов истории искусства

Иоганнес Вермеер, Девушка с жемчужной сережкой (около 1665 г.) / Via Wikimedia Commons

Откройте для себя необычные портреты на KAZoART.com

Портретная живопись — один из самых популярных жанров в живописи. В принципе, это способствует точному представлению человека, подчеркивая его физические характеристики и, возможно, даже интеллектуальные или духовные качества. Чтобы лучше проиллюстрировать это, KAZoART обратится к шести наиболее известным портретам, которые стали неотъемлемой частью истории искусства.

1. Мона Лиза , Леонардо да Винчи (1503-1506)
Леонар де Винчи, Мона Лиза, 1503-1506 / через Wikimedia Commons (улучшенное изображение)

Безусловно, самый известный портрет в мире, Мона Лиза очаровывает нас на протяжении веков.Эта молодая женщина является предметом многочисленных исследований и интриг и поэтому стала источником вдохновения для многих художников по всему миру, скопировавших ее стиль. Она даже несколько раз подвергалась плагиату.

Было много гипотез, связанных с личностью натурщика, но искусствоведы пришли к согласию относительно имени: Лиза Герадини дель Джокондо. Эта молодая женщина без бровей и ресниц, кажется, следит за нами глазами, куда бы мы ни пошли! Украденная в 1911 году, а затем возвращенная, она сейчас сидит в своей комнате в Лувре и продолжает озадачивать нас своей улыбкой, которая говорит слишком много, но все же недостаточно.Вся шумиха вокруг этого небольшого полотна привела к тому, что ее назвали «переоцененной». Обожаете ли вы ее или относитесь к ней равнодушно, она никуда не денется и продолжит занимать первое место.

2. Девушка с жемчужной сережкой , Иоганнес Вермеер (около 1665 г.)
Иоганнес Вермеер, Девушка с жемчужной сережкой (около 1665 г.) / Через Wikimedia Commons

Написано около 1665 года художником, Девушка с жемчужной серьгой первоначально называлось Девушка в тюрбане и, несомненно, является одним из основных произведений западного искусства.Этот портрет, который часто называют «Мона Лиза Северной», представляет собой одну из дочерей голландского художника. Мягкие черты лица молодой женщины выделяются на глубоком черном фоне. Ее шелковистый сине-желтый наряд еще раз подчеркивает общую изысканность работы.

Похоже, она хотела что-то сказать. Но чего она ждет? Загадка остается. Она смотрит через плечо, чтобы посмотреть на зрителя, и не отводит взгляда. Маленькая, но важная деталь, которой мы обязаны названием работы, — это, очевидно, жемчужина, которая сияет и противостоит окружающей тьме, символизируя целомудрие.

3. Мэрилин Монро , Энди Уоррол (1967)
Энди Уоррол, Мэрилин Монро, (1967)

Эта серия портретов объехала весь мир! Уорхол видел в Монро неиссякаемый источник вдохновения и умножил ее портрет на набор красочных шелкографий. Ключевой игрок в движении поп-арта, Уорхол разделил шок американской публики, когда в 1962 году было обнаружено, что актриса и певица покончили с собой.Происхождение этих портретов — фотография из рекламы фильма «Ниагара», на которой Монро предстает в черно-белом цвете с застывшей улыбкой.

На своих шелкографических принтах Уорхол раскрашивает ее лицо и доводит ее макияж до предела. Более того, цвет ее век систематически перекликается с фоном. Иногда это может выглядеть как ее реальное изображение, но в других версиях ее ультра-яркие цвета могут быть немного резкими для глаз. Этот странный контраст был способом Уорхола воздать должное ослепительному присутствию иконы в Голливуде 50-60-х годов.

4. Портрет Адель Блох Бауэр I , Густав Климт (1907)
Густав Климт, Портрет Адель Блох-Бауэр I (1907 г.) / Via Wikimedia Commons

В этом знаменитом портрете Густава Климта в центре внимания — женственность. Техника, использованная для этой картины, очень похожа на тех, что использовались в Поцелуй, , который был написан всего несколько месяцев спустя. Квадратный формат работы погружен в золото, что освещает молодую женщину и ее хорошо изображенные черты лица.Адель Блох Бауэр была обожаемым другом и покровителем художника. Она и ее муж Фердинанд поддерживали великих художников своего времени, одним из которых был Климт.

По их покровительству родился этот стилизованный портрет. Тело Адель покрыто множеством византийских мотивов. Повторяющиеся мозаичные изображения часто встречаются в работах Климта. Белая кожа модели радикально контрастирует со всеми золотыми нарядами вокруг нее, а общая абстракция работы прекрасно сочетается с реализмом ее портрета.

# 5 Vertumne, Arcimboldo (1590)
Арчимбольдо, Vertumne (1590) / через Wikimedia Commons

Арчимбольдо — художник, стиль которого невозможно не узнать. Итальянский художник эпохи Возрождения известен своими портретами, состоящими из растений и растений. Сделанный в 1590 году, этот Вертюмне, написанный маслом по дереву, представляет собой портрет немецкого императора Рудольфа II. Подход художника бесконечно точен, каждая деталь представлена ​​разными продуктами или растениями.Заметны даже зубы!

Хотя этот портрет далек от реалистичного изображения, мы должны приветствовать гений Арчимбольдо. Зеленая фасоль для бровей, красные фрукты для губ, яблоки для щек и груша для носа — это технический подвиг. Тем не менее, он по-прежнему соблюдает (большинство) стандартов типичной портретной фотографии. Фон — приглушенный черный, голова объекта повернута на три четверти. Эта картина была написана как дополнение к его серии под названием The Seasons , начатой ​​несколькими годами ранее.

# 6 Американская готика , Грант Вуд (1930) Грант Вуд, Американская готика (1930) / Via Wikimedia Common

Пародировано больше раз, чем мы можем сосчитать, American Gothic — одно из самых известных произведений 20 века. Эта картина Гранта Вуда была вдохновлена ​​архитектурой фермерского дома 19 века.