Направления портретной живописи: Портрет в живописи — Коротко о главном

Портрет в живописи — Коротко о главном

Я рада приветствовать вас, друзья, в нашей творческой компании!

Сегодня мы вместе с вами обратимся к исследованию одного из самых эффектных жанров живописи – к портрету. Постараюсь сделать обзор увлекательным и не скучным))

Друзья, как вы думаете, какой жанр в живописи считается самым трудоемким и тяжелым? Все верно- портрет. А еще портрет считается самым востребованным видом искусства. Ведь он бывает как с одним человеком, так и с двумя, тремя и более персонажей.

К тому же, как ни странно это звучит, но портрет может быть и животного, например, портрет любимого питомца. Правда это немного другое направление, для художников анималистов скорее, чем для художников-партретистов. Но суть одна- Портрет! Замечу, что раскрыть полностью тему о портрете в одной статье не получиться, но коснуться самого главного вполне возможно.

Кошачий портрет английского художника Луиса Уэйна

Вначале немного о терминах: что такое портрет в живописи, портретное искусство?

Прежде всего, это изображение человека при помощи художественных средств. Но это только основное понятие! На самом деле Портрет – это живописный рассказ о личности, а не просто похожее изображение человеческого облика. В классическом портрете может быть и эмоциональное повествование о характере, интересах изображенного, и возможно, рассказ об образе жизни и даже профессии))

Да вообще портрет может много о чем рассказать, а иногда наоборот, скрыть от зрителя. Вспомните, как сложно было придворным художникам, которые писали портреты королей и вельмож! Ведь надо было нарисовать так, чтобы не рассердить человека и не впасть в немилость. Задача художника не показать все недостатки его личности, а быть дипломатичным творцом, делая акцент только на достоинствах лица и фигуры.

СЛЕВА — портрет Людовика XIII, короля Франции, кисти Питера Рубенса СПРАВА — Мария Лещинская, жена Людовика XV, короля Франции, кисти Луи Токке

А как вы думаете, кто был первым в истории художником, написавшим портрет? Есть документальные подтверждения, что самый древнейший портрет найден на территории Франции в пещере Вильонер/ Grotte de Vilhonneur  возле города Ангулем/Angoulême  и предположительно его «возраст» 27 тысяч лет. А значит, это точно был пещерный житель на самой заре нашей цивилизации, так сказать.  Открытие сделано еще в 2006 году, но я хоть и живу во Франции, но к своему большому стыду, в тех пещерах еще не бывала. Как нибудь соберусь…. об этом много писалось в прессе.

Лицо в гроте

Однако принято считать, что самые древние наскальные портреты были созданы еще раньше, на территории Греции, Египта и Византии. Впоследствии эпоха Средневековья внесла свои коррективы в изобразительное искусство. В то время вообще любой 

портрет как жанр живописи носил только религиозный характер. Эти памятники портретной живописи мы видим на фресках Рафаэля, Микеланждело, Джотто, Ботичелли и других мастеров.

Мадонна в гроте кисти Леонардо да Винчи

А уж эпоха Возрождения стала настоящим расцветом портретного жанра. В это время, появились новые приемы в живописи, художники стали пользоваться разноплановым и объемным изображением человека, используя свет и тени. Также появились и новые виды портрета в живописи, коллективный, например, супружеский или родственный.

Семейный портрет французского художника Никола де Ларжильер/ Nicolas de Largillière

А далее жанр портрета становится одним из самых престижных и востребованных. Конечно, это в первую очередь касалось знатных особ. Ну а кто мог себе позволить заказать портрет, выполненный мастером, чтобы запечатлеть свой образ навсегда? В основном сильные мира сего))

Как писал величайший мастер живописи Альбрехт Дюрер: «Я пишу, чтобы сохранить образы человеческие после их смерти» Это было веяние времени, поэтому портретисты в эпоху Возрождения проявляли своего рода креатив, изыскивая новые способы выражения эмоциональности и значимости этого жанра.

Семейный портрет кисти французского художника Огюста Ренуара

Рассказывая о портрете в живописи, невозможно не упомянуть одну из лучших портретисток 18 века, Элизабет Виже Лебрён. О ней вы можете почитать в моей специальной статье о французских женщинах-живописцах.

Все художественные изображения портретного жанра делятся на поджанры или виды. Самыми популярными видами портретов в живописи являются:

—Парадный. Это самый торжественный портрет, когда человек изображается в статусной одежде, со всеми регалиями и отличиями.

—Костюмированный, в котором человек представлен в виде тематического персонажа мифологии, истории или аллегории.

—Семейный, здесь, понятное дело, изображена группа людей, связанных семейными или родственными отношениями.

—Автопортрет, очень популярный жанр портрета у художников во все века. Согласитесь и весьма привлекательный, ведь подчас только по автопортретам нам знакомы лица творцов.

Это самые основные виды портретов, а еще можно отметить из наиболее популярных романтический портрет, прогулочный, женский, интимный.

Картина «Праздничный корабельный обед» кисти Огюста Ренуара

Сегодня современная портретная тема разрослась и поделилась на  разновидности. Стилей портретов в живописи очень много, и в каждом из существующих стилей можно найти изображение человеческого лица.

Наверное вы встречали в интернете картины, так сказать, интерпретация портрета в стиле поп арт или абстракции. В абстрактной манере или полу-абстрактной у человека могут быть черты лица, а могут и не быть… Это популярная тема сегодня называется безликим портретом/ Faceless portrait/, то есть изображение человека без лица.

Я недавно увлеклась таким видом портрета. В них есть определенный шарм и эмоциональность. Если вы еще не знакомы с этим направлением абстрактного портрета, приглашаю заглянуть в мой магазин живописи.

Женские безликие портреты с цветами на голове.

Отдельной темой хочется рассказать немного больше о женском портрете в живописи. Пожалуй, это самый любимый жанр у художников всех времен. Скажу больше, некоторые художники вообще пишут исключительно только женские портреты! Говоря проще, это вечная тема. И у каждой эпохи свои каноны женской красоты и свой идеал.

Друзья, поделитесь в комментариях, какие женские портреты в живописи у вас самые любимые!

 Видео с моего Ютуб канала: обзор выставки современного искусства в Монако /2020 г

Чтобы статья не затерялась в интернете среди множество других статей, просто сохраните ее в закладках, и она всегда будет у вас под рукой в нужный момент

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Основные жанры живописи русских художников с примерами картин — «Лермонтов»

Анимализм
Бытовая (жанровая) живопись
Историческая живопись
Натюрморт
Ню
Пейзаж
Портрет

С давних пор люди выбирали разные объекты и темы для изображения: людей, животных, целые исторические сцены, виды кораблей и другое. На основании этого деления в живописи выделилось несколько

жанров (фр. genre — вид).

Позже художники сделали открытие, что живопись может быть лишена предмета изображения и сосредоточена на цветах, линиях или ощущениях художника (например, беспредметная живопись К. Малевича, М. Ротко, Н. Фешина, И. Чашника, Е. Чубарова, А. Родченко или К. Зданевича). Однако в рамках этой статьи мы будем рассматривать только предметное искусство.

Исторически сложилось, что все жанры делили на высокие и низкие. К высокому жанру или исторической живописи относили произведения монументального характера, несущие в себе какую-либо мораль, значимую идею, демонстрирующую исторические, военные события, связанные с религией, мифологией или художественным вымыслом.

К низкому жанру относили все, что связано с обыденностью. Это натюрморты, портреты, бытовая живопись, пейзажи, анимализм, изображение обнаженных людей и прочее.

Далее мы рассмотрим основные виды жанров живописи на примере работ наиболее известных русских художников.

Анимализм (лат. animal — животное)

Анималистический жанр возник еще в древности, когда первые люди рисовали на скалах хищных животных. Постепенно это направление переросло в самостоятельный жанр, подразумевающий выразительное изображение любых животных. Анималисты обычно проявляют большой интерес к животному миру, например, могут быть превосходными наездниками, держать домашних животных или просто длительно изучать их повадки. В результате замысла живописца животные могут представать реалистичными или в виде художественных образов.

Среди русских художников многие отлично разбирались в лошадях, например, В. Васнецов и В. Серов. Так, на известной картине Васнецова «Богатыри» богатырские кони изображены с величайшим мастерством: тщательно продуманы масти, поведение животных, уздечки и их связь с наездниками. Серов недолюбливал людей и считал лошадь во многих смыслах лучше человека, из-за чего часто изображал ее в самых разных сценах. И. Шишкин хотя и рисовал животных, анималистом себя не считал, поэтому медведей на его знаменитой картине «Утро в сосновом лесу» создавал анималист К. Савицкий.

В царское время особо популярными стали портреты с домашними животными, которые были дороги человеку. Например, на картине В. Боровиковского императрица Екатерина II предстала с любимой собакой. Животные присутствовали также на портретах К. Маковского, З. Серебряковой, К. Брюллова и других русских художников.

У примитивистов Н. Пиросмани и Л. Гудиашвили животные выходили особенно трогательно с живыми глазами, словно бы они оживали на картинах.

Примеры картин известных русских художников в жанре анимализма

Картина В. Васнецова «Богатыри». 1881–1898 гг.

Картина В. Серова «Купание лошади». 1905 г.

Картина В. Боровиковского «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». 1794 г.

Картина И. Шишкина и К. Савицкого «Утро в сосновом лесу». 1889 г.

Картина Н. Пиросмани «Белая корова на черном фоне».

Бытовая (жанровая) живопись

Повседневная жизнь еще с древних времен волновала человека. Первые бытовые сцены изображались на стенах погребальных комнат в Древнем Египте, а позже проникли во все сферы искусства. Художники-наблюдатели изображали на вазах, в манускриптах, на стенах домов те сцены, которые их особенно взволновали. Это были трудовые эпизоды, сцены выступлений актеров, развлечений или жизненных трудностей.

В самостоятельный жанр бытовая живопись выделилась только в XVI-XV веках, когда художники вначале дополняли бытовыми сценами религиозные картины, а затем стали изображать их отдельно. Но подлинное распространение по всему миру этого жанра произошло только в XVII веке, хотя многие школы относили его к низким жанрам и не считали достойным своего внимания.

В России расцвет жанровой живописи пришелся только на XIX век, когда художников стали особо волновать острые социальные вопросы. С помощью картин они пытались привлечь внимание широкого круга населения к этим вопросам. Так, у В. Перова и И. Репина это проблемы долга, совести, чести, у Э. Булатова это острая проблема советского человека, вынужденного всюду натыкаться на рамки и границы, И. Кабаков поднимал проблемы быта советских людей.

Жанровые картины также создавались и для того, чтобы продемонстрировать достижения народа, мотивировать его на новые трудовые, военные, спортивные и иные подвиги. Таковы работы о производстве, спорте и авиации А. Дейнеки, индустриальные пейзажи Ю. Пименова, картины в «суровом стиле» В. Попкова, сцены быта советских людей А. Моргунова, сцены противостояния врагу в работах С. Герасимова и другие.

Часто художники изображали ровно то, что видели, знакомили с традициями разных народов и классов, предоставляя зрителю возможность самому получить впечатления от увиденного и сделать выводы. Таковы сцены из трудовой жизни крестьян и состоятельных людей С. Виноградова, из жизни простого народа М. Нестерова, таковы прекрасные восточные традиции в картинах А. Волкова, русские народные традиции на полотнах К. Юона или цирковые сцены в картинах М. Шагала.

Примеры картин известных русских художников в бытовом жанре

Картина В. Перова «Тройка». 1866 г.

Картина Э. Булатова «Горизонт». 1971-1972 гг.

Инсталляция И. и Э. Кабаковых «Туалет». 1992 г.

Картина С. Виноградова «Бабы (Подруги)». 1893 г.

Историческая живопись

Этот жанр подразумевает монументальные картины, которые призваны передать обществу грандиозный замысел, какую-либо истину, мораль или продемонстрировать значимые события. В него входят работы на историческую, мифологическую, религиозную тематику, фольклор, а также военные сцены.

В древних государствах мифы и легенды долгое время считались событиями прошлого, поэтому их часто изображали на фресках или вазах. Позже художники начали отделять произошедшие события от вымысла, что выразилось в первую очередь в изображении батальных сцен. В Древнем Риме, Египте и Греции на щитах воинов-победителей часто изображали сцены героических сражений с целью демонстрации их торжества над врагом.

В эпоху Средневековья из-за засилья церковных догм преобладала религиозная тематика, в эпоху Возрождения общество обратилось к прошлому в основном с целью прославления своих государств и правителей, а с XVIII века к этому жанру часто обращались с целью воспитания молодежи. В России жанр получил массовое распространение в XIX веке, когда художники нередко пытались проанализировать жизнь русского общества.

В работах русских художников батальная живопись была представлена, например, А. Боголюбовым и В. Верещагиным. Мифологические и религиозные сюжеты в своих картинах затрагивал М. Врубель, А. Иванов, Н. Рерих, А. Певзнер, В. Поленов, П. Филонов. Историческая живопись преобладала у И. Глазунова, Г. Семирадского, В. Сурикова, фольклор — у Е. Поленовой.

Примеры картин известных русских художников в жанре исторической живописи

Картина В. Верещагина «Апофеоз войны». Историческая живопись (военная тематика). 1871 г.

Картина М. Врубеля «Демон поверженный». Историческая живопись (мифология) 1902 г.

Картина Н. Рериха «Труды Богоматери». Историческая живопись (мифология). 1931 г.

Картина В. Сурикова «Утро стрелецкой казни». Историческая живопись. 1881 г.

Иллюстрации Е. Поленовой к сказке «Белая уточка». Историческая живопись (фольклор). 1880-e гг.

Натюрморт (фр. nature — природа и morte — мертвая)

Этот жанр живописи связан с изображением неодушевленных предметов. Ими могут быть цветы, фрукты, блюда, дичь, кухонные принадлежности и иные предметы, из которых художник часто составляет композицию согласно своему замыслу.

Первые натюрморты появились еще в древних странах. В Древнем Египте было принято изображать подношения богам в виде разных кушаний. При этом на первом месте была узнаваемость предмета, поэтому древние художники особо не заботились о светотени или фактуре предметов натюрморта. В Древней Греции и Риме цветы и фрукты встречались на картинах и в домах для украшения интерьера, так что изображались уже более достоверно и живописно. Становление и расцвет этого жанра приходится на XVI и XVII века, когда натюрморты стали содержать скрытые религиозные и иные смыслы. Тогда же появилось и их множество разновидностей в зависимости от предмета изображения (цветочный, фруктовый, ученый и т. д.).

В России расцвет натюрморта приходится только на XX век, так как до этого его использовали в основном в учебных целях. Зато развитие это было стремительным и захватило множество стилей, включая абстракционизм со всеми его направлениями. Например, А. Арапов создавал прекрасные композиции цветов в импрессионистском стиле, Л. Попова предпочитала кубофутуризм, М. Ларионов работал в примитивистском стиле и нередко «оживлял» свои натюрморты, создавая у зрителя впечатление, что посуда вот-вот упадет со стола или все предметы сейчас начнут вращаться.

На изображаемые художниками объекты, безусловно, влияли и их теоретические воззрения или мировоззрение, душевное состояние. Так, у К. Петрова-Водкина это были предметы, изображенные согласно открытому им принципу сферической перспективы, а экспрессионистские натюрморты Х. Сутина поражали своим драматизмом.

Многие русские художники использовали натюрморт в основном в учебных целях. Так, И. Грабарь не только оттачивал художественное мастерство, но и проводил множество экспериментов, по-разному раскладывая предметы, работая со светом и цветом. И. Машков экспериментировал с формой и цветом линии, то уходя от реализма в чистый примитивизм, то смешивая оба стиля.

Иные художники соединяли в натюрмортах то, что изобразили ранее и свои излюбленные вещи. Например, на картинах П. Кузнецова можно встретить его любимую вазу, ноты и созданный им до этого портрет его супруги, а Н. Сапунов изображал любимые с детства цветы.

В этом же жанре работали и многие другие русские художники, например Н. Богданов-Бельский, Н. Сталь, Р. Фальк, А. Явленский, В. Шухаев и прочие.

Примеры картин известных русских художников в жанре натюрморта

Картина А. Арапова «Натюрморт с иконой». 1920-1930-е гг.

Картина М. Ларионова «Натюрморт с кувшином и иконой». 1910-1912 гг.

Картина К. Петрова-Водкина «Натюрморт. Яблоки и яйца». 1921 г.

Картина И. Машкова «Натюрморт с фруктами». 1910 г.

Ню (фр. nudite — нагота, сокращенно nu)

Этот жанр призван изображать красоту обнаженного тела и появился еще до нашей эры. В древнем мире большое внимание уделяли физическому развитию, так как от этого зависело выживание всего человеческого рода. Так, в Древней Греции атлеты по традиции состязались обнаженными, чтобы мальчики и юноши лицезрели их отлично развитые тела и стремились к такому же физическому совершенству. Примерно в VII—VI вв. до н. э. появились и обнаженные мужские статуи, олицетворявшие физическую мощь мужчины. Женские же фигуры, напротив, всегда представали перед зрителями в одеяниях, так как обнажать женское тело было не принято.

В последующие эпохи отношение к обнаженным телам менялись. Так, во времена эллинизма (с конца VI века до н.э.) выносливость отошла на второй план, уступив место любованию мужской фигурой. В это же время стали появляться и первые женские обнаженные фигуры. В эпоху барокко идеальными считались женщины с пышными формами, во времена рококо первоочередной стала чувственность, а в XIX-XX веках картины или скульптуры с обнаженными телами (особенно мужскими) часто оказывались под запретом.

Русские художники неоднократно обращались в своих работах к жанру ню. Так, у Л. Бакста это танцовщицы с театральными атрибутами, у В. Баранова-Россине это позирующие девушки или женщины в центре монументальных сюжетов. У Т. Лемпицки это множество чувственных женщин, в том числе в парах, у А. Кравченко это целая серия картин, изображающих обнаженных женщин за разными занятиями, а у В. Рохлиной — девушки, полные невинности. Некоторые, например, К. Сомов изображали и полностью нагих мужчин, хотя такие картины и не приветствовались обществом своего времени.

Примеры картин известных русских художников в жанре ню

Картина Л. Бакста «Танцовщица в костюме». Около 1900-х гг.

Картина В. Баранова-Россине «Апокалипсис». 1912-1913 гг.

Картина Т. Лемпицки «Две обнаженные девушки». 1930 г.

Картина А. Кравченко «Обнаженная». 1919 г.

Картина В.Н. Рохлиной «Обнаженная. Портрет З. Серебряковой». 1930-е гг.

Пейзаж (фр. Paysage, от pays — местность)

В этом жанре приоритетным является изображение естественной или созданной человеком окружающей среды: природных уголков, видов городов, сел, памятников и т.д. В зависимости от выбранного объекта выделяют природный, индустриальный, морской, сельский, лирический и иные пейзажи.

Первые пейзажи древних художников были обнаружены в наскальной живописи эпохи неолита и представляли собой изображения деревьев, рек или озер. Позже природный мотив использовали при украшении домой. В эпоху Средневековья пейзаж практически полностью вытеснила религиозная тематика, а в эпоху Возрождения, напротив, на первый план выступили гармоничные отношения человека и природы.

В России пейзажная живопись развивалась с XVIII века и первоначально ограничивалась классицизмом (в этом стиле создавали пейзажи, например, Н. Крымов и К. Крыжицкий), однако позднее целая плеяда талантливых русских художников обогатила этот жанр приемами из разных стилей и направлений. И. Левитан создал так называемый неброский пейзаж, то есть вместо погони за эффектными видами он изображал в русской природе самые сокровенные моменты. А. Саврасов и И. Бродский пришли к лирическому пейзажу, поражавшего публику тонко передаваемым настроением.

У М. Клодта и Н. Дубовского это эпический пейзаж, когда зрителю демонстрируется вся грандиозность окружающего мира. В. Борисов-Мусатов бесконечно обращался к старине, Е. Волков умел любой неброский пейзаж превратить в поэтическую картину, А. Куинджи поражал зрителя своим дивным светом в пейзажах, а Ю. Клевер мог бесконечно любоваться лесными уголками, парками, закатами и передавать эту любовь зрителю.

Каждый из пейзажистов концентрировал внимание на таком пейзаже, который увлекал его особенно сильно. Многие художники не могли пройти мимо масштабных строек и рисовали много индустриальных и городских пейзажей. Среди них работы А. Куприна, Г. Нисского, В. Степановой, А. Экстер, М. Якунчиковой, Н. Чернецова и других художников. П. Петровичева увлекали памятники, а В. Кандинский часто изображал архитектурный пейзаж. И. Айвазовский и Л. Лагорио с детских лет болели морем, так что работа с морским пейзажем (мариной) стала их основным призванием.

Примеры картин известных русских художников в жанре пейзажа

Эпический пейзаж М. Клодта «Лесная даль в полдень». 1876 г.

Поэтический пейзаж Е. Волкова. «Заросший пруд». 1880-е гг.

Индустриальный пейзаж Г. Нисского «Осень. Семафоры». 1932 г.

Городской пейзаж В. Кандинского «Москва. Красная Площадь». 1916 г.

Морской пейзаж Л. Лагорио «Корабли в спокойном море». 1886 г.

Портрет (фр. portrait — изображение)

Этот жанр подразумевает изображение внешнего или внутреннего облика одного человека или нескольких людей. То есть это не только повторение форм и линий конкретной фигуры, но и идейно-художественная работа над внутренним миром человека. Сам термин portrait изначально применяли к любому объекту, который можно изобразить, пока в семнадцатом веке не стали применять его только к человеку.

В Древнем Египте портреты (вначале скульптурные) создавали только для того, чтобы вернувшаяся после судилища душа умершего могла найти погребенное тело и поселиться в его мумии (скульптуре). С X-XII веков портрет применяли для надгробий, чеканили на монетах, изображали в книгах. Чаще всего этого удостаивались знатные особы. Расцвет жанра начался с эпохи Возрождения, когда человеку отводилась особая роль в мире. В России жанр портрета развивался в эпоху Средневековья, а первые портреты относятся к 11-13 векам.

Портреты делят на парадные и камерные. В первых художник должен возвеличить важную персону, потому ее обычно изображают в праздничной одежде в роскошных интерьерах или пейзажах в полный рост. Во вторых фон бывает менее помпезным, а самого человека изображают только по плечи, грудь или пояс. Парадные портреты создавали, например, Б. Кустодиев, В. Боровиковский, О. Кипренский, а с камерными вариантом работали А. Харламов, П. Челищев, А. Самохвалов, А. Яковлев и другие.

Отдельно стоит выделить портреты-миниатюры, которые вставляли в медальоны, носили в футлярах или табакерках. Одним из виртуозов в этом жанре был В. Боровиковский. И еще жанр автопортрета, когда художник изображал сам себя. Такая картина во многом позволяет понять мировоззрение художника, его видение себя. Большинство мастеров хотя бы однажды рисовали автопортрет, а некоторые создавали их десятками (например, В. Попков).

С развитием авангардизма портретный жанр также коснулись коренные преобразования. Вместо классических вариантов на сцену вышли раздробленные кубофутуристические портреты Ю. Анненкова, А. Богомазова, Н. Гончаровой, А. Лентулова, модернистские портреты Б. Григорьева, яркие импрессионистские картины К. Коровина и А. Архипова, орфические версии С. Делоне, скульптурная живопись В. Ермилова и многие другие.

Примеры картин известных русских художников в жанре портрета

Парадный портрет Б. Кустодиева «Купчиха». 1923 г.

Миниатюра В. Боровиковского «Портрет В.В. Капниста».

Кубофутуристическая картина Ю. Анненкова «Портрет З. Гржебина». 1919 г.

Модернистский камерный автопортрет Б. Григорьева.

Орфический портрет С. Делоне «Певцы фламенко». 1916 г.

Скульптурный портрет В. Ермилова «Дама с веером». 1919 г.

Изучение картин разного жанра помогает понять, что даже в рамках одного из них существует огромный разброс по стилям, направлениям и приемам исполнения. Смешение стилей, жанров и собственных приемов и делает картины каждого художника неповторимыми. Чтобы лучше понимать работы того или иного мастера, рекомендуем также прочитать статью «Стили и направления живописи известных русских художников с примерами картин».

Воспитательный потенциал портретной живописи на уроках изобразительного искусства

Своеобразие детского творчества заключается в том, что в результате его не создается никакого общественно-значимого продукта, но сам процесс творчества и его результат имеют большое значение для личностного развития человека и являются фундаментом успешной жизнедеятельности в будущем.

Развитие эмоциональной культуры, чуткости и внимательности людей друг к другу — это важный воспитательный момент для учащегося. В этом аспекте портретная живопись обладает исключительно сильным потенциалом. Она учит чувствовать другого человека, видеть в глазах изображённого человека страдание, одиночество, радость, счастье. Это самая сложная и в то же время прекрасная работа — вглядываться в человека, изучая его, открывая себя с ним, что очень важно для учащихся.

Портретная живопись — один из самых трудных и значительных жанров в изобразительном искусстве. Портретная живопись имеет разнообразные функции. Темой портрета является индивидуальная жизнь человека, индивидуальная форма его бытия. Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может сочетаться в одном произведении с элементами других жанров. Существует несколько видов портрета, например, исторический, портрет-картина, портрет-тип и другие.

Понимание этого жанра требует от детей определенного социального опыта, знаний, как о самом человеке, так и о его эмоционально-нравственных проявлениях. А также об изобразительном искусстве, его языке, способах создания художественных образов.

Поэтому требуется длительная работа с детьми, содержание которой включает два направления: первое — это формирование представлений о человеке, его чувствах и эмоциях, нравственном отношении ко многим явлениям жизни, выражаемое внутренне и внешне. Второе направление — постепенное формирование у детей понимания языка живописного образа портрета. Вопросы, позволяющие понять эмоциональное состояние, настроение, чувства изображенного человека: «Что рассказало лицо человека? Почему художник изобразил его таким? О чем говорят глаза? Какую «тайну» в человеке раскрыла одежда, окружающий фон?» Метод адекватных эмоций направлен на то, чтобы вызвать у детей чувства, настроение, соответствующие состоянию изображенного на картине человека.

Используя прием «вхождения» в картину, детям предлагается представить себя на месте, изображенного на портрете человека. Это оживляет восприятие, будит воображение, вызывает чувства сопереживания, сопричастности. Таким образом, портретный жанр живописи раскрывает мир чувств и жизнь людей. Это чрезвычайно важно для познания детьми эмоциональной сферы людей и человеческих отношений. В процессе ознакомления с портретом у детей постепенно формируется эстетическая оценка человека, образ которого передан художником, графиком, скульптором. Музыкальное сопровождение может предварять восприятие портрета или быть фоном для рассказа учителя и детей об изображенном человеке.

Работая по программе «Искусство и художественный труд», созданной Б.М.Неменским совместно с коллективом единомышленников, хочу отметить, что тема портрета представлена там глубоко и разнообразно. Более двадцати лет существует эта программа для общеобразовательных школ. За это время она получила общественное признание, имеет многочисленных почитателей не только в нашей стране, но и за рубежом.

Во 2 классе тема «Как украшает себя человек». Сначала интереснее нарисовать человека, а уже потом его украшать, поэтому сначала учитель помогает детям нарисовать портрет гуашью. Украшать можно не только сказочных героев. Естественно, что самый близкий человек для каждого малыша — его мама, которая должна быть самой лучшей, самой красивой, нарядной и веселой. Урок «Изображение и фантазия» призван показать ребятам, что художник может изображать не только то, что видит в жизни, но и то, что создано его воображением. Изображая сказочных героев, можно использовать необычные цвета, дополнять портрет сказочными деталями, нарисовать мир, окружающий героя сказки, а можно дополнить портреты украшениями, выполненными в технике коллажа.

В 3 классе, изучая тему «Художник и музей», ребята опять встречаются с жанром портрета и выполняют гуашью или пастелью по памяти портрет друга. Тема «Автопортрет» дает возможность ребенку не только посмотреть более внимательно на окружающих его людей, но и задуматься о том, «какой я». Себя ребенок видит в зеркале каждый день, кажется, он знает про себя все, но, для того чтобы получился автопортрет, необходимо отнестись к себе более внимательно, более самокритично. Для этого нет необходимости смотреть в зеркало, а надо просто постараться рассказать о себе языком изобразительного искусства.

В 4 классе ребята еще раз встретятся с портретом, работая над темой «Все народы воспевают мудрость старости» и темой «Материнство» Изучение этих тем помогает понять, что такое духовная красота человека и что одинаково ценно для разных народов, живущих на нашей планете. Изображение любимого пожилого человека дает возможность задуматься об отношении к старикам, об уважении и любви к ним, учит детей сопереживанию. Учитель говорит с ребятами о красоте старости, об увядании жизни, о бережном отношении к дедушкам и бабушкам.

На уроках изучения русского народного костюма в 5 классе создаются образы русских красавиц и богатырей. Учитель с ребятами обращается к прошлому нашей страны, к традициям и истокам нашей культуры. Изучая одежду других народов в разные эпохи ученики узнают, что художник, используя в портрете изобразительный «язык человеческих чувств», раскрывает внутренний мир человека, его душевное состояние, дает характеристику переживаний, радости, страдания, удовольствия, гнева, недоверия, лукавства и других эмоций, которыми наполнена жизнь человека. Ознакомление детей с жанром портретной живописи необходимо для формирования, развития и закрепления понимания состояния другого человека.

Изучение темы в 6 классе «Вглядываясь в человека. Портрет в изобразительном искусстве» длиться целую четверть, так как углублённо изучаются жанры искусства. Ребятам необходимо выполнить несколько творческих работ разными художественными материалами: гуашью, пастелью, цветными карандашами, черной ручкой и дать понятие о роли цвета, образных возможностях освещения в портрете.

Ознакомление с портретной живописью способствует развитию эмоционально-эстетических и художественных чувств детей, которые характеризуются сложным переплетением зачастую противоположно направленных эмоций. Чем раньше мы будем развивать эмоционально-чувственный мир ребенка, тем ярче станет работать его воображение, образное и ассоциативное мышление, тем интереснее и богаче окажется его творческое самовыражение.

В 6-м классе в это время изучают историю Средних веков, поэтому дети могут изобразить человека Средневековья. Такой темой может стать исторический портрет. Художник, рисуя на тему истории, занимается изучением эпохи, костюмов, причесок, обычаев людей, живших много лет назад. Детям предоставляется возможность превратиться в такого художника. Основным наглядным материалом будет учебник истории, а дополнительную информацию должен предоставить учитель и найди учащиеся.

Портрет современника дает возможность более внимательно посмотреть вокруг себя, чтобы понять, кто же из окружающих людей действительно может рассказать о своем времени. Правильно организованному воспитанию принадлежит решающая роль. В зависимости от того, какой нравственный опыт приобретает подросток, будет складываться его личность.

Фантастический портрет можно выполнить пастелью на тему «Времена года», либо создать портрет — иллюзию. Сложности может вызвать сатирический портрет. Чтобы дружеский шарж не превратился в злую карикатуру, можно воспользоваться техникой силуэта.

Портрет современника дает возможность более внимательно посмотреть вокруг себя, чтобы понять, кто же из окружающих людей действительно может рассказать о своем времени. Правильно организованному воспитанию принадлежит решающая роль. В зависимости от того, какой нравственный опыт приобретает подросток, будет складываться его личность.

Фантастический портрет можно выполнить пастелью на тему «Времена года», либо создать портрет — иллюзию. Сложности может вызвать сатирический портрет. Чтобы дружеский шарж не превратился в злую карикатуру, можно воспользоваться техникой силуэта.

В 7 классе отдельная глава просвещена теме «Мода, культура и ты». Происходит знакомство с искусством дизайна одежды, а также с созданием имиджа человека. Портретная живопись является особенно сильным средством интеллектуального, эмоционального и эстетического воспитания в подростковом возрасте. Учитывая особенности данного возраста, необходимо подбирать корректные приемы, способы и методы в преподавании портретной живописи.

Благодаря знакомству с портретом, ребенок приобщается к исторической и культурной жизни общества, приобретает знания об известных писателях, художниках, музыкантах, ученых, поэтах, общественных деятелях, своих предках, сословных и национальных отношениях в обществе, о профессиях, быте и облике людей разного времени, их взаимоотношениях, моральных нормах и правилах.

Воспитательный потенциал портретной живописи связан, прежде всего, с мировоззренческим характером, со спецификой искусства создавать целостную картину мира в ярких чувственных образах, напрямую обращённых к чувствам и эмоциям человека. Изучение портретов дает еще и прекрасную возможность пробудить интерес к человеку вообще, как одному из самых совершеннейших и прекраснейших созданий на земле, подчеркнуть, что уникальность человека должна как можно полнее выявляться во всех периодах человеческой жизни.

Какие основные жанры живописи вы знаете? Натюрморт. Портрет. Пейзаж. Исторический жанр. Бытовой жанр Что такое натюрморт пейзаж портрет

ЖАНРЫ ЖИВОПИСИ (фр. genre – род, вид) – исторически сложившееся деление произведений живописи в соответствии с темами и объектами изображения.

Хотя понятие «жанр» появилось в живописи сравнительно недавно, определенные жанровые различия существовали еще с древних времен: изображения животных в пещерах эпохи палеолита, портреты Древнего Египта и Месопотамии с 3 тыс. до н.э., пейзажи и натюрморты в эллинистических и римских мозаиках и фресках. Формирование жанра как системы в станковой живописи началось в Европе в 15–16 вв. и завершилось в основном в 17 в., когда помимо разделения изобразительного искусства на жанры появляется понятие т.н. «высоких» и «низких» жанров в зависимости от предмета изображения, темы, сюжета. К «высокому» жанру относили исторический и мифологический жанры, к «низким» – портрет, пейзаж, натюрморт. Такая градация жанров просуществовала до 19 в. хотя и с исключениями.

Так, в 17 в. в Голландии в живописи ведущими стали именно «низкие» жанры (пейзаж, бытовой жанр, натюрморт), а парадный портрет, формально принадлежавший к «низкому» жанру портрета, к таковому не относился. Став формой отображения жизни, жанры живописи при всей стабильности общих черт не являются неизменными, они развиваются вместе с жизнью, меняясь по мере развития искусства. Некоторые жанры отмирают или обретают новый смысл (напр., мифологический жанр), возникают новые, обычно внутри ранее существовавших (напр., внутри пейзажного жанра появились архитектурный пейзаж и марина ). Появляются произведения, соединяющие в себе различные жанры (напр., сочетание бытового жанра с пейзажем, группового портрета с историческим жанром).

АВТОПОРТРЕТ (от фр. autoportrait) — портрет самого себя. Обычно имеется в виду живописное изображение; однако автопортреты бывают и скульптурные, литературные, кинематографические, фотографические и т. д.

Рембрандт «Автопортрет».

АЛЛЕГОРИЯ (греческое allegoria — иносказание) — выражение отвлечённых идей с помощью конкретных художественных образов. Пример: «правосудие» — женщина с весами.

Моретто да Брешиа «Аллегория веры»

АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ (от лат. animal – животное) — жанр связанный с изображением животных в живописи, скульптуре и графике.

Д. Стаббс. Кобылы и жеребята в пейзаже у реки. 1763-1768 гг.

БАТАЛЬНЫЙ (от франц. bataille — битва) — посвященный изображению военных действий и военной жизни.

Аверьянов Александр Юрьевич. href=»http://www.realartist.ru/names/averyanov/30/»>Ватерлоо.

БЫТОВОЙ — связанный с изображением повседневной жизни человека.

Николай Дмитриевич ДМИТРИЕВ-ОРЕНБУРГСКИЙ (1837-1898). Пожар в деревне

ГАЛАНТНЫЙ — «учтивый, вежливый любезный, обходительный, интересный» устар. связанный с изображением изысканных лирических сцен из жизни придворных дам и кавалеров в художественном творчестве преимущественно XVIII в.

Герард тер Борх Младший. Галантный солдат.

ИСТОРИЧЕСКИЙ — один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный историческим событиям прошлого и современности, социально значимым явлениям в истории народов.

Павел Рыженко. Победа Пересвета.

КАРИКАТУРА — жанр изобразительного искусства, использующий средства сатиры и юмора, гротеска, шаржа, изображение, в котором комический эффект создается путём преувеличения и заострением характерных черт. Карикатура высмеивает, недостаток или порочность персонажа, для того чтобы привлечь его и окружающих людей, с целью заставить измениться в лучшую сторону.

МИФОЛОГИЧЕСКИЙ — посвящен событиям и героям, о которых рассказывают мифы. Боги, демиурги, герои, демоны, мифические существа, исторические и мифологические персонажи. В 19 веке мифологический жанр служил нормой высокого, идеального искусства.

Александр Иванов. Беллерофонт отправляется в поход против Химеры.

НАТЮРМОРТ — жанр изобразительного искусства, изображения неодушевленных предметов, размещенных в реальной бытовой среде и организованных в определенную группу; картина с изображением предметов обихода, цветов, плодов, дичи, выловленной рыбы и т. д.

Аенванк Теодор (Aenvanck, Theodoor)

НЮ (обнажённый) — художественный жанр в скульптуре, живописи, фотографии и кинематографе, изображающий красоту обнажённого человеческого тела, преимущественно женского.

Венера Урбинская», Тициан

ПАСТОРАЛЬ (фр. pastorale — пастушеский, сельский) — жанр в литературе, живописи, музыке и в театре, изображение идиллической жизни пастухов и пастушек на природе.

ПЕЙЗАЖ (франц. paysage, от pays — страна, местность), — жанр посвящённый изображению какой-либо местности: рек, гор, полей, лесов, сельского или городского ландшафта.

Href=»http://solsand.com/wiki/doku.php?id=ostade&DokuWiki=7593bff333e2d137d17806744c6dbf83″ >Адриана ван Остаде

ПОРТРЕТ (фр. portrait, «воспроизводить что-либо черта в черту») — жанр изобразительного искусства, посвященный изображению человека или группы людей; разновидности — автопортрет, групповой портрет, парадный, камерный, костюмированный портрет, миниатюра портретная.

Боровиковский В. «Портрет М. И. Лопухиной»

СЮЖЕТНО-ТЕМАТИЧЕСКАЯ КАРТИНА — определение своеобразного скрещения традиционных жанров живописи, которое способствовало созданию крупномасштабных произведений на социально значимые темы с четко выраженной фабулой, сюжетным действием, многофигурной композицией. Кратко: — смешивание традиционных жанров живописи бытового, исторического, батального, композиционного портрета, пейзажа и др.

Робер, Гюбер — Осмотр старой церкви

ШАРЖ или ДРУЖЕСКИЙ ШАРЖ (фр. charge) — юмористическое или сатирическое изображение, в котором изменены и подчеркнуты характерные черты модели в пределах нормы, с целью подшутить, а не унизить и оскорбить как обычно делается в карикатурах.

Что такое натюрморт:

Натюрморт (фр. nature morte — букв. «мертвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта. Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.

Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов — в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.

Начиная с 40-х годов XVII века, натюрморт в голландской живописи получил широкое распространение как самостоятельный жанр . Одним из самых первых выделился цветочный натюрморт в произведениях таких художников, как Амброзиус Босхарт Старший и Бальтасар ван дер Аст, и далее продолжал своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема и его последователей уже во второй половине XVII столетия. Причины популярности цветочного натюрморта можно найти в особенностях быта голландского общества — традиции иметь сады, загородные виллы или комнатные растения — а также благоприятных природных условиях для развития цветоводства.

Натюрморт (франц. nature morte , буквально — мёртвая природа; англ. still life — неподвижная жизнь) — жанр изобразительного искусства, посвященный изображению вещей, организованных в группу. Кроме неодушевлённых предметов, в натюрморте также изображают объекты живой природы, изолированные от своих естественных связей и тем самым обращенные в вещь, — рыбу на столе, цветы в букете и т.п. Изображение живых, движущихся существ — насекомых, птиц, зверей, даже людей — может иногда входить в натюрморт, но лишь дополняя его основной мотив. По сравнению с другими жанрами в натюрморте вырастает значительность малых предметов, выделенных из контекста быта, уделяется повышенное внимание к структуре и деталям объектов, фактуре поверхности.

Учёный натюрморт

Зародившийся в университетском Лейдене жанр «учёного» натюрморта, получает название «суета сует» или «memento mori » и является наиболее интеллектуальным видом натюрморта, требующим от зрителя знания Библии и традиций религиозной символики (характерны картины Питера Стенвейка и Давида Байли). Часто в натюрмортах этого направления присутствуют иллюзионистские приемы, создающие искусный обман зрения. В свою очередь увлечение иллюзионистской передачей натуры привело к возникновению особого вида натюрморта — так называемых «обманок» (trompe l’œil ). Такие натюрморты были особенно распространены в середине XVII века и снискали невероятную популярность в стране и за ее пределами

Что такое портрет:

Портрет — жанр изобразительного искусства, отражающий внешний и внутренний облик человека или группы людей. Портрет — один из древнейших жанров изобразительного искусства.

Портре́т (фр. portrait , от cтарофранц. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту») — изображение человека, выполненное средствами изобразительного искусства (живописи, гравюры, скульптуры, фотографии), а также (в переносном смысле) словесное описание (в частности, в литературе).

Портрет в литературе — одно из средств художественной характеристики, состоящее в том, что писатель раскрывает типический характер своих героев и выражает свое идейное отношение к ним через изображение внешности героев: их фигуры, лица, одежды, движений, жестов и манер.

В изобразительном искусстве портрет — это самостоятельный жанр, целью которого является отобразить визуальные характеристики модели. «На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека».

Данная статья посвящена рассмотрению портрета в изобразительном искусстве

На развитие портретного жанра влияют две тенденции:

Отличие портрета от фотографии

Юрий Лотман пишет: «Бытовое представление склонно отождествлять функцию портрета и фотографии: предметами обоих является отражение человеческого лица, причем отражение это в основе своей механическое… Портрет представляется наиболее „естественным“ и не нуждающимся в теоретическом обосновании жанром живописи. Кажется, что если мы скажем нечто вроде: Портрет — живопись, которая выполняла функцию фотографии тогда, когда фотография еще не была изобретена , то мы исчерпаем основные вопросы, невольно возникающие у нас, когда мы начинаем размышлять об этом жанре живописи. Слова о „загадочности“ и „непонятности“ функции портрета в культуре кажутся надуманными. Между тем, не убоявшись возражений этого рода, осмелимся утверждать, что портрет вполне подтверждает общую истину: чем понятней, тем непонятней… У фотографии нет прошлого и будущего, она всегда в настоящем времени. Время портрета — динамично, его „настоящее“ всегда полно памяти о предшествующем и предсказанием будущего…Портрет постоянно колеблется на грани художественного удвоения и мистического отражения реальности». Портретист XVIII века Латур в одном из своих писем делился эмоциями: «Сколько нужно сосредоточенности, умения комбинировать, сколько тягостных поисков, чтобы суметь сохранить единство движения, несмотря на изменения, которые происходят в лице, во всех формах от колебания мыслей, от чувств души; а ведь каждое изменение создает новый портрет, не говоря о свете, который постоянно меняется и заставляет изменяться тона цветов в соответствии с движением солнца и времени».

Сходство в портрете

Изображение внешности персонажа — единственное средство построения художественного образа человека в изобразительном искусстве. (Все эти и нижеследующие требования по большей части не соблюдаются в портрете ХХ века, приближающемся к нефигуративному искусству, см.: История портрета).

Портрет может считаться вполне удовлетворительным, когда воспроизводит оригинал в точности, со всеми чертами его внешности и внутреннего индивидуального характера, в наиболее привычной его позе, с наиболее свойственной ему экспрессией. Удовлетворение этим требованиям входит в круг задач искусства и может приводить к высокохудожественным результатам, если исполняется одарёнными художниками, способными вложить в воспроизведение действительности свой личный вкус, талант и мастерство.

Сходство в портрете — результат не только верной передачи внешнего облика портретируемого, но и правдивого раскрытия его духовной сущности в единстве индивидуально-неповторимых и типических черт, присущих ему как представителю определённой исторической эпохи, национальности, социальной среды. Однако вследствие практической невозможности сопоставления зрителем изображения с моделью портретом часто называют всякое индивидуализированное изображение человека, если оно является единственной или по крайней мере главной темой художественного произведения.

Что такое пейзаж:

Пейза́ж (фр. Paysage , от pays — страна, местность), в живописи и фотоискусстве — тип картины, изображающий природу или какую-либо местность (лес, поле, горы, роща, деревня, город).Пейзаж (франц. paysage , от pays — страна, местность) — это жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является местность, естественная или преображенная человеком природа: городские и сельские ландшафты, виды городов, зданий.

Нередко перечисляя жанры искусства, пейзаж упоминают на одном из последних мест. Ему придают порой второстепенную роль по отношению к сюжету картины. Но сегодня такая точка зрения, соответствующая старинным представлениям, кажется по меньшей мере наивной. В наше время неспокойных раздумий о кризисе во взаимоотношениях человека и природы, поисков путей сближения цивилизации и окружающей среды пейзажное искусство предстает зачастую мудрым учителем. В произведениях минувших эпох, в лучших полотнах современности оно демонстрирует, как входит природа в человеческое сознание, претворяясь в символ, лирическое раздумье или тревожное предупреждение.

Живопись — один из наиболее распространенных видов искусства, с помощью которого художники — живописцы передают свое видение мира зрителям.

Таким образом, живопись представляет собой отдельный и весьма популярный вид изобразительного искусства, в котором зрительные образы передаются мастером посредством нанесения красок на поверхность картины.

И. И. Шишкин. Пейзаж » Корабельная роща» (1898 год).

Все существующие на сегодняшний день живописные произведения можно разделить на несколько отдельных жанров, которые имеют свои особенности в тематике и технике изображения. Рассмотрим основные из них, чтобы иметь правильное представление о структуре живописных полотен.

Итак, среди современных жанров живописи можно назвать следующие:

• Портрет
• Пейзаж
• Марина
• Историческая живопись
• Батальная живопись
• Натюрморт
• Жанровая живопись
• Архитектурная живопись
• Религиозная живопись
• Анималистическая живопись
• Декоративная живопись

Схематически разделение жанров живописного искусства будет выглядеть следующим образом:

Портрет

Многим из нас знаком такой жанр живописи, как портрет. Это один из самых древнейших видов изобразительного живописного творчества, и его можно встретить также в скульптуре и графике. Раньше не было фотографий, поэтому каждый богатый или знаменитый человек считал необходимым увековечить свое лицо и фигуру для потомков — и в этом на помощь ему приходили художники — портретисты.

Причем, на портрете могут изображаться как реальные люди, так и литературные или мифические герои. Кроме того, может быть создан как портрет человека, жившего в прошедшие времена, так и нашего современника, существующего на сегодняшний день.

Четких границ у портретного жанра нет, поэтому в одном произведении портрет может сочетаться с элементами других жанров живописи — пейзажем, натюрмортом и так далее.

Виды портретов

Среди наиболее распространенных видов портретной живописи можно выделить следующие:

• Исторический портрет
• Ретроспективный портрет
• Портрет — картина
• Типовой портрет
• Автопортрет
• Донаторский портрет
• Парадный портрет
• Полупарадный портрет
• Камерный портрет
• Интимный портрет
• Малоформатный портрет
• Портрет — миниатюра

Каждый из видов портретной живописи имеет свои характерные особенности и отличия в технике выполнения. Рассмотрим их более подробно.

• Исторический портрет — содержит изображение какой — либо исторической личности, политического деятеля или творческого человека. Такой портрет может быть создан по воспоминаниям современников или родиться в воображении живописца.

А. М. Матвеев. Портрет Петра Великого (1724 — 1725 годы). Холст, масло.

• Ретроспективный портрет — посмертное изображение жившего в прошлом человека, которое создано по описаниям очевидцев или по прижизненному изображению. Однако возможны также случаи полного сочинения портрета мастером.

Владислав Рожнев » Женский портрет» (1973 год). Холст, масло.

• Картина — портрет — человек изображается в сюжетной взаимосвязи с окружающим миром, природой, на фоне архитектурных построек или деятельности других людей. В портретных картинах как раз наиболее ярко прослеживается расплывчатость границ и соединение различных жанров — пейзажа, исторической и батальной живописи и так далее.

Борис Кустодиев. Картина — портрет Ф. И. Шаляпина (1922 год). Холст, масло.

• Типовой портрет — художник — живописец изображает собирательный образ, составленный из характерных особенностей внешности многих людей, объединенных общими идеями, видами деятельности, социальным положением или образом жизни.

Ф. В. Сычков » Портрет крестьянки».

• Портрет костюмированный — изображенный человек представлен перед зрителем в виде литературного или театрального персонажа, исторического деятеля или мифологического героя. Подобные портреты представляют особый интерес для изучения костюмов других эпох.

• Автопортрет — особый вид портретного живописного произведения, на котором художник изображает сам себя. То есть, он хочет передать и донести до зрителей свою внутреннюю сущность.

• Донаторский портрет — одна из устаревших форм портретной живописи. На такой картине с религиозной тематикой изображался человек, сделавший крупные пожертвования церкви. Он представал перед зрителями в окружении святых, рядом с Мадонной или на одной из створок алтаря в коленопреклоненном виде. Состоятельные люди в те времена видели в создании донаторского портрета особый смысл, потому что такие картины всегда воспринимались позитивно и почитались наравне с .

Пинтуриккьо. » Воскресение Христа» с коленопреклоненным папой Александром VI.

По характеру и способу изображения фигуры человека все портреты делятся на следующие типы:

• Парадный портрет — показывает человек в положении стоя в полный рост. При этом все детали внешности и фигуры выписываются очень четко.

• Полупарадный портрет — человек изображается по пояс, до колен или в положении сидя, когда нижняя часть ног не видна. В подобном произведении портретной живописи огромную роль играет изображение окружающей обстановки или аксессуаров.

Рокотов Ф. С. » Коронационный портрет Екатерины II» (1763 год).

• Камерный портрет — фигура человека выполняется на нейтральном фоне, причем используется сокращенный вариант изображения фигуры человека — до пояса, до груди или даже до уровня плеч. В этом случае мастер особенно четко и тщательно выписывает черты лица человека.

• Интимный портрет — используется крайне редко и представляет собой одну из разновидностей камерного портрета благодаря выполнению на нейтральном фоне. В основе создания интимного портрета лежат глубокие чувства художника к изображаемому человеку или доверительные отношения между ними.

Эдуард Мане » Девушка в испанском костюме» (1862 — 1863 годы).

• Малоформатный портрет — живописное произведение небольшого размера. выполняемое, как правило, тушью, карандашом, пастелью или акварельными красками.

• Портрет — миниатюра — один из самых узнаваемых и сложных в отношении техники выполнения видов портретной живописи. Для миниатюры характерен небольшой формат изображения (от 1,5 до 20 см), а также необычайная тонкость письма и тщательная, практически ювелирная прорисовка всех линий. Миниатюрные портреты вставляли в медальоны, украшали ими часы, браслеты, броши, перстни и табакерки.

Жак Августин » Вакханка» — миниатюрный портрет (1799 год). Кость, акварель, гуашь. Размер 8 см (круг).

Пейзаж

Пейзаж представляет собой отдельный жанр живописи, основным объектом изображения которого является природа в первозданном виде или несколько измененная в процессе деятельности человека.

Константин Крыжицкий » Дорога» (1899 год).

Жанр пейзажной живописи известен с древнейших времен. Однако в средние века он несколько теряет свою актуальность. Но уже в эпоху Ренессанса пейзаж возрождается и приобретает значение одного из важнейших жанров в живописном искусстве.

Жан — Франсуа Милле » Весна».

Марина

Марина (от латинского слова » marinus» — » морской») — особый жанр живописи, в котором все изображаемые события, виды человеческой деятельности и картины природы посвящены морю. Зачастую на полотнах изображены морские пейзажи в разное время года и при различном освещении.

И. К. Айвазовский » Девятый вал» (1850 год).

Художников, рисующих морские просторы в различных их проявлениях, называют » маринистами». Одним из известнейших маринистов является Иван Айвазовский, создавший свыше 6 тысяч картин на морскую тематику.

Иван Айвазовский » Радуга» (1873 год).

Историческая живопись

Жанр исторической живописи зародился в эпоху Возрождения, когда художники стремились отразить в своих полотнах сцены из жизни общества в различные периоды истории.

Однако на исторических полотнах могли изображаться не только картины из жизни реальных людей, но и мифологические сюжеты, а также иллюстрированное переосмысление библейских и евангелийских историй.

Доменико Беккафуми » Воздержание Сцилиона Африканского» (около 1525 года).

Историческая живопись служит для отображения событий прошлого, наиболее важных для конкретного народа или всего человечества в целом.

Франциско Прадилья » Крещение принца Хуана, сына Фердинанда и Изабеллы» (1910 год).

Батальная живопись

Одной из разновидностей исторического жанра является батальная живопись, тематика изображений которой посвящена главным образом военным событиям, знаменитым сражениям на суше и на море, а также военным походам. Батальный жанр охватывает историю военных столкновений за всю историю существования человеческой цивилизации.

При этом батальные полотна отличаются большим количеством и многообразием изображенных фигур, а также достаточно точными картинами местности и особенностей того или иного региона.

Франсуа Эдуар Пико » Осада Кале» (1838 год).

Перед художником — баталистом стоит несколько сложнейших задач:

1. Показать героику войны и показать поведение наиболее отважных воинов.
2. Запечатлеть особо важный или переломный момент сражения.
3. Раскрыть в своем произведении полный исторический смысл военных событий.
4. Точно и четко выразить поведение и переживания каждого из участников битвы — как знаменитых полководцев, так и рядовых солдат.

Жан — Батист Дебре » Наполеон выступает перед баварскими войсками в Абенсберге 20 апреля 1809 года.

Следует отметить, что жанр батальной живописи считается одним из самых сложных, поэтому подобные полотна создаются мастерами длительное время — порой по десятку лет. От художника требуется не только отличное знание подробной истории изображаемого сражения, но и умение создавать многофигурные полотна с большим количеством вспомогательных деталей. Это и картины природы, и элементы архитектуры, и изображение оружия или военных механизмов. Поэтому батальный жанр занимает особое место и стоит отдельно от исторической живописи.

Натюрморт

Натюрмортом называется создание на полотнах композиций из неодушевленных предметов в различных их сочетаниях. Наиболее популярными являются изображения посуды, вазонов с букетами цветов и фруктов на блюде.

Сезанн » Угол стола» (1895 — 1900 годы).

Изначально тематика изображений в жанре натюрморта возникла на рубеже XV — XVI столетий, но окончательное оформление жанра в отдельное направление живописи произошло в XVII веке. Первыми создателями натюрмортов были голландские и фламандские художники. Позднее натюрморт занял важное место и в творчестве русских художников.

Тематика изображений в натюрмортах может быть весьма богатой и многообразной, и не ограничивается исключительно бытовыми предметами. Это могут быть книги, журналы и газеты, бутылки, статуэтки, глобус и многие другие объекты.

Давид Тенирс Младший. Натюрморт (1645 — 1650 годы).

Главной идеей композиций в жанре Vanitas является мысль о конечности земного бытия и смирении перед неизбежностью перехода в мир иной. Наибольшую популярность натюрморты с изображением черепа в центре композиции приобрели в XVI — XVII столетиях во Фландрии и Нидерландах. Чуть позже к нему стали обращаться французские и испанские художники.

Питер Клас » Натюрморт с черепом».

Жанровая живопись

В изобразительном искусстве жанровая живопись считается частью бытового жанра. С древнейших времен художники изображали сцены бытовой жизни простых людей — крестьян, ремесленников, торговцев, а также слуг знатных придворных в процессе трудовой деятельности или в повседневной жизни их семей.

Габриель Метсю » Продавец птиц» (1662 год).

Первые образцы жанровых картин в современном понимании появились в эпоху Средневековья, и впоследствии получили повсеместное распространение и популярность. Тематика жанровых полотен характеризуется завидным разнообразием, чем и вызывает интерес зрителей.

Бернардо Строцци » Кухарка» (1625 год).

Архитектурная живопись

Архитектурная живопись — особенный живописный жанр, тематика которого посвящена изображению зданий, сооружений и различных памятников архитектуры , а также наиболее интересных решений в историческом аспекте. Имеется в виду изображение внутреннего оформления дворцов, театральных и концертных залов и так далее.

Благодаря подобным картинам зритель имеет возможность воочию увидеть памятники архитектуры в первозданном виде глазами самого художника. Произведения архитектурной живописи также помогают в изучении архитектурного ландшафта городов ушедших времен.

Луи Дагер » Туман и снег, видимые сквозь разрушенную готическую колоннаду» (1826 год).

Анималистическая живопись

Анималистический жанр — отдельный жанр живописного искусства, который специализируется главным образом на изображении животного мира нашей планеты. На картинах данного жанра мы можем видеть животных, птиц, рыб, а также представителей многих других видов в естественной среде их обитания.

Джордж Стаббс » Спящий леопард» (1777 год).

Однако это не значит, что темой изображения анималистического жанра являются только дикие животные. Напротив, художники очень часто пишут картины, посвященные домашним любимцам — кошкам, собакам, лошадям и так далее.

Декоративная живопись

Жанр декоративной живописи можно условно разделить на несколько видов, имеющих свои отличия:

• Монументальная живопись
• Театральная декорационная живопись
• Декоративная роспись

Видовое разнообразие декоративного жанра объясняется тем, что художники во все времена старались украсить каждый объект окружающего мира.

• Монументальная живопись — жанр монументального искусства, произведения которого имеют достаточно масштабный характер и используются в качестве декоративного оформления зданий и сооружений светского и культового характера различного назначения ( и церквей, офисных зданий и культурных сооружений, архитектурных памятников и жилых домов).

• Театральные декорации — это весьма востребованный вид декоративного жанра, который включает в себя создание декораций и эскизов костюмов для персонажей театральных постановок и героев кинофильмов, а также зарисовки отдельных мизансцен. Художники — декораторы в театре и на съемочной площадке порой создают настоящие шедевры, которые впоследствии входят в число лучших декораций театра и кино.

• Декоративная роспись — представляет собой сюжетные композиции или орнаментальный декор, созданный на различных частях зданий и сооружений, а также на образцах декоративно — прикладного искусства, берущего свои истоки в народных художественных промыслах. Основными видами расписываемых изделий была посуда, предметы быта, мебель и так далее.

Она зародилась еще среди доисторических людей, изображавших на стенах пещер сцены охоты и Со временем, разумеется, в ней появлялись все новые и новые сюжеты. Но различать различные жанры живописи начали сравнительно недавно. Это началось в 17 веке.

Традиционно выделяют следующие жанры в живописи: портрет, пейзаж, натюрморт, исторический жанр, бытовой жанр, анималистика, фантастическая живопись, религиозная живопись.

Портрет предполагает, что центральным объектом в картине является человек. Причем, вопреки распространенному мнению, это не обязательно должно быть изображение лица во весь холст. Бывают картины, на которых центральное лицо стоит в стороне, или даже такие, где человек вообще с трудом угадывается. Но основной задачей портрета, в любом случае, остается изображение индивидуальности и передача характера.

Изначально, при включении пейзажа в жанры живописи, предполагалось, что он должен изображать природу. В наше время это понятие стало шире, и теперь различают городской пейзаж, индустриальный пейзаж, морской пейзаж (марина), пейзаж неба и так далее. Но большинство художников все же предпочитают изображать классические просторы полей, лесов, лугов и озер, утверждая красоту и величие окружающего мира.

Натюрморт — это изображение постановочной композиции из элементов Как и пейзаж, натюрморт иногда подразделяют на поджанры в зависимости от тематики, но, как правило, это не принято.

Исторический жанр живописи, как и следует из его названия, изображает знаковые сцены из истории: коронации, битвы (батальный жанр) и т.д. или важных деятелей.

В бытовом жанре центральное место занимают из повседневной жизни людей. Прием пищи, встреча на улице, порванная рубашка — все это может стать объектом для такой картины.

Художники-анималисты создают изображения животных. Причем к последним относят абсолютно всех представителей живой природы от клопов до китов. Они, как правило, изображаются естественно, без каких-либо метаморфоз.

Фантастическая живопись — это изображение каких-либо сверхъестественных существ или событий. К этому жанру также относят фэнтези и сюрреализм. Сцены фантастической живописи могут происходить в космосе, мире будущего, альтернативных вселенных и прочих неестественных местах. А персонажи могут быть как обычными людьми, так и выдуманными существами.

К религиозной живописи относят иконы, фрески и картины, изображающие религиозные сюжеты. Наиболее широкое распространение этот жанр получил в эпоху Возрождения, когда в Европе господствовала христианская идеология, вдохновляя таких мастеров, как Рафаэль, Ботичелли, да Винчи.

Несмотря на свое разнообразие, все жанры живописи служат одной цели — воспеванию красоты, внешней или внутренней, и демонстрации взгляда художника на мир. Ведь раз уж человек берется за кисть, значит, ему есть что рассказать людям. А жанры живописи — лишь различные языки, из которых он может выбрать любой, наиболее подходящий для выражения своих мыслей.

НАТЮРМОРТ (фр. nature morte – мертвая природа, натура) – жанр изобразительного искусства или произведение этого жанра. Сама постановка, которая является объектом изображения, тоже называется натюрмортом. Он может состоять не только из неодушевленных предметов, но и включать природные формы. Поэтому более точно название, принятое в англоязычных странах, still life или немецкое Stilleben – тихая жизнь. Искусство натюрморта как жанр появилось в Голландии в начале XVII в. Художники изображали самые обычные вещи, но показывали их красоту и поэтичность. Одни любили натюрморты скромные, с небольшим количеством предметов, а другие писали на огромных холстах много дичи, рыбы, цветов (в Голландии П. Клас, В. Хеда, во Фландрии Ф. Снейдерс и др.). Дополняя основной мотив, в натюрморт может входить изображение людей, животных, птиц, насекомых. Строгостью и -свободой композиции, тонкостью колористических решений, удивительной человечностью выделяются произведения одного из самых замечательных мастеров натюрморта – французского художника Ж. Шардена.

В XIX в. многие ведущие мастера живописи, работающие в разных жанрах, писали и натюрморты, особенно художники постимпрессионизма, для которых мир вещей был одной из основных тем (П. Сезанн, Ван-Гог).

С начала XX в. к жанру натюрморта обращаются художники самых разных стилистических направлений. Они экспериментируют с цветом, формой и пространством, увлекаются поиском разнообразной фактуры. Натюрморты продолжают выполняться и в строгой реалистической, и в декоративной манере, и в манере кубизма.

Изображение прекрасного мира вещей увлекало очень многих художников. В русском искусстве П. Кончаловский, И. Машков, Р. Фальк, К. Петров-Водкин, М. Сарьян, Ю. Пименов и другие создали великолепные натюрморты, раскрывающие не только красоту вещей, но вместе с тем и мир человека, его мыслей и чувств. Каждый художник нашел для решения этой сложной задачи свои выразительные средства. Порой человек незримо присутствует на картине, и кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент. Например, на картине Ю. Пименова«Ожидание» (1959) изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на оконном стекле делают это ожидание особенно тоскливым и вызывают различные ассоциации. В другом натюрморте этого же художника «Актриса» через предметы раскрывается не только мир профессии, но и характер человека, владеющего этими вещами.

В ином типе натюрморта вещи говорят прежде всего о самих себе, предлагают полюбоваться красотой их формы, цвета, фактуры. Например, полотно И. Машкова «Снедь московская. Хлебы» заставляет нас словно ощутить аромат свежеиспеченного хлеба, полюбоваться богатством и разнообразием булок, батонов, караваев и калачей. Мир вещей в натюрморте всегда выражает внешние приметы жизни определенной исторической эпохи.

ПОРТРЕТ (фр. portrait – изображение) – жанр изобразительного искусства с изображением одного человека или группы людей. Кроме внешнего, индивидуального сходства, художники стремятся в портрете передать характер человека, его духовный мир.

Существуют многие разновидности портрета. К жанру портрета относятся: поясной портрет, бюст (в скульптуре), портрет в рост, групповой портрет,

портрет в интерьере, портрет на фоне пейзажа . По характеру изображения выделяются две основные группы: парадные и камерные портреты. Как правило, парадный портрет предполагает изображение человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В камерном портрете используется поясное, погрудное, поплечное изображение. В парадном портрете фигура обычно дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном – чаще на нейтральном фоне.

По числу изображений на одном холсте помимо обычного, индивидуального, выделяют двойной и групповой портреты. Парными называют портреты, написанные на разных холстах, если они согласованы между собой по композиции, формату и колориту. Чаще всего это портреты супругов. Нередко портреты образуют целые ансамбли – портретные галереи.

Портрет, в котором человек представлен в виде какого-либо аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа называют костюмированным. В наименования таких портретов обычно включаются слова «в виде» или «в образе» (например, Екатерина II в виде Минервы). 1

Портреты различают и по размеру, например миниатюрный. Можно выделить еще автопортрет – изображение художником самого себя. Портрет передает не только индивидуальные черты портретируемого или, как говорят художники, модели, но и отражает эпоху, в которую жил изображаемый человек.

Искусство портрета насчитывает несколько тысячелетий. Уже в Древнем Египте скульпторы создавали довольно точное подобие внешнего облика человека. Статуе придавали портретное сходство для того, чтобы после смерти человека его душа могла в нее вселиться, легко отыскать своего владельца. Этим же целям служили и живописные фаюмские портреты, выполненные в технике энкаустики (восковой живописи) в I- IV вв. Идеализированные портреты поэтов, философов, общественных деятелей были распространены в скульптуре Древней Греции. Правдивостью и точной психологической характеристикой отличались древнеримские скульптурные портретные бюсты. Они отражали характер и индивидуальность конкретного человека.

Изображение лица человека в скульптуре или живописи во все времена привлекало художников. Особенно расцвел жанр портрета в эпоху Возрождения, когда главной ценностью была признана гуманистическая, действенная человеческая личность (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто). Мастера Возрождения углубляют содержание портретных образов, наделяют их интеллектом, душевной гармонией, а иногда и внутренним драматизмом.

В XVII в. в европейской живописи на первый план выдвигается камерный, интимный портрет в противоположность портрету парадному, официальному, возвеличивающему. Выдающиеся мастера этой эпохи – Рембрандт, Ван Рейн, Ф. Гальс, Ван Дейк, Д. Веласкес – создали галерею замечательных образов простых, ничем не знаменитых людей, открыли в них величайшие богатства доброты и человечности.

В России портретный жанр активно начал развиваться с начала XVIII в. Ф. Рокотов, Д. Левицкий, В. Боровиковский создали серию великолепных портретов знатных людей.

Особенно прелестны и очаровательны, пронизаны лиризмом и духовностью были женские образы, написанные этими художниками. В первой половине XIX в. главным героем портретного искусства становится мечтательная и одновременно склонная к героическому порыву романтическая личность (на картинах О. Кипренского, К. Брюллова).

Становление реализма в искусстве передвижников отразилось и на искусстве портрета. Художники В. Перов, И. Крамской, И. Репин создали целую портретную галерею выдающихся современников. Индивидуальные и типичные черты портретируемых, их духовные особенности художники передают с помощью характерных выражений лиц, поз, жестов. Человек изображался во всей своей психологической сложности, оценивалась еще и его роль в обществе. В XX в. портрет сочетает самые противоречивые тенденции – яркие реалистические индивидуальные характеристики и абстрактные экспрессивные деформации моделей (П. Пикассо, А. Модильяни, А. Бурдель во Франции, В. Серов, М. Врубель, С. Коненков, М. Нестеров, П. Корин в России).

Портреты доносят до нас не только образы людей разных эпох, отражают часть истории, но и говорят о том, каким видел мир художник, как он относился к портретируемому.

ПЕЙЗАЖ (фр. paysage, от pays – местность, страна, родина) – жанр изобразительного искусства, предметом которого является изображение природы, вида местности, ландшафта. Пейзажем называют также произведение этого жанра. Пейзаж – традиционный жанр станковой живописи и графики. В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить сельский, городской (в том числе городской архитектурный – ведута), индустриальный пейзаж. Особую область составляет изображение морской стихии – марина. Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический, эпический характер. Например, пейзаж И. Левитана часто именуется «пейзажем настроения». На его картинах воплощаются изменчивые настроения, состояния тревоги, скорби, предчувствия, умиротворенности, радости и др. Поэтому художник передает объемную форму предметов обобщенно, без тщательной проработки деталей, трепетными живописными пятнами. Так написаны им в 1895 году картины «Март» и «Золотая осень», знаменующие высшую точку в развитии русского лирического пейзажа. Благодаря И. Шишкину, сумевшему создать на своих полотнах обобщенный эпический образ русской природы, русский пейзаж поднялся до уровня глубоко содержательного и демократического искусства («Рожь», 1878, «Корабельная роща», 1898). Сила шишкинских полотен не в том, что они почти с фотографической точностью воспроизводят знакомые ландшафты среднерусской полосы, искусство художника гораздо глубже и содержательнее. Бескрайние просторы полей, колышущееся под свежим ветром море колосьев, лесные дали на картинах И. Шишкина порождают мысли о былинном величии и мощи русской природы.

Часто пейзаж служит фоном в живописных, графических, скульптурных (рельефы, медали) произведениях других жанров. Художник, изображая природу, не только стремится точно воспроизвести выбранный пейзажный мотив, но и выражает свое отношение к природе, одухотворяет ее, создает художественный образ, обладающий эмоциональной выразительностью и идейной содержательностью.

Человек начал изображать природу еще в далекие времена, элементы пейзажа можно обнаружить еще в эпоху неолита, в рельефах и росписях стран Древнего Востока, особенно в искусстве Древнего Египта и Древней Греции. В средние века пейзажными мотивами украшали храмы, дворцы, богатые дома, пейзажи нередко служили средством условных пространственных построений в иконах и больше всего в миниатюрах. Как самостоятельный жанр пейзаж окончательно сформировался в XVII в. Его создали голландские живописцы. Художники обратились к изучению натуры, разработали систему валеров, световоздушную перспективу в XVI в. (П. Брейгель в Нидерландах) и особенно в XVII-XVIII вв. (II. Рубенс во Фландрии, Рембрандт, Я. Рейсдал в Голландии, Н. Пуссен, К. Лоррен во Франции). В XIX в. творческие открытия мастеров пейзажа, завоевания пленэрной живописи (К. Коро во Франции, А. А. Иванов, А. Саврасов, Ф. Васильев, И. Шишкин, И. Левитан, В. Серов в России) завершились достижениями импрессионизма (Э. Мане, К. Моне, О. Ренуар во Франции, К. Коровин, И. Грабарь в России), открывшими новые возможности в передаче изменчивости световоздушной среды, неуловимых состояний природы, богатства красочных оттенков.

Крупные мастера конца XIX и XX вв. (П. Сезанн, П. Гоген, Ван-Гог, А. Матисс во Франции, А. Куинджи, Н. Рерих, Н. Крымов в России, М. Сарьян в Армении) расширяют эмоциональные, ассоциативные качества пейзажной живописи. Традиции русского пейзажа расширили и обогатили А. Рылов, К. Юон, Н. Рерих, А. Остроумова-Лебедева, А. Куприн, П. Кончаловский и др.

Особую линию развития получил пейзаж в искусстве Востока. Как самостоятельный жанр он появился в Китае еще в VI в. Пейзажи китайских художников, выполненные тушью на шелковых свитках, очень одухотворённы и поэтичны. Они имеют глубокий философский смысл, как бы показывают вечно обновляющуюся природу, беспредельное пространство, которое кажется таковым из-за введения в композицию обширных горных панорам, водных гладей и туманной дымки. В пейзаж включаются человеческие фигурки и символические мотивы (горная сосна, бамбук, дикая слива), олицетворяющие возвышенные духовные качества. Под влиянием китайской живописи сложился и японский пейзаж, отличающийся обостренной графичностью, выделением декоративных мотивов, более активной ролью человека в природе (К. Хокусай).

МАРИНА (ит. marina, от лат. marinus – морской) – морской вид, картина (также рисунок, гравюра), изображающая море. Основное в жанре марины – воплощение морской стихии в различных состояниях, а также изображение борьбы с нею человека, попавшего в шторм. В качестве самостоятельного жанра марина появилась в Голландии в начале XVII в.

Художник, специализирующийся в области марины, называется маринистом. Выдающимися маринистами были англичанин У. Тернер и русский художник И. Айвазовский.

ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР — один из жанров изобразительного искусства, посвящается изображению значимых исторических событий, явлений и военных деятелей; в основном обращается к историческому прошлому, но может показать и недавние события, если историческое значение их признано современниками. Исторический жанр часто переплетается с другими жанрами: бытовым, портретом, пейзажем. Особенно тесно исторический жанр смыкается с батальным жанром , когда показываются исторические баталии, крупные сражения и военные события. Драматические столкновения народных сил, взгляд на народ как на движущую силу истории часто находили художественное выражение в историческом жанре.

Основные виды произведений исторического жанра — исторические картины, росписи, рельефы, монументальная и станковая скульптура, миниатюра, книжная и станковая графика. Исторический жанр часто переплетается с другими жанрами — бытовым жанром (историко-бытовые изображения), портретом (изображения деятелей прошлого, портретно-исторические композиции), пейзажем («исторический пейзаж»). Разновидностью исторического жанра является религиозно-мифологический жанр. МИФОЛОГИЧЕСКИЙ ЖАНР (от гр. mythos – предание) – жанр изобразительного искусства, посвященный событиям и героям, о которых рассказывают мифы древних народов. Мифы, легенды, предания есть у всех народов мира, и они составляют важнейший источник художественного творчества. Мифологический жанр зарождается в позднеантичном и средневековом искусстве, когда греко-римские мифы перестают быть верованиями и становятся литературными рассказами с нравственно-аллегорическим содержанием. Собственно мифологический жанр формируется в эпоху Возрождения, когда античные легенды дали богатейшие сюжеты для картин С. Боттичелли, А. Мантеньи, Джорджоне, фресок Рафаэля. В XVII – начале XIX вв. значительно расширяется представление о картинах мифологического жанра. Они служат для воплощения высокого художественного идеала (Н. Пуссен, П. Рубенс), сближают с жизнью (Д. Веласкес, Рембрандт), создают праздничное зрелище (Ф. Буше, Дж. Б. Тьеполо). В XIX в. мифологический жанр служит нормой высокого, идеального искусства (скульптура И. Мартоса, картины Ж.-Л. Давида, Ж.-Д. Энгра, А. Иванова). Наряду с темами античной мифологии в XIX- XX вв. в искусстве стали популярны темы индийских мифов. В начале XX в. символизм и стиль модерн оживили интерес к мифологическому жанру (М. Дени, М. Врубель). Он получил современное переосмысление в скульптуре А. Майоля, А. Бурделя, С. Коненкова, графике П. Пикассо.

БАТАЛЬНЫЙ ЖАНР(от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны, битв, походов и эпизодов военной жизни. Главным образом этот жанр характерен для живописи, отчасти также графики и скульптуры. Он может быть составной частью исторического и мифологического жанра, а также изображать современную художнику жизнь армии и флота. Батальный жанр может включать в себя элементы других жанров – бытового, портретного, пейзажного, анималистического (при изображении конницы), натюрморта (при изображении оружия и других атрибутов воинской жизни).Формирование батального жанра начинается в эпоху Возрождения (Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициан, Тинторетто), он переживает свой расцвет в XVII-XVIII вв. (Д. Веласкес, Рембрандт, Н. Пуссен, А. Ватто) и особенно ярко передает трагедию войны в период романтизма в 1-й половине XIX в. (Ф. Гойя, Т. Жерико, Э. Делакруа). Художники-баталисты, как правило, стремятся передать героическую готовность к борьбе, воспевают воинскую доблесть, торжество победы, но порой в своих произведениях они разоблачают античеловеческую сущность войны, проклинают ее (II. Пикассо «Герника», картины В. Верещагина, М. Грекова, А. Дейнеки, Е. Моисеенко, Г. Коржева и др.).

Бытовой жанр- жанр изобразительного искусства, посвященный отображению событий и сцен повседневной жизни (общественной и частной), обычно современной художнику. Термин употребляется преимущественно по отношению к живописи и равнозначен выражениям “бытовая живопись” и “жанровая живопись”. Бытовые, жанровые сцены были известны в искусстве с древности. Это изображения охоты, шествий в первобытном искусстве; картины жизни различных слоев общества в древневосточных росписях; бытовые сцены на античных вазах, рельефах, в мозаике. Но самостоятельного значения они не имели, являясь частью картин на мифологические сюжеты. В русском искусстве бытовой жанр получил свое яркое развитие в творчестве Венецианова А.П..Его картины «Гумно», «Весна. На пашне.»рассказывают о крестьянском труде. Быт и обычаи русского общество середины 19 века показал в своих картинах

Федотов П.А.:»Сватовство майора», «Свежий кавалер». Эпическими полотнами стали произведения великого русского художника И.Е.Репина «Бурлаки на Волге», «Крестный ход на Пасху».Художники в своих картинах выражали свое отношение к событиям в жизни России того времени.

Самостоятельная работа : подобрать репродукции картин, иллюстрирующие жанры живописи.

Похожая информация.

Живопись петровского времени

Во времена правления Петра I активное развитие получили гравюра и миниатюра на эмали, рассмотрим почему

Гравюра

☝️ Почему для Петра была так важна гравюра. Во-первых, его как любителя техники интересовал сам процесс. Во-вторых, царя увлекало прикладное значение — возможность получать многочисленные копии для оформления книг, схем, карт. С 1700 по 1725 год книг с гравюрами, картами и планами отпечатали примерно в сто раз больше, чем за все предыдущее 17 столетие.

🏛 Гравюра заменяла пейзаж. Во времена Петра в русской живописи еще не существовало такого жанра. Гравюра была способом с фотографической точностью зафиксировать важные события эпохи: этапы строительства Петербурга, первые морские сражения, праздники, триумфальные шествия войск.

👨🏻‍🎨 Первые граверы. Петр I уже после первой поездки в Европу пригласил двух граверов из Нидерландов — Адриана Шхонебека и Питера Пикарта. В Оружейной Палате в Москве они обучали подмастерьев гравировальному делу. Самыми талантливыми учениками стали Алексей и Иван Зубовы и Алексей Ростовцев. Они много занимались гравюрой после перевода в Петербург. Считается, что к 1710 году лучшие русские граверы, такие как Алексей Зубов, превзошли даже своих учителей.

🖼 Сравним две гравюры — Пикарта и Зубова. У них схожий сюжет — триумфальное шествие войск после Полтавской битвы. У Пикарта все довольно просто и плоско за счет одинаковой силы штриха. Алексей Зубов достигает впечатления пространственной глубины, работает с прямой и воздушной перспективой.

⚓️ Гравюры свадеб и баталий Алексея Зубова. Также интересны гравюры Зубова, изображающие свадебные пиры. Одна из свадеб — шутейная, Петр организовал ее для карликов. Вторая — свадьба самого императора. Есть у Зубова и гравюры с морскими баталиями, победами в которых так гордился Петр.

🌊 Панорама Санкт-Петербурга Зубова и Ростовцева. Большая гравюра около 2,5 метров в длину изображает панораму города 1715 года. Она показывает набережную Невы, саму реку с кораблями, лучшие строения города и главные достопримечательности на вставках снизу.

⚪️ Миниатюра на эмали

💂‍♀️ Петр вдохновился идеей в Англии. Там он познакомился с эмальером Шарлем Буатом, который изготовил миниатюрный портрет Петра (копию с парадного). Идея Петру понравилась: такие маленькие портреты были не только произведениями искусства, но и стали использоваться как наградные знаки и символ особого расположение императора.

👨🏻‍🎨 Самые известные мастера-эмальеры. Григорий Мусикийский и Андрей Овсов начинали свою деятельность еще в Москве в Оружейной Палате. Чаще всего художники-миниатюристы использовали утвержденные для копирования станковые портреты императорской семьи — и именно их переводили в миниатюру. Однако должны были творчески переосмыслить образец, учитывая особенности жанра. Хотя ведущие мастера могли создавать и оригинальные работы.

👑 Групповые портреты на эмали. Например, групповые портреты царской семьи были не только способом зафиксировать внешность царя и окружения, но и указать на волю Петра относительно будущего наследника. В знаменитой «Конклюзии на престолонаследие»» Петр указывает на своего малолетнего сына Петра как на преемника.

🏵 В постпетровское время искусство миниатюры постепенно теряет свой государственный пафос и смещается в сторону оформления наградных знаков и орденов.

Портрет

Портре́т (фр. portrait, от старофранц. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту», устар. парсуна — от лат. persona — «личность; особа») — изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности, в том числе художественными средствами (живописи, графики, гравюры, скульптуры, фотографии, полиграфии), а также в литературе и криминалистике (словесный портрет). Портрет в литературе — одно из средств художественной характеристики, состоящее в том, что писатель раскрывает типический характер своих героев и выражает своё идейное отношение к ним через изображение внешности героев: их фигуры, лица, одежды, движений, жестов и манер. В изобразительном искусстве портрет — это самостоятельный жанр, целью которого является отображение визуальных характеристик модели. «На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека». Портрет — это повторение в пластических формах, линиях и красках живого лица, и одновременно при этом его идейно-художественная интерпретация. На развитие портретного жанра влияют две тенденции: прогресс технических изобразительных навыков, например, овладение анатомией и композицией, умением построить полотно. развитие представлений о значимости человеческой личности. Наибольших вершин портрет достигает в период веры в возможности человека, его разума, его действенной и преобразующей силы. «Портрет в своей современной функции — порождение европейской культуры нового времени с ее представлением о ценности индивидуального в человеке, о том, что идеальное не противостоит индивидуальному, а реализуется через него и в нём».  Именно поэтому жанр находится в упадке в XX веке: «как может он процветать, когда мы полны стольких сомнений в себе?». Периодами расцвета портрета считаются римский скульптурный портрет, портрет эпохи Возрождения, XVII и 2-й половины XVIII веков.   Функции портрета Портретная живопись имеет разнообразные функции. Многие из них были связаны с магией: похожее изображение человека являлось заместителем данного человека. В Римской империи портреты императора были обязательным атрибутом судебных процедур, обозначая присутствие собственно правителя на заседании. В домах хранились посмертные маски, снятые с предков, и эти портретные скульптуры обеспечивали покровительство роду. На похоронах члена рода эти маски несли в погребальной процессии, обозначая усопших родных и предков. Другие общества также использовали портрет как мемориальное средство: египетские портретные скульптуры, золотые микенские погребальные маски, фаюмские портреты использовались при погребениях. Сходство требовалось тут в магически-сакральных целях — чтобы в загробном мире при взаимоотношениях данного тела и покинувшей его души не происходило путаницы и неузнавания. В Японии создают скульптурные портреты усопших монахов, а черепа, облепленные так, чтобы опять воспроизвести лицо, в Океании также являются мемориальными объектами. Распространена традиция свадебных портретов или портретов молодожёнов, как увековечивающих свершившееся таинство. «Огромные возможности портретного искусства давно осознаны и прочувствованы человечеством. Ведь портрет способен заменить отсутствующую или умершую личность, выступив таким образом в качестве его двойника, — особенность, которая часто используется в литературе как мотив оживления холста. Эта черта делает портрет важным не только в общественном, но и в его частном или семейном качестве. Многозначительно в социальном ракурсе и присутствие повторений и копий изображений одного и того же лица в нескольких родственных семьях. Портреты способны зафиксировать человеческую жизни начиная с младенчества до глубокой старости. Благодаря этому они могут претендовать на историческую достоверность, представляя своего рода зрительно постижимую семейную хронику и являясь носителем фамильного сходства», пишут исследователи русского портрета о складывании фамильных портретных галерей. Во многих обществах портреты расцениваются как важный способ обозначить власть и богатство. Во времена Средневековья и Ренессанса портреты дарителей часто включались в произведение искусства, подтверждая патронаж, власть и достоинство донатора, как бы подчёркивая, кто именно заплатил за создание данного витража, алтарного образа или фрески. В предшествующий период — Византия и Тёмные Века — главной чертой портрета являлось не сходство, а идеализированный образ, символ того, кем являлась модель. В политике портрет главы государства часто используется как символ собственно государства. В большинстве стран распространён обычай вешать портрет лидера в важных государственных зданиях. Традиционным является использование текущего правителя (для монархий) или правителей прошлого (для демократических государств) на банкнотах и монетах, а также на марках. Чрезмерное использование портретов лидера является одним из признаков культа личности (например, Сталин, Туркменбаши). Как отмечают исследователи, большинство из дошедших до наших дней портретов «создавались не для их музейного или выставочного существования. Сравнительно небольшое количество портретов, как правило, парадных или декоративных — заказывалось для общественных помещений (учреждений, дворцов правителей), где их утверждающее, прославляющее, в конечном счёте идеологическое воздействие рассчитано было на большое количество зрителей». С развитием семьи, быта и интереса к человеческой личности, функции портрета становятся более близкими к нашим современным представлениям: «Чаще и факт заказа портрета, и его дальнейшая жизнь были семейным, интимным делом. Портретная картина становилась частью интерьера, „художественного быта“», напоминая о родственниках и друзьях. Существовали и другие аспекты: «Портреты украшали зальцы помещичьих усадеб, принадлежавших барам, иногда далёким от всякой духовной жизни, но из-за моды или спеси считавшим необходимым иметь у себя „персоны“ свои и своих предков, и не замечавшим при этом комического или даже сатирического эффекта, производимого их напыщенными и корявыми физиономиями. Наконец, были покои в соответствии с модой времени специально предназначенные для портретов, „портретные“ комнаты, где все стены сплошь завешивались изображениями царствующих особ, полководцев, великих мужей прошлого и настоящего (например, известная комната в усадьбе Шереметева в Кускове, Военная галерея Зимнего дворца). Во всех случаях портрет, оставаясь насыщенным человеческим и эстетическим содержанием, обладал ещё и другой жизненной функцией — частью быта, родственно связанной с архитектурой, мебелью, утварью, самими обитателями жилища, их костюмами, привычками. Новые портреты писались в соответствии с новыми вкусами жизни, с новыми стилистическими чертами всего художественного быта». «В каждом случае композиционные и колористические особенности полотен неодинаковы и меняются в зависимости от господствующего стилевого направления, индивидуальности художника и запросов заказчика. Соответственно то уменьшается, то увеличивается количество аксессуаров; портрет может выглядеть в интерьере то претенциознее, то скромнее. Его роль во многом определяется модой, отдающей предпочтение той или иной гамме, и, конечно, контекстом, в котором он смотрится, — абсолютным размером и пропорциями данного помещения, цветом обивки стен, занавесей и мебели, особенностями других произведений живописи, скульптуры и графики».   Поджанры портрета Темой портрета является индивидуальная жизнь человека, индивидуальная форма его бытия. «Если темы теряют свою самостоятельность, портрет выходит за пределы своей жанровой специфики. Так, например, если темой выступает событие, перед нами не портрет, а картина, хотя её герои могут быть изображены портретно». Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может сочетаться в одном произведении с элементами других жанров. Исторический портрет — изображает какого-либо деятеля прошлого и создаваемого по воспоминаниям или воображению мастера, на основе вспомогательного (литературно-художественного, документального и т.  п.) материала. В сочетании портрета с бытовым или историческим жанром модель часто вступает во взаимодействие с вымышленными персонажами. Посмертный (ретроспективный) портрет — сделан после смерти изображённых людей по их прижизненным изображениям или даже полностью сочинённый. Портрет-картина — портретируемый представлен в смысловой и сюжетной взаимосвязи с окружающими его миром вещей, природой, архитектурными мотивами и другими людьми (последнее — групповой портрет-картина). Портрет-прогулка — изображение гуляющего человека на фоне природы возникло в Англии в XVIII веке и стало популярным в эпоху сентиментализма Портрет-тип — собирательный образ, структурно близкий портрету. Костюмированный портрет — человек представлен в виде аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа. (В наименования таких портретов обычно включаются слова «в виде» или «в образе», например, «Екатерина II в виде Минервы»). Различают: Аллегорический Мифологический Исторический Семейный портрет Жанровый портрет Автопортрет — принято выделять в отдельный поджанр. Религиозный портрет (донаторский или ктиторский) — древняя форма портрета, когда человек, сделавший пожертвование, изображался на картине (например, рядом с Мадонной) или на одной из створок алтаря (часто коленопреклонённым). Иногда при классификации используется сословный принцип: купеческий, крестьянский портрет, портрет духовного лица, шутовской портрет, поскольку социальное положение модели влияло на определённые методы репрезентации, используемые художником. По характеру изображения портреты делятся на: Парадный (репрезентативный) портрет — как правило, предполагает показ человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В парадном портрете фигура обычно даётся на архитектурном или пейзажном фоне; бо́льшая проработанность делает его близким к повествовательной картине, что подразумевает не только внушительные размеры, но и индивидуальный образный строй. В зависимости от атрибутов парадный портрет бывает: Коронационный (реже встречается тронный) Конный В образе полководца (военный) Охотничий портрет примыкает к парадному, но может быть и камерным. Полупарадный — обладает той же концепцией, что и парадный портрет, но имеет обычно поясной или поколенный срез и достаточно развитые аксессуары Камерный портрет — используется поясное, погрудное, оплечное изображение. Фигура зачастую даётся на нейтральном фоне. Интимный портрет — является редкой разновидностью камерного с нейтральным фоном. Выражает доверительные отношения между художником и портретируемой особой. Малоформатный и миниатюрный портреты, выполненные акварелью и тушью. На выбор концепции портрета при заказе (большой/маленький, роскошный/лаконичный, парадный/интимный) влияла его функция, задача, которую возлагал на него заказчик, поскольку подавляющее число портретов предназначалось не для музеев, а для быта, повседневной жизни. Если портрет был предназначен для того, чтобы украшать парадный интерьер, то в этом случае предуказанная полотну конкретная роль диктовала художнику не только его размер, но и живописно-пластические особенности, ведь портрету требовалось не затеряться среди роскоши, пышносности архитектурно-декоративного оформления зала. Если портрет сразу предназначен для музея, художник более волен в своей работе, так как фон таких стен изначально нейтрален. Кроме этого, на восприятие портрета (как и любой картины) играет его оформление — тонкое паспарту, пышная позолоченная рама, и т. п. Фон и атрибуты портрета Использование символических элементов — атрибутов, помещённых вокруг персонажа (включая знаки, домашние объекты, животных и растения) часто встречалось в портрете (особенно до наступления эпохи реализма). Атрибуты выполняли роль подсказок, создавали подтекст, определяющий моральный, религиозный или профессиональный статус модели. «Наиболее упрощённый способ внутренней характеристики изображаемого на портрете лица создавался введением на полотно деталей определённого антуража (например, изображение полководца на фоне битвы) и очень скоро превратился в слишком легко распознаваемый код», пишет Ю.  Лотман. Каждый из поджанров портрета чётко определяется по атрибутам, написанным на полотне, а также по дополнительным признакам, — в частности, по такой, казалось бы, второстепенной детали, как фон. Атрибуты, фон и костюм помогали отобразить весь диапазон качеств человека или его социальной группы. Для этого художник использовал определённый фон — сельский или городской пейзаж, роскошный интерьер, что позволяло ему предоставить информацию о характере модели, её образе жизни и обозначить её статус. Колонна и драпировка — традиционные атрибуты парадного портрета. Иногда дополнительно используется ступенька на первом плане (порой едва заметная), которая показывает, что модель находится в некой высшей сфере, отделённой от зрителя. В портрете может быть изображена скульптура, скульптурный бюст — он становится атрибутом, с которым модель может вести незримый диалог. «В сопоставлении человека и скульптуры содержится намёк на духовную связь между ними. Скульптура — двойник, который может наделяться чертами конкретной личности, служит одновременно поводом для глубоких чувствований и размышлений самого разного порядка — от конкретных, касающихся данного персонажа, до судеб мироздания. В данном контексте скульптурный „кумир“, являясь отправной точкой размышлений, может рассматриваться и как своего рода материализация предмета переживаний, разъяснять и конкретизировать созданную живописными средствами обстановку». Существуют также портреты на нейтральном сером или чёрном фоне — в них всё внимание зрителя сосредоточено исключительно на лице изображённого. В итальянской живописи переход от изображения человека на пейзажном фоне вместо нейтрального произошёл в 1470-е годы: от такой замены образ стал поэтичней, краски мягче, а композиция пространственней и воздушней. Изображение человека на фоне неба, вместо тёмного, сразу придаёт ему иную эмоциональную окраску. Погрудный срез и затеснённость обрезом картины создаёт впечатление максимальной приближённости к зрителю, крупного плана. Нейтральный фон не отвлекает внимания от лица. Отсутствие жестов также сосредотачивает внимание на нём. Если фон глухой и непроницаемый тёмный, а голова трактована объёмной светотенью, возникает эффект «выталкивания» изображения в пространство зрителя. Фон позволяет обозначить пространство как абстрактное. В зрелом искусстве Нового Времени используется пространственное построение «снаружи», от зрителя — от одной поверхности к другой; для барокко характерен эффект бесконечности пространства, который создаётся тем, что пространственное построение идёт изнутри, навстречу к зрителю. В таком полотне пределы пространства картины не прочитываются в глубине и не совпадают с поверхностью холста (условной преградой между изображённым и реальным миром).   Техника исполнения портрета Техника, в которой выполнен портрет, является одним из важных факторов, влияющих на образ созданного портрета. В период Древней истории приоритет оставался за портретами, выполненными в камне. В период Возрождения на первый план вышли портреты, выполненные маслом, до настоящего момента сохраняющие первенство. В Новое время портреты, выполненные более дешёвыми и менее трудозатратными средствами (сначала карандаш и акварель, затем гравюра, позже фотография) занимали нишу популярных и часто тиражируемых портретов, существуя параллельно с живописными. Скульптурные портреты в Новое время имеют мемориальную и памятную функцию и создаются реже живописных. Живописное средство влияет на восприятие портрета — невозможно выполнить торжественный парадный портрет в технике карандаша, а интимный жанр более удобен для миниатюры. Гравюра часто использовалась для тиражирования известных живописных портретов.   Типизация по живописному средству: карандашные акварельные гравированные живописные (масло, темпера, гуашь) рельефные (например, на медалях и монетах) скульптурные фотопортреты Важной характеристикой портрета, при восприятии его в реальности, а не с репродукции, является его размер. Так, полотна, созданные для показа в музее или для декорирования интерьеров, чрезвычайно отличаются от камерных портретов, которые клиент легко может унести с собой. Хороший художник должен принимать во внимание, для какого помещения будет предназначена его работа. Типизация по размеру: По числу изображений на одном холсте, помимо обычного, выделяют двойной и групповой портреты. Парными (или pendant — пандан) называют портреты, написанные на разных холстах, если они согласованы между собой по композиции, формату и колориту. Чаще всего это портреты супругов. Любопытно, что женский портрет вообще на протяжении истории появился позже и был распространён меньше, что было связано, по-видимому, с незрелым уровнем женской эмансипации. С течением времени гендерная количественная разница постепенно сглаживается. Нередко портреты образуют целые ансамбли — портретные галереи. Они изображают обычно представителей одного рода, включая здравствующих членов семьи и их предков. Портретные галереи иногда создаются по профессиональному, административному, семейному и другим признакам (например, галереи портретов членов корпорации, гильдии, офицеров полка и так далее). Типизация по форме: Прямоугольные Вертикальный формат — в случае одиночного портрета, самый популярный из форматов Горизонтальный формат — в случае группового портрета, редко используется в случае изображения одной модели Квадратный (редко встречается) Овальный — появляется в развитой стадии портретного жанра. Будучи изысканным, усиливает декоративную функцию портрета. Круглый (т. н. тондо) — редко встречается. Композиционным инвариантом портрета выступает такое построение, в результате которого в центре композиции, в фокусе зрительского восприятия оказывается лицо модели. Исторические каноны в сфере композиции портрета предписывают определённую трактовку центрального положения лица по отношению к позе, одежде, окружению, фону и т. п. По формату (живописные): головные (оплечные) погрудные поясные по бедра поколенные во весь рост Изображение человека в первых двух вариантах, без показа рук и сложного ракурса фигуры, не требует высокой академической образованности (владения основами академического рисунка, умения композиционно компоновать полотно), поэтому часто (например, в России XVIII века), к нему прибегали портретисты-дилетанты (Примитивы — художники, которые не получили правильного образования, не умеют изобразить человеческое тело так, чтобы оно казалось живым человеком, а не куклой). Предпочтительные форматы портрета в станковой живописи меняются на протяжении времени. В ранний период развития портрета (например, западноевропейский средневековый портрет, или Россия XVI века) изображается только голова, или оплечное изображение, в котором лицо все равно является самым главным. Затем, по мере развития жанра, стремление к тому, чтобы показать личность более конкретно, ведет к тому и с указанием на его социальные характеристики с помощью атрибутов, ведет к тому, что появляются светские поясные портреты, затем и портреты целиком в рост. Трактовке костюма и окружающего модель пространства уделяется все больше внимания. В дальнейшем портретная композиция все больше обогащается реальным бытовым интерьером и атрибутами. Для живописных портретов также имеет значение точка зрения, с которой художник «смотрит» на модель: если чуть снизу, то это придаёт образу оттенок монументальности, а если сверху, то более подвижно. Изображения «лицом к лицу» со зрителю наиболее нейтральны. По формату (скульптурные): герма (одна голова с шеей) бюст (голова и верхняя часть туловища, примерно по грудь) статуя (целая фигура, с головы до ног) По повороту головы: в анфас (фр. en face, «с лица») в четверть поворота направо или налево вполоборота в три четверти (фр. en trois quarts) в профиль. Профильное изображение предполагает определённую форму идеализации модели, напоминая об античных камеях и римской медали. Профильный портрет — одна из древнейших форм, поскольку для его создания требовалось меньше навыков рисования — человек в некоторых случаях рисовался не с натуры, а через подсвеченный полупрозрачный экран, на котором обводили его силуэт. так называемые фр. en profil perdu (буквально утерянный профиль), то есть изображающие лицо с затылка, так что видна только часть профиля В западноевропейской живописи профильный портрет является наиболее ранним. Затем происходит «разворачивание» модели в сторону зрителя, так, композиционным симптомом становления жанра европейского портрета в эпоху раннего Возрождения называют Выход из профиля в фас. Изображение человека строго в фас развивается под воздействием изображений Иисуса Христа и святых, прямо взирающих на зрителя. Хотя такая постановка встречается, она остается нетипичной и является достаточно сильным художественным приемом, специально используемым художником, либо же используется для изображения монархов (как и Христос, сидящих на троне. По мере развития портретного жанра в нем устанавливается поворот изображенного в три четверти, излюбленный большинством портретистов и удобный для изображения характера, поскольку, в отличие от профиля и фаса, не является статичным. Profil perdu встречается исключительно редко и по сути не может удовлетворить прямой задачи портрета. При фронтальном положении тела модели портрет воспринимается как тяжеловесный и статичный, что усугубляется, если фигура располагается по центральной оси полотна и руки с ногами расположены симметрично. Такая манера, например, была свойственна древнеегипетскому искусству, а греки изобрели контрапост, который вносит «жизнь» в изображение человека. Следующий шаг к формированию теории внёс Уильям Хогарт с его концепцией S-образного изгиба, вдыхающего максимальное изящество в изображение. Более профессиональный художник владеет соотношениями между объёмно-пространственным изображением человека и линейно-ритмическим построением полотна, и создаёт силуэт модели так, чтобы тот находится с большим соответствием с положением фигуры в пространстве; в то время как более «слабый» мастер создаёт произведения, в которых линейно-силуэтное начало обладает почти самодовлеющей декоративной орнаментальностью. Лаконичные линии, обрисовывающие силуэт модели, часто сопряжены с незыблемой статичностью позы. Идеология и содержание портрета Художники создают портреты по заказу — для частных людей и общественных организаций, или же вдохновлённые собственным интересом или привязанностью к модели. Портреты могут являться важными государственными или семейными знаками, создающимися для увековечивания памяти изображённого. Часто наследие художника включает огромное количество портретов членов его семьи — но не только по причине его привязанности к ним, а ещё и потому, что родственники являются бесплатными и наиболее удобными натурщиками. Отличие портрета от постановочной фотографии Юрий Лотман пишет: «Бытовое представление склонно отождествлять функцию портрета и фотографии: предметами обоих является отражение человеческого лица, причем отражение это в основе своей механическое… Портрет представляется наиболее „естественным“ и не нуждающимся в теоретическом обосновании жанром живописи. Кажется, что если мы скажем нечто вроде: Портрет — живопись, которая выполняла функцию фотографии тогда, когда фотография ещё не была изобретена, то мы исчерпаем основные вопросы, невольно возникающие у нас, когда мы начинаем размышлять об этом жанре живописи. Слова о „загадочности“ и „непонятности“ функции портрета в культуре кажутся надуманными. Между тем, не убоявшись возражений этого рода, осмелимся утверждать, что портрет вполне подтверждает общую истину: чем понятней, тем непонятней… У фотографии нет прошлого и будущего, она всегда в настоящем времени. Время портрета — динамично, его „настоящее“ всегда полно памяти о предшествующем и предсказанием будущего…Портрет постоянно колеблется на грани художественного удвоения и мистического отражения реальности». Портретист XVIII века Латур в одном из своих писем делился эмоциями: «Сколько нужно сосредоточенности, умения комбинировать, сколько тягостных поисков, чтобы суметь сохранить единство движения, несмотря на изменения, которые происходят в лице, во всех формах от колебания мыслей, от чувств души; а ведь каждое изменение создает новый портрет, не говоря о свете, который постоянно меняется и заставляет изменяться тона цветов в соответствии с движением солнца и времени». Таким образом, можно сформулировать, что портрет, в отличие от фотокарточки, является «сделанным» произведением искусства, на которое потрачено много времени и умственных усилий автора, благодаря чему по качеству и глубине передачи он будет намного более сложной и многоуровневой работой, гораздо лучше передающей личность. Сходство в портрете Изображение внешности персонажа — единственное средство построения художественного образа человека в изобразительном искусстве. (Все эти и нижеследующие требования по большей части не соблюдаются в портрете XX века, приближающемся к нефигуративному искусству, см.: История портрета). Портрет может считаться вполне удовлетворительным, когда воспроизводит оригинал в точности, со всеми чертами его внешности и внутреннего индивидуального характера, в наиболее привычной его позе, с наиболее свойственной ему экспрессией. Удовлетворение этим требованиям входит в круг задач искусства и может приводить к высокохудожественным результатам, если исполняется одарёнными художниками, способными вложить в воспроизведение действительности свой личный вкус, талант и мастерство. Сходство в портрете — результат не только верной передачи внешнего облика портретируемого, но и правдивого раскрытия его духовной сущности в единстве индивидуально-неповторимых и типических черт, присущих ему как представителю определённой исторической эпохи, национальности, социальной среды. Однако вследствие практической невозможности сопоставления зрителем изображения с моделью портретом часто называют всякое индивидуализированное изображение человека, если оно является единственной или по крайней мере главной темой художественного произведения. Обычно различают сходство внешнее, которое имеет ценность как исторический документ или семейная реликвия, и сходство внутреннее — эстетическое, которое убеждает, что именно таким должен быть портретируемый. Философ Коллингвуд пишет: «Мы можем свободно предположить, что в портретах таких великих художников, как Рафаэль, Тициан, Веласкес или Рембрандт, сходство было достигнуто. Однако, как бы ни было разумно наше предположение, это всего лишь предположение, и только. Натурщики давно уже умерли, так что подобие теперь уже не проверить. Поэтому, если бы единственным достоинством портрета было его сходство с натурой, мы никак не смогли бы отличить (за исключением тех случаев, когда изображенные люди все ещё живы и ничуть не изменились) хороший портрет от плохого… Тем не менее, нам удается отличать хорошие портреты от плохих, и наша способность к этому объясняется тем фактом, что хотя, заказывая портрет, заказчик требует не произведение искусства, а только сходства, художник, выполняя его требование, может выдать больше, чем требовалось, — как сходство, так и произведение искусства». Теоретики отмечают: «Мы способны воспринимать рисунок, не спрашивая о сходстве, но пока мы не поверили в его сходство, мы не назовем его портретом». «На чём основывают свою художественную оценку портрета, уничтожающую или одобрительную? Всегда и прежде всего на сходстве, на сличении модели и картины, на отыскивании соответственных черт, на узнавании живого оригинала. Если оригинал знаком, сличают непосредственно; если он неизвестен, пытаются в своем воображении представить его себе таким, каким он был или должен быть в действительности. И эта работа сличения, эта очная ставка между картиной и действительностью заходит обыкновенно так далеко, что произведение искусства, портрет, перестаёт быть центром внимания, превращается во что-то второстепенное, в какую-то загадку, обманчивый фокус, который нужно разгадать, для того чтобы через него вернуться опять к той же действительности. Как будто в портрете играет главную и самодовлеющую роль не сам портрет, не изображение, а живой оригинал, стоящий позади», пишет Борис Виппер.  Гращенков добавляет, что чем сильнее художественное обаяние этого «сходства», тем меньше потребность в сличении портретного изображения с подлинником, так как зритель верит художнику, что человек был именно таким. Стоит отметить, что в понятие «сходство» в различные исторические эпохи вкладывалось вполне различное содержание: от магического двойника, в котором внешний облик увековечивается с максимальной достоверностью, до прекрасной маски, сквозь идеальные черты которой может проступать индивидуальность модели. Гращенков указывает, что в понятии «портретное сходство» порой синтезируются, а порой и спорят два начала — документальное и эстетическое. Облюбованный художником повторяющийся тип изображения может также поощряться заказчиками и пользоваться популярностью. В восточных культурах сходство вообще не является важным качеством портретной живописи, — внимание художника (и зрителя) в основном направлено на точность в передаче атрибутики.   Реализм Для создания реального живописного портрета художники должны овладеть чувственным восприятием человека в окружающей его среде, а также овладеть мастерством реалистической живописи. На протяжении развития портретного жанра художники занимаются поисками, испытывают стремление к объективной передаче реального образа человека. Однако в различные периоды развития искусства эти успехи оказываются различными. В определенные периоды в соответствии с историческими условиями, которые сковывают познавательные возможности искусства, реализм принимает в портрете сложные формы. Таким образом, реалистические искания в портретном образе каждой конкретной эпохи имеют свои качественные особенности.   Передача внутреннего мира и отступления от реальности Хорошо написанный портрет, как считается, должен показывать внутреннюю сущность модели с точки зрения художника — не только физические, но и духовные черты. (Так, Латур говорил о своих моделях: «Они думают, что я схватываю только черты их лиц, но я без их ведома спускаюсь в глубину их души и овладеваю ею целиком»). Дело заключается не в том, чтобы произведение напоминало оригинал (в таком случае изображение можно назвать «буквальным»), а в том, чтобы чувства, возбуждаемые произведением, напоминали чувства, вызываемые оригиналом (это уже «эмоциональное» изображение). Когда говорится, что портрет похож на портретируемого, имеется в виду, что зритель, глядящий на портрет, «чувствует, будто» находится в присутствии этого человека. Именно к такому сходству стремится художник. Он знает, какие чувства нужно вызвать у аудитории, и создаёт своё произведение таким, чтобы он вызвал эти самые чувства. До некоторой степени это получается путём буквального изображения натуры, однако за этой гранью эффект достигается благодаря искусному отступлению от буквального изображения. Данное «сходство — это подобие, но не тождество. Отступление от тождества в границах подобия не только допустимо, но необходимо для целей портрета». От хорошего портрета требуется, чтобы он с максимальной точностью воспроизвёл все характерные анатомические особенности головы, движения — но это не означает, что такой буквальный рисунок окажется идентичным и совпадёт с внутренним и внешним состоянием портретируемого. Прямое внешнее сходство с портретируемым (фотография), как бы велико оно не было, ещё не доказательство художественного сходства.   Идеал в портрете Виктор Гращенков пишет, что для понимания портрета следует учитывать тот идеал, который лежал в основе художественных устремлений эпохи, когда картина была создана. Этот идеал, который находил своё преломление в изображении конкретной личности, формировался из сплава социальных, религиозных, этических и эстетических воззрений и был достаточно чётким нормативом, который определял характер личности, изображённой на портрете, и диктовал художнику манеру изображения модели. Но этот идеал, само собой разумеется, никогда не может стопроцентно совпадать с действительностью, а подчас может с ней даже расходиться, и это противоречие диктуемого эпохой идеала и сути изображённого человека неизбежно отразится в портрете. «В своём произведении, сознательно или бессознательно, художник должен слить воедино то единственное и неповторимое, что присуще облику индивидуальной модели, с тем умозрительным идеалом личности, который порождён его воображением». Таким образом, определение портрета можно сформулировать таким образом: Портрет есть понимание индивидуальной личности сквозь призму господствующего мировоззрения данной эпохи. Для глубины проникновения портретиста в личность модели важно, в какой исторический период развития искусства создавалась картина. Так, если художник творил в тот период, когда индивидуальность подчинялась ремесленно-корпоративному единству, это являлось определённой гарантией успеха в создании портрета в условиях неразвитости культуры данного жанра. С другой стороны, из-за этого возникают чёткие объективные ограничения в трактовке образа человека (как, например, у Антропова). Носители подобного метода, обладая целостным видением, не могут углубляться во внутренний мир модели (даже если модель и ситуация провоцирует к этому), так как рискуют потерять почву под ногами. В таких портретах не может быть обыденных приземлённых ситуациях даже в самых камерных, интимных изображениях. Абстрактная идеальность может сказываться в фиксированном характере движений модели — кокетливом положении рук, наклонённой голове и т. д.  Для произведений определённых исторических периодов характерно горделивого позирования, недоступности: демонстрируя свои достоинства модели портретов предлагают зрителю воспринимать себя как образец, причём образец недосягаемый, к которому зритель должен стремиться, но вряд ли сумеет достичь. «Таким образом, возникает своего рода парадокс: модель хочет выглядеть не только по моде (иначе говоря, как все), но и как её законодательница, настаивая на том, что её „я“ — лучшее из возможных». На образный строй портрета влияет идеология эпохи, в которую он создаётся, так, в эпоху Просвещения полотно в силу подчёркнутой демонстративности поз и жестов моделей может стать средством воспитательного воздействия с использованием разветвлённой и хорошо разработанной системы способов общения со зрителем. Модель может быть «заинтересована» в реакции зрителя, может рассчитывать на взаимопонимание и «настойчиво адресовываться зрителю» (жестами, см. ниже), а может и обходиться без реакции внешнего мира, настолько её внутренний мир может быть богатым.   Ожидание заказчиков Воплощение в полотне одновременно и ожиданий модели, и её реальной внешности является важным аспектом творчества портретистов. Как правило, каждый художник последователен в своём подходе к передаче сходства: клиенты, которые отправлялись к Джошуа Рейнольдсу, знали, что они получат светский идеальный портрет, в то время как модели Томаса Икинса не сомневались, что их напишут максимально реалистично. Модель, заказывая портрет, обычно точно представляет, что ей нужно. Классическим является требование Оливера Кромвеля, который требовал от художника, чтобы тот написал его без прикрас: «Мистер Лели, я надеюсь Вы приложите всё своё искусство к тому, чтобы нарисовать мой портрет в точности похожим на меня, без всякой лести, отметив все эти морщины, прыщи и бородавки, которые Вы видите. В противном случае я не заплачу Вам за неё ни фартинга». «Здесь важно понять, что стиль художника — не прихоть его игривого ума и не зависимость от определённого материала или технологии, но тип его взаимоотношения с миром. Он не может по-другому. Рембрандт, например, не мог, даже на заказ, писать более светлые и прозрачные портреты так же, как Ренуар — тяжёлые и тёмные». «Подход к сходству в портрете у заказчика и художника различный. Если заказчик, зритель понимает под портретом только и исключительно то, что обладает несомненным сходством с неким лицом-оригиналом, то художник, отталкиваясь от оригинала, который он воспринимает всего лишь как модель, строит свой особый художественный мир. И непонимание этой разницы взглядов порой приводило в истории портрета к настоящим курьёзам». Иногда клиент или его семья остаются недовольны произведением искусства, и художник сталкивается с необходимостью переписать работу или отказаться от гонорара. Так, знаменитый «Портрет мадам Рекамье» Ж. Л. Давида, был отклонён моделью, точно также, как не менее известный «Портрет мадам Икс» Джона Сарджента. Виппер даже говорит о прямой «вражде» между портретистом и заказчиком, поскольку у них обоих стоят совершенно разные задачи: у одного — создать произведение искусства, у другого — увидеть на полотне свой внутренний мир. «Существует особая точка зрения по поводу сходства в портрете — мнение портретируемого. Она обычно прямо противоположна мнению художника… Человек очень редко видит себя таким, каков он есть, а если узнаёт, то обычно очень поражён, если художник изобразил его наружность правдиво». Великий Эннёр пристыдил даму, плакавшую, что портрет её вышел совсем не похож. «Эх, сударыня! — сказал знаменитый эльзасец, — когда вы умрёте, ваши наследники почтут за счастье иметь прекрасный портрет, подписанный Эннёром, и им будет совершенно всё равно, похожи вы или нет». Гращенков пишет: «жизненные суждения человека о собственной личности, о своей внешности, характере и внутреннем мире далеко не тождественны с тем, что думает на этот счёт художник. И чем сильнее расходятся их взгляды, тем острее может быть конфликт между требованиями заказчика и волей художника». (Особенно очевидно это становится при сравнении автопортретов художников и изображений их же коллегами).   Влияние личности художника на портрет В портрете, в том числе и фотопортрете (в отличие от обычной фотографии), объективному изображению реальных черт лица сопутствуют определённые отношения мастера и модели. Эта трактовка отражает собственное мировоззрение мастера, его эстетическое кредо и т. д. Всё это, переданное в специфически-индивидуальной художественной манере, вносит в портретный образ субъективную авторскую окраску и делает портреты, принадлежащие кисти лучших мастеров портретного жанра, одновременно и максимально точно передающими психологию модели, и несущими черты сразу узнаваемой руки художника. «Портрет не только изображает индивидуальность человека, но и выражает индивидуальность художественной личности автора. Художник вживается в облик модели, благодаря чему постигает духовную сущность человеческой индивидуальности. Такое постижение происходит только в акте эмпатии (перевоплощения) в процессе слияния Я модели и Я автора. В результате возникает новое единство, подобное тому, которое возникает между актёром и его ролью. Благодаря такому слиянию модель на портрете выглядит как если бы она в действительности была живая», «портрет — плод духовного coitus’a оригинала с художником». Автор портрета, как правило, не бесстрастный регистратор внешних и внутренних особенностей портретируемого: личное отношение художника к модели, его собственное мировоззрение, его творческая манера накладывают на произведение зримый отпечаток. Николай Евреинов отмечает, что у малокультурных народов существует суеверное предубеждение против портрета, основанное на вере, будто живая душа человека переходит в нарисованное изображение; но на самом деле пленённой оказывается душа портретиста в миговом, минутном или часовом её переживании. Благодаря этому «рука» портретиста легко узнаётся в его работах. Альфонс Доде, глядя на это с другой стороны, обобщает: «художник, обладающий длинным носом, стремится удлинить носы во всех портретах, которые он пишет». В некоторых случаях можно говорить об идеализированной «маске», которой награждает живописец всех своих моделей. Именно поэтому портреты, выполненные с одного и того же человека разными художниками, могут совершенно различаться по передаче внутреннего мира. Так, например (к аспекту о намеренном искажении внешности модели художником и отказа от определённых деталей), известна история с портретом Амбруаза Воллара кисти Пикассо. Воллару портрет не понравился, и картину продали Щукину в Москву. Тем не менее, несмотря на то, что картина выполнена в кубизме, считается, что Пикассо изобразил Воллара более удачно и проницательно, чем его коллеги, писавшие Воллара реалистично. Кроме того, на ощущения зрителя от портрета влияет разница в социальном положении между моделью и художником — мастер определённой стадии развитии общества отражает социальную дистанцию, черты сословной принадлежности. Например, барочный живописец XVII века, который находился на максимальном удалении от Короля-Солнца, в своём портрете короля отражал лишь его парадное великолепие, могущество. А уменьшение социальной дистанции между моделью и зрителем ведёт к тому, что художник желает проникнуть во внутренний мир человека, уничтожаются знаки аллегорического подтекста, отчётливости социального амплуа.   Влияние эпохи на портрет и его след в культуре Причиной успеха портрета не всегда является точное внешнее сходство, которое удовлетворяет мнению заказчика-модели, но также и какие-то другие аспекты: например, если портрет максимально точно соответствует визуальному представлению отдельных людей, увлекательно и талантливо отражая их характер, социальное положение или профессию — в этом случае он близок к портрету-типу. Кроме того, вдобавок, «хороший портрет — это не столько суждение о конкретном человеке, сколько представление об образе жизни людей определённых эпох, их идеалах и представлениях о человеке… Портрет даёт современному зрителю возможность совершенно уникального общения. Диалог художника с самим собой или моделью перерастает во внутренний диалог человечества». Борис Виппер, отмечая эту уникальную особенность портрета, говорит о ней как о «хитром обходе божественной воли, не давшей человеку бессмертия». «Концепция личности в портрете находится в сложной зависимости от мировоззрения, эстетических и социальных идеалов, от стиля своего времени. Взаимоотношения художника и портретируемого не есть постоянная величина — динамика формирования образа для каждого исторического периода имеет свои особенности. За портретом и моделью в том или ином виде стоит самосознание их эпохи. Проблема „портрет и время“ — это проблема социальной психологии в портрете… портрет — своего рода зримая летопись времени».   Визуальные характеристики Настроение, мимика, глаза и руки Ключевым пунктом успешного портрета является хорошее владение рисунком и глубокое знание художником пластической анатомии, которое позволит ему грамотно передать внешность и индивидуальность модели. Лицо человека асимметрично, мастер должен воспроизвести его, учитывая тонкие различия между обеими сторонами, — все отклонения от симметрии важны для портретного сходства. Кроме того, художник должен уметь изображать натуру во взаимосвязи с окружающей средой, освещением и с учётом цветовых особенностей самой модели. Художники могут бороться за реализм, подобный фотографическому, или же за импрессионистическое подобие — но всё это отличает портрет от карикатуры, которая пытается показать характер модели через преувеличение её физических особенностей. Художник вообще должен делать попытку репрезентативного изображения — «Единственная экспрессия, допустимая в портретной живописи — это экспрессия, передающая характер и моральные качества; и никакой временной, мимолётной, случайной гримасы» (Э. Бёрн-Джонс). В большинстве случаев это приводит к тому, что модель изображается с серьёзным выражением лица, лишь изредка — с небольшой улыбкой. Рот обычно нейтрален, и поэтому большая часть выражения лица передаётся через глаза и брови. Модель в портрете находится в особенной форме бытия — созерцании-мышлении, сосредоточенности, вбирании в себя мира, погружении в самого себя.  Человек освобождается от страсти, случайного настроения, погружён в мысли. На портрете человек обычно не действует, не говорит. «На портрете человек молчит, но это красноречивое молчание. Портрету противопоказаны аффекты (гнев, ярость, бурное веселье и т. д.) — сильное кратковременное чувство, связанное с активной двигательной реакцией. Для портрета характерен одушевлённый покой». Душа, как правило, передаётся через выражение глаз, через взгляд, устремлённый на зрителя. Глаза — один из наиболее выразительных знаков, поскольку передаёт важнейшее из пяти чувств. «Застывшие и широко открытые, они предназначены для восприятия безграничного мира как упорядочного космоса, где красота чувственная занимает своё определённое, отведённое ей место». А «взгляд, направленный, на зрителя, обращён ко всему человечеству». Также портрету противопоказано комическое. (Там, где на портрете модели смеются, жанр портрета находится на границе с другими жанрами — этюдом, эскизом, «жанром» и т.  п.). Улыбка, тем не менее, иногда появляется в портретах. Гращенков пишет: «Улыбка, даже едва приметная, освобождает лицо от бесстрастной отчуждённости; она как бы приоткрывает внутренний мир человека, делая его более определённым и доступным для постороннего взора. Малейшее движение губ мгновенно меняет всю мимику, выражение глаз, придаёт всему лицу живое единство. Как и глаза, губы всегда что-то „говорят“». Важным моментом, создающим настроение портрета, является взгляд: модель может смотреть прямо на зрителя, будто приглашая его к разговору, или же взгляд может уведён мимо, лишён активной направленности, кажется невидящим и сосредоточенным на собственных мыслях. От этого изображённый человек кажется более задумчивым и спокойным. Если поворот головы направлен в одну сторону, а зрачки в другую, то есть человек как бы оглядывается — то в портрете возникает движение. Если взгляд и движение направлены в одну сторону, модель кажется более спокойным. Упоминается о важной роли языка тела модели: «важнейшей портретной проблемой для живописца (а также и скульптора, графика, литератора) является передача человеческого лица и его рук. Лицо и руки передают нам практически всю информацию о конкретном человеке. При этом в лице мы сосредотачиваем свой взгляд прежде всего на глазах, а в руках — на пальцах. Недаром говорят, что глаза — зеркало души человека, а руки — зеркало его тела». Гращенков пишет, что изображение рук — одно из важнейших средств психологической характеристики. «После лица и глаз руки портретируемого много могли рассказать о нем зрителю. Их форма, их движения и жесты, как они прикасаются к чему-нибудь или как они держат какой-нибудь предмет — всё это становится неповторимой частью индивидуального облика человека». Осанка также является важным способом подчеркнуть индивидуальность модели. Кроме того, мимика и жесты рук попросту позволяют налаживать контакт со зрителем, а отстранённое «древнеегипетское» лицо остаётся вещью в себе. Если жест человека обращён не прямо к зрителю, а к некой аудитории, как бы находящейся за пределами полотна, возникает ощущение своего рода хроникальной отстранённости. Украшения, пышная причёска, одежда, разумеется, также являются существенной частью образной характеристики модели. Кроме анатомического сходства портретист обращает внимание на передачу других характеристик модели — социальное положение, национальность, возраст, религиозные и нравственные признаки, характер и прочее. При этом учебники по рисунку предупреждают, что порой случается так, что художник, натренировавшись в передаче сходства с моделью, может при этом отнюдь не приобрести способности к выражению её характера — ведь добиться физического сходства в рисунке гораздо проще, чем выразить внутреннюю сущность человека. Об этой опасности не стоит забывать: «натуралистически остро переданная внешность может остаться простой маской, за которой нет ничего индивидуально-духовного. Так нередко бывало на ранних стадиях развития иллюзионистического портрета».   Красота в портрете Академик Лихачёв пишет: «Иногда точка зрения, с которой подходят к произведению искусства, бывает явно недостаточна. Вот обычная „недостаточность“: портрет рассматривают только так: „похож“ он или не „похож“ на оригинал. Если не похож — это вообще не портрет, хотя это, может быть, прекрасное произведение искусства. А если просто „похож“? Достаточно ли этого? Ведь искать похожести лучше всего в художественной фотографии. Тут не только похожесть, но и документ: все морщинки и прыщики на месте. Что же нужно в портрете, чтобы он был произведением искусства, кроме простой похожести? Во-первых, сама похожесть может быть разной глубины проникновения в духовную суть человека. Это знают и хорошие фотографы, стремящиеся ухватить подходящий момент для съёмки, чтобы не было в лице напряжённости, связанной обычно с ожиданием съёмки, чтобы выражение лица было характерное, чтобы положение тела было свободным и индивидуальным, свойственным данному человеку. От такой „внутренней похожести“ многое зависит в том, чтобы портрет или фотография стали произведениями искусства. Но дело ещё и в другой красоте: в красоте цвета, линий, композиции. Если вы привыкли отождествлять красоту портрета с красотой того, кто изображён на нём, и думаете, что не может быть особой, живописной или графической красоты портрета, вне зависимости от красоты изображаемого лица, — вы ещё не можете понимать портретной живописи». Именно потому так знамениты портреты стариков, например, рембрандтовские — несмотря на то, что юность и красота моделей уже прошла, портретист наслаждается, передавая их богатый внутренний мир и внутреннюю красоту. Любопытно указание на влияние изобразительных средств на образ: трактовка полотна в едином цветовом ключе может быть своеобразной метафорой человеческого темперамента.   Позирование Портреты могут изображать людей, как подчёркнуто позирующих, так и в повседневной жизни — за каким-либо занятием. В некоторых исторических периодах целью портрета было запечатлеть и показать власть и могущество изображённых, поэтому был распространён так называемый «парадный портрет»; в другие эпохи художники более стремились отразить спонтанность, естественность и полноту жизни. Исторически портреты прежде всего увековечивали память влиятельных и могущественных мира сего. С течением времени жанр заказного портрета всё больше стал распространяться на состоятельных представителей среднего класса. Сегодня портретная живопись всё также является предметом заказа правительств, компаний, клубов и частных лиц. Создание портрета, как правило, отнимает большое количество времени, обычно требуя нескольких сеансов позирования. Так, например, Сезанн требовал от модели более 100 сеансов. С другой стороны, Гойя мог написать портрет в течение одного долгого дня. Среднее число сеансов — четыре. В XVIII веке требовался примерно год на создание законченного портрета. Современный британский художник Сергей Павленко нарисовал парадный портрет королевы Елизаветы II за год, в течение которого она дала ему 6 сеансов позирования. Иногда портретисты предоставляют своим моделям несколько набросков, из которых заказчик выбирает приглянувшийся вариант позы (так делал, например, Джошуа Рейнольдс). Некоторые, например, Ганс Гольбейн Младший, рисовали с натуры только лицо, остальную часть полотна выполняя уже без позирующей модели. В мастерской Веласкеса стояли манекены в костюмах, с которых он писал платья своих моделей. Ван Дейк изящные руки и фигуры для заказных портретов часто писал с натурщиц, обладавших более совершенными формами тела. Веласкес надевал платья своих принцесс на манекены в студии и писал одежду с натуры отдельно. При написании портрета модель на сеансе позирования просят принять непринуждённую и естественную позу. Затем художник изучает свой предмет, ища то выражение лица, которое, как ему кажется, наилучшим образом отражает сущность модели. Считается, что компонентами, передающими настроение, являются не только лицо, но и поза, и жесты, а также костюм позирующего. Чтобы модель оставалась занятой и не скучала, квалифицированный художник будет поддерживать беседу с нею — что заодно позволит лучше узнать её характер. Элизабет Виже-Лебрен советовала льстить женщинам и хвалить их внешность, чтобы атмосфера на сеансах позирования была максимально позитивной. Внутренняя скованность сообщает образу замкнутость и неуверенность в себе. При сложных работах художники обычно делают эскиз (карандашом, углем, и т.  п.), который бывает особенно полезен в тех случаях, когда модель не может долго позировать. В большинстве случаев лицо заканчивается первым, а остальное — потом. Многие крупные художники писали сами только голову и руки, а одежду и фон доверяли заканчивать своим ученикам. Были даже мастера, которые специализировались исключительно на драпировках. Без позирования написать по-настоящему ценное художественное произведение в жанре портрета невозможно. Так, Делакруа не относил к числу портретов те, где идеализируются черты знаменитого человека, которого автор картины не видел, а также портреты по репродукциям, поскольку к подобным изображениям примешивается выдумка и неверное истолкование.   В современном искусстве Бесспорным является факт, что в XX веке, с наступлением эры нефигуративного искусства и кризиса личности, жанр портрета находится в упадке. Большинство теоретических выводов, приведённых в данной статье, невозможно приложить к произведениям данного периода, так как они перестали быть средством запечатления человеческого лица, превратившись лишь в вариации на определённые темы. Некоторые даже отмечают, что в традиционном портрете «надо показать человека таким, каков он есть, а не таким, каким желал бы его смерить художник своим традиционным аршином… В портрете меньше, чем в других жанрах, допустимы всякого рода вольности и отступления, что иной раз выдаётся за изысканность вкуса и творческое новаторство», то есть портрет XX века, как не отвечающий данным требованиям, по большей части перестал являться настоящим портретом в том смысле, который вкладывали в это понятие на протяжении последних веков. Виппер пишет: «современный художник больше всего стремится к тому, чтобы устранить всякое подозрение, что он копирует действительность, что его картины имеют какое-нибудь непосредственное отношение к окружающей природе, к чувственному миру. Если верить современному художнику, так он не портрет вот этого лица пишет, он синтезирует своё понятие о мире и живущем, он переводит язык вещей на язык четвёртого измерения, он выражает своё настроение по поводу случайного предмета. Итак, два противоположных полюса. Если современный зритель понимает портрет только как фокус со сходством, как список примет, если в художественном произведении он улавливает только бледную тень действительности, то современный художник и слышать ничего не хочет о действительности, о реальном мире, он отнимает у портрета всякую остроту индивидуального чувства, всякое трепетание человеческого организма. Но присмотримся поближе, и тогда оказывается, что в требованиях двух враждебных партий, заказчика и художника, выраженных мною в резком контрасте, вообще идёт речь не о сходстве, а о чём-то другом, эстетическое credo и тех и других вообще не допускает никакого портрета. Ведь современному зрителю надобно не сходство, а повторение, не портрет, а точный оттиск. А для современного художника портрет не может существовать, потому что он не признаёт не только сходства, но даже соотносительности».   При подготовки статьи использованы материалы с сайта Википедия.

Тереза Шварце — 32 произведения

Тереза Шварце (нидерл.  Thérèse Schwartze; 20 декабря 1851, Амстердам — 23 декабря 1918, там же) — нидерландская художница, специализировавшаяся на портретной живописи.

Её жизнь была небогата событиями. Родилась в творческой семье, её отец Йохан Георг Шварце был скульптором и художником. Начальное художественное образование получила под руководством отца, затем год училась в Королевской академии изобразительных искусств, затем отправилась в Мюнхен, где училась у Габриэля Макса и Франца фон Ленбаха. В 1879 году изучала живопись в Париже, где училась у Жана-Жака Эннера. По возвращении стала членом Амстердамской академии художеств. Замуж вышла только в 1906 году. Её муж умер в июле 1918 года; здоровье самой Терезы к тому времени было уже подорвано, а смерть супруга, к которому она была очень привязана, существенно ухудшила её состояние. Она умерла в декабре того же года.

Была одной из самых известных и востребованных портретисток Нидерландов своего времени, среди её работ имеются портреты членов королевской семьи. Согласно энциклопедии «Британника», «её портреты отличаются прекрасным изображением черт, широтой и силой обработки и высоким качеством палитры». Была одной из немногих женщин-художников, удостоившихся предложения передать написанные ими портреты в зал художников в галерее Уффици во Флоренции: в частности, там оказались портрет матери художницы, портреты королев Эммы и Вильгельмины, президента Трансвааля Пауля Крюгера и её автопортрет.

Темой значительной части её картин были обездоленные дети: «Дети из приюта поют псалмы» (1889), «Причастие детей-лютеран в Амстердаме» (1894), «Бог — покровитель сирот» и другие. Многие женские портреты её кисти выполнены при помощи пастели. Некоторые из наиболее известных её работ, в частности, портрет Пита Жубера и «Три воспитанника приюта в Амстердаме», оказались в коллекции Государственного музея Амстердама, а картина «Сирота» — в музее Боймана в Роттердаме. Некоторые её работы находятся также в Лейденском университете и в Месдагском музее в Гааге.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

(PDF) Подворачивая другую щеку: Направление профиля в автопортрете

НАПРАВЛЕНИЕ ПРОФИЛЯ I 97

4. Б. Т. Айнсен, Лево-правая ориентация в рисовании профиля, Американский журнал психологии

ogy. 65, стр. 80-83, 1952.

5. Б. Т. Инсен, Привычки к чтению и лево-правая ориентация в рисовании профиля

Японские дети, Американский журнал психологии, 65, стр. 306-307, 1952.

6. Шеннон Б. Графологические паттерны как функция рук и культуры // Нейро-

—

-психология.17, pp. 457-465, 1979.

7. H. Höcaen and R. Angelergues, Agnosia for Faces, Archives of Neurology, 7,

pp. 92-100, 1962.

8. G. Rizzolatti, C. Umilta и G. Berlucchi, Противоположные превосходства правого и

левого полушарий головного мозга во времени различительной реакции на физиогномический и

алфавитный материал, Brain, 87, pp. 415-422, 1971.

9. G. Басуэлл, «Как люди смотрят на картинки», University of Chicago Press, Illinois,

1935.

10. А. Л. Ярбус, Движения глаз и зрение, Plenum Press, New York, 1967.

11. I. Mertens, H. Siegmund, and 0.-1. Гроссер, Моторные асимметрии взгляда в восприятии лиц во время задачи на память, Neuropsychologia, 31, pp.

Просмотр нескольких типов химерных стимулов, Мозг и познание, 16, стр.83-103,

1991.

13. И. Леви, В. Хеллер, М. Т. Банич и Л. А. Бертон, Асимметрия восприятия в свободном просмотре

химерных лиц, мозга и познания. 2, pp. 404-419, 1983.

14. В. Хеллер и И. Леви, Восприятие и выражение эмоций у правшей и

левшей, Нейропсихология. 19, стр. 263-272, 1981.

15. Р. Кэмпбелл, Асимметрии в интерпретации и выражении поставленного выражения лица,

Cortex, 14, с.327-342, 1978.

16. H.A. Sackeim и R.C. Gur, Латеральная асимметрия в интенсивности эмоционального выражения

, Нейропсихология. 16, pp. 473-481, 1978.

17. И. Леви, Церебральная асимметрия и эстетический опыт, в книге «Красота и мозг»:

Биологические аспекты эстетики, И. Рентшлер, Б. Герцбергер и Д. Эпштейн ( eds.),

Birkhauser Verlag, Базель, Швейцария, стр. 219-242, 1988.

18. Леви И., Латеральное доминирование и эстетическое предпочтение, Нейропсихология.14,

, стр. 431–445, 1976.

19. М. Т. Банич, В. Хеллер и И. Леви, Эстетическое предпочтение и асимметрия изображения,

Cortex. 25, pp. 187-195, 1989.

20. IG Beaumont, Латеральные организационные и эстетические предпочтения: важность

периферических визуальных асимметрий, Neuropsychologia, 23, pp. 103-113, 1985.

21. L. L. Солк, Роль сердцебиения в отношениях между матерью и младенцем, Scientific

American, 228, стр.24-29, 1973.

22. И. Л. Ричардс и С. Фингер, Модели держания матери и ребенка: кросс-культурный фото-

графический обзор, Развитие ребенка. 46, стр. 1001-1004, 1975.

23. 0.-1. Гроссер, Образцы удержания матери и ребенка в западном искусстве: исследование развития,

, Этнология и социобиология, 4, стр. 89–94, 1983.

24. Р.Л. Морленд и Р.Б.

Сходство и привлекательность, Журнал экспериментальной социальной психологии, 18,

стр.395-415, 1982.

Премия Арнольда Ньюмана за новые направления в фотографической портретной живописи Менеджер по представлению

Премия Арнольда Ньюмана за новые направления в фотопортретной живописи

В настоящее время открытых конкурсов на подачу заявок нет.

Премия Арнольда Ньюмана за новые направления в фотографическом портрете — это премия в размере 20 000 долларов США, ежегодно присуждаемая фотографу, чьи работы демонстрируют убедительное новое видение фотографического портрета.

Помимо победителя жюри ежегодно выбирает трех финалистов, которых приглашают принять участие в выставке в Музее фотографии Гриффина.

Премия щедро финансируется Фондом Арнольда и Августы Ньюман и находится в ведении Maine Media Workshops + College. Каждый октябрь в Музее фотографии Гриффина проходит ежегодная выставка работ победителя и трех финалистов.

Члены жюри 2021 года:

Члены жюри Премии 2021 года:

• Даниэлла Зальцман — вьетнамско-американский фотограф-документалист из Нового Орлеана.Она является многократным грантополучателем Пулитцеровского центра по освещению кризисов, членом Международного женского медиа-фонда, грантополучателем Национального географического общества и основателем Women Photograph, некоммерческой организации, работающей над повышением голоса женщин и небинарных женщин. визуальные журналисты. Ее работа, как правило, сосредоточена на наследии западной колонизации, от роста гомофобии в Восточной Африке до принудительного ассимиляционного образования детей коренных народов в Северной Америке. Ее текущий проект Signs of Your Identity является лауреатом премии Арнольда Ньюмана, премии Роберта Ф. Кеннеди в области журналистики, книжной премии FotoEvidence, премии Inge Morath Foundation Magnum Foundation и является частью Moving Walls 24 Фонда Open Society Foundation.Даниэлла регулярно читает лекции в средних школах и университетах, а также доступна для выполнения заданий и выступлений на международном уровне. Она является членом попечительского совета Мемориального фонда У. Юджина Смита и совета директоров ACOS Alliance. В 2009 году она окончила Колумбийский университет по специальности «архитектура».
• Брент Льюис — фоторедактор из Нью-Йорка и величайшего города мира Чикаго. Южная сторона, если быть точным.Фоторедактор по адресу The New York Times , работающий в Business Desk, Брент назначает визуальное освещение технологий, экономики и автомобильной промышленности. Ранее он был фоторедактором в The Washington Post и был старшим фоторедактором ESPN The Undefeated, где он управлял визуальным языком веб-сайта, основанным на пересечении спорта, расы и культуры. До того, как посвятить свою жизнь редактированию фотографий, он был штатным фотожурналистом, работавшим в The Denver Post, The Rockford Register Star и Chillicothe Gazette.На протяжении многих лет его фотографии использовались Chicago Tribune, L.A. Times, Associated Press, Forbes и Yahoo! Новости.
• Лиза Вольпе является помощником куратора отдела фотографии в Музее изящных искусств, Хьюстон (MFAH). В MFAH она курирует Фонд молодых фотографов Энн Такер и Клинта Уиллура, стипендию Cherryhurst House и новый комиссионный проект в дополнение к регулярному графику выставок и приобретений. Ранее она занимала различные кураторские должности в Художественном музее Уичито , Художественном музее Санта-Барбары (SBMA), а также была стипендиатом в Музее искусств округа Лос-Анджелес (LACMA) и Кливлендском художественном музее .Ее текущий проект, Джорджия О’Киф, фотограф , исследует малоизвестную коллекцию художественных фотографий, созданных О’Киф во второй половине ее карьеры.

2021 Призыв к участию 

СЕЙЧАС ПРИЕМ ЗАЯВОК ДО 11 АВГУСТА 2021 , 23:59 EST.

Конкурс открыт для всех фотографов в возрасте 18+ со всего мира, за исключением случаев, когда это запрещено законом.

Плата:

Плата за подачу составляет 55 долларов США.

Пожалуйста, ознакомьтесь с полным текстом Положений и условий по адресу https://www.mainemedia.edu/life-at-mmwc/arnold-newman-prize/.

Премия Арнольда Ньюмана — Медиа-семинары штата Мэн + Колледж

Премия Арнольда Ньюмана 2021 года за новые направления в фотопортретной живописи

Премия Арнольда Ньюмана за новые направления в фотопортретной живописи — это премия в размере 20 000 долларов США, ежегодно присуждаемая фотографу, чьи работы демонстрируют убедительное новое видение фотографической портретной живописи.Помимо победителя жюри ежегодно выбирает трех финалистов, которых приглашают принять участие в выставке в Музее фотографии Гриффина. Премия щедро финансируется Фондом Арнольда и Августы Ньюман и с гордостью управляется Maine Media Workshops + College.

Каждый октябрь в Музее фотографии Гриффина проходит ежегодная выставка работ победителя и трех финалистов.

В этом году выставка продлится с 5 по 24 октября. ЖИВОЙ прием и церемония награждения состоятся 7 октября 2021 года в Музее Гриффина в Винчестере. Церемония награждения и части приема будут транслироваться в прямом эфире на Facebook. Церемония награждения начнется прием в 19:00.

Поздравляем победителя и финалистов 2021 года!

---

Рашод Тейлор — «Маленький черный мальчик»

Рашод Тейлор (р. 1985 г.) — начинающий современный фотограф, который использует рамки и методы, связанные с историей изобразительного искусства, чтобы созерцать повествование своей семьи в современной Америке.Его фотографии глубоко укоренены в фотографических традициях и открывают новые горизонты. Близость и честность говорят с недооцененной главой Соединенных Штатов: опыт чернокожих американцев, особенно отношения между отцом и сыном, находится в центре его работы. Тейлор привязан к аналоговой практике — широкоформатная камера, замедление и уважение момента, а также влечение к богатым, пышным отпечаткам, сделанным в его домашней фотолаборатории, — все эти факторы подчеркивают его сентиментальность, задумчивость и объединяют его с историей. семейного портрета, добавляя к своему наследию свое будущее.Тейлор учился в Государственном университете Мюррея и получил степень бакалавра искусств по специальности «Художественная фотография». С тех пор он выставлялся и публиковался на национальном и международном уровнях.

www.rashodtaylor.com | @rashodtaylorphoto

Изображения предоставлены Рашодом Тейлором

«Моя работа затрагивает темы расы, культуры, семьи и наследия, и эти изображения представляют собой своего рода семейный альбом, наполненный друзьями и семьей, днями рождения, отпусками и повседневной жизнью.В то же время эти изображения расскажут вам больше, чем история моей семьи; они — окно в опыт чернокожих американцев. Когда я документирую своего сына, мне интересно изучать его детство и мир, в котором он живет. В то же время эти образы показывают мою невысказанную тревогу и хрупкость в отношении благополучия моего сына и отцовства. Иногда я волнуюсь, будет ли с ним все в порядке, когда он ходит в школу или играет на улице с друзьями, как это делают дети. Эти чувства усиливаются из-за реалий взросления чернокожих в Америке.Он не может прожить беззаботное детство, как того заслуживает; с его чернотой приходит тяжесть, тяжесть, которую он не готов нести. Моя работа — нести этот груз, поскольку я привык к скорбям и ответственности, которые он несет, вес несправедливости, предрассудков и расизма, которые были переплетены в нашем обществе и институциональных системах на протяжении сотен лет. Я помогаю ему в этом путешествии детства, так как надеюсь, что однажды этот груз будет снят».

 

---

Золотой – «Научиться жить»

Голден (они/они) — чернокожая трансгендерная женщина-фотограф, поэтесса и организатор сообщества, выросшая в Хэмптоне, штат Вирджиния (земля кикотан), в настоящее время проживающая в Бостоне, штат Массачусетс (земля жителей Массачусетта).

Golden является получателем стипендии Pink Door (2017/2019), стипендии Isabella Stewart Gardner Museum Luminaries (2019), Frontier Award для новых поэтов (2019), Best of the Net Award (2020), Pushcart Prize. номинация (дикость, 2019 г. и стеклянная поэзия, 2020 г.), художник-резидент города Бостона (2020–2021 гг.), стипендия Совета по массовой культуре в области фотографии (2021 г.) и грант для проекта «Женская фотография» (2021 г.).

Их работы публиковались в Shade Literary Arts, The Offing, Button Poetry, Vogue, Buzzfeed, i-D, Interview Magazine, Boston Globe и других изданиях.Голден имеет степень бакалавра фотографии Нью-Йоркского университета (2018).

www.goldengoldengolden.com | @goldenthem_

Изображения предоставлены Golden

«Это столпотворение с самого начала для чернокожих в Соединенных Штатах. Даже в 2020 году, с ростом глобальной пандемии в области здравоохранения и насилием на почве ненависти, вытекающим из белого национализма, по статистике чернокожих трансгендеров убивали чаще, чем когда-либо прежде. Каждый день я просыпаюсь без инструкции о том, как мы собираемся это сделать; как пережить невидимые угрозы именного оружия.Но это не ново.

В ответ на горе «Об обучении жизни» рассказывается о жизни чернокожих трансгендеров на пересечении выживания и жизни в Соединенных Штатах. Эти автопортреты действуют как живой архив, структура сопротивления, мир внутри страны, которая не хочет, чтобы чернокожие трансгендеры оставались в живых. Я просто хочу надеть свое оранжевое платье на теннисные корты и вернуться домой без забот, находясь в моем доме в Бостоне, Массачусетс, или поделиться, я ищу свободу и нахожусь в доме моей бабушки в Покомок-Сити. , доктор медицинских наук, эти портреты открывают уязвимые окна в вопросы, которые я задаю себе каждый день: «К какому народу я принадлежу? Как они меня запомнят? Если появится заголовок о моей смерти, назовут ли меня таким, какой я есть, или таким, каким меня воспринимает правительство?»

 

 

---

Кристиан К.

Ли – «Вооружен – не значит опасен»

«ПОНИМАНИЕ.Если бы я мог придумать одно слово, которое действительно резюмировало бы, почему я постоянно беру в руки камеру, это было бы одно слово. Я хочу понимать людей любого происхождения, и на протяжении многих лет я использовал для этого свою камеру».

В настоящее время работа Кристиана К. Ли исследует сложные отношения между 2-й поправкой и афроамериканцами. Его работы публиковались в The Washington Post, Rolling Stone и National Geographic. Он также получил признание Королевского фотографического общества, Фонда Люси и премии Sony World Photography Awards.

«Я научился фотографировать так же, как научились кататься на велосипеде. Иногда ты падаешь, но все падения того стоят, и я отлично езжу. Я и моя камера объехали всю страну, снимая вместе. На Дальнем Востоке, в округе Колумбия, и на западе, в Лос-Анджелесе. За это время я проходил стажировку в The Washington Post, Los Angeles Times и Associated Press».

www.christianklee.com | @chrisklee_jpeg

38-летний Аарон Бэнкс и его сын Аарон Бэнкс-младший., 08 лет, обнимаются в местном парке в субботу, 22 мая 2021 года, в Сидар-Парке, штат Техас. «Образ среднего энтузиаста оружия нуждается в обновлении, — сказал г-н Бэнкс. Он является президентом Keep Firing LLC, генеральным директором которой он назначил своего сына. В настоящее время он является одним из 24 инструкторов по стрельбе из пистолета, сертифицированных Национальной афроамериканской оружейной ассоциацией. 26-летняя Дамилла Лейн обнимается со своей 8-летней дочерью Скайлар Лейн, когда она держит огнестрельное оружие возле своего дома в субботу, 10 апреля 2021 года, в Киллине, штат Техас.«Всякий раз, когда мой муж уходит, я чувствую потребность защитить свою семью», — сказала Дамилла.

Изображение предоставлено Кристианом К. Ли

«В Соединенных Штатах владение оружием является конституционным правом, однако история показывает нам, что когда афроамериканцы заявляют об этих правах, они нарушаются.

Этот факт был засвидетельствован в 1967 году с введением Закона Малфорда. Это был калифорнийский законопроект, направленный против членов «Черных пантер», которые реализовывали свои права на открытое ношение оружия.Чтобы в полной мере реализовать Американскую мечту, я испытываю сильное желание воспользоваться всеми правами, предоставленными мне, включая мои права, предусмотренные Второй поправкой.

В моем родном городе Чикаго, штат Иллинойс, США, я постоянно видел негативное изображение афроамериканцев с оружием: чернокожие там и в остальной части страны ассоциировались с бандами и преступностью, а оружие в их руках всегда считалось опасным. Но дома я увидел положительную и ответственную сторону владения огнестрельным оружием: мой отец был ветераном армии и офицером полиции.Я сам стал владельцем оружия — один из 24 процентов афроамериканцев, которые сообщают о владении оружием, по данным Pew Research Center. Им, как и мне, удобно пользоваться своими правами по Второй поправке.

Цель этого проекта — перенастроить себя и других на более позитивное отношение к чернокожим и оружию: продвигать более сбалансированный архив изображений афроамериканцев с огнестрельным оружием, показывая ответственных владельцев оружия — тех, кто использует это оружие для спорт, хобби и защита.Я надеюсь, что эти фотографии привлекут внимание к этому важному моменту».

 

---

Донавон Смоллвуд — «Томство»

Донавон Смоллвуд получил степень бакалавра в Хантер-колледже в 2016 году. Он является лауреатом многочисленных наград, в том числе премии Aperture Portfolio Prize 2021 года и премии Daylight Photo Award 2021 года. Периодические статьи и редакционные клиенты включают The Atlantic, FT Magazine, The New York Times, The New Yorker и другие. Languor, его первая монография, должна быть опубликована издательством Trespasser осенью 2021 года.

www.donavonsmallwood.com | @xdonavon

Все изображения предоставлены Донавоном Смоллвудом

««Languor» — это проект, который представляет собой взаимодействие между изображениями ландшафта Центрального парка Нью-Йорка и подлинными портретами, сделанными в этом пространстве. Учитывая историю создания парка с использованием выдающихся владений, чтобы лишить афроамериканцев-землевладельцев их собственности / домов, многие из которых сформировали это сообщество, чтобы избежать нездоровых условий и расизма, характерных для других населенных частей Манхэттена — работа это исследование природы, отрицание цивилизации, дома и [возможности] побега; сосредоточение черного спокойствия среди хаоса природного пространства, истории и жизни сегодня.

---

Спасибо нашим жюри 2021 года!

• Даниэлла Зальцман — вьетнамско-американский фотограф-документалист из Нового Орлеана, штат Луизиана. Она является стипендиатом Catchlight 2021 года, многократным грантополучателем Национального географического общества и Пулитцеровского центра по освещению кризисов, научным сотрудником Международного фонда женских СМИ и основателем Women Photograph, некоммерческой организации, работающей над повышением голоса женщин и небинарных женщин. визуальные журналисты.
• Брент Льюис — фоторедактор из Чикаго, США, базирующийся в Нью-Йорке, и соучредитель Diversify Photo.Он фоторедактор в The New York Times, работающий над различными темами в отделе новостей. Раньше он был спортивным фоторедактором в The Washington Post, а до этого работал старшим фоторедактором ESPN The Undefeated, где он разработал визуальный язык сайта, посвященный пересечению спорта, расы и культуры. Прежде чем перейти к редактированию фотографий, он был штатным фотожурналистом в The Denver Post, The Rockford Register Star и Chillicothe Gazette.
• Лиза Вольпе — помощник куратора отдела фотографии в Музее изящных искусств в Хьюстоне.До приезда в Хьюстон она была куратором Художественного музея Уичито, где курировала все области музейной коллекции. Кроме того, она занимала различные кураторские должности в Художественном музее Санта-Барбары (SBMA) и работала стипендиатом в Художественном музее округа Лос-Анджелес (LACMA) и Художественном музее Кливленда.

Присоединяйтесь к нам на нашей выставке премии Арнольда Ньюмана 2021 года, организованной Музеем фотографии Гриффина в октябре этого года. Оставайтесь с нами для более подробной информации!

Миссия

Арнольд Ньюман был ненасытно увлечен людьми и окружающим его физическим миром.В своем творчестве он постоянно исследовал границы портретной живописи и воплощал в себе дух художественного новаторства. Он также был страстным учителем — он преподавал в Maine Media Workshops + College каждое лето на протяжении более 30 лет. В честь наследия Арнольда как фотографа и наставника, Премия Арнольда Ньюмана за новые направления в фотопортретной живописи отмечает выдающиеся достижения нового поколения фотографов, присуждая 20 000 долларов победившему фотографу и повышая уровень работы победителя и трех финалистов в прессе и через выставку в Музее фотографии Гриффина.Приз, второй по величине в Соединенных Штатах, предназначен для того, чтобы помочь победителю продолжить работу и послужить стартовой площадкой для следующего этапа его карьеры.

Прием заявок на 2022 год начнется летом 2022 года.

История премии

Премия учреждена в 2009 году Фондом Арнольда и Августы Ньюман. Maine Media Workshops + College с гордостью вручает приз с 2016 года. Начиная с приза 2017 года, каждый год помимо победителя выбираются три финалиста.В 2018 году Maine Media в партнерстве с Музеем фотографии Гриффина провела ежегодную выставку работ победителей и финалистов.

С 2009 года премии удостоены одиннадцать художников:

---

АРНОЛЬД НЬЮМАН И МЭН МЕДИА СЕМИНАРЫ

Арнольд Ньюман начал свои отношения с Мэном в конце 1970-х годов, каждое лето уезжая из своего дома в Нью-Йорке, чтобы присоединиться к множеству других известных фотографов в Рокпорте, которые преподавали в фотомастерских штата Мэн, ныне известных как медиа-мастерские штата Мэн.Для Арнольда Мэн был местом вдохновения и омоложения, а семинары — местом, где он мог увидеть старых друзей, погрузиться в фотографию и поделиться своей работой и опытом посредством обучения. Он никогда не приезжал в Мэн только ради своей мастерской; это всегда было более длительное пребывание. Более тридцати лет Арнольд и его жена Августа оказывали огромное влияние на сообщество Workshops.

Впервые я встретил Арнольда на Workshops летом 1990 года. Жаркой летней ночью я сидел в переполненном зале Union Hall Theater, чтобы послушать его лекцию и увидеть изображения, иллюстрирующие его долгую и необычную жизнь фотографа.Это была лекция, которую он читал каждый год, и каждый год он начинал с того, что спрашивал молодых фотографов в аудитории, знают ли они известные предметы на его фотографиях, всегда умоляя нас знать нашу историю, рассказывая своей аудитории: « мы учимся у прошлого».

Это будет очень длинная лекция. Арнольд любил рассказывать истории. Его истории довольно трудно превзойти — сколько людей могут поделиться с вами своими личными рассказами о фотографировании человека, ответственного за лечение полиомиелита, или каждого президента со времен Трумэна? Фотографировать Отто Франка, отца Анны Франк, в день, когда Дом Анны Франк открылся для публики, или почти всех известных художников 20-го века? О том, чтобы провести день с Пикассо? Быть с Арнольдом было все равно, что быть с ходячей, говорящей книгой по истории.

Я, как и многие другие в переполненном театре Юнион-холл на показе слайдов Арнольда, был очарован тем, как каждое изображение возникало из самой сокровенной сущности натурщика. Это были не обычные фотографии людей. Скорее, они выражали дух людей, занятых своими различными делами, их самые сокровенные души и их самые честные моменты. Он подарил миру одни из самых памятных и правдивых изображений важных деятелей в области политики, науки и, конечно же, искусства.Для многих поклонников этих предметов образы Арнольда являются квинтэссенцией образов.

Во время продолжительных посещений мастерских Арнольд действовал как неофициальный художник-резидент. Многим понравится компания Арнольда и Августы за трапезой под обеденной палаткой, где Арнольд развлечет своих слушателей еще одними историями. В конце концов, у него была целая жизнь экстраординарного опыта, которым он мог поделиться! Часто Арнольд приглашал молодых фотографов сесть с ним и просил показать их работы.Неоднократно один из этих неофициальных обзоров портфолио начинал карьеру ныне уважаемого фотографа.

Арнольд всегда был учителем, когда был в классе, читал лекцию или даже просто обедал. Учиться у Арнольда означало учиться у великого мастера, дальновидного фотографа и подлинно ученого человека. Он помог многим самым глубоким образом понять, что значит быть художником. Я теперь учитель. Мои ученики знают, что я очень люблю рассказывать истории об Арнольде, истории о том времени, когда я работал с ним, и пересказывать его многочисленные истории, чтобы преподавать историю.В значительной степени именно благодаря этим историям я узнал.

Жизнь и творчество Арнольда Ньюмана оказали огромное влияние на мир, на тех, кто знает его только по фотографиям, а также на тех, кому посчастливилось знать его лично. Он поделился с миром своими острыми наблюдениями за великими деятелями нашей истории; теперь он часть этой истории и неотъемлемая часть истории Мастерских.

~ Элизабет Томсен Гринберг, Рокпорт, март 2010 г.

Приз Арнольда Ньюмана | Арнольд Ньюман

Премия Арнольда Ньюмана за новые направления в фотопортретной живописи

Под управлением Maine Media Workshops + College

 

Лауреаты премии Арнольда Ньюмана

• 2010: Эмили Шиффер
• 2011: Джейсон Ларкин
• 2012: Стивен Лакстон
• 2013: Уэйн Лоуренс
• 2014: Илона Шварц
• 2015: Нэнси Боровик
• 2016: Сиан Дэйви
• 2017: Даниэлла Зальцман
  Финалисты: Софи Барбаш, Дэниел Коберн, Джессика Ив Раттнер
• 2018: Виктория Сорочинская
  Финалисты: Юул Крайер, Франческо Перголези, Донна Пинкли
• 2019: Луи Палу
  Финалист: Джесс Т.Дуган, Шерил Сент-Ондж, Брайан Томас
• 2020: Джон Генри
  Финалисты: Майкл Дароу, Рубен Сальгадо Эскудеро, Прия Камбли
• 2021: Рашад Тейлор для Little Black Boy
  Финалисты: Донован Смоллвуд за «Тихие», «Золотой» за «Учимся жить», Кристиан Ли за «Вооружен, не значит опасен
  
».

 

Премия Арнольда Ньюмана

Премия Арнольда Ньюмана ежегодно присуждается фотографу, чьи работы демонстрируют убедительное новое видение жанра портретной живописи.Премия Арнольда Ньюмана была учреждена Фондом Арнольда и Августы Ньюман в 2009 году для признания и поощрения достижений в новых направлениях фотопортретной живописи. Лауреат ежегодной премии получает награду в размере 20 000 долларов и отмечается в Нью-Йорке выставкой и празднованием. Работы победителя также будут выставлены в галерее PhoPa в Портленде, штат Мэн. Премия финансируется Фондом Арнольда и Августы Ньюман и находится в ведении Maine Media Workshops + College.

 

Как подать заявку

Премия Ньюмана находится в ведении Maine Media Workshops + College.Фотографы должны представить двенадцать фотографий, которые представляют собой целостное видение и совокупность работ, резюме и заявление объемом до 500 слов. В заявлении должно быть указано, как награда повлияет на искусство, практику и карьеру фотографа. Группа известных жюри рассмотрит заявки и выберет финалиста для присуждения награды. За каждую заявку взимается вступительный взнос в размере 55 долларов США. Нажмите здесь, чтобы просмотреть подробности участия.

Премия Арнольда Ньюмана в размере 20 тысяч долларов от Maine Media Workshops отмечает новые направления в фотопортретной живописи

«Эл-Джей и его форт» лауреата премии Арнольда Ньюмана 2021 года за новые направления в фотографии… [+] Портретная живопись, Рашод Тейлор.

Рашод Тейлор

Расположенный в прибрежном городе Рокпорт в штате Мэн, Maine Media Workshops + College (MMW) является одной из лучших в мире школ искусства и визуального повествования. Каждый год MMW присуждает вторую по величине премию в США — ежегодную премию Арнольда Ньюмана в размере 20 000 долларов США за новые направления в фотопортретной живописи.

Лауреат премии Арнольда Ньюмана 2021 года за новые направления в фотопортретной живописи, Рашод … [+] Тейлор.

Трей Брумфилд

В свой 12-й год премия была присуждена Рашоду Тейлору, начинающему современному фотографу, использующему «основы и методы, связанные с историей изобразительного искусства портретной живописи», который исследует личный рассказ о «недооцененной главе Соединенных Штатов: Опыт чернокожих американцев», посвященный отношениям отца и сына. Выбраны три финалиста: Голден, Кристиан К. Ли и Донавон Смоллвуд. Благодаря возможности выставки в Музее фотографии Гриффина приз служит «стартовой площадкой для следующего этапа» карьеры художников.

Лауреат премии Арнольда Ньюмана 2021 года Рашод Тейлор в окружении (слева направо) Кристы Дикс, помощника … [+] Директор Музея фотографии Гриффина, Паула Тонарелли, исполнительный директор и куратор Музея фотографии Гриффина, Элизабет Гринберг, Арнольд и Августа Ньюман Провост, Мэн Медиа Семинарс + Колледж, Майкл Мэнсфилд, президент Мэн Медиа Семинарс + Колледж.

Элизабет Гринберг

Премия присуждается фотографу, чьи работы не только демонстрируют «неотразимое новое видение в жанре портрета», но, подобно работам Арнольда Ньюмана, расширяют границы портретной живописи.Начиная с конца 1970-х годов и на протяжении более 30 лет Арнольд Ньюман и его жена Августа каждое лето приезжали из Нью-Йорка, чтобы присоединиться к известным фотографам и преподавать в фотомастерских штата Мэн, которые сейчас называются медиа-мастерскими + колледж штата Мэн.

Элизабет Гринберг, проректор MMW.

Терри Смит Фото

В интервью с Элизабет Гринберг, проректором MMW, которая проводит семинары в штате Мэн и на Гавайях, а также в рамках программ сертификации и MFA, мы обсудили ее роль в организации второй по величине премии страны в честь ее бывшего наставника, памяти Арнольда Ньюмана. .

Джеки Абрамян: Как вы впервые связались с Maine Media Workshop (MMW)?

  Элизабет Гринберг: Я узнала о Maine Media Workshops (ранее The Maine Photographic Workshops), когда училась в Школе дизайна Род-Айленда. Когда друг сказал мне, что мне обязательно нужно туда поехать, я «одолжил» копию каталога, и как только я увидел, что все мои герои фотографии преподают там, включая Арнольда Ньюмана, я понял, что должен идти.Я провел свое первое лето после окончания RISD, работая в мастерских в качестве стажера. Это было 31 год назад.

Абрамян: Как вы познакомились с Арнольдом Ньюманом, который стал вашим наставником.

Greenberg: Первые 10 из 31 года моей работы в MMW были на летних должностях. Второе лето я работал ассистентом преподавателя и имел возможность ассистировать Арнольду Ньюману. В конце этого семинара, как раз перед Днем труда, он предложил мне должность своего помощника и управляющего студией.К следующему понедельнику я уже был в Нью-Йорке, спал на диване у друга и работал на Арнольда. Живя в Нью-Йорке 10 лет, я проводил лето в MMW. Вскоре после этого я тоже начал преподавать.

Я провел четыре года, работая с Арнольдом на постоянной основе, и еще шесть лет работал фрилансером над его специальными проектами или фотосессиями. Арнольд был известен тем, что на него было жалко работать, и большинство ассистентов продержались не более нескольких месяцев — так или иначе, мы прекрасно ладили.

Арнольд Ньюман и Элизабет Гринберг в 2000 году.

Элизабет Гринберг

Абрамян: Как возникла премия Арнольда Ньюмана?

Гринберг: Арнольд и его жена Августа (Гас) были для меня как суррогатные родители. Я познакомился с их двумя сыновьями и внуками. Когда Арнольд скончался в 2006 году, а Гас в 2009 году, я поддерживал связь с их сыновьями, которые основали Фонд Арнольда и Августы Ньюман. Я начал работать с ними и Фондом. Мы учредили Премию Арнольда Ньюмана в 2009 году. Впервые она была присуждена в 2010 году и первоначально проводилась через Photo District News (PDN).Я отвечал за обеспечение присяжных и наблюдение за финальным жюри, чтобы определить лауреата.

Абрамян: Сколько лет вы работаете ректором Премии Арнольда Ньюмана?

Гринберг: Мэн Медиа претерпела много изменений на протяжении многих лет, мое положение также изменилось. Меня повысили до проректора в 2019 году, когда был нанят новый президент.

В 2016 году Фонд обратился к MMW с просьбой принять и организовать ежегодно финансируемую премию и стипендии в школе.В 2020 году Фонд выделил MMW пожертвование в размере 1,125 миллиона долларов, чтобы предоставить приз и стипендии на неограниченный срок или, по крайней мере, на очень длительный срок. Когда мы получили пожертвование (которое не финансирует должность ректора), правление проголосовало за то, чтобы назвать должность ректора в честь пожертвования и обеспечить управление премией и стипендиями.

Лично для меня это было очень важно, учитывая мои близкие отношения с Арнольдом. Я очень рад, что его наследие так заметно, и знаю, что управление призом будет в безопасности еще долго после моей службы.

  Абрамян: Насколько вы вовлечены в отбор лауреатов и членов жюри?

Greenberg: Распределение призов — это только одна часть остальных моих обязанностей, хотя, безусловно, одна из самых приятных! Мы создали Консультативную группу для разработки приза, процесса и выдвижения членов жюри. Процесс жюри, хотя и находится в ведении сотрудников MMW, не зависит от школы. Ни сотрудники MMW, ни я не участвуем в окончательном выборе победителя и финалистов.

Абрамян: Как вы обеспечиваете справедливость и разнообразие при выборе жюри и лауреатов?

Greenberg: При отборе жюри мы работаем с людьми, которые представляют многие области фотографии – кураторами, редакторами, критиками, фотографами, издателями и другими, которые могут предоставить возможности не только победителю и финалистам, но и другим работам. рассмотрен, но официально не признан премией. Мы стремимся представить все формы разнообразия в нашем жюри.

В этом году мы отказались от сбора в размере 55 долларов США для нескольких организаций, включая Indigo Arts Alliance, Authority Collective, Diversify Photo, Women Photograph, Indigenous Photograph, Foto Feminas и Black Women Photographers. Каждая из этих организаций назначила двух своих членов для представления работы.

Социальные изменения оказали наибольшее влияние на фотографию, изменив стиль и содержание. В то время как создается много разных стилей работы, проблемы идентичности сейчас более распространены, чем когда-либо.Это также отражено в победителе и финалистах премии 2021 года. Я думаю, что Арнольд был бы очень горд и доволен работой, которая была отмечена его именем и наследием.

Абрамян: Как премия Арнольда Ньюмана способствует карьерному росту фотографов-победителей?

Гринберг: Это желание Фонда и Консультативного комитета (включая обоих сыновей Арнольда, Паулу Тонарелли, директора Музея Гриффина, фотографов Джойс Теннесон и Грегори Хейслера, директора галереи Джули Лоу, меня и президента MMW Майкла Мэнсфилд), что премия способствует карьере фотографа и, надеюсь, открывает новые возможности для постоянной работы.

Я очень рад сообщить, что почти все получатели продолжают расширять свою работу и карьеру. Многие в настоящее время преподают или проводят семинары в MMW и других школах и читают лекции по всей стране и по всему миру. Консультативная группа надеется организовать более формальную группу «выпускников» прошлых победителей.

Абрамян: Что получают победители помимо приза в 20 тысяч долларов и участия в выставке?

Greenberg: Победитель получает денежное вознаграждение в размере 20 000 долларов США.Финалисты не получают денежные вознаграждения, хотя мы хотели бы и дальше предоставлять финалистам дополнительные льготы. Каждый год все работы-победители выставляются в Музее фотографии Гриффина в Винчестере, штат Массачусетс, одновременно с церемонией награждения, которая состоялась в этом году!

Абрамян: Какое влияние на вашу карьеру фотографа оказал Арнольд Ньюман? Соответствует ли ваша фотография девизу Ньюмана о том, что «снимайте умом и сердцем»?

Гринберг:  Я думаю, скорее, я знаю, что Арнольд повлиял на многие аспекты моей карьеры и жизни.Во время моей работы с ним мы много путешествовали, и у меня было много необычного опыта и возможностей встретиться с мировыми лидерами, художниками и людьми, которые превратили 20   века в 21   века. Хотя я получил степень магистра иностранных дел после работы с Арнольдом, я считаю, что мое настоящее образование я получил от него и его работы. Безусловно, моя художественная практика находилась под его сильным влиянием. Не по жанру, так как я не делаю портреты, но да, его девиз фотографировать «сердцем и разумом» очень похож на то, как я работаю и учу.

  Абрамян: Сейчас, когда цифровая фотография стала нормой, изменилась ли фотография в плане стиля, содержания и качества?

Greenberg: Действительно, фотография сильно изменилась за эти годы. На протяжении всей своей истории он развивался за счет технических изменений, поэтому цифровые технологии были лишь еще одной эволюцией. Доступ к фотографии благодаря широкому спектру инструментов и средств массовой информации был огромным и, да, изменил стиль и содержание работы.По крайней мере, для меня в положительном смысле.

Правила этикета и фотографии | Дендрарий Далласа

Чтобы обеспечить положительный опыт как для фотографов, так и для посетителей, мы просим соблюдать следующие правила и рекомендации.

Коммерческая фотография

Дендрарий приветствует коммерческих фотографов; однако за коммерческую фотосъемку взимается дополнительная плата.

Что считается коммерческой фотографией?

Фотосъемка в садах для продвижения или продажи товаров или услуг подпадает под действие правил коммерческой фотографии.Примеры включают фотографии, предназначенные для продакт-плейсмента, рекламы и мерчандайзинга.

Фотографы найдут в Далласском дендрарии уникальные декорации под открытым небом для каталогов, моды и коммерческих целей. Чтобы организовать фотосессию, свяжитесь с [email protected] или по телефону 214.515.6642. Посетите нашу страницу Фотосессии, чтобы узнать больше.

Нужна отдельная гардеробная? Забронируйте наш VIP номер здесь!

Забронировать VIP номер

Особенности включают:

• Акры пышные зеленые лужайки и цветущие сады
• стены воды и кои пруды
• захватывающие виды белого рок-озера
• два величественных дома
• интересная архитектура
• открытый скульптуры
• Туманный мостовой вид
• зрелые деревья

---

Руководство по коммерческой и некоммерческой фотографии

Те, кто хочет использовать сады для профессиональных портретов или личных фотографий на память, могут сделать это, но должны следовать этим общим правилам фотосъемки.

• Обратите внимание: для небольшого портативного оборудования вам не нужно платить за коммерческую садовую фотосъемку, требуется только плата за обычный вход и парковку, чтобы насладиться днем ​​и сделать личные фотографии в саду.
• Использование дронов на территории Дендрария запрещено ни при каких обстоятельствах.
• Общие правила фотосъемки требуют, чтобы вы не загораживали сад или дорожку. Кроме того, напоминаем, что город Даллас не разрешает переодеваться в общественных туалетах, но мы предлагаем 2-часовую аренду в нашей VIP-аренде за 200 долларов, и эту комнату можно забронировать онлайн.
• В Детском саду приключений действуют ограничения на фотографирование. На территории детского сада запрещены портретные фотосессии. Тем не менее, личные фотографии с мобильных телефонов и фотоаппаратов разрешены. Штативы, профессиональная фотосъемка и оборудование не допускаются.
• Мы оставляем за собой право отказать в входе в сад в неподобающей одежде
• Не стоять и не ходить по грядкам, не лазить по деревьям, кустам, камням или скульптурам.
• Не блокируйте доступ к общественным дорожкам или пешеходным дорожкам.
• Не рви цветы.
• Не играйте и не стойте в водных сооружениях.
• Дети до 16 лет должны быть в сопровождении взрослых.
• При фотографировании соблюдайте все правила садового этикета.

Пожалуйста, следуйте нашим инструкциям, иначе вас могут попросить покинуть здание. После 3 нарушений ваши членские преимущества будут аннулированы.

Получите максимум от вашей фотографии

Советы по посещению и часто задаваемые вопросы | Национальная портретная галерея

Знай, прежде чем идти: рекомендации по посещению

Мы просим всех посетителей, в том числе привитых от COVID-19, соблюдать эти меры безопасности для защиты здоровья каждого.Посетителей, которые не соблюдают правила и правила безопасности, могут попросить покинуть помещение.

Если вы больны, оставайтесь дома

• Мы просим всех посетителей, которые больны или плохо себя чувствуют, оставаться дома. Если вы подвержены повышенному риску тяжелого заболевания, вы также можете подумать о том, чтобы остаться дома.

Маски для лица

• Посетители в возрасте от двух лет и старше во время посещения должны носить маску для лица. Маски для лица можно снимать во время еды или питья в специально отведенных местах.
• Маски для лица должны соответствовать размеру, закрывать нос, рот и подбородок, не иметь больших зазоров на внешней стороне лица, и они должны состоять как минимум из двух слоев. Защитные щитки для лица не допускаются в качестве замены лицевого покрытия, но их можно носить поверх лицевого покрытия или маски. Банданы, однослойные гетры и лицевые покрытия или маски с клапаном выдоха не допускаются.

Социальное дистанцирование

• Мы рекомендуем посетителям соблюдать безопасную социальную дистанцию ​​не менее шести футов между домохозяйствами или группами.

Гигиена

• Пожалуйста, часто мойте и дезинфицируйте руки во время визита и соблюдайте правила гигиены. Станции дезинфекции рук будут доступны на всех наших объектах.

Личные вещи

• Мы рекомендуем вам ограничить количество личных вещей и сумок, которые вы приносите в наши помещения, так как они будут подвергаться тщательному досмотру. Ограничение предметов, которые вы приносите, увеличит вашу скорость прохождения контрольно-пропускных пунктов, помогая всем нам поддерживать безопасную социальную дистанцию.Обратите внимание, что мы не предлагаем хранение верхней одежды или сумок.

Обеспечение безопасности всех нас

Когда Смитсоновский институт снова открывается, безопасность превыше всего. Мы приняли меры безопасности для защиты здоровья наших посетителей, сотрудников, волонтеров и коллекций на основе рекомендаций CDC (Центров по контролю и профилактике заболеваний) и местных органов власти:

• Все посетители в возрасте 2 лет и старше должны носить маску при посещении музеев Смитсоновского института и закрытых помещений, независимо от статуса вакцинации.
• Мы устанавливаем станции для дезинфекции рук для посетителей на всех наших объектах и ​​проводим более частую и усиленную уборку.
• Мы рекомендуем посетителям соблюдать безопасную социальную дистанцию ​​между домохозяйствами или группами.
• На пунктах досмотра багажа и кассах установлены защитные экраны.
• Мы оцениваем наши экспонаты, интерактивы и внутренние помещения в каждом конкретном случае. Некоторые из этих функций могут быть закрыты или работать с ограниченными возможностями.
• Во время болезни наши сотрудники будут оставаться дома, носить маски для лица, соблюдать социальную дистанцию, мыть руки и соблюдать правила гигиены.

Часто задаваемые вопросы (FAQ)

.