Портретная современная живопись: Портретный реализм в современной живописи

%d0%b6%d0%b8%d0%b2%d0%be%d0%bf%d0%b8%d1%81%d1%8c+%d1%81%d0%be%d0%b2%d1%80%d0%b5%d0%bc%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f — со всех языков на все языки

Все языкиРусскийАнглийскийИспанский────────Айнский языкАканАлбанскийАлтайскийАрабскийАрагонскийАрмянскийАрумынскийАстурийскийАфрикаансБагобоБаскскийБашкирскийБелорусскийБолгарскийБурятскийВаллийскийВарайскийВенгерскийВепсскийВерхнелужицкийВьетнамскийГаитянскийГреческийГрузинскийГуараниГэльскийДатскийДолганскийДревнерусский языкИвритИдишИнгушскийИндонезийскийИнупиакИрландскийИсландскийИтальянскийЙорубаКазахскийКарачаевскийКаталанскийКвеньяКечуаКиргизскийКитайскийКлингонскийКомиКомиКорейскийКриКрымскотатарскийКумыкскийКурдскийКхмерскийЛатинскийЛатышскийЛингалаЛитовскийЛюксембургскийМайяМакедонскийМалайскийМаньчжурскийМаориМарийскийМикенскийМокшанскийМонгольскийНауатльНемецкийНидерландскийНогайскийНорвежскийОрокскийОсетинскийОсманскийПалиПапьяментоПенджабскийПерсидскийПольскийПортугальскийРумынский, МолдавскийСанскритСеверносаамскийСербскийСефардскийСилезскийСловацкийСловенскийСуахилиТагальскийТаджикскийТайскийТатарскийТвиТибетскийТофаларскийТувинскийТурецкийТуркменскийУдмуртскийУзбекскийУйгурскийУкраинскийУрдуУрумскийФарерскийФинскийФранцузскийХиндиХорватскийЦерковнославянский (Старославянский)ЧеркесскийЧерокиЧеченскийЧешскийЧувашскийШайенскогоШведскийШорскийШумерскийЭвенкийскийЭльзасскийЭрзянскийЭсперантоЭстонскийЮпийскийЯкутскийЯпонский

 

Все языкиРусскийАнглийскийИспанский────────АймараАйнский языкАлбанскийАлтайскийАрабскийАрмянскийАфрикаансБаскскийБашкирскийБелорусскийБолгарскийВенгерскийВепсскийВодскийВьетнамскийГаитянскийГалисийскийГреческийГрузинскийДатскийДревнерусский языкИвритИдишИжорскийИнгушскийИндонезийскийИрландскийИсландскийИтальянскийЙорубаКазахскийКарачаевскийКаталанскийКвеньяКечуаКитайскийКлингонскийКорейскийКрымскотатарскийКумыкскийКурдскийКхмерскийЛатинскийЛатышскийЛингалаЛитовскийЛожбанМайяМакедонскийМалайскийМальтийскийМаориМарийскийМокшанскийМонгольскийНемецкийНидерландскийНорвежскийОсетинскийПалиПапьяментоПенджабскийПерсидскийПольскийПортугальскийПуштуРумынский, МолдавскийСербскийСловацкийСловенскийСуахилиТагальскийТаджикскийТайскийТамильскийТатарскийТурецкийТуркменскийУдмуртскийУзбекскийУйгурскийУкраинскийУрдуУрумскийФарерскийФинскийФранцузскийХиндиХорватскийЦерковнославянский (Старославянский)ЧаморроЧерокиЧеченскийЧешскийЧувашскийШведскийШорскийЭвенкийскийЭльзасскийЭрзянскийЭсперантоЭстонскийЯкутскийЯпонский

Жанры живописи

Живопись — один из наиболее распространенных видов искусства, с помощью которого художники — живописцы передают свое видение мира зрителям.

Таким образом, живопись представляет собой отдельный и весьма популярный вид изобразительного искусства, в котором зрительные образы передаются мастером посредством нанесения красок на поверхность картины.

 

И. И. Шишкин. Пейзаж » Корабельная роща» ( 1898 год).

 

Все существующие на сегодняшний день живописные произведения можно разделить на несколько отдельных жанров, которые имеют свои особенности в тематике и технике изображения. Рассмотрим основные из них, чтобы иметь правильное представление о структуре живописных полотен.

Итак, среди современных жанров живописи можно назвать следующие:

• Портрет
• Пейзаж
• Марина
• Историческая живопись
• Батальная живопись
• Натюрморт
• Жанровая живопись
• Архитектурная живопись
• Религиозная живопись
• Анималистическая живопись
• Декоративная живопись

Схематически разделение жанров живописного искусства будет выглядеть следующим образом:

 

Схема жанров живописи

 

Портрет

Многим из нас знаком такой жанр живописи, как портрет. Это один из самых древнейших видов  изобразительного живописного творчества, и его можно встретить также в скульптуре и графике. Раньше не было фотографий, поэтому каждый богатый или знаменитый человек считал необходимым увековечить свое лицо и фигуру для потомков — и в этом на помощь ему приходили художники — портретисты.

Портретом принято считать изображение одного конкретного человека или целой группы людей. С помощью портретной живописи мастер показывает внутренний мир людей через особенности их внешнего облика.

Причем, на портрете могут изображаться как реальные люди, так и литературные или мифические герои. Кроме того, может быть создан как портрет человека, жившего в прошедшие времена, так и нашего современника, существующего на сегодняшний день.

Четких границ у портретного жанра нет, поэтому в одном произведении портрет может сочетаться с элементами других жанров живописи — пейзажем, натюрмортом и так далее.

 

Ксения Черномор. Портрет женщины на фоне пейзажа. Холст, масло.

 

Виды портретов

Среди наиболее распространенных видов портретной живописи можно выделить следующие:

• Исторический портрет
• Ретроспективный портрет
• Портрет — картина
• Типовой портрет
• Костюмированный портрет
• Автопортрет
• Донаторский портрет
• Парадный портрет
• Полупарадный портрет
• Камерный портрет
• Интимный портрет
• Малоформатный портрет
• Портрет — миниатюра

Каждый из видов портретной живописи имеет свои характерные особенности и отличия в технике выполнения. Рассмотрим их более подробно.

• Исторический портрет — содержит изображение какой — либо исторической личности, политического деятеля или творческого человека.
  Такой портрет может быть создан по воспоминаниям современников или родиться в воображении живописца.

 

А. М. Матвеев. Портрет Петра Великого ( 1724 — 1725 годы). Холст, масло.

 

• Ретроспективный портрет — посмертное изображение жившего в прошлом человека, которое создано по описаниям очевидцев или по прижизненному изображению. Однако возможны также случаи полного сочинения портрета мастером.

 

Владислав Рожнев » Женский портрет» ( 1973 год). Холст, масло.

 

• Картина — портрет — человек изображается в сюжетной взаимосвязи с окружающим миром, природой, на фоне архитектурных построек или деятельности других людей. В портретных картинах как раз наиболее ярко прослеживается расплывчатость границ и соединение различных жанров — пейзажа, исторической и батальной живописи и так далее.

 

Борис Кустодиев. Картина — портрет Ф. И. Шаляпина ( 1922 год). Холст, масло.

 

• Типовой портрет — художник — живописец изображает собирательный образ, составленный из характерных особенностей внешности многих людей, объединенных общими идеями, видами деятельности, социальным положением или образом жизни.

 

Ф. В. Сычков » Портрет крестьянки».

 

• Портрет костюмированный — изображенный человек представлен перед зрителем в виде литературного или театрального персонажа, исторического деятеля или мифологического героя. Подобные портреты представляют особый интерес для изучения костюмов других эпох.

 

Костюмированный портрет

 

• Автопортрет — особый вид портретного живописного произведения, на котором художник изображает сам себя. То есть, он хочет передать и донести до зрителей свою внутреннюю сущность.

 

Автопортрет Рафаэля Санти

 

• Донаторский портрет — одна из устаревших форм портретной живописи. На такой картине с религиозной тематикой изображался человек, сделавший крупные пожертвования церкви. Он представал перед зрителями в окружении святых, рядом с Мадонной или на одной из створок алтаря в коленопреклоненном виде. Состоятельные люди в те времена видели в создании донаторского портрета особый смысл, потому что такие картины всегда воспринимались позитивно и почитались наравне с иконами.

 

Пинтуриккьо. » Воскресение Христа» с коленопреклоненным папой Александром VI.

 

По характеру и способу изображения фигуры человека все портреты делятся на следующие типы:

• Парадный портрет — показывает человек в положении стоя в полный рост. При этом все детали внешности и фигуры выписываются очень четко.

 

Эжен Делакруа. Портрет барона Швитера ( 1827 год).

 

• Полупарадный портрет — человек изображается по пояс, до колен или в положении сидя, когда нижняя часть ног не видна. В подобном произведении портретной живописи огромную роль играет изображение окружающей обстановки или аксессуаров.

 

Рокотов Ф. С. » Коронационный портрет Екатерины II» ( 1763 год).

 

• Камерный портрет — фигура человека выполняется на нейтральном фоне, причем используется сокращенный вариант изображения фигуры человека — до пояса, до груди или даже до уровня плеч. В этом случае мастер особенно четко и тщательно выписывает черты лица человека.

 

Камерный портрет Екатерины II в дорожном костюме. Конец XVIII века.

 

• Интимный портрет — используется крайне редко и представляет собой одну из разновидностей камерного портрета благодаря выполнению на нейтральном фоне. В основе создания интимного портрета лежат глубокие чувства художника к изображаемому человеку или доверительные отношения между ними.

 

Эдуард Мане » Девушка в испанском костюме» ( 1862 — 1863 годы).

 

• Малоформатный портрет — живописное произведение небольшого размера. выполняемое, как правило, тушью, карандашом, пастелью или акварельными красками.

 

Современный малоформатный портрет, написанный акварелью.

 

• Портрет — миниатюра — один из самых узнаваемых и сложных в отношении техники выполнения видов портретной живописи. Для миниатюры характерен небольшой формат изображения ( от 1,5 до 20 см), а также необычайная тонкость письма и тщательная, практически ювелирная прорисовка всех линий. Миниатюрные портреты вставляли в медальоны, украшали ими часы, браслеты, броши, перстни и табакерки.

 

Жак Августин » Вакханка» — миниатюрный портрет ( 1799 год). Кость, акварель, гуашь. Размер 8 см ( круг).

 

 Пейзаж

Пейзаж представляет собой отдельный жанр живописи, основным объектом изображения которого является природа в первозданном виде или несколько измененная в процессе деятельности человека.

 

Константин Крыжицкий » Дорога» ( 1899 год).

 

Жанр пейзажной живописи известен с древнейших времен. Однако в средние века он несколько теряет свою актуальность. Но уже в эпоху Ренессанса пейзаж возрождается и приобретает значение одного из важнейших жанров в живописном искусстве.

 

Жан — Франсуа Милле » Весна».

 

Марина

Марина ( от латинского слова » marinus» — » морской») — особый жанр живописи, в котором все изображаемые события, виды человеческой деятельности и картины природы посвящены морю. Зачастую на полотнах изображены морские пейзажи в разное время года и при различном освещении.

 

И. К. Айвазовский » Девятый вал» ( 1850 год).

 

Художников, рисующих морские просторы в различных их проявлениях, называют » маринистами». Одним из известнейших маринистов является Иван Айвазовский, создавший свыше 6 тысяч картин на морскую тематику.

 

Иван Айвазовский » Радуга» ( 1873 год).

 

Историческая живопись

Жанр исторической живописи зародился в эпоху Возрождения, когда художники стремились отразить в своих полотнах сцены из жизни общества в различные периоды истории.

Однако на исторических полотнах могли  изображаться не только картины из жизни реальных людей, но и мифологические сюжеты, а также иллюстрированное переосмысление библейских и евангелийских историй.

 

Доменико Беккафуми » Воздержание Сцилиона Африканского» ( около 1525 года).

 

Историческая живопись служит для отображения событий прошлого, наиболее важных для конкретного народа или всего человечества в целом.

 

Франциско Прадилья » Крещение принца Хуана, сына Фердинанда и Изабеллы» ( 1910 год).

 

Батальная живопись

Одной из разновидностей исторического жанра является батальная живопись, тематика изображений которой посвящена главным образом военным событиям, знаменитым сражениям на суше и на море, а также военным походам. Батальный жанр охватывает историю военных столкновений за всю историю существования человеческой цивилизации.

При этом батальные полотна отличаются большим количеством и многообразием изображенных фигур, а также достаточно точными картинами местности и особенностей архитектуры того или иного региона.

 

Франсуа Эдуар Пико » Осада Кале» ( 1838 год).

 

Перед художником — баталистом стоит несколько сложнейших задач:

1. Показать героику войны и показать поведение наиболее отважных воинов.
2. Запечатлеть особо важный или переломный момент сражения.
3. Раскрыть в своем произведении полный исторический смысл военных событий.
4. Точно и четко выразить поведение и переживания каждого из участников битвы — как знаменитых полководцев, так и рядовых солдат.

 

Жан — Батист Дебре » Наполеон выступает перед баварскими войсками в Абенсберге 20 апреля 1809 года.

 

Следует отметить, что жанр батальной живописи считается одним из самых сложных, поэтому подобные полотна создаются мастерами длительное время — порой по десятку лет. От художника требуется не только отличное знание подробной истории изображаемого сражения, но и умение создавать многофигурные полотна с большим количеством вспомогательных деталей. Это и картины природы, и элементы архитектуры, и изображение оружия или военных механизмов. Поэтому батальный жанр занимает особое место и стоит отдельно от исторической живописи.

 

Фрагмент Бородинской панорамы.

 

Натюрморт

Натюрмортом называется создание на полотнах композиций из  неодушевленных предметов в различных их сочетаниях. Наиболее популярными являются изображения посуды, вазонов с букетами цветов и фруктов на блюде.

 

Сезанн » Угол стола» ( 1895 — 1900 годы).

 

Изначально тематика изображений в жанре натюрморта возникла на рубеже XV — XVI столетий, но окончательное оформление жанра в отдельное направление живописи произошло в XVII веке. Первыми создателями натюрмортов были голландские и фламандские художники. Позднее натюрморт занял важное место и в творчестве русских художников.

 

Виллем Клас Хеда, Натюрморт ( 1637 год).

 

Тематика изображений в натюрмортах может быть весьма богатой и многообразной, и не ограничивается исключительно бытовыми предметами. Это могут быть книги, журналы и газеты, бутылки, статуэтки, глобус и многие другие объекты.

 

Давид Тенирс Младший. Натюрморт ( 1645 — 1650 годы).

 

Одним из ответвлений жанра можно считать с центральным изображением черепа. Этот подвид жанровой живописи условно называют » Суета сует»  или Vanitas ( в переводе с латинского звучит как » тщеславие, суета»).

Главной идеей композиций в жанре Vanitas является мысль о конечности земного бытия и смирении перед неизбежностью перехода в мир иной. Наибольшую популярность натюрморты с изображением черепа в центре композиции приобрели в XVI — XVII столетиях во Фландрии и Нидерландах. Чуть позже к нему стали обращаться французские и испанские художники.

 

Питер Клас » Натюрморт с черепом».

 

Жанровая живопись

В изобразительном искусстве жанровая живопись считается частью бытового жанра. С древнейших времен художники изображали сцены бытовой жизни простых людей — крестьян, ремесленников, торговцев, а также слуг знатных придворных в процессе трудовой деятельности или в повседневной жизни их семей.

 

Габриель Метсю » Продавец птиц» ( 1662 год).

 

Первые образцы жанровых картин в современном понимании появились в эпоху Средневековья, и впоследствии получили повсеместное распространение и популярность. Тематика жанровых полотен характеризуется завидным разнообразием, чем и вызывает интерес зрителей.

 

Бернардо Строцци » Кухарка» ( 1625 год).

 

Архитектурная живопись

Архитектурная живопись — особенный живописный жанр, тематика которого посвящена изображению зданий, сооружений и различных памятников архитектуры, а также наиболее интересных решений интерьера в историческом аспекте. Имеется в виду изображение внутреннего оформления дворцов, театральных и концертных залов и так далее.

 

Адольф Вегелин ( картина создана в 1845 году).

 

Благодаря подобным картинам зритель имеет возможность воочию увидеть памятники архитектуры в первозданном виде глазами самого художника. Произведения архитектурной живописи также помогают в изучении архитектурного ландшафта городов ушедших времен.

 

Луи Дагер » Туман и снег, видимые сквозь разрушенную готическую колоннаду» ( 1826 год).

 

Анималистическая живопись

Анималистический жанр — отдельный жанр живописного искусства, который специализируется главным образом на изображении животного мира нашей планеты. На картинах данного жанра мы можем видеть животных, птиц, рыб, а также представителей многих других видов в естественной среде их обитания.

 

Джордж Стаббс » Спящий леопард» ( 1777 год).

 

Однако это не значит, что темой изображения анималистического жанра являются только дикие животные. Напротив, художники очень часто пишут картины, посвященные домашним любимцам — кошкам, собакам, лошадям и так далее.

 

Паулюс Поттер ( 1649 год).

 

Декоративная живопись

Жанр декоративной живописи можно условно разделить на несколько видов, имеющих свои отличия:

• Монументальная живопись
• Театральная декорационная живопись
• Декоративная роспись

Видовое разнообразие декоративного жанра объясняется тем, что художники во все времена старались украсить каждый объект окружающего мира.

 

Потолок ратуши в Тулузе

 

• Монументальная живопись — жанр монументального искусства, произведения которого имеют достаточно масштабный характер и используются в качестве декоративного оформления зданий и сооружений светского и культового характера различного назначения ( храмов и церквей, офисных зданий и культурных сооружений, архитектурных памятников и жилых домов).

 

Фреска из оформления виллы в Боскореале.

 

• Театральные декорации — это весьма востребованный вид декоративного жанра, который включает в себя создание декораций и эскизов костюмов для персонажей театральных постановок и героев кинофильмов, а также зарисовки отдельных мизансцен. Художники — декораторы в театре и на съемочной площадке порой создают настоящие шедевры, которые впоследствии входят в число лучших декораций театра и кино.

 

Театральная декорация

 

• Декоративная роспись — представляет собой сюжетные композиции или орнаментальный декор, созданный на различных частях зданий и сооружений, а также на образцах декоративно — прикладного искусства, берущего свои истоки в народных художественных промыслах. Основными видами расписываемых изделий была посуда, предметы быта, мебель и так далее.

 

Декоративная роспись подносов

 

итайская портретная живопись Источник: http://zen-designer.

ru/artists/305-chinese-portet: kovlam — LiveJournal

17-й век, закат династии Цинь. Христианские миссионеры привезли в Китай живописные картины по сюжетами христианского мифотворчества, что положило начало глубокой интеграции масляной живописи в традиционное китайское искусство.

Как разновидность масляной живописи, жанр портрета имеет совсем иную историю на Востоке, нежели на Западе. В Китае он появился сравнительно поздно. Феодальное общество было сосредоточено вокруг личности императора, потому история знает лишь произведения, отражающие имперское правление. После революции, несмотря на заметное укрепление демократии и свободы, китайское общество еще очень долгое время пребывало в смятении. Особенно после войны в период социальной нестабильности, замедленного экономического развития, отсутствия уважения к правам человека.

Страна обновилась. Портрет все еще находится на крайне низком уровне, главным образом потому, что нет потребности, нет заказчиков. Основной формой искусства становится жанровая картина революционной тематики. Новое правительство во главе с Мао уделяет много внимания и финансов на развитие теории искусства, направленного на отражение трудового быта простых рабочих. Главными действующими лицами таких картин становятся вожди, лидеры социальных групп, солдат и героев революции. Человек сам по себе не важен, важна группа людей. Если это не портрет руководителя, значит картина несерьезна.

Подлинное искусства портрета стало развиваться в Китае только после 80-х. Реформы и «политика открытых дверей» изменила социальную и экономическую жизнь, литературный и художественный подход. Культурная жизнь народа меняется. Жанр портрета вступает в зрелый период. Конец 80-х и начало 90-х стали лучшим периодом портретной живописи. Многие художники обратились к этому жанру. Для большинства он стал основным источником заработка. Новое поколение художников искало новые формы выразительного языка, что привело к появлению самых различных стилей. Портретист старался как можно более полно отразить в композиции внутренний мир человека, состояние его души.

К большому огорчению, нет названий ни к одной картине. Чтож, довольствоваться придется лишь их просмотром.

Самые популярные современные художники мира. Картины современных художников мира

На сегодняшний день современная живопись набрала немыслимую популярность, поэтому стала известна не только своей тенденцией к расширению границ и исследованию новых выразительных средств, но и рекордными цифрами продаж на рынке современного искусства за последние несколько лет. Причем успехом пользуются художники практически со всего мира, от Америки и до Азии. Далее вы узнаете, чьи имена представляет лучшая современная живопись в мире , кто же он, самый дорогой современный художник, и кто чуточку не дотянул до этого звания.

Самые дорогие современные художники

Среди того несметного количества имен, которые насчитывает современная живопись, картины лишь определенных художников пользуются исключительным успехом. Среди них самые дорогие картины оказались у известного неоэкспрессиониста и граффитчика Жана-Мишеля Баскиа, который, однако, погиб в возрасте 27 лет. В нашем же списке вы увидите лишь первую семерку тех состоятельных художников, которые здравствуют и по сей день.

Брайс Марден

Работы этого американского автора довольно трудно классифицировать и привести к единому арт-направлению, хотя его часто относят к представителям то минимализма, то абстракционизма. Но в отличие от художников в этих стилях, к чьим картинам будто бы никто никогда не прикасался, современная живопись Мардена сохраняет в себе мазки мастихином и другие следы его работы. Одним из тех, кто повлиял на его творчество, считается другой современный художник Джаспер Джонс, имя которого вы еще встретите далее.

Цзэн Фаньчжи

Данный современный художник — одна из главных фигур китайской арт-сцены на сегодня. Именно его работа под названием «Тайная вечеря», созданная по мотивам знаменитого произведения Леонардо да Винчи, была продана за 23,3 миллиона долларов и стала самой дорогостоящей картиной, которой может похвалиться современная азиатская живопись. Известными также являются работы художника «Автопортрет», триптих «Госпиталь» и живопись из серии «Маски».

В 90-е годы стиль его живописи часто претерпевал изменения и в итоге ушел от экспрессионизма в символизм.

Питер Дойг

Питер Дойг — всемирно известный шотландский современный художник, чье творчество пронизывает тема магического реализма. Многие его работы имеют свойство дезориентировать зрителя, даже когда они изображают узнаваемые образы вроде фигур, деревьев и зданий.

В 2015 году его картине «Swamped» удалось побить рекорд и получить звание самой дорогой картины современных художников из Шотландии, будучи проданной на аукционе за 25,9 миллиона. Популярны и полотна Дойга «Дом архитектора в лощине», «Белое каноэ», «Отражение», «Придорожная закусочная» и другие.

Кристофер Вул

В своем творчестве современный художник Кристофер Вул исследует различные постконцептуальные идеи. Наиболее известные современные картины художника представляют собой блочные надписи, изображенные черным цветом на белом полотне.

Подобные картины современных художников вызывают массу споров и недовольств среди приверженцев традиционной живописи, но, так или иначе, одна из работ Вула — «Апокалипсис», — принесла ему 26 миллионов долларов. Над заголовками картин Вул долго не думает, а называет их соответственно надписям: «Синий дурак», «Неприятности» и т. п.

Джаспер Джонс

Современный художник Джаспер Джонс известен своим бунтарским отношением к абстрактному экспрессионизму, который господствовал на арене живописи в начале карьеры художника. Более того, он работает, создавая дорогостоящие полотна с флагами, номерными знаками, цифрами и другими общеизвестными символами, которые уже обладают ясным значением и разгадывать их не нужно.

Кстати, в самые дорогие картины современных художников входит работа американца «Флаг», проданная на аукционе в 2010 году за 28 миллионов долларов. Можете также посмотреть на работы «Три флага», «Фальстарт», «От 0 до 9», «Мишень с четырьмя лицами» и многие другие.

Герхард Рихтер

Этот современный художник из Германии, как и многие живописцы в начале своего пути, обучался реалистичной академической живописи, но впоследствии увлекся более прогрессивным искусством.

В творчестве автора можно увидеть влияние многих арт-направлений XX века, таких, как абстрактный экспрессионизм, поп-арт, минимализм и концептуализм, но вместе с этим Рихтер сохранил скептическое отношение ко всем устоявшимся художественным и философским убеждениям, будучи уверенным в том, что современная живопись — это динамика и поиск. К работам художника относятся «Страна лугов», «Чтение», «1024 цвета», «Стена» и т. д.

Джефф Кунс

И, наконец, вот он — самый дорогой современный художник всего мира. Американец Джефф Кунс работает в стиле нео-поп и известен своим броским, китчевым и вызывающим творчеством.

В основном он известен как автор огромного множества современных скульптур, часть которых выставлялись в самом Версале. Но также среди работ художника есть и картины, за которые особые ценители готовы отдать миллионы долларов: «Колокол свободы», «Авто», «Девушка с дельфином и обезьяной», «Седло» и другие.

Забирай себе, расскажи друзьям!

Читайте также на нашем сайте:

Показать еще

Крупные международные аукционы все чаще включают современных русских художников в свои торги послевоенным и современным искусством. В феврале 2007 года Sotheby’s провел первые и ставшие почти сенсационными специализированные торги русским contemporary art, которые принесли 22 аукционных рекорда. «Артгид» решил выяснить, кто же из наших современных художников собрал самые большие суммы на международных аукционах и, составив топ-10 самых дорогих ныне живущих русских художников по результатам аукционных продаж, обнаружил некоторые любопытные закономерности. Все цены продаж приводятся по данным аукционных домов с учетом премии покупателя.

Александр Виноградов и Владимир Дубосарский. Ночной фитнес. Фрагмент. Courtesy авторы (www.dubossarskyvinogradov.com)

Разумеется, не могло быть никаких сомнений в том, кто именно стал лидером аукционной гонки: грандиозного «Жука» Ильи Кабакова, проданного в феврале 2008 года на Phillips de Pury почти за £3 млн, помнят, наверное, все, кто интересуется современным искусством. Забавный детский стишок, текст которого написан на деревянной панели с жуком, даже приобрел в искусствоведческо-рыночной интерпретации глубокомысленную интонацию: «Вырывается мой жук, прыгает, стрекочет, он в коллекцию мою попадать не хочет» — это метафорически означает азарт коллекционера современного искусства, за этого самого жука торгующегося. (Процитированный Кабаковым стих, сочиненный архитектором А. Масленниковой, поэтом-любителем из Воронежа, напечатан в детском сборнике стихов, считалок и загадок «Между летом и зимой», вышедшем в 1976 году в издательстве «Детская литература», — а Кабаков эту книжку иллюстрировал. Правда, того жука в его черно-белых иллюстрациях не было).

Следует добавить, что если бы мы составляли не топ-10 самых дорогих ныне живущих художников, а топ-10 их самых дорогих работ, то картины Кабакова заняли бы в этом списке первые три места. То есть три самых дорогих произведения ныне здравствующего русского художника принадлежат именно ему — помимо «Жука» это «Номер люкс» 1981 года (Phillips de Pury, Лондон, 21 июня 2007, £2,036 млн) и «Каникулы № 10» 1987 года (Phillips de Pury Лондон, 14 апреля 2011, £1,497 млн). Вдобавок ко всему, щедрый Кабаков «подарил» еще один рекорд венскому аукциону Dorotheum — год назад, 24 ноября 2011 года картина «В университете» ушла там за €754,8 тыс., став самым дорогим произведением современного искусства, когда-либо проданным на этом аукционе.

Серебряного призера, вероятно, многие также назовут без труда — это Эрик Булатов, чей холст «Слава КПСС» был продан за рекордную для художника сумму на том же самом аукционе Phillips de Pury, что и кабаковский «Жук».

А вот третье место нонконформиста Евгения Чубарова, чья поздняя работа «Без названия» ушла в июне 2007 года на Phillips de Pury за £720 тыс. , можно было бы назвать неожиданностью, если бы не тот факт, что несколькими месяцами раньше, в феврале того же года Чубаров уже произвел сенсацию на Sotheby’s в Лондоне, на специализированных торгах российским современным искусством, где его работа с тем же названием (точнее, без него) была продана за £288 тыс. (при верхней границе эстимейта в £60 тыс.), не только побив предполагаемый топ-лот того аукциона, картину Булатова «Революция — Перестройка» (цена продажи £198 тыс.), но и став самым дорогим на тот момент произведением ныне живущего русского художника. Кстати, вот она, ирония колебания курсов валют: в ноябре 2000 года полиптих Гриши Брускина был продан в Нью-Йорке за $424 тыс., и тогда в фунтах стерлингов это составляло £296,7 тыс., а в феврале 2007 года, когда устанавливал свой первый рекорд Чубаров, — уже только £216,6 тыс.

Произведения обладателей четвертого места Виталия Комара и Александра Меламида — нередкие и довольно успешные лоты западных аукционов, хотя их эстимейты редко превышают £100 тыс. Вторая по цене работа дуэта — «Ялтинская конференция. Суд Париса» — была продана на аукционе Macdougall’s в 2007 году за £184,4 тыс. Но следует учесть, конечно, что картина, принесшая им четвертое место, принадлежит к довольно ранним и редко появляющимся на аукционах работам и что она экспонировалась в 1976 году на первой (и очень громкой) заграничной выставке Комара и Меламида в галерее Рональда Фельдмана в Нью-Йорке.

Следующие за Комаром и Меламидом Олег Васильев и Семен Файбисович стабильно держат на аукционах высокую планку. Васильев был третьим на том необыкновенно успешном аукционе Phillips de Pury 2008 года, который принес рекорды Илье Кабакову и Эрику Булатову, а Файбисович — четвертым. Тогда картина Васильева «Вариация на тему обложки журнала “Огонек”» 1980 года была продана за ₤356 тыс. при эстимейте ₤120 тыс., а «Еще один взгляд на Черное море» Файбисовича 1986 года — за £300,5 тыс. при эстимейте £60-80 тыс. Работы обоих художников часто приносят на аукционах шестизначные суммы.

Правда, аукционную славу Файбисовичу принесли вовсе не рекордные «Солдаты», а картина «Красавица», проданная на Sotheby’s 12 марта 2008 года — это были вторые по счету торги аукционного дома современным русским искусством, если не считать московского аукциона 1988 года. Картина (другое ее название — «Первое мая») ушла тогда за £264 тыс. при эстимейте £60-80 тыс., между покупателями за нее развернулось настоящее сражение. Еще одна картина Файбисовича «На московской улице» на том аукционе превысила эстимейт в два раза и была продана за £126 тыс. Добавим, что, по данным портала Artprice, Семен Файбисович — единственный из российских художников, вошедших в топ-500 самых продаваемых в 2011-2012 годах.

Примерно то же самое можно сказать и о занимающем восьмое место в топ-10 Олеге Целкове. Уже полвека назад нашедший свой стиль и тему, узнаваемый и авторитетный художник, он регулярно снабжает аукционы своими флуоресцентными круглыми рожами, имеющими неизменный успех. Вторая по цене картина Целкова «Пять лиц» продалась в июне 2007 на MacDougall’s за £223,1 тыс. , третья, «Двое с жуками», — в ноябре того же года на том же аукционе (MacDougall’s всегда выставляют на торги нескольких Целковых разного ценового диапазона) за £202,4 тыс.

Грише Брускину в аукционной истории русского современного искусства выпала особая роль еще с 1988 года, с московского аукциона Sotheby’s под названием Russian Avant-Garde and Soviet Contemporary Art, где его «Фундаменталный лексикон» был продан за сенсационные £220 тыс., в 12 раз выше эстимейта. Примерно то же самое, а может быть, даже еще сенсационнее, произошло и с полиптихом «Логии. Часть I» в 2000 году на Christie’s в Нью-Йорке: полиптих ушел за $424 тыс., превысив верхнюю планку эстимейта в 21 (!) раз — уже одно это может считаться своеобразным рекордом. Вероятнее всего, эта необычайная покупка обусловлена не в последнюю очередь значимостью имени Брускина как героя легендарных московских торгов Sotheby’s, потому что никакие другие аукционные продажи Брускина даже близко не подходят к этим суммам.

Цена на Оскара Рабина не колеблются, а неуклонно и очень заметно растут, особенно на работы советского периода — все самые дорогие проданные на аукционах работы этого мастера написаны в конце 1950-х — начале 1970-х годов. Это (помимо его рекордного «Социалистического города») «Бани (Нюхайте одеколон “Москва”, 1966, Sotheby’s, Нью-Йорк, 17 апреля 2007, $336 тыс.) и «Скрипка на кладбище» (1969, Macdougall’s, Лондон, 27 ноября 2006, £168,46).

Десятку сильнейших замыкают представители более молодого поколения — Александр Виноградов и Владимир Дубосарский, чьи самые дорогие картины были проданы на Phillips de Pury (вторая по стоимости — «Последняя бабочка», 1997, Phillips de Pury, Нью-Йорк, $181 тыс.). Эти художники, в общем, продолжают тенденцию, довольно отчетливо заметную в рейтинге самых дорогих картин ныне живущих художников. О ней речь чуть ниже, а пока вот, наконец, список самых дорогих произведений ныне живущих русских художников.

Топ-10 произведений ныне живущих российских художников

1. Илья Кабаков (р. 1933). Жук. 1982. Дерево, эмаль. 226,5 x 148,5. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 28 февраля 2008. Эстимейт £1,2-1,8 млн. Цена продажи £2,93 млн.

2. Эрик Булатов (р. 1933). Слава КПСС. 1975. Холст, масло. 229,5 х 229. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 28 февраля 2008. Эстимейт £500-700 тыс. Цена продажи £1,084 млн.

3. Евгений Чубаров (р. 1934). Без названия. 1994. Холст, масло. 300 х 200. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 22 июня 2007. Эстимейт £100-150 тыс. Цена продажи £720 тыс.

4. Виталий Комар (р. 1943) и Александр Меламид (р. 1945). Встреча Солженицына и Белля на даче у Ростроповича. 1972. Холст, масло, коллаж, золотая фольга. 175 х 120. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 23 апреля 2010. Эстимейт £100-150 тыс. Цена продажи £657,25 тыс.

5. Олег Васильев (р. 1931). Перед закатом. 1990. Холст, масло. 210 x 165. Аукцион Sotheby’s, Лондон, 12 марта 2008. Эстимейт £200-300 тыс. Цена продажи £468,5 тыс.

6. Семен Файбисович (р. 1949). Солдаты. Из серии «Вокзалы». 1989. Холст, масло. 285,4 x 190,5. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 13 октября 2007. Эстимейт £40-60 тыс. Цена продажи £311,2 тыс.

8. Олег Целков (р. 1934). Мальчик с воздушными шариками. Холст, масло. 103,5 х 68,5. Аукцион MacDougall’s, Лондон, 28 ноября 2008. Эстимейт £200-300 тыс. Цена продажи £238,4 тыс.

9. Оскар Рабин (р. 1928). Город и луна (Социалистический город). 1959. Холст, масло. 90 х 109. Аукцион Sotheby’s, Нью-Йорк, 15 апреля 2008. Эстимейт $120-160 тыс. Цена продажи $337 тыс. (£171,4 по курсу доллара к фунту стерлингов на апрель 2008 года).

10. Александр Виноградов (р. 1963) и Владимир Дубосарский (р. 1964). Ночная тренировка. 2004. Холст, масло. 194,9 x 294,3. Аукцион Phillips de Pury & Company, Лондон, 22 июня 2007. Эстимейт £15-20 тыс. Цена продажи £132 тыс.

Известно, что аукционные цены — вещь иррациональная и по ним нельзя судить об истинной роли и значимости художника в художественном процессе. Зато по ним и по топ-лотам можно примерно судить о коллекционерских предпочтениях. Каковы же они? Чтобы ответить на этот вопрос, не нужно быть экспертом. Они очевидны. Во-первых, все художники (разве что кроме Александра Виноградова и Владимира Дубосарского) — «живые классики» в летах, причем весьма солидных. Во-вторых, почти у каждого из них рекорды установили не работы последних лет, а намного более ранние, то есть закономерность «чем старше — тем лучше» актуальна и здесь. В-третьих, все без исключения произведения из топ-10 представляют собой станковые картины. В-четвертых, это все картины большого и очень большого размера. Более или менее «стандартными» в этом отношении можно считать разве что «Город и луну» Оскара Рабина и «Мальчика с воздушными шариками» Олега Целкова, все же остальные здорово превышают в высоту (даже не в ширину) человеческий рост. Наконец, для всех этих художников так или иначе актуальна тема советского (в частности, нонконформистского) прошлого, во многих случаях акцентированная в их работах. Похоже, наши коллекционеры испытывают острую ностальгию по этому самому советскому прошлому (общеизвестно, что русское искусство на Западе покупают именно русские собиратели).

Более молодые, чем остальные лидеры аукционных продаж, Александр Виноградов и Владимир Дубосарский несколько упрямо пытаются выломиться из десятки суровых нонконформистов, но это только на первый взгляд. На самом деле если представить себе, кто из следующего за Кабаковым, Булатовым, Рабиным, Васильевым, Целковым поколения наилучшим образом может соответствовать вышеперечисленным критериям покупаемости (станковые картины больших размеров, перепевы советских жанров, мотивов и стилистики), то, вероятно, это и окажутся Виноградов и Дубосарский, достойные наследники мэтров предшествующих десятилетий. По крайней мере если судить по аукционным продажам.

Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления. Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи. В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина. Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь. Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма. Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

Мир полон творческих людей и с каждым днём появляются сотни новых картин, пишутся новые песни. Конечно, в мире искусства, не обходится без оплошностей, но есть такие шедевры настоящих мастеров, которые просто захватывают дух! Их работы мы вам сегодня и покажем.

Дополненная карандашом реальность

Фотохудожник Бен Хейн (Ben Heine) продолжил работу над своим проектом, который представляет собой смесь карандашных рисунков и фотографии. Сначала он делает от руки набросок карандашом на бумаге. Затем фотографирует рисунок на фоне реального объекта и дорабатывает получившееся изображение в фотошопе, добавляя контраст и насыщенность. В результате получается волшебство!

Иллюстрации Алисы Макаровой

Алиса Макарова — талантливая художница из Санкт-Петербурга. В век, когда большинство изображений создается при помощи компьютера, интерес нашей соотечественницы к традиционным формам живописи вызывает уважение. Один из последних ее проектов — триптих «Vulpes Vulpes», на котором можно увидеть очаровательных огненно-рыжих лисиц. Красота, да и только!

Изящная гравировка

Художники по дереву Поль Роден и Валерия Лу объявили о создании новой гравюры под названием «Моль». Кропотливая работа и изящное мастерство авторов не оставляют равнодушными даже самых упертых скептиков. Гравюра будет представлена на предстоящей выставке в Бруклине 7 ноября.

Рисунки шариковой ручкой

Наверное, каждый хоть раз на лекциях вместо того, чтобы записывать слова преподавателя, рисовал в тетрадке различные фигурки. Была ли художница Сара Эстеж (Sarah Esteje) в числе таких студентов неизвестно. Но то, что ее рисунки шариковой ручкой впечатляют — неоспоримый факт! Сара просто доказала, что совсем не нужно иметь каких-то особенных материалов для того, чтобы создать что-то действительно интересное.

Сюрреалистические миры Артема Чебохи

Российский художник Артем Чебоха создает невероятные миры, где существует лишь море, небо и бесконечная гармония. Для своих новых работ художник выбрал очень поэтичные образы — странник, путешествующий по неизведанным местам и киты, кружащие в облаках-волнах, — полет фантазии у этого мастера просто безграничный.

Точечные портреты

Кто-то задумывается над техникой мазка, кто-то над контрастом света и тени, ну а художник Пабло Руис Хурадо (Pablo Jurado Ruiz) рисует точками! Художник развил идеи жанра пуантилизма, присущий еще авторам эпохи неоимпрессионизма, и создал свой собственный стиль, где детали решают абсолютно все. Тысячи касаний к бумаге в результате создают реалистичные портреты, которые так и хочется разглядывать.

Картины из дискет

В эпоху, когда многие вещи и технологии устаревают со скоростью проходящего мимо экспресса, довольно часто приходится избавляться от ненужного хлама. Однако, как оказалось, не все так печально, и из старых предметов можно сделать очень даже современное произведение искусства. Английский художник Ник Гентри (Nick Gentry) собрал у друзей квадратные дискеты, взял баночку краски, да и нарисовал на них потрясающие портреты. Получилось очень красиво!

На грани реализма и сюрреализма

Берлинский художник Хардинг Мейер (Harding Meyer) очень любит рисовать портреты, но дабы не стать очередным гиперреалистом, он решил поэкспериментировать и создал серию портретов на грани реальности и сюрреализма. Эти работы позволяют взглянуть на человеческое лицо как на нечто большее, чем просто «сухой портрет», выделяя его основу — образ. В результате таких поисков работы Хардинга заметила Галерея современного искусства в Мюнхене, которая будет выставлять работы художника уже 7 ноября.

Картины пальцем на Ipad

Многие современные художники экспериментируют с материалами для создания картин, однако японец Сейкоу Ямаока (Seikou Yamaoka) переплюнул их всех, взяв в качестве полотна свой Ipad. Он просто установил приложение ArtStudio и принялся не просто рисовать, а воспроизводить самые известные шедевры искусства. Причем делает он это не какими-то специальными кистями, а пальцем, что вызывает восхищение даже у людей, далеких от мира искусства.

«Деревянная» живопись

Используя все, от чернил до чая, художница по дереву Мэнди Цзун (Mandy Tsung) создала по-настоящему завораживающие картины, наполненные страстью и энергией. В качестве основной тематики она выбрала загадочный образ женщины и ее положение в современном мире.

Гиперреалист

Каждый раз, когда вы находите работы художников-гиперреалистов, то невольно задаете себе вопрос: «Зачем они всем этим занимаются?» У каждого из них свой ответ на это и порою довольно противоречивая философия. Но художник Дино Томик говорит прямо: «Я просто очень люблю свою семью». День и ночь он рисовал и пытался не упустить ни одной детали из портрета своих родных. На один такой рисунок у него уходило как минимум 70 часов работы. Говорить о том, что родители были в восторге, значит ничего не сказать.

Портреты из солдатиков

18 октября в лондонской галерее Opera Gallery стартовала выставка работ Джо Блэка (Joe Black) под названием «Ways of Seeing». Для создания своих картин художник использовал не только краски, но и самые необычные материалы — болты, нагрудные значки и многое другое. Однако основным материалом послужили….игрушечные солдатики! Самыми интересными экспонатами экспозиции можно назвать портреты Барака Обамы, Маргарет Тэтчер и Мао Цзэдуна.

Чувственные портреты маслом

Корейская художница Ли Рим (Lee Rim) еще пару дней назад была не так известна, однако ее новые картины «Девушки в краске» вызвали широкий отклик и резонанс в мире искусства. Ли говорит: «Главной темой моей работы являются человеческие эмоции и психологическое состояние. Даже при том, что мы живем в различных средах, в определенный момент времени мы чувствуем то же самое, когда мы смотрим на объект.» Возможно именно поэтому, смотря на ее работы, хочется понять эту девушку и проникнуться ее мыслями.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

МоМА | Популярная культура

В конце 19 века во Франции развлечение для широкой публики развивалось и росло, оказывая влияние на популярную культуру. Среди новых форм развлечения было кабаре, где люди могли пить, есть и смотреть живые выступления в непринужденной, шумной обстановке. В 1880-х годах по всему Парижу начали открываться кабаре, которые в конечном итоге распространились на другие европейские города и Соединенные Штаты. Художники, писатели и другие представители творческой тусовки были в гуще толпы, с энтузиазмом посещавшей парижские кабаре.

Певцы и танцоры, выступавшие в кабаре, пользовались растущим признанием за свои таланты. Художники способствовали своей растущей известности, создавая изображения себя и своей аудитории. Инновации в гравюре позволили художникам создавать и распространять многочисленные копии своих работ. Они разработали плакаты, рекламирующие кабаре, а также художественные салоны, концерты и чтения, предлагаемые публике, что положило начало графическому дизайну и рекламе.

Чтобы узнать больше, нажмите на миниатюру каждой иллюстрации, затем снова нажмите на увеличенное изображение, которое появляется в поле выше.

Изображение человека или предмета в произведении искусства.

Контекст или среда, в которой возникает ситуация.

Культурная деятельность, идеи или продукты, которые отражают или нацелены на вкусы широких слоев населения любого общества.

Визуальное представление или рисунок на поверхности.

Вопросы и занятия

1. Культ знаменитостей в продвижении культуры

   Подумайте о том, как популярная культура распространяется в вашем окружении.Найдите несколько изображений знаменитостей, продающих товар или идею. Как эта знаменитость помогает продвигать продукт или идею больше, чем это сделал бы человек, не являющийся знаменитостью?

   Напишите короткое эссе о роли знаменитостей в продвижении массовой культуры. Подумайте о различных каналах, через которые знаменитости могут развивать свой имидж и продвигать свои идеи. Какова роль СМИ (телевидение, газеты и журналы, Интернет, платформы социальных сетей) в создании идеи знаменитости? Поделитесь своим эссе с другом.

2. Анализ рекламы и создание собственной

   Найдите три объявления, которые вам нравятся. Попробуйте ответить на следующие вопросы для каждого из них:

   Кто изображен в рекламе?
   Кто является целевой аудиторией?

   На какой из следующих методов убеждения опирается каждая реклама?
   Визуальные метафоры
   Броские фразы
   Настроение/тон/эмоции
   Одобрения
   Знаменитости
   Музыка/звук

   Создайте рекламу чего-то в своей жизни, используя все вышеперечисленные методы убеждения.Как разбор этих трех рекламных объявлений помог вам лучше понять методы рекламодателей?

Исторические подходы к современной портретной практике

Фрагмент картины Майкла Джеймса Коллинза «Молодой архитектор».

Мэтью Джеймс Коллинз уже более 20 лет обучает успешных художников. Его учебная мастерская во Флоренции, Италия, предлагает различные варианты обучения.Круглый год проводятся мастер-классы по рисованию портретов.

Спонсором этой статьи является Realism Live: Глобальная конференция виртуального искусства .
Зарегистрируйтесь сейчас и сохраните.

Исторические подходы к современной портретной практике

Мэтью Джеймс Коллинз

Искусство происходит от искусства. Искра, которая зажигает страсть у начинающих художников, часто бывает связана с работой или произведениями искусства — по крайней мере, так случилось со мной.Вдохновленный картинами в Художественном институте Чикаго в детстве, я знал, что хочу стать художником. Мое стремление рисовать, раскрашивать и лепить имело цель. Этот преобразующий шаг положил начало многогранному путешествию, которое включало внутренний рост за счет эстетической привлекательности внешнего мира. Выдающиеся шедевры стали маяками, а их авторы — проводниками в поисках. История искусства — это нечто большее, чем просто набор дат и образов, каталогизированных в прошлом, превратившихся в мифологию. Он напомнил о героических путешествиях тех, кто был раньше.Помимо анекдотов, отдельные эпизоды давали представление о практике и технике языка, используемого для выражения их эстетического видения.

В 1990-е годы в образовании по фигуративному искусству существовал определенный вакуум. Никакие доступные формальные структуры не предлагали навыков, необходимых для создания произведений, которыми я восхищался. Техника не поощрялась в университетских художественных программах. Отсутствие возможностей вынудило создать альтернативный путь. Мой интерес к исследованию техник и практик художников прошлого начался.

Капитан Джордж К. Х. Куссмейкер — Джошуа Рейнольдс

Окончательный документ о формировании художников был создан британским школьным портретистом и основателем Королевской академии художеств Джошуа Рейнольдсом. В своих дискурсах , серии лекций, прочитанных в академии между 1769 и 1790 годами, Рейнольдс описывает сферу искусства и правильный курс его изучения. Они были специально направлены на студентов, изучающих искусство, и рассматривали взаимосвязь между искусством, опытом и ремеслом.Изучение искусства было балансом между следованием чудесным примерам прошлого (визуальный язык) и приобретением необходимых навыков рисования и изображения того, что мы видим (навыки наблюдения). Какими бы важными ни были старые мастера, он предупреждал, что для того, чтобы по-настоящему реализовать себя как художников, мы должны изучать их, но «вместо того, чтобы идти по их стопам, стараться только идти той же дорогой». ( Беседы . Вторая беседа, стр. 71) Рейнольдс твердо чувствовал, что работа непосредственно с Природой необходима для создания значимой работы.Тем самым выражается индивидуальный голос художника.

Приняв совет Рейнольдса близко к сердцу, я развил свои навыки рисования, живописи и скульптуры, работая непосредственно с натуры, постоянно читая о курсах обучения художников до меня. Плоды моих исследований были применены на практике, подражая действиям моих героев. Интересно, что исторические эпохи, которые привлекли мое внимание, с конца 16 века до начала 19 века, совпали с появлением и, в конечном итоге, господством портретной живописи в натуральную величину.Я рисую и леплю в самых разных жанрах, но особую привлекательность всегда привлекала универсальная выразительная сила человеческого лица. Способность портретной живописи соединять время, пространство и культуру впечатляет. Нюансы мимики бесконечны. С изображением в натуральную величину исчезает невидимая стена между искусством и жизнью. Самые сильные картины, которые я видел в музеях, были фигуративными произведениями в натуральную величину. Среди избранных будут Тициан, Морони, ВанДейк, Веласкес, Рейнольдс и Рембрандт.Все эти мастера обладали психологической силой в своей головной живописи. Следовательно, в этой статье я хотел бы сосредоточить внимание на студийной практике портрета в натуральную величину масляными красками.

Мэтью Джеймс Коллинз, «Трубадур», холст, масло, 35 ½ x 47 дюймов.

После многих лет изучения источников от первого лица, рукописей и самостоятельной практики в качестве художника я обнаружил нить, соединяющую разные эпохи времени. Подспудная логика связала воедино широкий круг источников по историческим художественным практикам.Все они стремились к наиболее практичному и эффективному процессу. Результат, естественный и органичный, позволяет художнику создавать произведение, высвобождая поэзию, которая требуется искусству. Конкретная терминология со временем изменилась. Тем не менее, философия, принципы и основные этапы написания портретов маслом в натуральную величину непосредственно с натуры остались относительно неизменными, а разнообразие по праву оставлено на воображаемую силу художника. Фактически, многие остатки этих основных идей сохранились в современном фигуративном искусстве.

Это правда, что определенные технологические разработки изменили то, как многие художники воспринимают портретную живопись: фотография и искусственное освещение, в частности. Однако очень немногие авторитетные современные фигуративные художники публично отреклись бы от примата написания портретов с натуры и от превосходства естественного света. Я считаю, что повторное знакомство себя как художников с успешными методами, инструментами и техниками прошлого может только открыть творческие возможности нашей собственной работы.Стоит только обратиться к прецедентам старых мастеров (включая Сарджента), чтобы увидеть полную мощность воображения, приданную форме простыми средствами через хорошо отточенную студийную практику.

Похожая статья > Рисование портретов и испытание сангвиническим мелом

Студийная практика

В портретной картине сочетаются различные элементы. Много внимания и современных исследований уже уделено материальному аспекту масляной живописи: основам, цветам, кистям, средам и т. д.Тем не менее, практика в звуковой студии также важна. Это гибкая конструкция, которая организует все компоненты под рукой с максимальной выгодой. Это включает в себя использование действительного визуального метода, студийного пространства, освещения, размещения модели и разрушения самой картины. Когда все эти факторы объединяются в правильной пропорции, художник может более полно использовать свободу выражения, которую предлагает искусство и вдохновляет природа.

Объем документов, рукописей и источников от первого лица слишком велик, чтобы полностью поделиться им в этом контексте.Я взял на себя смелость поделиться подборкой цитат, относящихся к портретной живописи в натуральную величину (но в равной степени применимых ко всем формам живописи). Цель состоит в том, чтобы дать представление о проверенных временем аспектах успешной студийной практики.

Мэтью Джеймс Коллинз, «Молодой архитектор», холст, масло, 19 ½ x 27 ½ дюймов

Надлежащее освещение

Большинство исторических документов сходятся во мнении о важности и организации света на модели. Он должен падать сверху от одного источника света.Следует избегать прямого солнечного света, поэтому предпочтительна северная экспозиция (для Северного полушария). Большое окно предпочтительнее с системой штор для управления светом. Один источник света должен освещать модель.

Леонардо утверждает, что «Свет для рисования с натуры должен исходить с севера, чтобы он не подвергался изменениям… Высота света должна быть фиксированной, чтобы каждое тело отбрасывало на землю тень, длинную, как оно в приоритете.» (45 градусов).«Художник, стремящийся подражать природе, должен иметь источник света, который он может поднять или опустить». ( Леонардо о живописи , стр. 214-16, издательство Йельского университета, Нью-Хейвен и Лондон, 1989 г.)

Мэтью Джеймс Коллинз, «Покидая Херефорд: Джеймс Джонс», холст, масло, 19 ½ x 23 ½ дюйма.

Метод Sight Size является естественным и логичным развитием применения принципов перспективы к проблемам, связанным с логистикой портретной съемки в натуральную величину. Что такое рисование в натуральную величину? Вкратце, это практика наблюдения, при которой модель и произведение искусства визуально имеют один и тот же масштаб с основной точки наблюдения на определенном минимальном расстоянии. Этот метод лучше всего работает, когда изображение в натуральную величину, а холст расположен рядом с моделью. Артист должен находиться на расстоянии 4-8 метров от обоих. Вся визуальная информация берется с первичной точки зрения (и второстепенных), а затем художник переходит к холсту и развивает произведение по памяти, не обращаясь к модели при рисовании.Прогресс проверяется, ошибки распознаются, и по мере того, как художник регулярно возвращается к первичной и третичной точкам обзора, приобретается больше информации.

Обсуждение размера прицела и его использования стало весьма противоречивой темой среди современных педагогов и художников. Как и все инструменты, применение этого метода сильно различается и может быть использовано во благо или совершенно неправильно понято. В своей самой мощной форме Размер прицела является сравнительным измерением масштаба жизни. Он был адаптирован или даже неправильно применен для различных целей, в основном для работы в натуральную величину. К сожалению, в руках некоторых практиков он превратился в простой измерительный инструмент. Сила размера прицела заключается в его вероятном происхождении, когда он применялся для решения проблем, возникающих при рисовании портрета в натуральную величину.

По сути, расстояние является наиболее важным фактором. Только на расстоянии художник может оценить и развить отношения формы, величины и цвета, которые невозможно воспринять вблизи в масштабном произведении. Он также имитирует конечную цель любой крупномасштабной картины; то есть четко общаться на большом расстоянии с возможным зрителем с разных точек обзора.

«Hubert Robert» Элизабет-Луизы Виже-Ле Брюн

Важность просмотра своей работы с надлежащего расстояния невозможно переоценить, и это необходимо для изображений в натуральную величину. Художник раннего Возрождения, живописец и писатель Леон Баттиста Альберти в своей книге «О живописи» утверждает, что художник должен стараться «поместить себя на расстоянии… откуда он понимает, что нарисованная вещь лучше всего видна». ” (Альберти, стр. 51) Леонардо Давинчи также предлагает: «Также рекомендуется отойти на некоторое расстояние, потому что тогда работа кажется меньше, и больше ее воспринимается с первого взгляда, а отсутствие гармонии и пропорции в различных частей и в цветах объектов легче увидеть.(Да Винчи, стр. 263). В частности, портретистка 18-го века Элизабет Виже-Лебрен утверждает в своем Совете по рисованию портретов : «Вы должны быть как можно дальше от своей модели; это единственный способ уловить истинные пропорции элементов и их правильное выравнивание». (Виже-Лебрен, стр. 354)

Размещение модели

Модель должна быть размещена на пьедестале примерно на уровне глаз или чуть выше художника.Наблюдение за моделью «глаза в глаза» ставит глаза модели на один уровень с глазами художника. Это «линия горизонта» для системы перспективы уменьшает искажения. Учитывая, что окончательное размещение большинства портретных картин выше среднего уровня глаз зрителя, часто художники сажают модель немного выше уровня своих глаз. Виже-Брун подчеркивает это, заявляя: «Вы должны посадить свою модель, но на более высокий уровень, чем вы сами». (Виже-Лебрен, стр. 354)

«Менины» Диего Веласкеса

Зеркало, Истинный Мастер

Зеркало было основным инструментом для художников еще с эпохи Возрождения.Глядя на свою работу в зеркало, ошибки и ошибки становятся более очевидными. Леонардо утверждает, что «Вы должны взять зеркало своим хозяином» ( Da Vinci , p.202; Leonardo on Painting Yale University Press, New Haven and London, 1989)

Элизабет Виже-Лебрун предлагает: «У вас также должно быть зеркало, расположенное позади вас, чтобы вы могли одновременно видеть и модель, и свою картину… это лучший ориентир, и он четко покажет недостатки». (Виже-Лебрен, стр. 355). Ее совет особенно напоминает конфигурацию холста и зеркала в загадочном заявлении Веласкеса об искусстве живописи: Менины.

Большая форма и пропорции над деталями

Установление большего соотношения между высотой и шириной является сутью «Большой формы». Разработка общей структуры, пропорций и размещения перед введением деталей является обязательным условием для создания успешного портрета в натуральную величину.

Автопортрет сэра Джошуа Рейнольдса, PRA Джошуа Рейнольдса
Кредитная линия: (c) (c) Королевская академия искусств / Кредит фотографа: Джон Хаммонд /

Джошуа Рейнольдс в Discourse 11 заявляет:
«Превосходство портрета- живописи, и мы можем добавить, что даже сходство, характер и выражение лица, как я заметил в другом месте, больше зависят от общего впечатления, производимого художником, чем от точного выражения особенностей или тонкого различения части.Таким образом, главное внимание художника направлено на то, чтобы поместить черты в их надлежащие места, что так способствует созданию эффекта и истинного впечатления от целого ». ( Беседа 11 , стр.272)

«Лукан ван Уффель» Энтони Ван Дайка

Стадии развития портрета

К счастью, недавние исследования переоценили положение Антона Ван Дейка (1599-1641), придав ему известность и важность, которых он заслуживает. Ван Дейк, которым восхищались при жизни, считался лучшим художником-портретистом своего поколения и, возможно, позже.Его техника и исполнение безупречны, но не стерильны. Вундеркинд, помещенный в высокоразвитую студийную культуру Фландрии 17-го века, Ван Дейк быстро развивался. После того, как в подростковом возрасте его признали независимым мастером, он продолжал помогать Питеру Паулю Рубенсу в его студии. Немного позже Рубенс вдохновил его поехать в Италию и завершить свое формирование, испытав славу итальянского искусства. Позже Ван Дейка призвали в Англию, чтобы он работал на Карла I и его двор. Его влияние на английское искусство было огромным, и его по праву можно было считать отцом британской школы.

Автопортрет Энтони ВанДейка

Отчет о художественной теории и методах, приписываемых Ван Дейку, был записан в книге общих мест доктора Томаса Маршалла и датируется 1640-ми годами, как указано Мэнсфилдом Тэлли в его книге «Портретная живопись в Англии». : Исследования по технической литературе до 1700 г. . Процесс был разделен на четыре этапа (или сеанса): набросок, мертвая окраска (la Maniera lavata), моделирование la (Maniera sbozzata) и последние штрихи (la Maniera final).(Tally, стр. 150-51) Сильное влияние итальянского искусства видно в выборе терминологии.

Эскиз

В самом начале фигуры нарисованы углем линейно. Цель состоит в том, чтобы тщательно разработать композицию, создавая черты и элементы, необходимые для картины. Подчеркнута определенная аккуратность. Детали подчинены установлению пропорций, размещения и сходства. Рисунок – это основа, на которой будет основываться остальная живопись.В идеале формы должны быть точными и вносить изменения не нужно.

La Maniera Lavata или Dead Coloring

Используя разбавленную краску, свет и тени вводятся в цвет. Полный диапазон значений недооценивается, в то время как акцент делается на общих отношениях. Благодаря этой новой информации исправлены мелкие ошибки в формах и рисунках. Этот этап также назывался в британской школе «мертвой раскраской».

La Maniera Sbozzata или окраска кузова

Используя более плотную краску, светлые и темные участки прорабатываются одновременно с моделированием.Цвет также развивается. Рисунок развивается посредством моделирования. Картина почти доведена до конца.

La Maniera Finita или Последние штрихи

Подчеркнуты тонкость моделирования и нежность полутонов. Разрешены самые светлые огни и самые темные тени. Обработка краев модулируется, чтобы усилить общее представление о впечатлении и эффекте.

Хотя многие более поздние практики отказались от точной подрисовки первой стадии, краткая классификация трех стадий рисования регулярно повторялась впоследствии.Важная концепция, лежащая в основе этого процесса, заключается в том, что формы, значения и цвет развиваются одновременно по всей голове. Рисунок и цвет унифицированы в применении. Они проявляются в тандеме прямо на холсте. Детали добавляются только в конце, когда установлены все важные общие отношения. Это очень хорошо увязывается с ранее обсуждавшейся концепцией «большой формы».

Мэтью Джеймс Коллинз, «Зачарованная», холст, масло, 47 x 63 дюйма

Заключение

Общая тема, объединяющая вышеупомянутые практики, заключается в том, что они работают вместе, чтобы помочь художнику «видеть».Инструменты, преодолевающие физиологические ограничения человеческого зрения, они облегчают исследование той пропорции, которая лежит в основе красоты в искусстве. Часто принимаемое за технику «Видение» на самом деле является ее проводником. Важным аспектом «Видения» является распознавание органически целостных отношений пропорции, формы, величины и цвета, воспринимаемых в природе. В сочетании с воображением, чувственностью и техникой они выражаются как произведение искусства. Создание портрета в натуральную величину непосредственно с модели представляет собой сложную логистическую задачу, требующую высокоразвитых наблюдательных навыков. Когда наблюдение не может дать надлежащей информации, художники часто обращаются к формулам, недостаточным обобщениям тонкости природы. Надлежащая студийная практика позволяет художнику не только успешно решать свои задачи, но и достигать более глубокого и сложного выражения личного эстетического видения.

Распространение цифрового изображения через социальные сети снижает редкие качества изображения в натуральную величину. При этом риск обесценивания необходимых инструментов, необходимых для его успешного завершения, становится все более неизбежным.Несмотря на удивительную способность цифрового века общаться с невообразимым множеством людей, он не может заменить сокровенные истины восхищения цветом масла, превращающимся в плоть на лице, отражающем нашу меру без механического фильтра.

Библиография:
Леон Баттиста Альберти, О живописи, пер. John R. Spencer, Yale University Press, Revised Edition, 1966.
Leonardo Da Vinci, Leonardo on Painting Yale University Press, New Haven and London, 1989
Leonardo da Vinci, The Notebooks of Leonardo da Vinci, Vol II Edward MacCurdy, Jonathan Кейп, Лондон, 1945 г.
Сэр Джошуа Рейнольдс, Discourses, McClurg and Co., Чикаго, 1891 г.
Мэнсфилд Тэлли, Портретная живопись в Англии: исследования технической литературы до 1700 г., Центр исследований британского искусства Пола Меллона, Биддлс из Гилфорда, 1981 г.
Мемуары Элизабет Виже-Лебрен, перевод Сиан Эванс, Camden Press Ltd., Лондон, 1989.

Мэтью Джеймс Коллинз, «Маттиа», холст, масло, 19 ½ x 23 ½ дюйма.

О художнике:
Мэтью Джеймс Коллинз родился в Оук-Парке, штат Иллинойс, в 1970 году.Воспитанный в артистической семье, его увлечение искусством поощрялось с самого раннего возраста. К раннему подростковому возрасту его изучение рисования уже началось под руководством его отца, Джеймса Эдварда Коллинза, отмеченного наградами архитектора.

Более 20 лет Мэтью живет в Италии, изучая и исследуя классические техники живописи и скульптуры. Он делится полученными знаниями в своем учебном ателье во Флоренции, Италия.

Художник необычайно широкого кругозора, его картины маслом, фрески и скульптуры свидетельствуют о строгом изучении шедевров прошлого и глубоком наблюдении за природой. Не ограничиваясь одним жанром, его творчество включает в себя портретную живопись, пейзаж, декорации и фигуративные сюжеты.

Он участвует в международных выставках, а его работы представлены в государственных и частных коллекциях США и Европы.

Ссылки исполнителя:    Веб-сайт   | Инстаграм | Фейсбук

---

Подпишитесь здесь, чтобы получать Realism Today, бесплатный еженедельный электронный информационный бюллетень для современных художников.

Пять лучших художников-портретистов 2018 года

Ежегодная выставка Королевского общества художников-портретистов — это фантастическая возможность продемонстрировать и открыть для себя последние работы ведущих художников-портретистов Великобритании.Многие заказы общества начинаются с запросов, сделанных во время выставки, так что это отличный показатель современных тенденций в портретной живописи и талантливых художников, которые задают эти тенденции.

Во время Ежегодной выставки RP 2018 наши консультанты по комиссиям были готовы помочь посетителям с их запросами на комиссионные. Посетители обычно спрашивают художника по имени, поэтому, регистрируя количество запросов для каждого художника, мы определили самых востребованных художников года.

 

1. Аластер Адамс PPRP занимает первое место, получив наибольшее количество запросов

Бывший президент Королевского общества художников-портретистов Аластер представил на выставке этого года три портрета выдающихся женщин. В дополнение к своей практике комиссионных, Аластер имеет научно-исследовательскую должность лектора в Университете Лафборо и опубликовал статьи о заказной портретной живописи, применении рисования с натуры в современном образовательном контексте, рисовании и визуализации, а также различиях лиц.

Аластер Адамс «Джулия Блэк» для Лондонской школы экономики

Аластер Адамс «Рита Гарднер» для Королевского географического общества

Аластер Адамс «Сара Фернесс», лорд-лейтенант Ратленда

 

2. Пол Брейсон часто упоминается в наших статьях о лучших художниках-портретистах

.

В этом году он выставил портрет леди Верховного шерифа, портрет, получивший премию Фонда Пэрства Берка.Портрет Эрика Видинга, сделанный Полом, был заказан для Union Club в Нью-Йорке, где он и висит сейчас. В число комиссий Пола входили Его Королевское Высочество принц Филипп, граф Спенсер, сэр Рой Стронг и многие известные деятели искусства и академии.

Пол Брейсон ‘Пол Киллик’ Частная комиссия

Лауреат премии Фонда пэрства Берка, 2018 г. Пол Брэйсон, «Сара Тейлор, старший шериф Оксфорда»,

 

3. David Cobley RP NEAC также был популярен на выставке

Дэвид выставил специальный мемориальный портрет Кена Додда, который он написал вместе с портретом Кена, заказанным Национальной портретной галереей.В этой версии художник исследует противоречия между публичной и личной личностью Кена.

Совсем недавно портрет первой женщины-председателя Верховного суда, баронессы Хейл, сделанный Дэвидом, получил национальное освещение как первый улыбающийся портрет, повешенный в холле прославленной гостиницы Грейс.

Частная комиссия Дэвида Кобли «Стрижи навсегда»

Дэвид Кобли «Его честь судья Питер Бомонт, королевский адвокат CBE», нарисованный для The Old Bailey

 

4.Еще одним фаворитом была Susan Ryder RP NEAC

.

У Сьюзен Райдер есть особый дар для семейного портрета; ей особенно нравится рисовать группы, и она любит рисовать собак. Вы заметите прекрасные небрежно нарисованные интерьеры в ее выставленных работах. Действительно, Сьюзен так же известна своими картинами интерьеров, как и портретами, и билеты на ее выставки часто распродаются.

Сьюзен Райдер «Гектор с Броди» частный заказ

Сьюзан Райдер «Оливия, Бен и Аннабель», комиссия по семейному портрету

Сьюзен Райдер «Семья де Ласло», групповой портрет, частный заказ

 

5.Марк Роско RP

Марк Роско получил премию «Меняющиеся лица» в 2012 году, премию Ондатже в области портретной живописи в 2013 году, а в 2014 году Марк был избран членом Королевского общества художников-портретистов. Став членом, он стал одним из самых востребованных артистов.

Марк Роско ‘Эниола Сокалу’ пригласил няню

Марк Роско «Лорд и леди Провост» для города Эдинбурга частично финансируется за счет общественных пожертвований

Марк Роско «Сэр Мартин Тейлор FRS» по заказу Мертон-колледжа

---

Узнайте больше о портретах, представленных на Ежегодной выставке этого года

---

Искусство портрета никогда не было таким бессмысленным | Art

Почему упоминание портретной живописи вызывает у меня насмешливое фырканье? Для натурщика написать свой портрет — значит предаться нелепой доле самовозвеличивания, в то время как быть подрабатывающим портретистом — значит прибыльно использовать свои навыки таким образом, который не имеет ничего общего с современным искусством.Отстаивать портретную живопись — значит возвращаться к представлениям 19-го века о том, что имеет значение в искусстве, точно так же, как посетить Национальную портретную галерею — значит войти в архив социальной истории, а не в художественную галерею. Но нет ли в этом взгляде чего-то извращенного? Я знаю, что Жан-Поль Сартр сказал нам, что ад — это другие люди, но в целом мы не склонны быть такими человеконенавистническими. Нам очень нравятся люди, и независимо от того, встречались мы с ними лично или нет, мы получаем особое удовольствие, зная, как они выглядят.

Среди жанров искусства, описанных в традиционной академической теории, пейзаж, по-видимому, является одним из самых крупных и непосредственных современных достижений в нашем воображении. Хотя Джошуа Рейнольдс, возможно, имел в виду только живопись, когда обсуждал «ландшафты» в своих «Рассуждениях об искусстве», теперь эта категория охватывает гораздо более широкий спектр деятельности: от прогулок Ричарда Лонга до урожая пшеницы, недавно выращенного и собранного на заброшенном железнодорожном тупике. в Далстоне, Восточный Лондон, венгерско-американской художницей Агнес Денес.

Наряду с пейзажем другая второстепенная категория, портретная живопись, кажется, гораздо менее прочна в своем статусе. Акт заказа портрета — это то, что сделают немногие из нас — это доступно только тем, у кого больше денег, чем им нужно. Вокруг больше фотографических изображений людей, чем когда-либо прежде — возможно, из-за этого, а также из-за легкости, с которой можно создать еще больше, идея создания композиционного портрета кажется мне все более бессмысленной. Даже когда мы сталкиваемся с такой вещью, мы не всегда предполагаем, что перед нами портрет.Почему, например, гуляя по нынешней выставке Элизабет Пейтон в Художественной галерее Уайтчепел — выставке, состоящей в основном из картин людей — кажется неправильным классифицировать ее как выставку портретной живописи?

Люди, которых рисует Пейтон, известны, и их лица можно увидеть повсюду на бесчисленных фотографиях. Таким образом, одна из основных функций портрета — создание сходства — оказывается неактуальной, потому что нам действительно не нужен Пейтон, чтобы показать нам, как выглядит Лиам Галлахер.Если ее работа интересна, то потому, что она выходит за рамки этого, позволяя нам видеть Галлахера не только как личность, но и как символ всепроникающих черт нашей культурной среды, экран, на который мы можем проецировать наши собственные желания и страхи. То есть это вовсе не портрет, а то, что Рейнольдс назвал бы исторической живописью: самый важный вид искусства.

Рейнольдс предпочитал термин «поэтическая живопись». То есть живопись, образно и поучительно обобщающая конкретного человека.Когда Шарлотта Корде пошла зарезать французского революционера Марата, он сидел в своей ванне, потому что это был единственный способ избавиться от хронического кожного заболевания, от которого он страдал. Он определенно не был гладкокожим мускулистым полубогом в стиле Микеланджело, изображенным Жаком-Луи Давидом на его знаменитой картине убитого человека. Точно так же, когда Герхард Рихтер рисует свою тетю Марианну по старому семейному снимку — картине, представленной на выставке его портретов в Национальной портретной галерее в начале этого года, — то, что делает ее чрезвычайно мощной, — это знание того, что через некоторое время после того, как фотография была сделана, она был помещен в психиатрическую больницу и впоследствии убит нацистами в рамках их программы эвтаназии для улучшения здоровья нации.

Значение имеет фигура в истории. Как и в случае с пейзажем, портретная живопись становится уместной, когда она вырывается из своей смирительной рубашки и предлагает нечто большее, чем со вкусом составленное и искусно выполненное изображение кого-либо. Это не значит, что живопись не может иметь значения ни в пейзаже, ни в портрете, просто она уже не может быть необходимым и достаточным условием. Станьте свидетелем противоречивых историй двух мужчин на Трафальгарской площади. Николас Пенни, директор Национальной галереи, выразил сожаление по поводу представления проекта Энтони Гормли «Один и другой» за пределами его священных дверей.Сэнди Нэрн, директор соседней Национальной портретной галереи, сам стоял на четвертом постаменте. С постамента транслируется прямая трансляция на экран в фойе портретной галереи в знак признания того факта, что, наряду с такими вещами, как фотографии с тегами на Facebook, этот парад случайно выбранных людей является настолько же современным лицом, как и все остальное. портретная живопись.

Техники старых мастеров и современные приложения: Brooker, Suzanne, Cretara, Domenic: 8601234601494: Amazon.com: Books

Моя страсть к визуальному миру и стремление создавать изображения начались в раннем возрасте и мотивировали мою работу как художника. Вопрос о том, как изображения пробуждают воспоминания, создают метафоры, фиксируют связь между зрителем и художником, пробуждают эстетический отклик, является предметом продолжающегося исследования. Я работаю в основном на основе наблюдений, часто используя в качестве исходного материала собственные фотографии, а также газетные изображения и работы других художников, исторических и современных. Серия картин обычно развивается из метафорической темы, живописной проблемы света и пространства или диалога, созданного между абстракцией (плоская поверхность) и репрезентацией (иллюзия формы).

Рисование играет важную роль в моем творческом процессе, будь то для обострения моего восприятия или для обнаружения каллиграфического знака, лежащего в основе жеста. Кисть становится способом рисовать красками, танцуя по поверхности, сочетая интенсивное наслоение прозрачной краски с областями более толстой, более жестовой краски. Одна из моих целей как художника — объединить подходы старых мастеров к палитре и техникам рисования с современными представлениями о поверхности краски. Это привело меня к исследованию богатого разнообразия слоев краски, включающих прозрачность краски по полям тонированного фона в отличие от более прямых, жестовых «следов», оставленных нарисованным мазком.Каллиграфия мазков, нанесенных кистью, смешанных или небрежно проведенных через краску, становится средством для создания богатой поверхности. В целом моя цель — создать ощущение свечения света, исходящего изнутри фигуры, а не отражения от поверхности кожи.

Человеческая дилемма, выраженная через анатомический жест, была бы самым простым способом описать мою текущую работу. Именно во время учебы в аспирантуре по фигуративной живописи я глубоко увлекся прекрасной сложностью изображения человеческого тела. Я рисовал кости, рисовал с трупов, изучал искусство эпохи Возрождения, чтобы найти тот момент «говорящего» жеста, который раскрывает человечность через человеческую форму. Как передать уникальные качества человека в контексте общечеловеческой драмы, выражение его индивидуальности, для меня важнее в портретной живописи, чем то, кем он является как социальная идентичность.

Современный портрет: портреты, не относящиеся к

предыдущий >

Перекрашивание портрета

Антиквар © Claire Pestaille

Изобретение и изображение вымышленных или частично вымышленных личностей является доминирующей темой в работе британской художницы Claire Pestaille

В то время как художники, такие как Пейтон или Килимник, предпочитают включать аспекты исторический / искусствоведческий факт в свою практику, Песталь создает уникальные гибриды через ссылки на картины старых мастеров и материал другого периода.

Адаптация источников, таких как Рембрандт или Веласкес, например, художник часто вводит тонкие новые элементы, которые намекают на таинственные повествования — брошь может быть заменена жуком-скарабеем, перепачканной кровью рукой.

© Клэр Песталь, Синяя птица Бронзино

Несмотря на то, что в ее работах используются визуальные характеристики старинной живописи, такие как драматическая светотень, она упрощена и сжата таким образом, что заставляет ее образы беспокойно колебаться между знакомым и неизвестным.

Будь то адаптация культовых лиц или воскрешение забытых лиц из страницы каталогов аукционов изобразительного искусства, ее редактирование важных деталей и включение тщательно подобранных дополнительных живописных элементов. в портретах с совершенно новой историей и множественными интерпретациями возможности.

 

После Джорджа Ромни © Kehinde Wiley

Американская художница Кехинде Уайли тоже обращается к престижному искусству. прошлых мастеров, чтобы создавать новые истории, хотя его исправления состоят из замен, а не дополнений, которые предпочитает Клэр Пестай (выше).

Использование языка европейской героической портретной живописи — включая определенные композиции, такие как принца Томмазо Франческо Савойского-Кариньяно Ван Дейка (ниже) — Wiley заменяет их белые, мужские, часто аристократические подданные с типичными городскими афроамериканскими мужчинами.

Таким образом, внушительные, тщательно проработанные картины художника «цитируют исторические источники и позиционируют молодых чернокожих». мужчин в этом поле «власти»», акт повторной артикуляции, который также обеспечивает тонкий контрапункт к хорошо известному присвоению традиционной африканской иконографии модернистскими мастерами, такими как Модильяни, Бранкузи и Пикассо.

Хотя Уайли неизменно изображает мужчин, многие из его последних работ усложняют маскулинность, композиционно отсылая к классическим женским портретам. Он также начал работать с фотографией, и один из таких портретов, в частности, скрывает ряд необычных уловок.

© Kehinde Wiley

После Джорджа Ромни (Элизабет Уоррен в роли Гебы) , 2009 (вверху слева), кажется, заменяет главного героя оригинального портрета 1775 года современным мужчиной.Тем не менее, изображенный «юноша» на самом деле вовсе не мужчина, а сильно замаскированная Микалин Томас, еще одна успешная нью-йоркская художница.

Полученные слои идентичности достойны шекспировской комедии: женщина, изображающая из себя молодого чернокожего мужчину, принимает позу, первоначально принятую молодой белой женщиной (которая, в свою очередь, также маскировалась под греческую богиню Гебу)… В этой работе и без того завораживающая портретная живопись Уайли обретает новую загадочную глубину.

 

Реконструкция лица

Недавний выпускник Филипп Герри — кто уже создал шум, выиграв премию PULSE 2008 в Нью-Йорке — также работает с амальгама присвоенных образов, а не предаваться стратегиям уловок или сокрытия, гарантирует, что его конструкции сделаны сразу видно.

Составление лиц из множества источников — портреты эпохи Просвещения такими, как Рейнольдс и Тонкс, в частности — франкестинец Герри подход приводит к тревожным, странно красивым портретам, отражающим акты хирургии, факт, который становится явным благодаря включению образов взято из фотозаписей реконструкции лиц солдат Первой мировой войны.

В этом смысле гибридные портреты Герри вызывают очень непосредственное отражение на тему личности, внешности и способов ее изменения — не только в искусстве, но и в самой жизни.

В то время как Килимник, например, использует фантазию, чтобы соединить свою личность с творчеством других, и такие художники, как Шерман и Моримура, не разрабатывают маскировка для аналогичных целей, ссылки Герри на реконструкцию лица дают откровенное отражение того факта, что сейчас, более чем когда-либо, мы преследуем хирургические средства, чтобы изменить нашу собственную внешность.

Идентичность, очевидно, не обязательно является чем-то, на что мы можем положиться в портрет, но мы также не можем гарантировать физическую достоверность в тех вокруг нас.Хитрости и исправления, практикуемые художниками на протяжении веков являются постоянно растущей реальностью.

Майк Бреннан

изображения © Филипп Герри

 

 

статьи по теме: новые мастера краски

другие статьи

ограниченное издание и тиражи

вернуться к началу

Национальная портретная галерея | РАСПОЗНАВАТЬ! Хип-хоп и современная портретная живопись

На протяжении большей части очень успешной карьеры Кехинде Уайли он создавал большие, яркие картины с большим количеством узоров, на которых изображены молодые афроамериканцы, одетые по последнему слову уличной моды в стиле хип-хоп.Театральные позы и объекты на портретах основаны на хорошо известных образах могущественных фигур, взятых из западного искусства XVII–XIX веков. Наглядно Уайли передает авторитет этих исторических натурщиков своим субъектам двадцать первого века. В 2005 году Vh2 поручил Уайли нарисовать портреты победителей программы Hip Hop Honors того года. Переворачивая свою эстетику с ног на голову, он использовал свои фирменные отсылки к старым портретам, чтобы добавить легитимности картинам уже мощных музыкальных талантов этого поколения.В руках Уайли Ice T направляет Наполеона, а Грандмастер Флэш и Неистовая пятерка сражаются с голландской гражданской гвардейской ротой семнадцатого века.

Заявление автора: Kehinde Wiley

Портреты афроамериканцев Кехинде Уайли сочетают современную культуру с влиянием старых мастеров. Работа Уайли, включающая в себя целый ряд жаргонных слов, взятых из исторических отсылок к искусству, сочетает в себе изменчивую концепцию современной культуры, от французского рококо до современного городского пейзажа. Сводя историю и стиль в уникальное современное видение, Уайли подвергает сомнению понятие мастера-живописца, «делая его одновременно критическим и соучастником». Ярко красочные и часто украшенные богато украшенными позолоченными рамами крупномасштабные фигуративные картины Уайли, освещенные множеством декоративных узоров в стиле барокко или рококо, помещают молодых чернокожих, одетых в городскую одежду, в поле власти, напоминающее художников эпохи Возрождения, таких как как Тьеполо и Тициан.

Для «РАСПОЗНАВАТЬ!» Уайли включил картины из своей работы «Hip Hop Honors», на которых изображены некоторые пехотинцы движения хип-хоп.Художники выбрали позы, взятые из личной коллекции художественных книг Уайли, которые лучше всего соответствовали перформативным и личным аспектам их характера. Объединение анонимного субъекта с очарованием личности позволяет этому корпусу работ напрямую привлечь известность и статус.

Ценность во всех ее значениях всегда играла роль в культуре. В отличие от своих предшественников — классики, джаза, рока, — которые с тех пор были канонизированы и получили исторические рамки и структуру, хип-хоп по-прежнему рассматривается просто как развлечение; культурная помеха.