Жанр портрет в изобразительном искусстве: Портрет как жанр изобразительного искусства

Содержание

новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи.

После реформ Петра I и открытия «окна в Европу» кардинальным образом изменилась и русская культура. Перемены затронули и изобразительное искусство: русские художники познакомились с зарубежными «коллегами», иностранцы стали работать при дворе. Новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи — вспоминаем, как развивалась русская живопись в XVIII веке.

Европейские пенсионеры и иностранные учителя

Иван Никитин. Портрет Петра I. 1720-ые гг. Русский музей, Санкт-Петербург

Андрей Матвеев. Автопортрет с женой. 1729 г. Русский музей, Санкт-Петербург

Иван Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. 1750 г. Русский музей, Санкт-Петербург

При Петре I людей разных профессий отправляли учиться за границу, в том числе и художников. Тех, кто получал знания за государственный счет, называли пенсионерами (от слова «пенсион» — содержание на время обучения). Среди первых живописцев, уехавших за границу в 1715 году, были Иван Никитин и Андрей Матвеев. Никитин прошел обучение в Италии и, вернувшись в Россию, работал при царском дворе. Его считают одним из основателей русской портретной школы. Андрей Матвеев учился в Голландии, позже он создал первый в истории русской живописи автопортрет.

За границей русские художники погружались в европейскую культурную среду. Они знакомились с направлениями, которые уже долгое время развивались в искусстве законодательницы мод Франции, национальной живописи Англии, наследнице Ренессанса Италии и Голландии. На манере их письма отражались популярные в Европе стили: маньеризм, барокко, рококо, классицизм. Однако художникам удавалось сохранять черты, присущие русскому искусству. Так, до середины XVIII века даже на полотнах в стиле вычурных барокко и рококо были заметны элементы аскетичной парсуны.

В творчестве одного художника часто проявлялись черты разных стилей. Происходило это оттого, что в Европе русские мастера знакомились сразу и с барочными мотивами, и с зарождающимся сентиментализмом.

Пока русские живописцы учились за рубежом, ко двору приглашали иностранных художников. Они писали полотна на заказ и набирали учеников «на местах». Одними из первых прибыли в Россию в начале XVIII века француз Луи Каравак и немец Иоганн Готфрид Таннауэр. Во времена Елизаветы важную роль в искусстве сыграли братья Гроот и итальянец Пьетро Ротари. Для обозначения работ иностранных художников в России XVIII века даже появился специальный термин — россика.

Новые жанры. От портрета — к городскому пейзажу

Неизвестный художник. Парсуна с изображением Евдокии Лопухиной, XVIII в. Чухломской краеведческий музей имени А.Ф. Писемского, Костромская обл.

Теплов Григорий. Натюрморт. 1737 г. Государственный Эрмитаж, Санкт -Петербург

Федор Алексеев. Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости. 1794 г. Третьяковская галерея, Москва

Поток свежих идей хлынул в русскую живопись: художественные техники и приемы колористики, работа с композицией и новые жанры. В книге «История русского искусства» Игорь Грабарь писал: «С уверенностью можно сказать лишь то, что одним из главных факторов, решивших судьбу русской живописи, было появление портрета». Новый жанр был связан с парсунной живописью, которая получила распространение в XVII столетии. Парсуной (от искаженного «персона») условно называли портрет, в котором наряду с традиционными иконописными чертами стали появляться и более реалистичные мотивы. Художники, до этого писавшие иконы, стали обращаться к человеку и его внутреннему миру. Краски становились более яркими, а сюжеты — более светскими. В XVIII столетии — его называли «веком портретов» — появилось множество вариантов этого жанра: роскошный парадный, автопортрет и изображение на одном полотне сразу двоих людей.

Читайте также:

С 1740-х годов стал более популярным скромный камерный портрет. Известными портретистами были Алексей Антропов и Иван Аргунов. Аргунов стал одним из первых крепостных художников, добившихся славы живописца и сумевших основать художественную династию. Его двоюродный брат и оба сына стали архитекторами и художниками.

В XVIII веке развивался не только портретный жанр. Григорий Теплов написал первый натюрморт. Антон Лосенко создал первую картину в историческом жанре. Его начинания продолжили ученики — Петр Соколов, Григорий Угрюмов и Иван Пучинов. Бытовая живопись стала заметным явлением благодаря творчеству бывшего крепостного Михаила Шибанова. Полотна о жизни русских крестьян писал Иван Ерменёв. Он был сыном конюха, окончил Академию художеств, учился в Париже. Кисти Ерменева принадлежала целая серия «Нищие».

Еще одним новшеством для XVIII века стало изображение природы и романтики города. Основоположником пейзажного жанра считается Семен Щедрин, а городского пейзажа — живописец Федор Алексеев.

Академия художеств и первые картинные галереи

Федор Рокотов. Коронационный портрет Екатерины II. 1763 г. Третьяковская галерея, Москва

Владимир Боровиковский. Портрет Елены Александровны Нарышкиной 1799 г. Третьяковская галерея, Москва

Михаил Шибанов. Празднество свадебного договора. 1777 г. Третьяковская галерея, Москва

В XVIII веке в корне изменилось само отношение к живописи. Работа художника становилась профессией. В эти годы появилась Академия художеств, высшее учебное заведение, где обучали изобразительным искусствам. Она была создана по примеру школ, уже существовавших в Болонье, Милане, Париже, Берлине и Вене. Изначально в Академии преподавали лишь иностранцы, поэтому воспитанникам приходилось учить языки своих наставников. Первыми выпускниками учебного заведения стали Федор Рокотов, Антон Лосенко, Василий Баженов, Иван Старов.

При Петре I появились и первые частные коллекции живописи. Полотна собирали Александр Меншиков, Борис Шереметев, князья Голицыны. Императрица Елизавета Петровна создала первые картинные галереи при дворе. И совершенно все изменилось при Екатерине II: «музеи» живописи теперь контролировали на государственном уровне. Иностранных мастеров приглашали ко двору, картины скупали через российских дипломатов за рубежом. Екатерина II собрала достойную коллекцию западноевропейского искусства. Именно на ее основе к концу века был сформирован один из богатейших фондов живописи в мире — будущий Эрмитаж.

Урок 3. Жанр портрета в искусстве

Портретом называется изображение определённого человека или группы людей. В живописном портрете мы можем не только увидеть внешний облик человека, но и понять его характер, настроение. Перед вами — несколько портретов, созданных в разные эпохи, принадлежащих к различным стилям.Перейдя по ссылке с названием картины, можно прочитать её описание и историю создания.
                             
                                                 

 

А. Дюрер. Автопортрет  
   
                                    Рембрандт. Портрет старухи     

                                                                                         А. Ватто. Капризница              

Но не только художники создают портреты. У композиторов есть свои выразительные и изобразительные средства для описания человека, его характера, настроения и даже внешности.


Послушайте пьесу французского композитора-импрессиониста Клода Дебюсси «Девушка с волосами цвета льна».

_______________________________________________________________________________________________________________________________


Считается, что портрет — самое бесспорное достижение русской живописной школы. 18 век называют веком портрета в России. Благодаря «портретным гармониям» художника Фёдора Степановича Рокотова (1735 — 1808) образовался особый «эмоциональный словарь» для выражения впечатлений зрителя.: «полумерцание, полугорение красок», «зыбкость, воздушность», «загадочность и таинственность», «вибрация света и цвета»… Особое место в творчестве Ф. Рокотова занимает портрет А. Струйской, который иногда называют «русской Джокондой». Воздушная, прозрачная манера письма создаёт ощущение лёгкости тканей и бездонности фона.

Послушайте два старинных русских романса. Который из них, по вашему мнению, можно использовать как фон, способствующий более глубокому восприятию образа на портрете?


_________________________________________________________________________________________________________

Художник, создавая портрет, вольно или невольно передаёт своё отношение к модели. О музыкальных «портретах» можно сказать, что в любом из них скрывается частица души автора. А если смотреть шире — каждое произведение композитора мы можем назвать его «портретом». Глядя на известные картины, изображающие музыкантов, мы как вспоминаем их произведения. Кто знает, возможно, именно эти произведения вдохновили художников на создание портретов?

Э. Делакруа. Фредерик Шопен


Э. Делакруа. Портрет Паганини

___________________________________________________________________________________________________________________________________


Музыка — удивительное явление. Она может передавать тончайшие оттенки чувств, отображает различные стороны человеческой натуры.Сравните два портрета Людвига ван Бетховена: живописный и музыкальный.

Бетховен дирижирует 9-й симфонией

___________________________________________________________________________________________________________________________________


Домашнее задание.
1.Попробуй описать девушку, образ которой изображён в пьесе К. Дебюсси «Девушка с волосами цвета льна»
2. Какой из романсов можно использовать как фон, способствующий восприятию портрета А. Струйской работы Ф. Рокотова?
3. Совпадают ли образы портрета Л. Бетховена и «Лунной сонаты»? Объясни свой ответ.
4*.Какие современные песни содержащие музыкальные портреты, ты можешь назвать?.
 

Портрет тип как разновидность портретного жанра в советской живописи на примере экспозиции БГХМ

Портрет – это жанр в изобразительном искусстве, изображающий человека. Само название переводится со старофранцузского как «воспроизводить что-либо черта в черту». Общепринято, что портрет должен передавать индивидуальные, присущие изображенному человеку черты. Однако внешнее сходство не единственный, да и, пожалуй, не главный критерий художественного достоинства портрета.

Портретная живопись сыграла огромную роль в истории русского искусства XVIII-XX веков. Русский портрет – позднее явление в искусстве Европы. В классических европейских школах живописи искусство портрета успело пережить великий подъем в XVI-XVII веках. Тогда как в силу особенности исторического развития России, светское, а вместе с ним и портретное искусство начало здесь развиваться лишь к концу XVII века.

Первоначально права быть запечатленными на портретах удостаивались первые лица государства и русская знать. Однако, во второй половине XIX века смысловое значение портрета изменилось, он вышел за пределы частного заказа и парадного изображения властьимущих и превратился в самостоятельную картину с широким общественным и социальным значением. Основной своей задачей художники считали отражение в облике портретируемого его мыслей и чувств со всеми страстями и переживаниями. Уже в этих работах наряду с индивидуальными особенностями формировались устойчивые человеческие типы русских характеров, создавались обширные галереи типажей того времени. Это были альбомы острохарактерных гоголевских персонажей, галерея портретов выдающихся людей своего времени, а также образов простых, ничем не примечательных людей – крестьян, ремесленников, студентов и т.

д. Портрет стал отражением реальной жизни.

По мере того, как менялось общество, его требования к изобразительному искусству тоже претерпевали изменения. Эпоха требовала, чтобы в портрете нашли свое отражение не только социальное положение, духовные интересы изображенного человека, а также типические черты того времени, в которое он жил. Такие портреты, на которых общие черты имели такое же важное значение, как индивидуальные – называется портрет-тип. Эти критерии были актуальными и для советского портрета.

Основные принципы этого направления были заложены еще И.Е. Репиным. В своих портретах-типах Илья Ефимович находил для моделей неповторимые, только им присущие позы, жесты, создавая, таким образом, емкий образ человека со сложным характером, насыщенной духовной жизнью и развернутой социальной характеристикой.

После Октябрьской революции 1917 года жанр продолжил свое традиционное развитие созданием галереи образов выдающихся людей своей эпохи, советских государственных и общественных деятелей, а также представителей науки, культуры и искусства.

Наравне с групповыми и одиночными портретами советских вождей и руководителей, художники, вдохновляемые эпохой, во множестве писали портреты людей труда: передовиков производства, врачей, колхозников, рабочих, солдат, учителей, отличников профессиональной учебы и многих других. Они создавали образы мужественных людей, работа которых очень важна обществу и которые должны были вдохновлять остальных на трудовые подвиги.

Задача подобных портретов заключалась в том, чтобы навечно запечатлеть образ достойного человека – строителя коммунизма и социалистического гуманиста, избавленного от таких типичных человеческих пороков как эгоизм и леность. Советский портрет стал уникальным жанром, отличительной чертой которого был образ нового человека, отмеченного такими духовными качествами, как коллективизм и революционная целеустремленность.

В постоянной экспозиции БГХМ достаточно широко представлен портрет-тип. К нему можно отнести работы Никритина С.Б. «Портрет рабочего» и «Литейщик». Запечатленные образы мужчин рабочих профессий социалистического периода написаны с явным тяготением к монументальности и обобщению форм. Яркие рефлексы от раскаленного металла на лице литейщика сглаживают индивидуальность. Личность портретируемого в картине второстепенна, намного важнее дело, которое он собой олицетворяет.

В «Портрете машиниста» Шегаля Г.М. также как и у Никритина образ портретируемого дан широко и многозначно, а через ненавязчивый показ атрибутов раскрывается круг его профессиональных интересов. Особенностью этих работ является то, что в названиях нет имен портретируемых. Эти персонажи важны для художников не как конкретные люди, а, прежде всего, как определенная часть общества.

На работе Цейтлина Г.И. «Портрет Героя социалистического труда С.А. Котовой», созданной на рубеже 1950-1960-х годов изображена Серафима Котова, девушка удивительной судьбы, воплощение мечты советской Золушки, прошедшей путь от девочки-санитарки, осиротевшей в 1942 году, до Героя Социалистического труда. Но, несмотря на то, что изображен конкретный человек, этот портрет олицетворяет собой, прежде всего, образ женщины-активистки, каких немало было и в 30-50-е годы.

Вторая половина ХХ века – время трансформации искусства «советского идеализма» 1930–1950-х через суровую романтику 1960-х уже в полифункциональное искусство с осознанием своей самостоятельной ценности.

В работах «Портрет Эли Леоновой» Васнецова А.В. и «Портрет архитектора С. Гречанникова» Филатчева О.П. перед нами уже не обезличенные представители своих профессий, а творческая интеллигенция. В облике портретируемых больше внимания уделяется их личностным характеристикам, деталям обстановки как, например на портрете архитектора или эмоциональному настроению персонажа, как в работе Васнецова А.В. «Портрет Эли Леоновой».

На «Портрете учительницы» Гордона Г.М. героиня изображена вне социального контекста, и без названия ее профессию было бы сложно узнать. Но, глядя на эту работу, можно понять, что перед нами типичная представительница интеллигенции, молодая целеустремленная женщина 70-ых годов.

«Портрет младшего лейтенанта милиции В.П. Коваля» Ефанова В.П. напоминает по своей стилистике парадный портрет, главной задачей которого является, прежде всего, показать зрителям социальное положение человека, его заслуги и достижения. Поэтому на таких портретах модель предстает в том интерьере, костюме и с теми аксессуарами, которые указывают на ее социальный статус. Но, несмотря на парадность, этот портрет раскрывает типические явления советской действительности. Таких лейтенантов – честных и искренно верящих в значимость своего дела, было много. Персонаж этого портрета – один из них. Творчество Ефанова В.П. в целом проникнуто глубоким чувством гражданственности, патриотизма, ответственности перед обществом, в котором он жил и творил.

В 70-80-е годы портрет-тип продолжает изображать обычного человека, а вместе с тем иллюстрировать эпоху в целом.

В работе Кутилина В.А. «Живет такой парень» по деталям на картине мы можем узнать историю изображенного. Судя по висящей на втором плане военной форме, он отслужил в воздушно-десантных войсках и демобилизовался в звании ефрейтора. Рядом размещены каска и брезентовая роба, к которой прикреплен металлический страховочный пояс. Такую одежду носили в СССР монтажники-высотники. Молодой человек выглядит спокойным и уверенным, его взгляд открытый и целеустремленный. Он отслужил в армии и устроился на работу – возможно, на одну из молодежных строек Сибири, Байкала или Дальнего Востока – его будущее определено и гарантировано. Владимир Кутилин создал образ типичного советского молодого человека 1970-х годов.

Портрет «Коли Подручного с Кировского» Баскакова Н.Н. в. – еще один пример изображения простого советского рабочего человека. Как много радости и оптимизма автор сумел вложить в бытовой сюжет. В работе царит безыскусно-торжественное настроение, которое присуще картинам Баскаковав в целом. Живописными, практически импрессионистическими, приемами художник создает очень органичный и человечный образ молодого, веселого парня. Художнику важно показать, прежде всего, человека с определенными чертами характера, а уже во вторую очередь его принадлежность к рабочему классу. Такой портрет-тип не назовешь обобщенным, на первый план здесь выходят типические, устойчивые черты народного характера и постоянная готовность к действию ощущается в этом молодом и позитивном рабочем.

Подводя итоги краткому экскурсу, следует заметить, что каждая эпоха предъявляет свои требования к членам общества, и ставит перед художниками определенные задачи. Наиболее ярко эти тенденции отражаются в портретах-типах. Именно они иллюстрируют основные личностные ценности, моду, характер эпохи, становятся своеобразным ключом к пониманию исторического прошлого.

 

Научный сотрудник отдела развития Мария Васильева.

 

 

 

Что такое портрет? портрет — это.. определение портрет

 

Портрет — жанр изобразительного искусства, отражающий внешний и внутренний облик человека или группы людей. Портрет — один из древнейших жанров изобразительного искусства.

Портрет (фр. portrait, от cтарофранц. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту») — изображение человека, выполненное средствами изобразительного искусства (живописи, гравюры, скульптуры, фотографии), а также (в переносном смысле) словесное описание (в частности, в литературе).

Портрет в литературе — одно из средств художественной характеристики, состоящее в том, что писатель раскрывает типический характер своих героев и выражает свое идейное отношение к ним через изображение внешности героев: их фигуры, лица, одежды, движений, жестов и манер.

В изобразительном искусстве портрет — это самостоятельный жанр, целью которого является отобразить визуальные характеристики модели. «На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека».

Данная статья посвящена рассмотрению портрета в изобразительном искусстве

На развитие портретного жанра влияют две тенденции:

  • прогресс технических изобразительных навыков

  • и, что более важно, развитие представлений о значимости человеческой личности. Наибольших вершин портрет достигает в период веры в возможности человека, его разума, его действенной и преобразующей силы. «Портрет в своей современной функции — порождение европейской культуры нового времени с ее представлением о ценности индивидуального в человеке, о том, что идеальное не противостоит индивидуальному, а реализуется через него и в нем». Именно поэтому жанр находится в упадке в ХХ веке: «как может он процветать, когда мы полны стольких сомнений в себе?»Периодами расцвета портрета считаются римский скульптурный портрет, портрет эпохи Возрождения, XVII и 2-й половины XVIII веков.

Отличие портрета от фотографии

Юрий Лотман пишет: «Бытовое представление склонно отождествлять функцию портрета и фотографии: предметами обоих является отражение человеческого лица, причем отражение это в основе своей механическое… Портрет представляется наиболее „естественным“ и не нуждающимся в теоретическом обосновании жанром живописи. Кажется, что если мы скажем нечто вроде: Портрет — живопись, которая выполняла функцию фотографии тогда, когда фотография еще не была изобретена, то мы исчерпаем основные вопросы, невольно возникающие у нас, когда мы начинаем размышлять об этом жанре живописи. Слова о „загадочности“ и „непонятности“ функции портрета в культуре кажутся надуманными. Между тем, не убоявшись возражений этого рода, осмелимся утверждать, что портрет вполне подтверждает общую истину: чем понятней, тем непонятней… У фотографии нет прошлого и будущего, она всегда в настоящем времени. Время портрета — динамично, его „настоящее“ всегда полно памяти о предшествующем и предсказанием будущего…Портрет постоянно колеблется на грани художественного удвоения и мистического отражения реальности». [5] Портретист XVIII века Латур в одном из своих писем делился эмоциями: «Сколько нужно сосредоточенности, умения комбинировать, сколько тягостных поисков, чтобы суметь сохранить единство движения, несмотря на изменения, которые происходят в лице, во всех формах от колебания мыслей, от чувств души; а ведь каждое изменение создает новый портрет, не говоря о свете, который постоянно меняется и заставляет изменяться тона цветов в соответствии с движением солнца и времени».

Сходство в портрете

Изображение внешности персонажа — единственное средство построения художественного образа человека в изобразительном искусстве. (Все эти и нижеследующие требования по большей части не соблюдаются в портрете ХХ века, приближающемся к нефигуративному искусству, см.: История портрета).

Портрет может считаться вполне удовлетворительным, когда воспроизводит оригинал в точности, со всеми чертами его внешности и внутреннего индивидуального характера, в наиболее привычной его позе, с наиболее свойственной ему экспрессией. Удовлетворение этим требованиям входит в круг задач искусства и может приводить к высокохудожественным результатам, если исполняется одарёнными художниками, способными вложить в воспроизведение действительности свой личный вкус, талант и мастерство.

Сходство в портрете — результат не только верной передачи внешнего облика портретируемого, но и правдивого раскрытия его духовной сущности в единстве индивидуально-неповторимых и типических черт, присущих ему как представителю определённой исторической эпохи, национальности, социальной среды. Однако вследствие практической невозможности сопоставления зрителем изображения с моделью портретом часто называют всякое индивидуализированное изображение человека, если оно является единственной или по крайней мере главной темой художественного произведения.

Какие бывают жанры искусства? — ARTDEX

Люди испытывали потребность визуально выражать себя с самого начала своего существования и на протяжении всей истории. Первые образцы сохранившихся произведений искусства людей каменного века представляли собой сцены охоты или собирательства у костра.

Похоже, что наши предки хотели оставить след своего существования в этом мире, вырезав сцены своей повседневной жизни на стенах пещер. Некоторые историки современного искусства могут считать этих доисторических художников первыми представителями «жанровой живописи» из-за выбранной ими тематики. Очевидно, искусство всегда происходило из горячего желания художников выражать свои идеи, видения мира или личные переживания и эмоции, оставляя следы своего существования для будущих поколений.

Мы попытаемся обобщить историю искусства, определив различные типы художественных жанров, которые оказали значительное влияние на мир искусства.

Классическое искусство Древнего Рима и Греции

Мы собираемся начать это короткое путешествие по различным жанрам искусства, вернувшись во времена древних цивилизаций Греции и Римской Империи, заложивших основу для развития западного искусства.

Вся эстетика классического искусства опирается на три основных идеала: красота, гармония и пропорции. Греки поклонялись человеческой красоте, и они реализовали эту идею в своих произведениях искусства, применяя золотое сечение, которое строго определяло пропорции частей тела. Классические художники также были мастерами замысловатого изображения анатомических деталей. Многие восприняли эти идеи во время итальянского Возрождения, которое считается одним из самых процветающих периодов в истории искусства.

Иерархия жанров

Итальянский ренессанс, возможно, был одним из самых значительных периодов в развитии искусства. После мрачного и крайне догматичного средневековья Возрождение было глотком свежего воздуха, долгожданным периодом освобождения от авторитарной гегемонии Римско-католической церкви. Тем не менее, по-прежнему существовали некоторые ограничительные правила и положения, относящиеся к ст.

Эта «иерархия жанров», восходящая к итальянскому ренессансу, была изобретена властями Римской церкви.Художественные учреждения вскоре провозгласили эту предвзятую систему ранжирования официальной системой определения стоимости картин. В иерархии жанров картины расположились в следующем порядке:

.
  • Картины, изображающие исторические сцены, библейские рассказы или аллегории и несущие сильный религиозный и моральный мотив.
  • Портретная живопись, включающая все одиночные портреты, групповые портреты и автопортреты.
  • Жанровая живопись, которая относится ко всем картинам, запечатлевшим сцены из повседневной жизни, (т.е., дом, улица, рынок), не показывая динамики между персонажами.
  • Пейзажная живопись — это все произведения искусства, изображающие «пустые» сцены природы.
  • Натюрморт с расположением предметов быта.

По мнению создателей этой иерархии, исторические картины имели наибольшую ценность, потому что, по их мнению, эти произведения искусства выражали сильную мораль и вызывали глубокие человеческие эмоции. С другой стороны, они считали художественные жанры в конце этого списка, такие как пейзажи и натюрморты, даже бессмысленными и не имеющими существенной морали.

Картина Вермеера «Бокал для вина», VermeerPublic Domain / WikimediaCommons | Источник изображения: theculturetrip.com

Картина Золотого века Голландии

Этот период истории искусства важен, потому что его помнят как время огромного прогресса, когда талантливые художники, в основном из Нидерландов, решили сосредоточиться на создании великолепных пейзажей, морских картин, жанровых сцен и натюрмортов. Это отличало их от их коллег в Италии и Испании, которые создали самые ценные исторические картины и заработали на крупных церковных приобретениях.

Голландский кальвинизм, реформатский протестантизм запрещали любые украшения, религиозные картины и предметы в своих церквях. Это навязанное правило вынудило голландских художников обращаться за приобретениями к меценатам из среднего класса, которые обычно хотели, чтобы небольшие жанровые картины или пейзажи украшали свои дома. Таким образом, мы можем заключить, что рыночный спрос был главным «виновником» нового процветания европейской арт-сцены. Основными представителями этого художественного периода были Рембрандт, Иоганнес Вермеер, Франс Хальс, Ян Стин, Рэйчел Рюйш и многие другие.

Разнообразие современного и современного искусства

Эстетика менялась на протяжении всей истории, что позволяет художникам изобретать новые жанры, которые более точно выражали бы их уникальный художественный голос. Вот некоторые из наиболее значительных художественных движений, которые породили множество инновационных жанров для постоянно развивающегося арт-рынка, вступившего в период модерна и современного искусства.

● Импрессионизм

Это одно из самых значительных движений в искусстве, которое появилось в конце 19-го века и провозгласило современную Артера.Импрессионисты стремились передать свои уникальные впечатления от внешнего мира, запечатлевая движение и изменение света на своих картинах. Они достигли этого необычного эффекта с помощью тонких видимых мазков. Самыми узнаваемыми художниками этого движения были Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Эдуард Мане.

● Экспрессионизм

В отличие от импрессионистов, художники, принадлежащие к этому революционному движению начала 20 века, уделяли особое внимание своему внутреннему статусу.Их главная цель заключалась в том, чтобы выразить свои самые глубокие личные переживания и эмоции, нарисовав часто фантасмагорические мотивы, используя яркие цвета и сильные мазки. Некоторые другие жанры искусства произошли от экспрессионизма, такие как кубизм Пикассо с его геометрическими формами и дадаизм, движение против истеблишмента, созданное как сильная оппозиция обществу во время Первой мировой войны.

1960-е были неспокойными годами, принесшими освобождение во многие области, и эта новообретенная свобода отразилась на художественной сцене.Вот некоторые из наиболее влиятельных движений этого периода:

Картина Пабло Пикассо 1955 года «Алжирские женщины» (версия «O») | Источник изображения: qz.com

● Pop Art

Мы не можем говорить о 60-х, не упомянув об этом всемирно популярном художественном движении, которое успешно включило элементы поп-культуры в произведения искусства. Идея всего движения заключалась в том, чтобы высмеять элитарное искусство, показывая, что вы можете создавать настоящие произведения искусства, используя элементы китча и банальные предметы в качестве предмета.Один из самых узнаваемых исполнителей поп-музыки — Энди Уорхол, вероятно, самый влиятельный артист нашего времени.

● Earth Art или Land Art

Лэнд-арт был особым направлением в искусстве, которое уделяло внимание окружающей среде и природным ресурсам в творческом процессе. Это вид инсталляционного искусства, выполненного в естественном ландшафте, который служит «холстом» для зачастую крупномасштабных инсталляций из природных материалов и земляных работ, таких как камни, листья и подобные материалы.

● Искусство перформанса

Как следует из названия, перформанс отошел от ограничений традиционных объектно-ориентированных форм визуального искусства, таких как живопись или скульптура, вместо этого сосредоточившись на теле и движении выражений. Художник является основным средством коммуникации, и они передают свое художественное послание, выполняя множество символических действий. Искусство перформанса может включать в себя большое количество участников или множество различных объектов, каждый из которых играет важную роль в выражении уникального художественного видения.Художники-исполнители могут также использовать различные средства, такие как видео, световые или звуковые эффекты, а также поэзию, танец, актерское мастерство и живопись в своих мероприятиях. Одним из самых значительных перформансистов сегодня является сербская художница-концептуалистка и перформанс Марина Абрамович.

Инсуитей Гихицу ВЕСНА СЛИВЫ, XIX век © Miwa Websites — ArtJapanese.com | Источник изображения: artjapanese.com

Наиболее значительные художественные формы в восточном искусстве

Мы представили обширный список жанров, характерных пока для западного искусства.В наши намерения не входило отдавать предпочтение какой-либо части мира, но мы сосредоточились на культурном наследии, с которым легко можем быть связаны. С другой стороны, восточное искусство похоже на огромный сундук с сокровищами, полный богатства и разнообразия, и мы считаем, что азиатское художественное наследие заслуживает отдельной статьи. Азиатское искусство — это термин, такой же широкий, как и весь континент, и он включает, среди прочего, японское искусство, китайское искусство и индийское искусство.

Это все великие цивилизации, внесшие огромный вклад в мировое культурное наследие, но мы сосредоточимся на наиболее узнаваемых формах азиатского искусства. Самым известным видом искусства, происходящим на этом континенте, несомненно, является искусство каллиграфии. Это тонкое искусство прекрасного письма производит неизгладимое впечатление на зрителей. Мы также должны упомянуть великолепные произведения искусства из бронзы, керамики и нефрита, которые являются важными традиционными формами искусства.

Что касается современного искусства, азиатская художественная сцена переживает бум с 1990-х годов. В настоящее время многие азиатские художники представляют свое художественное видение во всем мире, поскольку их сильное художественное самовыражение получает широкое международное признание.

Заключение

Мы полагаем, что дали исчерпывающий ответ и подробные пояснения на вопрос: Какие существуют жанры искусства? Однако искусство постоянно меняется, как и сама жизнь, и каждая эпоха рождает свежие и новаторские формы искусства, а это значит, что мы можем оставить этот список открытым для будущих изменений и добавлений.

Жанр живописи и ее влияние на современное искусство

Раньше в истории, особенно в эпоху Возрождения, существовала иерархия жанров живописи, определяемых в соответствии с их тематикой.Один из них был назван жанровая живопись (как бы сбивчиво это ни звучало). Жанровая живопись, в отличие от жанра из , относится к тем произведениям, в которых рассказ художника иллюстрирует приземленные сцены из повседневной жизни.

Однако только в конце эпохи Возрождения этот тип самовыражения стал все более популярным среди художников и их покровителей. Переход от исторической живописи и портретной живописи, которые были наиболее благоприятными, не был полностью самоиндуцированным или автохтонным.

Скорее, это было в значительной степени связано с расколами, которые характеризовали христианство в 16 веке. Однако важно также отметить, что разница между категориями никогда не была полностью очевидной, а это означает, что многие картины этого периода принадлежали более чем к одному конкретному жанру.


Питер Брейгель Старший — Крестьянская свадьба, 1568

Иерархия жанров

С этой точки зрения мы могли бы спросить себя, почему картины были ранжированы вообще.Чтобы понять это, нам нужно вернуться в эпоху Возрождения и попытаться представить себе настроение эпохи. Академическая иерархия жанров была принята как система, представляющая ценности, ценимые академиками того периода. В соответствии с этой иерархией отдельные произведения искусства были оценены и распределены по различным категориям: историческая живопись, портретная живопись, жанровая живопись, пейзаж и натюрморт. Поскольку Ренессанс был в значительной степени направлен на восстановление и следование античной идеологии и их моральному кодексу, они считали, что высшей формой художественного выражения было образное изображение, посвященное человеческой форме.В этом смысле изобразительное изображение, сосредоточенное вокруг человеческого тела, было более важным или, как некоторые сказали бы, более благородным, чем те, которые изображали натюрморты или пейзажи. Кроме того, иерархия была частично организована в соответствии с еще одним принципом, а именно отображаемым значением каждой категории. Делалось различие между публичными и отечественными экспозициями. [1]


Джозеф Райт из Дерби — Эксперимент над птицей в воздушном насосе, 1768. Пример жанровой живописи в сочетании с историческими элементами и портретной живописью

Академическая оценка в эпоху Возрождения

Эта система вызвала много споров даже в свое время.Из-за большего признания исторической живописи и портретной живописи многие натюрморты и пейзажи были обделены, даже если они были стилистически и технически гораздо более выдающимися. Кроме того, исторической живописи было присвоено звание грандиозного жанра, что означало, что она считалась самой «художественной» из всех. На большинстве исторических картин изображены религиозные сцены, часто аллегорические, и поэтому рассматриваемые как морально возвышающие и утвердительные. Это оставляло мало места для других видов искусства, которые можно было бы рассматривать в том же свете и развивать. Более того, художники должны были адаптироваться к строгой академической системе, чтобы вообще считаться достойными практиками, или, другими словами, оставаться частью академии.


Квентин Метсис — Ростовщик и его жена, 1514 (деталь). Один из самых ранних образцов жанровой живописи в протестантской Голландии

Рецепция жанровой живописи

Жанровая живопись была своеобразным переходом между этими категориями . Несомненно, он учитывал человеческую фигуру и опыт, но его повествование не было таким вдохновляющим (по крайней мере, не для академии).С точки зрения их способности удивлять, эти произведения искусства считались менее могущественными, чем историческая живопись и портретная живопись (последнее относится к более крупным портретам покровителей, которые часто были богатыми и влиятельными, или иногда портретами исторических или мифических существ) . Их чаще демонстрировали дома и в домашней обстановке, чем в любом другом контексте. В этом смысле жанровая живопись была ближе к двум менее ценимым жанрам.


Иоганнес Вермеер — Доярка, 1658 (деталь)

Как жанровая живопись стала жанром номер один в Северной Европе

После 1517 года страны Северной Европы отказались от римского христианства и начали исповедовать протестантскую веру года. Это отмечено как один из решающих моментов для развития жанровой живописи и того значения, которое она приобрела с течением времени. Вместо того чтобы настаивать на дорогих украшениях для отделки своих церквей и роскошных публичных выставок, протестанты полностью отказались от фресок. Это оказало большое влияние на авторов из стран Северной Европы, таких как Нидерланды и Германия. Они начали обращаться к покровителям, которые принадлежали к среднему классу и чьи интересы заключались в том, чтобы просто украсить свои дома небольшими «приятными для себя» картинами, которые им были близки.Нельзя сказать, что итальянцы были незнакомы с этим жанром, но просто католическое мировоззрение пренебрегало его потенциалом. Интересно, что за этим поворотом от фрески к масляной живописи последовала мелочь. Историки считают, что климат северных стран сыграл важную роль в переходе к станковой живописи, так как воздух был слишком влажным для сохранения фресок.


Караваджо — Призвание святого Матфея, 1600 (деталь)

От голландских реалистов до постимпрессионистов

Первой волной, посвященной преимущественно жанровой живописи, было движение голландского реализма.Он возник в 17 веке как форма голландского барокко и помог этому стилю развиваться как независимая художественная ветвь, действующая через пять основных школ: Утрехт, Харлем, Лейден, Делфт и школа Дордрехта. Наиболее частыми предметами были ситуации из крестьянской или солдатской жизни, повседневные удовольствия, светские мероприятия и сцены пьянства. Голландские реалисты объединили людей, природу, архитектуру и статичные объекты как части своих простых, гражданских повествований. Более того, такие художники, как Иоганнес Вермеер, Ян Стин и другие, оказали влияние на большинство своих современников по всей Европе, в том числе из Фландрии, Англии, Италии, Франции и Испании. [2]

Позднее, в 19 веке, религиозные мотивы как увлекательный предмет постепенно упали. В отличие от религиозного или аллегорического содержания, обычные сцены стали более интересными источниками вдохновения. За этой трансцендентностью последовало существенное изменение масштаба — наконец, жанровая живопись встретилась с большим холстом. Это был период, когда стали известны некоторые из самых известных художников жанра, такие как французские Гюстав Курбе и Жан-Франсуа Милле, или британские художники, такие как Уильям Пауэлл Фрит и Дэвид Уилки.В Италии одним из первых сторонников этого нового, «героического» типа жанровой живописи был Пьетро Лонги, хотя многие утверждали, что Караваджо играл с уникальным, возвышенным типом жанровой живописи в свое время (см. Книгу Караваджо «Зов святого»). Mathew , которая на первый взгляд кажется жанровой картиной, но тем не менее содержит множество скрытых религиозных мотивов). Другой пик пришелся на эпоху импрессионистов и постимпрессионистов. Моне, Сезанн, Мане и Дега — лишь некоторые из художников, чьи работы вы найдете представительными в этом отношении.


Эдгар Дега — Абсент, 1875-6

Искусство ХХ века

Первая половина 20 века ознаменовалась появлением нескольких исторических реализмов, таких как американский реализм и социалистический реализм. Первая находилась под непосредственным влиянием школы Ашкана, которая делала акцент на социальном аспекте реализма как такового, вводя категорию социального реализма (не путать с упомянутым выше социалистическим реализмом). Их художники изображали американскую городскую жизнь в неидеализированной манере, точно так же, как реалисты поступали с персонажами непредставительного характера, такими как проститутки, пьяницы и мужчины среднего класса.Этот тип реализма, основанный на Курбе, использовал жанровую живопись как технику, которая служила агентом социального класса в искусстве 20-го века. Умышленно или нет, эта конкретная категория была политически вовлечена в развитие коллективного сознания, которое делает обычного человека неотъемлемой частью мира искусства. [3]


Уинслоу Гомер — Щелкни кнутом, 1872

Живопись во время и после эпохи современного искусства

Но когда мы говорим об искусстве ХХ века, фигуративная живопись — это не первое, что приходит в голову, не так ли? Учитывая, что эта эпоха была отмечена значительными изменениями в мышлении, хорошо известный переход от фигурации к абстракции изменил лицо живописи, каким мы его знаем сегодня.За последние 100 лет изменились представления об искусстве и его значении. Модернизм представил универсальный язык, который дал толчок к новому взгляду на живопись. Вместо того, чтобы имитировать сцены из повседневной жизни посредством имитации изображения, художники начали создавать формы и фигуры собственного воображения. Они больше не чувствовали необходимости представлять реальность, скорее, было более вероятно, что они изобрели другую реальность. Интеллектуализированное, а не сенсационное, изобразительное искусство стало таким же сложным, как сам язык, без какого-либо повествования.

После того, как якобы закончилась современная эпоха, стало ясно, что фигуративная форма, вероятно, никогда не будет полностью оставлена. Однако искусство не вернулось в свое досовременное состояние. Скорее, он стал раскрепощенным, чтобы принимать любую форму, которую автор сочтет подходящей. Тем не менее, вопрос в том, оставалась ли жанровая живопись как все более популярное тематическое ограничение раннего модерна и досовременного периода неизменной в 20-м и 21-м веках. Его роль в обществе такая же? Информирует ли он и иллюстрирует, как это было раньше, новый рабочий класс и его жизнь в том же духе?


Дэвид Хокни — Мои родители, 1977

Признание жанровой живописи в нашем недавнем прошлом

После Де Стиджла, Баухауза, супрематизма и подобных движений, которые пытались установить другой вид выражения в искусстве, в Европе в 1930-х и 40-х годах произошло небольшое возвращение к фигуративной живописи.Однако этот период считался регрессивным и политически заряженным из-за его связи с нацистским движением. Когда закончилась Вторая мировая война, одна из самых тесных связей с повседневной жизнью на холсте была обнаружена в поп-арте с его новым видом признательности за обыденный объект. Хокни, безусловно, один из художников, чьи работы конца 60-х и 70-х годов были в некоторой степени похожи на исходный принцип жанровой живописи, даже если они были слегка идеализированы или затронуты определенным социальным статусом (взгляните на некоторые из его картин этого периода. ).Даже если не все поп-артисты изображали ситуации, в которых участвовали люди, выбор их темы демонстрировал определенное увлечение обычным и обыденным. В этом смысле даже натюрморты Уэйна Тибо представляют удовольствия повседневной жизни в жанровом смысле этого слова.


Уэйн Тибо — Две стоящие на коленях фигуры, 1966

Жанровая живопись в современном искусстве?

Найти связь между современным искусством и жанровой живописью проще, чем есть на самом деле.Многие современные художники занимаются фигурацией, и многие из них, кажется, имеют дело со сценами из повседневной жизни. Однако из-за отсутствия ясности в эту эпоху мы не совсем уверены, какие из этих ситуаций реальны, а какие придуманы или придуманы. Более того, тот факт, что художник изображает, казалось бы, обычную ситуацию, не обязательно должен быть самоцелью, потому что, как и Караваджо, современный художник может использовать своих персонажей в качестве посредников, чтобы передавать сообщения и скрывать значения.С другой стороны, автор может намереваться поразить нас не столько повествованием, сколько цветом, атмосферой, текстурой или любым другим аспектом произведения искусства.


Джули Блэкмон — Планировка, 2015

Возможная связь между жанровой живописью и фотографией

Еще одна вещь, на которую стоит обратить внимание, это то, что в эпоху Возрождения у них не было фотоаппаратов. Мы знакомы с фактической природой фотографии и ее ценностью как источником знаний и информации.Это также причина, по которой его всегда помещали между искусством и документацией, и почему до недавнего времени он вообще не считался искусством. Тем не менее, фотографирование повседневной жизни стало увлекательной тенденцией, которую ввел в мир искусства Энди Уорхол (даже если он вообще не был его первоначальной идеей представлять свои фотографии как произведения искусства). Обычные люди и жизнь в целом оказались такими же удивительными, как и фантастика. Способность распознавать и фиксировать эти моменты сравнима со способностью художников 17, 18 и 19 веков, учитывая, что наш век — это эпоха пост-медиума. [4] Таковы, например, работы Юргена Теллера, Ричарда Биллингема или Джули Блэкмон. Тем не менее, вдохновляющее заявление Блэкмон с ее веб-сайта может стать идеальным завершением этой дискуссии.

« Голландская пословица« дом Яна Стина »возникла в 17 веке и используется сегодня для обозначения беспорядочного дома, полного шумных детей и шумных семейных сборищ. Картины Стин, а также картины других голландцев и Фламандские художники-жанристы помогли вдохновить эту коллекцию работ.Я старшая из девяти детей, а теперь мать троих детей. Как личные рассказы Стина о семейной жизни изображены почти 400 лет. назад слияние искусства и жизни — это область, которую я исследовал, фотографируя повседневную жизнь моей семьи и жизни моих сестер и их семей дома. Эти изображения являются как вымышленными, так и автобиографическими, и отражают не только нашу сегодняшнюю жизнь и нашу жизнь детей, растущих в большой семье, но и выходят за рамки документального фильма, чтобы исследовать фантастические элементы нашей повседневной жизни, как воображаемой, так и реальной. « [5]

Совет редакции: Голландская жанровая живопись семнадцатого века: ее стилистическая и тематическая эволюция

Историки называют период с 1600 года до начала 17 века Золотым веком голландского реализма. В этот период жанровая живопись претерпела значительную эволюцию, будучи сформулированной руками великих мастеров, таких как Вермеер, Стин, де Хуч, Доу и т. Д. Глядя на эти произведения искусства, мы также можем увидеть истории, стоящие за ними, и большинство из них интерпретировано и объяснено в этой книге известным ученым Уэйном Фрэницем, интересующимся этой темой. Эта всеобъемлющая эволюция жанровой живописи в Голландии сопровождается более чем сотней иллюстраций, и ее рекомендуется всем, кто хочет получить более глубокое представление о том, что происходило в этой части истории.

Артикул:

  1. Арменини, Г.Б., De verapretti della pittura , 1587. «Об истинных принципах искусства живописи»
  2. Fuchs, RH., Голландская живопись , Темза и Гудзон, Лондон, 1978.
  3. Моррис, П., Реализм , Рутледж, Лондон, 2003.
  4. Osborne, P., Anywhere or Not All , Verso, 2013.
  5. Blackmon, J., Domestic Vacations , официальный сайт Джули Блэкмон, 2008 г. [23 октября 2016 г.]


Избранные изображения: Ян Стин — Остерегайтесь роскоши, 1663; Диего Веласкес — Менины, 1656 г .; Адриан ван Остаде — Крестьяне в интерьере, 1661 г. Все изображения использованы только в иллюстративных целях.

Сегодняшние художники-портретисты, которые придают современный вид вековому жанру

До фотографии художники были теми, кто делал визуальные снимки человечества. Считается, что некоторые самые ранние портреты были нарисованы на камне древними египтянами, чтобы увековечить своих правителей и богов. На протяжении веков традиционный жанр по-прежнему использовался для изображения королевских семей и религиозных деятелей. Лучшим художникам в этом районе было поручено создать произведения искусства, которые должны были передать «истинную сущность» их сюжетов. По этой причине ранние портреты часто были художественным изображением человека, а не изображали его истинное подобие.

На протяжении разных эпох и художественных направлений портретная живопись развивалась вместе с цивилизацией. От благородных портретов периода Возрождения до изображений жизни среднего класса во время движения реализма художники разработали свои собственные стили, а некоторые даже начали рисовать свои собственные автопортреты. Известные художники, такие как Ван Гог, Мэри Кассат, Пабло Пикассо и Густав Климт, все специализировались на изображении человеческого выражения и вдохновляли многих современных художников-портретистов, которые толкают вековой жанр в новых направлениях.

Вот 8 современных художников-портретистов, которые придают современный вид вековому жанру.

Лорен Бревнер

Художница из Ванкувера Лорен Бревнер создает портреты женщин в смешанной технике, которые напоминают современные версии работ Густава Климта. Размывая грань между современным искусством и традиционным японским ремеслом, каждый стилизованный портрет нарисован на деревянных панелях и выполнен из комбинации материалов, включая масляную и акриловую краску, смолу, мерцающее сусальное золото и кусочки традиционной японской бумаги.

Ясутомо Ока

Работа японского художника Ясутомо Ока сначала может показаться фотографией, но на самом деле каждый портрет был создан масляной краской. На каждой фотореалистичной картине запечатлены все детали женских персонажей художника, такие как мягкая кожа, распущенные волосы и фактурная одежда. Как и старые мастера прошлого, Ока использует реальные модели в качестве отправной точки в своей работе, но часто заканчивает тем, что создает идеализированные изображения своих предметов.

Кехинде Вили

Недавно написав официальный портрет бывшего президента США Барака Обамы, нью-йоркская художница Кехинде Уили заново изобретает классические портреты в стиле эпохи Возрождения, заменяя белую аристократию современными цветными людьми. В его потрясающих портретах персонажи изображены в образе королевских членов общества в окружении ярких цветочных узоров, которые отсылают к тканям и декоративным мотивам их культур.

Портретные картины художницы из Балтимора Эми Шеральд бросают вызов стереотипам об афроамериканцах, проливая свет на события, которые часто остаются вне истории. «Мы получаем одни и те же истории о том, кто мы есть — истории, наполненные болью, угнетением и борьбой», — говорит она. «Но есть и другие стороны жизни чернокожих, которые не часто представлены. Я рисую этих людей ».

Пожалуй, ее самый известный заказ был для бывшей первой леди Мишель Обамы.Выполненная в своем фирменном стиле, Шеральд изобразила миссис Обаму, которая позировала, положив руку под подбородок, в платье в стиле оп-арта от дизайнера Мишель Смит.

Франс Смит

5 жанров искусства, которые нужно знать

Знания — сила, и мы знаем, что идти в ногу с постоянно развивающимся миром искусства — нелегкий подвиг, требующий от вас всегда быть на шаг впереди, держать глаза и уши открытыми для последних тенденций и шума. слова, самые горячие художники и новейшие средства массовой информации. Мы собрали 5 новых жанров искусства, которые нужно знать, и наши лучшие подборки для них. Бодрит свой день (и свой разум) с помощью этих увлекательных и значительных жанров современного искусства.

Антуанетта Женевьев

Знания — сила, и мы знаем, что идти в ногу с постоянно развивающимся миром искусства — нелегкий подвиг, требующий от вас всегда быть на шаг впереди, держать глаза и уши открытыми для последних тенденций и модных слов, самых горячих художников и новейших среды.Но, к счастью, с Rise Art не нужно слишком много работать. Чтобы вы не растерялись на следующем собрании, посвященном искусству, и вооружитесь знаниями, чтобы произвести впечатление, мы собрали 5 новых жанров искусства, которые нужно знать, и наши лучшие подборки для них. Бодрит свой день (и свой разум) с помощью этих увлекательных и значительных жанров современного искусства.

1 Китч Арт

Немецкое слово, обозначающее мусор, обрело новое значение, и в английском это направление в искусстве.Термин, обозначающий дешевое, вульгарное и массовое искусство [как правило, с упором на культурные символы]. Это также связано с неброским искусством, которое изначально приобрело известность в художественных кругах Лос-Анджелеса в начале 1990-х годов. Корни Lowbrow, однако, уходят в прошлое, в хотроды Южной Калифорнии («Kustom Kars») и культуру серфинга.

Get The Look

Королева красоты

Сьюзан Эллиот

Культовый образ королевы Елизаветы II был переосмыслен художницей Сьюзан Эллиот, юмористически обыгравшей на самовлюбленную природу знаменитости и монархии.

2 Неофутуризм

Этот стиль часто применяется к различным областям творчества, но в первую очередь применяется к изобразительному искусству, дизайну и архитектуре. Типично пост-пост-модерн, мы достигли точки, в которой будущее искусства фактически является концепцией будущего. См. Также Неомодернизм

.

Get The Look

Флюс

Олива Пик

Прекрасный пример футуристического подхода Пик к сочетанию архитектуры и дизайна в ее работах. Пик даже упоминается в Википедии как художник неофутуризма.

3 Мыслим

События 11 сентября прочно укоренились в корнях мышления. Это серьезное событие вызвало вопросы о быстром изменении окружающей среды и влиянии геополитических и антропогенных сил. Этот стиль отстаивает плодовитый художник и активист Ай Вэй Вэй. Рождение социально сознательного художественного движения. Эко-искусство уходит корнями в (и продвигается) защитниками Thinkinsm.

Get The Look

Плененная косатка

Софи Иремонгер

Об этом убедительном политическом заявлении говорить не приходится. Работу Иремонжер сложно определить, так как она подразделяется на множество категорий, что позволяет ей свободно выражать свои политические взгляды с помощью многослойных картин в смешанной технике.

4 Массовый сюрреализм

Массовый сюрреализм как вид искусства зародился примерно в 1960-х годах. Как это ни парадоксально, он обратился к средствам массовой информации — прежде всего к коммерческим средствам производства видео и графики — для создания художественных заявлений. « Поп-арт, СМИ и сюрреализм не столько определяют массовый сюрреализм, сколько определяют его границы …»

Get The Look

Запретный плод

Александра Галлахер

Визуально связанная с коллажами сюрреалистов, она предлагает современный взгляд на материалы, которые напрямую связаны с основными целями массового сюрреализма; эта статья также затрагивает религиозную тематику.

5 AlterModern

Альтермодерн против культурной стандартизации и массовости , , но также против национализма и культурного релятивизма. Позиционируя себя в центре современных культурных несоответствий, художники, чьи работы можно идентифицировать как Altermodern , сосредотачиваются на культурном переводе, ментальном кочевничестве и пересечении форматов. Рассматривая время как множественность, а не как линейный прогресс, художник альтермодерна перемещается по истории, а также по всем часовым поясам планеты, создавая связи между знаками, удаленными друг от друга; (см. также Neo-Geo).

Get The Look

Возможности безграничны

Мэтт Кэхилл

Его работа связана с проблемами, которые уходят корнями в тяжелое положение современности. В этой пьесе Кэхилл изначально представляет зрителю игристое, красочное изображение; предлагая им найти людей и рассмотреть их положение в их социальной среде.

И потому что всегда приятно узнать побольше…

Abject Art

Это движение или стиль можно рассматривать как близкий родственник Трансгрессивного искусства.Термин «отвращение» буквально означает «состояние отвержения», и этот стиль влияет на художников с 1980-х годов. В глоссарии Тейт оно определяется как: «искусство, исследующее темы, которые нарушают и оскорбляют (угрожают) нашему чувству чистоты и приличия, ссылаясь на тело и функции тела». Говоря обычным языком, это искусство, которое буквально сосредотачивается на дерьме. Как весело!

Фантастический и менее вульгарный пример Abject Art — произведение Braveturrd от Super Future Kid.

Вы также можете найти множество информации и терминов, определяющих искусство, в глоссарии терминов в области искусства на веб-сайте Тейт.

Об авторе

Антуанетта Уильямс — независимый арт-консультант, куратор и писатель, Антуанетта — энтузиаст искусства всех медиа. Имея степень бакалавра истории искусств и магистра изобразительного и декоративного искусства, она писала в журналах Or Does It Explode Magazine, Fresh Paint Magazine и Artfetch (теперь присоединилась к Rise Art). В настоящее время она делит свое время между Сан-Диего и Нью-Йорком.

Следуй за ней

Twitter: @ awilliams87888 Instagram: @ antoinette_8788

Какие бывают виды изобразительного искусства?

Существует бесчисленное множество видов искусства. Когда дело доходит до изобразительного искусства, обычно бывает 3 вида: декоративное, коммерческое и изобразительное искусство.

Более широкое определение «искусства» охватывает все, от живописи до театра, музыки, архитектуры и многого другого. Однако изобразительное искусство — это те художественные творения, которые мы можем видеть, например, скульптуры или картины.

Какие три типа изобразительного искусства?

Три вида изобразительного искусства:

  • Декоративный
  • Коммерческий
  • Изобразительное искусство

Подкатегории существуют в каждом из этих видов искусства, и эти формы искусства могут быть репрезентативными, абстрактными или необъективными.Более широкие формы визуального искусства включают такие формы искусства, как живопись, скульптура, дизайн костюмов или одежды, рисунок, гравюра, керамика, фотография, видео, кинопроизводство, графический или коммерческий дизайн, ремесла и архитектура.

Каковы три классификации искусств?

Во всех изобразительных искусствах для описания произведений искусства используются три классификации. Независимо от того, является ли произведение двухмерным или трехмерным, оно всегда относится к одному из этих трех основных типов.

Изобразительное искусство



Изобразительное искусство может описывать любое произведение искусства, на котором изображены легко узнаваемые или узнаваемые предметы. Изобразительное искусство или изобразительное искусство — наиболее широко признанное искусство, признанное массами. Эта группа также имеет самый большой доступный объект искусства, потому что два других типа, абстрактный и беспредметный, являются относительно новыми стилями.

Самое старое и классическое искусство относится к категории изобразительного искусства.Несмотря на изображение реальных объектов, изобразительное искусство не всегда гиперреалистично; он не должен точно отображать объект, как фотография. Примеры представительных художников включают Леонардо да Винчи, Винсент Ван Гох, Микеланджело, Эдвард Хоппер и Фрида Кало.

1. Абстракционизм



Абстрактное искусство берет предметы или вдохновение из реальности, но представляет их способами, которые отличаются от того, как мы рассматриваем те же предметы в нашей повседневной реальности.Абстракции всего около 200 лет, и она до сих пор остается непонятым художественным стилем, несмотря на стремительный рост ее популярности. Примеры художников-абстракционистов включают Жоржа Брака, Марка Ротко, Анри Маттиса и Джаспера Джонса.

Беспредметный Арт.



Беспредметное искусство ничего не берет от реальности. Его можно принять за абстракцию, но отличается, потому что в действительности нет основы. Вместо этого беспредметное искусство использует элементы, материалы и принципы искусства таким образом, чтобы создавать визуально стимулирующие работы.Примеры беспредметных художников: Джексон Поллок, Василий Кандинский, Пит Мондриан и Соня Делоне.

Изобразительное искусство

Изобразительное искусство — это стиль искусства, который разработан в первую очередь для того, чтобы быть эстетически красивым. Это определение отличает изобразительное искусство и ставит его выше декоративного и коммерческого искусства, которое также выполняет некоторые практические функции. Высокое искусство позволяет в полной мере выразить и проявить воображение художника, не ограниченное какими-либо коммерческими или практическими соображениями, такими как функциональность.


В то время как изобразительное искусство как коллектив может включать семь форм искусства, изобразительное искусство традиционно ограничивается тремя видами искусства: живописью, скульптурой и архитектурой. Однако более широкие интерпретации изобразительного искусства расширились бы, включив в него рисунок. Рисунки мастеров сами по себе считаются изящным искусством, даже если они предшествовали живописи или трехмерным формам искусства.

Термин «изобразительное искусство» использовался для западного искусства начиная с эпохи Возрождения, чтобы отличать определенные формы искусства от новых форм коммерческого дизайна или работы ремесленников.

То, что отличает это искусство от «хорошего», не связано с комментарием к рассматриваемому качеству произведения искусства. Вместо этого определение относится к методу и чистоте дисциплины. Другие визуальные формы искусства могут быть высокого качества, не будучи классифицированными как «изобразительное искусство».

«Изобразительное искусство» — это преимущественно западный термин, но в других культурах наблюдаются аналогичные различия между «высоким» и «низким» искусством. Три изящных искусства — живопись, скульптура и архитектура иногда также называют «основными искусствами», а «второстепенные искусства» относятся к стилям коммерческого или декоративного искусства.

Архитектура — единственная форма изобразительного искусства с чувством полезности или элементами практичности. Однако не все повседневные постройки попадут в классификацию прекрасной архитектуры. Чувство красоты и творчество по-прежнему должны быть в центре внимания архитектора.

Известные художники изобразительного искусства обычно пользуются более высоким статусом и дурной славой, при жизни или посмертно, чем их коммерческие и декоративные коллеги. Старое искусство, такое как классическое искусство древностей, обычно считается изящным искусством.Известные прекрасные художники включают «старых мастеров», работавших между эпохой Возрождения и 1800-х годов, таких как Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Хотя многие старые или классические произведения искусства считаются изобразительным искусством, современное искусство также может попадать в эту категорию. С 1800-х годов в импрессионизме, экспрессионизме и других жанрах современного искусства появился новый класс изящных художников. В эти жанры входят такие известные художники, как Пабло Пикассо, Винсент Ван Гог, Джексон Поллок, Клод Моне и Умберто Боччони.

Многие современные изобразительные художники расширили определение изобразительного искусства, черпая вдохновение или элементы из других изобразительных искусств. Однако уникальный, ограниченный характер их искусства и безудержная творческая свобода поддерживают элитный статус современных изобразительных художников. Среди известных современных изобразительных художников современности — Дэвид Краков, Джефф Кунс, Яёи Касума, Барбара Крюгер, Дэмиен Херст и Ай Вэй Вэй.


2. Декоративный

Декоративное искусство часто игнорируется как вид искусства, потому что оно функционально и красиво.Декоративное искусство может использоваться как синоним «ремесла»; дизайн и изготовление одновременно красивы и функциональны.

К декоративно-прикладному искусству относятся предметы, созданные для интерьеров зданий и дизайна интерьеров, но обычно не включают архитектуру.

Декоративное искусство может включать предметы повседневного обихода, но отличается от серийных версий этих предметов. Чтобы считаться декоративным искусством, объект обычно должен быть сделан вручную специализированным мастером или мастерицей.


К распространенным средствам декоративного искусства относятся керамика, изделия из стекла, изделия из дерева, текстиль, эмаль и изделия из металла. Каждая из этих сред может состоять из нескольких подкатегорий; например, текстильная среда включает в себя все, от дизайна одежды до настенных гобеленов, плетеных изделий, вышивки и тканей для интерьера.


Декоративное искусство встречается в культурах по всему миру. Среди самых известных художников-декораторов — текстильный дизайнер Уильям Моррис, ювелир и производитель керамики Питер Карл Фаберже (создатель печально известных яиц Фаберже).Художники-декораторы часто неизвестны по сравнению со своими коллегами в живописи или скульптуре. Тем не менее, их работа не менее важна для рассказа истории и историй культур прошлого и настоящего.

3. Коммерческий

Коммерческое искусство, как и декоративное искусство, может быть функциональным и красивым. Коммерческое искусство — это творческая услуга, которая создается для коммерческих целей, например, для рекламы. Коммерческое искусство используется для стимулирования продажи услуг, продуктов и идей и повышения интереса к ним.Бренды и компании будут использовать коммерческое искусство, чтобы донести до аудитории что-то конкретное.


Коммерческое искусство может включать графический дизайн, фотографию, иллюстрацию, анимацию, печать, телевидение, дизайн одежды, визуальные эффекты, промышленный дизайн и графику движения. Коммерческое искусство обычно можно увидеть в таких средствах массовой информации, как журналы, веб-сайты, приложения, телевидение, витрины магазинов и упаковка продуктов.

Этот вид искусства окружает нас повсюду.Коммерческие художники часто несут ответственность за визуальные эффекты, которые мы видим каждый день, от логотипов до рекламных щитов, телевизионной рекламы и т. Д. Это искусство массового производства, предназначенное для широкой аудитории.

Коммерческое искусство часто можно увидеть в новых формах средств массовой информации, но на самом деле оно использовалось веками для продвижения товаров. Этот вид искусства используется не только брендами и предприятиями, но и как форма общения между правительствами и военными. Знаменитые плакаты о вербовке на войну, правительственная пропаганда и даже проекты общественных работ были разработаны художниками-коммерсантами.Знаменитый лондонский логотип Tube, ранние плакаты Coca-Cola и плакаты с супами Энди Уорхола Кэмпбелла — все это фантастические образцы коммерческого искусства.

Коммерческие художники либо нанимаются, либо получают заказ на создание произведений искусства для платежеспособных клиентов. В отличие от художников изобразительного искусства, коммерческие художники обычно следуют инструкциям, но все же могут обладать достаточной творческой свободой или чутьем для создания экспериментального или новаторского коммерческого искусства.

Многие художники-новаторы, ставшие популярными во времена модерна, ар-деко и поп-арта, были коммерческими художниками. Среди известных коммерческих художников — Энди Уорхол, Норман Роквелл, Альфонс Муха, Такаши Мураками и Сальвадор Дали.

Некоторые художники начали свою карьеру в коммерческом искусстве, а затем перешли в изобразительное искусство, или наоборот. Эти художники часто несут ответственность за стирание границ между высоким и низким искусством и бросают вызов представлениям об исключительности, которые часто возникают в изобразительном искусстве. Энди Уорхол создавал произведения искусства для таких брендов, как Campbell’s Soup и Brillo, прежде чем стать известным художником, которым его называют сегодня.


Современные художники, такие как Такаши Мураками, еще больше стирают границы, создавая изобразительное искусство, в котором используются стили и мотивы «низкого» коммерческого искусства, такого как аниме. Мураками выставляет и создает как изобразительное искусство, так и коммерческое искусство массового производства, часто в сотрудничестве с такими брендами, как Louis Vuitton, и такими исполнителями, как Канье Уэст и Билли Эйлиш.

Заключение

В настоящее время термин «изобразительное искусство» используется для обозначения как изобразительного искусства, коммерческого искусства, так и прикладного декоративно-прикладного искусства и ремесел.Однако так было не всегда. До 20 века термин «художник» часто использовался только для художников, работающих в сфере изобразительного искусства.

Художники, специализирующиеся на ремеслах, ремеслах, торговле или прикладном искусстве, часто упускались из виду. В настоящее время навыки и талант художников во всех формах изобразительного искусства оцениваются гораздо шире.

Spectrum of Art Part 2: Subject Matter and Genres

В этом разделе Spectrum of Art сегменты, выбранные из трех частей серии «Взгляд на живопись» KET, исследуют техники и идеи художников Кентукки.

Реализм: Пейзаж

Лорин Нотхайзен из Bowling Green и Дал Мейкон из округа Уитли, два художника-реалиста, рассказывают о различных методах, темах и техниках, которые они используют для создания своих работ. Мейкон начинает сегмент, работая над сценой из своего дома. Затем, работая над подмалью — одним из начальных этапов ее работы, — Нотхайзен показывает, как она использует фотографии, чтобы направлять первые шаги картины. После этого Мейкон буквально проводит зрителей через свой процесс рисования, путешествуя по лесу, устанавливая свой мольберт и ища сцены с ярким светом и цветом.Он говорит, что смотрит на пейзаж как на «своего рода дом».

Предлагаемые варианты использования:
Используйте, чтобы вызвать обсуждение методов и намерений художников, а также творческого процесса в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Используется вместе с обсуждением целей искусства (например, наблюдение и рисование реалистичного пейзажа).
Выставка в сочетании с другими сегментами профиля художника из Спектра искусства или Глазами художников, особенно с художниками, которые используют методы и стили, отличные от реализма. Сравните и сопоставьте техники и методы, которые разные художники используют в своем подходе к одной и той же среде.
Используйте этот сегмент как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное занятие перед тем, как к вам в класс придет постоянный художник.

↑ Начало

Реализм: Автопортрет

Работая над автопортретом, художница из Луисвилля Гаэла Эрвин обсуждает, как техника художника развивается в процессе эволюции первоначального интереса.Она также описывает свой собственный творческий процесс: тщательный анализ объекта, исправление и усиление ошибок и создание иллюзионистских пространств при наблюдении за реалистичным содержанием. Она говорит, что это зачастую очень серьезный и лично испытанный опыт. Работа с интенсивностью собственного образа, когда она смотрит на себя до семи часов за один присест, приводит к проявлению ее собственной тревоги, проявляющейся в глубоких ярких оттенках ее полотен.

Предлагаемые варианты использования:
Используйте, чтобы вызвать обсуждение методов и намерений художников, а также творческого процесса в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Использование вместе с обсуждением целей искусства (например, создание автопортрета с символами).
Выставка в сочетании с другими сегментами профиля художника из Spectrum of Art или Through Artists ’Eyes, особенно с художниками, которые при создании портретов используют методы и стили, отличные от реализма. Сравните и сопоставьте техники и методы, которые разные художники используют в своем подходе к одной и той же среде.
Используйте этот сегмент как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное занятие перед тем, как к вам в класс придет постоянный художник.

↑ Начало

Реализм: Натюрморт

Художник из Данвилла Шелдон Тэпли начинает этот сегмент с первого этапа своего обычного метода: панель из масонита, загрунтованная гипсом, и светлый оттенок, задающий первоначальный тон будущей работе. Затем он демонстрирует осознанный и размеренный подход, который он использует в живописи, мазок кистью нежным мазком. Тэпли дает зрителям возможность заглянуть в свой альбом для зарисовок, полный заметок и первоначальных идей для новых работ, и обсуждает использование им специально настроенных кистей. От вольной интерпретации композиции на ранних этапах он позволяет своей любви к среде и предмету перерасти в яркое детальное видение объектов в космосе.

Предлагаемые варианты использования:
Используйте, чтобы вызвать обсуждение методов и намерений художников, а также творческого процесса в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Используется вместе с обсуждением определения реализма.
Сравните и сопоставьте техники и методы, которые разные художники используют в своем подходе к одной и той же среде.
Используется совместно с исследованием натюрмортов, найденных на компакт-диске Виртуального художественного музея Кентукки. Помогает ли процесс Тэпли объяснить методы и процессы, которые могли использоваться художниками, чьи натюрморты студенты нашли в музее? Обсудите традицию рисования натюрмортов.
Используйте этот сегмент как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное занятие перед тем, как к вам в класс придет постоянный художник.

↑ Начало

Экспрессионизм: пейзаж

Патрик Адамс начинает этот сегмент с обсуждения своих воспоминаний о детстве «посреди кукурузного поля в Миннесоте» и о том, как география этого ландшафта повлияла на большую часть его работ. Он любит оспаривать различия между географией своего дома и Кентукки, находя открытые пространства в своей памяти более привлекательными, чем плотно сплетенные холмы. Карен Спирс продолжает обсуждать свою молодость, проведенную в Техасе, и влияние различных сред на перспективы, обнаруженные в ее работах.Затем Адамс описывает методы, которые он использует, чтобы взглянуть на реальность ландшафта более внутренне, находя абстрактную природу в реальных формах. Наконец, Гвиневер Смит продолжает обсуждение взаимосвязи между абстракцией и реализмом, находя ее лучше всего отображаемой в меняющихся элементах природы, таких как темные дождевые облака и потоки перемен, выраженные в цветах осени. Она говорит, что надеется создать работу, «находящуюся на острие ножа между реализмом и абстракцией…», которая выражает те моменты, когда постоянные вещи вот-вот изменятся.”

Предлагаемые варианты использования:
Используйте, чтобы вызвать обсуждение методов и намерений художников, а также творческого процесса в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Используйте этот сегмент вместе с обсуждением целей искусства (например, намерений художников при написании экспрессионистских пейзажей).
Сравните и сопоставьте техники и методы, которые разные художники используют в своем подходе к одной и той же среде, используя профили художников из Spectrum of Art и Through Artists ’Eyes.Выставка
в сочетании с сегментом «Реализм: Пейзаж» с участием художников Дал Макона и Лорина Нотхайзена для сравнения и сопоставления экспрессионизма и реализма.
Используйте как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное мероприятие перед тем, как художник посетит ваш класс.

↑ Начало

Экспрессионизм: изобразительное искусство

Вспоминая свой опыт работы на железной дороге, а также образы своей семьи и других важных фигур, художник из Луисвилля Марк Прист обсуждает свои большие композиции, которые страстно отражают через драматические линии и цвета интенсивные моменты внутреннего самовыражения.На него повлияли драматические работы Микеланджело, а также наставника и друга Приста Генри Ходковски, чья поддержка помогла молодому художнику продолжить его развитие как художника. Прист также говорит о важности разработки композиции и методах, которые он использует, чтобы «поместить зрителя в картину».

Предлагаемые варианты использования:
Используйте этот сегмент, чтобы зажечь дискуссию о методах и намерениях художников, а также о творческом процессе в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Используйте этот сегмент вместе с обсуждением целей искусства (например, раскрасьте фреску в натуральную величину).
Сравните и сопоставьте техники и методы, которые разные художники используют в своем подходе к одной и той же среде, используя профили художников из Spectrum of Art и Through Artists ’Eyes.
Используйте с другими сегментами «Экспрессионизм», чтобы разработать определение экспрессионизма.
Используйте этот сегмент как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное занятие перед тем, как к вам в класс придет постоянный художник.

↑ Начало

Экспрессионизм: натюрморт

Художница из Лексингтона Энн Тауэр раскрывает свое уникальное понимание абстрактной живописи в своих садовых картинах. В этом сегменте она описывает свою работу как «укорененную в реалистическом мире, наблюдаемом мире» и обсуждает свое желание побудить зрителя по-другому взглянуть на мир через призму каждого полотна. Она также обсуждает способы, которыми ее картины пытаются задокументировать моменты из ее собственной жизни.

Предлагаемые варианты использования:
Используйте, чтобы вызвать обсуждение методов и намерений художников, а также творческого процесса в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Используется вместе с обсуждением целей искусства (например, рисование выразительного натюрморта или «жизненного документа», как выразился Тауэр).
Сравните и сопоставьте техники и методы, которые разные художники используют в своем подходе к одной и той же среде, используя профили художников из Spectrum of Art и Through Artists ’Eyes.Выставка
в сочетании с сегментом «Реализм: Натюрморт» с участием художника Шелдона Тэпли для сравнения и сопоставления экспрессионизма и реализма.
Используйте как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное мероприятие перед тем, как художник посетит ваш класс.

↑ Начало

Абстракция: Джеральд Ферстман

Джеральд Ферстман обсуждает и демонстрирует спонтанный характер своей техники абстрактной живописи и социальные сообщения, составляющие его тематические работы.Ферстман проводит зрителей через начальные этапы новой работы, обычно спланированной с точки зрения базовой композиции и выбора цвета, и далее во взрыв творческого движения, экспрессивной живописи и выражения потока сознания. Методы Ферстмана формулируют его глубокие убеждения относительно способов, которыми общество определяет, кто мы есть и что мы делаем, страстно сопротивляясь границам обычного стиля в пользу абстрактной техники. Ферстман говорит, что, хотя послания его работ иногда могут беспокоить или вызывать у зрителя вызов, он надеется породить новые способы мышления.

Предлагаемые варианты использования:
Используйте, чтобы вызвать обсуждение методов и намерений художников, а также творческого процесса в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Использование вместе с обсуждением целей искусства (например, искусство как социальный комментарий).
Сравните и сопоставьте техники и методы, которые разные художники используют в своем подходе к одной и той же среде, используя профили художников из Spectrum of Art и Through Artists ’Eyes.
Сравните и сопоставьте работу и процесс Ферстмана с работой и творчеством художников-реалистов, представленных в книге «Взгляд на живопись», чтобы лучше понять абстрактное искусство.
Используйте как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное мероприятие перед тем, как художник посетит ваш класс.

↑ Начало

Абстракция: Нэнси Касселл

Нэнси Касселл обсуждает важность пейзажа, природы и места для ее живописи; влияние сюрреалистов и абстрактных экспрессионистов; и сексуальная природа ее предмета.Она также упоминает о своем детстве в Теннесси; изображения русел ручьев, торнадо и орхидей; а нетрадиционные техники, которые она разработала с использованием черных чернил на белом холсте, дали ей уникальный метод и источник видений, позволяющих направить свое подсознание в ее работу. Этот сегмент может быть подходящим для более зрелых студентов.

Предлагаемые варианты использования:
Используйте, чтобы вызвать обсуждение методов и намерений художников, а также творческого процесса в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Используйте отрывок вместе с обсуждением целей искусства (например, вспоминая воспоминания из детства).
Используйте при обсуждении цвета. Сравните палитру Кассела (черно-белую) с палитрой Джеральда Ферстмана.
Сравните и сопоставьте техники и методы, которые разные художники используют в своем подходе к одной и той же среде, используя профили художников из Spectrum of Art и Through Artists ’Eyes.
Используйте этот сегмент как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное занятие перед тем, как к вам в класс придет постоянный художник.

↑ Начало

Абстракция: идеи / процесс

Этот сегмент представляет собой полный раздел «Идеи / Процесс» из программы «Взгляд на живопись» по теме «Абстракция». Пятеро представленных художников беседуют с ведущим Робертом Тарсингом о различных подходах к жанру и своей работе. Сначала художник Генри Ходковски обсуждает архетипические символы, которые он исследовал и разработал, чтобы создать серию черно-белых картин, основанных на мифическом Лабиринте древнего Крита.Затем Сэм Гиллиам описывает, как он перешел с холста на открытое пространство над обычной галереей, создав большие работы на полу, накинул их на лестницы и другие опоры и, наконец, подвесил их к потолку — создавая масштабные заказы ярких цветов. , глубина и то, что он называет «магией». Затем Иван Шифердекер знакомит зрителя с процессом создания своих абстрактных работ, используя цветовые комбинации, интенсивные линии и текстуры, которые представляют природные элементы, чтобы придать серьезную глубину каждому холсту.Нэнси Кассель и Джеральд Ферстман также обсуждают методы, которые они используют, свой обычный выбор темы и идеи, которые мотивируют их работу.

Предлагаемые варианты использования:
Используйте, чтобы вызвать обсуждение методов и намерений художников, а также творческого процесса в целом. Попросите учащихся создать искусство на основе видео и вашего обсуждения.
Использование вместе с обсуждением целей абстрактного искусства.
Сравните и сопоставьте техники и методы, используемые этими пятью художниками в их подходе к одной и той же среде.
Используется вместе с исследованием абстрактных картин, найденных на компакт-диске Виртуального художественного музея Кентукки. Помогают ли комментарии этих пяти художников студентам лучше понять абстрактное искусство?
Используйте этот сегмент как часть раздела «Карьера в искусстве» или как вводное занятие перед тем, как к вам в класс придет постоянный художник.

↑ Начало

Портретная живопись при Елизавете и Екатерине

Архитектура доминирует в России до 1760-е, не стоит позволять ему затмевать более скромные, но важное развитие живописи.Петр Великий прислал несколько молодых художников в Западную Европу для обучения. Западноевропейский художники, в свою очередь, приехали в Россию, и эстетические принципы западного искусства и таких техник, как масляная живопись, были приняты в России так же быстро, как и другие западные заимствования. Один жанр доминировала живопись на протяжении восемнадцатого века и позже: Портрет.

К началу XVIII века портрет живопись в эстетических рамках древнерусского искусства, достигла значительного статуса и качества.Стиль живописи развивалось что-то среднее между иконографией и портретной живописью, известный в русском языке как «парсуна» (производное от Латинская персона). Парсуна — это вид портретного искусства, сочетающий стилистические качества и приемы традиционной русской иконы живопись и западноевропейский светский портрет. Парсуна, как и икона, обычно писалась на деревянном панно.В отличие от икона, это было изображение обычного и живого человека существование. Фигура нарисована жестко, с линейной перспективой, так, чтобы зафиксировать и запечатлеть черты лица изображенного.

Иван Вишняков (1699-1761) Вишняков «Жена Михаила Яковлева» (после 1756 г.) имеет особенности парсуны, например, отсутствие перспективы, отсутствие интереса выражением лица и заботой об украшении поверхности.Перспектива, развитие живописи эпохи Возрождения, по ее очень природа вряд ли будет иметь первостепенное значение при крупном плане портретная живопись, чем в других формах живописи.

Иван Аргунов (1721-1802 ), был крепостным в богатой семье Шереметьевых, но извлекла выгоду из семейного интерес к искусству. Аргунов «Портрет крестьянина» Женщина в русском костюме »(1784) показывает начало Интерес России к крестьянскому быту и народным костюмам.

Антон Лосенко (1731-73) воспользовался открытием Императорского Академия художеств в Петербурге в 1757 году. Учился в Академии 1758-1760, затем учился и работал в Париже и Рим. Лосенко был одним из первых русских профессоров Академия. В то время как его предшественники были в основном портретистами, Лосенко покушался на исторические сюжеты.Его «Владимир и Рогнеда »(1770 г.) — первая картина на тему русского языка. история. Лосенко взял за основу полотно Михаила Ломоносова. «Русская история», а не библейский текст или греческая и римская история, как в западноевропейской школе. Изображен князь Владимир Новгородский, сделавший предложение руки и сердца. Рогнеде, княжне Полоцкой. Получив отказ, Владимир велел война на Полоцке, погибли отец и братья княгини и насильно сделал ее своей женой.В духе классицизма критику деспотизма, Лосенко показывает момент покаяния когда Владимир просит прощения за свои поступки. Резонируя с принципы классицизма — это местные русские черты. В лица воинов типично русские, а девица в русском платье. Но мозаичный пол, античная ваза в углу, а пилястры на стенах — чисто классические.Костюмы напоминают театральные, как и некоторые выражения. на лицах.

Благодаря этой работе Лосенко отошел от абстрактного идеализация фигур в сторону отражения человеческих страстей в рисование. Тем не менее у Лосенко не было сторонников в исторической сфере. живопись среди современников. Продолжение портретной живописи доминировать в русском искусстве, и это будет еще два поколения пока не появились художники, способные справиться с трудностями представление истории России в живописи.

Федор Рокотов (1735-1808 ) работал с первым профессором живописи Петербургского Академия. Он специализировался на так называемой «камерной» портрет »или интимный портрет, который в то время был новым жанром в русском искусстве. Он создал целую галерею изысканных образов женщин, изображающих их благородство а также загадочность, скрывающая сложный внутренний Мир.Один из примеров — «Портрет графини Елизаветы». Васильевна Санти »(1785 г.). Его картины наводят на мысль приглушенное освещение и сосредоточить внимание зрителя на тонкости черт предмета. Его интимный портреты, часто необычной овальной формы, изображают идеал женщины эпохи Просвещения: свободный и раскованный суете повседневной жизни.

Дмитрий Левицкий (1735-1822) , украинец, сын священника. Он приехал в Санкт-Петербург в 1756 г. и стал сотрудником Академия в 1769 году. По словам У. Брюса Линкольна: «Портреты. стали светскими иконами, через которые аристократы восемнадцатого века могли воспринимать мирское царство, в котором они надеялись жить, так же, как и более ранние иконы предлагали своим предкам краткие проблески в мир духа и в Царствие Божие »(78).Левицкий придумал образ петербургского общества. В своих портретах он создавал образ аристократии, подражать. В отличие от своих предшественников, ему также удалось в поиске подходящего типа портрета и стиля интерпретации для каждого класса и типа человека.

Например, «Архитектор Кокоринов». (1769-70) была написана для реорганизованной Академии художеств. в 1770 г.По замыслу, это был парадный портрет. Для в открытие академии Кокоринов заказал новый костюм сиреневого атласа и белого шуба, отороченного мехом, что дало Левицкому возможность показать свое мастерство текстиля. Несмотря на жанре парадного портрета, Левицкий изобразил его натурщицу свободно и естественно. В отличие от лиц, нарисованных Вишняковым, например, Кокоринов показан выразительно, достойно и независимость, смешанная с оттенком усталости.Его план на Академия художеств раскинулась на бюро рядом с ним.

Императрица Екатерина поручила Левицкому рисуют своих любимых учениц в Смольном дворянском институте Девы. После завершения «Смолянки» Левицкого люкс украшал Большой дворец в Петергофе, пока он не был приобретен Русского музея. Возможно, самая известная картина из это сериал «Княгиня Хованская и мадемуазель.Хрущева » (1773), исполняя свои роли в пьесе, поставленной перед Императрицей. Опять же, его мастерство текстур можно увидеть в контрасте между мужское пальто, великоватое для Хрущевой, и более легкая, прозрачная ткань, которую носит юная принцесса. Он захватывает как девушки хвастаются и подражают старшим, но также захватывают следы подростковой неловкости.

Владимир Боровиковский (1757-1825) происходил из семьи иконописцев. на Украине. Немаловажно, что доминирующие художники такие как Боровиковский и Левицкий были украинцами. В на украинских землях уже было известно постренессансное искусство из-за ссылок на Польшу. Когда князь Потемкин устроил Екатерину триумфальное путешествие Великого по Крыму в 1787 году, он нанял Боровиковского для украшения временного дворца.Екатерина была так довольна его работой, что привезла его обратно в Санкт-Петербург. Петербург. Сначала он делал государственные портреты императорских семья, которые были довольно ничем не примечательны. Где Боровиковский Однако выделяется его портреты женщин и девушек. Часто в неформальной одежде, в непринужденных и естественных позах против парковый фон, они демонстрируют, в соответствии с принципы сентиментализма, отношение личности человека природе.Сентиментализм, важное развитие последнего восемнадцатого века характеризовалось единением с природой как противовес условности. Это проиллюстрировано в книге Боровиковского. «Екатерина Николаевна Арсеньева» (вторая половина 1790-е годы). Субъект изображен в виде пастушки с соломинкой. шляпа, простое платье и яблоко на зеленом фоне сад.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *