Для художника что нужно: Что нужно, чтобы стать художником или дизайнером? Часть 1.

Содержание

Готовимся стать художником: с чего начать?

Вот Вы вспомнили вдруг, что когда-то в детском саду или школе любили рисовать. Ваши художественные шедевры всегда вывешивались на доске почета и ставились в пример на родительском собрании. В классе третьем…

Но эмбрион художника, который столько лет дремал внутри Вас, в последнее время таки дает о себе знать и просится на свободу. У Вас так и чешутся руки накупить кучу всевозможных профессиональных товаров для художников и начать творить.

И первым делом Вы идете в художественный магазин, или же заходите в Интернет и начинаете искать интернет-магазины для художников. И, если у Вас позволяют средства, можете скупить половину магазина. Вот только нужно ли будет Вам все это в Вашем творчестве? Как не потратить лишние деньги на товары для художника, если Вы пока еще только любитель и посоветовать Вам некому?

Для начала следует определить для себя простые вещи:

Первое: ЧТО Вы хотите нарисовать? Первая работа должна также иметь смысл, как и все последующие.

От этого будет зависеть выбор основы для рисования, а также принадлежностей.

Второе: ЧЕМ Вы хотите начинать рисовать, какие краски для художников, пастели или карандаши Вы будете использовать в своих первых учебных работах? На самом деле настоящие профессиональные художники должны владеть всеми техниками рисования, а также уметь держать в руках любые принадлежности для художников. Но Вам покупать сразу все товары для художников, представленные в магазине, не стоит. Решите для себя, что Вам ближе – масло или акварель, пастельные карандаши или уголь, и покупайте небольшое количество этих материалов. Если планируется, что картина будет цветная, также не спешите скупать всю палитру масляных красок, состоящую из 49 цветов. Определив главные цветовые акценты и, помня о том, что масляные краски можно смешивать, купите только действительно необходимые Вам цвета. То же самое касается и других цветных принадлежностей – карандашей, пастели, акварели. Уголь или простые карандаши для наброска контуров картины также пригодятся.

Ну, и главные принадлежности художника, рисующего красками, это, конечно же, кисти. Вот здесь скупиться не стоит. Выбирайте как маленькие тонкие кисточки, так и большие, и даже малярные. Если Вы всерьез думаете заняться живописью – кисти разного размера лишними не будут никогда.

Третье: НА ЧЕМ Вы хотите рисовать, что станет основой Вашего будущего шедевра? Сразу рекомендуем купить пачку обычной бумаги для рисования или альбом, он будет использоваться для набросков и этюдов, а также других пробных элементов будущей картины. Но главную основу все-таки выберите более долговечную и профессиональную, подходящую для выбранных Вами красок или других материалов, например, холст на подрамнике, картон художественный или холст на оргалите. Постарайтесь заранее узнать все о тех материалах и приспособлениях, которыми Вы будете рисовать, о техниках рисования ими и о том, какое основание для них лучше использовать.

Если Вы выбрали для себя холст, купить который нужно с обязательным грунтом (пока не научитесь делать грунт и грунтовать холсты самостоятельно, а также натягивать их на подрамник), Вам также рекомендуем приобрести мольберт. Купить мольберт можно не самый дорогой, для начала важно, чтобы он мог хорошо поддерживать Ваш холст на подрамнике, а также его высота Вам подходила.

Если же Вы планируете рисовать с натуры где-нибудь на природе, тогда приобретите еще и этюдник, который станет хорошим подспорьем для таких выездных сеансов. Проследите, чтобы его было легко перевозить, но при этом он был устойчивым и практичным.

Четвертое: не забудьте о таких дополнительных и очень необходимых художнику вещах, как растворители для красок, масло, ластики и растушки, тряпочки и палитры, а также другие полезные мелочи, которые сделают Ваши занятия художеством по-настоящему приятным. Только выбирайте поначалу исключительно те вспомогательные материалы, которые пригодятся Вам именно для этой работы.

И помните: чтобы научится рисовать действительно красиво и в соответствии с законами цветопередачи, композиции и симметрии, нужно много тренироваться, постоянно совершенствоваться, посвящать рисованию и живописи минимум по три часа в день, а также читать много литературы об изобразительном искусстве, анатомии, биологии и окружающем нас мире.

5 качеств которыми должен обладать художник

Художник – уникальная профессия, позволяющая создавать что-то новое в изобразительном искусстве или перевоплощать старое, делая мир еще прекрасней.

И речь идет не только об умении рисовать на холсте или других материалах, но и умении отображать в своих полотнах красоту окружающей среды. В каждую картину художник вкладывает свои мысли, чувства и уникальное мировоззрение. Это позволяет другим людям увидеть обычные вещи совсем под другим ракурсом.

Научиться рисовать маслом с нуля, понять законы композиции, овладеть техникой смешивания красок, изучить правила работы с цветовой палитрой может каждый. Но умение правильно подобрать бумагу и кисти не делает человека художником. Главное, что отличает профессионала от любителя, рисунок от шедевра – это все-таки наличие таланта и умение видеть.

Талант как обязательная составная профессии художника

Существует много мнений обязательно нужен ли талант художнику. Лично я считаю, что предрасположение к рисованию точно должно быть. Если его нет, вряд ли можно создавать работы, перед которыми будут застывать в восхищении тысячи людей не одного поколения.

Но, с другой стороны, наличие таланта, не является залогом успеха. Это лишь основа, которую нужно наращивать с помощью дисциплины и трудолюбия. Никто из великих живописцев не писал реалистичные картины в 5 лет. Все начинали с азов.

Конечно, есть ряд людей, которые лучше видят формы и чувствуют цвет объекта. Они способны обращать внимание на то, что обычные люди не замечают, видеть на стене богатую на мелкие трещинки текстуру, а не просто кусок бетона. Именно умение понимать форму и уникальное восприятие мира помогает им быстрее осваивать техники рисования.

Но, безусловно, все эти навыки можно в себе развить при наличии огромного желания и усердного труда.

Ключевые качества художника

Помимо таланта, для реализации потенциала в полной мере, важны индивидуальные особенности характера человека.

Речь идет также и от том, какими качествами обладает художник, и что нужно развивать в себе, чтобы добиться успеха.

Ведь ни для кого не секрет, что личностные и профессиональные качества художника играют большую роль в процессе работы, а также в обучении живописи или другой техники рисования.

Конечно, можно бесконечно перечислять, какими художник должен обладать качествами. Но как бы там ни было, я уверена — творческая самореализация не возможна без следующего.

Трудолюбие и выносливость

Не все получается из первых попыток. Чтобы достичь высшего уровня мастерства и создавать завораживающие картины, необходимы десятки часов кропотливой работы и упорного труда.

Способности легко и быстро создать художественный шедевр не было даже у величайших мастеров. Ни один из них не создавал захватывающие полотна с помощью одного мазка. Кроме того, работа над картинами требует постоянной сосредоточенности, особенно, если речь идет о глубокой детализации.

Пространственное воображение и фантазия

Художник просто обязан видеть мир под разными углами, которые недоступны для обычного человека. Отображения своего уникального восприятия позволяет создавать реалистичные полотна, которые притягивают взгляд окружающих и привлекают своей легкой загадочностью.

Наглядно-образное мышление

Наблюдательность, умение выделять даже самые незаметные детали окружающего мира и отражать в ярких красках на полотне – то, без чего не обойтись абсолютно любому живописцу.

Упорство и целеустремленность

Эти черты характера помогают переживать тяжелые времена и преодолевать трудности, связанные с отсутствием заказов, нехватки вдохновения или мотивации творить. К тому же профессия художника требует непрерывной работой над собой, постоянного усовершенствования своих знаний и умений. Только тот человек, который четко видит цель, не останавливаться на пол пути и способен воплотить задуманное в жизнь.

Умение воспринимать критику

Первые неудачи – неизбежное явление в любой деятельности. Не стоит близко к сердцу принимать любую оплошность и бросать дело, не доводя до конца. Художнику просто жизненно необходимо уметь легко принимать неодобрения и не зацикливаться на мнении других людей, особенно, если они в совсем не разбираются изобразительном искусстве. А конструктивная критика профессионалов наоборот поможет стать лучше, развить слабые стороны.

А как вы считаете, какие необходимо иметь качества, чтобы стать художником?

шесть советов тем, кто хочет стать художником

Каждый начинающий художник хочет профессионально утвердиться, мечтает о карьере и персональных выставках.  О том, как заложить основы будущего успеха, наш разговор с Ольгой Чекалиной и Анной Полинской – преподавателями Академии акварели и изящных искусств. 

Совет 1. Расставлять акценты

Хочешь стать художником – пробуй! Очень часто большой талант раскрывается именно в творческом процессе. Начинай рисовать с натуры: делай наброски, рисуй все, что видишь – от маленьких предметов до сложных форм. Так ты не только найдешь «свой» жанр, но и выяснишь, что у тебя получается лучше, сможешь сконцентрироваться на моментах, которые нужно доработать. 

Если поступить на профильное обучение, то в дальнейшем можно заявиться и на образовательные программы в «Сириус»: курс рассчитан на участников в возрасте от 12 лет. В Центре предлагаются модули, которые выходят за рамки традиционной художественной школы. Они точно будут полезны и новичкам, и ребятам, у которых уже есть опыт в акварельной живописи.

Совет 2. Исследовать искусство

Создание красивых полотен – это сложно, но дисциплина и усердие возьмут свое. Важно умение сделать макет, набросать эскиз, визуализировать свою идею. Работа художника начинается задолго до того момента, как он встает за мольберт: некоторые авторы могут исследовать актуальную для них тему довольно долго.

Выработать индивидуальность и оригинальность мышления – это один из главных критериев творческого развития. В «Сириусе» можно собрать и подготовить хорошее портфолио, которое поможет при поступлении в вуз. Постичь «тонкости» художественного мастерства и выбрать специализацию помогут профессиональные педагоги на образовательной программе.  

Совет 3. Схватывать полутона 

Тональность – одна из трех основных характеристик цвета в ряду с насыщенностью и светлотой. Находить баланс цвета и тонального соотношения – это отдельное искусство. Илья Репин говорил о секретах своего мастерства: «Я лишь беру верный тон и ставлю на верное место». 

Любой тон – белый, серый, темно-серый, черный – является изобразительным средством. Форма, объемность, материальность, воздушность – все, что мы ценим в настоящем произведении живописного искусства, – это результат правильно подобранных цветовых и тональных решений. На языке художников это звучит как «брать отношения». 

Совет 4. Понимать характер акварели 

На этапе, когда подключается цвет, понятие тона должно быть освоено на уровне мастерства. Доказано, что тональность видят даже те, кто от природы не различает цвета. Еще один важный момент: на холсте краски и их оттенки часто выглядят не так, как на палитре. Особенно, это касается акварели. У нее, как говорят художники, особый характер, устойчивость пигментов и вязкость. Даже при материале самого высшего качества, она требует твердой руки, чувства цвета и четкости мазка. 

Не смешивай между собой слишком много красок, чтобы цвет не получился «грязным». Поправок акварель практически не терпит: тренируйся и старайся сразу попадать в тон и в цвет, чтобы потом не «вымывать» пятна и не портить бумагу. Именно поэтому писать акварелью сложнее, чем, например, маслом, гуашью, акрилом или темперой.

Совет 5. Переходить от простого к сложному 

Начинать рисовать лучше с простых предметов и маленьких форматов, постепенно усложняя сюжетные постановки и увеличивая размер холста. Многие ребята с первых уроков в «Сириусе» хотят рисовать портреты. Не торопись с этим: живопись строится на законах художественной грамоты. Например, при прорисовке обычного яблока работа со светотенью такая же сложная, как при работе с портретом. Увидеть на конкретной натуре зависимость света от тени, прежде всего, значит передать атмосферу, среду. И если не знать всех этих азов, то портрета не получится.

На занятиях живописью крайне важна «насмотренность»: как можно больше исследуй работы великих классиков – Рембрандта, Веласкеса, Репина, Сурикова и других художников. За счет чего у них получилось такое богатое по форме и цвету полотно? 

Совет 6. Попадать в характер и вырабатавыть терпение

Усидчивость и терпеливость – второе имя художника. Ты должен уметь долго сидеть на одном месте и наблюдать. Несколько часов «высидеть» свой первый пленэр бывает очень сложно. Рисовать нон-стоп – самый универсальный инструмент для достижения успеха в искусстве. Когда ты долго и упорно, со множеством повторений, делаешь работу, навык превращается в систему и со временем переходит в мастерство. Тогда уже попасть в цвет, интуитивно выбрать тон уже не составляет труда – а наброски выходят легко и послушно. 

Помни, наброски нужно делать обязательно, тем более, если увлекаешься портретом. При этом не обязательно отрисовывать человека точно и тонально. Набросок может быть похож на шар, на котором позже можно прорисовать лицо, взгляд, мимику. 

Верх мастерства – попасть в характер человека. Важна не столько  схожесть, сколько еле уловимое настроение. Рисование человека – это вершина изобразительного мастерства. Она под силу лишь тем, кто поистине терпелив и готов часами сидеть над тем самым яблоком, упорно воспитывая в себе чувство художественного вкуса.

Как проходит отбор и обучение в «Сириусе»

Если ты освоил азы рисунка, живописи и композиции, у тебя есть работы, которые можно показать отборочной комиссии – значит пора подавать заявку на программы «Сириуса» по многослойной акварельной живописи. 

Конкурс абсолютно честный – экспертный совет внимательно осматривает портфолио (работы в реалистическом стиле и в любых жанрах), следит за авторством (крупная и читабельная подпись художника на картине), принимает во внимание дипломы и грамоты.  

Уже на программе начинается работа над акварельными сюжетами. Занятия проходят в режиме мастер-классов, педагоги рисуют вместе с ребятами, подсказывают и помогают. Лучшие работы остаются в «Сириусе» и становятся важными экспонатами тематических выставок.

Как стать художником с нуля? Советы начинающим

Время прочтения: 4 мин.

Если нет времени читать,
то отправь на свою почту

Как стать художником, желательно известным и востребованным? Данная статья – попытка ответа на этот вопрос. Здесь мы приведем несколько рекомендаций, которые дают начинающим художникам опытные эксперты. Конечно, вы не станете художником, если у вас совсем нет способностей, любви к искусству и желания творить. Но и одного таланта не достаточно, чтобы вашими полотнами гордились лучшие музеи мира.

К слову, для создания данной статьи мы прошли консультацию у профессиональных художников, которые умудряются находить покупателей для своих картин и зарабатывают талантом. Да, представьте себе, они существуют в реальности. Так что, если хотите стать художником, можете смело верить этому тексту.

Совет 1. Учите основы

Все науки и ремесла начинаются с базовых знаний. Если вы посещали художественную школу, то вам надо просто освежить ту информацию, которую вы там получили. Если вы только сегодня первый раз взяли в руки карандаш, то хорошо было бы записаться на курсы рисунка и живописи или хотя бы найти онлайн-занятия по искусству, почитать учебники, прослушать аудиокурсы. Настоящий художник должен уметь смешивать краски самостоятельно, понимать, что такое цвет и цветовая шкала, тень и полутень, пропорции и перспектива. Эти основы не мертвая теория, это базовые знания, которые облегчают работу.

Художнику необходимо также знать, какие именно ему нужны инструменты, чтобы заниматься любимым творчеством в том или другом направлении. Потом, когда вы определитесь со своим стилем и техникой, вам придется более тщательно ее изучить. И не для подражания, а исключительно ради овладения секретами мастерства.

Совет 2. Не стоит зацикливаться на изучении только одного направления

Многие опытные художники знают о своих слабых сторонах. К примеру, один живописец отлично пишет пейзажи, но человеческую анатомию ему так и не удалось понять за все годы стараний.

Можно многому научиться, усовершенствовав свои знания и навыки, стать не просто универсальным художником, а мастером. Старайтесь расширять свой кругозор, открывайте для себя новые направления и стили, культуру различных эпох, искусство разных стран. Попробуйте применять все находки и приемы в своей практике.

Узкое виденье не идет художнику на пользу, творец должен быть способен выйти за рамки установленных шаблонов. Попробуйте смешивать разные стили и техники. Вам сразу же станет интереснее работать.

Совет 3. Изучайте все виды и жанры изобразительного искусства

Говорят, что настоящие художники должны разбираться во всех нюансах изобразительного искусства. Надо уметь не только рисовать карандашами и красками, но и изучать разные техники. Поэтому вам пойдет только на пользу, если вы научитесь работать и мелками, и маслом, и акварелью. А кроме того, научитесь работать в графических редакторах, хотя бы изучите азы. В наше время это довольно важная составляющая. Вы сможете обработать фото своих работ или сверстать буклет и пригласительные для выставки.

Приглашаем в Центр художественной подготовки

Совет 4. Работайте ежедневно

Если для писателя лучший завет «ни дня без строчки», то для художника – «ни дня без рисунка», а лучше нескольких. Опытные мастера знают, как быстро растет качество работы, если заставлять себя делать по 30 набросков в день. Нужно много трудиться, чтобы стать настоящим художником, развить свой оригинальный и узнаваемый стиль, найти свою «изюминку», если вы не теряете надежды стать таким же известным и запоминающимся, как Глазунов, например. Уделяйте творчеству хотя бы 30 минут в день. Вдохновение – штука капризная – оно не всегда приходит, часто не в тот момент, когда требуется. В редких случаях образы или сюжеты приходят к нам почти готовыми. Как правило, все открывается отдельными фрагментами, буквально по крохам.

Что же делать, если вдохновения нет слишком долго? Продолжайте работать, преодолевайте все трудности и выстраивайте свою творческую жизнь шаг за шагом, день за днем. Один знакомый живописец в случаях, когда долго нет новых идей и вдохновения, просто пишет вид из окна. Да, он живет в центре Петербурга – ему нетрудно найти красоту.

Совет 5. Учитесь у великих

Художнику очень полезно глубоко изучать работы признанных мастеров. Ученики нашего Центра художественной подготовки и дизайна регулярно посещают художественные выставки. Если нет возможности увидеть воочию картины известных художников, тогда изучайте альбомы по изобразительному искусству, интернет вам поможет! Старайтесь вглядываться в мельчайшие детали картин великих художников былых эпох, которые обессмертили свои имена в искусстве.

Не забывайте, что в образовательных целях копирование приветствуется, в целях подражательных – уже презирается.

Совет 6. Старайтесь создавать что-то новое

Художнику необходимо оттачивать свое мастерство в стремлении достичь совершенства, например, в изображении бабочек. Для этого нужно повышать уровень мастерства ежедневными упражнениями. Однажды наступит момент, когда вам придется выбирать другие приоритеты в своем творчестве. Если хотите стать художником, которого все будут узнавать – надо найти способ создавать такие картины, которых до вас не было, и предложить миру совершенно новый продукт.

Некоторые рисовальщики всю свою жизнь изображают нимф, как их научили в академии, и остаются невостребованными, несмотря на явный талант и мастерство. Поиск нового слова в искусстве – это весьма тяжелая и кропотливая работа. Возможно, то, что вы создаете сегодня, станет полным провалом, а возможно и наоборот – шедевром. И вы никогда не узнаете этого, пока не

попробуете.

В следующей нашей статье мы продолжим публиковать советы, как стать художником. Часть вторая.

Понравилось? Поделитесь с друзьями!

кисти, тушь, акварель и масляные краски

Продукция лакокрасочной промышленности находит широкое применение. Она успешно применяется в строительстве, автомобилестроении, кораблестроении, самолетостроении. Всего не перечислить. Без антисептиков не обходятся деревянные строения и конструкции. А еще эти сооружения нужно обработать огнезащитными составами, которые также производят предприятия лакокрасочной промышленности. В быту без лакокрасочных материалов так же не обойтись.

Хочется затронуть еще одно направление, где широко применяются лакокрасочные материалы. Это выполнение различных оформительских работ, художественно-оформительское направление.

Давайте попробуем разобраться, что же нужно начинающему оформителю. Для начала, рабочая поверхность, которая удобна и может трансформироваться. Понадобится и набор чертежных инструментов и карандашей. Конечно, основа, на которой будем создавать роспись.

Инструменты художника

Кисть для художника

Главным инструментом художника являются кисти. Как их выбрать и какие приобретать.

Выбор кисти зависит от краски, которой вы будете работать. Если используем масляную, гуашевую или темперную краску, то лучше взять щетинную кисть. Такой кисточкой так же удобно наносить шрифт на ткань.

При работе возможны деформации кисти, некоторые волоски могут топорщится в сторону. Для устранения такого недостатка достаточно обработать столярным клеем, высушить и удалить выбивающиеся волоски – кисть вновь станет компактной. Перед работой ее нужно поместить в горячую воду, чтобы удалить клей.

Наносить фон вашей будущей работы или производить работу большого масштаба лучше всего флецем. Это такая плоская кисточка, которая обычно используется при производстве покрасочных работ. Она состоит из широкой плоской основы, на ней закрепляется щетина из природного сырья. Чаще всего для этих целей используется конский волос. В настоящее время эта кисть пользуется спросом среди маляров. Интересный факт – начали использовать такую кисточку именно художники, потому что с ее помощью получаются своеобразные пластичные линии.

В арсенале обязательно нужно иметь набор тонких колонковых кистей, у которых длина волоса превышает толщину в восемь – десять раз. Таким инструментом, у которого название – шлиппер, удобно выписывать шрифт на различных поверхностях, используя масляные краски.

Нужно немного остановиться на том, как обрабатывать кисточки после использования. Если работали с акварельными красками или гуашевыми, то достаточно хорошо промыть кисти обыкновенной водой. При использовании в работе темперных красок, кисточки по окончании промывают в тёплой воде с добавлением мыла. После применения масляной краски, кисточку лучше промыть в керосине, а высушивать путем подвешивания. Это делается для того, чтобы волоски не загибались о дно сосуда.

Важное замечание – очень тщательно нужно промывать место соприкосновения волосков с металлическим держателем, в противном случае волоски начнут распушаться, и кисточку придется выбросить.

Бывают ситуации, когда мягкая кисточка в течение длительного времени не была в работе и форма ее изменилась. Что предпринять в этом случае. Такую кисть достаточно смочить клеем растительного происхождения, придать необходимую форму и высушить. Спустя сутки промыть в тёплой воде. Легко можно восстановить форму плоских кисточек. Для этого их нужно увлажнить и тщательно завернуть в бумагу – и проблема решена.

Для того чтобы ваш инструмент долго сохранялся в рабочем состоянии, нужно соблюдать одно простое правило – кисточки не нужно оставлять в емкости с водой, после споласкивания обязательно извлекать, иначе волоски начнут сгибаться, привести к первоначальной форме будет сложно.

Краски для художников

Тушь для художника

Для производства оформительских работ можно использовать различные краски. Начнем с туши. В торговле можно найти чёрную и цветную тушь. Фактически это готовая краска в жидкой форме. Как правило, цветную тушь редко применяют в оформительских работах. Она прозрачная, нанести ее ровным слоем не представляется возможным. Обычно она ложится затёками, поэтому художники практически не используют цветную тушь.

Чёрную тушь, как правило, применяют, когда нужно нанести текст. Символы получаются ровные, чёткие, слой не прозрачный. Высыхает тушь очень быстро, поэтому кисточку нужно сразу же промывать, иначе на воздухе она быстро засохнет и станет непригодной.

Акварель для художника

Оформители для некоторых видов работ используют акварельные краски. Они являются смесью особых веществ, которые называются пигментами и спецраствора, который называется гуммиарабик. Пигменты помолоты, высокой степени дисперсности. Добавление гуммиарабика дает возможность разбавлять краски водой, с целью получения тонких прозрачных цветных слоёв, которые не стекают с основы.

Обычно в акварель при изготовлении вводят глицерин, который улучшает растворимость краски, и вещества, увлажняющие состав, к примеру, желчь.

Нужно учитывать, что краски разных производителей различаются между собой. Использование различных видов и соотношений исходных веществ влияют на конечный результат. Если взять краски одного тона от различных товаропроизводителей, то можно найти много отличий – густота, насыщенность цвета, срок службы будут разные. Поэтому опытным путем нужно найти наиболее оптимальную марку и изготовителя. Форма выпуска акварели различна. В продаже имеются сухие спрессованные кубики, которых есть свое название – кюветы.

Обычно в коробке с помощью специальных разделителей краски удерживаются на месте. В качестве палитры можно использовать крышку. Такую форму красок удобно использовать на натурных работах. Преимуществом кюветной формы является сравнительно низкая цена и длительный срок использования. К недостаткам можно отнести то, что сложно набрать большое количество краски на кисть и то, что при смене цвета, если плохо промыли кисточку, можно испачкать краски.

Можно приобретать акварельные краски в тюбиках различного объема. Они удобны для использования в мастерской. Находящаяся в тюбиках масса обладает большей текучестью по сравнению с кюветами, ее легко можно смешать в больших количествах. Недостатком является дополнительный расход красящего материала, потому что при выдавливании сложно получить необходимый объем. Если не аккуратно обращаетесь с тюбиком, не плотно его закрыли, то краска может испортиться.

Далеко не все еще знакомы с такой формой акварельной краски, как акварельные карандаши. Но те, кто уже познакомился с ними, отмечают ряд их преимуществ. Так что это такое? Они очень похожи на обычные карандаши. Необычным является их грифель. В нем содержится особенный пигмент, который распадается в воде. То есть, если провести таким карандашом по бумаге, а затем провести влажной кисточкой по рисунку, изображение начинает размываться, и мы получаем акварельное изображение. Такие карандаши хорошо использовать, когда нужно прорисовать множество небольших деталей. Но есть и недостаток – для них требуется специальная основа – водостойкая бумага.

Гуашь

Особой популярностью у художников-оформителей пользуются гуашевые краски. И это не удивительно. С этой краской можно работать различными инструментами. По своей сути гуашь является непрозрачной формой акварельных красок. Творческие люди считают гуашевые краски универсальным средством, с помощью которого можно освоить различные стили художественного изображения.

Комфортность работы с гуашью известна многим – отсутствует неприятный запах, не нужно использовать растворители, можно легко поправить рисунок. Различают несколько видов гуаши: художественная, плакатная, для детского творчества. Гуашь представляет собой краску на водной основе, в состав которой входят тонко растертые пигменты, связующая составляющая, обычно это гуммиарабик, белила. Гуашевые краски хорошо наносятся на основу, обладают эффектом матовости, бархатистости.

В последнее время в торговле можно найти акриловую гуашь. Такой краской можно расписывать различные поверхности. Преимущество в том, что после того, как слой высохнет, его нельзя смыть водой.

Темперные

Темперная краска представляет собой красящий состав, в который входят эмульсионное связующее и пигмент. В состав связующей основы темперной краски входит вода, различные виды клея, масло. Эмульсирующими веществами служат казеин, яйца, гуммиарабик и мыло. Темперные краски хорошо разводятся как водой, так и маслом. Основное преимущество такой краски в том, что она быстро сохнет. Это позволяет ускорить работу. К тому же, произведения, выполненные темперными красками, очень стойкие, их сочность сохраняется в течение долгих лет. Форма выпуска таких красок обычно тюбики.

Хочется отметить, что темперные краски начали использоваться очень давно. Сейчас мы можем видеть хорошо сохранившиеся картины, которые были созданы много веков назад.

Масляные краски для художников

Масляные краски очень широко используются в изобразительном творчестве. С их помощью можно достойно отобразить все, что находится вокруг нас. Масляная краска представляет собой густую пасту, которая приготовлена следующим образом. Пигмент мелко растирают, смешивают со связывающим составом, в качестве которого чаще всего используют масло. Причем, это не простое механическое смешивание, в результате получается сложная коллоидная система.

Качество входящих в состав краски компонентов оказывает влияние на устойчивость к воздействию внешней среды полученных изображений. Можно привести массу преимуществ этих красок. Благодаря наличию густой и чистой цветовой гаммы, легкости смешения можно добиться любого требуемого цвета или оттенка. Так как масляные краски высыхают не быстро, смешивать можно и на самой основе. Возможно нанесение нескольких последовательных слоёв краски. Такую краску можно легко удалить с изображения, используя различные инструменты.

Как стать художником в Казахстане — 03.06.2021: информационно-познавательный сайт

Художник – одна из самых творческих профессий, обладателям которой часто приписывают пылкий нрав и неординарность. Отчасти это может быть профессиональной особенностью. Но не всегда. Просто художники – люди креативные и часто видят мир под особенным ракурсом, а в своих работах обращают внимание общества на очень важные и совсем незаметные для большинства людей детали.

Обучится по специальности «живопись» в Казахстане можно в нескольких ВУЗах страны, например, в Казахском национальном университете искусств в столице или в Казахской национальной академии искусств имени Т.К. Жургенова в Алматы.

Творческие экзамены

Помимо ЕНТ поступающим нужно сдать творческий экзамен. По его результатам оценивают способности поступающего. Каждый ВУЗ разрабатывает свой план проведения экзаменов. Абитуриент представляет комиссии не менее 15-20 работ. На основании представленных работ решается вопрос о допуске к основным экзаменам.

Творческий экзамен состоит из двух этапов: «Рисунок» — длится 8 часов, «Композиция» — 6 часов.

Рисунок: абитуриент должен скомпоновать натюрморт, точно передать взаимное положение предметов, их пропорцию и форму в условиях данного освещения.

Композиция: абитуриент выполняет эскиз или несколько вариантов эскиза на одну из предложенных тем (историческая, литературная, сказочная, фантастическая, жанрово-бытовая).

Поступающий должен проявить способность образно выражать свой замысел. Тут важна наблюдательность и воображение. Проходной балл каждый год меняется, поэтому опирайтесь на прошлогодние показатели и стремитесь набрать больше.

Также не забудьте подготовить портфолио — это ваша визитная карточка, благодаря которой члены приемной комиссии оценивают таланты и способности. Оно раскрывает ваш потенциал и креативность.

Срок обучения по программе бакалавриата – 4 года.


Работа

Итак, вы стали дипломированным художником. Пора решать, куда идти работать. Для творческих людей всегда найдется место в личных или частных студиях, мастерских, музеях, издательствах, журналах, газетах, художественных школах или в сфере рекламы и бизнеса.

Если вы имеете глубокие познания в области искусства, то почему бы не учить других? Педагогика – одна из самых перспективных сфер. Преподаватели направляют учеников, дают частные уроки, открывают собственные художественные студии. Конечно, требуется максимум усилий, чтобы передать свои знания даже тому, кто никогда не брал в руки кисть. Но результат всегда стоит того.

Нередко художники предпочитают быть фрилансерами. Такой специалист предлагает свои услуги, выставляя портфолио на специализированных сайтах. Так можно построить успешную карьеру, работая на себя и не выходя из дома. Но не забудьте, что для этого нужен не только талант, но и ответственность. Работодатели часто ищут иллюстраторов для временного сотрудничества. В зависимости от ваших способностей заказчики дают задание на определенный срок.

Рынок фрилансинга быстро развивается и привлекает много людей по всему миру. Это идеальный вариант, если вы хотите быть свободным художником и иметь гибкий график работы в комфортной обстановке.

Только на первый взгляд кажется, что художник может применить свой талант только в определенной области. На самом же деле есть множество специализаций: художник миниатюрной живописи, художник-карикатурист, иллюстратор, художник-копиист, график, художник-модельер или художник-реставратор.

Дипломированный художник всегда может выбрать интересный профиль работы , например стать художником-мультипликатором. В настоящее время такие специалисты работают в киноиндустрии, на телевидении, создают видеоигры, онлайн-сервисы, находят заказы в рекламном бизнесе. Существует несколько типов анимации: рисунки, кукольная мультипликация, 3D-графика. Мультипликаторы «оживляют» персонажей, разыгрывают действия, работают над динамикой так, чтобы зритель чувствовал “живую” картину перед собой. Эта работа требует много терпения и сил. Поэтому, в крупных студиях, представлен огромный выбор, кем работать — дизайнером персонажей, прорисовщиком, постановщиком и тд.

На сегодняшний день в Казахстане стремительно развивается отечественная анимация. Это может стать большим шансом для тех, кто хочет проявить себя и расширить популярность анимации в стране.


Привлечение аудитории

Если вы решили стать свободным художником и продавать свои работы, то нужно создать свой сайт и собрать аудиторию. Зарегистрируйтесь во всевозможных соцсетях, регулярно публикуйте контент, устраивайте конкурсы и создавайте уникальную продукцию. Сфокусируйтесь на том, чтобы сформировать связь с аудиторией. Так вы поймете, какой контент наиболее востребован и быстрее сможете построить долгосрочные деловые отношения с потенциальными заказчиками.

Для привлечения аудитории не бойтесь покупать рекламу, рассказывайте о себе друзьям и родственникам, используйте “сарафанное радио”, сотрудничайте с другими художниками.

Художником можно стать в любом возрасте, ведь у творчества нет границ. Выполняйте свою работу так, чтобы она приносила удовольствие и пользу.

Я знала с детства, кем я буду

Дизайнер, художник, декоратор Гаухар Киекбаева из Нур-Султана рекомендует всем, кто любит изобразительное искусство, развивать себя в разных сферах.


«В Казахстане труд художника оценивается недостаточно, за исключением тех, кто сумел позиционировать себя на рынке. А это уже менеджмент — умение художника «продать себя», иногда художники обращаются за услугами к арт- менеджерам. Я не выбирала профессию, я знала с детства кем я буду. Художник – это человек, который занимается разными видами изобразительного искусства. Это творческая личность, чьи эмоции, мировоззрение, переживания и чувства получают визуальное выражение. Для меня это важно. Чтобы расти профессионально нужно изучать историю изобразительных искусств, разбираться в видах изобразительной деятельности и уметь ее оценивать.

Художник может работать в разных местах: и на съемочных площадках, и на фестивалях, и в мастерской, и у себя дома. У меня огромный простор для самовыражения. Местонахождение художника не сужает его навыки, а наоборот – расширяет, находишься ли ты в Казахстане или в другой стране», — говорит Гаухар.

Становиться художником можно и нужно

Художница Айсулу Шайкенова совмещает творчество с преподаванием и верит, что современное искусство в Казахстане будет востребовано в будущем.


«Надеюсь, в скором времени современное искусство Казахстана станет востребованным. Мы к этому потихоньку стремимся. Пока я не могу позволить себе заниматься только искусством, экономически это еще не приносит больших доходов, — делится Айсулу. — Профессию я выбрала в детстве, это, наверное, призвание. Потому что, когда долго не занимаюсь искусством чувствую, что что-то упускаю и занимаюсь не тем, чем нужно. Искусство лечит, я привыкла выражать свои эмоции и переживания через творчество, когда делаешь определённую работу не просто так, а потому что думаешь об этом, переживаешь; в процессе работы пропускаешь через себя все эмоции и становится легче. Многие из тех, кто учится рисовать, замечают, что забывают обо всем, особенно взрослые — это арт-терапия. Для самих художников работа – это тоже арт-терапия. Моя профессия включает в себя много позитивных моментов — радость творения и постоянное развитие. Если вы любите искусство и собираетесь заниматься творчеством осознанно, то становиться художником можно и нужно».

Асемай Габдушева

Фото со страниц социальных сетей А. Шайкеновой и Г.Киекбаевой


Как современные художники становятся популярными?

Для начала стоит определить, что из себя представляют современные художники и каким образом это может иметь к тебе отношение. Сейчас художник — это тот, кто сумел вызвать хоть какие-то чувства у зрителей. У него нет границ, которые устанавливались перед деятелями искусства прошлого века. Чаще всего современные художники создают свои шедевры самыми разными способами, которые порой могут показаться даже банальными и непонятными. Но, когда мы видим это, сразу ловим себя на мысли: «А в этом что-то есть».

Необычный пример того, как даже простые предметы могут превратиться в предмет искусства, показывает эквадорец Хавьер Перес. Он оживляет предметы, дорисовывая недостающие части черной ручкой, тем самым изменяя сам смысл фотографии.

Что же отделяет тебя от полной свободы самовыражения? Какие шаги следует предпринять начинающему художнику, который хочет не только творить, но и стать узнаваемым?

Все начинается с «однажды»

Поверь, чтобы стать настоящим художником и выделиться среди других, нужна история, краткий, но «живой» рассказ о том, какие испытания и повороты судьбы ты пережил, какие ценности и идеи ты разделяешь.

Совет: будь открытым, поделись своими надеждами и страхами. Задай себе вопрос: «Что тобой движет?». Если ты сможешь выразить свои истинные чувства, найдутся те, кто разделяет такие же переживания и эмоции. И, конечно, найди свое направление. Пойми, какие работы других художников тебя привлекают, какие материалы, инструменты и техники они используют. 

Да, порой очень сложно заставить себя выйти из дома, наконец пойти на ту выставку, о которой все время пишут в соцсетях. Но уж если ты хочешь поразить этот мир своими талантами, найти что-то свое, то начни ходить на арт-тусовки. Во-первых, это отличная возможность найти сторонников и друзей, которые реально поверят в тебя, разделят творческие убеждения. Во-вторых, это отличный шанс засветиться. Тематические выставки сделают тебя узнаваемым, если интересоваться тем, что тебя окружает. Задавай вопросы, старайся привлечь внимание своим поведением, вступай в дискуссии. И главное — будь собой.

Вдохновляйте и вдохновляйтесь

Согласись, самые яркие и талантливые авторы всегда ассоциируются с вдохновением. Кто-то, пытаясь понять секрет, откуда же оно приходит, читает тематическую литературу и лекции; кто-то ищет в популярных работах мастеров этот «прекрасный толчок» для развития своих собственных талантов. И хоть рецепт у каждого свой, мы верим, что порой вдохновению нужно немного помочь. Проще всего это сделать с помощью Интернета. 

У художника гиперреалиста Марчелло Баренги есть целый сайт с работами. Стоит только зайти туда, как ты сразу погружаешься в невероятное множество роликов о том, как художник создает свои картины. Поверь, посмотрев один, ты уже не сможешь оторваться. Реально вдохновляет.

И в конце, всем, кто хочет заняться творчеством, даем напутственную рекомендацию: дерзайте и не бойтесь трудностей. Творите и наслаждайтесь этим процессом от самого первого штриха. Результат того стоит.

Чем занимается настоящий художник и как стать хорошим художником: какие шаги нужно предпринять

Художник зарабатывает на жизнь своим искусством и может создавать произведения для выставок, художественных галерей или интернет-магазинов. Разница между художником-ремесленником и прекрасным художником заключается в уровне образования или подготовки. Художник считается прекрасным художником, когда его работа считается очень ценной и он владеет своей техникой.

Посмотрите видео, чтобы узнать, чем занимается прекрасный художник.

Как стать художником

Многие художники продолжают свое образование, получая степень бакалавра или магистра изящных искусств. Курсы, которые может пройти художник, включают историю искусства, студийное искусство и основные предметы, такие как социальные науки, английский язык и естественные науки. Независимые школы дизайна и искусства могут также предлагать сертификаты по специальности, связанной с искусством, а также иметь программы получения степени младшего специалиста, бакалавра или магистра.

Национальная ассоциация школ искусства и дизайна (NASAD) в 2013 году аккредитовала около 330 школ и колледжей с программами в области дизайна и искусства. Вы можете проверить аккредитованные художественные учреждения на веб-сайте Национальной ассоциации школ искусства и дизайна (NASAD.org) (ссылка открывается в новом браузере).

Должностная инструкция художника

Художники изобразительного искусства используют разные техники для создания искусства, такие как ткачество, живопись, выдувание стекла или лепка. Они стремятся разработать новые методы или идеи для создания искусства. Они могут создавать искусство, чтобы послать сообщение через свою работу, вызвать споры или просто вызвать чувство у человека, наблюдающего за их работой.Они могут использовать живых людей или предметы в качестве ориентира для работы и руководить своей работой или работой инстинктивно. Художники должны выбрать подходящие материалы для своей работы. Визуальные элементы, такие как пространство, цвет, композиция и перспектива, используются для создания творческого эффекта, который они хотят передать. В зависимости от того, как эти художники зарабатывают на жизнь, им также может потребоваться разработать и обновить портфолио, чтобы продемонстрировать свои художественные способности, стиль и талант. Это также может включать онлайн-портфолио их работ.

Художник тратит много времени на то, чтобы заработать себе репутацию и продвигать свое искусство. Только самый успешный изящный художник может поддерживать себя своим художественным творчеством. У некоторых художников есть другая работа, например, в художественных музеях или художественных галереях. Другие могут преподавать искусство в школах или мастерских.

Актер интерпретирует и изображает персонажей, чтобы развлечь публику на телевидении, в кино, в театре и…

Чем занимается архитектор?

Архитекторы проектируют такие конструкции, как офисные здания, предприятия, стадионы, школы, торговые центры и жилые дома.Они могут…

Чем занимается архивариус?

Архивист — ключ к сохранению важных исторических документов и материалов. Их воспитывают…

Бесплатные ресурсы для учителей и студентов

Знаете ли вы, что некоторые из самых впечатляющих музеев мира предлагают бесплатные виртуальные музейные экскурсии? Некоторые туры по художественным музеям, которые могут вам понравиться, включают онлайн-тур Louve в Париже (ссылка открывается в новой вкладке) и онлайн-тур по музею Гуггенхайма (ссылка открывается в новой вкладке) в Нью-Йорке.

Ссылки на статьи

Бюро статистики труда, Министерство труда США, Справочник по профессиональным перспективам, Ремесла и изобразительные искусства.

Национальный центр развития O * NET. 27-1013.00. O * NET в сети.

Видео о карьере находится в открытом доступе Министерством труда, занятости и обучения США.

Профиль Карьеры Ремесла или Изящного Художника | Описание работы, заработная плата и рост

Художники-ремесленники и художники изобразительного искусства используют различные материалы и методы для создания оригинальных произведений искусства для продажи и выставок.Художники-ремесленники создают предметы, такие как керамика, изделия из стекла и ткани, которые должны быть функциональными. Художники изобразительного искусства, в том числе художники, скульпторы и иллюстраторы, создают произведения искусства больше для эстетики, чем для функциональности.

Обязанности

Художники-ремесленники и художники обычно делают следующее:

  • Используйте такие техники, как вязание, ткачество, выдувание стекла, рисование, рисование и лепка
  • Развивайте творческие идеи или новые методы создания произведений искусства
  • Создавайте эскизы, шаблоны или модели, чтобы направлять их работу
  • Выберите материалы для использования на основе цвета, текстуры, прочности и других критериев.
  • Формование, соединение или резка материалов для конечного продукта
  • Использование визуальных приемов, таких как композиция, цвет, пространство и перспектива, для создания желаемых художественных эффектов
  • Разработать портфолио, подчеркивающее их художественный стиль и способности, чтобы показать галеристам и другим лицам, интересующимся их работами
  • Показывать свои работы на аукционах, ярмарках ремесел, в галереях, музеях и онлайн-рынках
  • Заполнить заявки на гранты и заявки на получение финансовой поддержки для проектов

Художники создают красивые предметы, заставляющие задуматься, а иногда и шокирующие.Они часто стремятся передать идеи или чувства через свое искусство.

Художники-ремесленники работают с множеством различных материалов, включая керамику, стекло, текстиль, дерево, металл и бумагу. Они используют эти материалы для создания уникальных произведений искусства, таких как керамика, одеяла, витражи, мебель, украшения и одежда. Многие художники-ремесленники также используют техники изобразительного искусства — например, живопись, наброски и печать — чтобы добавить завершающие штрихи к своим изделиям.

Художники обычно выставляют свои работы в музеях, коммерческих или некоммерческих художественных галереях, на ярмарках ремесел, в корпоративных коллекциях, в Интернете и в частных домах.Некоторые из их произведений искусства могут быть заказаны (по запросу клиента), но большая часть продается художником или через частные художественные галереи или дилеров. Художник, галерея и дилер вместе заранее решают, какую часть выручки от продажи они сохранят.

Большинство ремесленников и художников тратят свое время и силы на продажу своих произведений потенциальным клиентам и укрепление репутации. Помимо продажи своих произведений искусства, у многих художников есть по крайней мере еще одна работа, чтобы поддерживать свою ремесленную или художественную карьеру.

Некоторые художники работают в музеях или художественных галереях в качестве художественных руководителей или архивистов, хранителей или музейных работников, планируя и устанавливая выставки. Другие преподают уроки ремесел или искусства или проводят семинары в школах или в собственных студиях. Для получения дополнительной информации о работниках, которые преподают в классах изобразительного искусства, см. Профили учителей детских садов и начальной школы, учителей средних школ, учителей старших классов, учителей профессионального и технического образования и учителей высших учебных заведений.

Художники-ремесленники и художники изобразительного искусства специализируются на одном или нескольких видах искусства.Ниже приведены примеры видов ремесел и изящных художников:

Карикатуристы создают упрощенные или преувеличенные рисунки, чтобы визуально передать политические, рекламные, комические или спортивные концепции. Некоторые художники-карикатуристы вместе с другими создают идею или рассказ и пишут подписи. Другие сами создают сюжеты и пишут подписи. У большинства художников-карикатуристов помимо навыков рисования есть юмористический, критический или драматический талант.

Художники по керамике придумывают, формируют и лепят произведения искусства из глины, часто используя гончарный круг и другие инструменты.Они глазируют и обжигают изделия в печах, которые представляют собой большие специальные печи, которые сушат и укрепляют глину.

Цифровые художники используют программное обеспечение для дизайна и производства для создания интерактивных произведений искусства в Интернете. Затем цифровые изображения могут быть перенесены на бумагу или в другую форму печати или доступны непосредственно на устройствах с доступом в Интернет.

Художники по волокну используют ткань, пряжу или другие натуральные и синтетические материалы для ткачества, вязания, вязания крючком или шитья текстильных изделий.Они могут использовать ткацкий станок для плетения ткани, иглы для вязания или вязания пряжи крючком или швейную машину для соединения кусков ткани для лоскутных одеял или других поделок.

Художники изобразительного искусства рисуют пейзажи, портреты и другие предметы в различных стилях, от реалистичных до абстрактных. Они могут работать с различными средами, такими как акварель, масляные краски и акрил.

Мебельные мастера резать, шлифовать, соединять и отделывать дерево и другие материалы для изготовления мебели ручной работы.Информацию о других рабочих, которые собирают деревянную мебель, смотрите в профиле плотников.

Художники по стеклу обрабатывают стекло различными способами — например, выдуванием, формованием, окрашиванием или соединением — для создания художественных произведений. Некоторые процессы требуют использования печей, печей и другого оборудования и инструментов, которые сгибают стекло при высоких температурах. Эти рабочие также украшают стеклянные предметы, например, травлением или росписью.

Иллюстраторы создают изображения для книг, журналов и других публикаций, а также для коммерческих товаров, таких как текстиль, оберточная бумага, канцелярские товары, поздравительные открытки и календари. Иллюстраторы все чаще используют компьютеры в своей работе. Они могут рисовать ручкой или карандашом, а затем сканировать изображение, используя программное обеспечение для добавления цвета, или они могут использовать специальное перо, чтобы рисовать изображения прямо на компьютере.

Художники-ювелиры используют металлы, камни, бусы и другие материалы для изготовления предметов личного украшения, таких как серьги или ожерелья. Для получения дополнительной информации о других мастерах, занимающихся изготовлением ювелирных изделий, см. Профили ювелиров и мастеров по обработке драгоценных камней и металлов.

Медицинские и научные иллюстраторы сочетают навыки рисования со знанием биологии или других наук. Медицинские иллюстраторы работают с компьютерами или ручкой и бумагой для создания изображений, трехмерных моделей и анимаций анатомии человека и хирургических процедур. Научные иллюстраторы рисуют животный и растительный мир, атомные и молекулярные структуры, а также геологические и планетарные образования. Эти иллюстрации используются в медицинских и научных публикациях и в аудиовизуальных презентациях в учебных целях.Некоторые медицинские и научные иллюстраторы работают с юристами, создавая экспонаты для судебных дел.

Публичные художники создают большие картины, скульптуры и экспозиции, называемые «инсталляциями», которые предназначены для просмотра на открытых пространствах. Эти работы обычно выставляются в парках, на территории музеев, на вокзалах и в других общественных местах.

Принтеры создают изображения на шелкографии, ксилографии, камне для литографии, металлической пластине для травления или на других типах матриц.Затем печатный ручной пресс создает окончательное произведение искусства, красит и переносит матрицу на лист бумаги.

Скульпторы проектируют и формируют трехмерные произведения искусства путем формования и соединения таких материалов, как глина, стекло, пластик и металл, или путем вырезания и вырезания форм из гипса, дерева или камня. Некоторые скульпторы комбинируют различные материалы для создания смешанных инсталляций, например, путем включения света, звука и движения в свои работы.

Художники-эскизы — это иллюстраторы, которые часто используют карандаш, уголь или пастель для создания подобий предметов. Их эскизы используются правоохранительными органами для выявления подозреваемых, средствами массовой информации для демонстрации сцен в зале суда и отдельными клиентами для собственного удовольствия.

Художники-татуировщики используют трафареты и рисуют вручную для создания оригинальных изображений и текста на коже. Со специальными иглами эти художники используют различные стили и цвета в зависимости от предпочтений своих клиентов.

Видеохудожники записывают авангардные движущиеся изображения, которые обычно показываются в виде цикла в художественных галереях, музеях или площадках для выступлений. Эти художники иногда используют несколько мониторов или создают необычные пространства для показа видео.

Что нужно, чтобы стать профессиональным художником

Райан Браун, «Рождение творческого разума (думать, мечтать, творить)», 2016, холст, масло, 20 x 30 дюймов.

Советы для художников> Райан Браун делится советами о том, как дать себе лучший шанс добиться успеха и стать экспертом в том, что вы делаете.

Что нужно, чтобы стать профессиональным художником

РАЙАН С. БРАУН (RyanSBrown.com)

Каждый художник начинает свой путь со страстью к искусству. Страсть, которая побуждает их создавать новые вещи, воплощать мечты в реальность и погружаться в завораживающую их область. Это страсть, которую я хотел бы иметь и развивать у большего числа людей. Но слишком часто благоразумие и практическое мышление могут вызывать страх и опасения, которые могут увести людей от творческих занятий к более «ответственным» занятиям.Но разве занятие служит вам только для того, чтобы занять ваше время, или ваше время служит для вашей страсти? Нет правильного ответа. Обеспечение средств к существованию для себя и, возможно, семьи, необходимо и благородно. Но для тех, кто рассматривает возможность того, что творческая страсть может быть тем, чем вы хотели бы заниматься, я могу сказать вам, что это возможно, и я не вижу другого образа жизни, кроме как с этой страстью и через нее.

Моя работа — мечтать, наблюдать красоту своего окружения и любить то, что я наблюдаю.Моя работа — делиться этой любовью с другими настолько элегантно, утонченно и поэтично, насколько это возможно. И я рассматриваю это как стремление к обслуживанию. Конечно, мое искусство растет из моего личного видения, но его цель — удовлетворить большую потребность в красоте, правде и эстетике для тех, кто может его увидеть. Это расширяет смысл моего времени, если я трачу это время на создание произведений, которые помогают поднять настроение или мысли других людей. Без этой конкретной мысли то, что я делаю, казалось бы бесконечно корыстным и капризным.Эти два элемента — наблюдение за красотой и служение другим — определяющие факторы моей карьеры художника. В этом стремлении есть такая радость и удовлетворение, что я надеюсь, что все, кто думает о творческом пути в своей жизни, сделают это.

Райан Браун, «Материнство», 2016 г., холст, масло, 36 x 51 дюйм.

Итак, как сделать или построить карьеру художника, чтобы воплотить эту страсть в жизнь? Для меня первым шагом было начать творить. Чтобы начать что-то делать, нужно иметь смелость, даже если вы понятия не имеете, что делаете.Нырните головой в темную воду, даже если думаете, что утонете.

Но — и это, пожалуй, самая важная часть — имейте смирение, чтобы быть обучаемым, всегда. Чтобы приложить реальные усилия для того, чтобы стать художником, у вас должны быть две вещи. Во-первых, вы должны быть достаточно высокомерными с наивной самоотдачей, чтобы предположить, что вы можете это сделать, и просто сделайте это. Но у вас также должно быть достаточно мудрости, чтобы понять, что у вас (как и у всех нас) есть пределы. Вы можете многому научиться самостоятельно, но вы добьетесь гораздо большего прогресса в достижении своих целей, если будете достаточно честны с собой, чтобы понять, что учеба необходима. Никто не станет врачом без медицинского образования. Многие люди в искусстве проявляют только наивную самоотдачу и пропускают ступень обучения. Вы должны понять, насколько неэффективно быть самоучкой. В конце концов, когда вы самоучка, у вас самый невежественный учитель.

Сегодняшняя система художественного образования представляет собой хаотический беспорядок из случайных битов информации и часто дезинформации, из-за которой изучающий искусство вынужден решать ненужную задачу разгадывать сложности теории, философии и методов, пытаясь расшифровать последовательный путь, по которому они могли бы продвигаться к своим целям.Когда я учился во Флорентийской художественной академии, я ощутил силу организованного подхода к рисованию и живописи, которого я никогда раньше не видел. Я узнал больше за первые три недели академической учебы, чем за четыре с половиной года в университете. Для многих из тех, кто посещал такую ​​художественную академию, моя история настолько распространена, что стала почти клише.

В книге Peak: Secrets from the New Science of Expertise соавторы Андерс Эрикссон и Роберт Пул подробно обсуждают основные реалии человеческого развития.Он расширяет концепцию правила 10 000 часов и включает три ключевых фактора. Одно, конечно же, — это время, потраченное на практику. Второй фактор заключается в том, что это время на практике проводится в хорошо продуманной прогрессивной системе, предназначенной для развития навыков или знаний от простых к более сложным. И третье — чтобы за этой организованной практикой следил и критиковал тот, кто овладел элементами данной области обучения.

Райан Браун, «Красный», масло, 16 x 30 дюймов.

Многое из того, что я слышу в качестве советов в мире искусства, заканчивается просто «практикой».«Нарисуйте, нарисуйте, нарисуйте» — это цитата Дега, которую я часто слышу. «Увеличьте пробег своей кисти» — еще одна фраза, которую я часто слышу. Но без организованного или осознанного подхода к практике человек с большей вероятностью просто станет более эффективным в выполнении чего-то посредственного, чем развивает большие навыки и более глубокие знания. А постоянная критика из проверенного источника помогает осознать элементы знания, которые вряд ли можно обнаружить самостоятельно. Мы все не осознаем того, чего не осознаем.

Приобретение знаний и развитие навыков должно происходить как можно раньше в карьере художника. Но никогда не поздно. Если вы верны себе и своему видению, вы не позволите ничему стоять на вашем пути развития.

Я надеюсь, что для тех, кто это читает, этот совет будет больше похож на призыв к действию. Я не пытаюсь проповедовать, но хочу быть чирлидером, предлагая поддержку, что вы можете это сделать. ТЫ МОЖЕШЬ СДЕЛАТЬ ЭТО!! Просто дайте себе шанс добиться успеха и станьте экспертом в своем деле.

Итак, давайте представим, что вы развили этот навык и начинаете выполнять хорошо продуманную, продуманную работу. Что теперь? Как вы позволяете себе это делать? Если вы не можете ответить на этот вопрос, это превращается в очень дорогое хобби. За свою карьеру я прошел два основных пути (что является чрезмерным упрощением для этой статьи). Один путь ведут деньги, а другой — искусство.

Райан Браун, «Нестор», 2008 г., уголь и белый мел, бумага Canson, 35 x 40 дюймов.

Важно решить для себя, каковы ваши приоритеты, и быть им верным. Для многих необходимость зарабатывать на жизнь реальна, и ее следует учитывать. Но если вы не будете осторожны, это может отрицательно направить ваши усилия и контролировать то, что вы делаете. Неизбежно, что в какой-то момент вы создадите одну или две работы, которые, кажется, всем понравятся. И галереи, видя этот положительный отклик на конкретный предмет, размер, композицию или цветовую гармонию, будут просить того же самого. И вы дадите им это, потому что продавать — это здорово, а получать положительный отзыв о своей работе — еще лучше.

Опасность в том, что это может невольно стать вашей визитной карточкой, вашим стилем, вашим брендом. Не делая никаких преднамеренных попыток или преднамеренного выбора, вы можете заклеймить себя и обнаружить, что повторяете одну и ту же работу на протяжении десятилетий.

Многие считают, что в этом нет недостатка. Преимущества заключаются в том, что вы создаете бренд на ранней стадии и развиваете растущую клиентуру, которая хочет создать бренд искусства, который вы создаете. Легче продать известный товар. Галереи любят бренд, а коллекционерам — известные бренды.Таким работам и таким художникам легче продать и придать им установленную ценность.

Но на личном уровне вы должны спросить себя, доставит ли вам такое долгое время создание подобной работы. Вот где вам должны быть ясны ваши личные приоритеты. Удовольствие от продажи, радость от того, что вы станете более известным, и радость от хорошей жизни в качестве художника, может быть именно тем, что вы хотите для себя. И если вы это знаете и выберете это сознательно, то вы выиграли. Направление брендинга и маркетинга этого бренда — это то, что я бы назвал приоритетом, в большей степени ориентированным на деньги.Возможно, это может показаться отрицательным, но это не так. Я не согласен с мыслью, что счастье не купишь за деньги. Деньги покупают время и свободу, которые могут привести к счастью. И художники с такими приоритетами создают по-настоящему великие произведения искусства. Приоритет финансового успеха никому не мешает создавать долговечные и прекрасные произведения.

Райан Браун, «Шарлотта», масло, 19 1/2 x 31 дюйм.

Направление, которое больше ориентировано на искусство, мало связано со стилем или конкретным брендом.Этот путь имеет тенденцию рассматривать каждое произведение индивидуально как отдельное произведение искусства. Художник, который отдает приоритет искусству, больше озабочен ремеслом, эстетикой и исполнением каждого произведения, чаще всего в ущерб маркетингу своей работы. Развитие, понимание и совершенствование знаний, мастерства и опыта, которые вкладываются в их искусство, представляют для этих художников гораздо большую заботу, чем маркетинговый аспект. Создание и выполнение части процесса приносит большее удовлетворение, чем продажи и маркетинг.С этим приоритетом проделана огромная работа, и таким образом можно достичь большого финансового успеха. Но для таких артистов отсутствие маркетинга всегда чревато сохранением анонимности.

Оба набора приоритетов действительны , и ни один из них не стоит выше другого. Я считаю, что многое из того, что ведет художников к тому или иному, основано на их индивидуальном темпераменте и интересах. Я хочу сказать, что лучше всего, когда художник может сделать этот выбор осознанно и уверенно, без извинений.Требуется определенный уровень зрелости в видении, чтобы серьезно поговорить с собой и определить свои приоритеты. Имея четкое определение приоритетов, потребуется немалая дисциплина и усилия, чтобы создать план и следовать ему, чтобы реализовать свое видение. Чтобы оставаться нацеленным в желаемом направлении, требуется такое же упорное внимание. Это подводит меня к моему последнему совету.

Художник очень легко отвлекается. Так много потенциала, так много возможностей.Как творческие существа, мы любим исследовать, экспериментировать и открывать для себя новые вещи. Мы хотим опробовать разные техники, новые подходы, новую тематику и т. Д. И все это хорошо. Следуй за своим сердцем. Только будьте осторожны, чтобы не следовать своему непостоянному сердцу. Вы очень легко можете слишком сильно растянуться, пытаясь сделать все, участвовать в каждом конкурсе, подавать заявки на каждую выставку и присоединиться к каждой организации. Вы можете сделать это вначале, чтобы привлечь внимание или признание. Неплохая идея.Это не единственный способ, но он определенно сработал для некоторых. Но эти выставки и конкурсы могут быть обманчивыми. Они могут побудить вас сделать работу, которую в противном случае вы бы не сделали, угадывая, что хочет увидеть этот судья или эта галерея. И если вы выиграете или проиграете, это может заставить вас поверить в то, что либо то, либо другое было заработано.

Райан Браун, «Cherry Blossoms», 2016, холст, масло, 18 x 24 дюйма.

Участие в шоу или получение награды — это здорово, и это может быть здорово с точки зрения признания вашей работы.Это также может привести вас к циклу создания работы за работой, который разработан исключительно для того, чтобы выиграть следующую награду или угодить следующему судье. А отсутствие победы, отказ от участия в шоу может привести к сокрушительному чувству неполноценности. Вы должны найти способ любить то, что делаете, несмотря ни на что. Вы должны получать прямые и честные критические отзывы от доверенных коллег. И вы всегда должны двигаться вперед и совершенствоваться, независимо от наград, выставок или отзывов галереи. Легче сказать, чем сделать.Много отвлекающих факторов, и ваша способность оставаться сосредоточенным, несомненно, будет связана с ясностью ваших приоритетов и необычностью видения.

Заключительное слово

Райан С. Браун

Мне всегда повезло, что я основал Флорентийскую академию искусств и получил там образование. Опыт открытия глаз, очищения тумана и развития осознания того, как видеть и интерпретировать мир вокруг меня, изменил жизнь. Это дало мне инструменты для построения моих собственных видений.Этот преобразующий опыт побудил меня поделиться этим образованием с как можно большим количеством людей.

Помня об этом, я основал Академию искусств мастеров в Юте. Наша цель в академии — понять индивидуальные потребности и цели каждого студента, чтобы помочь им найти более эффективный и экономичный способ приобретения навыков, необходимых для воплощения в жизнь их личных видений, с максимально возможной квалификацией. Это важно, потому что независимо от того, насколько велико или ясно ваше видение, глубина, с которой вы можете реализовать это видение визуально для других, всегда будет зависеть от навыков, с которыми вы способны его реализовать.

Эта статья была первоначально опубликована в 2019 году

Учитесь у Райана Брауна, члена Консультативного совета Realism Today, с его художественным видео премиум-класса «Рисование классических портретов» от Streamline Publishing (превью ниже).

Вам нужны дорогие художественные принадлежности, чтобы делать хорошее искусство?

Каждая копейка на счету, особенно в начале вашей художественной карьеры.

Может быть сложно оправдать стоимость дорогих материалов, когда вы не знаете, откуда поступит ваша следующая зарплата, и у вас ограниченный бюджет.

Тем не менее, существует тонкая грань между экономией денег на материалах со скидкой и экономией времени и разочарований, используя материалы профессионального уровня.

Недавно у нас была возможность поговорить с некоторыми художниками о роли художественных материалов, оборудования и снаряжения в их успехе.

Вот некоторые вещи, которые мы узнали:

Даже самые лучшие художественные материалы не могут компенсировать плохую технику.

Доминирующим посланием каждого художника, с которым мы говорили, был тот факт, что нет замены хорошей технике.Надев пару Air Jordan, вы не сразу станете звездой НБА. Работая с лучшим снаряжением и материалами, вы не сможете показать себя на Art Basel без навыков, которые помогут вам туда добраться.

«Не переусердствуйте с оборудованием. Начните с малого и выберите то, что вам подходит », — сказала художница Келли Фолсом.

Используйте подходящие продукты для решения задачи.

Более 50% обращений в службу технической поддержки и электронных писем, полученных от компаний, производящих произведения искусства, являются результатом того, что художники пытаются заставить свой материал работать так, как они не предназначены.

Вот почему вы видите, что все больше и больше продуктовых компаний выделяют ресурсы на обучение пользователей.

Rosemary & Co, популярный производитель кистей из Великобритании, большую часть 2018 года тратит на создание обучающих видеороликов для своих самых продаваемых линий кистей. В этих видеороликах рассказывается не только о том, как и где использовать продукт, но и о том, как ухаживать за щеткой, чтобы продлить срок ее службы. Несколько других производителей последуют их примеру, и в ближайшие несколько лет мы увидим большой рост образовательных ресурсов, связанных с продуктами.

Хорошие произведения искусства не сделают вас волшебным образом талантливым художником.

Но они могут помочь вам получить больше удовольствия от процесса и улучшить конечный результат.

Художник на пленэре Кэтлин Хадсон сказала: «Если мне действительно нравится работать с продуктом, мои картины показывают это. Если я этого не сделаю, и если я борюсь с продуктом, это тоже видно »

Хотя поговорка «практика ведет к совершенству» применима к артистам любого уровня, она особенно актуальна для начинающих.В большинстве сред в процессе задействовано несколько материалов или инструментов. И единственный способ определить комбинацию, которая лучше всего подходит для вас, — это метод проб и ошибок.

Вначале я считал, что разницу между хорошим и большим можно найти в снаряжении или в каком-то методе или технике, которых я не знал », — сказал художник Томас Киттс. «Но в конце концов я пришел к выводу, что время, потраченное на рисование, и большой опыт важнее всего остального».

Киттс продолжил, что успех — это еще не все, и что «в конце концов большинство из нас понимает, что время и опыт важнее всего остального.«


Более дешевые художественные материалы не обязательно экономят ваши деньги.

Дешевая глина может не сохранять пластичность и не так ярко проявлять остекление. Лучшая краска имеет большую стойкость и, как правило, имеет более глубокий оттенок и более высокое качество, что означает меньшее количество краски, необходимое для того же результата.

И любой, кто пробовал использовать дешевый холст, знает, сколько краски можно потратить впустую, пытаясь развить текстуру.

Хотя мы не рекомендуем вам выходить и покупать первоклассные материалы, мы рекомендуем, чтобы при принятии решения о покупке вы принимали во внимание их истинную стоимость.

Если продукт мешает вашей способности прогрессировать, добавляет больше времени процессу создания или борется с вами по пути, все эти вещи связаны с расходами.

Существуют разные материалы для разных этапов вашей карьеры.

Когда вы изучаете новый навык, вы будете тратить большую часть своего времени на повторение. Вам не следует беспокоиться о потере дорогих красок или материалов, пока вы развиваете эти начальные навыки.

«Практика так важна, когда вы начинаете», — сказал художник и учитель Стюарт Уайт. «У вас определенно будет много материалов… поэтому стоимость становится фактором, который необходимо учитывать артистам на ранних этапах».

По мере того, как вы продвигаетесь в своем ремесле, вы захотите вложить немного больше в свои материалы, чтобы не тратить время на чрезмерную компенсацию за свои материалы. И думайте о качестве, а не о количестве. Он может быстро накапливаться, если вы попытаетесь обновить все свои материалы и инструменты сразу.Подумайте, какие материалы больше повлияют на ваш результат (краска, кисти, холст) и что вы можете подождать, чтобы обновить (палитры и т. Д.).

Художница Нэнси Борен считает, что художникам не стоит так сильно об этом беспокоиться вначале. «Как только они начинают развивать навыки, им приходится работать с архивной поверхностью. Волшебной кисти нет; техника управляет всем ».

В нижней строке? Вы хотите получать удовольствие не только от результата, но и от процесса.

10 лучших советов по созданию лучшего художественного портфолио

Вы решили серьезно отнестись к художественной школе.Но прежде чем вы сможете подготовиться к увлекательному путешествию, которое отточит ваши навыки и подтолкнет к достижению того, о чем вы никогда не думали, вам нужно сделать первый важный шаг в процессе поступления: создать свое портфолио.

Изучив бесчисленное количество портфолио студентов, мы хотели предложить несколько советов по составлению вашего портфолио. Этот совет поможет вам создать портфолио, которое продемонстрирует ваши технические, творческие и концептуальные способности и выделит вас среди других кандидатов.

1. Внимательно ознакомьтесь с критериями

Каждая школа имеет свой собственный набор требований к портфолио. Внимательно изучите, что каждая школа, в которую вы подаете заявление, требует от абитуриентов — сколько предметов, какой формат, срок и т. Д. Убедитесь, что ваше портфолио соответствует всем требованиям.

2. Эффективно систематизируйте примеры

То, как вы расставляете различные части в своем портфолио, влияет на ваши навыки презентации и мыслительный процесс. Если вы внимательно относитесь к порядку, в котором представлена ​​ваша работа, приемные консультанты смогут лучше понять повествование о вашей работе и сосредоточиться на вашем наборе навыков.

3. Напишите четкие и лаконичные этикетки

Большинство художественных школ хотят получить некоторую базовую информацию о выбранных вами материалах. Название, дата и описание носителя являются стандартными. Если требуется дополнительная информация, уточните, но не чрезмерно.

4. Будьте готовы обсудить каждую часть

Будь то во время собеседования, презентации портфолио или даже по электронной почте, вам, возможно, придется отвечать на вопросы или объяснять части своей работы. Вам не нужно запоминать детали каждого выделения, но не помешает еще раз вернуться к работам и запомнить процесс их создания.Это особенно важно, если вы включаете работы, написанные много лет назад.

5. Рассказывайте истории

Демонстрация ваших технических способностей очень важна, но вы также должны включить в свое портфолио работы, которые демонстрируют ваши навыки повествования. Подумайте о более глубоком значении каждого примера. Еще лучше, если вы можете связать это значение с конкретным опытом или уникальным атрибутом, который отличает вас от других кандидатов.

6. Не зацикливайтесь на количестве

Если вы в целом соответствуете минимальным требованиям, указанным в школьной заявке, вам не следует слишком беспокоиться о том, сколько работ в вашем портфолио.Больше деталей может помочь, но не за счет ваших стандартов качества.

7. Получите совет со стороны

Создание художественного портфолио заставляет вас много думать о своей работе. Легко запутаться в своем восприятии и позволить ему затуманить ваше суждение. Обращение за советом и мнением о вашей работе к надежному консультанту расширит ваши взгляды и поможет вам увидеть свое портфолио в новом свете. Посещение Национального дня портфолио в вашем районе — отличный способ получить информацию о своем портфолио.

8. Продемонстрируйте свои технические способности

Технические навыки — это то, что позволяет художнику передать сообщение или значение произведения. Они также дают консультантам по приемной комиссии представление о вашем потенциале. Художественные школы понимают, что молодые ученики все еще должны расти и учиться, но они также хотят видеть базовый уровень техники, который можно развивать в школе.

9. Не выбирайте клише

Ваше портфолио должно включать в себя работы, которые художественные школы не увидят от каждого другого абитуриента.Один из видов работ, которые мы часто видим в портфолио, — это портреты натюрморта: хотя изображения фруктов или цветов могут демонстрировать технические способности, они вряд ли расскажут историю или имеют «концепцию». Вы должны включить их, просто включите вместе с ними еще несколько примеров.

10. Покажите, как вы хотели бы развиваться.

Художественные школы знают, что даже наиболее квалифицированным кандидатам еще предстоит многому научиться, и они ценят будущих студентов, у которых есть чувство направления. Это не обязательно, но если есть области, в которых вы хотели бы направить свою будущую карьеру в области искусства — например, анимация или графический дизайн — включите эти виды работ в свое портфолио.Если возможно, объясните эти основные направления и почему вы их выбрали.

Ваше портфолио показывает художественным школам, что вы творческий, разносторонний, технически способный художник. Если вы не торопитесь, внимательно редактируете и ищете помощи извне, вы можете составить замечательное портфолио, которое продемонстрирует ваши способности и поможет вам попасть в художественную школу своей мечты.

Искусство против дизайна — вечная дискуссия

Проведите сколько угодно времени, работая среди профессиональных дизайнеров, и вы поймете, что приравнивание искусства к дизайну — верный способ встряхнуть горшок и услышать такие смелые заявления, как:

  • «Дизайн — это , а не арт.Дизайн должен функционировать ».
  • «Искусство призвано вызывать мысли и эмоции, но не решает проблем».
  • «Художники в первую очередь работают с инстинктами, тогда как дизайнеры используют методичный процесс, основанный на данных».

К сожалению, дискуссия между дизайнером и художником часто превращается в разглагольствования и бреда. Строятся линии, поднимаются боевые флаги, и продуктивный диалог становится невозможным.

Что здесь на самом деле происходит? Почему искусство и дизайн противопоставлены друг другу и почему дизайнеры так непреклонны, что дизайн не может быть искусством? Эти вопросы — отправная точка вдумчивого разговора между дизайнерами Toptal Микой Бауэрс и Миклосом Филипсом.

Bowers — бренд-дизайнер и иллюстратор, который считает, что искусство включает в себя множество творческих дисциплин, дизайн является одной из них, и поэтому дизайн — это искусство.

Philips, UX-дизайнер и ведущий редактор блога Toptal Design, придерживается позиции, что искусство и дизайн могут пересекаться, но это совершенно разные области.

С нашими участниками на ринге пора начинать дебаты. Господа, дотрагивайтесь до перчаток и идите по своим углам.

Дизайн — искусство?

Михей: Дизайн — это искусство.Искусство — это дизайн. Без исключений.

Давайте проясним: я знаю, насколько непопулярна моя позиция, особенно среди моих коллег-дизайнеров. Я был на беседах, читал книги, разговаривал с коллегами и посещал занятия, решив установить непримиримые различия между искусством и дизайном. Всякий раз, когда я делюсь своими взглядами, реакция возникает быстро и яростно, но меня не трогают контраргументы (удачи, Миклос).

Настойчивое различие между искусством и дизайном было похоже на постоянную низкую лихорадку, которая беспокоила меня последние 15 лет — сначала во время обучения промышленному дизайну, затем во время учебы в магистратуре изящных искусств, а затем в течение моей карьеры в сфере искусства. брендинг и иллюстрация.

Моя позиция такова: хороший дизайн — это прежде всего искусство. В чем коренится это убеждение? Философское понимание искусства.

Философы, такие как Платон, веками обсуждали значение искусства и определение дизайна.
(«Платон» от lentina_x — под лицензией CC BY-NC-SA 2.0)

Поиски определения искусства уходят корнями в многовековые дискуссии. Греческий философ Платон считал, что искусство по сути является отражением реального. Но его взгляды широко оспариваются, и, поскольку мы должны с чего-то начинать, мы должны стремиться к пониманию, которое признает историю и разнообразие мировой мысли и культуры.

Перефразируя Стэнфордскую энциклопедию философии, мы здесь:

Искусство существует и существовало в каждой известной человеческой культуре и состоит из предметов, представлений и переживаний, которые их создатели намеренно наделяют высокой степенью эстетического интереса.

В соответствии с этим определением дизайн, несомненно, является искусством. Его можно найти в любой человеческой культуре. Он используется для создания объектов, представлений и опытов. А дизайнеры намеренно привносят в свою работу значительный эстетический интерес.

Здесь слышен неизбежный крик: «Подожди! Вы погубили себя одним словом. Эстетично! »

Дизайнеры любят делать радикальные предположения в отношении эстетики, поэтому позвольте мне создать защиту.

Как и искусство, понятие эстетики — это сложная область философской мысли, которую нельзя свести к стереотипу дизайнера, что оно означает «делать вещи красивыми».

На самом деле, эстетика охватывает множество вопросов, которые важны для «искусства vs.дизайн »дебаты:

  • «Можно ли определить эстетическое суждение из практического?»
  • «На каком основании мы судим о полезности и красоте?»
  • И: «Как основополагающие убеждения, с помощью которых мы делаем эстетические суждения, подвержены влиянию времени, культуры и жизненного опыта?»

Вот моя точка зрения: в мире современного дизайна искусство имеет узкое определение и несправедливо превращается в жалкую акварельную карикатуру. Дизайнеры легкомысленно преувеличивали значение своих собственных дисциплин (которые различаются по содержанию до комической степени) на протяжении веков художественной практики, философских исследований и культурного понимания. Дизайн — это искусство. Искусство — это дизайн. Без исключений.

Миклош: Дизайн должен выполнять функцию. Не искусство.

Прежде всего, мы должны выделить, о каком дизайне type идет речь. Я вижу, что в случае графического дизайна, иллюстраций и брендинга, может быть, дизайн — это что-то вроде «искусства», , но если мы говорим о более функциональном дизайне, таком как дизайн цифровых продуктов или промышленный дизайн, нам нужно многое сделать. глубже, и становится ясно: Дизайн — это не «искусство».”

Великолепный дизайн — это отчасти наука, отчасти процесс, а отчасти — практический набор решений с примесью эстетики. Выйдя за пределы поверхности, дизайнер неизбежно обнаруживает, что отличный дизайн — это скорее решение проблем.

Дизайн — это процесс, а не искусство.

Как UX-дизайнер, мне всегда нужно копать глубже, за пределами фасада, который можно было бы назвать потенциальным «дизайном», и смотреть на более широкую картину целостно: целевая аудитория, сценарии использования, контекст и устройство дизайн Предназначен для: ТВ на мобильные устройства, настольные компьютеры на планшеты, банкоматы и т. д.Что касается дизайна продукта, давайте не будем забывать о проверке и тестировании удобства использования. Если бы дизайн был всего лишь произведений искусства, как бы вы могли его проверить?

Если бы дизайн был исключительно искусством, как насчет эвристики юзабилити? Являются ли такие концепции удобства использования UX, как обратная связь, согласованность и стандарты, предотвращение ошибок, пользовательский контроль, гибкость и предсказуемость, за окном? Разве дизайн не для того, чтобы служить людям? Если хочешь быть художником, будь этим, но не называй себя дизайнером. Будьте художником или скульптором.

«Есть красота, когда что-то работает и работает интуитивно», — говорит Джонатан Айв.

«Работа интуитивно» сама по себе не может быть достигнута «искусством»; он основан на исследованиях и тестировании пользователей. Хороший дизайн также основан на данных. Более того, в ближайшем будущем ИИ изменит способ разработки дизайна. Это будет супер-персонализированный и упреждающий. Сможет ли это сделать дизайн как «искусство»? Я так не думаю.

Нельзя сказать, что проектирование пользовательского интерфейса автомата по продаже билетов — это «искусство.Конечно, эстетика и эмоциональный дизайн вступают в игру — как уже упоминалось ранее в других статьях в блоге Toptal Design, — потому что эстетика играет роль в дизайне в той мере, в какой дизайн с лучшей эстетикой заставляет продукт «работать лучше». Но все же необходимо учитывать функцию дизайна и контекст использования.

Например, в основополагающей книге Дона Нормана «Дизайн повседневных вещей» он говорит о дизайне и концепции аффордансов. (Концепция аффорданса была предложена перцептивным психологом Джеймсом Дж.Гибсон в своей новаторской книге Экологический подход к визуальному восприятию ). Норман пишет:

Возможности дают убедительные подсказки о работе вещей. Плиты толкаемые. Ручки поворотные. Слоты предназначены для вставки вещей. Ручки для подъема. Мячи предназначены для метания или отскока. Когда используются преимущества, пользователь знает, что делать, просто взглянув: изображение, этикетка или инструкция не нужны.

Итак, аффордансы — это «воспринимаемые свойства» функции в дизайне, и о них нужно сигнализировать пользователю с помощью «указателей», которые дают подсказки пользователю о существовании возможного взаимодействия.Я не знаю, как можно объединить концепции аффордансов и означающих с «искусством». Это важные концепции дизайна взаимодействия в сфере HCI (взаимодействия человека и компьютера). Они не имеют отношения к искусству.

Как UX дизайнер, я отвергаю это понятие. Я имею в виду, вы можете представить себе автомат по продаже билетов, созданный Пикассо в кубистическом стиле? Я не говорю, что это было бы неинтересно, но это было бы не очень эффективно или функционально.

Что такое хороший дизайн?

Михей: Искусство решает проблемы.«Хороший дизайн» — это просто один из путей к решению.

Автомат по продаже билетов в кубизме Пикассо? Теперь , что было бы хорошим дизайном! Я могу представить себе руки способного художника, использующего стилистический диссонанс кубизма в четко определенной визуальной иерархии, которая радует пользователей однозначными точками взаимодействия. Наконец, мы могли попрощаться с мягкими и запутанными святилищами, к которым мы все привыкли.

Интересно, что такая идея не беспрецедентна.В больших и малых городах по всему миру инсталляции паблик-арта использовались для улучшения впечатлений, ранее упускаемых из виду или запутанных в дизайне. «Путь Ван Гога», созданный голландским художником Дааном Русегаарде, является прекрасным примером.

Технология экспериментальной инсталляции оказывает существенное влияние на мир дизайна.

Вдохновленный «Звездной ночью» Ван Гога, тропа проходит через Нуэнен, Нидерланды (город, где художник жил в 1880-х годах), и состоит из тысяч маленьких раскрашенных камней, которые улавливают энергию солнца днем ​​и светятся ночью. .

Если бы все это было охвачено проектом, это было бы не более чем красивый световой эффект, но рамки художественного видения Русегаарде намного шире. Путь Ван Гога является подтверждением концепции в рамках более крупного проекта под названием SMART HIGHWAY — амбициозного проекта, направленного на переосмысление голландского ландшафта путем внедрения устойчивой системы светящихся интерактивных дорог.

Вывод? Искусство и художники умеют решать существенные проблемы.

Решение проблем требует знаний, опыта, навыков, исследований, риска и понимания человеческого поведения, но, к сожалению, многие дизайнеры не осознают, что художники используют методологию решения проблем в своей работе, даже несмотря на то, что художники систематически ищут творческие решения для веков, задолго до того, как звание «дизайнер» стало модным.

Нужны доказательства?

И снова мы обращаемся к голландскому художнику, мастеру света и живописцу Девушка с жемчужной серьгой Йоханнесу Вермееру. Вермеер жил в середине XVII века, добился скромных успехов как художник и умер под гору долгов. Однако почти через два столетия после его смерти работы Вермеера были заново открыты, и его статус одного из величайших художников всех времен был закреплен в анналах истории искусства.

Но случилось странное.Чем больше людей изучали Вермеера и его работы, тем больше они понимали, что его картины и процесс действительно не похожи на работы других художников. Как так?

  • Вермеер не имел формального художественного образования и, по всей видимости, не учился на художника.
  • Его работы довольно малы, всего менее 50 картин.
  • У него никогда не было собственных учеников или учеников.
  • Почти все картины Вермеера были выставлены в одной из двух комнат его дома.
  • Нет сохранившихся подготовительных рисунков или эскизов, приписываемых Вермееру.
  • Рентгеновские снимки картин Вермеера не обнаруживают никаких рисунков или композиционных исправлений.
  • Его картины содержат искажения освещения и перспективы, которые можно увидеть только через искусственные линзы.
  • И, наконец, Вермеер был близким другом Антони ван Левенгука, голландского ученого, известного своими новаторскими работами в области создания линз и микроскопии.

Некоторые ученые утверждают, что человеческий глаз не может естественным образом воспринимать аберрации освещения и перспективы, обнаруженные на картинах Вермеера.

Что все это значит? Вермеер, вероятно, использовал продвинутую и до сих пор неизвестную форму камеры-обскуры для создания своих шедевров. Это спорная теория, но есть достаточно доказательств из множества источников, подтверждающих такое утверждение.

Какое отношение это имеет к нашим дебатам? Вермеер изобрел устройство и процесс, которые оставались незамеченными и не дублировались более 350 лет, и позволил ему создать одни из самых знаковых и технически изысканных картин в мире без какого-либо формального обучения. Это вершина решения проблем.

Дизайн — это форма искусства, метод человеческого самовыражения, который следует системе высокоразвитых процедур для придания значимости объектам, представлениям и опыту. Как и все виды искусства, дизайн может решать проблемы, но нет никакой гарантии, что это так.

Больше всего я хочу, чтобы дизайнеры осознали, что искусство — это не глупая субкультура дизайна, которая отвергает озабоченные рисованием пальцами свои чувства.Фактически, низкий взгляд на искусство — это также низкий взгляд на дизайн, науку, историю и культуру, что серьезно ограничивает творческий потенциал и междисциплинарный прогресс.

В конце концов, искусство решает проблемы. «Хороший дизайн» — это просто один из путей к решению.

Миклош: Хороший дизайн беспристрастен и удовлетворяет потребности людей.

Обратите внимание, что я не сказал «чего хотят люди», как в песне Rolling Stones: «Вы не всегда можете получить то, что хотите… вы получаете то, что вам нужно. «Люди не всегда знают, чего хотят, дизайнеры должны выяснить, что именно им нужно.

Кстати, а как картины решают проблемы? Я этого не вижу.

Хороший дизайн до некоторой степени субъективен, но, на мой взгляд, «хороший дизайн» определяется в процессе итеративного проектирования с большим количеством проверок / тестов. Это «дизайнерское мышление». Он существует уже несколько десятилетий. Это то, что просто работает, когда все складывается правильным образом, в нужное время, в нужный момент.

Хороший дизайн — это определенно , а не только об искусстве или эстетике. Это только поверхность. О хорошем дизайне следует судить по нескольким факторам, таким как предполагаемая база пользователей, среда, контекст использования, среда и устройство, на котором он будет отображаться. Например, в случае с автоматом по продаже билетов эстетика может не иметь такого большого значения — людям нужно делать что-то, а вещи просто должны работать на них. Он должен быть суперфункциональным, быстрым и эффективным.

На мой взгляд, хороший дизайн — это дизайн, в котором гармонично сочетаются эстетика и дизайн взаимодействия. Продолжая использовать пример с автоматом по продаже билетов, в этом сценарии «внешний вид» менее важен и должен занимать соответствующую часть с точки зрения важности на шкале баланса, а удобство использования и дизайн взаимодействия (функциональный дизайн) должны занимать большую часть. пропорция.

Мы также можем противопоставить «хороший дизайн» и «плохой дизайн». Плохой дизайн — это столпотворение.Это беспорядок. Это может расстраивать или раздражать. Это замедляет людей и истощает их эмоционально. На самом деле он может быть уродливым или просто непримечательным и, следовательно, не заслуживающим чьего-либо внимания. Для вашей аудитории плохой дизайн — это препятствие, а не расширение возможностей.

Выглядит круто, но хороший ли дизайн?

Является ли дизайн субъективным или объективным?

Миклош: Это сочетание того и другого в разных пропорциях.

Искусство и дизайн неразрывно связаны.Я считаю дизайн целостным начинанием, которое включает и «искусство». Дизайн является как субъективным , так и объективным, но должен быть в первую очередь объективным . Надлежащая объективность дизайна достигается путем исследования пользователей (определение целевой пользовательской базы, знакомство с пользователями продукта, наблюдение за контекстом использования), проработки основных этапов процесса проектирования, ориентированного на пользователя (UCD), и пользовательского тестирования.

Дизайн может возникнуть в голове блестящего дизайнера, но его практическое применение еще требует подтверждения.Если бы дизайн был только субъективным, не было бы необходимости в юзабилити-тестировании (что, скорее всего, расстроило бы дизайнера, потому что он / она обнаружил бы, что дизайн не работает). Дизайн должен был исходить от одного человека, что, на мой взгляд, является нелепой, отсталой идеей. Дизайнеры, которые на 100% субъективны, высокомерны.

Однако небольшой процент субъективности действительно играет роль — эстетика играет роль, и, возможно, именно здесь происходит эмоциональный дизайн. Это шаг, на котором на первый план выходят чувствительность, «искусство» и субъективность дизайнера.Великие дизайнеры «наряжают» или «прикрывают» лежащий в основе функциональный дизайн, чтобы создать что-то, что работает на всех эмоциональных уровнях — интуитивном, поведенческом и рефлексивном — для создания продукта с потрясающим UX.

Некоторые дизайнеры считают, что хороший дизайн должен быть объективным. Я в это не верю. В дизайне Старка или Джонатана Айва есть доля гениальности. Они привносят в свой дизайн нотку субъективизма, что связано со вкусом. Одним из величайших оскорблений Стива Джобса было обвинение кого-то в отсутствии вкуса.

Стул дизайн бельгийского дизайнера Маартена Ван Северен

Михей: Искусство и все его дисциплины (включая дизайн) сочетают в себе объективность и субъективность.

Я не знаю, как это случилось, Миклош, но похоже, что мы нашли общий язык, и я приятно удивлен.

Искусство и все его дисциплины, включая дизайн, требуют сочетания объективности и субъективности. Конечно, найдутся дизайнеры, которые закатят глаза и заявят: «Искусство чисто субъективно.Для разных людей это может означать разные вещи ». Очевидный контрапункт? «То же самое и с дизайном!»

Но давайте присмотримся.

Когда дизайнеры утверждают, что искусство должно быть субъективным, они обычно имеют в виду то, как люди оценивают результат усилий художника. Такое мышление об искусстве делает упор на результат. Другими словами, искусство равно объектам, представлениям и опыту. Искусство — это живопись. Искусство — это танец. Искусство — это световое шоу.

С этой точки зрения арт — это субъективно.Я думаю, что американская готика жуткая, но вы находите это вдохновляющим. Я думаю, что кресло Имса — это классно, но вы чувствуете, что это вульгарно. Я думаю, что интерфейс WhatsApp сбивает с толку, но вы никогда не видели ничего более элегантного. Искусство — это результат, результаты открыты для интерпретации, и все правы!

Справедливо ли судить об искусстве исключительно по результатам усилий художника?

К счастью, определение искусства, которое я предложил в начале этой дискуссии, более тонкое, поэтому давайте освежим наши воспоминания:

Искусство существует и существовало в каждой известной человеческой культуре и состоит из предметов, представлений и переживаний, которые их создатели намеренно наделяют высокой степенью эстетического интереса.

Обратите внимание на слова, выделенные жирным шрифтом. Художники «намеренно наделяют» свои работы в высокой степени смыслом. Другими словами, они сознательно усиливают или целенаправленно обогащают. Есть намерение жениться на действии.

Понимаю более полно, искусство — это не результат. Искусство — это процесс, а процесс искусства переполнен объективностью.

Не согласны? Рассмотрим столетия повторяемых практик, стандартизированных инструментов, химических реакций и научных открытий, сделанных искусством.В той степени, в которой могут существовать реальности, независимые от разума (определение объективности), искусство объективно, потому что оно зависит от процесса.

Если художник по керамике зажег блюдо, не дав ему предварительно высохнуть, оно взорвется.

Если пианист положит пальцы на правильные клавиши, она сыграет нужный аккорд.

Если веб-дизайнер выберет дингбаты в качестве основного текста, большие части сайта его клиента будут неразборчивыми.

Главный вывод, Миклош, в том, что я в основном с тобой согласен.Искусство и, следовательно, дизайн — это смешанный мешок объективности и субъективности, приправленный достаточно двусмысленностью, чтобы дискуссия «Искусство против дизайна» продолжалась долгие годы.

Заключение

Совершенно непонятно, что эти слова — «Что такое искусство?» — выражают что-то вроде единственного вопроса, на который даются конкурирующие ответы, или участвуют ли философы, предлагающие ответы, в одних и тех же дебатах… Абсолютное разнообразие предлагаемых определения должны заставить нас задуматься. — Кендалл Уолтон,

На своем самом фундаментальном уровне и искусство, и дизайн стремятся что-то сообщить, и, несмотря на различия, будь то изящное, коммерческое или прикладное искусство, в лучшем случае обе формы вызывают эмоциональный отклик.

Утверждалось, что разница между изобразительным и прикладным искусством контекст и больше связана с оценочными суждениями о самой работе, чем с каким-либо неоспоримым различием между двумя дисциплинами. Более того, сравнение «искусства» и «дизайна», хотя и возвышенное, возможно, донкихотское занятие, поскольку ни одно из них не может быть определено абсолютно, потому что они постоянно меняются — границы постоянно раздвигаются и, надеюсь, будут таковыми и в будущем. В конце концов, эти дебаты: — это вне времени.

Как мы решаем, что такое искусство, а что дизайн, и почему отношения между ними настолько разорваны? Разногласия возникает из-за разницы между функциональным (дизайн) и нефункциональным (искусство)? Журнальный столик Noguchi или стул Rennie Mackintosh — это просто функциональный объект, или же у искусства есть функция?

Глазский архитектор, художник и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош был одним из первых сторонников интегрированной арт-архитектуры. Он верил в чистую интеграцию формы и функции и на протяжении всей своей карьеры стремился выдвинуть теорию «комнаты как произведения искусства».

Ренни Макинтош спроектировал мебель и другие приспособления в своих зданиях, где каждая деталь вносила вклад в общее целое.

Фрэнк Ллойд Райт настолько твердо верил в единство формы и функции, что изменил часто неправильно понимаемую аксиому «форма следует за функцией», которую его наставник Луис Салливан придумал следующим образом: «форма и функция — одно целое.Его план относительно Guggenheim «… заключался в том, чтобы сделать здание и картины прекрасной симфонией, которой никогда раньше не было в мире искусства».

В заключение скажу, что не искусство по сравнению с дизайном , а их единство лежит в основе любого превосходного дизайна. Другими словами, хороший дизайн включает искусство.

• • •

Дополнительная информация в блоге Toptal Design:

Как стать прекрасным художником, живописцем, скульптором и иллюстратором (пошаговое руководство)

Какая степень вам нужна

Мы провели опрос, чтобы спросить других художников, художников, скульпторов и иллюстраторов, какую степень они имели, когда стали изящными художниками, живописцами, скульпторами и иллюстраторами. Вот результаты.

Аттестат колледжа


Бакалавриат


Диплом об окончании средней школы


Один из наиболее частых вопросов, которые мы всегда получаем, — какая специальность или степень мне нужна, чтобы стать художником изящных искусств и живописцев, или какие курсы мне нужно пройти.

Мы также спросили у художников изобразительного искусства и живописцев, по какой специальности они учатся в колледже или университете, и вот 5 самых популярных специальностей, которые были предложены.

Визуальное и исполнительское искусство
Искусствоведение
Изобразительное или студийное искусство
Чертеж
Intermedia или Multimedia

Для художников-ремесленников и художников изящных искусств формальное образование не требуется.Однако многие художники посещают уроки или получают степень бакалавра или магистра изящных искусств, что может улучшить их навыки и перспективы трудоустройства. Те, кто хочет преподавать изобразительное искусство в государственных начальных или средних школах, обычно должны иметь свидетельство о преподавании в дополнение к степени бакалавра. Ученые степени в области изящных искусств или управления искусством обычно необходимы для занятия руководящих или административных должностей в правительстве, руководящих должностей в частных фондах и преподавательских должностей в колледжах и университетах.


Насколько это сложно

Для того, чтобы стать Художником, Художником, Скульптором и Иллюстратором, вам могут потребоваться некоторые предыдущие профессиональные навыки, знания или опыт. Например, электрик должен пройти три или четыре года ученичества или несколько лет профессионального обучения и часто должен сдать лицензионный экзамен, чтобы выполнять свою работу.

Карьера этой категории сложности обычно требует 1-2 года обучения на рабочем месте и неформального обучения с опытными работниками.Эти карьеры обычно предполагают использование коммуникативных и организационных навыков для координации, контроля, управления или обучения других для достижения целей. Аналогичная карьера включает менеджеров по производству гидроэлектроэнергии, турагентов, электриков, судебных репортеров и фельдшеров.


Требуется соответствующий опыт работы

от 4 до 6 лет


от 3 до 6 месяцев


1-2 года


Нет


от 2 до 4 лет


от 3 до 6 месяцев



Лицензия и сертификаты

Нужна ли вам лицензия или сертификат

Для художников, художников, скульпторов и иллюстраторов лицензия или свидетельство не требуется.


Требуемые навыки

Мы спросили других художников и художников, могут ли они иметь только 5 навыков, какими бы они были.Вот что они сказали.

1.
2. Активное прослушивание
3. Критическое мышление
4. Судебные решения и принятие решений
5. Социальная восприимчивость