Как рисуют художники: На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее

Содержание

На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее

Друзья мои, а вы задумывались над философским вопросом: что первично холст или кисть? Я думаю, что сначала мы выбираем на чем рисовать, а уж затем подбираем инструмент для творчества. А у вас какое мнение?

И если с кистями все более-менее понятно, я даже как-то написала об этом информационную статью, то с поверхностей для живописи оказалось очень много!

Итак, на чем рисует художник, прежде всего зависит от задачи, которая стоит перед ним на данный момент. Если он пишет картину, то скорее всего, выберет холст необходимой фактуры и размера. А если пишет этюд, набросок для будущей работы, воспользуется картоном или бумагой для живописи.

Я рисую натюрморт с вином и скульптуркой на холсте

Если посмотреть вглубь вопроса и копнуть историю, то в качестве основы для живописи художники использовали абсолютно разные поверхности. Например, камень, дерево, металл, пергамент, холст… И можно бесконечно продолжать! Иногда художники рисуют даже на бумажной салфетке! Ну если вдохновение неожиданно посетило!

Мне тут вспомнилась забавная история про художника и бумажную салфетку, за достоверность которой я не ручаюсь. Возможно, это просто легенда, но право, очень любопытная!

Однажды Пабло Пикассо, уже будучи заслуженным состоявшимся художником, пил кофе в испанском кафе и что-то рисовал на салфетке. Возможно, в этот момент у художника появилась интересная идея, у творческих людей такое случается!

А напротив Пикассо сидела женщина, которая с почтением и интересом наблюдала за ним. Когда художник собрался уходить, его поклонница попросила продать ей салфетку с наброском, заметив, что заплатит за эскиз.

«10 тысяч долларов», — не моргнув глазом назвал цену Пикассо. Женщина возразила: «Как? Всего за 2 минуты, которые вы потратили на рисунок?» На что художник ответил: «Вы ошибаетесь, на этот рисунок ушло более 60 лет»

Вот, оказывается, насколько ценным может быть набросок на бумажной салфетке! Как вы понимаете, это шутка, но в каждой шутке можно найти долю истины.

А теперь вернемся к нашей теме: на чем рисует художник, исторические факты. Вероятно, вы знаете, что знаменитая Мона Лиза Леонардо да Винчи написана на деревянной панели из тополя.

Дерево или деревянная панель для живописи масляными красками использовалась довольно давно. Чаще всего брали тот вид древесины, которая произрастала в данной местности. А еще известно, что древние римские художники использовали деревянные панели из кедра или липы. А западноевропейские писали свои шедевры на досках из тополя, бука или каштана.

Кедровая доска под живопись

Фламандские художники в качестве основы для живописи брали древесину красного дерева и дуба. А русские живописцы использовали свои деревья: сосну, ольху или березу. Кстати, известнейший шедевр Андрея Рублева «Троица» написан на сосновой доске)

В те времена деревянная панель изготавливалась как из цельной древесины, так и могла быть скрепленной или склеенной из отдельных дощечек. И с тех пор ничего не изменилось, в настоящее время тоже популярны картины масляными красками, написанные на дереве или на деревянных дощечках. Тут, как говорится, все зависит от задумки художника, ну или от спроса заказчика.

Из истории возвращаемся к тому, на чем рисует художник в наше время.

В первую очередь, конечно — холст на подрамнике. Холсты бывают разными по материалу изготовления: льняные, коттоновые, синтетические, а также из смесей этих волокон. Так же есть отличия по величине зерна, этот показатель определяет гладкость поверхности для живописи. Подробнее узнать о разных видах холстов вы можете

в специальной статье.

Я заканчиваю картину на льняном холсте

Хочу добавить, что качественный хост удовольствие не из дешевых, особенно что касается льняных холстов. Но есть же и эконом варианты, о которых я вам сейчас расскажу.

На чем рисует художник картины, если не желает тратиться на дорогие холсты? Вполне можно использовать как поверхность для масла или акрила холст на картоне. Результат точно такой же, не отличишь! А есть еще и плюсы, если художник пишет картину в пастозной технике, то холст на картоне отлично держит массу красок, не деформируясь под их тяжестью.

То есть не провисает, как может случиться с коттоновым холстом.

Пример моих картин / холст на картоне

Я знаю, что существует мнение, что живопись на холсте, это настоящее произведение искусства, без подделок и фальсификаций. А как же тогда все наши мастера, о которых я упоминала ранее, они ж вообще писали на деревянных панелях? Думаю, что возник такой современный стереотип: живопись только на холсте, а все остальное бяка. Но ведь картина несет в себе энергетику художника независимо от того, на чем она написана!

Еще экономнее вариант — писать картины на оргалите или ДВП. Древесно-волокнистая плита, так полностью звучит название этого материала, изготавливается методом горячего прессования. Сырьем для изготовления служат отходы деревообрабатывающей промышленности, целлюлоза или стебли тростника, а также связующее вещество.

Пример моей работы на оргалите

ДВП для живописи продается с грунтом и без него. Еще один приятный бонус: одна сторона ДВП гладкая, а вторая тисненая, очень похожа на переплетение холста. Если хорошенько загрунтовать рифленую поверхность, то отличить её от настоящего холста практически невозможно.

Рождение парусника мастихином на ДВП

Если вы новичок и стоите перед выбором на чем рисовать начинающему художнику, отдавайте преимущество картону. Он дает возможность попрактиковаться, прокачать способности и научиться новым техникам живописи не в ущерб кошельку.

Только не впадайте в комплексы, профессиональные художники тоже рисуют на картоне! Да, он недолговечен, но от этого результат работы не становится хуже

На чем рисует художник картины и этюды или как выбрать картон для живописи:

художественный картон отличается плотностью, она должна быть около 1000г/м2

картон для рисования может быть с грунтом или без него
грунтованный картон для живописи бывает одно и двухсторонний

На чем рисует художник, если надо разработать эскиз картины?

Есть также художники, что пишут этюды и даже картины на упаковочном плотном картоне. Это такой твердый проклеенный картон, который можно загрунтовать и применять для живописи маслом. К примеру, если надо разработать эскиз для будущей картины или попрактиковаться в написании какого-либо объекта необязательно использовать холст.
Если вы хотели бы продать свою работу/ экскиз, то лучше предлагать покупателю не картон в чистом виде, а холст на картоне. Он легче по весу и отправить его получиться дешевле)

Мои цветочные миниатюры мастихином/ холст на картоне

Кстати, такие мини холстики я делаю сама, они отлично подходят под живопись мастихином!

Друзья, за несколько лет я написала более 100 статей с видео. Не стесняйтесь читать статьи, ведь они написаны для вас)) Для удобства в поиске они собраны по тегам:
Масло
Акрил
Холст
Арт своими руками
Современная живопись
Фитнес для мозга
Остальные Теги по статья вы можете найти с правой стороны на сайте

Еще для обучения живописи маслом новичку отлично подойдет и специальная бумага для масла и акрила.

Как выбрать бумагу для живописи:

почитать маркировку, «бумага для масляной живописи», именно так должно быть написано
обратить внимание на её плотность, она должна быть не менее 300г/м2

рекомендуется выбирать бумагу для живописи с рельефной текстурой, напоминающей холст

Напоследок хочу заметить, что в творчестве не главное на чем рисует художник. Куда важнее настрой, желание и вдохновение!

Мое видео — Как я рисую большие картины на примере одной из них

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Как рисуют художники с дальтонизмом — Жизнь на DTF

«Ты болен и не должен рисовать. Почему ты продолжаешь пытаться?»: художники-дальтоники о том, как они добиваются успехов вопреки особенностям зрения.

12 311 просмотров

Работа Пола Канавана — художника с дальтонизмом Источник

Что такое дальтонизм?

Дальтонизм или цветовая слепота — это наследственная или приобретённая особенность человеческого зрения, которая влияет на восприятие цвета. Нарушение назвали в честь Джона Дальтона, который в 1974 году первым описал одну из разновидностей цветовой слепоты, целиком опираясь на собственный опыт.

Для людей с дальтонизмом в повседневной жизни обычные вещи могут стать проблемой. Например, покупка свежих фруктов и овощей, считывание сигналов светофора. Ещё хуже приходится художникам, особенно тем, которые работают с цветом.

Я изучал искусство в школе, но, думаю, уже тогда пытался скрыть свой недуг. Я много раз хотел бросить рисовать. Процесс казался слишком сложным, а у меня в голове засел голос.
Он говорил: «Ты болен и не должен быть художником. Почему ты продолжаешь пытаться, вместо того, чтобы стать шеф-поваром или ещё кем-то?»
Пол Канаван
, художник с дальтонизмом

Причины и виды дальтонизма

Самая распространенная причина дальтонизма — неправильное развитие глаз. Если упрощать, то можно пояснить так: в сетчатке наших глаз есть специальные рецепторы — палочки и колбочки. Последние, согласно одной из теорий, чувствительны к трём цветам: красному, зелёному и синему, которые при смешении дают возможность получить любой другой оттенок. Дальтонизм возникает при повреждении одного или нескольких наборов колбочек.

Чаще дальтонизмом страдают мужчины. Всё из-за того, что передача цветовой слепоты по наследству связана с Х-хромосомами. У женщин две Х-хромосомы, и дефект в одной из них компенсируется другой. У мужчин же набор хромосом — XY, и в случае получения дефектного гена компенсировать его нечем.

Также дальтонизм может появиться в результате повреждения мозга, глаз или зрительного нерва.

Цветовое восприятие при разных типах дальтонизма

Красно-зелёный дальтонизм — самая распространённая форма, следом идёт сине-жёлтый дальтонизм. Самый редкий вид — полная цветовая слепота, при которой человек не воспринимает цвета вообще. Весь мир для таких людей — чёрно-белый.

Великие дальтоники

На основе анализа картин художников-классиков специалисты выдвигают теории о том, что некоторые мастера страдали дальтонизмом. Например, наличие цветовой слепоты предполагают у Врубеля и Ван Гога из-за специфики их художественной палитры.

Картина Михаила Врубеля — «Царевна-Лебедь»

С возрастом цветовое восприятие нарушилось и у Ильи Репина. В 1913 году иконописец Абрам Балашов проник в Третьяковскую галерею и изрезал картину «Иван Грозный и сын его Иван». Реставрировать полотно пригласили самого Репина. По воспоминаниям художника Игоря Грабаря, тот нарисовал голову Грозного «в какой-то неприятной лиловой гамме, до ужаса не вязавшейся с остальной гаммой картины». Работу остановили, свежие мазки сняли, и реставрацию продолжили другие специалисты.

Илья Репин — «Иван Грозный и сын его Иван» Источник

А Виктор Чижиков, художник журнала «Мурзилка» и создатель Олимпийского Мишки для Олимпиады-1980, всю жизнь рисовал по пронумерованной палитре.

Тот самый Олимпийский Мишка

Как дальтонизм влияет на карьеру современных художников

Художники-иллюстраторы Пол Канаван и Бэн Цвайфель с детства плохо различают цвета.

Иллюстрация Пола Канавана для Magic: The Gathering Источник

Пол работает иллюстратором и арт-директором уже 12 лет, он успел посотрудничать с Wizards of the Coast, издателем Magic: The Gathering и Dungeons & Dragons, принять участие в создании AAA-синематиков для Destiny 2 и Guild Wars 2.

Я часто сидел в одной комнате с ведущими художниками и режиссёрами. Слушал, как они сомневаются в моём выборе цвета. Так бывало, когда я случайно красил солнце в зелёный и неуверенно оправдывал своё «решение».
Пол Канаван
, художник-дальтоник

Бэн Цвайфель рисовал для игр BattleTech, Humblewood и создавал обложки для книг издательства Orbit.

Я тоже дальтоник, по крайней мере, так мне говорили с юных лет. Я прошёл тест Ишихары (тесты с цветными точками, где нужно видеть форму, букву или число — прим. автора). Я смутно помню, как мне говорили, что тест повлияет на мою жизнь, может быть, я даже не смогу пройти отбор на профессию пилота или проводника поезда. Поэтому я выбрал профессию, которая не требует точного восприятия цвета. Я стал художником!
Бэн Цвайфель
, художник-дальтоник

Пол с трудом различает зелёный, синий и жёлтый цвета, а у Бэна проблемы с восприятием оттенков красного и зелёного.

Иллюстрация Бэна Цвайфеля Источник

Художники даже подготовили специальную серию изображений на примере картины Джона Сингера Сарджента «Гвоздика, лилия, лилия, роза», чтобы показать, как они видят цвета. Бэн пропустил изображение через специальную программу.

1. Оригинал. 2. Протаномалия (нарушение восприятия красного цвета). 3. Дейтераномалия (нарушение восприятия зелёного цвета). 4. Тританомалия (нарушение восприятия синего цвета). Картинка в большем размере вот тут

Бэн сделал специальный цветовой круг, на котором отметил сложные для его восприятия цвета: белым помечены те, которые он практически не видит, чёрным — которые воспринимает, но не очень ярко.

Тот самый цветовой круг

Бэн отмечает, что если он верно разобрался с тоном в работе и его цвет не выбивается из контекста остальной картины — он не переживает о цветовых нюансах. В целом художник доверяет своему чувству цвета и старается рисовать естественно, но всё равно часто сверяется с цветовым кругом.

Пол же советует использовать кое-какие «хитрости» — и не упрекать себя за это.

Один из самых важных уроков для меня заключался в том, чтобы не слишком себя корить за «жульничество». Выбор цвета пипеткой с референсов мне необходим — даже просто для проверки, что я делаю всё правильно. Иногда я беру цветовые схемы с картин классиков и сохраняю их в качестве образцов для использования в будущем.
Пол Канаван
, художник-дальтоник

Ещё один приём — показывать работы человеку, у которого нет проблем с цветовым восприятием. Пол старается отдать рисунок на проверку другу, прежде чем отправить его клиенту. Правда, это не всегда возможно.

Мои родители — графические дизайнеры и иллюстраторы. Я рос в окружении искусства и ни о чём не подозревал, пока не стал изучать цвет. В начале своей карьеры я иногда сдавал работы, в которых было слишком много зелёного или агрессивно-красного. […] Большинство арт-директоров, с которыми я регулярно работаю, знают, что я дальтоник. После того, как я сдаю работы, часто прошу немного подправить цвет.
Бэн Цвайфель
, художник-дальтоник

А иллюстратор детских книжек Лорен Лонг (рисовал для книги Of Thee I Sing Барака Обамы) во время работы пользуется пронумерованными тюбиками с красками и располагает цвета на палитре в определённом порядке. Каждый номер привязан к конкретному цвету. Как говорит сам художник, номера помогают ему держаться заданного направления и не изображать листья на деревьях, например, коричневыми.

Иллюстрация Лорена Лонга Источник

В детстве, когда Лорену поставили диагноз дальтонизм, врач сказал, что ему уже не стать художником.

Помню, как мы с мамой сели в машину, и по моему лицу потекли слезы. «В чём дело, Лорен?» — спросила мама. А я сказал: «Врач говорит, что я никогда не буду художником». Мама схватила меня за колено, не отвлекаясь от руля, и стиснула зубы: «Лорен, твои рисунки прекрасны. Не позволяй никому говорить, что ты не можешь быть художником!»
Лорен Лонг
, художник-дальтоник

Очки для дальтоников

Художник и скульптор Дэниел Аршем не может различать красные и зелёные оттенки. В 2015 году ему подарили экспериментальные очки, созданные для того, чтобы люди с дальтонизмом могли видеть цвета. Линзы очков не возвращают способность видеть разные оттенки, но хитро симулируют их.

Я просто провел много времени, глядя на траву.
Дэниел Аршем
, художник-дальтоник

Раньше Аршем фокусировался на оттенках серого и много внимания уделял текстурам предметов и окружения, стараясь тем самым компенсировать нехватку цвета.

Работа Дэниэла Аршема Источник

После того, как Аршам надел очки, он стал часто работать с насыщенным цветом в разных сочетаниях. Его последняя работа — розовый сад камней.

Работа Дэниэла Аршема Источник

Несмотря на то, что с этими очками я могу видеть больше цвета, остаётся вопрос: вижу ли я то, что видят другие люди? Это открывает простор для размышлений об объективности и цвете.
Дэниел Аршем
, художник-дальтоник

Другой пример — фотограф-дальтоник Кэмерон Бушонг. Он не различает оттенки красного и зелёного.

Фото Кэмерона Бушонга Источник

Кэмерон тоже использует специальные очки, однако в первую очередь фотограф полагается на внутреннее чутьё и всё равно продолжает работать с цветом. В том числе — с красным.

Я не скучаю по цвету

Джин Ким — аниматор в студии Disney. У него нет художественного образования: на родине в Корее Джину отказали в поступлении из-за дальтонизма. Он выучился на экономиста, но всё равно много рисовал в свободное время, в итоге сделав это своей карьерой.

Сперва Джин создавал памфлеты и постеры для газеты, потом получил работу в местной анимационной студии. Позже он попал в Disney и стал рисовать чёрно-белые скетчи — создавал персонажей для мультфильмов «Холодное сердце», «Город героев», «Моана», «Рапунцель» и не только.

Иллюстрация Джина Кима для мультфильма «Моана» Источник

Джин не считает свою красно-зелёную слепоту помехой.

У всех есть свои слабости. Работа аниматором будто специально была создана для меня. Многие художники любят использовать цвет, но аниматоры в основном создают чёрно-белые скетчи для разных сцен.
Джин Ким
, аниматор

Художник и преподаватель Питер Милтон тоже не стал расстраиваться, когда ему в детстве поставили диагноз «дальтонизм». Вместо попыток работать с цветом он сосредоточился на гравюрах и работе в чёрно-белых тонах. Отсутствие цвета художник решил компенсировать динамикой, образами, детализацией, отсылками и высокой насыщенностью кадра.

Чаще всего Милтон берет за основу чужие картины или фотографии, расширяя концепции оригиналов и поднимаемые темы. Например, его гравюра «Mary’s Turn» была вдохновлена фотографией Гертруды Касебье 1908 года с девушкой, играющей в бильярд.

Гравюра Питера Милтона. По задумке автора, художница играет в бильярд, а персонажи её картин собрались вокруг, чтобы посмотреть Источник

Милтон в гравюре заменил девушку на художницу Мэри Кассат, а бильярдные шары нарисовал висящими в воздухе, чтобы передать динамику. Также Милтон нарисовал на стенах картины самой Кассат и Эдгара Дега.

Я не скучаю по цвету. Нет ничего плохого в недуге. Я использую это слово, потому что оно очень сильное. Именно недуг может помочь вам сделать важный выбор, когда того будет требовать конкретный момент.
Питер Милтон
, художник-дальтоник

Текст написал Владимир Шумилов, автор в Smirnov School. Мы готовим концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придёте к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.

Как рисовать | Сеть художников

Научись рисовать, и ты никогда не будешь прежним

Drawing Hands by M.C. Эшер, литография, 1948.

Великие художники знают, что они никогда не могут позволить себе отказаться от своих методов рисования, если они надеются продолжать расти и совершенствовать свои работы. Это касается иллюстраторов, архитекторов, художников, скульпторов, дизайнеров и даже художников-татуировщиков! Рисунок является основой искусства, позволяя художникам не только видеть, но и запишите то, что они видят в линиях и оттенках, контурах и жестах.

Что самое интересное в обучении рисованию, так это то, что есть так много направлений для занятий. Художник может присоединиться к программе рисования, специально предназначенной для рисования с натуры, выполняя быстрые исследования и более длительные сеансы, чтобы запечатлеть движения и жесты живой модели. Или можно заняться рисованием как личным занятием, взяв бумагу и ручку (или карандаш) и отправившись в мир, чтобы просто делать наброски. Это может позволить вам научиться рисовать различными материалами — графитом или карандашом, углем, пастелью, ручкой и тушью и другими.

Но если художник надеется научиться рисовать реалистичные объекты и фигуры каждый раз, когда он или она кладет перо на бумагу, существуют техники рисования, на которых следует сосредоточиться. Сначала идет наблюдение и зрительно-моторная координация, так что мы тренируем глаз интерпретировать то, что мы видим, таким образом, чтобы это имело смысл, когда мы рисуем, независимо от того, какой у нас объект. Затем художник может начать учиться рисовать фигуры, их действия и позы. Затем последуют уроки рисования с натуры, а также регулярное рисование в альбоме для рисования. Это жизнь художников-рисовальщиков — возвращаться к рисованию и использовать его изо дня в день. Это обязательство, но награда в том, чтобы научиться рисовать что угодно!

Как рисовать

Рисовать Великая картина Пятиминутный рисунок жестами Джона ДеМартина.

«Одна из главных причин, по которой художники попадают в беду, заключается в том, что их картины не имеют прочной основы из точных и выразительных рисунков», — говорит нью-йоркский художник Джон ДеМартин.

«Рисование — неотъемлемая часть процесса создания картины, — говорит ДеМартин. «Это дает возможность исследовать вариации предмета. Художник может загореться идеей и сломя голову броситься в картину без надлежащей подготовки только для того, чтобы обнаружить — часто слишком поздно — что идея не может поддерживаться на протяжении всего процесса. Потратив время на выполнение подготовительных рисунков, художник может тщательно обдумать и обработать идеи и тем самым принять более эффективные творческие решения».

Лучшая часть мастер-классов по рисованию ДеМартина заключается в том, что они дают учащимся ряд подходов к фигуративному рисованию, каждый из которых может помочь в определенных аспектах создания изображений. Например, он заставляет студентов начинать каждый день с быстрых рисунков жестами, которые подчеркивают спонтанные, линейные аспекты записи активной позы в линейном рисунке.

«Короткие позы от одной до 45 минут, как правило, больше связаны с линиями и жестами, а длинные (от часа и более) — с формой и объемом», — объясняет он. «Из-за нехватки времени любое обширное моделирование со значениями сложно выполнить, поэтому чем больше способов я могу выразить объем линий, тем лучше». Когда художники проводят часы или дни, работая в одной и той же позе, их рисунки становятся анализом значений, связанных с формами, переходящими от света к тени.

«Оба этих подхода к рисованию фигуры могут быть полезны для художников, но они также могут привести к собственным проблемам», — говорит ДеМартин. «Художники, которые рисуют только короткими жестами, часто создают стилизованные изображения, которые являются шаблонными, а не честными ответами на отдельные модели. И наоборот, художники, которые делают только рисунки, на выполнение которых уходят месяцы, часто получают механически точные наблюдения, лишенные эмоционального содержания. Комбинируя два подхода, у художника больше шансов получить как быструю оценку того, как фигуры перемещаются в пространстве, так и точные наблюдения, которые пробуждают сущность изображаемого человека».

ДеМартин рекомендует художникам использовать разные материалы для рисования, но одну и ту же позу при выполнении этих двух типов рисунков. «Рисовать нужно из положения стоя с вытянутой рукой, чтобы движение исходило от плеча, а не только от запястья», — указывает он. «Художники должны иметь возможность видеть как поверхность для рисования, так и модель в пределах своего поля зрения».

ДеМартин объясняет, что существует не один рекомендуемый подход к рисованию или живописи. Художникам важно помнить, что некоторое количество рисунков поможет в выборе элементов изображения, установлении композиции линий и значений и решении потенциальных проблем.

Источник: Адаптировано из статьи Стива Доэрти

Техника рисования: линия и тень

ДеМартин (рисунок выше) рекомендует находить и подчеркивать ритмические действия на рисунке.

Вот несколько советов от художника и инструктора Джона ДеМартина, которые помогут научиться рисовать с помощью линии и контура или тени и тона.

Строка : Основная цель создания быстрых набросков — запечатлеть ритмичные действия. Найдите действие перед контурами, потому что без этого ощущения движения рисунок потеряет свою ритмическую плавность. Если позволяет время, постепенно вводите структуру, концептуализируя ориентацию головы, грудной клетки и таза в пространстве с помощью вертикальных и горизонтальных срединных линий. Акцент делается больше на скелет тела, чем на мышцы.

Тень : Тени помогают художнику сравнивать другие значения света, поэтому ставьте их первыми. Создайте одно плоское значение для света (белый цвет бумаги) и одно плоское значение для теней с заштрихованными линиями, создающими светлый тон. Значение не имеет значения, только графическая интерпретация теневого рисунка. Важно распознавать, какие формы находятся в тени, а какие нет, потому что художники часто принимают темные значения на свету за тени.

Строка : Линии, описывающие особенности, могут пересекать части тела, поскольку они подчеркивают плавность форм и взаимосвязь одной формы с другой. Например, если рука пересекает тело, художник должен сначала нарисовать непрерывные линии тела, а затем нарисовать руку над этой частью тела. Смысл в том, чтобы запечатлеть действие и контур, а тонкости оставить позже.

Тень : Научиться рисовать или развивать тени означает работать аддитивным способом, создавая слои угля. Сначала вотрите ровную, плоскую массу теней, а затем используйте угольный пенек, чтобы расплавить тени на бумаге. Это служит хорошим сопоставлением со значениями в свете, которые более спонтанно нарисованы штриховкой. В более длинных позах трехмерная иллюзия рисунка выражается в основном через значения света и тени. Плоскости на форме, отвернутые от источника света, темнеют по мере приближения к линии тени. Это градации значений формы, передающие иллюзию округлости. Чем круглее форма, тем больше разбросаны градации.

Источник: Адаптировано из статьи Стива Доэрти о технике рисования Джона ДеМартина.

Научитесь рисовать края

«Мужчины, идущие в поле».

Жорж Сёра, 1883 г., рисунок, 12 x 9 1/8. Собрание Балтиморского художественного музея, Балтимор, Мэриленд.

Контурные линии — полезная форма, которую рисовальщики используют для обозначения края формы на линейном рисунке. По правде говоря, мы не видим линии, обозначающей край лица, мы просто видим, где форма изгибается от поля зрения. Проведение сплошной линии на краю элементов предполагает формы, а не формы — рисовальщик должен позаботиться о том, чтобы другие плоскости не были видны с точки зрения зрителя. Кроме того, простое сосредоточение на контурных линиях может отвлечь художника от важной задачи изображения жеста модели, который обычно исходит из внутренней части фигуры. По этой и по другим практическим причинам обращение художника с краями имеет большое значение, если рисунок должен быть убедительным.

Кривые трудно точно отобразить. Многие инструкторы по рисованию рекомендуют использовать только прямые линии для краев, смягчая их в кривые, когда это необходимо позже. Если вы думаете, что это костыль для начинающих, подумайте, как Рубенс, искусный рисовальщик, использовал этот метод.

Края делают большую часть работы, предлагая глубину. Толстая линия выдвигает форму вперед, а тонкая светлая линия может обозначать плоскость, отступающую на задний план. Но края — это не только линии. В более тональных произведениях более жесткий край и заметный контраст между плоскостями создают форму, которая ближе к зрителю, чем форма с более мягким и светлым видом. Это важно для отбрасываемых теней: тень наиболее резкая в точке, где она касается отбрасывающего ее объекта, и рассеивается по мере того, как тень удаляется от объекта. На его рисунке Мужчины, идущие в поле , Сёра заставил ближайшую фигуру двигаться вперед в плоскости изображения, увеличив контраст между более темными и светлыми плоскостями и используя более жесткие края на этой фигуре.

В своей книге «Овладение рисованием фигуры человека из жизни, памяти, воображения » Джек Фарагассо указывает, что всегда следует помнить, что самые важные края — это те, которые обозначают светлые и темные узоры. Он использует в качестве примера толстые воротники с рюшами, которые часто появляются на картинах Рембрандта — важными краями в таких воротниках являются не отдельные изгибы и складки, а скорее край тени, когда воротник движется к свету. Эффективное изображение этой линии сделает ерш более убедительным, чем сотня подробных линий.

Где расположить рисунок на странице

Обнаженный мужчина на коленях, держащий ткань в правой руке. Автор Жан-Антуан Ватто, 1715-1716 гг. .

Вы всегда можете поместить предмет своего линейного или контурного рисунка прямо в середину страницы. Это сильное заявление и, в некоторых случаях, наиболее четко выражает то, как вы хотите, чтобы зритель воспринял произведение. Но размещение предмета в другом месте композиции может заставить фон работать на вас и создать интригующую напряженность, предложить повествование и более тонко направить взгляд к фокусу.

Французский термин mise en page (дословно переводится как «размещение на странице») иногда используется в отношении этой концепции, но идея уходит своими корнями в гораздо более раннюю историю — рассмотрение художниками этого аспекта композиции обычно Считается, что оно возникло в эпоху Возрождения. К эпохе Ватто его значение в подходе художника было твердо установлено, и сегодня почти немыслимо, чтобы работающий художник пренебрегал бережным обращением с ним.

Наша естественная тенденция может состоять в том, чтобы поместить предмет в центр композиции, уделяя ему внимание, которого он заслуживает, в середине нашей «сцены», но это не совсем точно отражает то, как мы обычно видим мир. Если мы не находимся очень близко к объекту, большое количество информации достигает нас периферийным зрением. Мы воспринимаем все в контексте, и этот контекст влияет на то, как мы интерпретируем фокус. Как рисовальщики, мы должны бороться с тем, что кажется автоматическим, и по-настоящему наблюдать за всей сценой, чтобы точно описать картины.

Периклис Пагратис, председатель подготовительных курсов Колледжа искусств и дизайна Саванны, учит своих студентов основам рисования и не только, в том числе идее о том, что при разработке композиции они должны думать о предмете как о голове Медузы — не смотрите на него прямо или вы превратитесь в камень (или ваш рисунок, по крайней мере). Негативное пространство вокруг объекта должно играть важную роль в вашей композиции. Будет достаточно времени, чтобы внимательно изучить сам предмет, когда придет время его рендеринга.

Пролистайте любую книгу по искусству, и вы обязательно увидите замечательные примеры убедительной мизансцены. Изучите любую картину или рисунок, в котором фокус направлен в сторону от центра композиции, а затем представьте, как по-другому выглядело бы произведение, если бы предмет был точно в центре страницы. Вы легко увидите, как лучшие художники заставляют мизансцену эффективно работать на них.

Источник: Адаптировано из статьи Боба Бара

Художественный рисунок.

Как нарисовать художника шаг за шагом

Искусство довольно разнообразно, и его трудно определить. У разных людей могут быть разные представления о том, что является искусством, а что нет, но оно, безусловно, способно вызывать сильные эмоции!

Искусство не существовало бы без художников, и его прелесть в том, что каждый может создавать искусство. В этом руководстве о том, как нарисовать художника, мы добавим веселья в происходящее, создав произведение искусства, изображающее художника!

Если вы любитель искусства, то этот учебник должен вам понравиться! По его окончании вы сможете создать изображение классического художественного типа.

Мы надеемся, что вы отлично проведете время, работая с нами над этим пошаговым руководством о том, как нарисовать художника всего за 6 шагов!

О чем эта запись в блоге

Как нарисовать художника — приступим!
- Шаг 1
- Шаг 2 – Теперь нарисуйте детали лица и руку
- Шаг 3. Нарисуйте другую руку и талию
- Шаг 4. Затем нарисуйте ноги
- Шаг 5. Добавьте окончательные детали к вашему художественному рисунку
- Шаг 6. Завершите свой художественный рисунок цветом
- 4 Еще Способы сделать ваш художественный рисунок уникальным
- Ваш художественный рисунок готов!

Шаг 1

Каждый может быть художником, а значит, вариантов изображения художника будет много! В этом руководстве о том, как рисовать художника, мы будем рисовать его классическую интерпретацию.

Этот художник выглядит так, будто работает над классической французской картиной! Для начала мы будем рисовать его голову и шарф.

Используйте несколько округлых линий для контура его лица, а затем вы можете добавить его пышный берет, сидящий на макушке. Затем вы можете использовать более тонкие линии для его колючих волос, торчащих по бокам.

Нарисуйте еще несколько изогнутых линий для его шарфа, обернутого вокруг шеи, а затем используйте более прямые линии для шарфа, ниспадающего на плечо. Тогда мы можем перейти к шагу 2!

Шаг 2 – Теперь нарисуйте детали его лица и руки.

Используя контур головы, который вы начали на предыдущем шаге этого рисунка художника, теперь мы можем начать добавлять детали его лица.

У него довольно напряжённое выражение лица, чтобы показать, что он серьёзно относится к своему делу! Вы можете изобразить его выражение лица, используя простые линии для глаз, носа, рта и вьющихся усов.

Затем мы начнем рисовать грудь его мешковатого свитера, а также добавим к нему несколько волнистых текстурных линий.

Он будет держать палитру для красок в руке справа, и вы можете нарисовать ее также в виде округлой формы.

Шаг 3 — Нарисуйте другую руку и талию

В этом третьем шаге нашего руководства по рисованию художника мы будем рисовать руку, которая держит его кисть, а также талию для его свитера. .

Во-первых, вы можете нарисовать остальную часть рукава для руки слева, а затем нарисуйте его руку, сжимающую тонкую кисть.

Затем удлините его талию еще несколькими изогнутыми линиями, а затем нарисуйте ободок у основания его свитера. Как только они будут нарисованы, мы можем перейти к шагу 4!

Шаг 4 – Далее нарисуйте его ноги

Теперь пришло время нарисовать штанины его брюк. На нем довольно простые брюки, так что добавить их к вашему рисунку художника будет немного проще!

Вы можете использовать несколько изогнутых линий, чтобы нарисовать его прямые штаны, спадающие вниз. Затем мы добавим некоторые линии на штанинах, чтобы они выглядели так, как будто они сделаны из ткани.

Мы пока не увидим его ноги, но мы нарисуем их вместе с окончательными деталями на следующем этапе руководства.

Шаг 5 — Добавьте окончательные детали к рисунку художника

Чтобы завершить все наброски в этом руководстве о том, как нарисовать художника, мы закончим добавлением его обуви. Вы можете использовать несколько закругленных линий, чтобы создать его простые туфли у основания брюк, как мы сделали на нашем эталонном изображении.

После того, как вы нарисовали его ботинки, вам не нужно останавливаться на достигнутом! Вы также можете добавить некоторые свои идеи и дополнительные детали.

Одной из забавных идей было бы нарисовать картину, над которой он работает. Вы можете сделать это, нарисовав прямоугольник на мольберте, а затем создав то, над чем, по вашему мнению, он может работать.

Как вы думаете, над какой картиной мог работать этот художник? Мы надеемся, что вы покажете нам, когда закончите этот рисунок!

Шаг 6 — Завершите свой художественный рисунок цветом

Вы готовы добавить немного цвета к этому художественному рисунку на этом последнем шаге руководства. На нашем эталонном изображении мы сделали цвета его одежды более приглушенными.

Мы использовали коричневые цвета для его шляпы и свитера, зеленый цвет для его шарфа и синий цвет для его брюк.

Вы можете выбрать несколько похожих цветов на своем изображении, но вы также можете использовать совершенно другие цвета, если хотите! Часто, когда художник рисует, он становится довольно грязным в процессе.

Если у вас есть такие материалы, как акриловые краски, вы можете добавить несколько пятен краски на его одежду, чтобы действительно завершить образ трудолюбивого художника!

Какие цвета и материалы вы выберете, чтобы завершить работу над этим художником?

Еще 4 способа сделать свой художественный рисунок уникальным

Создайте забавное искусство, а мы сделаем ваш художественный эскиз еще лучше!

Этот рисунок художника основан на классическом изображении художника, но вы можете настроить его внешний вид несколькими способами. Например, вы можете изменить то, как он одет.

Изменив некоторые детали его одежды, вы можете сделать его стиль более современным или, возможно, даже более старомодным. Это будет зависеть от эпохи искусства, которая вас больше всего вдохновляет.

В какую одежду он мог быть одет?

Еще один способ персонализировать этого художника — изменить его внешний вид. Он не основан на ком-то конкретном на этом изображении, но вы можете сделать его похожим на кого-то конкретного.

Он может быть основан на вас или, например, на ком-то, кого вы знаете. Это был бы забавный способ настроить его, но вы также можете создать художника на основе известного художника из истории.

Он мог бы выглядеть как Ван Гог или как Да Винчи. Кого бы вы использовали в качестве модели для этого художника?

Еще один способ сделать рисунок художника более отчетливым — показать, над чем он работает. Вы можете начать этот процесс, нарисовав рядом с ним холст.

Затем вы можете заполнить контур холста какой-нибудь картинкой. Это может быть уникальная картина вашего собственного дизайна.

Если бы вы сделали его похожим на настоящего художника, то вы могли бы воссоздать одну из его работ на этом полотне.

Каждому художнику нужна мастерская или место, где он может творить. Этот не исключение, поэтому мы думаем, что было бы здорово добавить фон к вашему эскизу художника.

У многих художников очень беспорядочное рабочее пространство, так что вы можете пойти по этому пути и добавить множество деталей. Или, может быть, вы бы предпочли иметь аккуратное и упорядоченное рабочее место для этого художника.

Какое рабочее пространство вы бы хотели, если бы были этим художником?

Ваш художественный рисунок готов!

Это подводит вас к концу этого руководства по , как нарисовать художника.

Когда дело доходит до искусства, необычно сосредотачиваться на создателе, а не на произведении искусства, поэтому было забавно создать произведение искусства с участием художника!

Это была детальная картина, которую мы подготовили, но если вы будете делать ее медленно и выполнять все шаги, которые мы изложили, вы быстро ее прибьете.

Когда вы закончите эту картину, у вас будет множество способов продвинуться дальше.

Мы упомянули, как можно нарисовать произведение искусства, над которым он может работать, как одну идею, но что еще вы можете придумать, чтобы добавить к этому изображению?

Если вам понравилось раскрывать своего внутреннего художника в этом руководстве, то у нас есть еще много руководств по рисованию, чтобы проверить свои навыки рисования на нашем веб-сайте.