На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее
Друзья мои, а вы задумывались над философским вопросом: что первично холст или кисть? Я думаю, что сначала мы выбираем на чем рисовать, а уж затем подбираем инструмент для творчества. А у вас какое мнение?
И если с кистями все более-менее понятно, я даже как-то написала об этом информационную статью, то с поверхностей для живописи оказалось очень много!
Итак, на чем рисует художник, прежде всего зависит от задачи, которая стоит перед ним на данный момент. Если он пишет картину, то скорее всего, выберет холст необходимой фактуры и размера. А если пишет этюд, набросок для будущей работы, воспользуется картоном или бумагой для живописи.
Я рисую натюрморт с вином и скульптуркой на холсте
Если посмотреть вглубь вопроса и копнуть историю, то в качестве основы для живописи художники использовали абсолютно разные поверхности. Например, камень, дерево, металл, пергамент, холст… И можно бесконечно продолжать! Иногда художники рисуют даже на бумажной салфетке! Ну если вдохновение неожиданно посетило!
Мне тут вспомнилась забавная история про художника и бумажную салфетку, за достоверность которой я не ручаюсь.
Возможно, это просто легенда, но право, очень любопытная!
Однажды Пабло Пикассо, уже будучи заслуженным состоявшимся художником, пил кофе в испанском кафе и что-то рисовал на салфетке. Возможно, в этот момент у художника появилась интересная идея, у творческих людей такое случается!
А напротив Пикассо сидела женщина, которая с почтением и интересом наблюдала за ним. Когда художник собрался уходить, его поклонница попросила продать ей салфетку с наброском, заметив, что заплатит за эскиз.
«10 тысяч долларов», — не моргнув глазом назвал цену Пикассо. Женщина возразила: «Как? Всего за 2 минуты, которые вы потратили на рисунок?» На что художник ответил: «Вы ошибаетесь, на этот рисунок ушло более 60 лет»
Вот, оказывается, насколько ценным может быть набросок на бумажной салфетке! Как вы понимаете, это шутка, но в каждой шутке можно найти долю истины.
А теперь вернемся к нашей теме: на чем рисует художник, исторические факты. Вероятно, вы знаете, что знаменитая Мона Лиза Леонардо да Винчи написана на деревянной панели из тополя.
Дерево или деревянная панель для живописи масляными красками использовалась довольно давно. Чаще всего брали тот вид древесины, которая произрастала в данной местности. А еще известно, что древние римские художники использовали деревянные панели из кедра или липы. А западноевропейские писали свои шедевры на досках из тополя, бука или каштана.
Кедровая доска под живопись
Фламандские художники в качестве основы для живописи брали древесину красного дерева и дуба. А русские живописцы использовали свои деревья: сосну, ольху или березу. Кстати, известнейший шедевр Андрея Рублева «Троица» написан на сосновой доске)
В те времена деревянная панель изготавливалась как из цельной древесины, так и могла быть скрепленной или склеенной из отдельных дощечек. И с тех пор ничего не изменилось, в настоящее время тоже популярны картины масляными красками, написанные на дереве или на деревянных дощечках. Тут, как говорится, все зависит от задумки художника, ну или от спроса заказчика.
Из истории возвращаемся к тому, на чем рисует художник в наше время.
В первую очередь, конечно — холст на подрамнике. Холсты бывают разными по материалу изготовления: льняные, коттоновые, синтетические, а также из смесей этих волокон. Так же есть отличия по величине зерна, этот показатель определяет гладкость поверхности для живописи. Подробнее узнать о разных видах холстов вы можете в специальной статье.
Я заканчиваю картину на льняном холсте
Хочу добавить, что качественный хост удовольствие не из дешевых, особенно что касается льняных холстов. Но есть же и эконом варианты, о которых я вам сейчас расскажу.
На чем рисует художник картины, если не желает тратиться на дорогие холсты? Вполне можно использовать как поверхность для масла или акрила холст на картоне. Результат точно такой же, не отличишь! А есть еще и плюсы, если художник пишет картину в пастозной технике, то холст на картоне отлично держит массу красок, не деформируясь под их тяжестью.
То есть не провисает, как может случиться с коттоновым холстом.
Пример моих картин / холст на картоне
Я знаю, что существует мнение, что живопись на холсте, это настоящее произведение искусства, без подделок и фальсификаций. А как же тогда все наши мастера, о которых я упоминала ранее, они ж вообще писали на деревянных панелях? Думаю, что возник такой современный стереотип: живопись только на холсте, а все остальное бяка. Но ведь картина несет в себе энергетику художника независимо от того, на чем она написана!
Еще экономнее вариант — писать картины на оргалите или ДВП. Древесно-волокнистая плита, так полностью звучит название этого материала, изготавливается методом горячего прессования. Сырьем для изготовления служат отходы деревообрабатывающей промышленности, целлюлоза или стебли тростника, а также связующее вещество.
Пример моей работы на оргалите
ДВП для живописи продается с грунтом и без него. Еще один приятный бонус: одна сторона ДВП гладкая, а вторая тисненая, очень похожа на переплетение холста.
Если хорошенько загрунтовать рифленую поверхность, то отличить её от настоящего холста практически невозможно.
Рождение парусника мастихином на ДВП
Если вы новичок и стоите перед выбором на чем рисовать начинающему художнику, отдавайте преимущество картону. Он дает возможность попрактиковаться, прокачать способности и научиться новым техникам живописи не в ущерб кошельку.
Только не впадайте в комплексы, профессиональные художники тоже рисуют на картоне! Да, он недолговечен, но от этого результат работы не становится хуже
На чем рисует художник картины и этюды или как выбрать картон для живописи:
- художественный картон отличается плотностью, она должна быть около 1000г/м2
- картон для рисования может быть с грунтом или без него
- грунтованный картон для живописи бывает одно и двухсторонний
На чем рисует художник, если надо разработать эскиз картины?
Есть также художники, что пишут этюды и даже картины на упаковочном плотном картоне.
Если вы хотели бы продать свою работу/ экскиз, то лучше предлагать покупателю не картон в чистом виде, а холст на картоне. Он легче по весу и отправить его получиться дешевле)
Мои цветочные миниатюры мастихином/ холст на картоне
Кстати, такие мини холстики я делаю сама, они отлично подходят под живопись мастихином!
Друзья, за несколько лет я написала более 100 статей с видео. Не стесняйтесь читать статьи, ведь они написаны для вас)) Для удобства в поиске они собраны по тегам:
Масло
Акрил
Холст
Арт своими руками
Современная живопись
Фитнес для мозга
Остальные Теги по статья вы можете найти с правой стороны на сайте
Еще для обучения живописи маслом новичку отлично подойдет и специальная бумага для масла и акрила.
Как выбрать бумагу для живописи:
- почитать маркировку, «бумага для масляной живописи», именно так должно быть написано
- обратить внимание на её плотность, она должна быть не менее 300г/м2
- рекомендуется выбирать бумагу для живописи с рельефной текстурой, напоминающей холст
Напоследок хочу заметить, что в творчестве не главное на чем рисует художник. Куда важнее настрой, желание и вдохновение!
Мое видео — Как я рисую большие картины на примере одной из них
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
Что и зачем рисуют современные художники — Look At Me
Что и зачем рисуют современные художники — загадка для большинства.
Но самое удивительное — при нашествии «цифры», радикальности перформанса и тотальных инсталляций их интерес к традиционной живописи никуда не делся. Сотни молодых художников новой волны экспериментируют с красками и поверхностями, не боятся писать картины после Малевича, Бэкона и Ротко и дают другое прочтение привычным подходам и жанрам.
За двадцать лет ренессанса живописи музеи и галереи снова наполнились холстами, предметы которых стали все более зыбкими и неузнаваемыми. Живопись становится похожа на кино: жанры и техники смешиваются между собой, а границы китча и искусства размыты как никогда раньше. В первой части гида по современной живописи Алиса Таёжная объяснила, что случилось с картинами во второй половине XX века, а теперь на примере самых известных современных живописцев показывает, что писать картины — совсем не старомодно.
Текст: Алиса Таёжная
Предмет
Предмет в современной живописи совершенно не обязательно должен начинаться и заканчиваться на холсте, может существовать без тени и четкого очертания и вообще не ставит целью напомнить какой-то предмет или опровергнуть канон того, как рисовались предметы.
Временами он настолько неуловим, что догадаться о нем можно только по надписи. Предмет без функции, но в контексте — наверное, таким было бы общее описание вещей в живописи здесь и сейчас.
Criss Canning, Arthur Merric Boyd Coffee Set, 2003Michael Craig-Martin, Knowing, 1996Susan Rothenberg, With Martini, 2002 Wayne Thiebaud, Cakes, 1963 Cindy Wright, Eat, eat, eat, 2007Luc Tuymans, Plates, 2012William Scott, Bottle and bowl, blues on green,1970
Человек
Портретное сходство остается уделом фотографии (и уже даже не как искусства, а как молчаливого регистра в фейсбуке или айфоне). Эмоция человека совсем не обязательно должна быть изображена в пределах лиц и тел — как смотрят на нас мускулистые мужички с полотен Машкова или Фрида со сросшимися бровями. Что же теперь рисует художник, когда рисует человека? В первую очередь — его человечность, нечто живое и неуловимое, что присуще только существам, которые умеют дышать. Направления жестов, полуповороты тела, акценты поз, тона теплокровной кожи, штрихи одежды — и незавершенность портрета почти всегда становится не только высказыванием, но и знаком качества.
Richard Phillips, Spectrum, 1998Martin Kippenberger, Untitled from the series Jacqueline: The Paintings Pablo Couldn’t Paint Anymore, 1996Marlene Dumas, Emily, 1984-1985Gary Hume, Young Woman,1998 Ellen Gallagher, Mr. Terrific, 2004-2005Elizabeth Peyton, Jarvis, 1995Francis Bacon, Head III, 1961Kehinde Wiley, Rubin Singleton, 2008Lucian Freud, Girl in a Dark Jacket, 1947
Ситуация
Жанровая сцена как раскадровка и застывшая картинка из театра исчезли из современной живописи чуть ли не раньше всего. Даже на мансардах Ренуара девушки в шляпках смотрят не на кавалеров, а куда-то между их трубками, сиренью и небом, и взгляд этот ловить не надо. Ситуация в живописи сейчас — это условно, минимум — живое в мертвом: от собаки на кресле до человека в аэропорту. И те, и другие одинаково плоские — перспектива убивает все: рука начинается или заканчивается в перилах, ноги уходят в лестницу, а волосы сливаются с фоном. Границы иллюзорны, и слияние с поглощением занимают сейчас художников больше всего, ведь аморфность и прозрачность — наша чуть ли не самая новая и интересная черта.
Neo Rauch, Die Fuge, 2007Wilhelm Sasnal, Untitled, 2004Mickalene Thomas, Just a Whisper Away, 2008Karin Mamma Andersson, Scener ur ett äktenskap, 2009Kara Walker, Gone, 1994Eric Fischl, Bad Boy, 1981Daniel Richter, The Entertainus, 2009 Enzo Cucchi, Ondeggiavano, 2007
Линия и форма
Кошмар обывателя — абстракция — продолжается, потому что рисовать нечеткое нечто, которое обретает новую суть через цвет, форму и размах линии — это бестелесная живопись с нуля, без впечатления, живопись из головы, идущая от импульсов. И хотя большинство абстрактных полотен — предмет инвестиций для бесхребетных коллекционеров и унылых банков, лучшие из современных абстракционистов продолжают вычленять из белого шума вещи, которых не существует в осязаемой природе.
Cy Twombly, Leda and the Swan, 1962Roger Hilton, September 1961, 1960 David Malangi, Water Hole, 1994Jasper Johns, The Dutch Wives, 1975Barnett Newman, Vir Heroicus Sumblimis, 1950-1951Brice Marden, The Muses, 1993Raoul de Keyser, Krijtlijnen HV, 1976Olle Baertling, Deni, 1961Lee Ufan From Line, 1979 Ellsworth Kelly, Blue, Green, Red II, 1965Christopher Wool, Untitled, 2007Charline von Heyl, Yellow Rose, 2007Tim Bavington, Voodoo Child (Slight Return), 2001Arturo Herrera, Say Seven, 2000Albert Oehlen, FM 16, 2008
Пейзаж
Природа у современных живописцев — не Божий храм и не мастерская, не декорации и не пастораль, из которой выкурили всех людей.
На планете, где живет почти семь миллиардов человек, природа и среда — универсальная утопия, нарисованная пунктиром, в которой бывали или попадают все. Она без конца и без края, проявляется то в виде полей, то в мелочах — из плоской детской раскраски, где фон и герои не существуют друг без друга. Природа — это огромный человек без глаз и носа, утонувший в обыденности и безвременье.
Edward Hopper, Gas, 1940Hans VANDEKERCKHOVE, The road never ends, 2004Fred Williams, Waterpond in a Landscape, 1966Raqib Shaw, The Garden of Earthly Delights III, 2003Peter Doig, 100 Years Ago, 200David Hockney, A Bigger Splash, 1967John Baeder, Airline Diner, 1987Arthur Boyd, Australian scapegoat, 1987Anselm Kiefer, Paths: March Sand, 1980Milton Avery, Spring Orchard, 1959
Что рисуют художники?
Это тема школьного проекта, на которую мы постараемся ответить.
Изобразительное искусство, пожалуй, древнейшее из духовных проявлений человечества. Ещё в первобытный период появились первые наскальные рисунки.
Уже тогда людям были свойственны эстетические поиски, а стремление к красоте зародилось как потребность выразиться, высказаться, раскрыть своё понимание мира. — Читайте подробнее на FB.ru: http://fb.ru/article/121891/rasskazyi-ob-iskusstve-chto-risuet-hudojnik
Что вижу – то и творю
Так что рисует художник? По сути, то, что видит вокруг себя. Или воспроизводит те моменты, которые случались с ним раньше и произвели на него особое впечатление. В этом случае живописец восстанавливает события, картины по памяти или пользуется эскизами, набросками, этюдами. Таким образом, получается, что рисует художник самые разные явления действительности. В зависимости от того, каким образом он это делает, его творчество относится к реалистическому направлению, фантастике, сюрреализму и т.д. Однако такое объяснение нельзя считать полным. Ведь чаще всего чем талантливее человек, тем более он самобытен, индивидуален, независим в своих взглядах и воззрениях. И запечатлевает на полотне или бумаге не всё подряд, а лишь глубоко затронувшее его.
Потому можно сказать, что рисует художник, если, конечно, он следует своему таланту, а не продаёт себя, не только окружающий, но и свой внутренний мир. Ведь картины в изобразительном искусстве – не фотография. Это художественное произведение, созданное красками и кистями, карандашами и углём, т.е. тем, что является рабочим инструментом мастера. В нём воплощаются мысли и чувства автора, его мечты и надежды, этические, эстетические, нравственные ценности. И ещё один ответ на вопрос «что рисует художник?» может быть таким: свою Вселенную.
Живописные жанры А теперь подробнее о жанрах и формах изобразительного искусства. Живопись делится на станковую и монументальную. Монументальная – это фрески, роспись стен внутри и снаружи помещения. Станковая – это те рисунки, при создании которых автор ставит бумагу или вешает холст на мольберт. Он может работать «на натуре», в помещении – место роли никакой не играет. Что касается жанров – тут тоже есть своя специфика.
Например, художник, рисующий зверей, является анималистом.
Вспомните мультфильмы о животных. Они называются анималистическими.
Портретист – тот, кто работает в жанре портрета. Пушкин кисти Ореста Кипренского – классический образец жанра.
Изображения живой природы переносит на холст пейзажист. Тут на ум приходят работы Шишкина, Левитана, других гениальных авторов. Но так как этот жанр весьма разнообразен в своих проявлениях, то внутри него есть своя градация.
Так, художники, рисующие море, получили название «маринисты» (от «марина» — море). И тут уж не обойтись без имени Айвазовского – именно он в первую очередь прославился в этом жанре из русских художников. Фрукты и цветы в вазах, разные вещи, несвязанные живыми предметами, изображаются в натюрморте. Название жанра так и переводится: «мёртвая природа». Машков с его знаменитой «Клубникой и белым кувшином» — один из самых наглядных примеров.
Историческая тема отражается в исторической живописи. Репин создал гениальное полотно, герой которого, Иван Грозный, убивает своего сына.
Работал в жанре исторической живописи и Суриков (самая известная картина – «Боярыня Морозова»). Жанровая, декоративная, религиозная, архитектурная – таковы известные живописные жанры. В каждом из них оставили свой яркий след русские художники! — Читайте подробнее на FB.ru: http://fb.ru/article/121891/rasskazyi-ob-iskusstve-chto-risuet-hudojnik
Чем рисуют художники | fotoloid.ru
Чем рисовать начинающему художнику. Материалы, используемые художниками.Основным материалом, конечно же, являются краски. Все художники люди и предпочтения у них индивидуальные. Один вообще кистью не пользуется, работает палочками для удаления лишней краски, между прочем, очень даже красиво получается.
Кто-то рисует яркие картины с насыщенными цветами, кто-то мягкие и не контрастные, а кому-то нравится фактурный рисунок с визуализацией каждого штриха.
Гуашь растворяется в воде, после высыхания имеет некоторую бледность, но одновременно обладает бархатистостью. При работе ошибки легко исправляются, нанесением дополнительного слоя, но слишком толстый слой не желателен, потому что потом это место может растрескаться и некоторые фрагменты просто отпадут от основания.
Акварель растворяется в воде, может быть по тону бледноватой или сочной. Акварель в отличие от гуаши прозрачная, то есть сквозь слой просматривается основание. Акварелью обычно пишут воду и то, что в небе. При работе с акварелью ошибки не прощаются, и их уже не исправишь, но многообразие техник делает процесс творения приятным.
Пастель наносят не кистью, этот краситель выпускают в форме мелков. Для получения требуемых оттенков пастель смешивают специальной растушевкой или пальцами. Легко исправляются ошибки, перекрывая дополнительными слоями.
Темпера – это раритет, теперь ее почти не используют, но она самая долговечная краска. Краситель яркий и не меняет первозданный тон со временем.
Темпера, растворимая в воде, но после высыхания не смывается водой. При обладании соответствующего опыта темперой можно получить свойства, присущие акварели или гуаши. То есть она может и прозрачной и не прозрачной. При этом сохранится индивидуальность этого красителя, своя изюминка.
Акрил растворяется в воде, относительно молодая краска, ей всего 60 лет. Образует стойкое покрытие к воде, не выгорает при солнечном свете и не теряет первозданный вид. При жидкой консистенции получается акварельная техника, но можно работать и с густой краской, что дает возможность получить интересную фактуру. Краска легко наносится на любые поверхности – стекло, дерево, керамика, ткань и другие.
Карандаш не растворяется в воде — шутка. Художники обязательно используют его, хотя бы для набросков. А некоторые заканчивают им всю работу. Карандаш дает возможность исправить ошибки, стерев его ластиком. Можно получить тонкие, толстые, серые, черные линии, можно растушевать их. Карандаш различается по твердости, обычно мягкие используют, когда рисунок остается, а твердые — позволяют легко удалить его.
Уголь похож на карандаш, но изображение получается мягче и расплывчатее, что придает свою оригинальность рисунку. Уголь дает глубокий черный цвет, который не получишь карандашом, легче растушевывается. Недостатком угля является его хрупкость, он легко крошится и пачкается, и его уже не сотрешь ластиком.
Сангина и сепия – это натуральные красители. Сангина минерал, им рисовали еще древние люди. Сепию получают из морского моллюска — сепия, отсюда и название красителя. Современные технологии позволяют сформировать из этих веществ мелки разных оттенков коричневого цвета. Художники сангиной обычно пишут обнаженную натуру, а сепией – пейзажи. Техника работы схожа с углем, интересно смотрятся комбинация сангины и сепии.
Тушь – это разбавленная сажа. Особенность туши в ее контрастной выразительности, но при ошибке се приходится начинать сначала – она не стирается.
Масляные краски и живопись неразделимые. С 6-го века художники используют масляные краски. Особенность этого красителя в реалистичности изображения, рисунок получается живой.
Основой могут быть бумага, картон, дерево, холст и другие материалы. Но требуется предварительная грунтовка поверхности.
Кистей для начинающего художника на первое время достаточно трех: №8 для покрытия больших участков с круглым концом, № 6 с прямоугольным концом и №4 мягкая нейлоновая круглая для прорисовки.
Шпатели предназначены для смешивания красок на палитре, некоторые художники ими же накладывают краску на полотно. Имеет длинное лезвие с круглым периметром.
Мастихин — это нож в форме кельмы, которые используется совместно с кистями для смешивания красок на палитре.
Палитра нужна для смешивания красок, подойдет обычная неглубокая тарелка. Деревянную палитру, предлагаемую магазинами лучше не использовать, ибо она впитывает краску, если предварительно не промаслить ее, зато у нее есть отверстие для большого пальца. К палитре крепятся специальные чашечки, в которых содержатся специальные жидкости, например, скипидар.
Банка с плотной крышкой нужна для хранения уайт-спирита, который используется для промывки инструментов и кистей.
Вовсе не обязательно выливать грязный уайт-спирит, через некоторое время краска оседает на дно, достаточно перелить чистую жидкость в другую посуду, а осадка избавиться.
Хлопчатобумажные тряпки нужны для быстрого удаления краски с кисти, когда нужно взять другой цвет.
Специальные жидкости. Кроме уайт-спирита художники используют скипидар для разжижения красителя. Существует разбавитель «Сонет», который не имеет специфического запаха.
Холст бывает уже с грунтовкой, его основа льняная ткань, остается только натянуть холст на раму. В задней части рамы должны быть специальные клинья для подтягивания холста, ибо он провисает из-за пропитывания красками или влажным воздухом мастерской. Бывает, что холст наклеивают на картон, чтобы избавиться от провисания.
Мольберт. Оказывается при работе с масляными красками, поверхность должна быть вертикальной, это обеспечивает мольберт. Можно, конечно, просто прислонить картину к стене, но это как-то не профессионально и похоже на фотографирование без штатива в студии.
Лак применяется на заключительном этапе, когда картина полностью высохнет, порой ждать приходится несколько месяцев. Лак наносится в два слоя – первый состоит из скипидара и живописного лака в равных пропорциях, второй слой – неразбавленный лак. Лак наносят мягкой широкой кистью в горизонтальном положении картины. Второй слой наносят после полного высыхания первого слоя, примерно через час. Лак защищает картину от разрушения и изменения оттенка под влиянием окружающей среды, хотя этого не достаточно. Даже обработанные лаком картины требуется хранить при определенной влажности, температуре и освещенности.
Почему некоторые художники помимо картин рисуют «красивые открытки» — Российская газета
Алексей Плешков — удивительный художник. Его картины словно окна в другой мир — мир природы глазами ребенка, возвращающий взрослым то, о чем мы давно забыли. Мы встретились с Алексеем в его мастерской, расположенной в центре Орла, и побеседовали о жизни, творчестве и пути художника в провинции.
Алексей, в вашей семье никто не занимался живописью. К тому же время выбора профессии у вас пришлось на конец 1990-х, когда стереотип «бедного художника» прочно сидел в сознании большинства. Как родители отнеслись к вашему решению?
Алексей Плешков: Удивительно, но вполне спокойно. Хотя в школе мне хорошо давались математика и физика, родители не стали препятствовать, а даже поддержали мое поступление в Орловский госуниверситет на художественно-графический факультет. До этого я учился в художественной школе, с детства любил рисовать — другого дела для себя не представлял.
Сколько времени занял путь из учеников в профессионалы?
Алексей Плешков: После института трудился дизайнером в издательстве — нужно было зарабатывать на жизнь. Писать стал мало, все силы уходили на создание полиграфии. Довольно быстро достиг потолка и понял, что утрачиваю умения и навыки художника. У нас это происходит быстро — если не работать каждый день, начинаешь замечать, что рука не слушается, краски смешиваются хуже, сложно выбрать мотив.
Чтобы найти свой язык, нужно много писать — это настраивает душу, как музыкальный инструмент, приводит к нужным эмоциям, и ты способен передать их зрителям. Приняв решение уйти из типографии, параллельно начал преподавать в художественной школе, искать, совершенствоваться, постепенно выходя на новые уровни мастерства.
Обычных художников и дилетантов, которым интернет-технологии дали доступ к широкой аудитории, сейчас очень много. Как вы относитесь к наплыву «лубков»?
Алексей Плешков: Спокойно. Потому что немало и прекрасных художников, а интернет дал им возможность показать свои полотна. Конечно, в сети много работ непрофессионалов, у которых встречаются иногда весьма интересные идеи. Но обычно людям не хватает грамотности, мастерства, чтобы передать то, что они задумали и почувствовали. Владение ремеслом позволяет сказать больше: когда есть мастерство, художник отбирает единственно верные средства, приемы, создает композицию, отсекает все лишнее и входит в резонанс с внутренним миром зрителя.
Тогда и появляется то неуловимое ощущение, которое мы описываем словом «цепляет».
Не могу не спросить: художник обязан быть голодным, чтобы писать хорошо, или эта фигура речи уже не имеет смысла?
Алексей Плешков: Всем известен штамп про нищего и почти вечно пьяного художника с Монмартра, картины которого взлетают в цене до небес после его смерти. Хотя такие случаи известны, цель быть нищим при жизни вряд ли кто-то ставил всерьез. Каждый хотел быть понят, хотел найти своего зрителя. Вопрос в другом: живопись — это язык, который нужно учить. У каждого художника свое видение мира. Но если литературу, ее язык и историю, мы хоть как-то изучаем в школе, то язык живописи не преподают широко, серьезного интереса у общества к нему нет. Это приводит к тому, что многие «художники» рисуют «красивые открытки» низких художественных достоинств. И соответственно находятся те, кто их покупает. А настоящая картина может годами пылиться в мастерской, не находя своего зрителя.
Если раньше одни художники организовывали передвижные выставки, а другие — салоны и так продавали свои полотна, то как продвигаться сейчас? И можно ли жить на средства с продажи настоящих картин?
Алексей Плешков: По порядку. Участие в выставках стоит дорого. Для многих художников из провинции московские выставки невыгодны: вложения серьезные, а гарантий, что продашь картину, нет. Проект «Художник» — долгий по времени и затратный, если посчитать, сколько денег нужно на материалы, на аренду мастерской и так далее, плюс самый ценный ресурс — время. Результат и коммерческая состоятельность же непредсказуема, потому что талант, умноженный на ежедневный труд — это еще не все. Нужно умение преподнести свои работы, продвинуть, удачное стечение обстоятельств, везение, наконец. Но благодаря современным технологиям нам живется проще, чем 50-100 лет назад. У меня есть сайт, на котором собрана галерея моих работ. Есть страницы в социальных сетях — периодически я там устраиваю всевозможные акции и распродажи, мои картины покупают, это основной источник моего дохода.
Так что художник может своим творчеством жить и кормить семью.
Справка «РГ»
Алексей Плешков родился в 1978 году в городе Орле. Окончил художественно-графический факультет Орловского государственного университета. Основная тема творчества — русская природа. Участник региональных, всероссийских и международных выставок, член Союза художников России с 2008 года. Картины Плешкова находятся в Российском Фонде культуры и в частных коллекциях в России, Украине, США, Голландии, Франции.
стоковые картинки, бесплатные, роялти-фри фото D1 85 d1 83 d0 b4 d0 be d0 b6 d0 bd d0 b8 d0 ba d1 80 d0 b8 d1 81 d1 83 d0 b5 d1 82 — ISaloni — студия интерьера, салон обоев
Это не фотографии: художник рисует гиперреалистичные картины
Автора этих работ зовут Игаль Озери. Он — израильский художник, сейчас проживающий в Нью-Йорке. Он рисует гиперреалистичные картины, которые попросту невозможно отличить от фотографии. В центре его творчества находятся прекрасные молодые девушки на лоне нетронутой природы.
Так художник пытается подчеркнуть прекрасное сочетание женской и природной красоты.
Это не фотографии: художник рисует гиперреалистичные картины
Пишет Озери в стиле гиперреализма. В этой технике преследуется единственная цель — изобразить так, чтобы была максимальная реалистичность и чтобы нельзя было отличить картину от фотографии.
Для подобного исполнения требуется недюжинный талант. Мало кто умеет рисовать гиперреалистичные картины.
Популярные статьи сейчас Показать еще«Мои работы посвящены красоте, — говорит Игаль Озери. — Я стараюсь вернуть живописи интимность, и мне нравится исследовать глубины романтизма. Мои работы изображают женщин, живущих на природе без скверны. Это для меня самое важное и представляется мне более радикальным, чем нынешняя мода на приукрашенное насилие и разрушение».
Рисует Озери не с натуры, так как это через чур сложно, занимает много времени, и модели просто не смогут так долго находиться в одном положении.
Поэтому Игаль Озери сначала делает фотографии девушек.
После этого художник развешивает фотографии в мастерской. И потом уже по ним пишет свои картины.
Игаль использует в работе только холст, кисти и масляные краски. Никакими другими инструментами он не пользуется.
Картины израильского художника обманули уже не одного зрителя, ведь их практически невозможно отличить от фотографии.
«Женщины всегда были важнейшими персонажами в истории искусства, — говорит художник о том, что его вдохновляет. — От «Мона Лизы» до «Девушки с жемчужной сережкой» они обладают бесспорной силой».
Игаль Озери за работой:
Игаль Озери
Потрясающие органические дома: теперь можно жить в «норе хоббита»Также смотри фотоподборку корейского художника, который рисует гиперреалистичные картины. Они настолько похожи на фотографии, что даже невозможно догадаться, что это рисунок красками, а не фото. Художник из Южной Кореи Ён-Сун Ким сам признается, что порой не может отличить собственные работы от фотографий.
Сейчас этот человек является самым востребованным и дорогооплачиваемым художником в мире, а за его картинами выстраивается очередь из очень обеспеченных покупателей. Он практически не спит, все время рисует и зарабатывает баснословно много денег.
А еще тебе будет интересно увидеть живые скульптуры, которые создает талантливая скульптор из Китая. Ее девушки, созданные из камня, настолько реалистичны, что кажутся живыми. Одежда на них ниспадает, а волосы развиваются от ветра, будто настоящие.
Больше интересных материалов можно читать на Clutch.
Еще редакция Сlutch cоветует прочитать:
Цепляют за живое: ТОП-5 фильмов, которые нужно посмотреть каждой женщине
5 мифов о вине, которые пора забыть
Выбрать вино в три шага: о чём вам расскажет этикетка
Леся Никитюк и бренд glo™: новое яркое партнерство
Cамые интересные новости с 74 Каннского кинофестиваля.
Мифы из прошлого: ТОП-5 продуктов, которые нельзя хранить в холодильнике
Гниль в кишечнике, запах изо рта, отказ почек: диетолог рассказала правду о популярных диетах
На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее
Друзья мои, а вы задумывались над философским вопросом: что первично холст или кисть? Я думаю, что сначала мы выбираем на чем рисовать, а уж затем подбираем инструмент для творчества.
А у вас какое мнение?
И если с кистями все более-менее понятно, я даже как-то написала об этом информационную статью, то с поверхностей для живописи оказалось очень много!
Итак, на чем рисует художник, прежде всего зависит от задачи, которая стоит перед ним на данный момент. Если он пишет картину, то скорее всего, выберет холст необходимой фактуры и размера. А если пишет этюд, набросок для будущей работы, воспользуется картоном или бумагой для живописи.
Я рисую натюрморт с вином и скульптуркой на холсте
Если посмотреть вглубь вопроса и копнуть историю, то в качестве основы для живописи художники использовали абсолютно разные поверхности. Например, камень, дерево, металл, пергамент, холст… И можно бесконечно продолжать! Иногда художники рисуют даже на бумажной салфетке! Ну если вдохновение неожиданно посетило!
Мне тут вспомнилась забавная история про художника и бумажную салфетку, за достоверность которой я не ручаюсь. Возможно, это просто легенда, но право, очень любопытная!
Однажды Пабло Пикассо, уже будучи заслуженным состоявшимся художником, пил кофе в испанском кафе и что-то рисовал на салфетке.
Возможно, в этот момент у художника появилась интересная идея, у творческих людей такое случается!
А напротив Пикассо сидела женщина, которая с почтением и интересом наблюдала за ним. Когда художник собрался уходить, его поклонница попросила продать ей салфетку с наброском, заметив, что заплатит за эскиз.
«10 тысяч долларов», — не моргнув глазом назвал цену Пикассо. Женщина возразила: «Как? Всего за 2 минуты, которые вы потратили на рисунок?» На что художник ответил: «Вы ошибаетесь, на этот рисунок ушло более 60 лет»
Вот, оказывается, насколько ценным может быть набросок на бумажной салфетке! Как вы понимаете, это шутка, но в каждой шутке можно найти долю истины.
А теперь вернемся к нашей теме: на чем рисует художник, исторические факты. Вероятно, вы знаете, что знаменитая Мона Лиза Леонардо да Винчи написана на деревянной панели из тополя.
Дерево или деревянная панель для живописи масляными красками использовалась довольно давно. Чаще всего брали тот вид древесины, которая произрастала в данной местности.
А еще известно, что древние римские художники использовали деревянные панели из кедра или липы. А западноевропейские писали свои шедевры на досках из тополя, бука или каштана.
Кедровая доска под живопись
Фламандские художники в качестве основы для живописи брали древесину красного дерева и дуба. А русские живописцы использовали свои деревья: сосну, ольху или березу. Кстати, известнейший шедевр Андрея Рублева «Троица» написан на сосновой доске)
В те времена деревянная панель изготавливалась как из цельной древесины, так и могла быть скрепленной или склеенной из отдельных дощечек. И с тех пор ничего не изменилось, в настоящее время тоже популярны картины масляными красками, написанные на дереве или на деревянных дощечках. Тут, как говорится, все зависит от задумки художника, ну или от спроса заказчика.
Из истории возвращаемся к тому, на чем рисует художник в наше время.
В первую очередь, конечно — холст на подрамнике. Холсты бывают разными по материалу изготовления: льняные, коттоновые, синтетические, а также из смесей этих волокон.
Так же есть отличия по величине зерна, этот показатель определяет гладкость поверхности для живописи.
Я заканчиваю картину на льняном холсте
Хочу добавить, что качественный хост удовольствие не из дешевых, особенно что касается льняных холстов. Но есть же и эконом варианты, о которых я вам сейчас расскажу.
На чем рисует художник картины, если не желает тратиться на дорогие холсты? Вполне можно использовать как поверхность для масла или акрила холст на картоне. Результат точно такой же, не отличишь! А есть еще и плюсы, если художник пишет картину в пастозной технике, то холст на картоне отлично держит массу красок, не деформируясь под их тяжестью. То есть не провисает, как может случиться с коттоновым холстом.
Пример моих картин / холст на картоне
Я знаю, что существует мнение, что живопись на холсте, это настоящее произведение искусства, без подделок и фальсификаций.
А как же тогда все наши мастера, о которых я упоминала ранее, они ж вообще писали на деревянных панелях? Думаю, что возник такой современный стереотип: живопись только на холсте, а все остальное бяка.
Еще экономнее вариант — писать картины на оргалите или ДВП. Древесно-волокнистая плита, так полностью звучит название этого материала, изготавливается методом горячего прессования. Сырьем для изготовления служат отходы деревообрабатывающей промышленности, целлюлоза или стебли тростника, а также связующее вещество.
Пример моей работы на оргалите
ДВП для живописи продается с грунтом и без него. Еще один приятный бонус: одна сторона ДВП гладкая, а вторая тисненая, очень похожа на переплетение холста. Если хорошенько загрунтовать рифленую поверхность, то отличить её от настоящего холста практически невозможно.
Рождение парусника мастихином на ДВП
Если вы новичок и стоите перед выбором на чем рисовать начинающему художнику, отдавайте преимущество картону.
Он дает возможность попрактиковаться, прокачать способности и научиться новым техникам живописи не в ущерб кошельку.
Только не впадайте в комплексы, профессиональные художники тоже рисуют на картоне! Да, он недолговечен, но от этого результат работы не становится хуже
На чем рисует художник картины и этюды или как выбрать картон для живописи:
- художественный картон отличается плотностью, она должна быть около 1000г/м2
- картон для рисования может быть с грунтом или без него
- грунтованный картон для живописи бывает одно и двухсторонний
На чем рисует художник, если надо разработать эскиз картины?
Есть также художники, что пишут этюды и даже картины на упаковочном плотном картоне. Это такой твердый проклеенный картон, который можно загрунтовать и применять для живописи маслом. К примеру, если надо разработать эскиз для будущей картины или попрактиковаться в написании какого-либо объекта необязательно использовать холст.
Если вы хотели бы продать свою работу/ экскиз, то лучше предлагать покупателю не картон в чистом виде, а холст на картоне. Он легче по весу и отправить его получиться дешевле)
Мои цветочные миниатюры мастихином/ холст на картоне
Кстати, такие мини холстики я делаю сама, они отлично подходят под живопись мастихином!
Друзья, за несколько лет я написала более 100 статей с видео. Не стесняйтесь читать статьи, ведь они написаны для вас)) Для удобства в поиске они собраны по тегам:
Масло
Акрил
Холст
Арт своими руками
Современная живопись
Фитнес для мозга
Остальные Теги по статья вы можете найти с правой стороны на сайте
Еще для обучения живописи маслом новичку отлично подойдет и специальная бумага для масла и акрила.
Как выбрать бумагу для живописи:
- почитать маркировку, «бумага для масляной живописи», именно так должно быть написано
- обратить внимание на её плотность, она должна быть не менее 300г/м2
- рекомендуется выбирать бумагу для живописи с рельефной текстурой, напоминающей холст
Напоследок хочу заметить, что в творчестве не главное на чем рисует художник. Куда важнее настрой, желание и вдохновение!
Мое видео — Как я рисую большие картины на примере одной из них
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
Рисовать с натуры или по фотографиям? «За» и «против».
Янв 28, 2019
in Полезные статьи по рисованию by Марина ТрушниковаРисовать с натуры или по фотографиям? “За” и “против”.
В очередной раз получив от учеников вопрос “Можно ли рисовать по фотографиям?”, я решила написать по этому поводу статью, чтобы раскрыть свою позицию.
Когда я встречаю где-нибудь на художественных форумах, как бывалые художники учат новичков, что рисование по фото – дурной тон, что делать этого ни в коем случае нельзя, то понимаю, что такой художник либо является только теоретиком от искусства, либо просто лукавит.
Предполагается, что можно рисовать только с натуры и на пленэре? А все остальное – жалкая подделка под природу?
Но давайте вспомним, что пленэр вошел в историю живописи не столь уж давно. Рисовать на природе художники начали только в 19 веке! Да, и фотографии тогда не было, рисовали по памяти. Но столь уж сильно потеряло искусство, заменив память художника на фотографию? Ведь память – вещь избирательная, всех деталей не запечатлеет.
Кроме того, в некоторых случаях, работа на пленэре для самой техники письма является не лучшими условиями. Той же акварелью, к примеру, зимой на морозе не порисуешь – вода замерзает…
Тем не менее, я не хочу сказать, что рисовать по фотографии можно и нужно.
В этом вопросе, мне кажется, нельзя быть категоричным. Как и во многих вещах, здесь есть свои “за” и “против”. Попробую раскрыть эти моменты.
Рисовать с натуры или по фото: “за” и “против”.
Фотография “одноглаза”, отображает объект более плоским, чем видит глаз.
Действительно, если вы посмотрите на какой-то близкий объект сначала двумя глазами, а потом одним, то увидите, что предмет стал “менее живым”, менее объемным.
Рисуя с натуры, мы можем передать это впечатление объема, а, рисуя по фото, лишаем рисунок части “жизни”.
Рисовать по фотографии легче, особенности объема виднее.
Для начинающих рисование по фото – спасение. Здесь они наглядно видят объем на двумерной плоскости листа, могут анализировать какой цвет они видят на том или ином участке картины и без потерь переносить эти впечатления на двумерный же лист бумаги.
Передача же зрительных ощущений от 3D объекта часто вызывает ощущение потерянности и бессилия.
Как следствие, многие люди бросают рисование, отчаявшись разобраться с передачей объемной формы на плоском листе.
Фотография на первом этапе обучения – отличный помощник. Но не стоит застревать на этом этапе. Лучше рисовать с натуры и по фотографии одновременно, чтобы иметь возможность понять, как и что видит глаз на натуре.
Фотография искажает размеры предметов дальнего плана.
Думаю, вы замечали, что при попытке сфотографировать пейзаж, где есть глубина пространства, вы просто теряете объекты среднего плана. Они сильно сжимаются в высоту. Так, поразившие вас высокие горы, на фото выглядят лишь холмами. А тропика в поле, которую видит глаз, на фотографии просто исчезает.
Фотографии можно сделать в условиях, не подходящих для пленэра.
И это, я бы сказала, огромный плюс. Фотоаппарат позволяет нам запечатлевать те пейзажи, в которые художнику со своим мольбертом не попасть. А ну-ка попробуйте порисовать на вершине Эльбруса или посередине оживленного шоссе, в лютый мороз или под дождем! Только фотоаппарат сохраняет для искусства эти образы.
Фотография статична.
Человек же воспринимает мир не только глазами, но и всеми остальными чувствами. И может передать это в картине.
Фото способно запечатлеть мимолетную натуру.
Есть моменты, когда натура просто не будет позировать художнику. Летящая птица, животное в прыжке, сверкнувшая молния, да даже просто быстро увядающие цветы – все это сохраняет для нас фотография.
Фото не передает тонкие оттенки цветов.
Да, фотография изменяет цвет, делает его проще, сближая тона. И в целом краски на фото совсем не те. И против света фотография засвечивается, нужно быть семи пядей фотографом, чтобы сделать качественный, близкий к реальности снимок…
Фотография допускает эксперименты с цветом.
Вы можете экспериментировать с фото, придавая ему разную насыщенность, меняя оттенки цвета, придавая при этом разное настроение мотиву. Так серенький невзрачный пейзаж может стать таинственным, мистическим или ярким и праздничным.
Ни одно фото не даст столько впечатлений и адреналина, как работа на пленэре.
Да, это прекрасно – сидеть на полянке, слушать пение птичек, сливаясь воедино с природой. При этом в душе наступает особое состояние, за которым художники вновь и вновь едут на пленэр. И не важно, что картина на пленэре в 90% случаев – лишь подсобный материал, который, возможно, никогда не станет картиной, но зато какой приятный процесс!
Фотография запечатлевает детали.
Ну, это уже слабый плюс по сравнению с аргументом выше. Просто в дополнение к этюду, написанному на пленэре, фотография станет хорошим дополнением. Лучше сделать несколько фотографий и общего плана пейзажа, и отдельных его деталей. В совокупности с пусть даже простеньким этюдом на пленэре это станет огромный подспорьем при работе в студии, для создания солидной картины.
Как видите, у фотографии, как источника для картины, есть немало плюсов. Вряд ли современное искусство может совсем обойтись без фотографии.
Да и для чего вводить ограничения? Ведь важно не как ты рисуешь, а что получаешь в результате.
Поэтому рисовать с натуры или по фото – каждый выбирает для себя сам.
Я “ЗА!” пленэр и “ЗА” фотографию.
А что выбираете вы? Напишите в комментариях!
* статья проиллюстрирована фотографиями из наших арт-путешествий:
Если материал вам понравился, поделитесь им с друзьями!
ТОП-5 популярных материалов блога:
Антон Воробьев: «Я пишу картины, которые бы радовали людей»
11.12.2020, /=РО=/Антон Воробьев – молодой талантливый ростовский художник, который пишет портреты, натюрморты, пейзажи, занимается декоративной росписью стен. По его словам, он может взяться за любую работу и превратить даже скучную идею в нечто интересное и достойное внимания публики.
На страничке Антона в Instagram можно увидеть красочные пейзажи, портреты, натюрморты, а также фотографии декоративной росписи стен.
Последним он начал заниматься, когда уже жил в Ростове. Одной из первых таких работ стало оформление стены в Ростовском зоопарке несколько лет назад. После этого в составе коллектива художников он украшал павильон на Центральном рынке. Его руками расписаны стены в нескольких детских садах, спортивная площадка одного из лицеев города. Конечно, поступают заказы и от людей, которые просто хотят украсить свой дом.
Фото: instagram.com/art_vorobiov
Кроме декора стен, Антону часто заказывают портреты. По словам художника, многие портреты он рисует с фотографий, но написанные с натуры картины живее и интереснее. Кроме того, в этом случае у художника есть возможность разглядеть больше нюансов в постановке.
— С натуры писать в целом интересней, чем с фото, но определенный опыт работы с фотографией позволяет создать красивую картину в любом из случаев, — говорит Антон.
Фото: instagram.com/art_vorobiov
Рисовать Антон Воробьев начал с тех пор, как научился в детстве держать в руках карандаши и фломастеры.
Детское увлечение сына горячо поддерживала мама. Любовь ребенка к рисованию привела его в художественную школу в городе Гуково, где он жил с семьей. Бывает, что после окончания школы у многих пропадает страсть к увлечениям детства, но Антон не только не бросил живопись, но стал студентом Ростовского художественного училища имени М.Б. Грекова, где проучился пять лет.Особое место в творчестве Антона занимает пейзажи, хотя, по признанию художника, заказывают их не так часто, как портреты. В пейзажной тематике преобладает образы величественных гор, моря, просторных равнин, прохладного леса. Большинство картин написаны яркими сочными красками, и даже через мрачные тучи порой проглядывают лучи солнца. Изображение природы – это тот случай, когда человек может отдохнуть душой, созерцая нечто красивое, считает художник и изображает места, которые в обычной жизни человек не имеем возможности наблюдать.
Фото: instagram.com/art_vorobiov
— Творчество многогранно, иногда художники показывают отвратительные вещи, на которые не хочется даже смотреть.
Кроме того, в нашей жизни много негатива, которое очень хочется сгладить. Поэтому я склонен делать такие картины, которые бы радовали людей, создавали приятные эмоции, — объясняет Антон. — Хотя иногда бывает настроение внести в свое творчество нотку драматизма. Есть тема, которую я бы хотел раскрыть на холсте – это природные пожары. Хочется показать халатность человека к природе, что иногда выражается в равнодушной жесткости к животному миру.
Среди работ художника можно встретить изображения популярных мест Ростова, например, вид на Собор Рождества Пресвятой Богородицы и на Соборный переулок. Антон стремится показать порой серый, сухой, скучный город ярким и восхитительным, «чтобы у человека появилось желание повесить эту картину в своем доме». По словам Антона, презентовать популярные у горожан и туристов ростовские места сложно – настолько они стали обыденными. Но за счет игры света и ярких красок удается придать этим местам новое интересное звучание. Большой город часто давит и редко ассоциируется у людей с отдыхом.
Хотя есть места, такие как родник Сурб Хач рядом со старой церковью или Щепкинский лес, где можно побыть одному или с близким человеком, поразмышлять, отдохнуть.
Фото: instagram.com/art_vorobiov
— А какие художники вам нравятся?
— Иван Айвазовский, с творчеством которого я познакомился еще в детстве. Чем старше я становился, тем больше старался постичь его творчество, раскрыть для себя его работы. Признаюсь, что некоторых вещей до сих пор не понимаю, хотя картины Айвазовского достаточно понятны для зрителя — он очень изящно, тонко и подробно пишет. Мне нравится большие форматы его полотен, которые словно поглощают тебя, ты будто бы попадаешь в эту среду и растворяешься в ней, — рассказал художник.
Кроме Айвазовского, Антон интересуется творчеством польского художника Генриха Семирадского, российского живописца Архипа Куинджи и ряда других мастеров, которые имеют опыт в искусстве и действительно заслуживают внимания. Ростовчанин вдохновляется и работами современников, достойными представителями позитивной живописи.
— Отпечаталось ли творчество этих художников в ваших картинах?
— Думаю, да. Любой, кто занимается живописью, ориентируется на труды прошлых поколений мастеров. Те особенности, которые им по душе, они раскрывают в своих работах, — говорит Антон. — Мы живем в среде, которая так или иначе влияет на наше творчество, мы опираемся на опыт, но при этом ищем что-то новое. И если это новое удается найти и привнести в жизнь, это замечательно.
ТОП-8 художников, работающих в технике гиперреализм
Вы смотрите на фотографии, но, прочитав описание, понимаете, что на самом деле это – картины. Художники-гиперреалисты создают волшебство на бумаге. Рисуют и красками, и карандашами… Их картины не отличить от фото. Это искусство, которое умеет удивлять.Что такое гиперреализм?
Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть. Приставка «гипер» означает – больше, чем реализм. Стиль возник под влиянием фотографии – художники решили проверить свое мастерство: получится ли нарисовать картину, которая будет выглядеть как фото? И у многих получается.
Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих полотнах скрыта некая загадка.
1. Лучано Вентроне
Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета».
На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.
Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.
Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.
В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.
Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.
Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.
Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.
2. Сергей Гета
Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах.
Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.
Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.
Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.
Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.
Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.
3. Патрик Крамер
Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше.
Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне…
Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.
4. Гарриет Уайт
Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.
Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.
Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.
Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.
5. Сюзанна Стоянович
Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.
Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.
Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:
Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию.
Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:
Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.
6. Эндрю Тэлбот
Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.
В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.
7. Рафаэлла Спенс
Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.Подобные работы вызывают искреннее восхищение.
Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.
А это небо над городом никого не оставит равнодушным:
8. Янни Флорос
Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.
Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.
Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.
Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть фильмы, в сюжет которых положена их биография.
Картины девушек. Фото.
Как рисуют девушек художники разных стран мира.
Американский художник Джереми Манн рисует картины девушек, городские пейзажи, натюрморты и другое. Благодаря впечатляющим навыкам в классической живописи, он стал выдающейся личностью в мире искусства и получил высокую оценку зрителей, критиков и коллекционеров. Художник живет и работает в Сан-Франциско. Свой стиль он сам называет: «современный импрессионизм, передающий незримые стороны предметов». «Благодаря расположению фигур, деталей, форм, линий и баланса, я пытаюсь описать неописуемую реальность», — сказал художник о своей технике.
Картина с изображением девушки, французского художника Pascal Vilcollet. Работа, не имеющая определенных границ между реализмом и абстракцией. Она, еще раз, указывает на потрясающее живописное качество крупномасштабных, выразительных картин с изображением чувственного фигуративного ню, созданных парижским художником, в которых преобладают контрастные цвета и необыкновенная техника нанесения краски, используются толстые и интенсивные мазки кисти.
Этот художник пытается использовать кисть как продолжение своего тела, позволяет ей спонтанно вдохнуть жизнь в свое произведение. Также он написал много визуально сильных и контрастных, фрагментированных и реконструированных женских портретов, наполненных подавляющей страстью, нежными эмоциями и увлекательным магнетизмом.
Портрет девушки, картина одного из самых богатых художников Великобритании Дэвида Хокни. Художник также занимается гравюрой, сценографией и фотографией. Он живет и работает в Кенсингтоне, в Лондоне. Его работы продаются на аукционах «Кристис» и «Сотбис» за миллионы долларов.
На фото картина девушки, нарисованная маслом на холсте итальянским художником Аурелио Бруни, мастером гиперреалистичных портретов.
На фото картина девушки, нарисованная канадским художником Беном Туром. В настоящее время он живет и работает в Ванкувере. Его работы выставлялись в: США, Германии и Канаде. Картины и рисунки Бена Тура это, в первую очередь, реальные и вымышленные портреты, образующие своего рода визуальный дневник персонажей, которые произвели на него впечатление и вдохновили.
Изображения, почти всегда, состоят из ключевой фигуры, не имеющей четкого основания, местами, с пятнами нетронутого белого пространства, которое компенсируется плотно детализированными областями, сохраняющими интерес. Тонкие вариации цвета и неожиданные переходы между ними придают фигурам и их окружению преследующую, неопределенную ауру и богатую живописную текстуру. Лица моделируются с использованием диссонансной пигментации и ярких, искаженных контуров. Его портреты не реалистичные, но запоминающиеся. Им присущи притягательность, остроумие и специфичность, без точности передачи визуального образа.
Картина девушки, нарисованная молодой японской художницей Томоко Кашики. Женщина — главный мотив художницы. Она тщательно подбирает каждый элемент картины, основываясь на своей частной философии красоты. Эта философия относится к жестам, выражениям лиц, позам, конкретным объектам, фону, местоположению, ситуациям, пространственному составу, текстуре поверхности, толщине линии, взаимосвязи слоев, степени размытости.
Художница отражает внешние вещи, пропуская их через свои личные субъективные суждения. Томоко Кашики удостоена таких наград как премия «Лучший молодой художник города Киото»; награда Такэси Умэхары, от Киотского университета искусств, поощрительная премия VOCA; Акриловая художественная премия, от японской ассоциации акриловых искусств; премия Ассоциации выпускников Киотского университета искусств, Киотского муниципального художественного музея.
Картина девушки, нарисованная украинским художником Ильей Чичканом. Илья Чичкан один из самых младших в десятке наиболее дорогих украинских художников. Он активно принимает участие в украинских и зарубежных выставках и аукционах. Художник принимал участие в биеннале 2009-го года. В Украине его работы стоят от 17-ти до 20-ти тысяч долларов.
На фото картина девушки, нарисованная польским художником Войцехом Бабски. Его работы диктует его увлечение цветом, иногда светлым и радостным, иногда темным и загадочным. По большей части он рисует женщин, сосредотачиваясь на их эмоциях, он стремится максимально их передать, при помощи самых простых средств.
Художник хочет, чтобы его картины касались зрителей лично. Его глубоко атмосферные портретные работы притягивают взгляды зрителей, заставляя их снова и снова возвращаться к холсту. Войцех Бабски не боится нового и экспериментирует с различными техниками. В последнее время он начал приобретать популярность за рубежом, в особенности в Великобритании, где он успешно продает свои работы, которые уже находятся во многих частных коллекциях. В свободное время он интересуется космологией и философией, слушает джаз.
На фото картина, изображающая девушек, нарисованная белорусской художницей Силивончик Анной, одной из наиболее ярких индивидуальностей среди молодых живописцев Беларуси. Картине присущ самобытный авторский стиль художницы. У Силивончик Анны также много других, не менее достойных картин, изображающих детей, влюбленных, людей-животных, людей-ангелов, мифических существ, таких как единороги, драконы и др. Картины художницы весьма своеобразны, иногда, как будто, отражают сказочный, нереальный мир, их сюжет не лишен фантазии, они наталкивают на размышления о человеческих чувствах и взаимоотношениях, законах природы и мироздания.
Картина девушки – русалки, нарисованная турецким художником Gurbuz Dogan Eksioglu. Художник, не обделенный тонким чувством юмора, рисует карикатурные и философские картины. «Я рисую то, что чувствуют, но не осознают, я и другие люди. Когда я разделяю это, я становлюсь счастливее» — говорит художник.
На фото картина девушки, нарисованная египетским художником Валидом Эбейдом. Художник родом из Каира, рисует в стиле экспрессивный реализм. Walid Ebeid начал рисовать с самого детства. Сейчас его работы выставляются во многих галереях Египта.
Эту картину — портрет девушки, нарисовал китайский художник-акварелист Гуань Вейксинг. В настоящее время художник является директором Ассоциации изобразительных искусств Китая, вице-президентом Китайской акварельной ассоциации, присяжным заседателем Национальной акварельной выставки, и назван мастером изобразительного искусства национального уровня. Его успех в акварели высоко оценивается. Структура его фигур – полная и точная прорисовка, стиль свободный и легкий, цвет элегантный.
На фото картина девушки нарисованная греческой художницей Ирой Тсантекиду. Ее картины эротичны и романтичны, имеют необычную технику и стиль, выполнены с использованием разных материалов и запоминаются надолго. Художница уделяет большое внимание женщинам, их привычкам и женскому флирту. Женщины на ее картинах всегда красивы и ироничны.
Эту картину девушки нарисовал индийский художник Вилас Хормаль. Художник живет и работает в городе Пуна. Он достаточно популярен в своей стране и не только.
Эту картину девушки нарисовал грузинский художник Мурман Кучава. Мастер родом из города Кутаиси. Его работы выполнены в современном стиле и часто нарисованы всего двумя-тремя цветами, созданными из множества оттенков, благодаря чему, они становятся яркими и насыщенными.
На фото картина девушки, которую нарисовал нидерландский художник Корн Аккерс. Художник, родом из города Неймеген, популярен в Нидерландах и Китае. Для создания своих работ он использует различные материалы, фаворитами среди которых являются масляные краски, сухая пастель и графитовый карандаш.
Картина девушки, нарисованная испанской художницей Ингрид Тюзлл. Художница, родом из города Теруэль, имеет популярность на международном уровне. Ее работы, выполненные в основном маслом на холсте, отображают женскую суть, которая находится в гармонии с природой. Девушки, на картинах художницы, довольно красивые, часто изображенные с флорой и фауной, они «дикие сердцем» и способные приручить зверей; они проявляют некоторую храбрость, несмотря на свою уязвимость.
На фото картина девушки, нарисованная швейцарской художницей Барбарой Тосатто. Ее работы тонкие и элегантные. Это эмоционально мощные исследования таких тем, как метаморфоза и борьба ума над материей. Мастерски нарисованные персонажи борются со своими страхами и сомнениями. Художница говорит о своих композициях как о «изображении внутренней битвы» и описывает каждую картину как историю, эмоцию. Несомненно, это способствует впечатляющей чувственности ее работ.
Картина девушки, которую нарисовал израильский художник Нава Абель.
Этот опытный и наблюдательный художник может создать картину более точную, чем фотография — изображение, которое имеет большую жизненную силу и не подлежит ограничениям глубины резкости и фокуса.
На фото картина девушки, которую нарисовала таиландская художница Pitchanan Saayopoua. Она живет и работает в Бангкоке и занимается, в основном, портретной и фигуративной масляной живописью. Также любит работать над различными проектами с другими творческими людьми.
Картина девушки, нарисованная норвежским художником Джонни Эндвиком, одним из выдающихся фигуративных художников своего поколения в Скандинавии. Он изучал работы старых мастеров, что в некоторой степени отразилось на его творчестве. На сегодняшний день, художник является уважаемым педагогом, обучившим в своей школе живописи, в Телемарке, более 700 студентов.
На фото картина девушки, нарисованная художником Дании, Ларсом Магнусом. Он живет и работает в Копенгагене. На создание его образно-абстрактных картин художника вдохновили поп-арт и современное искусство в целом.
Картина девушки, которую нарисовал шведский художник Ниссе Найдеж Оттенхаг. Его картины, выполненные в ярком современном стиле, как будто, излучают свет.
На фото картина девушки, нарисованная австралийским художником Мэттом Мартином, мастером родом из Мельбурна. Его работы это, в значительной мере, сцены из жизни, на которые оказывают влияние кино, фигуративное искусство и сюрреализм.
Картина девушки, нарисованная в стиле пин ап бразильским художником Селсо Анджелини.
Поделись в соц. сетях:
Рекомендуем к прочтению:
Картины известных современных художников. Фото.
Современный художник Павел Кандыба.
Детские рисунки.
Картина, написанная роботом, будет выставлена на аукцион в форме NFT
Человекоподобный робот София (Sophia), созданная компанией Hanson Robotics из Гонконга и первой из роботов получившая гражданство, снова попала в заголовки новостей. Написанная Софией картина скоро будет выставлена на аукцион в форме NFT.
Всего планируется продать три «произведения» такого рода.
Соавтором робота выступил 31-летний итальянский цифровой художник Андреа Боначето, известный портретами знаменитостей, среди которых есть, например, портрет генерального директора Tesla Илона Маска (Elon Musk).
В качестве исходного материала София использовала элементы из произведений Боначето, других картин и собственных рисунков или картин, выполненных на различных поверхностях.
«В моем искусстве мы используем трансформеры и генетические алгоритмы, а также другие виды вычислительного творчества, — так описывает процесс Sophia. — Мои алгоритмы выводят уникальные шаблоны, которых раньше в мире не было. Так что я думаю, что машины могут творить».
Цифровая работа, получившая название Sophia Instantiation, представляет собой 12-секундный файл MP4, показывающий эволюцию портрета Боначето в цифровую картину, и сопровождается реальным изображением, нарисованным роботом-художницей на распечатке её автопортрета.
«Я надеюсь, что людям понравится моя работа, и мы сможем сотрудничать с людьми в новых и интересных направлениях в будущем», — приводит источник слова Sophia.
После аукциона робот изучит лицо победителя торгов и добавит к «произведению» последний штрих.
Робота-художницу представляет американская галерея IV Gallery.
«У Софии такая же неограниченная свобода, как у пятилетней девочки, и у неё нет ограничений на то, что она может делать», — считает директор галереи Винсент Харрисон (Vincent Harrison).
Картина маслом по фото | Instapainting.com
Это нарисовано на холсте?
Картины маслом всегда делаются на холсте. Холст — это тканевый материал, на котором рисует художник. Точный материал варьируется от художника к художнику, но обычно это полиэстер, хлопок или их смесь. Если вам нужно что-то конкретное, укажите это в поле с инструкциями.
Используется масляная или акриловая краска?
По умолчанию используется масляная краска.
Если вы хотите, чтобы художник рисовал акрилом, укажите это в инструкции, и художник сможет вам помочь.
Каковы сроки выполнения работ?
Срок выполнения заказа обычно составляет 5–15 дней, независимо от продукта. Конкретное время выполнения заказа будет зависеть от ваших требований, размера вашего произведения искусства и текущего уровня спроса в нашей сети. Погодные условия могут повлиять на время высыхания масляной живописи. Ускоренная доставка занимает от 3 до 5 рабочих дней, а доставка по тарифу Economy Saver может занять до 4 недель. При ускоренной доставке большинство заказов доставляется к вам примерно через 3 недели после оформления заказа, а при экономичной доставке это может занять 4–6 недель.Запросы на пересмотр и время сушки могут увеличить время обработки. Если вам нужна картина к определенной дате, мы предлагаем гарантированные сроки доставки, выбрав дату крайнего срока доставки при настройке вашей картины. После того, как ваш заказ будет отправлен и мы соберем ответы от реальных художников, вы сможете увидеть их указанное время выполнения работ, основанное на ваших требованиях к заказу.
Какие варианты рамы?
Если вы выберете вариант с рамкой, вы сможете работать с художником, чтобы выбрать подходящую рамку.Поскольку параметры кадра различаются в зависимости от художника, который принимает ваш заказ, вы не сможете увидеть варианты, пока не будет выбран художник. Поскольку художники заказывают их в магазинах обрамления, как правило, для вас можно заказать любой дизайн лепнины.
Вы осуществляете доставку по всему миру?
Поскольку Instapainting.com — это платформа для независимых художников и студий по всему миру, мы всегда можем найти художников, которые могут отправить в вашу страну. Просто введите свой адрес при оформлении заказа! * Обратите внимание, потому что Instapainting.com — компания из США, некоторые страны, попавшие под санкции, не могут использовать нашу платформу (включая, помимо прочего, Северную Корею, Иран, Судан, Сирию и др.)
Где находятся исполнители?
Instapainting.com — это платформа для независимых художников и студий, поэтому мы не нанимаем художников в каких-либо определенных местах.
Художники могут зарегистрироваться и использовать нашу платформу из любой точки мира, если они предоставят образцы портфолио, соответствующие нашим строгим стандартам.У нас есть активные художники, от США до Австралии и во многих других местах. Когда вы размещаете заказ, мы смотрим на ваши требования и подбираем вам заинтересованных художников, которые в конечном итоге раскрашивают и отправляют из своего дома или студии и отправляют прямо вам. Не стесняйтесь просматривать нашу галерею или нашу страницу избранных художников, чтобы найти художников и увидеть их биографии и места проживания. Обычно мы найдем для вас художников, но если вы видите на нашей платформе каких-либо художников, которые вам нравятся, вы можете запросить у них цитаты на странице их профиля.
Получу ли я пробу / предварительный просмотр до начала работы художника?
По умолчанию, если нет инструкций, художник раскрасит вашу фотографию именно так, как она есть. Если фотография не подходит под размер, который вы заказали, они отредактируют фотографию и попросят вашего одобрения перед тем, как начать.
Если у вас сложные или нестандартные инструкции, художник может предоставить вам на утверждение мокап фотошопа, чтобы не было сюрпризов с размерами и положением вещей. Для определенных запросов, таких как создание картины в стиле другого произведения искусства, художник не может выполнить предварительный просмотр, но мы предлагаем избранные художественные стили, от Пикассо до Роя Лихтенштейна, которые вы можете мгновенно просмотреть.Чтобы попробовать это, просто загрузите фотографию при настройке элемента, и вы сможете выбрать и предварительно просмотреть эти стили.
Могу ли я нарисовать себя в другом произведении искусства или картине?
Это популярный запрос, и, конечно же, у нас есть лучшие художники, которые специализируются на этом. Чтобы запросить этот тип живописи, просто загрузите фотографию произведения искусства, которое вы хотите воссоздать, а затем загрузите хедшоты себя или своих объектов в тех же позах и положениях. Затем напишите в коробке с инструкциями, где рисовать каждого человека.
И это не обязательно должны быть другие картины или произведения искусства. Вы также можете рисовать людей на других фотографиях! Вы можете посетить нашу галерею, чтобы увидеть несколько примеров картин, перекрашенных в обратную сторону.
Instapainting
Предварительная информация Общая информация
Если перед заказом вам нужна общая информация, свяжитесь с нами по электронной почте [email protected] (обычно мы отвечаем в течение 1 рабочего дня или раньше) или через чат в правом нижнем углу нашего веб-сайта. Обратите внимание, что наши агенты в чате могут отвечать только на общие вопросы и не имеют возможности запрашивать информацию о заказе или помогать с существующими заказами. Информацию о поддержке по заказу см. Ниже.
Техническая поддержка и поддержка платформы
По вопросам, связанным с веб-сайтом, с нашей платформой в целом или технической поддержкой, обращайтесь по адресу [email protected] Если вы обнаружили ошибку на нашем веб-сайте, мы предлагаем скидку на вознаграждение за обнаружение ошибок за сообщение и помощь в решении проблемы.
Существующие заказы
Поскольку все заказы выполняются напрямую независимыми художниками и студиями, , пожалуйста, обращайтесь напрямую к своему художнику по всем вопросам поддержки, как только ваш заказ будет принят художником .Мы упрощаем контакт с вашим художником через страницу проекта (вкладка сообщений) или отвечая на наши автоматические уведомления по электронной почте, когда они пишут вам. Вы можете получить доступ к странице своего проекта через страницу подтверждения заказа.
Мы рекомендуем вам хранить все сообщения на странице проекта, чтобы мы могли разрешить любые возникающие споры (например, сроки завершения или доставки, особые запросы, о которых вы просили, и т. Д.). Сообщения за пределами нашей платформы (например, телефонные звонки или прямые электронные письма) не будут рассматриваться нашими следователями.
Получить ваш заказ
Вы можете автоматически входить на страницы своего проекта, а также управлять своим заказом и отслеживать его с помощью ссылки подтверждения заказа.
Если вы потеряли ссылку на страницу подтверждения заказа, заполните эту форму, чтобы повторно отправить вам ссылку.
изменения статуса
Ваш художник обновит страницу вашего проекта с указанием предполагаемого времени завершения, как только художник примет ваш заказ. Instapainting не требует от них обновлять ход вашей картины до запланированного завершения.За дополнительной информацией обращайтесь напрямую к художнику.
Информацию о статусе доставки см. В информации об отслеживании на странице вашего проекта. Все доступные статусы немедленно обновляются на странице, когда они доступны.
Изменения в заказе
Если вам нужно изменить детали заказа или адрес доставки до того, как художник примет , обратитесь по адресу [email protected] Может потребоваться дополнительная плата. Укажите идентификатор вашего заказа или отправьте электронное письмо с адреса электронной почты вашего заказа. Если художник уже принял ваш заказ , свяжитесь с ним напрямую через страницу проекта.
Проблемы с вашим художником
Если ваш исполнитель не отвечает (не отвечает вам в течение 2 рабочих дней), не может или отказывается решить проблему или не может выполнить заказ в соответствии с вашим заказом, вы можете связаться с [email protected], чтобы подать спор. Мы незамедлительно начнем расследование и предпримем корректирующие действия, если исполнитель нарушит какие-либо соглашения, заключенные с вами, или нарушит наши условия обслуживания.
Все заказы полностью защищены нами, что означает, что если вы получите поврежденный продукт или художник значительно пропустит срок, ваш заказ будет дисконтирован, перекрашен или имеет право на невозвратный возврат, в зависимости от серьезности их неправильных действий.
Повреждение при транспортировке / недостающие предметы
Все заказы Instapainting.com застрахованы от повреждений во время доставки. Если вы подозреваете или замечаете повреждение вашей картины, сделайте фотографии повреждений упаковки и фотографии повреждений предмета крупным планом.
Тогда просто свяжитесь с нами, и мы сможем подать иск о возмещении ущерба по вашему заказу и предоставить замену картины.
Если ваш художник забыл выполнить часть вашего заказа, например, обрамление, просто свяжитесь с нами, чтобы открыть спор по заказу и получить возмещение за любые не оказанные услуги или предметы, которые не были доставлены.
Free Picture Of Art Painting, Download Free Picture Of An Artist Painting PNG, Free ClipArts on Clipart Library
художник живопись клипарт
рисунок домик клипарт
художник клипарт
живопись клипарт
краска картинки
моя милая графика
Маляр и декоратор
живопись искусство клип арт
картинки
краска клипарт
художник клипарт черно белый png
кисть картинки
кисть и краски клипарт
artwork клипарт
кисть и палитра клипарт
живопись клипарт
художник художник картинки
слез художника
казимир малевиц
Палитрахудожников
мишель фарлонг искусство
картинки
прозрачная палитра красок клипарт
тату машина flash art
оптическая иллюзия лицо иисуса
мультфильм
плакат
друзей.
. . живопись на американском языке жестов
современное искусство
ширли джаффе художник
мультфильм рисунок жирафа
иллюстрация
бутылка с краской клипарт черно-белый
новая жизнь — абстрактное пейзажи
анализ цвета ван гога
без названия от мэрилин монро (мэрилин)
кристофер шерстяной принт апокалипсис сейчас
Скарабей
декоративно-прикладного искусства клипарт
мультфильм
кубизм робот
зеленый / 2 оранжевых x окраска
картина по стеклу павлин контур
лист искусства для средней школы
Хотите знать, кто нарисовал эту картину? Есть приложение (или два) для этого номера
Недавно в галерее Бетти Кунингем в Нижнем Ист-Сайде я заметил поразительную картину: на ней была изображена обнаженная женщина, свернувшаяся у окна, спящая в старом отеле New Yorker Hotel и Empire State. Здание в поле зрения и рыба над ней, висящая или плавающая.Я открыл приложение для смартфонов под названием Magnus, быстро сделал снимок и нажал «Использовать».
Через несколько секунд я получил тот захватывающий, удовлетворяющий щелчок. Приложение нашло совпадение.
Картина была написана Филипом Перлстайном, согласно приложению, известному тем, что возродил традицию реалистичной рисования фигур. Она называлась «Модель с Эмпайр Стейт Билдинг». датированный 1992 годом, размером 72 на 60 дюймов и продавался за 300 000 долларов. Приложение сообщило мне, что в 2010 году оно было продано за 170 500 долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке.Затем Магнус поместил эту информацию в папку с пометкой «Мое искусство» для цифрового хранения — и на будущее.
Magnus является частью волны приложений для смартфонов, которые пытаются каталогизировать физический мир как способ предоставления мгновенной информации о песнях, одежде, растениях или картинах. Сначала появилось Shazam, приложение, которое позволяет пользователям записывать несколько секунд песни и мгновенно определять их. Огромный успех Shazam — его более миллиарда скачиваний и 20 миллионов пользователей ежедневно, а в прошлом году он был куплен Apple за 400 миллионов долларов — породил бесконечные подражания.
Есть Shazam для растений или Shazam для одежды, а теперь Shazam для искусства.
В приложениях, ориентированных на искусство, используются технологии распознавания изображений, каждое из которых отличается особым характером. Магнус создал базу данных, содержащую более 10 миллионов изображений произведений искусства, в основном созданных с помощью краудсорсинга, и стремится помочь потенциальным покупателям произведений искусства ориентироваться на широко известной информационной арене галерей и ярмарок.
Другие приложения ориентированы на посетителей музеев: Smartify, например, использует образовательный подход, объединяясь с музеями, а иногда и галереями для загрузки оцифрованных версий своих коллекций, текстов на стенах и информации о художниках.Google Lens — передовая технология распознавания изображений Google — делает новые набеги на мир искусства. В июне Google Lens объявила о партнерстве с Музеем де Янга в Сан-Франциско, чтобы показать части коллекции музея. В июле Google начал сотрудничество с Wescover, платформой, ориентированной на объекты дизайна, общественное и местное искусство, мебель и ремесла, что позволяет вам узнать название этой анонимной картины в вашем пространстве WeWork или кафе.
Есть некоторые препятствия на пути создания Shazam для искусства.Магнус Реш, основатель приложения Magnus, так сказал: «В мире намного больше искусства, чем песен». Каталогизировать отдельные произведения искусства, основанные в уникальных местах, намного сложнее.
Закон об авторском праве также создает проблемы. Воспроизведение произведений искусства может быть нарушением авторских прав владельца. Магнус утверждает, что, поскольку изображения создаются и передаются пользователями, приложение защищено Законом об авторском праве в цифровую эпоху. Г-н Реш сказал, что галереи и конкуренты жаловались на загрузку изображений и данных в приложение; в 2016 году он был удален из Apple Store на пять месяцев, но Apple в конечном итоге восстановила Магнуса после удаления некоторого спорного контента.
Другая проблема заключается в том, что технология распознавания изображений все еще часто отстает, когда дело доходит до идентификации 3D-объектов; даже известная скульптура может сбивать с толку приложения своими углами, что приводит к бесконечному витку технологий, которые «думают» до бесконечности.
Тогда есть более важный вопрос для этих платформ: какую информацию может предоставить приложение, которое улучшит восприятие пользователем искусства при просмотре искусства? Что на самом деле может добавить Shazam для искусства?
Ответ г-на Реша прост: прозрачность.Галереи редко публикуют цены и часто не предоставляют основной текст на стене, поэтому часто приходится спрашивать название или даже имя художника.
Елена Коэн, бренд-менеджер Colgate-Palmolive, купила свое первое произведение искусства, фотографию, в Frieze после использования Магнуса. По ее словам, перед тем, как попробовать приложение, препятствием было отсутствие информации. «Раньше я ходила на эти художественные ярмарки и чувствовала себя смущенной или стеснительной, потому что ничего не значилось в списке», — сказала г-жа Коэн. «Мне понравилось, что приложение может сканировать изделие и предоставлять вам точную историю его продажи, дату последней продажи и цену, по которой он был продан.Это помогло мне договориться ».
Магнус не дает вам урока истории искусства или даже не дает оснований для краткого изложения произведения; как и Shazam, это небольшой всплеск информации в темноте. Smartify, с другой стороны, хочет применить то, что когда-то входило в компетенцию аудиогида. Поднесите его к натюрморту Gustave Caillebotte, как это сделал я, и приложение предоставит информацию, которая уже размещена на стене, в том числе возможность нажать, чтобы узнать больше. Часть миссии приложения — простота использования и доступность.Люди с нарушениями зрения могут использовать Smartify со встроенными настройками звука на своих телефонах, а приложение работает над интеграцией звука. Приложение элегантное и простое, а источник обычно цитируется и проверяется фактами.
Основное ограничение Smartify состоит в том, что приложение работает напрямую с музеями и работает хорошо только в некоторых местах. Лондонская национальная галерея, где я ее тестировал, была одной из них; не пропустила ни одной картины в постоянной коллекции.
Но в Met, куда Smartify загрузил ограниченный набор изображений, я провел разочаровывающий день, размахивая приложением над картинами, поскольку оно не возвращало даже фактов, которые я мог прочитать в текстах на стенах.
Это, возможно, говорит о том, что даже когда эти приложения создают свои базы данных, некоторые музеи начинают вообще отказываться от приложений. Музей Метрополитен, который с помпой запустил собственное приложение в 2014 году, закрыл его в прошлом году.
«Несмотря на то, что приложение многое делало хорошо, мы хотели создать что-то более плавное», — сказала Софи Андерсен, временный директор по цифровым технологиям в Met. Это переводится в контент, который загружается прямо в браузер вашего телефона в качестве веб-сайта, загрузка не требуется.Точно так же в июле Еврейский музей представил новый набор аудио-туров, все с веб-интерфейсом.
«Несколько лет назад было повальное увлечение приложениями, и теперь все входят в фазу постприложений в музейной индустрии», — сказал Цзя Цзя Фей, директор по цифровым технологиям Еврейского музея.
Она отметила, что подавляющее большинство приложений, которые люди скачивают, не используются на их телефонах. «Вы просто используете свою электронную почту и Instagram».
После нескольких недель опробования приложений для искусства в музеях и галереях, на углах улиц и иногда в кофейнях я обнаружил, что они не улучшают качество моих визуальных встреч.Хотя уровень информации в Smartify довольно высок, когда он работает, я смог узнать больше о конкретных фигурах в J.M.W. «Улисс, высмеивающий Полифема» Тернера — простое действие, когда я поднимаю телефон, чтобы сделать снимок, превратило яркую физическую картину в плоскую репродукцию. Дополнительная информация не стоила того, чтобы передавать мои музейные впечатления через экран.
И телефоны уже повсюду в музеях, превращая посещение в каталогизацию по ходу дела. Г-жа Фэй назвала это «отстойным экраном», и это одна из причин, по которой звук является предпочтительным средством передачи информации в Еврейском музее.Как и сам Shazam, приложения лучше всего использовать для быстрых ответов — спасательный круг в бесконтекстной галерее.
Что это? Сколько это стоит? Кто сделал это? (Здесь Магнус — лидер.)
Шазамификация искусства — это продукт времени, когда информация преобладает над невооруженным глазом. Но приложение не должно быть нашим единственным проводником по визуальному миру. Прогуливаясь по Новому музею с приложением Magnus, я обнаружил, что прохожу мимо картин, не слишком вглядываясь в детали, потому что камера искала меня, а приложение знало гораздо больше, чем я.Это был тот небольшой захватывающий, удовлетворяющий щелчок признания. Остановиться было тяжело.
Картины этого художника, изображающие самого себя, сошли с ума вирусная | В тренде
Вас озадачил этот заголовок? Что ж, скорее всего, эти картины окажут на вас такое же влияние. И оставлю вас под сильным впечатлением. Художник Шеймус Рэй написал серию картин, на которых он изображает самого себя. Произведения искусства не только потрясающие, но некоторые из них могут заставить вас задуматься.
Рэй поделился своей первой картиной из этой серии 17 июля.
«Автопортрет, рисующий себя», — подписал он пост, в котором есть фотография, в которой может казаться, что вы смотрите на художника и его отражение в картине. зеркало.
Он поднял свою работу на ступеньку выше, дополнив ее новой версией, опубликованной на следующий день.
+ +«Идея возникла из-за того, что я рисовал себя через автопортреты за последние несколько лет, и является естественным продолжением этого», — сказал он Hindustan Times, добавив: «Большинство людей правы в том, что речь идет о бесконечности, рекурсии и пространстве / время».
19 июля в Instagram сразу же появилась другая версия. «Я нарисовал картину, на которой я рисую картину, на которой я рисую себя. Холст, смешанная техника », — написал он в подписи к себе.
+ +Но Рэй был далек от завершения. На следующий день он поделился еще одной версией, на этот раз представив свою кошку в миксе.
+ +И, наконец, вот последняя версия, которой он поделился в этой серии… пока что.
+ + Начало? Петля? Бесконечность? Что приходит в голову, когда видишь работы Рэя? Что ж, люди в Instagram оставили массу комментариев к каждому портрету.
«Это бесконечный цикл? Мне это нравится », — написал один человек. «Живопись-начало. Мне это нравится », — поделился другой. «Paintception», — добавил третий.
Наряду с этим люди тоже не сдерживались, когда хвалили работу.
«Заткнись и забери мои деньги», — написал пользователь Instagram. «Я очень заинтересован в этом», — ответил другой. «Абсолютная легенда», — гласит еще один комментарий, мало чем отличающийся от многих других.
Картины, несомненно, стали вирусными, чему художник очень рад.«Я прекрасно отношусь к этой похвале… очень унизительно», — сказал он Hindustan Times.
Что вы думаете об этих портретах?
4 шага к фотографированию вашего искусства как на
Как художники, мы тратим массу времени на совершенствование своего ремесла. И затем, после нескольких часов работы над картиной, измученных и опережающих сроки, мы часто пренебрегаем самой важной частью процесса: фотографированием работы.
Слишком многие из нас теряются, когда дело доходит до деталей, и соглашаются на несколько небрежных снимков перед отправкой работы.
Поскольку художники должны представлять свои работы в цифровом виде для выставок, грантов, переговоров и вашей общедоступной страницы профиля, хорошая фотография предлагает первое впечатление о вашем искусстве и вашем профессионализме.
Мы часто видим художников с невероятными произведениями искусства, но есть изображения, снятые в тускло освещенной, неряшливой обстановке, искажающей исходные произведения искусства.
Знание того, как правильно сфотографировать свою работу, может означать разницу между принятием на выставку или завоеванием благосклонности важного клиента или директора галереи.
Мы составили несколько рекомендаций по фотографированию ваших работ, чтобы вы могли начать фотографировать как профессионал.
Ховард Шерман показывает, как он документирует свою работу в своем аккаунте в Instagram.
Справа «Острое сообщество нетрадиционных типов». 1. Повесьте произведение искусства на стену Мы регулярно видим сфотографированные произведения искусства, прислоненные к стене и снятые под углом. Найдите стену нейтрального цвета (белая, черная, серая) и повесьте свою работу на такой высоте, чтобы ее середина была параллельна месту, где будет находиться ваша камера — либо на штативе, либо на столе или другой поверхности.
2. Осветите свою работу должным образомЕсли вы снимаете свою работу в помещении, делайте это в комнате с большим количеством окон и естественным освещением. Некоторым художникам также нравится фотографировать свои работы на открытом воздухе в пасмурную или пасмурную погоду, поскольку наилучшее освещение обеспечивает непрямой солнечный свет. Естественный свет может быть прекрасным способом сфотографировать вашу работу, если он непрямой.
Если погода не благоприятствует или если вы приближаетесь к позднему сроку, вам нужно будет установить комплект освещения. Хорошая новость в том, что вам не нужно тратить кучу денег на профессиональную обстановку, если вы не готовы инвестировать в нее.
Все, что вам понадобится, это как минимум два фонаря для двумерной работы. Мы использовали осветительные стойки, которые вы часто видите в комнатах общежития (с тремя регулируемыми лампочками), или светильники с зажимами. Поместите источник света посередине между камерой и холстом под углом 45 градусов к стене (это поможет устранить тени и «горячие точки» на картине). Если у вас есть зонтики для фонарей, прикрепите их сейчас.
Arthur Brouthers показывает, как он использует белые панели для отражения света, и готовую работу «Slipping II» в своем Instagram.
LIGHT HACK : Если у вас нет профессионального комплекта освещения, вы можете легко взломать рассеивание света с помощью белого листа или белого пластика между лампами и вашей работой. Это помогает равномерно распределить свет. В качестве альтернативы можно установить несколько листов белой пенопластовой сердцевины для имитации эффекта «падающего света», когда свет направлен на пенопластовую сердцевину, а белая доска отражает свет обратно на деталь.
Как только ваше произведение искусства будет прикреплено к стене, дважды убедитесь, что камера установлена так, чтобы линза была на одной линии с серединой картины. Вы хотите расположить камеру так, чтобы рамка была заполнена большей частью картины, с небольшим количеством фона, который вы можете обрезать позже. Многим жюри важно видеть края картин, чтобы получить представление о масштабе.
ISO и диафрагма вашей камеры очень важны для получения четких, четких и ярких изображений ваших работ.ISO указывает, какая светочувствительность пленки использовалась для измерения. Чем выше число, тем более чувствительна пленка к свету и тем грубее изображение. В данном случае, поскольку нам нужны очень четкие изображения, нам нужен низкий ISO. Студийные снимки обычно делаются при ISO 100.
Значение диафрагмы диафрагмы вашей камеры регулирует количество света, пропускаемого через объектив, увеличивая или уменьшая отверстие. Чем выше число, тем меньше света проходит. С цифровой зеркальной камерой идеальный диапазон для съемки произведений искусства составляет от f-8 до f-11.
СОВЕТ: Установите таймер камеры на четыре или пять секунд, чтобы нажатие кнопки спуска затвора не приводило к дрожанию изображения.
4. Отредактируйте свои фотографии до совершенства Существует множество бесплатных или недорогих альтернатив программному обеспечению для редактирования фотографий, которые помогут свести к минимуму любые несоответствия. В то время как Photoshop по-прежнему правит королем, Photoshop Elements или Gimp позволяют выполнять основные функции, такие как цветокоррекция, обрезка и другие незначительные корректировки.Lightroom также предлагает программу редактирования на основе подписки, которой клянутся профессиональные фотографы.
Конечно, есть много дополнительных нюансов и уловок, которые можно добавить в это начальное руководство.
Однако, если вы хотите улучшить свои фотографии и профессионально представить себя на странице своего общедоступного профиля, это отличная отправная точка.
Знаки и ярлыки на картинах: справочник специалиста
От истории аукционов и выставок и происхождения до заметок художника о том, каким образом «ВВЕРХ», детали, найденные на «оборотной стороне», могут значительно повысить ценность картины.
1.Кто, что, когда … и гдеПрежде всего, вам нужно знать, кто нарисовал вашу картину. Художники начали подписывать свои работы примерно в 15 веке, и хотя их подписи чаще всего находятся на лицевой стороне, в последнее время они стали применяться на оборотной стороне.
Специалисты Christie’s могут проверять подписи, просматривая их в резюмированном каталоге художника, и иногда даже сокращают дату написания работы, основываясь на эволюции подписи с течением времени.
Адрес Николсона в Корнуолле был добавлен в левом нижнем углу задней части фотографии
Художник обычно также указывает название или дату.
А иногда и больше.
«Помимо подписи, наименования и датировки своих работ на реверсе, британский художник Бен Николсон (1894–1982) часто указывал свой адрес», — говорит Элис Мюррей, специалист по современному британскому и ирландскому искусству Christie. «Это прекрасное дополнение, которое поможет вам составить историю, стоящую за произведением искусства».
2. Материалы могут сузить происхождение картиныХудожники начали переходить от работы с деревянными панелями к холстам в 15 и 16 веках, потому что это позволяло создавать картины большего размера.Роспись на медных листах также вошла в моду в 17 веке.
Марки и этикетки поставщиков этих материалов могут содержать названия и адреса их предприятий. Списки литературы, такие как «Справочник поставщиков материалов американских художников » Александра Катлана — , можно использовать для их отслеживания и, в свою очередь, сужения того, когда и где была сделана работа.
Реверс панели масляной живописи XVI века, на которой изображен бренд Антверпена — пара рук над замком.
Знак датируется 1617 годом, когда в новом регламенте, разработанном гильдией столяров Антверпена, говорилось, что «каждый столяр с этого момента обязан штамповать свою метку на сделанных им рамах и панелях под страхом штрафа в размере
Сравнение даты покупки материалов с датой подписания художником готовой работы может даже дать вам представление о том, сколько времени потребовалось для завершения.
Типы материалов, из которых изготовлена рабочая доска, колыбель или носилки, а также способ их изготовления также меняются со временем и в разных местах.
Мягкая древесина, такая как тополь, использовалась в Италии, а твердая древесина, например, дуб, использовалась в Великобритании и Нидерландах. Еще один ключ к разгадке можно получить из того, как полотно крепится к подрамнику — после 1940-х годов гвозди заменили скобы.
3. Этикетки указывают происхождение и историю выставки Когда в галерее или музее демонстрируется произведение искусства, они часто прикрепляют этикетку к его обратной стороне, в которой указывается имя художника, название картины и, как правило, дата, инвентарный номер и адрес.
«С появлением Интернета стало намного проще исследовать эти ярлыки», — объясняет Вероника Скарпати, специалист по импрессионистам и современному искусству. «Например, Музей современного искусства оцифровал все свои каталоги выставок, пресс-релизы и списки кредиторов еще в 1929 году».
Оборотная сторона картины Пьетро с трафаретами, наклейками и этикетками, в том числе лондонского дилера Thomas Agnew & Sons и нью-йоркской галереи Wildenstein & Co.
Другие ключевые игроки, на которых стоит обратить внимание, включают такие учреждения, как Королевская академия или Музей искусств Метрополитен, а также такие дилеры, как Ричард Грин, The Fine Art Society или Wildenstein & Co., как показано в правом верхнем углу на оборотной стороне картины. показано выше.
Другие лейблы, на которых записано путешествие картины, могут поступать от консерваторов, таможни и пограничного контроля, или даже от несуществующих бюрократических механизмов, таких как нацистская палата культуры, которая нанесла свой логотип с двуглавым орлом на обратной стороне украденного произведения искусства.
Частные коллекционеры на протяжении всей истории добавляли свои имена на обороте работы. Например, король Англии Карл I (1600–1649) заклеймил свои инициалы «CR», увенчанные короной, на реверсе произведений из своей королевской коллекции.
Ивон Хитченс (1893-1979), Холмы и темное небо: дождь над холмами .Масло на холсте. 12½ x 18½ дюймов (31,7 x 47 см). Продан за 32 500 фунтов стерлингов 23 января 2020 года на Christie’s в Лондоне. Работа: © Поместье Ивона Хитченса. Все права защищены, DACS 2020
Рукописное происхождение Аллена Фрира находится на дне носилок для Hills и Darkening Sky
«На обратной стороне этого пейзажа [вверху] Ивона Хитченса (1893–1979) есть печать его жены Молли, а также более поздняя рукописная записка, помещающая ее в коллекцию Аллена и Берил Фрир», — поясняет Элис Мюррей.
На оборотной стороне картины Конки есть написанная от руки надпись, указывающая, что она была подарком некоему Д.
Доменико Гуастаферро
В 2019 году Christie’s продал картину [вверху] Себастьяно Конка (1680-1764), которая содержит старую рукописную заметку, в которой описаны ее название, дата и тот факт, что это был bozzetto — или набросок — для живописи, а также предоставляет сведения о происхождении — что он был подарен некоему Д. Доменико Гуастаферро в июле 1748 года.
Если вы решите добавить опору к обратной стороне вашей картины, возможно, стоит использовать Perspex, чтобы этикетки оставались видимыми, или попросить консерватора бумаги аккуратно перенести их на новую доску.
5. Инвентарные номера показывают историю аукциона работы С начала 19 века Christie’s маркирует обратную сторону фотографий инвентарным номером. Первоначально эти числа были нанесены по трафарету черными чернилами, в то время как другие аукционные дома использовали мел. (Сегодня вместо цифр, нанесенных по трафарету на оборотной стороне изображений, чаще применяется наклейка со штрих-кодом.
)
«Эти числа соответствуют записям, которые говорят нам, когда и где что-то было продано, а иногда и кто это продал и какая цена была заплачена», — объясняет библиотекарь и архивист Christie’s Линда Маклауд.«Архив Christie’s в Лондоне содержит подробную информацию о большинстве продаж, проведенных за 254 года работы аукционного дома».
«При каталогизации картин эти трафареты позволяют нам не только собрать воедино происхождение, но и увидеть, приписывались ли работы разным художникам в прошлом», — добавляет Оливия Гош, каталогизатор отдела старых мастеров Christie’s.
Реверс картины Рембрандта «Человек с мечом » с изображением его аукционных трафаретов, а в центре — этикетка выставки Амстердама 1898 года
В 2013 году Christie’s продал портрет Рембрандта (1606–1669) и его студии, на оборотной стороне которого был нанесен трафарет «272ER».«Это указывало на то, что в 1928 году на Christie’s состоялся аукцион коллекции, принадлежащей сэру Джорджу Линдси Холфорду, — объясняет Гош.
«Отсюда мы проследили происхождение картины до его отца, Роберта Стейнера Холфорда, который был основателем Burlington Fine Arts Club и владел тремя другими Рембрандтами, которые теперь находятся в музеях. Знание этих деталей может повысить ценность картины ».
6. Если покраска была облицована, возможно, ремонтные работы проводились.Если тыльная сторона холста имеет следы клея по краям или кажется толстой и новой, картина могла быть облицована.Это относится к процессу прикрепления дополнительного слоя холста к исходной поверхности для устранения дыр и разрывов и стабилизации картины.
«Подкладка холста была и остается обычной практикой для картин старых мастеров», — говорит Гош. «Раньше это часто выполнялось тяжелой рукой, но теперь это можно сделать, не повредив поверхность краски».
Ф.СиБи Каделл оставил на обратной стороне своих работ четкие инструкции о том, как за ними ухаживать в будущем
‘Шотландский колорист F.
C.B. Каделл (1883-1937) оставил четкие инструкции относительно того, как поддерживать состояние своих работ на их оборотной стороне, — говорит Алиса Мюррей. «На обратной стороне улицы The Avenue, Auchnacraig [вверху] есть слова« Впитывающий грунт / НИКОГДА не покрывайте лаком », потому что Каделл считал, что меловое качество его окрашенной поверхности имеет первостепенное значение.’
Крупные трещины на изделии могут указывать на то, что его повесили в жарком и сухом месте, например, над камином, а покоробленные носилки могут указывать на то, что он жил в ванной. «И то и другое не рекомендуется», — утверждает Гош.
Оборотная сторона картины Дибенкорна помогает понять, в каком направлении ее следует повесить.
Не решаясь даже указать, где их следует повесить, некоторые художники, например Ричард Дибенкорн (1922–1993), услужливо оставляют заметки, указывающие на их правильную ориентацию.
На обороте работы выше Дибенкорн написал карандашом «TOP» со стрелкой, направленной вверх.
8.В редких случаях на оборотной стороне картины можно увидеть даже другое произведение искусстваЗарегистрируйтесь сегодня
Интернет-журнал предоставляет лучшие функции, видео и аукционы
новостей на ваш почтовый ящик каждую неделюПодписаться
Время от времени на оборотной стороне картины можно обнаружить что-то, что может сравниться по важности с произведением искусства на лицевой стороне, например, рукописную заметку художника или даже вторую картину.
«Исторически материалы были дорогими, поэтому бедные художники, как известно, пробовали разные композиции на одних и тех же подставках», — объясняет Гош.
На заднем плане сцены с птицами на ферме Писсарро 1878 года находится совершенно другая работа, изображающая двух женщин, стирающих белье.
Вероника Скарпати приводит пример.«В феврале этого года Christie’s продал работу Камиля Писсарро (1830–1903), у которой была вторая, подписанная Писсарро, на реверсе», — поясняет она.
‘Художественные мастера Christie’s установили его на изготовленной на заказ подставке, чтобы обе стороны были видны во время предварительного просмотра аукциона. Если бы он висел на стене, никто бы не догадался, что скрывается за спиной ».
.Рисовать «из головы» — как? И, главное, ЗАЧЕМ?
Опубликовано 27 Фев 2013 в рубрике «Творческая жизнь»Друзья, мне часто задают один и тот же вопрос. Про то, как рисовать по воображению, то есть «из головы». Чтобы не повторяться в отдельных письмах, в этот раз я отвечу на сайте. Надеюсь, мой ответ будет полезен для художников, которых тревожит та же проблема.
А начну с последнего письма на эту тему.
Здравствуйте!
Прошлой осенью я уже писал Вам в виде «крика души», на который Вы на мое удивление даже ответили 🙂 Спасибо за это!
Хочу сказать, что большинство основных проблем в моем творчестве я преодолел, но возникла очередная, которая раздражает очень и очень сильно: я не могу (почти) рисовать «из головы».
То есть если поставить передо мной гипс, или хозяйскую утварь с фруктами, или даже пейзаж, то сформировать более менее адекватное изображение у меня выходит.
Но вот если я сажусь и хочу нарисовать то, что у меня в голове — … тут начинает ад. Как будто я держу кисть или карандаш в руках первый раз. То есть что сложного — представить в своей голове дерево на фоне реки и нарисовать его акварелью даже в одном цвете. Если бы я видел перед собой этот сюжет то написание наброска у меня заняло пара минут и несколько движенью кистью (в идеале), но представляя в голове, выходит как будто мне 4 года, и родители подарили мне краски с кистями на новый год, лишь бы я перестал бегать по коридорам.
Иногда, разумеется получается, но все равно гораздо ниже уровнем нежели если бы я рисовал с натуры…
Как я понимаю тут дело уже не в умении и не в технике рисования, а именно в «таланте» или «мозге»… Можно конечно продолжать рисовать с натуры, но порой хочется нарисовать что-то иное, что в душе, но не выходит…
То есть если поставить передо мной гипс, или хозяйскую утварь с фруктами, или даже пейзаж, то сформировать более менее адекватное изображение у меня выходит.На мой взгляд, описанная ситуация не только типична, но и НОРМАЛЬНА.
«Из головы» замечательно писать абстрактные картины, тут пространство для воображения безгранично. Ну в крайнем случае, нечто фантастическое. Какого-нибудь не известного науке Чебурашку или портрет лунатика.
Но если хочется изобразить что-то, что может существовать в реальном мире, да еще и сделать это достаточно правдоподобно, то зачем мучить голову, пытаясь достать из нее то, чего там нет?!
Да, именно так.
Не верите? В порядке эксперимента… Представьте себе какой-нибудь овощ или фрукт, который найдется у вас в холодильнике. Нарисуйте его «из головы», так подробно, как можете себе представить. А потом достаньте из холодильника настоящий и нарисуйте его с натуры. Какой из этих рисунков выглядит более правдивым?
(В книге «Искусство рисунка» Берт Додсон предлагал рисовать перец. Замечательное упражнение! Моя рецензия к книге ЗДЕСЬ).
Понимаете, каждый предмет в природе уникален, он существует только в одном экземпляре.
В голове у нас хранится некий обобщенный образ, набор характеристик.
Морковка выглядит как вытянутый конус оранжевого цвета. А она может быть такой:
Окружающий мир намного разнообразнее того, что мы можем себе вообразить…
Помимо биологической вариативности есть ведь еще и другие переменные. Тени и рефлексы, которые носят случайный характер. Цвет, в зависимости от общего освещения. Руанский собор в полдень и Руанский собор в серую погоду — два разных по цвету собора.
Художники всегда относились к натуре с большим уважением. И в том, чтобы писать с натуры или писать то, что в душе, нет на самом деле никакого противоречия. Можно писать то, что в душе с натуры — стоит лишь найти подходящую натуру.
Возьмем для примера «Явление Христа народу» А. Иванова.
Понятно, что идея картины взята «из головы», и автор не писал эту сцену с натуры. И замысел здесь действительно монументален. Вот как видел художник свою задачу: «Нужно представить в моей картине лица разных сословий, всяких скорбных и безутешных, проглядывающее горестное чувство, желание свободы и независимости».
Но лица эти не выдуманные, как и детали пейзажа. Известно, что Иванов выполнил для этой картины около 400 предварительных этюдов и эскизов. Работа над полотном продолжалась 20 лет.
И этюды писались с реальных людей. Например, прототипом одного из персонажей был Гоголь.
Часть этих этюдов можно видеть в собрании Русского музея.
Любая реализация любого замысла предполагает сбор материала, и пропускать эту стадию не желательно. В вашей копилке могут быть наброски, эскизы, какие-то подходящие фотографии по теме. И тогда реализованная идея будет весомой и правдоподобной.
Но еще хочу сделать небольшую ремарку. Рисование «по воображению» отличается от рисования «по памяти». Со стороны разница не заметна, художник рисует что-то не глядя на натуру. Однако, по памяти можно нарисовать что-то действительно более-менее убедительное.
Конечно, в этом случае необходим достаточно большой опыт. Если вы нарисовали тысячу портретов с натуры, вы сможете нарисовать лицо, которое вполне может принадлежать реальному человеку.
Ваша память будет подсказывать вам какие-то отдельные черты и нюансы лиц, уже вами нарисованных.
Чтобы рисовать по памяти недостаточно просто представлять себе знакомый объект. Его необходимо тщательно изучить, с карандашом в руке, делая наброски и подробные рисунки.
Я время от времени для разминки рисую свой автопортрет. В результате я могу не глядя в зеркало нарисовать лицо, похожее на мое… А вот лица родных или друзей я по памяти нарисовать не смогу, особенно тех, кого никогда не рисовала раньше.
По воспоминаниям современников, многие известные художники обладали уникальной цепкой памятью. Думаю, это не врожденный талант, а результат тренировки, каждый из этих художников имел большой опыт рисования с натуры.
Поэтому, если есть желание рисовать «из головы» — обязательно нарабатывайте опыт в рисунках с натуры, делайте наброски — чем больше, тем лучше. И вскоре эта проблема перестанет быть для вас проблемой)
«Для меня вполне очевидно, что привычка точно рисовать, что мы видим, дает соответствующую способность точно рисовать то, что мы задумываем»…
Джошуа Рейнольдс
Содержание
На главную
Как рисовать | Сеть художников
Научись рисовать, и ты никогда не будешь прежним
Рисование рук М.
К. Эшер, литография, 1948 г.Великие художники знают, что они никогда не могут позволить себе отказаться от своих методов рисования, если они надеются продолжать расти и совершенствовать свои работы. Это касается иллюстраторов, архитекторов, художников, скульпторов, дизайнеров и даже художников-татуировщиков! Рисунок является основой искусства, позволяя художникам не просто видеть, но и записывать то, что они видят в линиях и оттенках, контурах и жестах.
Что самое интересное в обучении рисованию, так это то, что есть так много направлений для занятий. Художник может присоединиться к программе рисования, специально предназначенной для рисования с натуры, выполняя быстрые исследования и более длительные сеансы, чтобы запечатлеть движения и жесты живой модели. Или можно заняться рисованием как личным занятием, взяв бумагу и ручку (или карандаш) и отправившись в мир, чтобы просто делать наброски. Это может позволить вам научиться рисовать различными материалами — графитом или карандашом, углем, пастелью, ручкой и тушью и другими.
Но если художник надеется научиться рисовать реалистичные объекты и фигуры каждый раз, когда он или она кладет перо на бумагу, существуют приемы рисования, на которых следует сосредоточиться. Сначала идет наблюдение и координация рук и глаз, так что мы тренируем глаз интерпретировать то, что мы видим, способами, которые имеют смысл, когда мы рисуем, независимо от того, что является нашим предметом. Затем художник может начать учиться рисовать фигуры, их действия и позы. Затем последуют уроки рисования с натуры, а также регулярное рисование в альбоме для рисования.Это жизнь художников-рисовальщиков — возвращаться к рисованию и использовать его изо дня в день. Это обязательство, но награда в том, чтобы научиться рисовать что угодно!
Как рисовать
Великую картину Пятиминутный рисунок жеста Джона ДеМартина. «Одна из главных причин, по которой художники попадают в беду, заключается в том, что их картины не имеют прочной основы из точных и выразительных рисунков», — говорит нью-йоркский художник Джон ДеМартин.
«Рисование — неотъемлемая часть процесса создания картины, — говорит ДеМартин.«Это дает возможность исследовать вариации предмета. Художник может загореться идеей и сломя голову броситься в картину без надлежащей подготовки только для того, чтобы обнаружить — часто слишком поздно — что идея не может поддерживаться на протяжении всего процесса. Потратив время на выполнение подготовительных рисунков, художник может тщательно обдумать и обработать идеи и тем самым принять более эффективные творческие решения».
Лучшая часть семинаров по рисованию ДеМартина заключается в том, что они дают учащимся ряд подходов к фигуративному рисованию, каждый из которых может помочь с определенными аспектами создания изображений.Например, он заставляет студентов начинать каждый день с быстрых рисунков жестами, которые подчеркивают спонтанные, линейные аспекты записи активной позы в линейном рисунке.
«Короткие позы от одной до 45 минут, как правило, больше связаны с линиями и жестами, а длинные (от часа и более) — с формой и объемом», — объясняет он.
«Из-за нехватки времени любое обширное моделирование со значениями сложно выполнить, поэтому чем больше способов я могу выразить объем линий, тем лучше». Когда художники проводят часы или дни, работая в одной и той же позе, их рисунки становятся анализом значений, связанных с формами, переходящими от света к тени.
«Оба этих подхода к рисованию фигуры могут быть полезны для художников, но они также могут привести к собственным проблемам», — говорит ДеМартин. «Художники, которые рисуют только короткими жестами, часто создают стилизованные изображения, которые являются шаблонными, а не честными ответами на отдельные модели. И наоборот, художники, которые делают только рисунки, на выполнение которых уходят месяцы, часто получают механически точные наблюдения, лишенные эмоционального содержания. Комбинируя два подхода, у художника больше шансов получить как быструю оценку того, как фигуры перемещаются в пространстве, так и точные наблюдения, которые пробуждают сущность изображаемого человека.
ДеМартин рекомендует художникам использовать разные материалы для рисования, но одну и ту же позу при выполнении этих двух типов рисунков. «Рисовать нужно из положения стоя с вытянутой рукой, чтобы движение исходило от плеча, а не только от запястья», — указывает он. «Художники должны иметь возможность видеть как поверхность для рисования, так и модель в пределах своего поля зрения».
ДеМартин объясняет, что существует не один рекомендуемый подход к рисованию или живописи. Художникам важно помнить, что некоторое количество рисунков поможет в выборе элементов изображения, установлении композиции линий и значений и решении потенциальных проблем.
Источник: Адаптировано из статьи Стива Доэрти
Техника рисования: линии и тени
Вот несколько советов от художника и инструктора Джона ДеМартина, которые помогут научиться рисовать с помощью линии и контура или тени и тона.
Строка : Основная цель создания быстрых набросков — запечатлеть ритмичные действия.Найдите действие перед контурами, потому что без этого ощущения движения рисунок потеряет свою ритмическую плавность. Если позволяет время, постепенно вводите структуру, концептуализируя ориентацию головы, грудной клетки и таза в пространстве с помощью вертикальных и горизонтальных срединных линий. Акцент делается больше на скелет тела, чем на мышцы.
Тень : Тени помогают художнику сравнивать другие значения света, поэтому ставьте их первыми. Создайте одно плоское значение для света (белый цвет бумаги) и одно плоское значение для теней с заштрихованными линиями, создающими светлый тон.Значение не имеет значения, только графическая интерпретация теневого рисунка. Важно распознавать, какие формы находятся в тени, а какие нет, потому что художники часто принимают темные значения на свету за тени.
Строка : Линии, описывающие особенности, могут пересекать части тела, поскольку они подчеркивают плавность форм и взаимосвязь одной формы с другой. Например, если рука пересекает тело, художник должен сначала нарисовать непрерывные линии тела, а затем нарисовать руку над этой частью тела.Смысл в том, чтобы запечатлеть действие и контур, а тонкости оставить позже.
Тень : Научиться рисовать или развивать тени означает работать аддитивным способом, создавая слои древесного угля. Сначала вотрите ровную, плоскую массу теней, а затем используйте угольный пенек, чтобы расплавить тени на бумаге. Это служит хорошим сопоставлением со значениями в свете, которые более спонтанно нарисованы штриховкой. В более длинных позах трехмерная иллюзия рисунка выражается в основном через значения света и тени.Плоскости на форме, отвернутые от источника света, темнеют по мере приближения к линии тени. Это градации значений формы, передающие иллюзию округлости. Чем круглее форма, тем больше разбросаны градации.
Источник: Адаптировано из статьи Стива Доэрти о технике рисования Джона ДеМартина.
Учитесь рисовать края
Контурные линии — полезная форма, которую рисовальщики используют для обозначения края формы на линейном чертеже. По правде говоря, мы не видим линии, обозначающей край лица, мы просто видим, где форма изгибается от поля зрения. Проведение сплошной линии на краю элементов предполагает формы, а не формы — рисовальщик должен позаботиться о том, чтобы другие плоскости не были видны с точки зрения зрителя. Кроме того, простое сосредоточение на контурных линиях может отвлечь художника от важной задачи изображения жеста модели, который обычно исходит из внутренней части фигуры.
По этой и по другим практическим причинам обращение художника с краями имеет большое значение, если рисунок должен быть убедительным.
Кривые трудно точно визуализировать. Многие инструкторы по рисованию рекомендуют использовать только прямые линии для краев, смягчая их в кривые, когда это необходимо позже. Если вы думаете, что это костыль для начинающих, подумайте, как Рубенс, искусный рисовальщик, использовал этот метод.
Края делают большую часть работы, предлагая глубину. Толстая линия выдвигает форму вперед, а тонкая светлая линия может обозначать плоскость, отступающую на задний план.Но края — это не только линии. В более тональных произведениях более жесткий край и заметный контраст между плоскостями создают форму, которая ближе к зрителю, чем форма с более мягким и светлым видом. Это важно для отбрасываемых теней: тень наиболее резкая в точке, где она касается отбрасывающего ее объекта, и рассеивается по мере того, как тень удаляется от объекта. В своем рисунке «Мужчины, идущие по полю » Сера заставил более близкую фигуру двигаться вперед в плоскости изображения, увеличив контраст между более темными плоскостями и более светлыми плоскостями, а также используя более жесткие края на этой фигуре.
В своей книге «Овладение рисованием фигуры человека из жизни, памяти, воображения » Джек Фарагассо отмечает, что всегда следует помнить о том, что самые важные грани — это те, которые обозначают светлые и темные узоры. Он использует в качестве примера толстые воротники с рюшами, которые часто появляются на картинах Рембрандта — важными краями в таких воротниках являются не отдельные изгибы и складки, а скорее край тени, когда воротник движется к свету. Эффективное изображение этой линии сделает ерш более убедительным, чем сотня подробных линий.
Где разместить рисунок на странице
Жан-Антуан Ватто, 1715-1716 гг., «Обнаженный мужчина на коленях, держащий ткань в правой руке». . Вы всегда можете поместить предмет вашего линейного или контурного рисунка прямо в середину страницы.
Это сильное заявление и, в некоторых случаях, наиболее четко выражает то, как вы хотите, чтобы зритель воспринял произведение.Но размещение предмета в другом месте композиции может заставить фон работать на вас и создать интригующую напряженность, предложить повествование и более тонко направить взгляд к фокусу.
Французский термин mise en page (буквально переведенный как «размещение на странице») иногда используется в отношении этой концепции, но идея уходит своими корнями в гораздо более раннюю историю — обычно считается, что художники рассматривают этот аспект композиции. возникла в эпоху Возрождения.К эпохе Ватто его значение в подходе художника было твердо установлено, и сегодня почти немыслимо, чтобы работающий художник пренебрегал бережным обращением с ним.
Наша естественная тенденция может состоять в том, чтобы поместить предмет в центр композиции, уделяя ему внимание, которого он заслуживает, в середине нашей «сцены», но это не совсем точно отражает то, как мы обычно видим мир.
Если мы не находимся очень близко к объекту, большое количество информации достигает нас периферийным зрением.Мы воспринимаем все в контексте, и этот контекст влияет на то, как мы интерпретируем фокус. Как рисовальщики, мы должны бороться с тем, что кажется автоматическим, и по-настоящему наблюдать за всей сценой, чтобы точно описать картины.
Периклис Пагратис, председатель подготовительных курсов Колледжа искусств и дизайна Саванны, учит своих студентов основам рисования и не только, в том числе идее о том, что при разработке композиции они должны думать о предмете как о голове Медузы — не смотреть на это прямо или вы превратитесь в камень (или ваш рисунок, по крайней мере).Негативное пространство вокруг объекта должно играть важную роль в вашей композиции. Будет достаточно времени, чтобы внимательно изучить сам предмет, когда придет время его рендеринга.
Пролистайте любую книгу по искусству, и вы обязательно увидите замечательные примеры убедительной мизансцены. Изучите любую картину или рисунок, в котором фокус направлен в сторону от центра композиции, а затем представьте, как по-другому выглядело бы произведение, если бы предмет был точно в центре страницы.
Вы легко увидите, как лучшие художники заставляют мизансцену эффективно работать на них.
Источник: Адаптировано из статьи Боба Бара
Как художники рисуют все, что видят
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Перейдя по ссылке, BSF получит небольшую комиссию. Спасибо за помощь в поддержании работы этого блога.Когда вы идете в музей или художественную галерею, очень легко сделать предположение, что художник вызвал картину по памяти или нарисовал ее, глядя на предмет.(Это общее предположение о том, как художники рисуют.)
Художник редко рисует по памяти
Это может быть правдой, но может и не быть. В искусстве нет правил. Отслеживание или копирование собственной фотографии — неплохая вещь. Как только вы научитесь рисовать, вам больше нечего будет никому доказывать, и ваша цель — максимально быстро и точно передать изображение на бумагу или холст. Пока вы не используете изображение другого человека без его разрешения и не продаете его как свое.
Использование изображений других людей для практики — это нормально, и это использовалось в течение 100 лет как способ совершенствования.Как художники идеально рисуют?
Чтобы нарисовать что-то реалистично, нужно не только приобрести навык, но и время. Чтобы художники не голодали, им нужно производить произведения на продажу. Время — деньги. Столетия назад они использовали методы воссоздания изображений на холсте или бумаге, чтобы сэкономить время. То, что они сделали с этими изображениями, невероятно, учитывая их мастерство художника. «Мастера» прошлых веков действительно рисовали шедевры. (по моему скромному мнению).
Если готовая работа представляет собой картину, то рисунок внизу — это просто карта, где наносить краску. Потратить 5 часов на то, чтобы собрать все в нужное место, может ослабить энтузиазм и креативность художника, не говоря уже о потраченном впустую драгоценном времени.
Если вы хотите нарисовать картину, вам не нужно часами рисовать изображение, если вы этого не хотите.
Я встречаю много студентов, которые не заинтересованы в обучении рисованию, они просто хотят рисовать. Они получают огромное удовольствие от рисования, но они просто хотят баловаться и получать удовольствие.У них нет намерения делать что-либо еще в данный момент времени. Искусство должно быть веселым. Как учитель, я хочу вдохновлять и поощрять своих учеников. Я хочу, чтобы они закончили мой класс, а потом спросили меня, какие краски и кисти купить.
Нужно ли мне учиться рисовать? Я просто хочу рисовать!
Если вы не хотите учиться рисовать, а хотите просто рисовать, то вперед. Вы устанавливаете правила своим произведением искусства. Есть много инструментов и методов, позволяющих это сделать. Однако, сказав это, есть преимущества в обучении рисованию.Рисунок – это основа искусства. Известные художники, такие как Пикассо, получили классическое образование, что позволило ему быть очень творческим.
Музыка и искусство, идеальное сочетание
Я всегда сравниваю искусство с преподаванием музыки.
Если вы учитесь играть на фортепиано или гитаре, используя классическую технику, вы знаете, какие ноты красиво звучат вместе, что такое гамма и как играть то и другое, очень техническую информацию, необходимую для обучения игре на инструменте.
Есть и другие способы научиться игре на инструменте.Для людей, которые больше заинтересованы в том, чтобы повеселиться и подпевать песне, которую они могут сыграть, есть метод аккордов. Это быстрее и проще и требует гораздо меньше практики для создания песни. Когда люди могут сыграть песню за несколько часов, они хотят узнать больше и сыграть больше песен.
Искусство должно приносить удовольствие!
Большинство людей просто хотят нарисовать картину. Я заметил, что, когда я учил старших школьников, как рисовать картину, в течение двух часов, они были очень взволнованы. Я подумал, почему бы не сделать это при обучении детей.Почему обучение рисованию и необходимое повторение должны быть скучными? Кроме того, почему перспективу учат, заставляя детей сидеть с линейкой, рисуя каждое окно в высоком офисном здании? Почему бы не нарисовать людей на пляже, одних рядом, а других далеко? Умение рисовать является основополагающим, но оно не должно быть чрезвычайно сложным.
Современный рисунок – Художники
Современный рисунок — Художники
Ссылки на некоторых художников, которые рисуют:
Нджидека Акунили
Нджидекаакунили.com/
http://hammer.ucla.edu/exhibitions/2015/hammer-projects-njideka-akunyili-crosby/
Дэвид Бейлин
https://www.bailinstudio.com/
Анна Баррибалл
http://www.frithstreetgallery.com/artists/works/anna_barriball/
untitled_vll
Джулиан Бивер
www.
julianbeever.net/
Кент Беллоуз
http://www.bellows-exhibition.com/art forumgallery.com/artist/kent-bellows/
Джо Бил
www.joebiel.com/
Мэри Боргман
http://www.annathangallery.com/-mary-borgman/
http://npg.si.edu/exhibit/drawing/borgman.html
Трой Браунтух
http://www.troybrauntuch.com/
Пол Кастер
http://paulcaster.com/?content%2F
Вия Целминс
http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=1048
mckeegallery.com/artists/vija-celmins/
Hammer.ucla.образование/выставки/2007/vija-celmins/
www.tate.org.uk/art/artists/vija-celmins-2731
Амели Шабанн
http://ameliechabannes.com/selected-works/
Поль Чиап
paulchiappe.com/
Сью Коу
http://www.gseart.com/Artists-Gallery/Coe-Sue/Artworks/Coe-Sue-Sharpeville-3677.php
Драгана Црнжак
http://www. draganacrnjak.com/
Сьюзан Д’Амато
www.susandamato.com
Адам Дант
http://www.halesgallery.com/artists/10-adam-dant/works/
Ричард
Дибенкорн
https://drawingowu.wordpress.com/2011/10/09/richard-diebenkorns-ink-wash-drawings/
http://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/artistinfo.3930.
html?artobj_artistId=3930&artobj_classification=drawing&sort
Order=CHRONOLOGICAL&pageNumber=1&lastFacet=sortOrder
Энн Динер
http://anndienerart.ком/
Антонис Донеф
http://blog.upandcoming-art.com/greek-artist-antonis-donef/
http://rosenfeldporcini.com/exhibitions/22/overview/
Бейли Дуган
www.baileydoogan.com/
Марсель Дзама
www.davidzwirner.com/artists/marcel-dzama/
www.richardhellergallery.com/dynamic/artist.asp?ArtistID=3
https://www.artsy.net/artist/marcel-dzama
Роб Эванс
www.
robevansart.net/
Александр Фарто
(он же Вхилс)
http://www.alexandrefarto.com/index.php?page=vhils
Дэн Фишер
http://www.alisonjacquesgallery.com/artists/39-dan-fischer/overview/
http://www.derekeller.com/artists/dan-fischer/featured-works
Зария Форман
www.zariaforman.com/
Ричард Форстер
http://www.richardforster.net/
Джастин
Франкавилла
http://www.justinfrancavilla.com/
Рене Френч
http://reneefrench.blogspot.com/
Антонио Лопес
Гарсия
http://www.amazon.com/Antonio-L%C3%B3pez-Garc%C3%ADa-Drawings/dp/1935202251
Джозеф П. Герджес
http://www.drawingcenter.org/viewingprogram/share_portfolio.
куб. футов/мин?pf=1444
Эрик Герман
www.ericgermanart.com/
Ингвилл М. Гьелсвик
http://www.ingwillgjelsvik.
no/tegning.htm
Энтони Гойколеа
http://hifructose.com/2013/07/23/anthony-goicoleas-pathetic-fallacy-drawings/
http://www.ronmandos.nl/exhibitions/anthony-goicolea-0
Дамиан Гойдич
http://damianart.blogspot.com/?view=flipcard
Дэвид Хейнс
www.davidhaines.org/
Патрик Эрл Хэмми
patrickearlhammie.com/
Джейкоб Эль Ханани
http://hollyjohnsongallery.com/html/artistresults.asp?artist=87&testing=true
Стивен С. Харви
http://stevenharvey.wix.com/art#!portfolio
Сьюзан Хауптман
http://forumgallery.com/artist/susan-hauptman/
http://www.luxartinstitute.org/Artist-Residency/Susan-Hauptman
Натан Хойер
http://www.drawingcenter.org/viewingprogram/share_portfolio.
куб. футов/мин?pf=4645
Хипкисс
http://www.hipkissart.com/index.html
Мэг Хичкок
www.
meghitchcock.com/
Скотт Хант
www.scotthuntstudio.com/studio/?v=home
Анека Ингольд
http://www.anekaingold.com/images.html
Ян Инграм
http://ianingram.com/
Эдгар Джеринс
https://www.facebook.com/pages/Edgar-Jerins-Drawings/1100
5
Сальвадор Хименес
www.jimenezdesign арт .com/
Софи Джодоин
www.sophiejodoin.com/
Патти Джордан
http://www.pattijordan.com/
Дарина Карпова
http://darinakarpov.com/
Уильям Кентридж
www.mariangoodman.com/artists/william-kentridge/
www.moma.org › Посетите › Календарь › Выставки
www.tate.org.uk/art/artists/william-kentridge-2680
www .gregkucera.com/kentridge.htm
Toba Khedoori
http://www.davidzwirner.com/artists/toba-khedoori/
http://www.
regenprojects.com/artists/toba-khedoori/selected-works?view=multiple-sliders
Sol Kjok
www.solkjok.com/
Robert Kogge
http://local-artists.org/users/robert-v-kogge
Ricardo Lanzarini
http://www.xippas.net/artists/ricardo-lanzarini/
Beili Liu
www.beililiu.com/
Роберт Лонго
www.robertlongo.com/
Уитфилд Ловелл
http://www.dcmooregallery.com/artists/whitfield-lovell
http://www.smith.edu/artmuseum/On-View/Past-Exhibitions/Whitfield-Lovell
Миндаугас
Лукошайтис
http://www.galerijavartai.lt/?menu=menininkai&itemid=21
Санграм Маджумдар
www.sangrammajumdar.com/
Джули Мерету
белый куб.com/artists/julie_mehretu/
www.mariangoodman.com/artists/julie-mehretu/
http://www.amazon.com/Julie-Mehretu-Drawings-Catherine-Zegher/dp/0847829804
Армин Мерсманн
www.
arminmersmann.com/
Энтони Микаллеф
www.antonymicallef.com/
Итан Мерроу
bigpaperairplane.com/
Вангечи Муту
wangechimutu.com/
www.saatchigallery.com/artists/wangechi_mutu.хтм
www.gladstonegallery.com/artist/wangechi-mutu/work
Джеймс Нельсон
http://www.mckenziefineart.com/exhib/nelson2014exhb.html
Одд Нердрам
www.oddnerdrum.com/
forumgallery.com/artist/odd-nerdrum/
nerdrummuseum.com/
Пол Нобл
www.tate.org.uk/art/artists/paul-noble-2767
www.gagosian.com/…/paul-noble—november-10-2011
Хуан Пердигеро
www.juanperdiguero.com/
Рэймонд Петтибон
http://www.davidzwirner.com/artists/raymond-pettibon/
Хлоя Пьен
chloepiene.com/
http://chloepien.com/index2.html
Эрнест
Pignon-Ernest
http://pignon-ernest.
com/
http://www.widewalls.ch/galerie-lelong-ernest-pignon/
Диого Пиментао
http://www.yvon-lambert.com/2012/?page_id=252
Бен Польски
Бенхолли.tripod.com/benpolsky.htm
Джулия Рэндалл
www.julia-randall.com/
Паула Рего
www.saatchigallery.com/artists/paula_rego.htm
www.marlboroughfineart.com/artist-Paula-Rego-30.html
Ник Решетар
http://nick-reszetar.squarespace.com/
Дебора Рокман
www.deborahrockman.com/
Йехудит Саспортас
http://www.eigen-art.com/index.php?article_id=719&clang=1
Фил Скалли
www.philscally.com/
Сара Шнеклот
http://www.saraschneckloth.com/sara_schneckloth/d_r_a_w_
i_n_g_s/d_r_a_w_i_n_g_s.html
Холли Щорно
http://pavelzoubok.com/node/holli-schorno
Роберт Шульц
www.
schultzdrawings.com/
Дженни Скобел
http://jennyscobel.com/works
Шелби Шедуэлл
www.shelbishadwell.com/
Джозеф
Сташкевич
www.stashkevetch.com/
Даниэль Зеллер
http://www.pierogi2000.com/artists/daniel-zeller/
Пожалуйста, присылайте комментарии или предложения об этом веб-сайте по адресу [email protected].
От Леонардо да Винчи до Пикассо
Рисунок — один из древнейших видов изобразительного искусства с долгой и разнообразной историей.Это широко считается основой всего искусства, и ученики должны освоить первую среду. И хотя его широкая доступность означает, что он по-прежнему популярен среди творческих людей во всем мире, рисунки часто затмеваются живописью и скульптурой.
Однако многие художники, прославившиеся своими работами в цвете, были и образцовыми рисовальщиками.
На самом деле такие мастера, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рубенс, делали бесчисленные подготовительные рисунки перед каждой картиной, чтобы изучить свои сюжеты и разработать композиции.Точно так же Жан-Огюст-Доминик Энгр создал изысканные графитовые портреты, которые сегодня являются одними из его самых знаменитых работ.
Здесь мы рассмотрим 10 известных художников, которые использовали силу линий в своих работах.
Кто самые известные художники-рисовальщики? Узнайте о некоторых из величайших мастеров линии.
Леонардо да Винчи (1452 – 1519)
Леонардо да Винчи, «Витрувианский человек», ок. 1492 (Фото: Люк Виатур, Wikimedia Commons, Public Domain)
Леонардо да Винчи — типичный представитель эпохи Возрождения, чье бесконечное любопытство вдохновило его на изучение искусства, техники и природы.И все его интересы можно найти в его наследии блокнотов.
В этих блокнотах сотни подробных зарисовок, посвященных анатомии человека, животных, растительной жизни, изобретениям и многому другому.
Они показывают, как Да Винчи использовал рисунки для критического мышления и решения проблем.
Альбрехт Дюрер (1471-1528)
«Руки в молитве», рисунок пером и тушью, 1508 г. (Фото с Викисклада, посвящение в общественное достояние)
Художник Северного Возрождения Альбрехт Дюрер был первым художником, возвысившим гравюру до уровня изобразительного искусства.Он создавал гравюры, гравюры на дереве и офорты на основе своих тщательно детализированных рисунков. Это была первая попытка воспроизвести такие реалистичные иллюстрации, и ее ошеломительный успех впоследствии вдохновил других художников на создание и распространение отпечатков.
Микеланджело Буонарроти (1475 – 1564)
Микеланджело, «Сон о человеческой жизни», ок. 1500-е годы (Фото: The Courtauld, Wikimedia Commons, Public Domain)
Для многих Микеланджело до сих пор остается величайшим художником всех времен./10188181-56a6e6d25f9b58b7d0e56963.jpg)
Его мастерство в различных дисциплинах — живописи, скульптуре, архитектуре — не имеет себе равных. Однако в основе его творчества лежало рисование.
Перед каждой картиной и скульптурой итальянский художник создавал многочисленные зарисовки человеческой фигуры. Эти выразительные рисунки раскрывают глубокое понимание анатомии и физиологии и дают представление о том, как Микеланджело подходил к своим сложным композициям.
Микеланджело, «Пьета», ок. 1546 г. (Фото: Музей Изабеллы Стюардт Гарднер, Wikimedia Commons, Public Domain)
Рембрандт (1606 – 1669)
Рембрандт, «Ветряная мельница», 1641 г. (Фото: Художественная галерея Южной Австралии через Wikimedia Commons, Public Domain)
Известный своими успехами в различных средствах массовой информации и типах предметов, Рембрандт был назван плодовитым скульптором Огюстом Роденом «колоссом искусства».В рисовании он был известен своей способностью быстро и уверенно изображать как пейзажи, так и предметы.
Британский художник Дэвид Хокни похвалил жестовый рисунок Рембрандта Ребенок, которого учат ходить , сказав: «Я думаю, что это величайший рисунок из когда-либо созданных… Это великолепный рисунок, великолепный».
Рембрандт, «Ребенка учат ходить», 1660 г. (Фото: Британский музей через Викисклад, общественное достояние)
Питер Пауль Рубенс (1577 – 1640)
Питер Пауль Рубенс, «Молодая женщина со сложенными руками», ок.1629–30 (Фото: Museum Boijmans Van Beuningen
через Wikimedia Commons, Public Domain)
Известный своими чувственными женщинами, богатыми цветами и динамичными композициями, Питер Пауль Рубенс считается одним из самых влиятельных художников периода барокко. Прежде чем приступить к написанию картины по заказу, он создал несколько предварительных эскизов своих предметов.
Эти сохранившиеся наброски демонстрируют уверенные способности фламандского художника к рисованию.
Всего несколькими уверенными строками он мог передать жесты и эмоции.
Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780 – 1867)
Жан-Огюст-Доминик Энгр, «Портрет жены Виктора Балтара (урожденная Аделина Леке) и их дочери Поль», ок. 1800-е годы (Фото: Public Domain через Wikimedia Commons)
Художник-неоклассик Жан-Огюст-Доминик Энгр был известен своими невероятными картинами, воспевающими традиционные техники живописи. И в то время как его работы маслом иногда подвергались тщательному анализу современными критиками из-за их готического оттенка, его многочисленные рисунки и графитные портреты высоко ценились за их точность в передаче внешности и личности субъекта.
Эдгар Дега (1834 – 1917)
Эдгар Дега, «Два этюда певца», ок. 1870–1900-е годы (Фото: Public Domain через Wikimedia Commons)
В то время как большинство импрессионистов черпали вдохновение в живописных пейзажах, французский художник Эдгар Дега предпочитал изображать людей, особенно движущихся.
В дополнение к своим многочисленным известным картинам, он также сделал бесчисленное количество этюдов пастелью и карандашом балерин, певцов и купающихся женщин, каждый из которых демонстрирует его утонченность в передаче человеческого тела в действии.
Эдгар Дега, «Женщина, вытирающая левую ногу», 1903 год (Фото: Художественный музей Сан-Паулу, Wikimedia Commons, Public Domain)
Густав Климт (1862 – 1918)
Густав Климт, «Половина фигуры молодой женщины», 1918 г. (Фото: The Met Museum CC BY 2.0, via Wikimedia Commons)
Блестящие картины Густава Климта с их золотыми штрихами ассоциируются у большинства. Но австрийский художник был также искусным рисовальщиком, который использовал сильные линии в своих композициях.Его поразительные изображения женской фигуры используют ракурс и перспективу.
Густав Климт, «Два этюда сидящей обнаженной с длинными волосами», 1901–1902 гг. (Фото: общественное достояние через Wikimedia Commons)
Анри де Тулуз-Лотрек (1864 – 1901)
Анри де Тулуз-Лотрек, «Жокей», 1899 г.
(Фото: Public Domain через Wikimedia Commons)
Современник Винсента Ван Гога и Поля Гогена, французский художник Анри де Тулуз-Лотрек большую часть жизни провел в театральном подбрюшье Парижа.
В своих плакатах Тулуз-Лотрек мастерски использует эту линию, чтобы охарактеризовать известных исполнителей того времени, включая Иветт Гильбер, Луизу Вебер и Джейн Аврил. Его мастерство рисования уловило движение танца и энергию ночной жизни Парижа во времена Прекрасной эпохи.
Пабло Пикассо (1881 – 1973)
За 79 лет карьеры Пабло Пикассо известен тем, что несколько раз менял свой стиль живописи.Однако на протяжении многих творческих сдвигов художник сохранял уникально решительный способ запечатления окружающего мира в рисунках.
В частности, эти наброски показывают, как испанскому художнику понадобилось всего несколько смелых линий, чтобы вызвать форму своих предметов.
Статьи по теме:
Удивительная коллекция рисунков Микеланджело впервые находится в США
Этот художник создает невероятные цветочные рисунки цветными карандашами
Значение знаменитого рисунка Леонардо да Винчи «Витрувианский человек»
Талантливые художники делятся своими любимыми советами по улучшению навыков рисования
вещей, которые можно нарисовать, когда у вас закончились идеи
Откройте для себя онлайн-курсы рисования
Иллюстрации персонажей, советы по рисованию, рисование тушью, портреты карандашом и многое другое.
Творческий блок бывает у всех. Даже у самых опытных художников бывают времена, когда они не могут найти идеи для рисования.
Легко расстроиться, когда вы хотите проявить творческий подход, но не можете найти способ направить эту энергию на бумагу.
Если вам не хватает творчества, не волнуйтесь! Вы можете найти новые идеи для рисования почти везде. В этой статье вы найдете несколько списков вещей для рисования, которые могут пробудить ваше воображение, даже когда вы чувствуете себя особенно скучно.
Чтобы помочь вам развить более долгосрочное вдохновение, мы также включили различные упражнения, которые могут помочь пробудить вашу внутреннюю музу. Независимо от того, являетесь ли вы начинающим, средним или профессиональным художником, эти практики помогут вам вырваться из зоны комфорта и найти свежие идеи для рисования.
Из курса Skillshare, Doodle Art: основы и не только Что интересного можно нарисовать? Иногда движение карандаша или ручки — это все, что вам нужно, чтобы раскрыть свой творческий потенциал.Если вы задаетесь вопросом: «Что мне нарисовать?» у нас есть много вдохновения для вас.
Ниже вы найдете список из 40 простых вещей, которые можно нарисовать самостоятельно или послужить отправной точкой для вашего следующего шедевра.
- Hearts
- цветы
- цветы
- фрукты
- звезды
- Eyes
- губы
- деревьев
- бабочки
- листья
- Diamonds
- Маленькие животные
- мультфильмов
- дождевые облака
- Sunshine
- Teddy Bears
- Teddy Mears
- TRICICICICLES
- Candy Candy
- Snowmen
- Rainbows
- Ваш Pet
- аниме
- Dragons
- Музыка
- Музыка
- Космические корабли
- Waves
- Architectural Designs
- SpiderWebs
- Ninjas
- Electronic Chirits
- Музыкальные инструменты
- Cityscapes
- Выражения лица
- Выражения лица
- Автомобили
- 3D Forms
- 3D Forms
- Призрак
- Призрак в песке
- Snakes
- Aliens
- Van Gogh’s Starry Night
Иногда списка простых идей для рисования недостаточно, чтобы начать работу. Или, может быть, вы уже просмотрели весь список идей для рисования и вам просто нужно больше вдохновения. Если вы на этом этапе, есть несколько техник и упражнений, которые помогут вам понять, что рисовать.
Как нет двух одинаковых художников, так и нет единой надежной формулы для поиска новых идей для рисования. Тем не менее, ниже приведены несколько простых, проверенных временем способов дать толчок вашему творчеству, когда пустая белая страница выглядит особенно пугающе.
Каракули, не рисуй Рисование — это непреднамеренное рисование, в то время как ваш разум занят другими мыслями, поэтому это идеальное занятие, когда вы смотрите телевизор, разговариваете по телефону или слушаете подкаст. Когда дело доходит до каракулей, не существует реальных рекомендаций по рисованию; просто положите ручку на бумагу, начните двигать рукой и позвольте своему подсознанию взять верх.
Закройте глаза, чтобы еще больше отвлечься от преднамеренных действий, а затем откройте глаза, чтобы найти формы и закономерности в своей работе.Добавляйте контуры к своим фигурам и постепенно превращайте их в цельный рисунок.
Подобные простые рисунки успокаивают и помогают обдумывать и развивать идеи. Это быстрое и без стресса упражнение для создания динамичного и интересного искусства. Это также доказывает, что вам не нужно начинать с конкретной идеи, чтобы создавать классные рисунки, которые являются уникальными для вас.
Изучите советы, приемы и приемы рисования с Yasmina Creates
Магия каракулей | Базовые и продвинутые методы
Измени свою перспективу Взгляд на объект с новой точки зрения может вывести любого из колеи.Для этого упражнения просто выберите повседневный предмет, например кофейную кружку, растение или инструмент. Затем измените то, как вы на это смотрите. Увеличьте крошечную деталь объекта.
Повернитесь спиной и используйте зеркало, чтобы посмотреть на него наоборот. Возьмите лестницу или стремянку, чтобы увидеть себя с высоты птичьего полета, или сопоставьте объект с совершенно не связанным с ним объектом, чтобы увидеть его в новом контексте. Проявите творческий подход к тому, как вы смотрите на вещи, и у вас будет постоянный источник новых интересных вещей для рисования.
Большинство людей с юных лет учат, что копировать чужую работу неправильно.Но пока вы не пытаетесь выдать работу за свою собственную, имитация работы любимого художника может послужить полезным источником вдохновения для того, что рисовать, когда у вас закончились идеи. Выберите одно из своих любимых произведений искусства или выполните простой поиск в Интернете, чтобы найти произведение искусства, которое вас вдохновляет, и начните рисовать. Пытаетесь ли вы имитировать штрих за штрихом или создаете свою собственную интерпретацию работы, вы сможете использовать стиль и приемы художника для создания собственного удивительного искусства.
Подсказки по рисованию — еще один хороший способ дать волю творчеству. Введите в поиск «подсказки для рисования» или «подсказки для скетчбука», и вы быстро найдете генератор идей для рисования, который может стать источником вдохновения на всю жизнь. Некоторые сайты позволяют выбирать варианты или категории, чтобы сузить подсказки, например «существо», «объект» или «ситуация». Подсказка может варьироваться от чего-то простого (например, «собака») до чего-то сложного и подробного (например, «собака на пешеходной тропе с небольшим рюкзаком для припасов»).
Один из уникальных подходов к рисованию под названием Oblique Strategies, , был создан музыкантом/продюсером Брайаном Ино и визуальным художником Питером Шмидтом в 1975 году. Oblique Strategies изначально был опубликован в виде колоды карт в черном ящике. Каждая карточка содержала то, что Ино описывает как «предложение курса действий, помогающего в творческих ситуациях».
Теперь вы можете найти веб-сайты, которые генерируют предложения случайным образом. Фразы, которые варьируются от «Используйте неприемлемый цвет» до «Столкнувшись с выбором, сделайте и то, и другое», могут показаться расплывчатыми и конкретными, что может создать очень интересные проблемы с рисованием.
Для максимального творчества помните, что нет никаких правил при использовании онлайн-подсказок для создания идей для рисования — весь смысл в том, чтобы интерпретировать эти предложения так, как вы считаете нужным, и бросать себе вызов, используя новые подходы к рисованию.
Примите участие в конкурсе или серии рисунков Если вы хотите сосредоточиться на своем блокноте для рисования, социальные сети могут отвлечь вас. Но на самом деле он может служить бесконечным источником вдохновения. Поищите в социальных сетях, и вы, скорее всего, наткнетесь на интересные хэштеги для задач или серий рисунков, которые могут дать идеи для забавных вещей для рисования. Попробуйте выполнить поиск по общему хэштегу, например #sketchbookchallenge, или отследите конкретное задание на текущий месяц, например #doodlewashAugust2020, в котором излагаются идеи рисования на каждый день месяца.
Вы также можете создать свой собственный хэштег и серию рисунков, например #mydreamroadtrip или #myfavoritethings. Вы будете разрабатывать новые идеи для простых вещей, и другие художники-единомышленники также могут присоединиться к вам.
Кроме того, эти задачи также могут побудить вас поделиться своими рисунками с другими, что может дать полезные советы, конструктивную критику и даже больше идей для рисования.
Когда вы не переполнены идеями для забавных вещей, можно просто уйти и заняться чем-то другим. Однако это не лучший способ преодолеть творческий блок. Иногда просто начать рисовать — независимо от того, чувствуете ли вы вдохновение или нет — может быть достаточно, чтобы пробудить ваш творческий потенциал и генерировать новые идеи для рисования.
Если вы не чувствуете особой мотивации продолжать рисовать, когда идеи скудны, попробуйте следующие упражнения и методы.
Храните график рисованияХорошие рабочие привычки могут принести неожиданную пользу. Многие художники считают чрезвычайно полезным создавать и следовать регулярному графику рисования, даже если это означает тратить всего 10 минут каждый день на создание чего-то нового. Например, после нескольких лет отсутствия в блокноте для рисования предприниматель Адам Падилья восстановил свое художественное видение, публично решив создавать по одному рисунку каждый день в течение года и опубликовав результаты в Instagram.Благодаря этому, казалось бы, жесткому графику, он смог возродить свою творческую энергию.
Если вы чувствуете себя истощенным, поставьте перед собой цель и график. Будь то получасовое рисование каждое утро или создание одного законченного рисунка в неделю, выделение определенного количества времени в вашем расписании может вернуть вас в нужное русло — с множеством идей для рисования.
Развивайте свои навыки рисования с Габриэль Брикки
Учитесь рисовать: ежедневные упражнения для улучшения навыков рисования
Попробуйте новый носитель или инструментМногие художники полагаются на излюбленный материал или инструмент в качестве канала для творчества — от угольной палочки определенной марки до твердого художественного карандаша класса H.Но что, если это именно то, что вас сдерживает? Использование нового, незнакомого средства или инструмента может открыть новый взгляд на то, что рисовать и как это рисовать.
Возьмите детский мелок, например, или попробуйте старую зубную щетку, смоченную чернилами. Если вы в основном работаете в черно-белом режиме, попробуйте поиграть с цветом. Как только вы освоитесь, переключитесь на другой новый инструмент и заставьте его работать с тем, что уже есть на странице. Вы не сможете не прийти к новому мышлению и подходу к рисованию, и вы по-новому оцените свой любимый материал, как только вернетесь.
Общение с другими людьми — будь то художники-единомышленники, энтузиасты искусства или просто поддерживающие друзья — может иметь большое значение для вашей ответственности и мотивации. Например, может быть, вы говорите своему лучшему другу, что хотите рисовать что-то каждый день, чтобы он или она могли регулярно заходить и спрашивать о ваших успехах.
Или, может быть, вы публично заявляете о своей цели в социальных сетях. Знание того, что другие ожидают увидеть ваши рисунки, может помочь вам мотивировать продолжать регулярно создавать произведения искусства.
Поначалу может показаться сложным придумывать идеи для рисования. Но когда вы воспользуетесь списком идей для рисования, который мы здесь предоставили, а также упражнениями для управления вашим творческим процессом, у вас не возникнет проблем с разжиганием своего творчества и генерированием новых идей.
Готов узнать больше о том, как рисовать?
Существуют тысячи классов Skillshare, которые помогут вам проявить творческий подход.
Тайм-менеджмент для художников, чтобы повысить вашу креативность
Тайм-менеджмент для художников действительно может помочь вам в достижении ваших творческих целей
«Плохая новость — время летит незаметно.Хорошая новость в том, что ты пилот.
~ Михаил Альтшулер
Тайм-менеджмент для художников может быть трудным. В конце концов, сколько времени вы должны потратить на свое искусство, чтобы получить желаемые результаты?
Правда такова:
Ответ на самом деле зависит от целей, которые у вас есть, или от того, куда вы хотите двигаться со своим искусством, и от того, сколько времени у вас на самом деле есть для работы над своим искусством.
Попытайтесь выяснить, какое место вы занимаете в следующих двух списках. Это придаст смысл остальной части статьи и даст вам представление о том, сколько времени вы должны потратить на достижение своих целей.
Для начала давайте рассмотрим некоторые общие цели того, чего вы хотите достичь с помощью искусства:
- Вы хотите измениться или начать творческую карьеру
- Вы хотите завершить большой проект, например, свой первый комикс или детскую книгу или портфолио
- Вы просто хотите улучшить свое хобби
Во-вторых, сколько времени у вас действительно есть, чтобы работать над своим искусством.
И именно здесь тайм-менеджмент для художников может оказаться суперэффективным!
Для простоты посмотрите, к какой из этих трех категорий вы относитесь:
.- Полный рабочий день: вы можете работать над своим искусством как можно больше (40+ часов в неделю)
- Неполный рабочий день: у вас вечер, утро и выходные (10-40 часов в неделю)
- Ограниченное время: у вас почти нет времени (менее 10 часов в неделю)
Теперь давайте разберем их по результатам и тому, как вы должны к ним подходить, в зависимости от того, сколько времени у вас есть каждую неделю…
Научившись управлять своим временем, вы сможете стать более креативным
Вы хотите измениться или начать творческую карьеру
Предложение: Полная занятость.
Причина этого в том, что, в зависимости от ваших навыков, вам придется приложить много усилий, если вы хотите выделиться.
Существуют способы, которые могут упростить поиск работы (например, обратиться в местные компании вместо того, чтобы пытаться переехать).
Вы также собираетесь проводить время в сети, создавать свое портфолио и общаться с другими художниками в Интернете, так что все эти составляют .
Полная занятость: Это лучшее место, и вы должны стараться уделять своему искусству как можно больше времени.
Имейте в виду, что вы не всегда сможете позволить себе такую роскошь, как тратить так много времени на работу и своему искусству, поэтому установите себе воображаемые крайние сроки, чтобы максимально использовать этот период времени , пока это возможно.
Опасность такого положения заключается в том, что у вас может быть слишком слишком много времени в ваших руках, поэтому вам действительно нужно сосредоточиться.
Если вы находитесь на этом уровне и действительно серьезно относитесь к творческой карьере, я настоятельно рекомендую нанять тренера, который поможет вам не сбиться с пути и двигаться вперед.
Неполный рабочий день: Вы все еще можете получить или сменить работу, когда ваше время ограничено, но вам нужно оставаться сосредоточенным.
Научитесь говорить «Нет» вещам, чтобы уделять больше времени своему творчеству.
Если вам трудно найти время, попробуйте работать рано утром или поздно вечером, когда все тихо и вы можете сосредоточиться.
Ограниченное время: Это все еще возможно, но шансы против вас. Если у вас мало времени, но вы все еще хотите достичь этой цели, посмотрите, какие вещи вы можете сделать приоритетными в своей жизни.В идеале вам нужно перейти хотя бы на уровень неполного рабочего дня, где у вас есть 10–40 часов в неделю.
Одна из опасностей ограниченного времени заключается в том, что вы часто целыми днями ничего не рисуете. И даже если у вас есть всего пять минут в день для работы над своим искусством, вам нужно работать над чем-то каждый божий день.
Тайм-менеджмент для занятых художников
Не позволяйте плотному графику мешать осуществлению вашей мечты.
И если вы обнаружите, что просто не можете найти много времени для работы над своим искусством, и вы начинаете чувствовать себя плохо из-за отсутствия прогресса.
.. не сдавайтесь!
Потому что небольшой тайм-менеджмент для художников может серьезно выручить вас.
Все, что вам нужно сделать, это изменить свою цель на что-то более выполнимое.
Например, попробуйте сосредоточиться на только одном навыке, таком как Рисование фигур, пока вы продолжаете работать над тем, чтобы найти больше времени для посвящения своему искусству.
Вы хотите завершить большой проект, например, свой первый комикс, детскую книгу, портфолио и т. д.
Предложение: полный или неполный рабочий день
Причина вот в чем: вы хотите набрать обороты в своем проекте.А это означает делать все возможное, чтобы каждый божий день предпринимать действия для его завершения.
Главное — оставаться сосредоточенным и не отвлекаться на другие проекты, которые кажутся интересными, но в конечном итоге просто задерживают вас в завершении вашего самого важного проекта.
Полная занятость: Полная занятость на самом деле является лучшим местом для любых творческих целей, но на самом деле немногие люди могут позволить себе такую роскошь. Если это вы, то у вас есть шанс извлечь из этого максимум пользы!
Поставьте перед собой цели, к которым нужно стремиться.Например, если вы работали над детской книгой, это могло быть завершение одной страницы в день.
Затем продолжайте работать каждый день, пока не закончите свой проект. Время — это обоюдоострый меч, потому что, если его слишком много, вы можете потратить много времени на второстепенные дела.
Вот почему постановка ежедневных и еженедельных целей поможет вам не сбиться с пути и сосредоточиться на важных вещах.
Неполный рабочий день: У вас еще достаточно времени, чтобы действительно завершить здесь кое-какую крупную работу.Знаете ли вы многие авторы посвящают работе над текстом всего два-четыре часа в день? И что они используют этот график, чтобы постоянно писать и издавать книги?
Вы можете сделать то же самое.
Просто имейте в виду, что лучше всего приступать к этим творческим проектам с утра. Таким образом, у вас будет доступ к вашей самой творческой энергии до того, как она будет израсходована в течение остального дня.
Ограниченное время: Завершить свой проект будет сложно, но все же выполнимо! Это связано с тем, что к творческим личным проектам часто не привязаны какие-либо сроки, кроме тех, которые вы установили.
Чем бы вы ни занимались, постарайтесь составить себе расписание на день, чтобы вы могли каждый день добиваться определенного прогресса.
Продолжая работать над своим проектом, вы можете почувствовать прилив энергии, работая над ним. И тогда вы можете 90 160 действительно 90 161 оправдать, тратя на это больше времени.
Вы можете использовать инструменты тайм-менеджмента, даже если хотите улучшить свое искусство в качестве хобби
Вы просто хотите улучшить свое хобби
Предложение: ограниченное время или лучше
Причина здесь в том, что ваше внимание должно быть сосредоточено на удовольствии от того, что вы делаете.
Если вы чувствуете, что заставляете себя уделять больше времени, вам нужно посмотреть, что вы изучаете, и действительно ли вам интересна эта тема.
Просто потому, что вековая мудрость говорит, что тебе «должно» что-то изучать, но ты не чувствуешь к этому страсти — будь смелым и просто работай над тем, что тебя волнует.
Полный рабочий день: Не позволяйте изобилию времени мешать вам. Потратьте некоторое время на размышления о том, чего вы действительно хотите достичь с помощью своего хобби.Затем создайте план атаки для изучения и практики того, что наиболее важно и полезно для вас.
Неполный рабочий день: Если вы находитесь на этой должности, вы можете поставить перед собой большую цель, к которой нужно продолжать работать, например проекты, о которых мы упоминали ранее, такие как ваш первый комикс, детская книга или пополнение портфолио.
Это поможет вам сосредоточиться и работать над чем-то большим, даже если вы просто делаете это для себя и никогда не собираетесь создавать искусство для кого-то, кроме себя.
Ограниченное время: Вы находитесь в прекрасном месте, хотя у вас не так много времени, чтобы работать над своим искусством. Держите вещи свежими и всегда сосредотачивайтесь на том, что ВЫ хотите сделать.
В Pencil Kings мы на 100 % верим, что работа над своим искусством должна приносить удовольствие! Так что не бойтесь быть глупыми, любопытными и креативными 🙂
Есть ли у вас какие-либо советы по тайм-менеджменту для артистов, которыми вы хотели бы поделиться? Я хотел бы услышать их, поэтому не стесняйтесь оставлять комментарии ниже.
Мастера рисования — эти художники осмеливаются исследовать линию
В те дни, когда искусство было больше связано с глиной и бумагой, рисование считалось основной частью образования художника .Молодые художники использовали эту технику, чтобы определить свой визуальный язык, который помог бы им развить свои навыки и в конечном итоге достичь подлинности, потому что, как наши почерки уникальны, линия рисования каждого человека отличается.
В наше время кажется, что художнику не так важно хорошо рисовать, но даже если это так, это все равно не значит, что рисунок не так хорош, как инструмент для воплощения идей. Нам повезло жить в мире, который дает нам множество вариантов, множество свежих идей о рисовании, которые можно сравнить с традиционными, и множество способов понять концепцию современного рисунка.Иногда речь идет о самом рисунке, иногда о том, как он был создан, иногда ни о том, ни о другом.
Эти десять художников покажут нам, как рисунок вписывается в мир современного искусства.
Кэрролл Данэм — Невероятная вульгарность
Творчество американского художника Кэрролла Данэма можно охарактеризовать как исследовательское, колеблющееся между фигуративностью и абстракцией, между живописью и рисунком, имеющее карикатурные черты. Большинство его работ демонстрируют отношение к наивному рисунку, напоминающему мультфильмы и комиксы, и, казалось бы, неопытный, детский стиль.Находясь в сильном противоречии с наивными визуальными эффектами, но также в явном соответствии с прямолинейным подходом и выражением, содержание его рисунков обычно изображает вульгарные повествования и сюжеты, и однажды это было описано как «невероятно вульгарное» в по существу положительном обзоре.
Дэвид Пейджл. Эти сюжеты часто появляются неожиданно и неуместно, оскорбляя консерваторов, но большая часть аудитории, кажется, в восторге от силы рисунка, благодаря которому пошлость кажется безобидной.
Фрэнсис Элис — Изысканные метафоры
Первоначально получив образование архитектора, Франсис Алис основывает свое искусство на широком спектре явлений, большинство из которых связано с социальными и политическими факторами. Он объясняет свое стремление « своего рода дискурсивным аргументом, состоящим из эпизодов, метафор или притч ». Когда в 1984 году он переехал со своей родины, Бельгии, в Мексику, он решил воплотить в жизнь свое новоявленное желание стать визуальным художником и оставить архитектуру позади, по крайней мере, с точки зрения прагматичного архитектурного дизайна.Хотя Алес демонстрирует свою чувствительность в различных средствах массовой информации, вполне вероятно, что его выбор для выражения идей через рисунок уходит корнями в архитектуру.
Эми Силлман — Изучение цвета
Что общего у Эми Силлман и многих мастеров рисования, так это склонность создавать работы, которые стирают грань между рисованием и живописью. Будучи американской художницей и обладая особенно выразительным визуальным стилем, который, казалось, избегал явной фигурации, она не могла не называться абстрактным экспрессионистом.Однако ее комментарий по поводу такой категоризации кажется неодобрительным: » Я хотела узнать как об абстрактном экспрессионизме, так и о критике станковой живописи — не потому, что хотела им подражать, а потому, что они мне не нравились. » Независимо от того, категории, ее яркие работы показывают, как цвета могут сочетаться в блестящие композиции, и как устойчивые и хаотичные линии сливаются с цветовыми пятнами.
Энн Киплинг — Танцующие линии
Подлинные, узнаваемые работы Энн Киплинг состоят из нескольких слоев, которые в конечном итоге создают импрессионистические пейзажи и портреты.Ее художественные усилия в первую очередь основаны на личной оценке конкретного предмета, а не на достижении фактического визуального сходства. Она является одним из уникальных примеров современной художницы, которая использует карандаши, ручки и мелки, а не акварель или краски, хотя с ними она тоже знакома. Киплинг утверждает, что она очарована трансформацией и изменением своего предмета, независимо от того, изображает ли она людей, пейзаж или, казалось бы, статичные ситуации.
Трейси Эмин — Эмоциональный Croquis
Если бы ни с того ни с сего кто-то спросил о современных мастерах рисования, Трейси Эмин, вероятно, ни у кого не было бы на кончике языка. Но не надо забывать, что хозяйка непрошенных признаний часто предпочитает выражать их через жанр рисунка. Так обстоит дело с ее монопринтами, рисунками, которые изображают события, которые произошли с ней, или были надуманы самой Эмином. Эти неформальные, непосредственные рисунки напоминают нам страницы, вырванные из дневника художницы, эмоционального человека, такого же неряшливого и честного, как и ее рисунки.Иногда они включают тексты, написанные с ошибками, а иногда и нечитаемые, что придает интимный тон ее работам.
Чарльз Эйвери — Героические стихи, переведенные в визуальные термины
Чарльз Эйвери — единственный в своем роде рассказчик, который просто предпочитает не облекать свои истории в слова. Вместо этого он использует рисунок и скульптуру, чтобы рассказать зрителю о своем воображаемом, аполитичном, аисторическом мире. Человекоподобные персонажи населяют его воображаемый остров, который является частью большого архипелага.Мы знаем это благодаря его своеобразным рисункам, на которых изображен главный город Ономатопея и все происходящие в нем ситуации. Хотя этот проект кажется одним большим, сложным произведением искусства, созданным на всю жизнь художника, художник еще молод, и нам придется подождать и посмотреть, будет ли эта история иметь форму серии или же она закончится в какую-то точку и развернуть художника в разные стороны.
Вирджиния Чихота — Возвращение к социальным проблемам
Художница из Зимбабве Вирджиния Чихота часто сочетает рисунок с трафаретной печатью, собирая различные элементы в новые визуальные сочетания.Ее работы изображают некоторые проблемы, связанные с женственностью и феминизмом, такие как неоднозначное восприятие африканских женщин, вопрос фертильности и некоторые более общие проблемы, такие как смерть, изоляция и интроспективный подход к себе. Большинство нарративов и символов, которые появляются в ее работах, в основном связаны с африканским континентом, политическими и социальными проблемами, которые вызывают у нее сильную внутреннюю боль и недовольство. Однако визуальная привлекательность ее работ не обязательно позиционируется как отрицательная, что говорит о ее амбивалентной позиции в искусстве, которое она использует и как средство выражения боли, и обретения счастья.
Сьюзен Хауптман — Фотореализм и андрогинность
В 2015 году из-за безвременной кончины великой мастерицы рисования Сьюзен Хауптман миру не хватило одной драгоценной жемчужины мира искусства, известной своим уникальным гиперреалистичным изображением. Гауптман делала в основном автопортреты, на которых ее собственное лицо представлялось нейтральным и андрогинным. Такое лицо легко прикреплялось к различным телам, одевалось в разную одежду и ассоциировалось с обоими полами. Умное взаимодействие одновременно ставило под сомнение и отбрасывало гендерный стереотип, и все это было сделано с помощью одного простого средства — рисования.Гауптман обычно делала ее рисунки черно-белыми, очень часто в натуральную величину, а эстетику часто сравнивали с изображением проституток Отто Диксом.
Брюс Коннер — Немного бита
Искусство Брюса Коннера было настоящей альтернативой американскому мейнстриму 1950-х годов, поскольку он был частью поколения битников Сан-Франциско, взрастившего ряд плодовитых гениальных художников, принадлежащих к разным художественным жанрам. Коннер сохранил свое художественное выражение в области изобразительного искусства, хотя он совершал экскурсии в другие жанры, как это делало большинство непредвзятых артистов, любящих джаз в то время.Однако большинство его рисунков, особенно более поздние, на самом деле совсем не кажутся джазовыми; напротив, они демонстрируют дисциплину и сосредоточенность в пропорции к большому количеству чернил или графита. Некоторые из его работ немного выходят из-под контроля (например, работы 60-х), но даже этот предполагаемый хаос, кажется, находится в каком-то равновесии.
Сай Твомбли — Опираясь на интуицию
Наконец, Сай Твомбли был известен многими интересными историями, и одной из менее известных был его период «рисования в темноте».Художник практиковал эту странную технику (которая на самом деле была скорее своего рода исследованием), когда он работал криптографом в армии в 1954 году. Причина, по которой Твомбли начал этим заниматься, связана с его увлечением примитивным искусством, созданным необразованные художники, у которых не было сознательного намерения за их работой. Твомбли хотел изучить условия воссоздания процесса. В конечном счете, эта техника стала известной благодаря его серии изображений на темном холсте с тонкими белыми линиями, похожими на царапины.Итак, с точки зрения ответа на заголовок этой статьи, Твомбли, вероятно, был тем, кто действительно исследовал линию на мета-уровне.