Картина мазками как называется: Как называется техника живописи маленькими мазками краски?

Мазок в живописи | Artstudi.ru Художественная студия

Для понимания сути изобразительных процессов мы знакомим наших учеников с дополнительными понятиями и тонкостями, возникающими в процессе обучения живописи.
Знание составных частей и так называемых «технических мелочей» усиливает понимание искусства в целом и живописи, в частности.
Мазок в живописи это один из ярчайших примеров того, как небольшая техническая особенность влияет на произведения художников и формирует целые стили.

Мазок — это маленькая часть живописной работы, его можно сравнить с кирпичиком, из которого собирается целый дом, а из мазков, сложенных в определенной последовательности, получаются настоящие произведения искусства.

Сам мазок – это не просто механическое движение кисти с краской, а трансляция мыслей и чувств художника.
Посредством кисти художник определяет, как будет ложиться краска на плоскость картины, как будет выглядеть конечный результат, какое будет от работы впечатление.

На других языках слово Мазок пишется как — Stroke (англ.), Touche (франц.), Pinselstrich (нем.) и переводится как «след кисти» на поверхности красочного слоя.

Владение техникой мазка — это составная часть живописной грамоты, такая же незаменимая как понимание гармоничных цветов, работа с тонами и распределение планов.
Из мазков лепится форма, и предметы материализуются на холсте. От того, каким видом мазка будет пользоваться художник, зависит не только внешний вид изображенного объекта, но и смысловое наполнение, которое он в себе несет.

Виды живописных мазков.

Как и любой технический метод, мазок имеет различные виды.

Гладкий (скрытый) – используется при гладком ровном письме, когда нужно подчеркнуть текстуру изображаемого материала. Хорошим примером служит живопись XVIII века: при совершенно ровной поверхности вся работа состоит из небольших мазков, просто их края настолько сглажены, что различимо только при тщательном рассмотрении.

Для того, чтобы рассмотреть практически «под лупой» любое произведение искусства хоть в Третьяковской галерее, хоть в Ватикане или Флоренции, появился уникальный сервис от Google под названием – Googleartproject. В этом проекте представлены практически все знаменитые музей мира, созданы виртуальные панорамы, где можно рассмотреть любую картину с фантастическим увеличением, так как все работы отсняты в сверхвысоком разрешении – 14 млрд. пикселей. Рекомендуем.

Пастозный (фактурный) – мазок, интенсивность которого зависит от замысла автора, изображаемой натуры или сюжета. Суть этого вида передает происхождение слова, «pastoso» по-итальянски обозначает «тестообразный». Работа ведется плотными, не просвечивающимися слоями, в некоторых случаях толщина слоя может достигать нескольких мм (!), благодаря этому создается определенный рельеф, с помощью которого можно подчеркнуть форму предмета.

Лессировочный (жидкий, прозрачный) – такой вид не является мазком в чистом виде, однако, с помощью него создается красочная фактура. Это постепенное накладывание полупрозрачных легких мазков до получения необходимого цвета или тона.

Как пользоваться мазком.

Мазок — это главный инструмент живописца. То, насколько вы освоите его технику, повлияет на разработку собственного стиля и манеры, а это, в свою очередь, будет выделять вас среди других художников.

Как пользоваться мазком в процессе обучения живописи.

• Менять вид и форму мазка. Хорошим заданием в работе над учебным натюрмортом является смешивание видов и форм мазков. Можно опробовать их на деле, понять, какими свойствами обладают, попытаться сделать цельную композицию из разных мазков.
• Располагать мазок по форме предмета. Моделировать предмет с помощью мазка, представлять структуру предмета и располагать на ней мазки так, чтобы они подчеркивали и проявляли конструкцию, менять направление мазков в зависимости от положения плоскостей. 
• Для передачи пространства. Использовать мазок для изображения передних и задних плоскостей. Передние планы решать более фактурными и плотными мазками, задние планы, наоборот, прозрачными легкими. За счет этого будет появляться глубина и пространство. 

Почему важно углубляется в такие детали? Ответом является то, что позволяло учить многие поколения живописцев – копирование достойных образцов. Правильное копирование подразумевает точное повторение техники, а этого можно достичь только «разобрав» работу на составные части, которыми является мазки. Точное копирование мазков может в итоге привести к целой картине. Если удалось сделать хорошую копию, то это — важный шаг в постижении техники художника, а значит, повышении своего мастерства.

Наши Уроки живописи проходят в Москве, расписание, цены, адрес вы можете найти в соответствующих разделах сайта, если останутся вопросы, звоните по телефонам: 8 903 669-66-79 или 8 903 668-69-36.

Как называется техника написания картин. Живопись маслом

Техника — это язык художника; развивайте ее неустанно, до виртуозности. Без нее вы никогда не сумеете рассказать людям свои мечтания, свои переживания, увиденную вами красоту». (П.П. Чистяков. Письма, записные книжки, воспоминания.)

Техника только средство, но художник, пренебрегающий этим средством, никогда не разрешит своей задачи.., он будет похож на наездника, позабывшего задать овса своей лошади». (Роден).

Наряду с подобными высказываниями мастеров о значении технического умения, развитого до виртуозности, вы встретите предостережения не увлекаться техническими приемами как самоцелью, а тем более не заимствовать их слепо у полюбившихся мастеров.

Кто идет за другими, никогда их не обгонит, и кто сам не умеет работать как следует, никогда не сумеет как следует воспользоваться чужими произведениями», — так категорично утверждал Микеланджело. (А. Сидоров. Рисунки старых мастеров.)

Известный советский художник и педагог И. П. Крымов как бы продолжал эту мысль, говоря: «Многие у нас стараются подражать большим мастерам. Подражают они их манере, а манера — дело последнее. Часто подражают Константину Коровину, но пишут фальшиво… Лучше бы его подражатели старались повторить его путь. Идя этим путем, они, может быть, начали писать не по-коровински, а по-своему». (П.П. Крымов — художник и педагог).

Вдумайтесь в эти мудрые высказывания и не ищите рецептов смешения красок и обязательных способов наложения мазков.

Начинающим важнее знать, что нельзя писать этюд по частям, а надо раскрывать его широко, целостно. Нельзя отделывать какой-то кусок живописи, оставляя кругом пестрый холст или приблизительно намеченные оттенки.

Б.В. Иогансон рекомендует начинающим писать сразу по всему холсту мазками, которые раскладывают и соотносят по цвету, как подбирают цветные камешки мозаики. При этом надо поддерживать одинаковую степень проработанности всех частей изображения, вести работу «от общего к частному».

Если не закончили работу за один сеанс, то последующую прописку делайте по просохшему красочному слою. Иначе появятся пожухлости и почернение цвета.

Но в тех случаях, когда между сеансами не прошло более 2-3 дней, можно растворить образовавшуюся пленку краски, протирая этюд разрезанной долькой чеснока или луковицей. После этого можно продолжать работу «по-сырому», не боясь пожухания.

Другие способы масляной живописи — технику подмалевка, корпусной лепки форм, лессировок изучите по мере накопления опыта. Надо идти «от простого к сложному».

Технология масляной живописи

Масляные краски состоят из сухих пигментов и высыхающего масла. Например, может применяться масло семян льна, мака или масло грецких орехов.

Современные пигменты ярче, устойчивее и разнообразнее пигментов, использовавшихся старыми мастерами. Они также менее токсичны.

Пигменты бывают прозрачные (лессирующие) и укрывистые (покрывные). Прозрачные пигменты прозрачны сами по себе и создают ощущение глянца и глубины в слое краски. Укрывистые непрозрачны и пропускают свет, только если их сильно разбавить, но ощущения глубины все равно не получается.

Прозрачные краски почти не теряют насыщенность при смешивании, укрывистые же быстро сереют — если смешать достаточно разные цвета. Старые мастера как правило предпочитали прозрачные краски, а на палитрах импрессионистов, наоборот, все краски, за исключением ультрамарина, были укрывистые.

Лучшие краски содержат всего один пигмент в максимальной концентрации. Но иногда, чтобы заменить токсичный, неустойчивый или дорогой пигмент, краску смешивают из нескольких пигментов. Часто такие краски смешиваются для того, чтобы придать красочному слою прозрачность там, где оригинал укрывист. Хотя большинство красок, полученных подобным способом, уступают оригиналу в чистоте и яркости, случается, что грамотно подобранная смесь ярче и чище оригинала. Единственное — в таких красках ни в коем случае не должно быть белил, так как краска будет абсолютно непригодна для темных глубоких смесей.

Для производства масляных красок наиболее популярно льняное масло. Лучшим маслом считается масло холодной выжимки. Качественное льняное масло имеет золотистый цвет и не имеет запаха. Для белой и холодных красок часто используется маковое масло, так как оно почти бесцветно, но основанные на нём краски дольше сохнут и могут потрескаться.

На свету и в присутствии воздуха масло «окисляется» и затвердевает, образуя прозрачную водоустойчивую пленку, удерживающую пигменты. Этот процесс не прекращается в течение 2-3 лет, за которые картина сначала существенно прибавляет в весе, а затем снова его теряет, но «подсохнуть» масло успевает за 4-12 дней. Полностью сухое масло очень хрупко и легко трескается при малейшем изгибе.

Помимо соблюдения технологии масляной живописи требуется правильное хранение работы. Пример высыхания и изменения красок, осыпи красочного слоя в масляной живописи на картине Горелова Ю.Г. «Художник за работой». Результат неправильного температурного режима хранения картины

Льняное масло желтеет без света. Поэтому картина, долго пролежавшая в шкафу, обязательно пожелтеет. Если выставить пожелтевшую картину на пару недель на солнце, она вернет свой изначальный цвет. Рафинированное льняное масло устойчивее к пожелтению, но более хрупко. Некоторые пигменты боятся солнца поэтому картину не следует держать на ярком свету слишком долго.

Чаще всего масляными красками рисуют на льняном или хлопковом холсте, или на деревянной панели. Чтобы писать масляными красками на холсте, дереве, картоне или другом каком-либо основании, на него сначала наносят грунт, чтобы воспрепятствовать вытеканию масла из красок, обеспечить лучшее сцепление красочного слоя с поверхностью холста и придать основанию определенную фактуру и цвет.

Наиболее популярными являются акриловые грунты как наиболее простые в применении и легкодоступные. Акриловый грунт наносится в 4-5 тонких слоев на растянутый холст или другую поверхность и полностью высыхает в течение одного дня. Акриловый грунт легко окрашивается в любой цвет с помощью добавления к нему акриловых красок или сухих пигментов. Чтобы воспрепятствовать впитыванию масла в грунт, его покрывают тонким слоем льняного масла или специально предназначенным для этого клеем. От качества грунта напрямую зависят яркость красок и долговечность работы. При использовании прозрачных и полупрозрачных красок цвет грунта может определять общий колорит картины, а также, до некоторой степени, может облегчать и ускорять работу над ней (см. Имприматура). Старые мастера умели пользоваться этим.

Для письма масляными красками наиболее популярны кисточки из свиной щетины, использующиеся для грубой работы, и красный соболь для тонких деталей. Но рисовать можно не только кисточками. Например, можно рисовать мастихином, губкой или тряпкой — всем, кроме пальцев, так как многие пигменты токсичны и легко проникают сквозь кожу. Синтетические кисточки для рисования маслом практически не пригодны, они легко портятся под воздействием лаков и растворителей и удерживают мало краски. Хорошая синтетика, близкая по качеству к натуральному волосу, зачастую намного его дороже. Важно отметить, что для живописи качество кисточек важнее качества красок (субъективное мнение).

Краски смешивают на палитре кистью или мастихином (специальный «нож» или «мастерок»). Мастихины делают из нержавеющего металла или пластика. Металлические мастихины более надежны и удобны, но могут изменить цвет некоторых пигментов или послужить катализатором для реакции некоторых пигментов в краске. В случае подобного риска обычно используют пластиковый мастихин. Чтобы избежать химических реакций пигментов и сохранить яркость красок, не следует смешивать более трёх пигментов сразу — к оттенку надо идти кратчайшим путем.

Палитрой может служить деревянная дощечка, вощeная бумага, керамическая плитка или кусок стекла. Лучше использовать стекло, так как оно не впитывает масло, не реагирует с пигментами, легко очищается скребком и, под него можно подложить бумагу такого же цвета что и грунт, что существенно облегчает подбор и смешивание цветов. Так же часто используются палитры из матового и белого пластика, оргстекла.

Чтобы разбавить краску или сполоснуть кисточку, используют терпентин или любой другой растворитель — достаточно чистый, чтобы полностью испариться, не оставляя жирных пятен или других загрязнителей, способных испортить краску. Сильно разбавлять краску нельзя, так как она может не прилипнуть к предыдущему слою, если в ней не содержится достаточно масла. Минеральные растворители могут способствовать выцветанию краски. В верхних слоях картины для разжижения краски лучше использовать небольшое количество льняного масла.

Растворитель для мытья кисточки не выливают, а держат в специальной баночке с двойным дном — второе дно с отверстиями. Пигменты постепенно оседают на дно сквозь отверстия, и растворитель можно использовать снова, не боясь побеспокоить осевшую на дно грязь. Кисточку перед мытьем тщательно вытирают тряпкой. После мытья растворителем кисточки моют теплой водой с шампунем и тщательно вытирают, перед тем как убрать. Хранить кисточки следует ставя вертикально в стакане, головой вверх, чтобы они быстрее высыхали и не теряли форму.

Для придания масляным краскам блеска к ним подмешивают специальные лаки и смолы, например даммарную смолу, растворённую во французском терпентине с добавлением сгущенного на солнце льняного масла. Краски могут потрескаться от избытка лака, поэтому лаков и смол не рекомендуется добавлять более десяти процентов от объема краски.

В современные краски так же часто добавляют вещества ускоряющие высыхание, так называемые сиккативы. Быстро сохнущие краски очень удобны, но могут потрескаться через несколько лет, когда краска полностью высохнет.

Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. Мольберты бывают стационарные и переносные. И те, и другие делаются из дерева, металла или пластика. Наиболее популярны деревянные мольберты, так как они устойчивее алюминиевых и пластиковых мольбертов и в то же время существенно легче остальных.

Законченную полностью высохшую картину часто покрывают лаком, чтобы выровнять тон и защитить картину от разрушения. Один из наиболее популярных лаков — кетоновый. Он легко смывается спиртом в случае повреждения его поверхности.

Техника живописи

Происхождение масляной живописи

Происхождение масляной живописи более позднее, чем фрески и темперы. Еще и теперь не замолкли споры, когда появилась масляная живопись в настоящем смысле слова. Вазари называет изобретателем масляной живописи нидерландского живописца Яна ван Эйка — мастера первой половины XV века. Однако ряд ученых указывает, что масляные краски и лаки были известны раньше и в Европе, и в Азии (в Китае). В средние века для раскраски статуй пользовались масляными красками. Однако эти возражения не умаляют исторического значения Яна ван Эйка. Точно мы не знаем сущности его нововведения: может быть, он употреблял льняное или ореховое масло, прибегая к соединению масла и темперы в прозрачных лессировках — во всяком случае, именно только с ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия. Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Полный перелом происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини, который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких традиций темперы и фрески, открывающее полный простор для колористической фантазии живописцев.

Еще один перелом — историческая цезура проходит где-то во второй половине XIX века — живопись старых мастеров отделяется от новейшей. Это радикальнейшее отличие — техника старых мастеров и техника новейшей живописи, как будто принадлежит двум совершенно различным видам искусства. Вспомним о двух видах света, которые отражает поверхность картины. Чем глубже под поверхностью картины находится слой, отражающий свет, тем более красочная структура картины насыщена цветом, краски полны внутреннего горения и сверкания. Достигалось это у старых мастеров наслоением нескольких прозрачных слоев. Уже в XVIII веке живописцы стремятся к более непосредственному и динамическому методу, находя в индивидуальном мазке, в более свободной и густой живописи, в отказе от прозрачных лессировок выражение своей новой стилистической концепции. Исходя из различного понимания фактуры картины, контраст старого и нового методов можно было бы формулировать следующий образом. В основе техники старых мастеров мы находим в большинстве случаев трехслойную последовательность. Этой технической последовательности соответствовал внутренний процесс творчества живописца — сначала рисунок, потом светотень, потом цвет. Иначе говоря, концепция старых мастеров переживала последовательны» стадии развития, от композиции к форме и колориту. Принципы новейшей живописи иные: они влекут художника как бы смешать, слить воедино, одновременно разрешить эти технические и стилистические проблемы и процессы. Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка» и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие. Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет эстетической полноценности. В любой момент картина готова. Сохранились самые разнообразные работы Сезанна, начиная от первых подмалевок и беглых этюдов и кончая полотнами, над которыми художник работал очень долго. Но именно слоев, стадий нет в живописи Сезанна, нет последовательного вырастания одной стилистической проблемы из другой. От начала до конца, от первых до последних мазков это одновременно рисунок, форма, цвет. Полной противоположностью является процесс работы (и фактура) старых мастеров. Разумеется, в пределах классического метода возможны самые различные варианты, но по своему существу этот метод основан на последовательности трех слоев. Первый слой, первая стадия — это детализированный рисунок кистью на грунте. Здесь живописец устанавливает главные элементы изображения, определяет композицию, основные акценты света и тени. Этот рисунок, наносится маслом или темперой, очень тонким прозрачным слоем (так что грунт просвечивает) и имеет обычно монохромный характер — черный, коричневый, кирпично-красный, иногда два тона, например синий и коричневый («Святой Иероним» Леонардо да Винчи). Затем следует основной слой, или подмалевок, который выполняется кроющими, корпусными красками. В этом слое выделены обычно освещенные части изображенных предметов, вообще все светлые места в картине. Задача этого слоя — дать лепку формы. Подмалевок часто выполняется белилами, обычно подцвеченными (умброй, охрой, киноварью), но в более холодных тонах, чем законченная картина. В этом слое, который потом просвечивает сквозь последний, третий слой, особенно ярко сказывается характер мазка, индивидуальный почерк художника. Некоторые живописцы с особенно динамическим темпераментом, например Франс Гальс, вообще довольствовались только двумя слоями. Последний слой выполнялся прозрачными лессировками. Он делал ниже лежащие краски более темными и теплыми. Главная задача третьего слоя — насытить колорит картины цветом, дать красочное богатство ниже находящимся монохромным слоям. Если лессировки ложатся не на совсем высохший подмалевок, то бывает, что белила подмалевка примешиваются к верхнему стекловидному слою и его баламутят. Это может быть сознательным приемом, связанным с удивительной свободой и живописностью, у наиболее выдающихся мастеров колорита — Тициана, Рембрандта, Тьеполо. В общем, можно утверждать, что в архаическую пору масляной живописи блестящие достижения характерны для верхнего прозрачного слоя картины, тогда как с середины XVI века, особенно же в XVII—XVIII веках, главное внимание сосредоточивалось на подмалевке, в свободных штрихах которого художник как бы воплощал свой творческий процесс. техника кладки красок неотделима, с одной стороны, от проблем фактуры (обработка поверхности картины), а с другой — от концепции колорита у того или другого художника в ту или иную эпоху в связи с тем или иным стилем. К основным элементам колоритаё мы теперь и обратимся.

Виппер Борис Робертович. Введение в историческое изучение искусства.

Масляными красками были написаны величайшие шедевры, именно им отдавали, и до сих пор отдают, свое предпочтение мастера живописи и знаменитые художники. Но работа с такими красками имеет свои уникальные особенности и своеобразные отличия по техникам. Поэтому у многих начинающих художников возникают некоторые сложности в написании картин. В этой статье попробуем разобраться, как рисовать масляными красками, какие они бывают, а также рассмотрим несколько техник в живописи маслом.

В специализированных магазинах масляные краски представлены в большом ассортименте, есть множество марок, под которыми выпускаются в продажу такие художественные товары. В чем особенность масляных красок?

В состав входят различные пигменты: минеральные, органические, синтетические и земляные. Те же компоненты присутствуют и в составе других видов красок, будь это акриловые или акварельные.

Масляные краски отличаются от других связующим компонентом — это масло льняного семени. Именно оно дает яркость и насыщенность цвета, и именно из-за него такие краски долго сохнут. Но зато свежий слой масла, нанесенный на холст, поддается изменениям, то есть можно неоднократно корректировать рисунок и накладывать новые слои поверх старых.

Еще одна особенность масляных красок состоит в том, что их разбавляют не водой, а специальным растворителем, в качестве которого тоже применяется растительное масло. Такой разбавитель продается в художественных магазинах, что и сами краски.

Каких видов бывают?

В каждом специализированном магазине можно найти краски трех видов:

• Высокохудожественные. Это краски, которые приобретаются профессионалами своего дела. Состоят только из качественных компонентов, поэтому имеют высокую стоимость. Но для хорошей картины нужны хорошие краски, которые со временем не потеряют свой блеск и не поменяют цвет.

• Студийные. Пользуются не меньшим спросом, чем первый вариант, хорошо ведут себя на холсте. Подходят как для профессиональных, так и начинающих художников.

• Эскизные. Больше подходят новичкам в художественном деле, так как за низкую стоимость можно приобрести достаточное количество красок и выбрать свою технику нанесения.

Производители масляных красок располагаются во многих странах мира. Художники со стажем уже подобрали для себя те варианты, которые подходят для работы. Многие комбинируют свои наборы из разных фирм, что также допустимо.

Еще масляные краски делятся на прозрачные и непрозрачные. Последние по своей структуре более плотные и поэтому не пропускают через себя свет. На каждой упаковке должны присутствовать специальные обозначения. Например, обозначение «*» говорит о стойкости и долговечности краски на холсте. Чем больше таких символов на краске, тем дольше прослужат готовые полотна. Самые лучшие краски имеют срок более 100 лет.

Символ в виде закрашенного черного квадрата обозначает, что краска не прозрачная, если на половину – то полупрозрачная.

Пигменты, которые дают краске тот или иной цвет, можно разделить на органические и неорганические. Первый вид дает более яркие оттенки, а второй натуральные цвета. При хорошем соотношении пигментов производители добиваются красивых и качественных оттенков.

Для производства масляных красок обычно используют льняное масло импортного производства, так как лен, растущий не на территории Российской Федерации, обладает уникальными свойствами, благодаря которым, художественные краски имеют свои уникальные качественные характеристики.

На видео: как выбрать краски для живописи маслом.

О техниках рисования

Подготовка к творчеству не занимает много времени, тем более, что в современных магазинах искусства можно приобрести все самое необходимое для работы. Уже натянутые и загрунтованные холсты можно найти любого размера — от самого маленького до огромного.

Картина, написанная масляными красками, очень эффектно смотрится. Мазки, накладываемые художником, выглядят будто отдельно друг от друга. Многие думают, что живопись маслом довольно простое занятие, но это совершенно не так. Попробуем разобраться, как научиться рисовать масляными красками.

У каждого мастера существует своя техника рисования, которая отличается своими особенностями. Стандартными можно выделить:

• многослойное наложение;
• алла-прима – один слой.

Исполнение многослойного наложения – это очень сложная техника, при которой нужно быть максимально осторожным, зная все свойства и характеристики маслянных красок. Необходимо работать в одном стиле и не разбавлять краску, чтобы быстрее закончить работу. Разбавленный состав может выглядеть на полотне более матовым и тусклым, чем остальные детали. При такой технике на всю работу уйдет не один и не два тюбика краски.

При наложении одного слоя необходимо помнить, что краска может сжаться, и на картине появятся трещины. Художники в этом случае дают первому слою полностью высохнуть и пишут второй. Многие мастера чаще пользуются этой техникой, так как расход материала ниже.

Основные правила

Итак, учимся рисовать маслом. Какие правила нужно соблюдать:

1. Обязательным условием написания любой картины является свет. Только правильно выставленное освещение позволяет добиться нужного эффекта.
2. Художники начинают свою работу с контура будущей картины. Для этого хорошо подойдет уголь. Его можно легко стереть тряпкой и нарисовать заново неполучившийся элемент. Линии, которые нарисованы углем, необходимо закрепить на холсте.
3. На картине все тона и тени получаются путем постоянного смешивания цветов. Нужно четко понимать, какие цвета нужно смешать, чтобы добиться того или иного оттенка.
4. Мастера начинают писать свою картину с самых ярких элементов композиции. То есть, сначала нужно выделить самый темный элемент и самый светлый. Далее можно начать и все остальные детали.
5. Как только основной набросок сделан, можно переходить к прорисовке. Но не стоит заострять свое внимание на одном элементе. Необходимо постепенно задействовать весь холст.
6. Художники рекомендуют брать белил гораздо в больших объемах, чем краски других цветов, так как они используются чаще.
7. Готовая картина сохнет в течение трех дней, поэтому можно делать поправки на холсте на следующий день после завершения работы. Не получившееся место можно снять шпателем. Это не навредит ни холсту, ни всей картине в целом. Работа останется такой же прочной.
8. Для начинающих мастеров и любителей, пользоваться профессиональными красками невыгодно, так как у новичков в основном будут нарисованы эскизы.
9. Для масляных красок необходимо подготовить специальное место для хранения. Что нужно для рисования (краски, кисти, холст, палитра) должно быть в одном месте, и при первой же необходимости их можно взять и использовать.
10. После полного высыхания полотна нельзя поверхность протирать грязной тряпкой и трогать ее руками. Это может навредить внешнему виду общего рисунка.

Поэтапное рисование масляными красками выглядит примерно так.

Как правильно рисовать свои первые картины подскажут художники, которые могут похвастаться большим рядом полотен. Для рисования маслом на холсте существуют определенные техники рисования. Начинающему художнику нужно начать работать под присмотром опытного преподавателя. Как только написанные рисунки станут получаться, и будут выявлены свои методики, можно рисовать маслом самостоятельно.

На чем писать масляными красками и как начать рисовать могут подсказать и продавцы магазинов художественных принадлежностей. Существует много школ, где люди любого возраста учатся писать живопись. Учитесь рисовать только у хороших мастеров живописи!

Мастер-классы по рисованию маслом (2 видео)

Картины поэтапно (23 фото)

Как хорошо быть художником! Ведь он может запечатлеть красоту окружающего нас мира в пастельных рисунках, а живопись маслом — это вообще какое-то чудо! Иногда смотришь на картину — и хочется перешагнуть за границу багета и раствориться в прекрасном мире, написанном на холсте талантливой кистью художника. Вы тоже хотите войти в число избранных счастливцев, которые могут свободно владеть кистью и красками? Если вас не пугают трудности, а решимость и любовь к рисованию переполняют сердце и душу, тогда — вперед! Мы уверены, что с вашей решительностью вы очень скоро станете настоящим мастером.

Живопись маслом — с чего начать

Начинать всегда трудно. Рисование на холсте масляными красками — дело, требующее многих знаний, умений и навыков. Конечно, лучше всего начинать приобщаться к искусству как можно раньше. К сожалению, далеко не всех родители водили в детстве в художественную школу.

Но в наше время существуют изостудии для людей любых возрастов, где каждый желающий может изучать живопись маслом. Мастер-класс в таких школах обычно ведут опытные педагоги-художники, которые прекрасно разбираются в предмете и могут в полной мере раскрыть все секреты мастерства. Если же по каким-либо причинам, вы не можете или не хотите посещать подобное заведение, то и это не беда. В конце концов, упорный и целеустремленный человек может и самостоятельно научиться писать масляные картины. А для начала нужно будет отправиться в магазин и купить там все необходимое для живописи.

Какие материалы понадобятся для работы

Живопись маслом — дело, требующее не только таланта и умения, но еще и значительных финансовых затрат, ведь для того чтобы писать картины, потребуется уйма всего. Вот перечень того, что вам понадобится для работы:

1. Специальные масляные краски в тюбиках.

2. Кисти разных размеров из натуральной щетины (плоские) и (круглая) для заключительной отделки вашего живописного произведения.

3. Этюдник.

4. Растворитель для масляных красок.

5. Уголь для нанесения предварительного рисунка на холст или простой мягкий карандаш.

6. Подрамник. Его можно заказать в багетной мастерской или купить готовый в магазине.

7. Грунтованный холст.

Ну вот, теперь вы практически во всеоружии и можете приступать к творческому процессу. Но сначала выслушайте наш небольшой рассказ о свойствах масляных красок.

О масляных красках подробнее

Красивая живопись маслом захватывает дух. Но приходилось ли вам задумываться над тем, сколько времени проводит мастер за мольбертом? Многое зависит и от качества красок, которые использует художник. Сейчас нам трудно это представить, но когда-то живописцы и понятия не имели о масляных красках. Они были изобретены только в XV веке фламандцами, и секрет их изготовления долгое время держался в строжайшей тайне. Представляете, как нам повезло?! В наше-то время такие краски можно купить совершенно свободно, причем самого превосходного качества!

Вам нужно знать, что больше всего при работе расходуется белый цвет. Поэтому если вы покупаете краски в наборе, то прикупите к ним еще несколько тюбиков свинцовых или Также вы можете не пользоваться готовыми магазинными комплектами, а собрать свою собственную палитру. Только не нужно стараться сразу же покупать как можно больше цветов. Берите только основные: белила, черную краску (лучше всего приобрести жженую кость), охру (желтую и красную), кадмий красный, или киноварь, краплак, желтый кадмий, хром зеленый, ультрамарин и синий кобальт, марс коричневый. Такого набора на первых порах будет вполне достаточно.

Живопись маслом для начинающих. Этапы работы

Слона, как известно, лучше всего есть по частям, поэтому давайте выясним, из каких этапов будет состоять работа над масляной картиной.

1. Сначала необходимо определиться с натурой, т.е. решить, что именно вы будете писать: натюрморт, пейзаж, а может, замахнетесь даже на портрет?

2. Допустим, вы выбрали натюрморт. Как известно, он состоит из нескольких разных предметов, которые обязательно нужно тщательно прорисовать, кроме того, необходимо как следует продумать освещение. Игра света и тени — очень важный момент, о котором ни в коем случае не стоит забывать.

3. Если грунтованный холст и подрамник существуют у вас пока что по отдельности, то это нужно исправить и натянуть полотно при помощи степлера для мебели.

5. Теперь наступила пора сделать первоначальный подмалевок. Здесь ваша задача сводится к тому, чтобы разобраться с основными цветами, тенями и светом на вашей картине. После этого этапа ваша живопись маслом должна немного подсохнуть. Вы сможете вернуться к работе над ней на следующий день.

6. После того как набросок высох, можно приступать к дальнейшему творчеству. Наступило время уточнения контуров и проработки деталей.

7. На заключительном этапе широкие кисти надо отложить в сторону и взять в руки круглую тонкую колонковую кисточку. Ею на картину наносятся самые мелкие завершающие штрихи.

8. Ну вот, работа готова. После полной просушки картины вы можете покрыть ее специальным лаком.

С чего лучше начинать: с портрета, пейзажа или натюрморта?

Если вы никогда ранее не практиковали живопись маслом на холсте, то не стоит начинать это делать с портрета, ведь это самое сложное. Да и пейзаж неопытному художнику трудно дается, особенно если вы хотите писать его с натуры. Сложность во многом возникает потому, что освещение на природе постоянно меняется, деревья шевелятся от ветра, да и разных отвлекающих моментов слишком много: жужжащие комары и мухи, надоедливые прохожие и т. д.

Другое дело — натюрморт (мертвая натура): составил его из разных предметов, и он будет стоять как миленький столько, сколько вам понадобится. Только не нужно сразу же пытаться подражать «Малым голландцам» и браться за сложную композицию, состоящую из множества предметов и цветов. Для начала лучше довольствоваться скромным натюрмортом из двух-трех вещей.

Как пользоваться палитрой

Вы, наверное, видели в разных фильмах, как маститые живописцы красиво держат одной рукой палитру, а другой свободно рисуют на холсте. Вы тоже можете так делать, для этого в палитре есть специальное отверстие: вставляете туда большой палец, а остальными поддерживаете ее снизу — очень удобно, попробуйте!

Краски выдавливаются на верхний левый край досточки, а середина ее должна оставаться свободной — на ней вы будете смешивать цвета. Очень важно: после сеанса живописи не забудьте соскоблить неиспользованную краску, иначе она присохнет к палитре и будет мешать последующей работе.

Техника масляной живописи

Обучение живописи маслом может тормозиться из-за того, что начинающий художник может плохо понимать технику такого рисунка. Масляные краски обладают большой плотностью, и без опыта бывает трудно добиться незаметных тоновых переходов. Взгляните на репродукции старинных картин — вы не увидите на них и следа мазков. Если вас привлекает именно такая манера, то нужно будет перво-наперво освоить так называемую лессировочную технику. При этом краски разводятся растворителем достаточно жидко, но на поверхность холста наносятся практически Это трудно объяснить словами, лучше всего посмотреть, как это делают настоящие художники.

Еще один прием, который позволяет добиваться красивых эффектов в живописи, — растушевка краски кистью на холсте. При этом один цвет как бы вплавляется в другой. Ну и, конечно, совсем не обязательно стараться писать без мазков. Быть может, вы хотите взять за образец подражание

Последнее напутствие начинающему художнику

Ну вот и закончился наш небольшой рассказ про живопись маслом. Мастер-класс получился хоть и небольшим, но весьма содержательным. Теперь только от вас будет зависеть, как скоро вы сможете порадовать своих близких прекрасными произведениями. Начинайте поскорее творить и ничего не бойтесь. Мы желаем вам творческих успехов!

В масляной живописи существует множество техник и приемов работы с красками. Художник сам решает, какие способы ему ближе и интереснее применить. В основе всегда присутствуют два приема: однослойная и многослойная техники.

Однослойная техника масляной живописи.

Наносится предварительный рисунок будущей картины. Картина пишется в короткий срок. Краска не должна высохнуть , так как при нанесении красочных мазков художник подмешивает их друг в друга, создает новые оттенки прямо на холсте . Этот прием еще называют ALLA PRIMA (в один прием). Он позволяет работать на пленэре или с этюдом небольшого формата. Работая жесткими или мастихином, картина получается фактурной. Густо накладывая краску, можно формировать, двигать и перемешивать красочный слой. Краски отличаются друг от друга своими свойствами. Например, белила и кадмий имеют плотную структуру, что позволяет работать пастозно (пастообразно) или корпусно. Не всегда хватает одного сеанса для завершения картины. Для того, чтобы краска не сохла слишком быстро, картину ставят в прохладное и защищенное от солнца место.

Многослойная техника масляной живописи.

Длительная работа над картиной требует нанесения двух или более слоев краски. Первый слой – подмалевок. Художник наносит на холст рисунок и прописывает слой, на котором видны основные тональные пятна. Следующий слой — прописка и детализация. Прежде чем приступить к дальнейшей работе, предыдущий слой должен просохнуть . Иначе краска жухнет и тускнеет. Это связано с тем, что невысохшие краски впитывают масло из свеженанесенных слоев. Перед работой достаточно будет промаслить картину.

прописка и детализация в масляной живописи

Современные художники сочетают обе техники, чередуют красочные слои, достигая глубины, насыщенности и яркости цвета. Используя текстурную пасту, художник буквально лепит фактуру, выдвигая тем самым объекты на передний план. Щетинной кистью и мастихином можно создать шероховатость, бугристость поверхности. А затем добавить красочных слоев, отвечающих художественному замыслу автора.
Не ищите специального рецепта смешения красок, не подражайте понравившемуся автору! Индивидуальность художника проявляется в авторской манере письма. Идите своим путем, приобретая видение и навыки в рисовании. На наших

Приступая к освоению изобразительного искусства, рано или поздно следует определиться со «своей» техникой написания картин . Причем это необязательно такие техники, которые сейчас у вас получаются лучше всего — это та техника, с помощью которой вы можете наиболее полно реализовать свой творческий потенциал. Ошибкой многих перспективных художников является выбор наиболее легкого пути. Прочитав эту статью — пробуйте, экспериментируйте, ищите. Вы обязательно найдете технику написания картин по душе.

Итак, техники живописи . В нашем интернет-магазине «Lucky-ART» представлен товар для станковой живописи , которая выполняется на холстах, мольберте и бумаге. Есть еще монументальная живопись, где в качестве полотен используются стены различных сооружений. Первыми художниками-монументалистами стали в доисторические времена первобытные люди, расписывая стены пещер изображениями зверей, сценами охоты и так далее. Кстати, пещерная, наскальная живопись также носит название петроглифы и выполнялась не только с помощью желтой, красной, белой и черной красок, но и с применением резцов, примитивных инструментов для высекания изображений в камне.

Для древних египтян такая техника не утратила актуальности, но была модернизирована: рабочие поверхности — камень и древесина покрывались слоем известняка и гипса, смола. Кроме этого, стали использоваться зеленый и синие цвета. Сейчас эта техника живописи получила название темпера , то есть краски на основе натуральных пигментов.

В том же Древнем Египте зародилась и клеевая живопись , что предполагает использование темперы и клея (растительного или животного происхождения). С тех же пор стала известна и энкаустика , техника восковой живописи написания картин расплавленными красками, которая была перенята сначала античными художниками, а позднее — греческими иконописцами.

Приблизительно около 2000 года до н.э. уже существовала фреска — рисование по сырой штукатурке. Как вы знаете, эта техника написания картин актуальна и по сей день. Картина маслом — очень древняя техника живописи , она появилась еще в седьмом веке до н.э. как минимум в Афганистане, где были найдены подтверждения этого факта.

Акварель — техника написания картин водорастворимыми красками, зародилась во втором веке до н.э.

Краска, сделанная из сажи — тушь , также называется и сам способ, очень древний и используемый для каллиграфии и суми-э.

Китайцы также изобрели гохуа , где используются тушь и водяные краски. Это второй век до н.э. Ими была изобретена в четырнадцатом веке сухая кисть — растирание масляных красок по бумажной поверхности.

Веком позже в мире появилась карнация — многослойное наложение красок. Благодаря этой технике написания картин портреты и изображения людей стали получаться более «живыми».

Гризайлем пишут художники, которые покорили градации одного цвета, обычно это сепия и серый.

Гуашь — нанесение изображений более матовыми и плотными красками, чем акварель. Изобретена она в Европе в шестнадцатом веке.

Знаменитый Леонардо да Винчи изобрел сфумато — смягчение очертаний фигур и предметов. С ее помощью можно передать даже воздух, окутывающий людей и предметы. В переводе с итальянского это название переводится «исчезающий, как дым», затушеванный. Кстати, никто до сих пор не превзошел этого мастера, который наносил слой краски толщиной в пару микрон, при этом весь слой красок толщиной не превышал 40 микрон!

Лессировка — тоже изобретение Леонардо да Винчи. Эту технику написания картин также называют глизалью . Она заключается в нанесении полупрозрачных тонов поверх основного слоя.

Пастель — рисование мелками и карандашами. Способ известен с шестнадцатого века, причем различают три разновидности: восковая, масляная и сухая.

Когда картины пишутся прямоугольными мазками и/или точками, то это — дивизионизм или пуантилизм , возникший в девятнадцатом веке.

Энди Уорхолл стал родоначальником акрила — техники рисования картин водостойкими акриловыми красками.

Кстати, если вы хотите использовать хотя бы часть всего этого одновременнно — то это тоже допустимо. Тогда вы будете работать в смешанной технике .

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Тайна безумия Ван Гога: о чем говорит его последняя картина?

• Аластер Сук
• BBC Culture

23 августа 2016

Автор фото, Van Gogh

Летним днем в 1890 году Винсент Ван Гог застрелился на поле в окрестностях Парижа. Обозреватель BBC Culture исследует картину, над которой он работал тем утром, чтобы понять, что она говорит о состоянии психики художника.

27 июля 1890 года Винсент Ван Гог вышел на пшеничное поле, раскинувшееся позади замка во французской деревушке Овер-сюр-Уаз в нескольких километрах от Парижа, и выстрелил себе в грудь.

К тому моменту художник уже полтора года страдал от психического заболевания — с тех самых пор, как декабрьским вечером в 1888 году, в период своей жизни в городе Арле во французском Провансе, несчастный отрезал себе бритвой левое ухо.

После этого у него эпизодически случались приступы, которые подрывали его силы и после которых он по несколько дней, а то и недель находился в состоянии помутненного сознания или утрачивал связь с реальностью.

Впрочем, в промежутках между срывами его ум был спокоен и ясен, и художник мог писать картины.

Более того, пребывание в Овере, куда он приехал в мае 1890 года после выхода из психиатрической лечебницы, стало самым плодотворным этапом его творческой жизни: за 70 дней он создал 75 картин и более ста рисунков и эскизов.

Однако несмотря на это, он чувствовал себя все более одиноким и не находил себе места, убедив себя в том, что жизнь его была напрасна.

В конце концов он раздобыл небольшой револьвер, принадлежащий хозяину дома, который он снимал в Овере.

Это-то оружие он и взял с собой в поле в тот роковой воскресный день в конце июля.

Однако в руки ему попал всего лишь карманный револьвер, не очень мощный, так что когда художник спустил курок, пуля, вместо того, чтобы пронзить сердце, отрикошетила от ребра.

Автор фото, EPA

Подпись к фото,

В Музее Ван Гога в Амстердаме выставлено оружие, из которого, как считается, застрелился художник

Ван Гог потерял сознание и упал на землю. Когда наступил вечер, он пришел в себя и стал искать револьвер, чтобы довести дело до конца, но не нашел и поплелся обратно в гостиницу, где ему вызвали доктора.

О случившемся сообщили брату Ван Гога, Тео, который прибыл на следующий же день. В течение некоторого времени Тео думал, что Винсент выживет — но поделать уже ничего было нельзя. Той же ночью, в возрасте 37 лет, художник умер.

«Я не отходил от его изголовья, пока все не было кончено, — писал Тео своей жене Йоханне. — Умирая, он выговорил: «Вот так я и хотел уйти!», после чего прожил еще несколько минут, а потом все закончилось, и он обрел покой, которого не мог найти на земле».

Выставка «На грани безумия» в Музее Ван Гога в Амстердаме дает подробное и целостное представление о последних полутора годах жизни художника.

Точный диагноз Ван Гога посетителям не называют (за прошедшие десятилетия выдвигались самые разные гипотезы — от эпилепсии и шизофрении до алкоголизма, психопатии и пограничного расстройства личности), зато среди экспонатов есть проржавевший револьвер, найденный в полях за замком в Овере где-то в 1960 году.

Анализ револьвера показал, что из него стреляли и что он пролежал в земле от 50 до 80 лет, — иными словами, вполне вероятно, что это именно тот револьвер, с помощью которого Ван Гог покончил с собой.

Корни всех бед

Кроме того, на выставке можно взглянуть на недавно обнаруженное письмо, о котором много говорилось в средствах массовой информации.

Его написал лечащий врач Ван Гога в Арле Феликс Рэй, снабдив повествование рисунком, показывающим, какую именно часть уха отрезал себе художник.

В течение долгих лет биографы спорили о том, лишился ли Ван Гог всего уха или только мочки. Письмо, найденное независимым исследователем Бернадеттой Мерфи, которая написала о своем открытии книгу «Подлинная история уха Ван Гога», неопровержимо доказывает, что несчастный безумец отхватил себе ухо целиком.

Автор фото, AP

Подпись к фото,

Письмо французского провинциального врача Феликса Рэя, показывающее, какую часть уха отрезал себе Ван Гог в декабре 1888 года

Разумеется, письмо стало на выставке гвоздем программы. Однако во время недавнего посещения музея мое внимание привлек другой экспонат — неоконченная картина шириной около метра под названием «Корни деревьев» (1890 год).

Ван Гог работал над ней утром 27 июля, за несколько часов до попытки самоубийства. Это было его последнее полотно.

На первый взгляд эта насыщенная картина кажется почти абстрактной: как можно «прочитать» эту массу синих, зеленых и желтых мазков, между которыми просвечивает холст?

Автор фото, Van Gogh

Подпись к фото,

«Корни деревьев» Ван Гога — сложное «сплошное» полотно без какого-либо определенного акцента

Но постепенно сквозь беспорядочные пятна проступает пейзаж: обнаженные корни и нижние части деревьев на фоне светлой песчаной почвы на крутом известняковом склоне. В верхнем левом углу картины проглядывает небольшой клочок неба.

За исключением этого крохотного кусочка весь холст занят тесным сплетением узловатых корней, стволов, ветвей и буйной растительности. Как отмечает Мартин Бэйли, историк-искусствовед и автор книги «Южная студия: Ван Гог в Провансе», которая сейчас готовится к публикации, «верхушки деревьев обрезаны очень необычным образом — примерно как на японских гравюрах, которыми так восхищался Ван Гог».

На самом деле, «Корни деревьев» — во многом экстраординарная картина: это новаторская сплошная композиция без какого-либо определенного акцента.

Возможно, она стала предтечей дальнейших форм развития современного искусства, таких как абстракция.

И в то же время невозможно не воспринимать это полотно в ретроспективе, зная, что вскоре после работы над ним Ван Гог попытался покончить с собой.

Что же эта картина говорит нам о состоянии его психики?

Прощай, жизнь?

От картины, все всякого сомнения, веет возбуждением, она вся словно пропитана эмоциональной неустойчивостью.

«Это одна из тех картин, глядя на которые можно почувствовать психические муки Ван Гога», — рассказывает Бэйли.

Более того, тема этой работы, по-видимому, тоже имеет значение. Несколькими годами ранее Ван Гог создал этюд, изображающий корни деревьев, который, как он написал в своем письме Тео, должен был символизировать жизненную борьбу.

Незадолго до смерти в другом письме брату он сообщил, что его жизнь «подрублена под самый корень».

Могло ли это полотно быть задумано Ван Гогом как прощальное?

Автор фото, Van Gogh

Подпись к фото,

В картине «Пшеничное поле с воронами», тоже написанной в июле 1890 года, использована та же беспокойная техника, но общая атмосфера более темная и зловещая

Впрочем, когда я поделился своими соображениями с сотрудницей музея Нинке Баккер, которая отвечает за изобразительную часть коллекции, она предостерегла меня от поспешных выводов.

«В работах последних недель жизни Ван Гога — таких как «Пшеничное поле с воронами» или «Пшеничное поле под грозовыми тучами» — заметно сильное эмоциональное возбуждение, — поясняет она. — Очевидно, он пытался выразить свое собственное эмоциональное состояние».

«Однако картина «Корни деревьев» получилась очень яркой и полной жизни. Это очень смелая работа. Трудно поверить, чтобы человек, написавший такое утром, в конце того же дня попытался свести счеты с жизнью».

«Мне сложно утверждать, будто Ван Гог сознательно задумал эту картину как прощание, — это был бы чересчур рациональный поступок», — считает Баккер.

Наконец, Нинке Баккер решительно пресекает предположения о том, будто болезнь Ван Гога и сделала его гениальным художником.

«Все эти искореженные узловатые корни оставляют впечатление чего-то беспорядочного, крайне эмоционального. Но эта картина не является порождением больной психики», — полагает она.

«Он знал, что делает. До самого конца своей жизни Ван Гог писал вопреки своей болезни, а не благодаря ей. Об этом не следует забывать».

Виды копий картин | Художественная мастерская «Мир искусства»

Копия в изобразительном искусстве это повторение художественного произведения (картины), в такой же манере, материале и размере, который может быть меньше или больше оригинала.
Существует такое понятие как реплика, это авторское повторение своей картины, в котором могут быть отличия от оригинала в размере, каких то деталях и элементах композиции. Например картина Перова “Охотники на привале”, находятся в Третьяковской галерее и Русском музее.
Вы можете заказать любому современному автору, повторение авторской картины которой у него нет по причине продажи и т.д., выполнение такой картины будет называться авторской репликой.
В сохранении произведений искусства, копии сыграли огромную роль, например, до наших дней дошли произведения греческого искусства как копии выполненные мастерами древнего Рима. Копированием занимались многие выдающиеся художники, это был как способ обучения, так и повышения своего профессионализма, например Рубенс находясь в Италии с дипломатической миссией, копировал картины итальянских художников. Была практика когда художники выезжали за пределы своей страны чтобы перенять опыт, копировали картины и отправляли на родину с целью познакомить с зарубежным искусством.
В наше время копии помогают сохранить наиболее ценные произведения от разных повреждений, а также копии изготавливают для продажи и оформления интерьеров.
В прежние времена искусство было доступно вначале только классу аристократии, потом буржуазии. В современное время искусство стало более доступно для широких масс людей, и если вам понравилась какая-то картина, вы можете заказать её копию.

Какие бывают копии картин:
1-Копии картин выполненные маслом на холсте
Такие копии пишутся художником вручную, и чем выше уровень профессионализма художника, тем выше уровень исполнения. Опытный художник копиист максимально передаст сходство с оригинальным полотном, в котором будет колорит, фактура мазка, техника исполнения близка к авторской живописи. Такая копия является самостоятельным художественным произведением, представляет, в том числе и материальную ценность. Стоимость зависит от уровня исполнения копии картины. Существуют аукционы на которых продаются такие копии картин. Отличие копии картины исполненной самобытным художником от профессиональной в том, что такая копия передаёт только поверхностное, внешнее сходство.

2- Компиляции. 
Существуют также копии картин написанные в свободной манере или так называемые компиляции. Такая картина может иметь общий сюжет с оригиналом, но в него внесены изменения по колориту, технике исполнения, какие-то детали или элементы композиции. Такие копии могут быть очень интересны для покупателей. Уровень мастерства и исполнения определяют стоимость и художественную ценность.

3-Репродукции копий картин:
а-“Принт”, “жикле” это нанесение изображения с помощью струйной или лазерной печати на холст, ткань, возможно добавление текстурного геля для имитации мазков и фактуры живописи. Какая бы точность с оригиналом не была, печать остаётся печатью, до оригинала ей далеко, со временем краска выгорает, гель сохнет. Художественной ценности такие картины не имеют. Предназначение таких копий картин в оформлении учреждений, офисов и т.д.
б-“Смешанная техника” это когда по напечатанному слою “принта” художник наносит масляные краски имитируя живопись. Иногда такую живопись выдают и за картины ручной работы, чтобы снизить себестоимость, к такой работе привлекают “самобытных” художников с образованием уровня художественной школы. Художественная ценность сомнительна. Покупают в основном для подарков, подкупает не дорогая цена, тем более такая живопись позиционируется как картина ручной работы, чем она не является.

• Необходимо добавить, что в нынешнее время существует такая практика, когда сам автор печатает свои картины, подписывает и продаёт как “авторский” принт. Изображение на картине печать, а подпись авторская, поэтому стоимость дешевле чем оригинал, но дороже чем просто принт.

• Практика печати на холсте имеет давнюю традицию, и сто лет назад имели место так называемые “Венки” (по месту начала производства г.Вена), цветной оттиск на холсте машинным способом, который поверх расписывали художники. Те кто занимается антиквариатом, хорошо это знают, такие картины (венки) иногда выдают за произведения того или иного известного художника. Бывает и реставраторы сталкиваются с таким явлением. Такие картины покрывались лаком, со временем он темнеет, желтеет, появляются поверхностные загрязнения, царапины, всё это создаёт антикварный вид картины. Неискушённому любителю старины или просто коллекционеру живописи не отличить такую картину от настоящей, чем иногда пользуются  продавцы.

 

В Гамбурге показывают ″Russenbilder″ Георга Базелица | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

«Russenbilder» – «русские картины» или «картины русских» — так называется серия из 60 работ Георга Базелица (Georg Baselitz), представленная до начала февраля 2008 года в гамбургском выставочном зале Deichtorhalle. Как и широкомасштабное шоу Георга Базелица в Лондоне, эта выставка является своего рода итогом пути знаменитого художника, который в начале следующего года отметит свое 70-летие. Для самого Базелица «разборка» с визуальными образами, навязанными ему, восточногерманскому школьнику, советскими учебниками, носит и личный психотерапевтический характер.

Ленин стоит на голове. Растиражированная на миллионах плакатов картина Герасимова «Ленин на трибуне», нарисованная к пятилетию со дня физической смерти вождя мирового пролетариата, превращена Базелицем в абстрактную композицию из красного, черного, желтого. К тому же написана она не мазками, а цветовыми пятнами, что делает ее почти прозрачной. Фон не закрашен. Фигура вождя, полет алых знамен лишены любого напора. В нижней части полотна – перевернутая голова Ленина, глаза закрыты. Это скорее восковая кукла из мавзолея, чем живой человек. Он безопасен и почти безобиден.

Картины, «Стоящие на голове»

Работа «A ta sante», 2001 год

«Я, как известно, рисую картины, «стоящие на голове». Люди не могут в это поверить, и сами пытаются стать на голову или хотя бы наклониться, чтобы рассмотреть, что нарисовано, — говорит Базелиц. — Для чего? Чтобы увидеть то, что они и без того уже знают?» По словам художника, перевернутость» образов ликвидирует «эффект узнаваемости», чтобы у них снова появился смысл…

К приему изображать ландшафты, дома, лица перевернутыми на 180 градусов работающий в экспрессивной полуабстрактной манере художник пришел в процессе поиска собственного пути между застывшими системами – неоклассицизмом (и соцреализмом как одним из его проявлений) с одной стороны, и послевоенным абстрактным искусством – с другой.

Поиск собственного пути

В своих ранних работах, еще находящихся под большим влиянием кубизма, Базелиц деконструировал тела, порою нарочито расчленяя их на руки, ноги, головы – неприкрытое, беззащитное мясо. Боль – таков основной импульс его ранних картин.

Настроение поздних работ, несмотря на «анти-сюжет», кажется умиротворенным, почти просветленным. «A ta sante» — «За твое здоровье» называется иронический портрет Иосифа Сталина. Также называл свой возникший после смерти диктатора рисунок Пабло Пикассо. Ироническое пожелание, которое может быть адресовано только мертвым диктаторам.

Анастасия Рахманова

30 самых необычных и странных картин художников мира

Некоторые шедевры мировой живописи вызывают, мягко говоря, смешанные чувства. Мы собрали для вас самые странные, страшные и спорные произведения! 

Эти картины пугают и завораживают одновременно

Искусство на то и искусство, чтобы удивлять своего зрителя. В списке самых дорогих картин мира порой можно встретить удивительные экземпляры! Некоторые шокируют своим сюжетом, а содержание других покрыто завесой тайны. Есть и такие полотна, которые вызывают скорее отвращение, нежели восторг. Тем не менее, необычность и странность этих произведений как раз и выделяет их из толпы. Картины, которые мы приведем в пример, были проданы на аукционах за миллионы долларов. Каждая чем-то удивительна и наполнена особым смыслом.

№1 «Женщина I», Виллем де Кунинг

Одна из самых необычных картин в ТОПе самых дорогих произведений искусства мира. Не стесняйтесь если она вызвала у вас дрожь в коленках! Художник изобразил женщину с пышными формами в абстрактной манере. Резкие мазки черной краски, непропорциональное лицо и тело — для простого обывателя такое искусство может оказаться неприятно глазу. Какое-то время картина хранилась в Иране, но из-за строгих правил цензуры была продана и вывезена из страны.

№2 «Сад земных наслаждений», Иероним Босх

Центральная часть этого триптиха посвящена теме сладострастия. Присмотритесь внимательнее и увидите настоящий наркотический сон: карикатурные изображения, странные эротические сцены и прочие гремучие смеси. На самом деле, искусствоведы до сих пор спорят насчет истинного значения этой картины. Содержание настолько насыщенное и галлюциногенное, что вызывает немало споров.

№3 «Три возраста женщины», Густав Климт

Чувствительным и сентиментальным женщинам рекомендуем не вникать в смысл этого полотна. Великий художник Густав Климт изобразил три жизненные стадии: детство, молодость и старость. Маленькая девочка безмятежно спит на руках матери, которая, в свою очередь, умиротворенно обнимает дочь. В то же время старуха в другой части картины склонила голову в отчаянии, выставив свой обвисший от старости живот. Немощность и юность стоят бок о бок, напоминая о неизбежности грядущего. Несмотря на грустный контекст, произведение выполнено просто блестяще и недаром признано шедевром мировой живописи. 

№4 «Семья», Эгон Шиле

Шиле — ученик Климта, который пошел по собственному пути. В отличие от своего учителя, шедевры Шиле куда более мрачные и трагические. Некоторые произведения граничат с порнографией и больше напоминают извращенные картинки шизофреника. Представленная выше картина — не самая мерзкая его работа, но ее смысл способен вызвать истерику. Живописец написал ее в 28 лет перед собственной кончиной вскоре вскоре после смерти беременной супруги. На полотне изображен сам художник, его возлюбленная и неродившийся ребенок. Картина явно не создана для впечатлительных людей.

№5 «Две Фриды», Фрида Кало

Красивая и немного жуткая картина руки легендарной мексиканки. Как известно, большинство картин художницы — это автопортреты. Она объясняла это тем, что знает себя лучше всего остального, поэтому сама Фрида — лучшая тема для картин. Конкретно на этом полотне мексиканка изобразила свое мужское и женское начала, соединенные одними сосудами. Последние в этом образе демонстрируют целостность и неразрывность двух половинок.

№6 «Мост Ватерлоо. Эффект туман», Клод Моне

Эта серия работ Моне — совсем не страшные картины, но весьма необычные. При близком рассмотрении полотно кажется лишь хаотичной комбинацией мазков и переходов цвета. Но чем дальше отходишь от холста, тем четче видна полная картина. Перед глазами смотрящего открывается чудный пейзаж. Первыми возникают фигуры лодок, а затем — очертания знаменитого моста Ватерлоо. 

№7 «Алхимия», Джексон Поллок

Для многих абстракции — это странные и непонятные картины, которые ничего не значат. Почему же они пользуются такой популярностью? Всё дело в том, как они создаются. Помимо гениальности цветового решения, картина Поллока написана очень необычно. При ее создании мастер использовал все, что попадало под руку: ножи, веревки, палочки, битое стекло и даже совок! Художник сознавался, что постепенно отошел от классического инструментария художника в пользу необычных предметов, которые расширяли его арт-возможности.

№8 «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов», Жоан Миро

Само название произведения уже вызывает волну негодования. Но именно такого эффекта и добивался автор, иллюстрируя невзгоды испанской гражданской войны. Мужчина и женщина на картине тянутся друг к другу, но при этом стоят неподвижно. Мерзкие и увеличенные гениталии, кислотные оттенки и экскременты — всё это направлено на создание атмосферы гадкой сексуальности, страха и отвращения. 

№9 «Руки противятся ему», Билл Стоунхэм

Всмотритесь в эту картину внимательнее. Рассмотрите детали, загляните мальчику в глаза. Брр. Жутко? То же самое думает каждый человек, который хоть раз на нее взглянет. Произведение продано на eBay всего за 1000 долларов, но после ее публикации покупателя завалили письмами с просьбой сжечь картину от греха подальше.

Ходили слухи, что к этому полотну привязаны призраки или демоны, что у многих начинается паническая атака. Сам же автор утверждает, что это просто автопортрет. Он изобразил себя в детстве, а закрытая дверь символизирует грань между сном и явью. Руки на стекле — это другие жизни и возможности, кукла рядом — проводник между альтернативными мирами.

№10 «Избиение младенцев», Питер Рубенс

Полотно за 5 млн евро Рубенса способно довести матерей до слез. Это восхитительно красивое, но страшное полотно. Знаменитый мастер запечатлел не самый приятный эпизод из новозаветной истории. Как ни странно, избиение младенцев — распространенный сюжет по религиозным мотивам. Все дело в том, что маленькие дети после смерти считаются святыми мучениками. Сам образ символизирует жестокость по отношению к невинным людям. 

№11 «Триптих», Фрэнсис Бэкон

Трудно разглядеть с первого взгляда, но этой картине изображены наброски к портрету человека. В 2008 году произведение побило рекорд на арт-рынке и было продано Роману Абрамовичу за 86 млн долларов. В основу сюрреалистического полотна лег древнегреческий миф о преследовании Ореста фуриями. Но здесь вместо мифического персонажа мы видим самого художника и его собственные терзания. 

№11 «Серебряная автокатастрофа», Энди Уорхол

Трагические события и сюжеты часто ложатся в основу предметов искусства. Но каждый мастер преподносит ту или иную историю по-своему. Энди Уорхол, ставший настоящей сенсацией середины XX века, делал это крайне оригинально. Однажды мастер увидел фотографию автокатастрофы в газете и прокричал “Эврика”! Художник вырезал фото и многократно продублировал методом шелкографии, заполнив снимком только часть полотна. Вышло необычное произведение, проданное впоследствии за миллионы долларов.

№12 «Дора Маар с кошкой», Пабло Пикассо

Дора Маар — художница и фотограф, которая провела с Пабло Пикассо в качестве возлюбленной 9 лет. Мастер любил писать портреты своих любовник, которых на его жизнь было не мало. Картина выполнена в уникальной манере живописца. Искаженные формы и черты лица могут вызывать неприятные ассоциации, но только не у покупателя полотна. В 2004 году произведение ушло с молотка за 100 млн долларов.

№13 «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом», Френсис Бэкон

Странная и оригинальная манера Бэкона пришлась по вкусу многим ценителям искусства. Его картины хорошо продаются по всему миру, именно этот триптих “взорвал” торги. Это ранняя работа мастера, написанная еще во время учебы. Полотна долгие годы путешествовали по миру отдельно и только в 2013 году были проданы на аукционе в качестве единого лота. 

№14 «Девочка с цветочной корзиной», Пабло Пикассо

Эта картина кардинально отличается от других работ Пикассо, чем вызвала бурю интереса среди ценителей искусства. На полотне изображена обнаженная молодая девушка, еще почти девочка. Детский взгляд и нагота несут за собой противоречивые элементы невинности и опыта, а ее выражение лица может вызвать дискомфорт. Полотно было продано анонимному покупателю за 115 млн долларов, став одной из самых дорогих картин автора. 

№15 «Свет Анны», Барнетт Ньюман

Сложно искать скрытый смысл в полотне, почти целиком залитом красной краской. Современное искусство бессмысленно и беспощадно, но от этого не становится менее интересным. Например, работа Ньюмана кажется бездарной только на первый взгляд и при рассмотрении цифровой копии в интернете. Но в реальности картина способна вас удивить.Это огромное длинное полотно, которое нужно рассматривать на близком расстоянии. Медленно продвигаясь вдоль холста, вы “утоните” в завораживающем переходе цвета.

№16 «Без названия», Жан-Мишель Баския

Каждое полотно неоэкспрессиониста из Нью-Йорка вызывает смешанные эмоции. Экстравагантная манера письма кажется слишком дерзкой и кричащей, больше похожей на граффити со стены заброшенного дома. Секрет прост — это и есть уличное искусство! Автор начинал как нелегальный граффити-художник, но после удачной выставки и статьи в известном журнале стал настоящей звездой. В 1982 году молодой парень даже познакомился с Уорхолом и создал вместе с ним несколько ярких работ. Интересно, что мастер вкладывал в свои работы скрытые смыслы и послания. В этой картине, например, обнаружены две невидимые стрелки, написанные УФ-красками.

№17 «Крик», Эдвард Мунк

Вы наверняка видели эту картину, ведь она разошлась по всем уголкам интернета. На произведение есть много пародий, переделок и мэмов. О самом же авторе ходит немало слухов, ведь его жизнь связана с чередой трагедий. Мунк вложил в свои работы много горя, поэтому, по мнению многих людей, его полотна обладают негативной энергетикой.

Картина явно не благосклонна к тем, кто ее “обижает”. Один охранник, случайно уронивший полотно в музее, стал страдать от сильных головных болей и наложил на себя руки. Второй охранник, допустивший такую оплошность, попал в страшную автокатастрофу. Посетитель галереи, прикоснувшийся к холсту, сгорел заживо в пожаре. Заставляет задуматься, не считаете? 

№18 «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идем?», Поль Гоген

По замыслу художника это полотно нужно читать справа налево. В крайнем углу изображены три женщины и младенец — символ начала жизни. Группа людей в центре — иллюстрация зрелости, старуха в левом углу — знак неизбежности и приближающейся старости. Произведение стало знаковым в жизни художника Мастер сам заявил, что это превосходная картина и лучше он уже ничего не напишет. После завершения работы Гоген даже хотел покончить с собой, но так и не отважился. Мастер умер спустя 5 лет, так и не написав чего-то более гениального.

№19 «Герника», Пабло Пикассо

Страшная картина гениального мастера — это сцены насилия и жестокости. выполненные на давящем черном фоне. Полотно иллюстрирует налет на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. В картине заключены все ужасы фашизма, жестокость, страдания и зверства человека. Мурашки по коже, правда?

Интересно, что из-за этой картины Пикассо очутился в парижском гестапо. Мастера спросили: «Это сделали вы?». На что художник ответил: «Нет, это сделали вы».

№20 «Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк

Картина, мягко говоря, выделяется на фоне прочих представителей западной школы живописи Северного Возрождения. Полотно наполнено скрытой символикой, посланиями и отсылками. Чего только стоит надпись “Ян ван Эйк был здесь”, которая подчеркивает реальность тех событий и присутствие художника. В последние годы произведение разошлось по интернету из-за забавного сходства Арнольфини с Владимиром Путином. И еще один интересный факт: картину можно увидеть в заставке популярного сериала “Отчаянные домохозяйки”. 

№21 «Демон сидящий», Михаил Врубель

Мы привыкли видеть демонов в роли злобных и сильных тварей, но у Врубеля свое мнение на этот счет. Он изобразил образ печального человека, который сидит задумчиво и скованно. Сам автор говорил, что демон — дух не столько злой, сколько страдающий и скорбный. При этом в его мощной фигуре чувствуются сила и величие, хоть и терзаемые какими-то сомнениями.

№22 «Апофеоз войны», Василий Верещагин

Картина основана на метафоре, но разобрать ее смысл не так уж и сложно, особенно после прочтения названия. Художник изобразил гору черепов посреди безжизненной пустыни, чтобы подчеркнуть жестокость и бессмысленность войн. Человеческие конфликты несут с собой только смерть и ничего больше — такова идея, заложенная в полотне. Всматриваясь в черепа, начинаешь видеть в каждом чью-то искалеченную судьбу.

№23 «Американская готика»

С первого взгляда и не скажешь, что это полотно преисполнено устрашающей символикой. Сначала в глаза бросаются суровые лица героев — жесткого отца и обеспокоенной дочери. При более детальном рассмотрении начинаешь замечать острые вилы и швы на одежде фермера, повторяющие их форму. Автор запечатлел образ истинного пуританства, скрывающее за собой жестокость и строгость нравов.

№24 «Влюбленные», Рене Магритт

Одна из самых загадочных картин современности активно обсуждается в мировом арт-сообществе. Это живой пример того, как один образ может иметь дюжину смыслов. Кто-то видит в паре Магритта с закрытыми лицами послание “любовь слепа”, другие настаивают на идее всепоглощающей любви. Все интерпретации в какой-то степени верны, но узнать истинную уже никогда не получится. В любой случае, парочка выглядит достаточно жутко.

№25 «Портрет Поля Элюара», Сальвадор Дали

Сальвадор Дали известен каждому, хотя его работы вряд ли захочется вешать напротив кровати в спальне. Король сюрреализма пишет настолько необычные и порой отвратительные картины, что у зрителя часто мурашки пробегают по коже. Портрет Поля Элюара — не исключение из правил. Самая дорогая работа мастера была продана в 2011 году за 22 млн долларов. Как известно, произведение написано для самого Элюара — бывшего мужа Галы, которую Дали уводил из-под носа супруга как раз во время работы над полотном. 

№26 «Великий мастурбатор», Сальвадор Дали

Может, из любви к творчеству Дали, рассмотрим еще один шедевр испанского мастера. “Великий мастурбатор” наполнена страхами, подсознательными переживаниями и извращенными представлениями автора. Здесь секусальность предстает перед нами как нечто ужасное и отвратительное, что подчеркивает саранча и другие символы. Секс и страдания идут рука об руку почти в каждом произведении Дали. Во многом это объясняется психологической травмой: в детстве отец художника показал ему картинки с гениталиями. пораженные венерическими заболеваниями.

№27 «Сатурн, пожирающий своего сына», Франсиско Гойя

Большинство из нас слышало мифы про отца всех богов, который был совершенно не силен в воспитании своих чад. В греческой мифологии бога звали Кронос, а в римской — Сатурн. Горе-папаша пожирал собственных детей, чтобы те не посягнули на его трон. Жуткая картина Гойя изображает как раз этот момент убийства. Странно, но именно это зверское произведение художник решил написать на стене собственного дома. Жилище Гойя украшало еще несколько подобных творений под общим названием “Черная живопись”. 

№28 «Великий красный дракон и чудовище из моря», Уильям Блейк

При жизни художника, как часто бывает, почти не ценили. В основном он писал гравюры и иллюстрации в романтическом стиле, но эта серия картин написана акварелью. Здесь Бейк изображает Великого красного дракона — персонажа из книги Откровения. Дракон воплощает в себе самого дьявола, восседающего на огромном монстре. От этого образа многим становится не по себе. Кстати, произведение сыграло значимую роль в сюжете знаменитого фильма о Ганнибале “Красный дракон”. 

№29 «Отрубленные головы», Теодор Жерико

Помимо чудесных портретов, много творений художника посвящено жестоким историческим баталиям и древнегреческим мифам. Интересно, что перед работой с крупногабаритными полотнами Жерико часто писал “тренировочные” картины небольшого размера. Именно такой разминкой и послужило произведение “Отрубленные головы”. Писал ли мастер с натуры? Шокирующе, но да. Автор часто использовал настоящие отрубленные части тела, которые одалживал в морге. 

№30 «Натюрморт из масок», Эмиль Нольде

Среди экспрессионистов Нольде известен намного меньше, чем Мунк. Тем не менее, его работы не менее яркие. На создание конкретно этой работы мастера вдохновили экспонаты Берлинского музея. И без того страшные маски, прошедшие сквозь призму мышления автора, стали еще более пугающими.

Подходят ли такие картины для интерьера?

Сначала ответьте себе на вопрос: верите ли вы в суеверия, энергетику и прочие вещи? Если нет, то “Крик” или “Руки противятся ему” можно смело вешать в своей гостиной. Картины же с откровенным негативным содержанием, как “Отрубленные головы”, психологи и дизайнеры вешать не рекомендуют, особенно в спальне. Поверьте, вы не захотите смотреть на “Красного дракона” каждый день перед сном. Но несмотря на любые советы вы должны ориентироваться исключительно на свои ощущения. Если произведение вам по душе, не отказывайтесь от него.

Если картина не страшная, а просто нестандартная, ее место явно в гостиной. Разве не здорово удивлять гостей необычным произведением искусства? Но помните, что все дорогие странные картины с мировым именем, безусловно, стоят баснословных денег. Тут на выручку приходит печать на холсте, которая позволяет обладать любимыми картинами без опустошения кошелька.

Как избежать мазков кистью с помощью минеральной краски Fusion

Покраска включает в себя кропотливый процесс, гарантирующий, что окраска не оставляет практически никаких следов кисти на поверхности для получения гладкой поверхности. Легкие мазки кистью не очень утомительны, но работа с краской превращается в ужасный беспорядок, когда присутствуют толстые полосы кисти. Чтобы исправить это, мы здесь, чтобы поделиться несколькими советами, как избежать мазков кистью при использовании Fusion Mineral Paint.

1. Используйте правую кисть

Получение гладкой поверхности для любой покраски не обязательно означает, что вам нужно использовать самую дорогую кисть.Один важный совет, который мы советуем, — найти кисть, которая будет наиболее удобна для вас, поскольку руки у всех сложены по-разному.

Работа с тяжелой щеткой может затруднить захват; это может привести к тому, что вы оставите толстые неровные текстуры на поверхности во время рисования. С другой стороны, легкие кисти могут стоить вам больше краски, чем обычно, что влияет на общую отделку.

При покупке подходящей кисти мы рекомендуем линию кистей Staalmeester от Fusion, изготовленную из смеси синтетической и натуральной щетины.Синтетическая щетина обеспечивает равномерное и гладкое нанесение краски, а натуральная щетина способствует лучшему впитыванию краски. Форма кисти — на ваше усмотрение; вы можете выбрать угловую кисть, плоскую кисть или закругленную кисть, в зависимости от того, что вам больше подходит.

Если у вас уже есть одна или две кисти Staalmeester, для вас хорошее начало! Когда вы начнете рисовать, не забудьте сначала распустить щетину кисти, чтобы некоторые из них выпали. Вы хотите, чтобы щетина не попадала на поверхность во время рисования.Очищайте кисти после каждой покраски с помощью мыла Fusion’s Brush Soap, чтобы поддерживать их в идеальном состоянии.

2. Не макайте слишком много краски

Лучше меньше, да лучше! Как бы банально это ни звучало, это также применимо при нанесении краски на любой тип поверхности. Вы хотите добиться этого гладкого покрытия, нанося один тонкий слой за раз. Большое количество цвета приводит к заметным мазкам кисти и неровным слоям краски. Кроме того, для высыхания потребуется больше времени, поэтому есть больше места для ошибки.

Осторожно нанесите тонкий слой краски, пока не получите желаемый результат.Затем перестрахуйтесь, аккуратно удаляя излишки краски с кисти, когда вы каждый раз окунаете ее в емкость. В конце концов, медленно, но верно выигрывает гонку.

Первому тонкому слою минеральной краски Fusion требуется около двух часов, чтобы высохнуть, прежде чем он будет готов ко второму слою; В конце концов, когда поверхность станет сухой на ощупь, повторно наносите тонкие слои краски каждые четыре часа для получения однородной и гладкой поверхности.

3. Краска только в одном направлении

Эта привычка — единственная ошибка, которую делают многие новички, когда начинают рисовать, особенно на деревянных поверхностях.При чистке по волокну, несомненно, останутся заметные мазки кисти, что приведет к грубым текстурам на всех окрашенных участках.

Избегайте мазков кистью, нанося один конец области на другой в одном направлении. Затем последовательно проводите кистью по поверхности. Не переходите туда, где вы рисовали, в противоположном направлении, так как это создает текстуру. Будьте осторожны, когда гладите по поверхности; Если слишком сильно надавить на щетку, это может привести к скоплению луж и ненужному стеканию.

Вы можете легко применить эту технику к маленьким предметам с помощью кисти, но у вас могут возникнуть проблемы с очень большими предметами мебели или стенами. Мы предлагаем перейти на безворсовый валик из микрофибры для более эффективного нанесения краски при работе с большими поверхностями.

4. Увеличьте срок службы краски с помощью разбавителя Fusion Paint

Разбавитель краски

Fusion позволяет работать с краской до того, как она высохнет немного дольше, предотвращая ее быстрое высыхание.Это то, что в лакокрасочной промышленности известно как «больше открытого времени». Extender может помочь уменьшить появление мазков кисти.

• Улучшает текучесть минеральной краски Fusion Mineral Paint
• Этот продукт минимизирует следы от кисти и валика
• Износ распылителей снижен
• Количество добавленного разбавителя может повлиять на время отверждения.
• летучих органических соединений не добавляются в эту экологичную версию!

5. Не будьте слишком строги к себе

DIY-проект не обязательно должен иметь гладкую стеклянную поверхность, как многие фотографии, которые вы видите в Интернете.Для достижения такого глянцевого вида требуются отдельные инструменты и разные типы красок. Что хорошо в рисовании с помощью минеральных красок Fusion Mineral Paints, так это то, как они создают рустикальный, но современный вид без необходимости перегибать палку. Проекты, расписанные вручную, так же красивы, если не больше, чем изделия заводского изготовления. Так что не забывайте получать удовольствие от своей работы и получать удовольствие от процесса. Ваше здоровье!

«Три мазка кисти» Лихтенштейна | Гетти Ирис

Длинный живой мазок глубокого ярко-синего, черного и белого, изогнутый мазок приглушенного желтого, короткий мазок красного — возможно, вы видели красочную раскрашенную алюминиевую скульптуру Роя Лихтенштейна «Три мазка кистью» во время посещения музея. Центр Гетти.До недавнего времени он располагался на площади перед Исследовательским институтом Гетти.

Three Brushstrokes , сделанное в 1984 году, состоит из трех «мазков» чистого цвета, застывших в пространстве, поднимающихся на высоту более десяти футов, что определенно привлекает внимание. Каждый мазок кисти представляет собой полностью реализованную трехмерную форму, которая в игровой форме позволяет зрителям ощутить мазок краски с разных точек зрения.

Предварительная консервация картины Лихтенштейна Three Brushstrokes (1984), установленной перед научно-исследовательским институтом Гетти.Музей Дж. Пола Гетти, 2005 г. 111. Дар Фрэн и Рэя Старков. © Поместье Роя Лихтенштейна

Передано в дар музею Фрэн и Рэем Старком через отзывный фонд Рэя Старка в 2005 году, с тех пор произведение можно было увидеть в Центре Гетти. Но, как и в случае с большинством уличных скульптур, климат Южной Калифорнии повлиял на работу.

В данном случае, однако, нелегко получить ответы на важные вопросы, необходимые для сохранения работ. Покрытия на Three Brushstrokes на самом деле представляют собой слои промышленной краски, включая эпоксидную грунтовку и полиуретан, которые обычно используются на автомобилях.Со временем эти покрытия начинают разрушаться, цвета тускнеют, краска отслаивается, покрывается мелом или пузырями, и разрушение в конечном итоге приводит к коррозии металла под ней — более проблематичная проблема. Обычно консерваторы Getty просто стабилизируют эти типы проблем с помощью постоянного обслуживания, но при сохранении симптомов полное восстановление недавно стало обязательным для Three Brushstrokes .

И такая реставрация требует обширных исследовательских работ.

Три мазка кистью на самом деле является уникальным ранним примером работы Лихтенштейна, потому что он все еще сохраняет некоторые оригинальные мазки кисти, скрытые под слоями наложения от реставрации, выполненной в 90-х годах, которая позже была признана не соответствующей палитре художника. . В частности, желтая и красная области были слишком темными.

Несколько недель назад Джули Вулф, младший реставратор декоративного искусства и скульптуры в Музее Дж. Пола Гетти, сказала мне, что выбор системы окраски для реставрации Three Brushstrokes занял годы размышлений.

Не так много было широко известно о системе окраски Лихтенштейна до того, как Гетти начал изучать технику своей студии пять лет назад.

В первые годы создания скульптур Лихтенштейн модифицировал промышленные системы окраски, чтобы настроить цвета. Его не устраивали цвета, доступные только для промышленных товаров, поэтому поверхности его скульптур были покрыты нанесенной кистью цветной глазурью, полученной путем смешивания прозрачной промышленной смолы с акриловыми красками художников.

Позже Лихтенштейн переключился на другую систему, в которой использовались исключительно промышленные продукты — распыленные и гладкие — которые, казалось, прослужили дольше при воздействии на открытом воздухе. В течение своей карьеры Лихтенштейн даже консультировался с владельцами своей скульптуры, требующей реставрации, и советовал перекрашивать даже его ранние работы, используя более позднюю технику живописи. В результате осталось очень мало скульптур, сохранивших оригинальный подход художника. Никто точно не знает, сколько именно, но, основываясь на обширных исследованиях, лучшая оценка — меньше горстки.

Какой подход лучше всего подходит для сохранения Трех мазков кисти ? Следует ли его покрасить вручную или законсервировать с использованием более позднего метода распыления краски, которая может продержаться дольше? И как консерваторы могли сопоставить оригинальные скрытые цвета на изделии?

В поисках ответов на эти вопросы Вулф работал с Фондом Роя Лихтенштейна в Нью-Йорке, а также с поместьем и студией Роя Лихтенштейна. Менеджер студии Estate Джеймс ДеПаскуэл, который, как выяснилось, работал в тесном сотрудничестве с Лихтенштейном и изначально рисовал все свои скульптуры на открытом воздухе, был бесценным ресурсом.Вулф также обратился к другому важному партнеру, Институту охраны природы Гетти, для проведения анализа красок и судебно-медицинской экспертизы. Институт охраны природы уже проводит соответствующие исследования в рамках своей собственной инициативы «Окрашенные поверхности на открытом воздухе» и часто проводит исследования и анализ консервации в партнерстве с музеем Гетти. С тематическим исследованием Лихтенштейна, проведенным GCI, можно ознакомиться здесь.

Это был анализ краски, проведенный учеными Института охраны природы Аланом Фениксом и Рэйчел Ривенк в 2005 году (проведенный путем взятия крошечных образцов из разных частей скульптуры), который определил, что оригинальная краска все еще находилась под текущей реставрационной краской.Красивые поперечные срезы, рассмотренные под мощным микроскопом, подтверждают устную историю, собранную ДеПаскуале, вплоть до открытия, что во время реставрации красная краска была распылена перед последним слоем желтой краски, оставив крошечные точки красной краски, видимые на нижнем слое. желтого. Феникс и Ривенк использовали комплексные аналитические методы (микроскопическое исследование и химический анализ), чтобы получить важную информацию, которая помогает задокументировать историю произведения, и, что важно, дать представление об оригинальных методах, которые Лихтенштейн использовал для создания своей раскрашенной скульптуры на открытом воздухе.

Поперечное сечение желтой краски Three Brushstrokes

Поперечное сечение Три мазка ‘синяя краска

«Эти усилия по сохранению были невероятными для нас», — говорит Том Лернер, ученый, возглавляющий Отдел исследований современного искусства в Институте охраны природы. «Этот проект помог нам направить наши постоянные усилия по обсуждению, сравнению и документированию протоколов перекраски, принятых другими поместьями и фондами скульпторов, создающих работы на открытом воздухе, — информация, которая неоценима для реставраторов и художников во всем мире.”

Удаление редкого оригинального красочного слоя — трудное решение, но оно неизбежно при работе с большинством окрашенных скульптур на открытом воздухе. Если оставить на металле состаренное покрытие, то в долгосрочной перспективе это может привести к еще большему повреждению конструкции. Таким образом, коллективное решение, основанное на обширных исследованиях и длительных обсуждениях, заключалось в том, чтобы удалить краску с Three Brushstrokes до металла, а затем точно воссоздать первоначальный замысел художника с помощью ДеПаскуале.

Используя тщательную документацию, целью Гетти было сделать так, чтобы обработка Трех мазков кисти служила неоценимой архивной документацией его ранней техники скульптурной живописи.

Хотя никто никогда не перекрасит картину или даже скульптуру в помещении, широко распространено перекрашивание наружных работ.

Джеймс де Паскуале работает над красной частью «Трех мазков» Лихтенштейна

Джеймс де Паскуале тщательно перекрашивает «Три мазка» Лихтенштейна

В ходе нескольких визитов в Центр Гетти ДеПасквале перекрасил скульптуру точно так же, как в 1984 году, с небольшими изменениями в тех местах, где производство оригинальных изделий было прекращено.Он также предоставил образцы истинных цветов из студии художника, которые теперь тщательно заархивированы, а процесс рисования, который использовал Лихтенштейн, был подробно записан для будущих обработок.

Посмотрите удивительную покадровую перекраску скульптуры в верхней части этого поста. Снимки делались каждые 20 секунд цифровой камерой, установленной в окрасочной камере музея Гетти.

Наличие живого ресурса, к которому можно было обратиться во время консервации этого произведения, было невероятно полезным, а также в высшей степени необычным и оказало большое влияние на выбор подхода к консервации.Часто реставраторам предоставляется возможность самостоятельно решать эти сложные дилеммы — еще одна причина, по которой GCI хочет видеть более систематический подход к сохранению этих произведений.

Для меня это было открытием, когда я увидел монументальные усилия и страсть, которые требуются для сохранения наружных расписных скульптур. Я никогда больше не буду смотреть на них так же.

На сегодняшний день Гетти — единственное учреждение, восстановившее скульптуру Лихтенштейна с использованием ранней системы окраски.

Модель

Lichtenstein’s Three Brushstrokes снова будет выставлена ​​в Центре Гетти в ближайшем будущем, и мы сообщим вам здесь, когда она появится.

3. Малярные инструменты

Режим

В раскрывающемся списке «Режим» можно выбрать цвет. режимы применения. Как и в случае с непрозрачностью, самый простой способ понять, что делает настройка режима, — это представить, что краска фактически наносится на слой над слоем, которым вы являетесь работает, с режимом комбинирования слоев в Layers диалог установлен в выбранный режим.Вы можете получить большое разнообразие спецэффектов таким образом. Опция Mode доступна только для использования для инструментов, которые можно рассматривать как добавление цвета к изображению: инструменты Карандаш, Кисть, Аэрограф, Чернила и Клонирование. Для другие инструменты рисования, опция появляется для последовательность, но всегда неактивна. Список режимов может быть находится в Разделе 2, «Режимы слоев».

В этом списке некоторые режимы являются частными и описаны ниже.

Непрозрачность

Ползунок «Непрозрачность» устанавливает уровень прозрачности кисти. операция. Чтобы понять, как это работает, представьте, что вместо изменяя активный слой, инструмент создает прозрачный слой над активным слоем и действует на этом слое. Изменение непрозрачности в Параметры инструмента имеют тот же эффект, что и изменение непрозрачности в Диалог слоев будет иметь место в последнем случае.Он контролирует «Сила» всех малярных инструментов, а не только тех, которые закрасьте активный слой. В случае ластика это может кажутся немного запутанными: получается, что чем выше, тем «Непрозрачность» означает большую прозрачность.

Щетка

Кисть определяет, на какую часть изображения влияет инструмент, и как на него влияет, когда вы обводите мазок с указателем.GIMP позволяет использовать несколько различных типов кистей, которые описаны в Кисти раздел. Одинаковые варианты кистей доступны для всех инструментов рисования. кроме инструмента Ink, который использует уникальный тип процедурных созданная кисть. Цвета кисти вступают в игру только для инструменты, в которых они важны: карандаш, кисть и Инструменты для аэрографии. Для других инструментов рисования только интенсивность раздача кисти актуальна.

Размер

Эта опция позволяет вам точно изменять размер кисти. Вы можете использовать клавиши со стрелками для изменения на ± 0,01 или Page-Up и Клавиши Page-Down могут изменяться на ± 1,00. Вы можете получить тот же результат, если вы правильно установили колесо мыши в настройках. Видеть Как изменить размер кисти

Соотношение сторон

Это определяет соотношение между высотой и шириной. кисти.Ползунок масштабируется от -20.00 до 20.00 с помощью значение по умолчанию — 0,00. Отрицательное значение от 0,00 до -20 будет сузьте высоту кисти, положив положительное значение между 0,00 и 20.00 указывает степень сужения ширины кисти.

Угол

Эта опция заставляет кисть вращаться вокруг своего центра.Это видно если кисть не круглая или сделана из повернутой фигуры.

Интервал

Этот параметр устанавливает расстояние между следами кисти в штрихе.

Рисунок 14.40. Вариант размещения

Твердость

Изменяет размер жесткого центра кисти.

Рисунок 14.41. Вариант твердости

Сила

Изменяет усиление.

Рисунок 14.42. Вариант силы

Динамика

Динамика кисти позволяет сопоставить разные параметры кисти с несколькими входная динамика.В основном они используются с графическими планшетами, но некоторые из них также можно использовать с мышью.

Подробнее о динамике читайте в Динамика

При обводке контуров и выделений с помощью инструмента рисования появляется возможность выбрать «Эмулировать динамику кисти». Это означает что когда вы топите, давление и скорость кисти меняются в зависимости от длина хода.Давление начинается с нуля, увеличивается до полное давление, а затем снова снижается до полного отсутствия давления. Скорость начинается с нуля и набирает полную скорость к концу Инсульт.

Параметры динамики

Эти параметры описаны в Параметры динамики

Применить джиттер

Вы знаете «интервал» в мазках кисти: штрихи состоит из последовательных следов кисти, которые, когда они находятся очень близко, кажется, рисуют непрерывную линию.Здесь вместо того, чтобы быть выровненным следы кисти разбросаны на расстоянии, которое можно установить с помощью слайдер.

Рисунок 14.43. Пример «Джиттер»

Джиттер также доступен в Paint Dynamic Editor, где вы можете Свяжите дрожание с поведением кисти.

Плавный ход

Этот параметр не влияет на рендеринг мазка кисти, но его «форма».Он убирает колебания линии, которую вы рисуют. Это упрощает рисование с помощью мыши.

Когда этот параметр отмечен, появляются две области настройки: Качество и вес. Ты можно изменить значения по умолчанию, чтобы адаптировать их к вашим навыкам.

Высокие значения веса делают мазок кисти более жестким.

Рисунок 14.44. Пример «Smooth Stroke»

Зафиксируйте размер кисти для просмотра

Когда вы работаете с изображением, которое больше (в пикселях), чем ваш экран, вам нужно много увеличивать и уменьшать масштаб. Этот вариант позволяет очень естественный процесс «итеративного уточнения» без необходимости неоднократно просите приложение менять размер кисти по ходу между широкими мазками и деталями.

Если размер кисти указан относительно холста (опция не отмечена), при увеличении масштаба кисть также увеличивается, и она кажется больше (занимает вверх больше пикселей на экране). Если вы работаете с разрешением 300 пикселей радиус кисти и вы увеличиваете масштаб с 12% до 100%, кисть теперь вдвое меньше вашего экрана! Значит, вам придется снова сжать кисть вниз.

Если размер кисти относительно экрана (опция отмечена), то при увеличении масштаба размер отображаемой кисти не меняется, она выглядит меньше, поэтому вы можете работать с мелкими деталями.

Рисунок 14.45. Замок кисти, пример

«Заблокировать кисть для просмотра» также можно использовать, чтобы заблокировать кисть для просмотра. вращение:

Рисунок 14.46. Заблокируйте кисть, чтобы просмотреть пример поворота

Инкрементальный

Применяет эффект постепенно по мере перемещения указателя мыши.

Флажок «инкрементальный» работает не так, как все ожидают. Если он отключен (значение по умолчанию), максимальный эффект одиночный штрих определяется непрозрачностью, установленной в непрозрачности слайдер. Если непрозрачность меньше 100, перемещение кисти над тем же местом увеличит непрозрачность, если поднять кисть в это время. Закрашивание одним мазком не имеет такого эффект.Если активен инкрементальный режим, кисть будет рисовать полностью. прозрачность не зависит от настройки ползунка. Эта опция доступна для всех малярных инструментов, кроме тех, у которых есть «ставка» контроль, что автоматически подразумевает инкрементный эффект. Видеть также Раздел 2, «Режимы слоев».

Как не получить мазки кистью при покраске • Минеральная краска Fusion ™

Поделиться:

Нас все время спрашивают, как мне рисовать, не получая мазков кистью? Мы все хотим гладкого конца.Самовыравнивающаяся краска Fusion Mineral Paint очень помогает, когда дело доходит до отличной отделки в целом. Но поверите ли вы, что обработка без мазков кистью действительно начинается с ваших инструментов? Выбор правильной кисти для работы — ключ к достижению этого вида. Сегодняшний пост в блоге научит вас, как не делать мазки кистью при покраске мебели и шкафов в вашем доме.

Прощай, мазки кистью!

Итак, вот как мы в Fusion добиваемся идеального результата без мазков кисти при рисовании:

1.Выберите подходящую кисть

Каждый проект индивидуален, и у всех разные руки. Вам нужно найти щетку, которую вы сможете хорошо держать и которую удобно держать в руках. Нам нравятся кисти Staalmeester! С ними нет никакого сравнения. Кисти Staalmeester изготовлены из уникальной смеси синтетической и натуральной щетины, которая имеет короткую натуральную китайскую щетину, смешанную с более длинной шелковистой синтетической щетиной. Натуральная щетина обеспечивает лучшее впитывание краски, а синтетическая щетина обеспечивает гладкое, равномерное нанесение с минимальными мазками кисти или их отсутствием.Кроме того, у нас есть отличный пост о том, как выбрать подходящую кисть из их линейки для каждой работы, которая поможет вам в ваших проектах.

СОВЕТ: Когда вы получаете новую щетку, убедитесь, что вы пролистываете через нее веером. У новой кисти часто может быть небольшая щетина, которая выпадет, и вы не хотите, чтобы она покрывала поверхность во время рисования.

2. Нанесите необходимое количество краски на кисть

Одна из самых больших ошибок, которые совершают люди, заключается в том, что они обычно наносят капли краски на кисть, а затем покрывают поверхность толстым слоем краски.Это один из самых быстрых способов создать мазков кисти на вашей мебели или шкафах. Повторяй про себя: лучше меньше, да лучше!

Окуните кисть в емкость, затем аккуратно удалите излишки краски кистью на краю емкости.

Эта следующая картинка отлично подходит для демонстрации того, как мало краски Дженнилин наносит на кисть, когда красит кухонные шкафы.

Ваш первый слой краски должен быть тонким.Не паникуйте, если вы не видите полного покрытия, особенно при переходе от темного к светлому цвету. Наслоение — вот что поможет обеспечить гладкую поверхность. Думайте об этом как о лаке для ногтей. Вы наносите один базовый / начальный слой. Затем еще один тонкий слой, затем еще один, пока не будет получен желаемый вид. Чем больше вы нанесете изначально, тем дольше будет время высыхания и больше места для ошибок (например, слива краски и неровных поверхностей).

СОВЕТ: В нашем видео, которое мы публикуем в конце этого сообщения в блоге, Дженнилин показывает вам, как правильно держать кисть во время рисования, чтобы избежать следов на поверхности.

3. Покраска встык

Кто из нас делал следующее во время рисования: представьте, что вы рисуете прямоугольную поверхность. Вы начинаете с одной области, например с левой стороны, заканчиваете рисовать эту область, а затем начинаете с правой стороны. Когда мы переходим к правой стороне, мы замечаем, что левая сторона сохнет, и ошибочно предполагаем, что она покрыта пятнами (из-за того, как она выглядит при высыхании) и требует больше краски. Итак, мы возвращаемся к левой стороне, чтобы нанести больше краски, прежде чем мы займемся правой стороной.

Не делайте этого. Красьте конец в конец, чтобы не было мазков кистью. Красите ли вы круглую столешницу или рамку для картины, не останавливайтесь на полпути и возвращайтесь к краю. Перенесите кисть с краской на другую сторону. Это предотвратит появление этой ужасной линии в середине любого проекта и гарантирует, что ваша краска будет неизменно одинаковой глубины на всем протяжении. Возвращение назад по области, которую вы только что нарисовали, создает текстуры, и, как вы уже догадались, вызывает мазки кистью.

Очевидно, что для очень больших деталей это может быть проблемой. Именно здесь становится важным выбрать правильный инструмент для рисования (шаг 1 !!), поскольку вы, скорее всего, переключитесь на валик вместо кисти, чтобы эффективно перемещаться из стороны в сторону.

СОВЕТ: Когда вы закончите свои слои краски, быстро осмотрите их и убедитесь, что нет пробежек или скоплений. Если все в порядке, дайте поверхности полностью высохнуть перед нанесением второго слоя.Fusion становится сухим на ощупь через 2 часа и допускает повторное покрытие через 4 часа.

ОКРАСКА ШКАФОВ — при покраске кухонных или ванных комнат мы рекомендуем использовать безворсовый валик для окраски плоских поверхностей на шкафах. Это помогает снизить вероятность мазков кистью.

И вот оно! Как избежать мазков кистью при покраске мебели или шкафов. Мы настоятельно рекомендуем вам посмотреть наше видео по этой теме, поскольку мы покажем вам, насколько волшебны кисти Staalmeester, сколько краски вам нужно для каждого слоя и как легко Fusion Mineral Paint скользит по вашей поверхности.

ПРИКЛЮЧИТЬ ДЛЯ ПОЗЖЕ Некоторые фотографии (изображения Дженнилин в серой рубашке, раскрашенные серой краской) сделаны Лорен Миллер.

Дженнилин

Fusion ™

Минеральная краска

Изысканно нарисованных драконов на основе одного мазка гигантской кисти

Изобразительное искусство

#лучшее из # драконы #рисование #видео

20 августа 2014

Кристофер Джобсон

Одно из самых распространенных ощущений, которое я испытываю, когда наблюдаю за работой художника, — это «о, это выглядит легко.В конце концов, все материалы и методы прямо перед вами: краска или чернила, кисть или ручка и рука, которая ловко движется по холсту. Что, конечно же, остается совершенно незамеченным, так это годы практики, испытания и неудачи, а также обладание врожденным талантом. Прекрасным примером этого являются рисунки японских драконов, которые почти полностью переданы с помощью одного мазка краски.

Согласно блогу о японской культуре Iromegane, картины называются Hitofude Ryuu (Дракон с одним взмахом), а те, что показаны здесь, созданы в небольшой студии под названием Kousyuuya в Никко, Япония.В студии работали четыре поколения мастеров-художников, которые десятилетиями создавали этих стилизованных драконов.

Этот процесс включает в себя аккуратную роспись богато украшенной головы дракона различными рисунками, а затем завершение работы с помощью гигантской кисти суми, тщательно продуманный мазок. Этот процесс имеет много общего как с рисованием тушью, так и с каллиграфией, и, подобно буквенным формам, изображения часто повторяются. Из видео вы можете увидеть, что определенные дизайны повторно используются в разных цветах или с добавлением деталей.Все видео здесь начинаются с забавной части, где нарисован торс, но вы можете немного перемотать их, чтобы увидеть создание всей картины. (через Цинерарию, Иромеган)

#лучшее из # драконы #рисование #видео

Имеет ли для вас значение такие истории и художники? Станьте колоссальным членом и поддержите независимые издания в области искусства. Присоединяйтесь к сообществу читателей-единомышленников, увлеченных современным искусством, помогите поддержать нашу серию интервью, получите доступ к партнерским скидкам и многое другое.Присоединяйся сейчас!

---

---

---

---

---

Техника рисования одним мазком создает завораживающих драконов

Техника рисования одним мазком — это завораживающее зрелище, требующее ловкой руки, скользящей по странице. В японском регионе Никко, недалеко от Токио, одна семья на протяжении нескольких поколений оттачивала свое уникальное ремесло. В семье Такасэ существует только один предмет их особого художественного дара — счастливый дракон.

На протяжении веков драконы были признаком удачи в японской культуре. Так родилась особая форма суми-э , получившая название иппицурю. I ppitsu — или иногда называемый hitofude — означает дракон, а ryu означает одиночный удар. Нынешний руководитель мастерской Фумико Такасе — уже третье поколение, продолжающее традицию. Ее братья и сестры также занимаются этим видом искусства, и она тренирует сына.

Как и во всех формах суми-э, чернила и кисть, похожие на те, что используются в каллиграфии, являются основными инструментами.Здесь акцент делается на красоте мазка. Штрих должен отражать сущность и дух нарисованного предмета, а один мазок подчеркивает его величие.

Меняя давление и положение кисти, никогда не отрываясь от страницы, краска обретает форму. Она осторожно двигает рукой, извиваясь, чтобы сформировать извивающееся тело дракона. Это навык, требующий невероятной точности и терпения. Мелкие детали, такие как усы и когти, добавляются позже.

Но практика неоднозначна.По словам семьи Такасе, их техника была украдена конкурирующей студией, которой управляла соседняя семья Коусю. Мастерские, расположенные в нескольких шагах друг от друга, безусловно, создают интересный поворот в одноходовом драконе.

Посмотрите, как Фумико Такасе выполняет свою невероятную технику рисования одним мазком.

У конкурирующей семьи Коусю также есть много

иппицурю видео. Какой ты предпочитаешь?

ч / т: [Spoon & Tamago]

Все изображения принадлежат семье Takase.

Гениальных штрихов

Библейские образы

Рембрандт вырос в христианской семье, в основе которой лежало чтение Библии его матерью. Официально он был членом голландской кальвинистской церкви, но также сообщалось, что он был членом либерального крыла меннонитского сообщества, которое подчеркивало приверженность Библии, личной вере и благотворительности. Религиозное искусство было самой большой отдельной категорией в творчестве Рембрандта.Вопреки современным представлениям о Рембрандте как о бизнесмене, его создание на протяжении всей жизни библейских изображений происходило в условиях сокращения их рынка в Голландии семнадцатого века.

Изображения Рембрандта показывают, что он очень внимательно читал Библию. Он визуализировал древние истории в реалистичных терминах, иногда под влиянием событий из его собственной жизни, и показывал библейские фигуры с сильными и искренними эмоциями. Вдобавок Рембрандт знал о традициях и верованиях других конфессий, присутствовавших в толерантной голландской столице, где процветали различные протестантские вероисповедания, секты и даже мистические группы; Католики могли практиковать в частном порядке; и евреев приветствовали.

В своих религиозных произведениях Рембрандт также унаследовал многовековые библейские образы, которые он знал из своих собственных и других коллекций произведений искусства, особенно гравюр. Есть явные случаи, когда Рембрандт использовал трансформированные версии фигур или композиций с гравюр Андреа Мантенья и Лукаса ван Лейдена, гравюры на дереве Альбрехта Дюрера и рукописные картины из Индии Великих Моголов.

Религиозные гравюры и рисунки Рембрандта документируют его развивающийся стиль, а также его изменения в композиции, выражении и графической технике.Они также раскрывают его использование света и тени в его интерпретации религиозных повествований. Метафорическое использование света и тьмы началось в христианстве в его первом веке, встречается в нескольких библейских текстах, проиллюстрированных Рембрандтом, но, прежде всего, систематизировано в Евангелии от Иоанна, где Иисус отождествляется со светом, который сияет во тьме мира и отвергается. .

(слева) Христос в подарок народу: продолговатая пластина , 1655, сухая точка, State viii / viii, Коллекция Розенвальда, 1945.