Красивые нарисованные цветы картинки: Нарисованные картинки красивые цветы (37 фото) • Прикольные картинки и юмор

Известные картины с цветами.

С тех пор, как люди рисовали, художники запечатлевали красоту цветов. Стилистически художники на протяжении веков рисовали цветы в голландском реализме, импрессионизме, модернизме и поп-арте, и это лишь некоторые из них. Мы собрали некоторые из самых известных изображений цветов на протяжении всей истории, чтобы дать вам представление о чудесном, ароматном мире цветов.

Содержание

• 1 Почему цветы?
• 2 Наши лучшие 15 картин цветов
  • 2.1 Цветочная натюрморта-Ambrosius Bosschaert (1614)
  • 2,2 Bullfinch и плачущий вишневый цвет-Katsushika Hokusai (1834)
  • 2.3 Lilacs in window-Mary Casstatt.
  • 2.4 Натюрморт Ваза с двенадцатью подсолнухами — Винсент Ван Гог (1888)
  • 2.5 Розы и лилии — Анри Фантен-Латур (1888)
  • 2.6 Ирисы — Винсент Ван Гог (1890)
  • 2,7 Букет роз-Пьер-Аугуст Ренуар (1890-1900)
  • 2.8 Цветочный сад-Густав Климт (1905)
  • 2. 9 Цветы-Генри Матисс (1907)
  • 2.10 Water Liles-Claude Monet (1908).
  • 2.11 Amaryllis — Piet Mondrian (1910)
  • 2.12 Белая ваза с цветами — Odilon Redon (1916)
  • 2.13 Красный Поп — Георгия О’Киф (1927)
  • 2.14 — и цветы и цветы. до цветения по утрам — Яёи Кусама (1989)

Почему цветы?

Первый вопрос, который может возникнуть в вашей голове в этот момент, может быть Что делает цветы такой популярной темой? Цветы веками вдохновляли художников своей нежностью и яркой жизненной энергией. Цветы могут напоминать нам о красоте и разнообразии жизни, которую может предложить природа. Цветочные картины, которые мы рассмотрим ниже, вызывают вневременное и сильное чувство радости, которое касается всех людей, независимо от контекста.

В зависимости от времени картины художников, рисовавших цветы, могут иметь различный культурный смысл. Считалось, что лотос в древнеегипетской керамике, украшениях и картинах на папирусе символизирует солнце, а художники средневековья видели в плюще символ супружеских обязательств. Цветочные картины расцвели в пятнадцатом и шестнадцатом веках, когда появились специализированные ботанические художники. Цветочные картины этого периода часто имеют глубоко символический подтекст с высокодекоративными образами.

Наши лучшие 15 картин с цветами

Наш список известных картин с цветами расположен в хронологическом порядке. Мы надеемся, что это поможет вам оценить развитие стилей цветочной живописи на протяжении веков. Хотя этот список включает только 15 картин, существует бесчисленное множество художников, которые рисовали цветы, поэтому мы рекомендуем вам посмотреть дальше, если вам интересно.

Будучи одним из первых художников, специализирующихся на цветочных картинах, Босхарт был пионером в создании сложных и ярких цветочных композиций. Этот натюрморт Брошарта проистекает из растущего увлечения ботаникой в ​​Германии и Нидерландах 16-го века. Босхарт сам был ведущим голландским художником, специализирующимся на цветах и ​​фруктах. Будучи главой семьи художников, Босхарт заложил основу для поколения нидерландских художников-цветочников и фруктов.

Большинство цветочных композиций Bosschaert нарисованы на медных поверхностях и, как в этом примере, симметричны с настолько точными деталями, что почти научны. На этой картине изображены желтый тюльпан, розовая гвоздика и белая роза на переднем плане корзины, полной ярких цветов. Цветы в корзине не все относятся к одному сезону. Ландыши, гиацинты, розы, незабудки, тюльпаны, фиалки и цикламены стоят вместе в мельчайших деталях.

Поразительная детализация, которой удалось достичь Босхарту, позволяет нам ощутить укол шипов розы и шелковисто-гладкие лепестки. Вы можете найти изящных насекомых, ползающих по цветам, садящихся на листья и садящихся на букет. Детали, и это нельзя не подчеркнуть, потрясающие. Босхарт в совершенстве передает крошечные усики бабочки и прозрачность крыла стрекозы.

Многие любители искусства и историки понимают эту картину как изображение хрупкости и краткости жизни. Сорванные цветы отражают красоту жизни на земле, но живут они невероятно недолго. Нежные насекомые изображают сложность и хрупкость жизни красивым, но меланхоличным образом. Амброзиус Босхарт, безусловно, один из самых известных цветочных художников.

Цветочный натюрморт (1614) Амброзиуса Босхарта; Ambrosius Bosschaert, Public domain, via Wikimedia Commons 

Katsushika Hokusai is hailed as one of Japan’s greatest artists, and his stylistic influence has spread from Япония во всем западном мире. Хокусай — самый известный мастер школы японского искусства укиё-э. На многих работах Хокусая изображены птицы и цветы, подобные этой. Хокусай был мастером точных, но плавных линий, мастерство, которое проявляется в этом цветном гравюре на дереве. Снегирь и плачущие цветы сакуры  Ксилография   гравюра входит в серию Хокусая  Маленькие цветы.

На гравюре изображена маленькая птичка снегирь, свисающая вниз головой с ветки плакучей вишни. Плакучая вишня — родное японское дерево, а снегирь — символ защиты от несчастий в японской культуре. На новогодней церемонии в святилищах Тэндзин по всей Японии изображен снегирь, поскольку люди надеются защититься от невзгод в наступающем году. По розовой отметине на груди снегиря видно, что это самец. Расположение цветов сакуры Хокусая имеет красивый естественный ритм, подчеркнутый мазками красного цвета.

Справа от красочного и нежного шрифта находится короткое стихотворение Райбана, которое гласит:

Одна  Одинокая птица, мокрая от росы,
Вылетела;
Утренняя вишня

Эта гравюра на дереве Хокусая, пропитанная культурным значением и непринужденной природной красотой, представляет собой идеальное представление японского искусства и красоты цветочных картин.

Мэри Кассат — всемирно известная художница, одна из первых американских художниц-импрессионистов. Хотя на большинстве ее картин изображена человеческая фигура, Кассат также любила рисовать сады и букеты. Начиная с 1860-х годов цветочные натюрморты становились все более популярными среди художников-импрессионистов. В 1880-х годах, когда Кассат создала эту яркую картину, импрессионистские цветочные картины действительно приобрели свое значение.

Хотя натюрмортов , подобных этому, редко встречаются в творчестве Кассат, многие из ее картин содержат элементы цветов и пейзажей. Несмотря на то, что она не известна как один из известных художников-флористов своего времени, эта картина свидетельствует о мастерстве Кассат.

На этой яркой картине изображена ваза с сиренью, стоящая на открытом подоконнике. Работа является ярким примером высоты импрессионистов цветов. Ваза темно-баклажанового цвета, которая красиво контрастирует с белым и фиолетовым сиренью внутри. Своими фирменными плавными мазками Кассат удается представить эту аранжировку как мимолетный момент времени. №

Угловатые оконные фермы контрастируют с цветочной композицией, которая кажется в движении жизни. Оконная рама дополняет плавные изгибы вазы. Картина имеет непринужденную атмосферу, как будто вы нашли ее, бродя по дому друга.

Сирень в окне (ок. 1880 г.) Мэри Кассат; Мэри Кассат, CC BY 2.0, через Wikimedia Commons

Талантливый и беспокойный художник-импрессионист явно был любителем подсолнухов. Этот натюрморт с подсолнухами является частью его серии «Арль», одной из двух серий о подсолнухах. Хотя, согласно названию, ваза содержит двенадцать подсолнухов, Ван Гог переработал эту картину на более позднем этапе, и на самом деле на ней изображено 15 цветов.

«Натюрморт с вазой с двенадцатью подсолнухами» — одно из самых известных изображений цветов и его самых известных картин.

Многие считают этот натюрморт с подсолнухами одной из самых известных картин, созданных в этом жанре. Эта картина также является одним из самых известных образцов импрессионистской цветочной живописи. Желтые тона подсолнуха проникают во все аспекты этой великолепной картины.

Светло-голубой фон выделяет цветы вперед и привлекает внимание к подсолнухам под разными углами в центре холста. На этой картине подсолнухи Ван Гога находятся на разных стадиях жизни и смерти. Отголоски тщетности, хрупкости и краткости жизни пронизывают эту картину.

Натюрморт: Ваза с двенадцатью подсолнухами (1888) Винсента Ван Гога; Винсент Ван Гог, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В отличие от импрессионистских цветочных картин, окружающих Анри Фантен-Латура как в этом списке, так и во всю жизнь Фантен-Латур придерживался более традиционного подхода. Цветочные картины Фантен-Латура восходят к золотому веку реализма.

На светло-коричневом фоне стоит высокая стеклянная ваза с длинными белыми лилиями справа и более короткая ваза с розовыми и белыми розами слева. Вазы относительного размера и формы, кажется, отражают форму цветов, которые они содержат. В высокой, прямой и тонкой стеклянной вазе стоят лилии с вытянутыми стеблями и длинными нежными белыми лепестками. Напротив, круглые и сочные розы стоят в маленькой изогнутой вазе, которая едва видна под цветами.

Композиция прекрасно сбалансирована, несмотря на разницу в высоте двух цветочных композиций. Стебли лилий естественным образом простираются влево над розами, связывая часть вместе. Фантен-Латур запечатлел цветы и воду в вазе с изысканной реалистичностью. Румяно-розовые тона контрастируют с темно-коричневым столом внизу и выделенным белым цветом лилий. Это потрясающее использование цвета делает картину невероятно романтичной.

Розы и лилии (1888 г. ) Анри Фантен-Латура; Анри Фантен-Латур, CC BY 2.0, через Викисклад

Тот факт, что цветочные картины Ван Гога дважды фигурируют в этом списке, является свидетельством его невероятного таланта. для запечатления хрупкой красоты жизни. Есть две версии этой композиции, одна на мягком и гармоничном розовом фоне, а другая гораздо более выраженная. Винсент Ван Гог создал эту картину во время своего пребывания в психиатрической больнице Сен-Реми.

Яркие и кажущиеся безумными мазки на ярком лимонном фоне придают этой картине ощущение безотлагательности и движения. На этом бешеном фоне стоит ваза с ярко-фиолетовыми ирисами, некоторые из которых стоят прямо и полны жизни, а другие свисают на желтый стол внизу. Контраст ярких дополнительных цветов делает каждый из них еще более смелым и полным жизни.

Винсент Ван Гог завершил эту картину в психиатрической больнице за год до своей смерти. Говорят, что он назвал его «громоотводом моей болезни». Вполне вероятно, что яркое выражение движущейся жизни в этой картине казалось ему надеждой на выздоровление и продолжение жизни. Связь между творчеством и безумием прекрасно меланхолична. Сегодня мы чтим боль, стоящую за проникновенными изображениями Ван Гога всей красоты жизни.

Ирисы (1890) Винсента Ван Гога; Винсент Ван Гог, общественный домен, Via Wikimedia Commons

. Яркие и вилютлисные роза. почти спрыгнуть с холста. Хотя Ренуар стал рисовать цветы только в более позднем возрасте, розы были его любимыми предметами.

Это Картина маслом букета роз невероятно чувственна. Плавные и яркие мазки Ренуара запечатлевают розы, как будто они находятся в движении жизни. Красиво окрашенные красные и розовых роз созданы на разных стадиях жизни. Из букета распускаются полные и сладострастные лепестки, а на столе внизу лежит одинокая увядшая роза. У роз есть энергия, которая, кажется, исходит от холста, придавая им тактильные качества.

Ярко окрашенные цветы – характерная черта картин Густава Климта, и эта картина – прекрасный пример его творчества во время его золотой фазы. Эта картина является частью серии картин, вдохновленных цветочными полями, которые он видел в Литцлеберге.

Искусствоведы часто считают эту картину одним из лучших пейзажей Климпта. На картине изображено множество падающих цветов, которые, кажется, продолжаются за пределы холста. Яркие цветы заполняют эту рамку в прекрасном празднике мира природы. Отсутствие реализма добавляет деревенскому очарованию природу без вмешательства человека. Естественная красота, заключенная в этой картине, перекликается с символикой гармонии и закономерности природы.

Яркие цвета, абстракция и относительное двухмерное качество этой картины типичны для стиля Анри Матисса. Известный как выдающаяся фигура в фовизме и один из самых влиятельных художников современности, Матисс отдает предпочтение безмятежности, балансу и чистоте искусства. Мы можем увидеть отголоски этого настроения в этой яркой и манящей картине.

На этой картине, выполненной в начале его карьеры, мы можем увидеть более смелое, чем естественное, использование цвета и подчеркнутые мазки, типичные для фовизма. Ярко-зеленый фон дополняет белую вазу и яркие желтые, оранжевые и красные цветы, которые она держит. Столь же смелый и яркий стол под вазой подчеркивает цвета цветов.

Говоря о самых известных цветочных картинах всех времен, нельзя не упомянуть Клода Моне . При упоминании Моне на ум приходят цветы. Прославившийся этой прекрасной серией импрессионистов, 90 146 картин, запечатленных 90 196 на пленэре 90 197  в 90 147 своем саду в Живерни, Моне является мастером захвата сущности природы.

Свободные мазки Моне смешивают отдельные аспекты картины, создавая гармоничное и, казалось бы, бесконечное изображение мира природы. В этой знаменитой работе Моне цветы, небо, растения и вода сливаются, образуя мечтательный и мягкий пейзаж. Моне удается запечатлеть, как кувшинки и вода вокруг них отражают и преломляют солнечный свет. Некоторые историки искусства считают, что это произведение является существенным предвосхищением 9-го века.0146 Абстрактный экспрессионист Движение, которое последует.

Водяные лилии (1685) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Викисклад

Как голландский художник, Пит Мондриан происходил из обширной линии художников-флористов. Несмотря на культурные традиции голландского реализма, Мондриан прикасается к этой потрясающей красной картине своим современным стилем. Этот натюрморт — одна из ранних картин Мондриана, написанная до его самых известных абстрактных и геометрических картин.

В этом шокирующем произведении искусства с красным цветком чувствуется дух фовизма. Мондриан разбивает композицию на сегменты ярких цветов. Эффект этого композиционного приема заключается в том, что мы видим цветок в его самой элементарной форме. Отказавшись от импрессионизма, Мондриан использует акварель, чтобы уловить баланс между цветом и живописными качествами.

Несмотря на то, что это скорее рисунок пастелью, чем картина, этот яркий натюрморт с букетом смешанных цветов отражает движение к будущему в искусстве. Твердый и заметный фон и поверхность ранних голландских натюрмортов исчезают в градиенте ярких теплые тона .

На насыщенном оранжево-розовом фоне стоит белая крапчатая ваза с букетом полевых цветов. Некоторые из цветов Редона выполнены в сложных деталях, а другие более абстрактны. Цветы управляют композицией, и мы могли сидеть и смотреть на разнообразие текстур и цветов целый день.

Джорджия О’Киф, известная своими эротическими изображениями цветов, за свою карьеру написала более 200 цветочных композиций. О’Киф создавала потрясающие события из своих натюрмортов. Хотя в начале своей карьеры она использовала акварель, после 19 лет18, О’Киф начал использовать почти исключительно масляные краски . В это время она также начала создавать масштабные картины цветов как бы под увеличением. Этот яркий и пышный красный мак является ярким примером ее творчества в настоящее время.

О’Киф видела в цветке собственный сложный и тонкий мир и рисовала, чтобы поделиться этим миром с другими. Ярко-красные и оранжевые лепестки заполняют композицию и выходят за ее пределы. Маленький и нежный цветок превращается в большой и мощный образ. Когда мы смотрим на цветочные картины О’Киф, такие как Красный мак, нам предлагается замедлиться и не торопиться, наблюдая за тем, что мы обычно не замечаем. Как основатель модернистского движения , О’Кифф является пионером современной цветочной живописи.

Цветы были общим источником вдохновения для поп-исполнителя Энди Уорхола . В 1964 году Уорхол начал серию цветочных картин, на которых он запечатлел поникший цветок гибискуса в ярких красках и с помощью интересных техник. Эта серия картин имеет противоречивую историю. Уорхол использовал снимки фотографа как основу для цветочной серии, и фотограф пытался подать на него в суд. Несмотря на разногласия, эта серия цветочных работ продолжала пользоваться популярностью. Эта серия представляет собой потрясающий образец современной цветочной живописи.

Яёи Кусама —  художница-концептуалистка , черпающая вдохновение в сюрреализме, абстрактном экспрессионизме, поп-арте и феминизме. Ее работы наполнены психологическим и сексуальным автобиографическим содержанием и отличаются узорами в горошек и сетки. Как художник, который действительно использует свое искусство для обработки своего внутреннего мира, Кусама широко использует горошек из детских галлюцинаций.

Эта литография, несомненно, работы Кусамы. Два одиночных цветка желтого и розового цвета выделяются на фоне темно-красных точек в горошек на черной поверхности. Стиль цветочной живописи Кусамы причудливо напоминает стиль ребенка. Яёи Кусама признана самой влиятельной из ныне живущих японских художниц .

Картины с цветами имеют долгую и культурно яркую историю. От голландского реализма через импрессионизм к поп-арту цветочные картины всегда занимали место в человеческом самовыражении. Возможно, именно сочетание красоты и хрупкости жизни делает их популярным предметом для многих художников. Разнообразие художественного стиля столь же велико, как и коллекция цветов на этой земле, поэтому, если вам понравилось узнавать об этих прекрасных картинах, мы призываем вас исследовать их дальше.