Пастель живопись: Масляная пастель живопись. Масляные пастели: использование

Содержание

Пастель — живопись или графика? | Masha Novoselova

Маша Новоселова. Начало весны. Березки. Бумага, масляная пастель, 20х30 см

Маша Новоселова. Начало весны. Березки. Бумага, масляная пастель, 20х30 см

В свое время я очень была удивлена, когда узнала, что пастель относится к графике. Безусловно, работы, выполненные в этой технике, могут быть очень графичны. А могут и не быть.

Графика — это линии, штрихи и точки. Вспоминаем Кандинского — точка и линия на плоскости (кстати, почитайте обязательно его книгу с этим названием! Очень полезно!). Конечно, пастель позволяет делать линии, штрихи и точки. И даже все это может быть вполне черно-белым, или в близких оттенках.

Живопись — это лепка изображения цветом, или, если по классике — искусство изображать действительность красками.

С этой точки зрения работа, выполненная пастелью, вполне может быть живописью. Ведь краски (если под красками понимать разноцветные пигменты) там безусловно есть, и действительность ими вполне можно изобразить.

Есть еще другое разделение графики и живописи — по материалу основы. То есть, попросту говоря, в зависимости от того, на чем это нарисовано. Если это бумага, — то тогда относим это к графике. Кстати, в графику по этому признаку попадает и вся акварель (точнее, работы, выполненные акварелью).

А если основой для картины является холст (холст на картоне или доска), — то это живопись.

Маша Новоселова. Декабрьский вечер. Бумага, сухая пастель, 30х40 см

Маша Новоселова. Декабрьский вечер. Бумага, сухая пастель, 30х40 см

На мой взгляд это деление весьма условно. И, конечно, живопись может быть на бумажной основе. А пастель — это уникальный материал, который позволяет делать и то и другое. И использовать разные основы для картин. Например, масляной пастелью можно рисовать (кроме бумаги) на доске, на оргалите и даже на ткани. А уж насколько это будет «живописно» — зависит от автора, его замысла и его предпочтений в работе.

Какие картины больше нравятся вам? Там, где много цвета, или сдержанные по цветовому решению? Какую бы вы повесили у себя в комнате?

«Используя мягкость обычной пастели, втираю настойчиво карандаши в тончайшие фибры души»

В музее Кондратия Белова состоялось открытие выставки «Pastello».

 

«Pastello» — совместный проект троих известных омских художников: Владимира СИДОРОВА, Владимира БЕЛОУСОВА и Романа НУРИЕВА. На выставке представлены работы, выполненные в технике пастели. 

Среди гостей на церемонии открытия присутствовали известные художники, искусствоведы, литераторы, журналисты, студенты. Звучали слова поздравлений, дарились цветы и подарки. 

Депутат Государственной думы Андрей ГОЛУШКО передал виновникам торжества приветственный адрес. В поздравлении, которое зачитали полностью, он подчеркнул:

— Этот творческий проект является ещё одним подтверждением таланта сибиряков. Пастель-самая хрупкая и пленительная из техник. Соединяя возможности живописи и рисунка, она отличается мягкостью, бархатистостью, свежестью красок, цветовым богатством. Убеждён, что выставка «Pastello» по праву станет важным событием в культурной жизни Омска. 

Директор музея Кондратия Белова, Владимир БЕЛОВ, открывая выставку, подчеркнул, что основоположником так называемой школы сибирской пастели является Алексей Николаевич ЛИБЕРОВ.

Именно этот Мастер воспитал целую плеяду талантливейших учеников, которые продолжили его традиции в своём творчестве и теперь уже эти знания, обогащённые собственным новым опытом, передают дальше — своим ученикам. 

Куратор проекта Людмила ОЛЕЩЕНКО, говоря об искусстве пастели, добавила: 

— Пастель художественная известна в живописи с XVI века. В технике пастели рисовали многие известные художники: Шарден, Ренуар, Врубель, Серов и другие. Некоторые ведущие художники-импрессионисты охотно пользовались пастелью, ценя её за свежесть тона и быстроту, с какой она позволяла им работать. Каждый автор, работающий в этой технике, по-своему ощущает материал, который является меловой палочкой, состоящей из двух ингредиентов: цветного пигмента и специального связующего материала (камедь или смола). Свет, отражаясь от частичек пигмента, придает произведению живописи матовость, бархатистость и особую пастельную мягкость. Лучше всего такие рисунки смотрятся на специальной бумаге, картоне, холсте или листах, обработанных особым грунтом.

 

Пастели Владимира СИДОРОВА графичны и в то же время живописны. Его работы — это неизменно гармоничный дуэт линии и цвета. Очевидно, что графика доминирует в его пейзажах и натюрмортах, но вместе с тем щедрая колористика работ делает их живописными. Яркий пример этого — пейзажи мастера «Утро», «Солнечный берег Пачи», «Добрый домик со скворечником», «Травы у речки Пача» и другие. 

Пастели Владимира БЕЛОУСОВА удивительно разнообразны по жанру. Зрителям он хорошо известен как пейзажист. Его пейзажи всегда узнаваемы, притягательны сиянием, внутренним свечением сквозь приглушенность цвета. Необыкновенно хороши ночные пейзажи — тихие и таинственные. На нынешней выставке зритель сможет увидеть БЕЛОУСОВА и как портретиста. Интересны жанровые портреты «Дачница», «Егор», а также «Автопортрет среди родных берёз», «Аким» и другие. Одну из своих графических работ в этот праздничный вечер Владимир БЕЛОУСОВ передал в дар музею Белова. 

Роман НУРИЕВ — парадоксальный художник: его фантазии, воплощённые в работах, выглядят совершенно реалистично, а работы, написанные с натуры (например, пленерные пейзажи), могут в его творчестве обрести фантазийные образы. На этой выставке особое внимание зрителей привлекут такие его работы как «Натюрморт в стиле Возрождения», «Сон в летнюю ночь. Похищение Европы» и другие.

Делясь с присутствующими на выставке студентами секретами мастерства, НУРИЕВ заметил:

— Без общения с природой, без пленеров творчество невозможно. Не чурайтесь при этом увлечения фотографией. Это полезно как обретение зрительной опоры промелькнувшей эмоции. Как фиксация эмоциональности момента. Ведь тема пленера долго потом ещё присутствует в творчестве — и здесь просмотр фотоальбома освежает впечатления — эмоционально возвращает тебя в те моменты общения с природой. Действует как эмоциональный камертон. 

В России искусство пастели получило распространение в XVIII веке и на протяжении трёхсот лет переживало разные этапы развития. Пик расцвета приходится на начало XIX и затем на начало XX веков. Вторая половина XIX века и и почти весь XX век характеризует угасший интерес к этому искусству. Новый пик интереса к пастели приходится на конец XX — начало XXI веков. Это нежное, рафинированное аристократическое искусство вызвало тогда новый виток интереса к себе и новый пик расцвета после проведения совместных советско-итальянских выставок пастели. 

Нынешняя выставка необычна тем, что объединяет работы художников-пастелистов, каждый из которых уникален и самобытен, но вместе с тем является ярким представителем сибирской школы пастели. 

Омский музей Кондратия Белова ждёт посетителей выставки по адресу ул. Валиханова 10

Фото © Алексей ОЗЕРОВ
Стихи © Ольга СМИРНОВА (Харьков), stihi.ru

О пастели и пастельной живописи. Русские художники — АРТ-Корпорация

В первой части материалов по пастельной живописи мы познакомились с творчеством зарубежных художников, но в России тоже были и есть приверженцы этого прекрасной техники. Продолжим наше знакомство 🙂

С момента своего появления и до конца XVIII в. пастель художники делали вручную, смешивая пигмент, связующее (чаще всего — гуммиарабик) и мел, массу прессовали, формировали из нее палочки и высушивали. * Напомним, что речь идет о сухой пастели. В настоящее время ведущие производители пастели также выпускают элитные линейки пастели ручной работы, чаще всего, такая пастель очень мягкая и очень дорогая, с большим количеством натурального красящего пигмента. Она действительно очень красиво ложится на лист и оставляет насыщенные фактурные мазки, выпускается сложных красивых цветов, но подходит не для всех целей. Для уточнения деталей, более графичных штрихов используется пастель soft (мягкая), для совсем тонких деталей используются пастельные карандаши. Твердая пастель (hard) используется больше для графических работ, практически как цветные карандаши, но с возможностью рисовать боковой частью.Она плохо растушевывается, но и не крошится. Художник сам выбирает, какой материал ему подходит для реализации своих творческих задач.

Как мы уже знаем, пастель получила большое распространение во Франции XVIII в., и далее распространилась по всей Европе, а ко 2-й половине XVIII в. дошла до России.

Картины, написанные в технике сухой пастели, нуждаются в бережном хранении, поэтому в нашей стране предпочтение отдавалось масляной живописи, хотя и в XVIII в. было написано немало портретов представителей высшего света в технике сухой пастели, преимущественно приглашенными европейскими художниками. 

Однако в начала XIX века у пастели появились свои приверженцы. Художники зачастую владели многими техниками, поэтому работы пастелью можно встретить и у мэтров масляной живописи. Давайте познакомимся с этой гранью их творчества.

Венецианов Алексей Гаврилович (1780 — 1847)

 

 

Кипренский Орест Адамович (1782 — 1836) 

 

 

Репин Илья Ефимович (1844 — 1930)

 

 

Левитан Исаак Ильич (1860 — 1900)

 

 

 

 

 

Серов Валентин Александрович (1865 — 1911)

 

 

Бакст Лев Самойлович

 (1866 — 1924) 

 

 

Мария Васильевна Якунчикова (Вебер) (1870 — 1902)

 

 

Серебрякова Зинаида Евгеньевна (1884 — 1967)

 

 

 

 

Кстати, 5 апреля в Третьяковской галерее открывается выставка, посвященная творчеству Зинаиды Серебряковой. Уникальная возможность широко познакомиться с творчеством этой талантливой художницы!

Надеемся, что вас вдохновило творчество художников-пастелистов, и вы решитесь попробовать этот прекрасный живописный материал!

* Материалы по истории пастельной живописи взяты из книги Ю.Ю.Дорофеевой и А.А.Моисеева «Пастельная живопись», ООО «Гуманитарный издательский центр ВЛАДОС», 2014 г. Книга будет интересна всем любителям пастели. 

Живопись: пастель и темпере | Всё про искусство и моду

Признайтесь, какие краски, используемые для рисования и живописи вам известны? Гуашь, акварель, масляные краски – вот, пожалуй, и все, что известно обывателю о красках, расходном материале каждого художника. На самом же деле красок и техник рисования, которые используют современные живописцы намного больше.

Вы когда-нибудь замечали, неспешно прогуливаясь по гулким коридорам художественных галерей, что одни рисунки яркие, они буквально заряжают энергией, а другие напоминают дымку, мечту или легкую фантазию? Одни художники испещряют полотна уверенными штрихами, а другие, наоборот, творят, будто боятся лишний раз прикоснуться кистью к холсту. В чем их секрет?

Ответ на этот вопрос лежит на поверхности. Все дело в технике и красках, которые использует в своей работе живописец.

Пастель

Пастель – это краска, которая наносится на холст не посредством художественной кисти, а с помощью мелков или карандашей. В этом заключается ее главная особенность, а также кроется достоинство, благодаря которому пастель выбирают миллионы профессиональных художников по всему миру.

В данном случае мелок пастели является своеобразным продолжением кисти художника. А еще пастель, как и другие краски, например, акварель, можно просто и быстро смешивать, добиваясь необычных оттенков. При этом смешивается пастель не на приспособлении, которое известно каждому художнику и увлекающемуся живописью, палитра пластиковая «Хобишоп», а прямо на бумажном холсте.

Приверженцами техники рисования пастелью были такие именитые художники, как Левитан, Серов и Дега. Считается, что начинать обучение живописи необходимо как раз с освоения пастели. Это неприхотливая и удобная в использовании краска.

Темпера

Темпера считается одной из первых красок, которые стали использовать люди для создания изображений. При этом темпера является долговечной и яркой, что, несомненно, ее плюс. Плюс ко всему темпера сохнет всего несколько минут, а с течением времени совсем не тускнеет и не выцветает.

Плюс ко всему темперу можно комбинировать с другими материалами для творчества, именно поэтому эта краска, пришедшая к нам из прошлого тысячелетия, до сих пор не утратила своей популярности. Нанося полупрозрачные слои, художник создает эффект, похожий на тот, что дарит нам акварель. Выбирая краску погуще, живописец достигает эффекта гуаши.

Однако пластичность краски темпера отнюдь не означает отсутствия у нее собственного стиля. На самом деле законченное произведение, написанное в технике темпера, невозможно спутать ни с упомянутыми выше акварелью, ни с гуащью.

Картон, грунтованный эмульсионным грунтом, для пастельной живописи

Если Вы любите рисовать пастелью и не представляете себе живопись без рисования мелками и карандашами, тогда одной из лучших основ для пастели будет картон, грунтованный эмульсионным грунтом, предназначенный, в частности, именно для пастельной живописи.

Особенности пастельной живописи

Пастель – это материалы, предназначенные для рисования, схожие с мелками и карандашами, которыми создаются красивые нежные пейзажи, портреты, натюрморты в технике рисунка или графики на любой шероховатой поверхности. Обычно для пастели применяют грунтованный картон, древесный или тряпичный, только он не должен быть гладким, лучше с небольшой шершавостью. Если же Вам попал в руки картон грунтованный с гладкой поверхностью, придется его немного «ошершавить» палкой от кисти или жесткой щеткой, а потом снова загрунтовать.

Но, так как приготовить грунт для картона без должных навыков достаточно сложно, лучше купить более подходящий картон для пастели, уже подготовленный должным образом, тем более, что стоит он в нашем магазине совсем недорого.

Но имейте в виду, что картины, рисунки и этюды, выполненные пастелью на грунтованном картоне, должны храниться под стеклом, иначе они быстро испачкаются или осыпятся (верхний слой пастели осыпается со временем, не зависимо от качества грунта). Можно также зафиксировать слой пастели специальной жидкостью-фиксатором, но тогда цвета могут поменять свой тон, а структура пастели станет более сплошной, и перестанет напоминать рисунок пастельными карандашами.

Особенности материалов для нанесения пастели

Пастель, не зависимо от того, мягкая она или твердая, лучше наносится на шершавую поверхность, прогрунтованную эмульсионным грунтом, так как микрокусочки пастели схватываются с волосками основы, а эмульсионный грунт не дает им осыпаться с картона. К тому же, учитывая, что при рисовании пастелью основа должна быть упругой, но твердой, то толщина картона, производимого специально для пастели, должна быть не менее 3-5 мм.

Далее поговорим о цвете картона, созданного специально для пастели. Как это не странно звучит, но пастельные цвета ярче и лучше будут смотреться не на белом картоне, а на цветном, сероватого или любого другого оттенка. Такой фон как нельзя лучше оттеняет цвета пастельных мелков, придавая им более натуральный, естественный вид. Тона, нанесенные на картон, грунтованный эмульсионным грунтом для пастельной живописи, можно растирать пальцами или же оставлять линии четкими, для этого и необходима именно шероховатая поверхность. Ведь сухая пастель на гладкой основе просто осыплется со временем.

Характеристики картона, грунтованного эмульсионным грунтом

Картон, грунтованный эмульсионным грунтом для пастельной живописи, должен обладать следующими характеристиками:

  • быть шероховатым на ощупь, по возможности – посыпанным мелкой крошкой наждачной бумаги с последующим слоем грунта;
  • быть прогрунтованным эмульсионным грунтом, как самым проверенным и универсальным, особенно подходящим для пастели;
  • быть серого, землистого или коричневатого цвета, цвета льна, чтобы пастельные краски на таком фоне лучше отображались. Но при желании можно применять для работы и белый картон, грунтованный эмульсионным грунтом, для пастельной живописи;
  • быть просушенным по всем правилам, а также проклеенным с соблюдением технологий, проверенных временем;
  • задняя стенка картона (если он не двухсторонний) должна быть красиво и эстетично заделана бумагой или картоном;
  • не должен иметь видимых погнутостей, изломов, царапин и волнистости;
  • должен быть изготовлен из сертифицированных, экологически безопасных материалов.
  • Все готовые работы из пастели должны храниться в рамке под стеклом.

Пастель / Афиша / Newslab.Ru

Пастель — один из очень необычных видов изобразительных материалов. Живопись пастелью воздушна и нежна. Техника пастели приобрела широкую популярность и достигла своего расцвета в XVIII веке. В этой технике можно делать любые сюжеты — от пейзажей до рисунков людей. Тонкость и изящество пастели в сочетании с необычной звучностью красок и богатством фактуры привлекала самых талантливых и именитых мастеров во все времена. В России это А.Венецианов, О.Кипренский, И.Крамской, И.Левитан, В.Серов, Б.Кустодиев, В.Борисов-Мусатов, М.Врубель Н.Рерих, М.Чюрлёнис. За рубежом — Эжен Делакруа, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Дега…

На выставке «Пастель» вы сможете прикоснуться к высокому искусству, успеть оценить по достоинству работу знаменитых красноярских мастеров, их творческую индивидуальность и высочайший уровень мастерства. На открытии будет представлен каталог выставки пастели. В экспозиции представлены произведения известных красноярских художников: Алла Орлова, Румяна Внукова, Игорь Башмаков, Ольга Еселевич, Владимир Переятенец, Сергей Попечец, Виктор Бородин, Светлана Дорощенко, Наталья Николенко, Людмила Турчанова и многие другие.

В Красноярском искусстве непревзойденным мастером этой красивой техники является заслуженный художник России, член-корреспондент Российской академии художеств Валентин Павлович Теплов. Совершенство пластики, изысканная естественность композиционных построений, грациозность линий — все это насыщает листы Теплова дыханием жизни и особой трепетностью, что позволяет отнести произведения этого художника к настоящим открытиям в области искусства пастели. В настоящее время В.П. Теплов — профессор, заведующий кафедрой станковой графики в Красноярском государственном институте искусств. Высокий профессиональный уровень многих молодых графиков, их умение раскрыть удивительные возможности пастели, образная метафоричность мышления — во многом заслуга Теплова. На выставке представлены работы его студентов и молодых художников: Наталья Дементьева, Александр Числов, Людмила Доржанова, Эльмира Чепелева, Сергей Чибисови многие другие.

Выставка работает с 4 марта до 31 марта 2021
в зале Красноярского Союза художников по адресу пр. Мира, 56
(остановки «Дом быта», «Главпочтамт»).

Выставка открыта для посещения с 10:00 до 18:00 ежедневно.

Все о техниках рисования пастелью, художниках и многом другом

Конец сезона, Уильям Меррит Чейз, 1885, пастель, 13¼ x 17¾.

Живопись пастелью или рисование пастелью начинается с применения пигмента, смешанного с мелом или глиной и соединенного со смолой для получения пасты, которая затем затвердевает и становится доступной в виде мягкой или твердой пастели, пастельных карандашей или масляной пастели.

На уроках пастели часто обсуждают среду как с точки зрения рисунка, так и с точки зрения живописи. Его можно использовать для создания широких мазков, которые кажутся маслянистыми и твердыми, как масляные краски, но их также можно использовать для создания точных линий и отметок, похожих на любой инструмент для рисования. Дальнейшая привлекательность пастельной живописи заключается в ее широком спектре цветов и способности смешиваться.

Что делает пастель уникальной, так это то, что пастели не смешиваются друг с другом, как другие материалы, такие как масло, акварель или акриловые краски. Художник должен выбрать конкретный цвет и насыщенность, которые он хочет, или он или она должны наложить несколько мазков пастелью, чтобы они сливались в глазах зрителя, как если бы они были физически объединены. Художник-пастель должен иметь широкий ассортимент пастельных палочек для работы и сильное чувство цветового наслоения.

Пастель

изначально использовалась для создания этюдов к более крупным работам, а не предназначалась для завершения готовой работы. Но в настоящее время пастель признана жизнеспособным художественным средством. Природа носителя делает его отличным выбором для тех, кто предпочитает портативность. Для рисования пастелью требуется небольшая подготовка, нет необходимости в растворителях и очистке кистей. По этой причине многие художники-пленэристы работают пастелью, а многие портретисты 19 века работали пастелью, чтобы облегчить быстрое исполнение.

Мастер пастельной живописи: Жан Франсуа Милле

Жан-Франсуа Милле «Пастушка и ее стадо», 1862 г., черный мел и пастель, 14 5/16 x 18 11/16.

Родившийся в семье фермеров французский художник Жан-Франсуа Милле (1814-1875) больше всего интересовался изображением повседневной жизни крестьян. Его ранние работы состояли из портретов и пасторальных сцен, но больше всего он известен картиной The Gleaners .

На картине изображены две женщины, собирающие остатки урожая, низко наклонившиеся, чтобы собрать так мало.Сбор того, что осталось от урожая, считался одной из самых низких работ в обществе, однако Милле сделал этих женщин героическим центром картины; свет освещает плечи женщин, выполняющих свою работу. В то время как его критиковали за представление социалистических взглядов в его работах, его картины год за годом появлялись в парижском Салоне.

По мере того, как его популярность росла в 1860-х годах, Милле постоянно получал заказы, и в 1865 году покровитель начал заказывать рисунки пастелью.С 1865 по 1869 год он рисовал почти исключительно пастелью для коллекции, которая в конечном итоге включала 90 работ. С этой коллекцией Миллетт исследовал возможности и ограничения пастельной живописи. «Он был одним из первых, кто действительно рисовал с помощью среды и использовал ломаные мазки цвета, а не интенсивно смешивал цвета, как это делали многие ранние пастелисты», — говорит Флаттманн. Многие из его более поздних картин представляют собой пейзажи, на которых полностью отсутствует человеческая фигура. Когда он стал старше, художник предпочел более простые и прямые процессы, такие как использование графита или пастели, а не живопись.Вместо тяжелой темной окраски многих своих картин крестьянской жизни Милле часто позволял просвечивать тонированную бумагу и экономно использовал свой цвет в пастели, выдвигая на первый план свое рисовальное мастерство.

Предмет художника сегодня может вдохновлять художников, которые могут быть привлечены к темам, которые считаются спорными или неинтересными. Использование пастели в качестве инструмента для рисования и цветовые мазки, очевидные в большей части его пастельных работ, не только привлекают больше внимания к его предмету, но также показывают, что у художника есть много возможностей при работе пастелью.

Источник: Мастера пастели Наоми Экперигин, Журнал American Artist , 2008.

Переход от масла к пастели

Дэвид Стаут «Назад в облака», 2006 г., пастель, 18 x 24. «Мне просто нравится ловить момент, когда облака раскрываются и появляется полоска яркого света», — говорит Стаут. Надвигающаяся буря заставила художника очень быстро проявить картину, хотя он все равно промок до нитки. (К счастью, картина этого не сделала.)

Чтобы максимально использовать ограниченное количество времени, которое у него есть для творчества, художник Дэвид Стаут решил перейти от масла к пастели. Помимо наслаждения чистотой цветов, художник ценит то, что этот материал требует минимальной подготовки и времени на высыхание, поэтому он может относительно быстро что-то написать. Поскольку он предпочитает рисовать, а не искать новые продукты, Стаут работает с ограниченным количеством пастелей и только с тремя брендами: Rembrandt, Sennelier и Schmincke. Хотя он признает, что в его мастерской есть «мешанина пастелей», разделенных на теплые и холодные цвета, художник научился брать половину или четверть палочки нужного цвета.«Я работаю быстро и особо об этом не думаю», — объясняет художник. «Я чувствую цвет — я знаю, чего хочу, и нахожу это».

Набор пастелей

Stout для рисования на открытом воздухе ограничен примерно 35 пастелями. (Иногда он использует пастельные карандаши для тонких линий.) Он никогда не покупает весь диапазон значений одного цвета, полагаясь на разные цвета для разных значений. Один из его любимых цветов — темно-зеленый Sennelier (№ 158). «Это невероятно», — восторгается он. «Я использую его вместо черного; оно дышит, в нем есть жизнь.Он отмечает, что у Schmincke получается прекрасный белый цвет (№ 17001-069D), который он ценит за его насыщенность и укрывистость. В снежных сценах он любит использовать сине-фиолетовый цвет Sennelier (№ 393), который эффективен для создания холодных теней, а охристо-оранжевый цвет Sennelier (№ 104) идеально подходит для создания эффекта глины.

Поэкспериментировав с разными основаниями, Стаут остановился на пастельной карточке Sennelier. Ему нравится однородность ее поверхности, а также тот факт, что она очень щадящая и позволяет ему накладывать слои, чтобы создать ощущение сияния.Это также способствует тонкой работе и рисованию тонких линий. Он предпочитает тонированные карты, более холодные голубые и серые тона для зимних вещей и более теплые тона для осени или сцен Нью-Мексико. Он прикрепляет карту к бескислотной доске Fome-Cor с помощью бескислотного двустороннего скотча и устанавливает ее на свой французский мольберт.

Стаут начинает работу пастелью, делая световые обозначения, объясняя, что на этом этапе он больше думает, чем рисует. «Вы должны подкрасться к картине пастелью», — говорит Стаут. «Начать свет.Если вы настроитесь слишком быстро, пути назад уже не будет. Вы теряете свежесть и ту живописность, которую хотите». С помощью половины палочки жженой умбры Рембрандта он затем блокирует сцену, используя тонированную бумагу в качестве среднего значения. (Поскольку он использует легкие мазки, он может работать с более мягкой пастелью поверх жженой умбры.) Когда-то он работал от самого темного до самого светлого, но теперь он накладывает светлые, средние и темные оттенки за один шаг. .

Next Stout рисует ключевой центр интереса, а затем принимает решение о том, что включить вокруг него.Ему нравится оставлять все свободным, кроме фокуса, позволяя другим областям дополнять главную достопримечательность. Художник обычно использует три-четыре слоя пастели, слегка сбрызгивая второй слой фиксатором, чтобы вдавить пастель в землю. Поскольку закрепитель имеет тенденцию приглушать цвета, он распыляет картину только один раз. Он без колебаний растушевывает пальцами — ему нравится непосредственность и контроль — и много размазывает и смягчает края. «Слишком много конкурирующих острых краев делают картину перегруженной», — объясняет он.

Источник: Дисциплинированный подход к пастели Линды Прайс.

От разочарования к прощению: уроки рисования пастелью одного художника

Тропинка с деревьями к скрытому пруду. Марлен Виденбаум 2008, пастель, 24 x 31. погребен под плотным ковром опавших листьев.Отфильтрованный солнечный свет и обволакивающее пространство картины настолько естественны и убедительны, что нам требуется несколько мгновений, чтобы обнаружить намек на тропинку через лес. Художница, кажется, довольствуется тем, что воспринимает мир таким, каким она его находит, а затем ищет в нем скрытые богатства и интригующие идеи. Она достигла этого ощущения благодаря мастерскому использованию пастели, работая с ней в многочисленных слоях, чтобы создать цвет удивительной тонкости и нюанса, сохраняя при этом свою поверхность в высшей степени тактильной и живой.

«Мне нравится непосредственность, цвет и снисходительность пастели, — говорит Виденбаум, — но особенно мне нравится участие моих рук.Я понимаю и контролирую свои пальцы намного лучше, чем когда-либо кистью, и у меня более прямая связь с работой». Несколько лет назад Виденбаум сменил масло на пастель. «Я была расстроена тем, что мне приходилось чистить кисти, как и себя, и убирать все каждый раз, когда я хотела рисовать», — вспоминает она. «Это было утомительно. Тогда у меня не было такой роскоши, как огромные блоки времени, и состояние работы каждый раз меняется, когда вы возвращаетесь к картине маслом. Очень хороший друг оставил коробку с пастелью на обеденном столе, и тогда началось мое знакомство с пастелью.Художник также наслаждается переносимостью пастели. «Гораздо проще спонтанно собрать вещи для работы на пленэре», — говорит она.

Как и большинство других художников-пастелей, Виденбаум также столкнулся с трудностями, вызванными техникой. «Самый большой недостаток — это пыль, — говорит она. «Иногда я ношу маску в студии, но не знаю, насколько это действительно помогает». Художнице также удается уберечь пальцы от пастельной пыли, надевая напальчники — маленькие резиновые рукава, которые можно надевать на отдельные пальцы, — которые продаются в аптеках.

Чтобы добиться пышной и богатой поверхности своих картин, Виденбаум использует наждачную бумагу и разнообразные пастели. «В основном я использую мягкую пастель Sennelier, Schmincke и Unison», — говорит она. «Благодаря моим бесконечным поискам цветов я также наслаждался Great American Art Works и немного более твердой пастелью Mount Vision. Много лет я работал на наждачной бумаге Sennelier La Carte. Однако этот продукт, похоже, изменился, поэтому я чаще использую бумагу Уоллис. Я также много работаю с бумагой UART, так как они предлагают 40-дюймовый лист и различные текстуры.От сортов 400 и 500 мои пальцы кровоточат, но возможность наслаивания делает бумагу 500 моей любимой».

Источник: Создание богатых и полных слоев Джона Паркса.

Как подписать картину пастелью

‘Утро на реке’                        5×7                                      ©Karen Margulis Это момент истины. Подписание картины может быть нервным.Будет ли моя подпись хорошо выглядеть? Будет ли быть большим и неуклюжим? Как я должен подписать свое имя? Что я должен использовать, чтобы подписать картину? Все эти мысли приходят мне в голову, когда я готов подписать.

Я хочу сделать подпись правильно, потому что это важный элемент картины. Он становится частью композиции. Если он находится не в том месте или не того цвета, слишком большой или слишком маленький, это может повлиять на картину. Он может выйти из баланса. Это может отвлечь слишком много внимания от объекта.Если он слишком маленький или слишком близко к краю, его вообще не будет видно!

Совет:  Решите, как вы будете подписывать, и придерживайтесь его. Полное имя? Инициалы? Найдите инструмент, который работает лучше всего (см. примеры ниже). Практикуйте свою подпись снова и снова, пока она не станет легкой. Когда придет время подписывать, выберите место, которое уравновешивает композицию, и подпишите с авторитетом и гордостью!

Несколько инструментов для подписи: карандаш, нюпастель, пастельный карандаш


Подписи выше были сделаны острым концом или краем твердой пастели, такой как Nupastel.Подпись на картине вверху поста сделана острым карандашом. Розовая подпись выше — острый пастельный карандаш.

Мой выбор подписи: я заранее решил использовать свои инициалы. Это было быстро и легко. Недостаток в том, что люди, плохо знакомые с моей работой, не могут найти мое имя. (если вы погуглите исполнителя KEM, я выйду вторым, но это заняло некоторое время!) Я решил сделать букву «Е» всего тремя линиями, потому что я подумал, что это выглядит круто. Я иногда использую карандаш, чтобы подписать очень легкую картину.Обычно я выбираю пастельный карандаш или остро заточенный Nupastel. Я выбираю цвет, который используется в моей картине. Я стараюсь, чтобы цвет выделялся на фоне. Я также слежу за тем, чтобы моя подпись не была слишком темной или слишком толстой и тяжелой.

Улучшите свою живопись — 20 мастеров-пастелистов расскажут вам, как

С НОВЫМ ГОДОМ!!! Когда я начинаю новый год, я начинаю планировать и думать о том, что я хочу, чтобы год принес, как я хочу развивать свои работы, как я хочу изменить ситуацию и как я хочу помочь вам улучшить вашу картину . .

По пути меня озарило! Почему бы не попросить 20 мастеров-пастелистов ответить на один вопрос. И вопрос……

Что можно сделать в следующем году, чтобы улучшить свою работу пастелью?

Ниже вы найдете их ответы. Вы увидите, что ответы пересекаются (что в моих книгах означает, что мы все должны это делать!) и некоторые интересные и неожиданные ответы. Люблю их всех!!

Я перечислил художников в алфавитном порядке из-за отсутствия лучшего способа организации блога.Все эти пастеллисты написали гостевые посты для HowToPastel, поэтому вы найдете ссылки на посты под ответами каждого художника.

1. ТОНИ АЛЛЕЙН

«Улучшите свою картину, всегда сначала делая миниатюрные наброски. Это помогает решать такие задачи, как композиция, перспектива и общий баланс готовой работы. Всегда носите с собой небольшой журнал для зарисовок. Держу один в бардачке машины на всякий случай. Прищуривайтесь как можно больше. Это позволяет вам видеть формы, а не детали.

Тони Аллен, «Бирюзовое озеро», 2018, пастель на наждачной бумаге Colourfix, 18 x 26 дюймов.

Прочитайте гостевой блог Тони здесь.

2. ЛИН АССЕЛЬТА

«Примите решение увидеть неудачные картины, отказы от выставок, даже критику в другом свете. Признайте это, не каждая картина достойна рамы, не каждая картина будет такой сильной, как вы могли бы надеяться, и каждый человек, который увидит вашу работу, увидит ее не так, как вы. Совершенство — это просто идея.Итак, чтобы стать лучшим художником, примите решение понять, что каждая картина — это просто ваш собственный «следующий шаг». Радуйтесь победителям, но также радуйтесь тем, кто расстраивает вас настолько, что толкает на грань… это картины, которые продвигают вас вперед на вашем пути».

Лин Ассельта, «Возьми меня туда», 2018, пастель, 18 x 18 дюймов.

Прочтите гостевой блог Лин Асселта здесь.

3. ЛАНА БАЛЛОТ

«Если бы мне нужно было выбрать только одну вещь, чтобы улучшить вашу живопись, это был бы рисунок (монохромный рисунок, углем, графитом и т. ). Помимо очевидных преимуществ обучения правильным пропорциям и перспективе, рисование улучшает многие другие важные навыки, необходимые для хорошей живописи. Мы практикуемся переводить цвета в оттенки серого, и любая успешная картина зависит от правильного использования значений. В частности, в пастельной живописи способность сохранять цвет чистым, накладывать несколько цветов — все это требует понимания соотношения цвета и значения.

Рисование также заставляет нас упрощать вещи, учиться видеть основную структуру и ритм в сцене, помогая улучшить композицию и дизайн.Кроме того, хорошие навыки рисования приводят к более уверенным оценкам при работе с цветом».

Лана Баллот, «Снег на главной улице», 2018, пастель, 7 x 5 дюймов.

Читайте гостевой блог Ланы Баллот здесь.

4. САНДРА БУРШЕЛЛ

«Мой лучший совет любому художнику для улучшения вашей живописи (пастелью или любой другой техникой) — рисовать каждый день, будь то быстрый набросок в очереди, образ идеи, которая у вас в голове, небольшой рисунок. (даже с ограничением по времени) или продолжение незавершенной работы.Ежедневное рисование имеет и другие преимущества: «Вдохновение существует, но оно должно найти вас в работе». — Пабло Пикассо (включенная пастель была сделана на еженедельном сеансе рисования, который я создал более 13 лет назад в Новом Орлеане)».

Сандра Бершелл, «Kool Cat», 2018, пастель, 20 x 16 дюймов.

Посетите гостевой блог Сандры Бершелл здесь.

5. ЭММА КОЛБЕРТ

«Примите новогоднее решение рисовать только на высококачественных фотореференсах или фотографиях, которые действительно говорят вам.Я вижу так много художников-комиссионеров, которые принимают фотографии плохого качества, которые не превращаются в картину, на которую они надеялись. Я делал это в начале своей карьеры, и это никогда не приносило мне никакой пользы. Дайте себе наилучшие шансы пополнить свое портфолио, более избирательно подходя к работе, за которую вы беретесь».

Эмма Колберт, «Грейхаунд Джиджи», пастель, 16 x 12 дюймов. С фотографией слева.

Читайте гостевой блог Эммы Колберт здесь.

6. ЛИН ДИФЕНБАХ

«Улучшите свою картину, попробовав что-то новое, просто ради чистого удовольствия от экспериментов и обучения.Я получаю удовольствие от создания серии небольших рисунков на мою любимую тему отражений, но с использованием пастельных карандашей. Карандаши имеют свои ограничения, но я был поражен тем, чего можно достичь. Небольшой формат также является хорошим фоном для моих более крупных и требовательных работ».

Лин Дифенбах, «On Reflection # 3», пастельные карандаши на Sennelier La Carte, 8 1/2 x 9 дюймов.

Посмотрите гостевой блог Лин Дифенбах здесь.

7. ДЖЕН ЭВЕНХУС

«Одной из самых важных техник, которую нужно освоить, особенно для художника-пастеля, является негативная живопись.Если вы никогда не использовали негативную живопись, вы будете поражены улучшением, которого вы достигнете за короткий промежуток времени! Когда вы применяете негативную живопись, вы можете начать с рыхлой, несовершенной техники, которую я обозначил как «красота несовершенства», позволяя развиваться маленьким счастливым случаям, когда вы двигаете пастелью и экспериментируете с жирным шрифтом. изготовление. На этом этапе я намеренно рисую «за пределами линий», потому что знаю, что вернусь на заключительном этапе и «подчищу» края, придам объекту форму в натюрморте, обозначу дерево или линию горизонта в натюрморте. пейзаж, или уточнить форму подбородка на портрете — разрезав то, что я уже нарисовал.

Когда вы впервые начинаете практиковать негативную живопись, выберите относительно простой объект, например, яблоко или пару дольок апельсина. Позвольте себе быть неряшливым, а затем возьмите цвет фона и определите внешние края объекта, используя быстрые, смелые штрихи — и наблюдайте, как происходит волшебство!

Jen Evenhus, «Path on the Bay», 2018, пастель на UART 400, 9 x 12 дюймов. Как видите, пальму я нарисовала очень небрежно — некоторые из вас могут даже сказать, что это беспорядок. Да, это волшебство негативной живописи… вы можете оставаться свободным и неряшливым до самого конца, а затем вырезать предмет намеренно нанесенными мазками, побуждая позитивную область выйти из фона, как скульптор, вырезающий куски мрамора!

Читайте гостевой блог Джен Эвенхус здесь.

8. ДОМ ФЕЛИСИТИ

«Я бы сказал, что если есть что-то, что кто-то может сделать, чтобы улучшить свою работу с пастелью, так это избавиться от цвета и рисовать по 15 минут, наблюдая каждый день. Это значительно повысит ваши навыки поиска. Карандаш, перо и биро — отличные линейные инструменты для рисования, но если вы используете уголь в течение 15 минут, вы быстро научитесь работать тонально, что является дополнительным бонусом в улучшении вашей работы пастелью».

Felicity House, «Fordington Village», ивовый уголь и мягкий угольный карандаш Faber Castell, 3 x 4 дюйма.Карандаш Faber Castell содержит прессованный уголь и прекрасно затачивается, создавая прекрасные графические штрихи.

Вы можете прочитать гостевой блог Felicity House здесь.

9. РИТА КИРКМАН

«Рисуйте каждый день, чтобы улучшить свою живопись! Чем больше вы рисуете, тем лучше у вас получается. Это так просто. Как езда на велосипеде. Или играть в шахматы. Или изучение языка. Практика, практика, практика! Но делайте это весело, рисуя все, что хотите, и делайте это небольшим, чтобы вы могли закончить в тот же день.И не парься над ошибками, потому что завтра ты всегда можешь нарисовать еще одну!»

Рита Киркман, «Бабби», 2018, пастель, 7 х 5 дюймов.

Посетите гостевой блог Риты Киркман здесь.

10. КЕЙСИ КЛАН

«Рисуйте каждый день! Держите свой план свободным и не стесняйтесь отклоняться от него. Нарисуйте месяц пейзажей водой, но позвольте вдохновению отвлечь вас на натюрморт или портрет. Не беспокойтесь о том, чтобы быть хорошим! Сделайте несколько стартов сегодня, и если вы разогрелись, доведите что-то до конца.Имейте несколько чертежных досок (толстые пенопластовые доски Elmer дешевы!) Работайте одновременно. Цените свое время выше, но обесценивайте слово: решимость!»

Кейси Клан, «Ангелы», 2018, пастель на Sennelier La Carte, 5 x 7 дюймов.

Читайте гостевой блог Кейси Клан здесь. (Кейси была моим первым приглашенным блоггером!)

11. ПИРККО МАКЕЛА

«Открытые глаза, открытый разум, открытое сердце. Я думаю, что открытость подходит всем, независимо от того, на каком профессиональном уровне мы находимся.Всегда полезно присмотреться к делу, вглядеться, поразмыслить. Даже повседневная жизнь.

Я бы посоветовал посетить художественные выставки и музеи, чтобы увидеть и такое искусство, с которым вы не знакомы, произведения искусства, которые выведут вас из зоны комфорта. Уму нужен вызов.

Познакомьтесь со своими самыми глубокими желаниями и чувствами, даже с самыми болезненными. Когда вы начинаете рисовать, приветствуйте все, что идет к вам из глубины души.Не бойтесь — это безопасно, а самоанализ улучшит вашу живопись».

Пиркко Макела, «Создание мира», пастель на бумаге Мин, 31 1/2 x 43 1/3 дюйма.

Ознакомьтесь с гостевым постом Пиркко Макелы здесь.

12. НЭНСИ КИНГ МЕРЦ

«Когда студенты спрашивают меня: «Что я могу сделать, чтобы быстро развить свои навыки?», я всегда отвечаю одинаково…

Многие ученики моих мастерских рано стали художниками, и карьера, семья, жизнь просто загнали их творческие устремления в дальние уголки. Их дети выросли, работа сделана, и теперь они могут использовать ресурсы и время, чтобы сосредоточиться на пробуждении своих художественных мечтаний. Поскольку там создается ТАКОЕ много замечательных работ, художники, возвращающиеся к своим навыкам через некоторое время, чувствуют разочарование из-за того, что их способности не совсем «соответствуют».

Мой совет любому художнику любого уровня — практиковаться в рисовании. Рисуйте все, что видите: архитектуру, объекты, фигуры, облака, чтобы передать правильный масштаб, перспективу и ракурс.Чем больше у вас за плечами рисунков, тем лучше вы будете рисовать и тем быстрее ваши навыки вернутся или встанут на свои места».

Нэнси Кинг Мерц, «В ожидании Вабаша», пастель на смонтированном UART 320, 34 x 16 дюймов. Победитель Prix De Pastel на 33-й веб-шоу IAPS.

Прочитайте гостевой блог Нэнси Кинг Мерц здесь.

13. НЭНСИ НОВАК

«Улучшить свою картину? Работайте над рисунком! Одна из главных вещей, которая, по моему мнению, нужна моим ученикам, — это улучшить свои навыки рисования. Рисование — это основа живописи, и важно уметь точно рисовать предметы в правильных пропорциях, размерах, углах и т. д. Запишитесь на уроки рисования или онлайн-уроки по рисованию. Во многих городах есть уроки рисования фигур, и я обнаружил, что это лучший способ работать над художественным наблюдением, измерениями, пропорциями, формами и значениями. Вы можете быть мастером в технике пастели, но если ваш рисунок слаб, ваша картина не будет точной».

Нэнси Новак, «Apple Cart», пастель на бумаге UART, 12 x 9 дюймов.

Вы можете прочитать гостевой пост Нэнси Новак здесь.

14. ЛИЗА ОБЕР

«Самый сложный совет, которому нужно следовать, но самый ценный, которому вы можете следовать, — это рисовать как можно чаще. B O R I N G и, может быть, даже клише, но правда. Каждая картина, которую вы создаете, не обязательно должна быть шедевром, но регулярная и частая практика продвинет ваши работы дальше, чем вы можете себе представить. Вы узнаете, что делает пастель в ваших руках, как инстинктивно выбирать цвета и оттенки, где пастель будет соприкасаться с вашей бумагой, как решать проблемы и задачи, развивать отличные навыки и скорость и, в конечном итоге, позволить проявиться вашему собственному стилю. .Если вы немного предприимчивы и готовы попробовать различные поверхности и марки пастели, вы также накопите любимые марки пастели, которые хорошо сочетаются друг с другом и для вам .

Как часто нужно красить? Ах, у каждого из нас есть свои обязательства, но несколько семинаров по выходным не сделают вас профессионалом. Один раз в месяц не сделает вас экспертом. Раз в неделю только небольшое улучшение. Страстные новички относятся к рисованию как к работе на полставки по 15-20 часов в неделю, пока они не приобретут художественную выносливость, необходимую для построения карьеры художника, если они того захотят.Профессиональные художники рисуют не менее 40 часов в неделю. И это видно по их работе. Сделайте рывок и пообещайте себе в этом году рисовать как можно чаще! Затем вы сможете оглянуться на невероятный прогресс, которого вы добились… это гарантировано. Награда стоит затраченных усилий».

Лиза Обер, «Портрет девушки», 2018, пастель на бумаге UART 400, 24 x 18 дюймов.

Прочтите гостевой пост Лизы Обер здесь.

15. КЭРОЛ ПИБЛЗ

«Единственное, что вы можете сделать, чтобы улучшить свою живопись или пастель, — это рисовать с натуры.Не глядя и не угадывая, как вы рисуете, а скорее применяйте строгие методы рисования с наблюдением, такие как измерение, соотнесение отвесных линий, следование по линиям, ценностная оркестровка и т. Д., Целью которых является только точное сходство с предметом. Простые этюды головы, пейзажные зарисовки, интерьеры или натюрморты, нарисованные простым карандашом или углем каждый день в течение 20 минут или около того.

Смирение с природой, будь то люди, места или вещи, улучшает нашу способность видеть. Это также связывает нас с нашим непосредственным окружением.Затем, когда вы вернетесь в студию, независимо от того, работаете ли вы обычно с натуры или нет, ваша работа будет иметь гораздо более прочную основу и глубину».

Кэрол Пиблз, «Те, кто не верит в волшебство, никогда его не найдут» — Роальд Даль, 2019 г. , пастель на бумаге Джека Ричесона, 27 x 22 дюйма. Украшенная демонстрация из жизни для BlueEaselClub.

Вы можете прочитать гостевой блог Кэрол Пиблз здесь.

16. АРЛИН РИЧМАН

«Художникам я бы порекомендовал присмотреться к искусству — много искусства, все виды искусства — живопись, скульптура, керамика, архитектура.Это могло быть старое искусство или новое искусство, хорошее искусство или плохое искусство; кто может сказать или знать, кроме вас? И не просто смотрите на искусство, которое вам нравится. Загляните за пределы своей зоны комфорта, на вещи, которые вы никогда бы не подумали сделать сами. Вы узнаете больше, чем можете себе представить.

Во-первых, это поможет вам понять и оценить, что вы цените в любой картине, которую видите; во-вторых, вы можете затем использовать эту информацию, чтобы отточить личную проницательность и критический анализ вашего собственного искусства. Это техника, которой вы восхищаетесь больше всего, или цвет, линия, повествование, объем, формы, иллюстративное содержание, все вышеперечисленное или ничего? И пока вы смотрите, впитывайте идеи, которые вы хотели бы примерить на размер. Можно присваивать элементы чужих произведений искусства, если вы присваиваете их в художественной среде, которая действительно является вашей собственной».

Арлин Ричман, «Зеленый», пастель на бумаге BFK Rives, 14 x 14 дюймов.

Прочтите гостевой пост Арлин Ричман здесь.

17. РИЧАРД САКЛИНГ

«Углубление темных участков естественным образом усилит средние тона и сделает светлых участков более ровными. За исключением преднамеренно высоких ключевых тем, использование этих темных оттенков жизненно важно для создания картин, которые имеют эффект и сильную тональную композицию.Чтобы понять, что я имею в виду, посмотрите мою картину ниже».

Ричард Саклинг, «Mousehole Harbour», пастели Sennelier и Unison на Sennelier La Carte, 23 x 19 дюймов.

Посетите гостевой блог Ричарда Саклинга здесь.

18. ЭДЖЕЙ УЭЙНРАЙТ

«Каждый год я оцениваю свою работу. Соберите фотографии всех ваших работ за последний год в один альбом и выберите те, которые вы считаете лучшими. Решите, как вы будете двигаться вперед, довольны ли вы определенным стилем или темой или нет.Составьте список целей, будь то улучшение одной конкретной части вашей работы, участие в определенной выставке или галерее, выбор семинара или занятия, которое вы хотите посетить. Но, самое главное, решите, открыли ли вы свой собственный уникальный и фирменный стиль или голос, а не копируете ли вы кого-то другого».

Эй Джей Уэйнрайт, «Ночные огни», 2018, пастель, 12 x 24 дюйма.

Вы можете прочитать гостевой пост AJ Wainright здесь.

19. ДУАН ВАКЕМ

«Создание убедительной иллюзии пространства — основная задача художников-пейзажистов.Успех частично зависит от умения видеть и рисовать объекты в правильном масштабе с точки зрения их расстояния от зрителя, что является аспектом линейной перспективы , желательно без точек схода. Работая с цветом, как и мы, понимание воздушной перспективы , которая представляет собой степень, в которой интенсивность цвета уменьшается по мере его удаления в пространстве, одинаково важно и является основой моего утверждения, что цвет должен занимать свое место в пространстве. космос.

Даже когда цвета были умело и тщательно подобраны для создания правдоподобных пространственных отношений, пигмент, нанесенный слишком плотно и слишком равномерно, имеет тенденцию сглаживать изображение, уменьшая иллюзию пространства и делая его двухмерным.

Легкая штриховка слоев близкородственных цветов друг над другом, как в «За дальней бухтой», позволяет мне не только создать ощущение атмосферы и пространства, но и сделать каждый квадратный сантиметр картины интересным, хотя и не в равной степени важный.»

Дуэйн Уэйкхэм, «В дальний залив», 2015, пастель, 11 1/5 x 22 дюйма.

Прочитайте гостевой блог Дуэйна Уэйкхэма здесь.

20. Дагги Уоллес

Я бы сказал, что способ улучшить свою картину — экспериментировать! Пробуйте новые поверхности, новые марки пастели, новые способы их нанесения, смешивайте их с другими материалами, меняйте сюжет, пробуйте причудливые ракурсы и перспективы, играйте с композицией, слоями, подмалевками, новыми способами обрамления и презентации готовой работы. .Все это расширит ваш кругозор и откроет возможности, о которых вы, возможно, и не подозревали. Если что-то не работает, не беда. Вы можете узнать что-то совершенно неожиданное.

Дайте себе время поиграть и поэкспериментировать, мыслить нестандартно, вывести среду на новые уровни, которых еще не было.

Дагги Уоллес, «Resist», пастель на бумаге UART и черный акрил на стекле (обратная сторона стекла), 11 x 14 дюймов.

Прочтите гостевой пост Дагги Уоллеса здесь.

~~~~~

Что ж, если это не заставит вас вскочить с компьютера, планшета или телефона в свою студию, я не знаю, что заставит!

ОооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооОоооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооокоооооооооо НА НА НА НАШИХ СТИЛЯХ Что ты собираешься сделать в этом году, чтобы улучшить свою живопись? Будет ли это одно из предложений выше или у вас есть собственная идея? Дайте нам знать!

Поделитесь своим мнением об этом посте, оставив комментарий. Вдохновлены ли вы какими-либо этими предложениями, чтобы улучшить вашу картину?

До следующего раза,

Гейл

Это пастель рисунок или картина?

Недавно на странице Американского общества пастелей (PSA) в Facebook разговор был инициирован кем-то, чья работа была отклонена с выставки, потому что организаторы считали ее пастелью как рисунок, а на выставку принимались только картины. Можете себе представить, какой фурор начался в этой пастельной группе!

 

Так картина, написанная пастелью, это рисунок или картина?

 

Гейл Сибли, «Вспоминая те дни», бумага, пастель, 15 x 10 в

 

Давайте посмотрим на некоторые определения из Оксфордского словаря английского языка (OED):

«Нарисовать» — создать (изображение) путем обведения линий и знаков, изобразить (вещь) с помощью этих средств

«Рисунок» – 1 a искусство изображения линией. b оконтуривание бесцветным или одноцветным. c искусство изображения карандашами, ручками, мелками и т. д., а не красками. 2 картина, созданная таким образом

«Пастель» – 1 мелок, состоящий из порошкообразных пигментов, связанных раствором смолы. 2 произведение искусства пастелью

«Краска» – н. 1a красящее вещество, особенно в жидком виде для придания цвета поверхности . b в виде высушенной пленки или покрытия.

«Живопись» – 1 процесс или искусство использования краски. 2 нарисованная картина

 

Хммм… довольно расплывчато, я бы сказал, но из-за этого я думаю, что мы, безусловно, можем отнести пастель к категории живописи согласно OED. Наиболее важной частью является определение «Краска» (выделено курсивом), которое предполагает, что любой краситель , придающий цвет поверхности, может быть признан краской. Учтите, что пастель — это одна из самых чистых форм пигмента (т. е. красящего вещества) из доступных!

 

Считаете ли вы это рисунком или картиной?

Паула Рего, «Проглатывает отравленное яблоко», 1995, пастель на бумаге, закрепленной на алюминии, 70 x 59 дюймов, Галерея Саатчи

Я бы сказал, что пастели Паулы Рего — это всегда картин!

А этот?

Жан-Батист Перронно, «Оливье Журню», 1756 г., пастель на бумаге, лежащей на холсте, 22 7/8 x 18 1/2 дюйма, Метрополитен-музей (чтобы увидеть крупные планы этой картины, нажмите здесь)

 

При рисовании пастелью можно добиться того же эффекта наслоения, что и при рисовании маслом.Как сказал Адриан Франкель Джулиани в ветке PSA: «Вы можете создать цвет так же, как вы можете сделать это с помощью масел». Пастелисты думают о тонах, цветах, краях, композиции, фактуре так же, как и любой живописец. Единственное отличие состоит в том, что один носитель наносится влажным, а другой сухим (как правило).

Я думаю о рисунках как о способе понять, на что вы смотрите, изучить идеи, уловить мимолетные жесты и моменты. Это может быть быстрый и прямой метод записи мыслей, ощущений и внутренних видений.Это способ найти суть вещи. Я также думаю, что рисунки, как правило, меньше, чем картины, обычно на бумаге.

Кейси Клан считает, что «рисование связано с решением проблем и часто подчеркивает линию». Дагги Уоллес предположил, что рисунки, как правило, «схематичны, [с] большим количеством линий, сквозь которые проглядывает много бумаги». Эллен Игл добавила, что она считает «рисунками пастельные работы, в которых большая часть бумаги остается нетронутой. Когда вся поверхность покрыта пастелью, я считаю работу картиной.

Изучая этот пост, я наткнулся на определение рисунка, которое мне очень понравилось (к сожалению, я потерял источник): «Небольшое количество материала выделяется на двухмерную поверхность, оставляя видимый след».

 

Как заметил Билл Криви в ходе обсуждения PSA (и я с ним согласен), «красками тоже можно рисовать».

 

Взгляните на это масло — это больше рисунок или картина? Я думаю рисунок:

 

Анри де Тулуз-Лотрек, «Две полуобнаженные женщины, вид сзади в публичном доме на улице Мулен», 1894 г. , картон, масло, 21 1/4 x 15 1/4 дюйма, Музей Тулуз-Лотрека, Альби

 

 

А как насчет замечательной работы Сая Твомбли – рисунка или живописи?

 

Сай Твомбли, «Первая часть возвращения с Парнаса», 1961, масляная краска, графитный карандаш, восковой мелок, цветной карандаш на холсте, 94 3/4 x 118 3/8 дюйма, Художественный институт Чикаго

 

А что Вольф Кан? Взгляните на эту картину, написанную маслом, она настолько изобилует штрихами и линиями, что мне сразу приходит в голову рисунок:

.

 

Вольф Кан, «Blatant», 2012, холст, масло, 26 x 26 дюймов, Собрание художника

 

Сравните это с этой пастелью, которая для меня определенно выглядит как картина:

Вольф Кан, «Большой красный амбар с тенью», 2007, бумага, пастель, 30 x 30 дюймов, Собрание художника

Одна вещь о сухих средах, как правило, они должны быть защищены каким-либо остеклением, в первую очередь стеклом.Включая пастель, конечно.

 

Интересно, как я ловлю себя на том, что хочу, чтобы мои работы пастелью назывались картинами. Я думаю, это потому, что рисунки традиционно считались «меньше чем» и, следовательно, не так важны, как картины (особенно маслом). И, черт возьми, я хочу, чтобы мою работу считали важной! Может быть, поэтому этот вопрос так важен для большинства пастелистов.

 

Иногда с первого взгляда трудно отличить масло от пастели. Просто посмотрите на работы Альберта Хэнделла и Ричарда МакКинли (и Вольфа Кана выше).

 

Альберт Ханделл, «Зимний миг», пастель, размер неизвестен

Альберт Ханделл, «Зеленый амбар», масло, 30 x 40 в

Работа Ричарда МакКинли также является отличным примером:

Ричард МакКинли, «Вид на склон холма», пастель, 9 x 12 дюймов, частная коллекция

 

Ричард МакКинли, «Сумерки», масло, 12 x 16 в

 

Мне бы хотелось бы узнать ваше мнение. Какую позицию вы занимаете в этом споре? Пожалуйста, дайте мне знать, добавив комментарий ниже.

Излишне говорить, что я думаю о своих пастельных работах как о картинах!
До следующего раза,

~ Гейл

 

шт. Большое спасибо всем, кто участвовал в беседе на Facebook 🙂 И большое спасибо Аните Гладстон за то, что она инициировала все это!

стр/с. Марк Норсет напомнил нам, что эта дискуссия не нова: «Это не новая проблема… Уильям Меррит Чейз, Роберт Блюм и Дж. Кэролл Беквит и Общество художников пастели прошлись по этому поводу в 1880-х годах, когда выбирали название для их организация.Они пошли с «художниками». нажмите здесь, чтобы прочитать немного больше.

PPPS. Я думаю о капельных картинах Джексона Поллока как о рисунках. Сумасшедшая идея?

Родственные

Что такое пастель? Пастельная среда, определенная и описанная художником Майком Махоном

Пастель является наиболее стойкой из всех сред, когда она применяется к консервационному грунту и правильно оформлена. Пастель не имеет жидкого связующего, что может привести к ее окислению с течением времени, как это часто бывает с другими носителями.

Бесконечные возможности рисования пастелью для художника

В данном случае пастель не относится к бледным цветам, так как это слово обычно используется в косметической и модной терминологии. Чистый порошкообразный пигмент измельчается в пасту с минимальным количеством связующего вещества камеди, скатывается в палочки и высушивается. Бесконечное разнообразие цветов в палитре Pastel варьируется от мягких и нежных до жестких и блестящих.

Произведение искусства создается путем проведения палочкой сухого пигмента по абразивному грунту, встраивая цвет в «зуб» грунта.Если земля полностью покрыта пастелью, работа считается пастелью; тогда как, оставляя большую часть земли открытой, получается пастельный набросок. Техники варьируются в зависимости от отдельных художников. Многие художники предпочитают пастель, потому что она допускает спонтанный подход. Время высыхания отсутствует, поэтому после высыхания не происходит изменения цвета, как в других средах.

Знаете ли вы, что частица пигмента Pastel под микроскопом выглядит как многогранный бриллиант? Оно делает! Поэтому картины пастелью отражают свет как призма. Ни один другой носитель не обладает такой силой цвета или стабильности.

Мастера пастели

Исторически пастель восходит к 16 веку. Его изобретение приписывают немецкому художнику Иоганну Тиле. Венецианка Розальба Камера была первой, кто последовательно использовал пастель. Шарден писал портреты открытым мазком, а Латур предпочитал растушеванный финиш. После этого целая плеяда известных художников — Ватто, Копли, Делакруа, Милле, Мане, Ренуар, Тулуз-Лотрек, Вюйар, Боннар, Глакенс, Уистлер, Гассам, Уильям Меррит Чейз — использовали пастель для готовой работы, а не для предварительных набросков.

Пастель 16-го века существует и сегодня, такая же свежая, как и в тот день, когда она была написана. Эдгар Дега был самым плодовитым пользователем пастели и ее поборником. Его протеже, Мэри Кассат, познакомила Пастель со своими друзьями в Филадельфии и Вашингтоне и, таким образом, в Соединенных Штатах. Весной 1983 года Sotheby Parke Bernet продал на аукционе две пастели Дега более чем за 3 000 000 долларов каждая! Обе пастели были написаны примерно в 1880 году.

Немягкий мел

Не путайте пастель с «цветным мелом».Мел — это пористое известняковое вещество, пропитанное красителями, тогда как пастель — это чистый пигмент, такой же, как и в других перманентных красках.

Сегодня пастель имеет такой же статус, как масло и акварель, как основное средство изобразительного искусства. Многие из наших самых известных ныне живущих художников отличились в пастели и обогатили мир искусства этой прекрасной техникой.

Художественная средняя пастель — Arthistory.net

В отличие от других художественных средств, пастель предлагает возможность рисования сухими красками.Пастель изготавливается из чистого пигмента в виде порошка, скрепленного в палочки, похожие на мел. Однако, в отличие от цветных мелков, пастель состоит из тех же пигментов, что и масляные краски. Поскольку пастельные тона наносятся сухими, художники сразу знают, какое влияние цвет окажет на композицию. С помощью таких техник, как смешивание и растушевка, художники контролируют тона и тени. Одним из недостатков пастели является то, что изображение никогда не бывает надежным, и малейшее прикосновение может нарушить композицию.Жидкие фиксаторы, такие как те, которые используются для древесного угля, способны уменьшить яркость цвета. Поэтому защита стекла и бережное обращение зачастую являются лучшими средствами его сохранения.

К 15 веку пастель использовалась в этюдах для картин или фресок. Считается, что да Винчи использовал его в своих этюдах «Тайная вечеря». На протяжении веков многие художники творили пастелью. С 17 века, поскольку художники использовали его для развития своих ремесел, их работа способствовала развитию среды.Венецианская художница Розальба Карриера популяризировала пастель в конце 1600-х годов. Ее работы обладают тонким ощущением и мягким видом, что является результатом ее техники растирания и смешивания. В ее работе 1721 года «Девушка, держащая лавровый венец» пастель создает мягко утонченный образ с сдержанно элегантными эффектами.

Спустя столетие Морис Квентин де Латур, находясь под сильным влиянием Карьеры, развил пастель в новых направлениях с яркими цветами, четкими деталями и ясностью, невиданной ранее в работах пастелью. Один из его знаменитых портретов, «Генри Докинз», иллюстрирует ловкую руку художника в захвате предмета с поразительной ясностью, например, хроматических эффектов золотых пуговиц и мягкого блеска бархатного пальто. Работа Латура придала пастели новый диапазон и уважение, равное масляной живописи.

Работа Эдгара Дега с пастелью также внесла большой вклад в эту среду. Экспериментируя с комбинациями пастели и других материалов, таких как гуашь и акварель, он создавал люминесцентные цвета.Используя различные поверхности, такие как бумага, холст и картон, он создал ряд эффектов. С помощью различных инструментов и техник, таких как мокрые кисти и штриховка, он с выразительной грацией манипулировал пастельными тонами. Его 1888 год, пастель на дереве, «Скаковые лошади» запечатлели момент, застывший во времени, с поднятой ногой скаковой лошади, но все еще вызывая вибрацию качающейся травы с помощью его техники штриховки. Пастель — тонкое ремесло, и ее цвета легко смываются со страницы. Однако с крупными разработками, сделанными пастелистами прошлого, его значение прочно закрепилось в истории искусства.

FAQ по пастельной живописи и художественному творчеству

 

Что делает картину сбалансированной или «гармоничной»?

Можно сказать, что картина «гармонична», когда все ее различные элементы приятны нашим чувствам; и это обычно достигается определенным порядком и равновесием, проявляющимся и воспринимаемым как приятное глазу. Как будто все элементы произведения — цвета, формы, линии — сливаются воедино, создавая единое, единое целое.

Добиться этого эффекта можно лучше, если не заморачиваться лишними деталями. Дело в том, что лишние детали могут отвлекать внимание от существенных элементов картины и тем самым нарушать тот элемент равновесия, который так радует глаз.

Однако поиски гармонии не обязательно должны полностью доминировать в работе. Ведь сам мир не совсем гармоничен!

При рисовании не следует слишком увлекаться интеллектуальными вопросами.Скорее, следует попытаться получить доступ к своей подсознательной, спонтанной природе и избегать рациональных суждений. Никогда нельзя ошибиться, следуя своей интуиции.

Ведь конечная цель живописи не в том, чтобы подчиняться внешним правилам, а в том, чтобы соприкоснуться со своим внутренним я, писать по своему внутреннему голосу, а не путем применения теорий.

Является ли композиция со смещением от центра и асимметричной лучше, чем композиция с центрированием и симметрией?

В то время как центрированные композиции иногда кажутся неуклюжими на фотографиях, в картинах возможна большая свобода.

Например, очень центрированная композиция может своей симметрией передать ощущение силы, иератического качества или наивности. В некотором смысле очень сосредоточенная композиция ставит вопросы.

Кроме того, в картине к композиции могут быть добавлены другие элементы, чтобы усилить воздействие работы, например, характер или текстура среды, «прикосновение», «магнетизм» цвета. , само присутствие чувствительности художника.

Сможем ли мы успешно рисовать пастелью, даже если мы никогда не учились в художественной школе и не совершенствовали технику рисования?

Да, даже новички могут выразить себя с помощью пастели.

Пастель проникает прямо в суть, так как это прямой и спонтанный материал. Между рукой художника, крепко сцепленной с пастельной палочкой, и подставкой нет постороннего или промежуточного элемента.Не то, что кисть, палитра или другой вид носителя, например, который может действовать как своего рода отвлечение или обременять творческий ум.

Это больше похоже на лепку из глины, где художник почти вдыхает жизнь в саму глину за счет напряжения, создаваемого каждым движением его пальцев.

Мы можем использовать пастель, даже если не в совершенстве овладели техникой рисования. Пастель полезна как художникам-графикам, так и колористам.

Вообще говоря, у нас нет каких-либо конкретных техник, прежде чем мы начнем рисовать; мы рисуем и нам удается овладеть техникой, как кузнец становится кузнецом, куя!

Освоение определенных художественных приемов не всегда необходимо для выражения эмоций, кроме того, что, если мы уже что-то имеем, мы больше не ищем этого; но искусство — это постоянный поиск, приключение в неизведанное, и ошибки, которые мы совершаем на этом пути, — это как раз то, что позволяет нам раскрыть, кто мы есть на самом деле.

Продолжайте открывать себя заново, пока мы не станем зрелым художником, который, чтобы выразить себя, заставляет себя выйти за рамки простой техники, которая не является самоцелью, так как его искусство, если его свести к виртуозности, потеряло бы всякий смысл. «Я был менее дерзок, я хотел показать, что умею рисовать», — сожалеет художник-абстракционист Оливье Дебре, говоря о своей ранней карьере.

«Уметь рисовать — не значит хорошо рисовать», — говорил Гоген. Действительно, рисование в соответствии с определенными академическими методами очень ограничено.Старайтесь рисовать честно, по-своему, искренне.

Пастельный пигмент, нанесенный на носитель, всегда заряжен интимными резонансами чувствительности, независимо от формы, заданной, нарисованной линиями или с использованием плоских областей цвета, или, более того, того и другого одновременно.

Ниже приведены 2 примера некоторых художественных приемов:

  • Шагала, чьи «недостатки» в рисовании были преимуществом. Его рисунки можно рассматривать как хрупкие иконы, нежно-наивные, теряющиеся в роскоши драгоценных красок.Взгляните на его пастель
  • .
  • Дега, который хотел, чтобы мы запомнили его «любовью к рисованию», создал к концу своей жизни самые роскошные пастели, их научные линии были деконструированы в пользу скопления и переплетения ярких цветов. Посмотрите его обнаженные тела, особенно период 1890-1910 годов

История искусства изобилует примерами художников, сумевших найти собственный способ изображения «воображаемых контуров невидимых объектов» (Роже де Пилес):

  • Ван Гог: линии толстыми штрихами
  • Гоген: простые и мощные линии
  • Сёра: неуловимые линии под россыпью точек
  • Matisse: линии сведены к сущности арабески
  • Пикассо: резкие доминирующие линии
  • Алечинский: извилистые дрожащие линии и т.д.

Я считаю, что художественное самовыражение — это постоянная борьба с самим собой. Мы ссоримся, потому что знаем либо слишком много, либо слишком мало! Но мы продолжаем бороться, и именно энергию, вытекающую из этих вечных вопросов, мы должны культивировать, чтобы двигаться вперед.

Как художнику-самоучке лучше всего развивать свое Ремесло?

Все основано на наблюдении.

А что касается наблюдательности, то потенциально все является «зерном на мельницу» и может быть использовано в ваших интересах.

Например:

  1. «Выходите за пределы» себя, насколько это возможно: ходите на выставки, посещайте музеи, читайте художественные журналы, встречайтесь с художниками, если это возможно, в их собственных студиях. Не ограничивайте себя какой-то конкретной средой, а старайтесь участвовать во всех видах семинаров и шоу. Все художественные средства интересны тем, что все они стимулируют наш художественный взгляд: скульптура, гравюра, мозаика, живопись, литье по металлу и т. д.
  2. Носите с собой альбом для рисования, когда путешествуете или гуляете, чтобы вы могли записывать в него все, что видите, как если бы это был своего рода визуальный дневник.Старайтесь как можно больше наблюдать и записывать все, что вас окружает, и делайте это активно всякий раз, когда это возможно: например, если вы гуляете по сельской местности, рисуйте деревья, которые видите, или что-то еще.

Очень хорошо начинать с модели, независимо от того, репродукция это или живая. Это работает как поддержка, которая помогает дереву расти.

Сочетание использования как репродукции, так и живой модели может быть только выгодным, учитывая множество представленных точек зрения.Все потенциально полезно при «сборе нектара» для изготовления меда!

Можно ли создать произведение искусства одними пастельными мелками?

Вы можете сделать произведение искусства на любом носителе! То, как художник общается с медиумом, как писатель со словами, на самом деле создает произведение!

Чем проще средство, которое кажется неподходящим или противопоказанным, тем больше потенциал для создания изобретательского произведения, столкнувшегося с такой проблемой! Чрезмерно очищенный материал может, в худшем случае, помешать художнику, например, масляная краска отличного качества.

Технические ограничения использования пастельных мелков: плоская текстура, слабые контрасты и тусклые цвета. И поэтому в этом отношении эти мелки вызывают довольно приглушенный дискурс, спокойствие, осмотрительность и достаточно, чтобы создать целый мир и многое другое!

Как и любой другой карандаш, пастельные мелки более эффективны для графики и рисования линий, чем плоских областей цвета. Наложение плоских областей цвета быстро создает эффект облачности, поскольку непрозрачность среды и ее несмешивающиеся цвета снижают тональность.

С другой стороны, два световых наложения прекрасно гармонируют с мягкими и теплыми тонами. Розовые и серые оттенки, слегка наложенные друг на друга, например, могут привести к эффекту зернистого твида из-за пористой природы пастельного мелка, который подчеркивает яркость основы через слои цвета.

При работе в монохромном или двухцветном режиме пастельные мелки раскрывают всю свою универсальность; линии, наложение линий или участков однородного цвета или штриховки, в результате чего получается мягкая и ворсистая текстура.

При работе с большими форматами пастельный мелок требует аккуратной руки, чтобы покрыть поверхность маленькими точками, так сказать! Задача, которая может раскрыть решимость художника и заставить его реализовать весь потенциал своего темперамента, возможно, более вдумчивого, чем спонтанного, более заинтересованного в рисовании, чем в живописи, цвете или тональных значениях.

Работы, выполненные пастельными мелками, также выигрывают от смешивания с другими материалами.

Использование смешанной техники обогащает пастельный мелок в плане контрастов.Угольные мелки Conté, сепия и сангина создают теплые резонансы, мелки Conté «pierre noire» (сделанные из сланца и углерода) изменяют и углубляют оттенки.

Не забывайте и о линейке карандашей квадратной формы «carrés Conté», которые имеют более интенсивные цвета и более густую текстуру, чем мелки. Они обеспечивают большую точность, и можно использовать плоские края, поскольку палочки не покрыты бумагой.

Не забывайте, насколько графитный карандаш может помочь в работе.Нанесенный на пастельный мелок, он структурирует серебристым мазком от светло-серого до очень темно-серого иногда тусклый вид пастельного мелка, в то же время хорошо держась на его поверхности. Графит является очень стабильной средой из-за его восковой текстуры.

Следует ли начинать пастель с фона, и если да, то следует ли исправить это или начать с переднего плана?

Традиция в большинстве техник живописи, включая пастель, рекомендует начинать с фона. Это как в жизни: то, что уже существует, вызывает и усиливает то, что последует; фундамент поддерживает дом!

Сначала поработайте над фоном — не исправляйте его — этот процесс добавляет вещество, которое улучшит четкость объекта или переднего плана. Этот метод представляет собой мыслительный процесс, который позволяет субъекту возникать в сопровождении, подобно рождению. Это исследование отражающего зеркала пастельных пигментов.

Если вы начинаете с рисования «переднего плана» (или объекта), а затем работаете «вокруг фона», это скорее акт сопоставления и раскрашивания, чем живописное погружение.Но почему мы должны исключать эту форму спонтанного выражения? Разве работы, сделанные детьми, не одни из самых трогательных?

Мы могли бы в равной степени сосредоточиться только на предмете или, наоборот, только на фоне; Ясно, что мы можем представить, что делаем все, что захотим!

В живописи возможно все, и существует столько форм выражения, сколько художников. Искусство — это мир воображения и, следовательно, полной свободы. Нет никаких архитектурных правил для строительства замка в небе. (Г.К. Честертон)

Ниже несколько примеров работ пастелью:

  • Дега фиксировал последовательные слои пастели один поверх другого, иногда многочисленные слои! После закрепления пастель может потерять свои тональные значения, стать полупрозрачной, как пергаментная бумага, а ее поверхность станет слегка шероховатой.

    Обработанные таким образом наложения резонируют с материей, накопленной из предыдущих слоев, заставляя произведение мерцать и придавая ему глубину.Последний слой пастели не закрепляется, чтобы сохранить ее «пудровый вид».

  • Легкими штрихами растушуйте порошкообразную пастель на еще не обработанной бумажной подложке тонким слоем и таким образом, чтобы пастель, нанесенная сверху, могла прилипнуть к бумаге, не скользя! Полученное таким образом мимолетное свечение будет распространяться на объект. Например, гора, нарисованная на эфирном небе, будет казаться плавающей на горизонте.
  • Оставьте некоторые участки на цветной или белой бумаге чистыми и без пастели.В конце рабочего процесса, если эти необработанные промежутки были покрыты пастелью, они предстанут в виде чистого света и станут без усилий существенными на переднем плане.
  • Любая неудовлетворительная работа на бумаге, рисунок, пастель, акварель… является фоном, который может спровоцировать создание новой работы. Эти поверхности действительно стимулируют воображение, потому что мы не боимся их испортить, тем самым освобождая свои жесты. Дега создавал цветные пастели, струящиеся светом из черно-белых монотипий.

Секунда, когда мы начинаем рисовать, часто является решающим моментом, когда, заряженные имманентностью чего-то мощного в творчестве, нас одолевает интуиция, и мы забываем все знания; тогда дело не столько в самой композиции произведения, сколько в оркестровке выхода за пределы самого себя!

Какое бы средство вы ни использовали для его создания, работа — это, прежде всего, «глубокое» исследование. .. самого себя!

Мне сказали не использовать пень с пастелью.Какова ваша точка зрения на эту тему?

Для начала было бы полезно взглянуть на историю использования этой техники в пастели на протяжении веков.

В шестнадцатом веке пастельные палочки в основном использовались для улучшения рисунков, почти так же, как и карандаши. Леонардо де Винчи, например, использовал эту технику.

Да

В восемнадцатом веке пастель соперничала с масляной живописью по престижу и признанию, а техника растушевки позволяла скрупулезно передать утонченность, драгоценность, пышность декораций и костюмов, нежный цвет лица портретов и эфемерный аспект этого эфемерного века.

Пьер Шарден был новатором и порвал с искусственностью большей части живописи восемнадцатого века, создавая форму и рельеф одновременно, используя как параллельные штриховки, так и чистые цвета. Позже, в середине девятнадцатого века, Жан-Франсуа Милле также использовал острые штриховки и тем самым предвосхитил Эдгара Дега.

Да

В конце девятнадцатого века символисты особенно ценили и ценят тупиковые рисунки за размытость форм и их «загадочность».

Да и нет

Дега в своих более ранних пастелях заштриховывал (или «растушевывал») первый слой своих пастелей, чтобы он не был изменен добавлением пастельной пасты и других цветных штрихов палочкой. Позже его техника превратилась в наложение штриховок контрастных цветов.

В конце девятнадцатого века импрессионисты рисовали световые эффекты непосредственно пастелью.

В двадцатом веке пастельные тона более полно использовались художниками-абстракционистами, которые предпочитали сопоставлять полосы чистого цвета.

Чтобы немного пояснить этот любопытный термин, скажем, что слово «пень» происходит от французского «estompe», а «пень» — это инструмент, внешне напоминающий мелок, но сделанный из довольно грубой серой бумаги, туго скрученной попеременно диагональные узоры. Этот инструмент используется, чтобы «растушевать» произведение, т. е. «подразнить» его контуры и оттенки и смешать вместе различные тона пастели на любом используемом носителе. Лично я никогда не использую пень, а предпочитаю смешивать и/или размывать цвета пальцем.

Поскольку «растушевка» пальцем или самой культей (что не рекомендуется) влечет за собой смешивание цветов вместе для достижения привлекательных мягких, парообразных или непрозрачных эффектов, это может быть простым способом смешивания тонов и цветов. получить привлекательную «художественную нечеткость».

В результате новичок иногда чувствует необходимость использовать его, чтобы скрыть недостатки.

Однако я думаю, что тушёвка разрушает сияние пастельного пигмента, одно из его самых желанных качеств.Ведь пастель — это почти чистый пигмент, что в живописи встречается довольно редко. В пастели «сырой» пигмент ложится на бумагу без каких-либо ухищрений и действует подобно взрыву света.

Ниже приведены преимущества и недостатки, которые я связываю с использованием техники «культивирования»:

Пастель с культевым рисунком

  • восковой вид и определенная безжизненность
  • выцветание цветов
  • текстура слабенькая
  • плесень может появиться на среде в долгосрочной перспективе

Пастель без рисунка пня

  • рисунок дышит и имеет живое качество
  • цвета сохраняют исходное качество свечения
  • сохраняется энергичная текстура пастели
  • сохраняет целостность пигмента

Вы можете проверить эти соображения, нарисовав две одинаковые картины, затем заглушив одну и не используя эту технику на другой.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.