Пикассо школа рисования: Московские студии, где учат рисовать с нуля

Школа живописи и рисунка для взрослых и детей в Москве. Занятия в  художественной студии позволят научиться рисовать человеку, который никогда раньше рисованием не занимался. Ваш возраст и уровень подготовки значения не имеют, главное — Ваше желание! В школе рисования проводятся уроки по разным направлениям и в разных техниках: вы сможете научиться рисовать масляными, акриловыми, акварельными красками, изучить технику рисунка пастелью.

Школа предлагает следующие курсы:

• Основы рисунка

• Акварельная живопись

• Интенсив по акварельной живописи

• Тушь + акварель

• Техника масляной живописи

• Подготовка к поступлению в ВУЗ

• Рисунок для тату-мастеров

Курс рисования для детей как основу берет классическую академическую программу и включает в себя:

• живопись;

• графику;

• композицию;

• пластику малых форм;

Контакты

+7(495) 789-27-79

Художественная студия в Каменском «Пикассо»: рисовать для удовольствия

Больше месяца назад в театре-студии «Десятый квартал», что на левом берегу Каменского, открылась художественная студия «Пикассо». Здесь учат рисовать и детей, и взрослых, при этом, не муштруя их по стандартной программе художественной школы. «5692» побывал на одном из занятий, чтобы посмотреть, как в студии учат рисовать.

Говорят и показывают будущие художники

На занятия дети сходятся с опозданием: кто-то долго добирается, у кого-то еще не закончились дополнительные занятия в школе. Здесь никто не ограничивает детей: они спокойно ходят по студии во время занятия, выбирают интересные для себя картинки, помогают друг другу, ну, и как полагается подрастающему поколению, понемногу нарушают дисциплину. На удивление, на занятия ходит много мальчишек, желающих стать художниками. И вот, дети усаживаются возле своих мольбертов, и думают, что же такого нарисовать.

— Пока не знаю, что буду рисовать, — говорит первоклассник Ваня. – Вчера рисовал грибочки. Раньше я ходил в художественную школу, но теперь, когда я начал учится в лицее, хожу сюда. Мне нравится.

— Сегодня у меня третье занятие, — говорит 10-летняя Вера, которая приехала из Романково. – На прошлых занятиях рисовала тюльпаны, вишенки. Рисую для себя, а в будущем хотела бы стать художницей.

— А у меня четвертое занятие, — поделился 9-летний Рома. – На прошлых занятиях рисовал белые цветы, яблоки, две груши. Сегодня буду рисовать пастелью. Хочу научиться хорошо рисовать и стать художником.

Преподаватель Анна Ивашина предложила Вере нарисовать арбуз, а мальчишкам — тыкву в разрезе и пейзажи.

— Сейчас мы работаем с сухой пастелью, — рассказывает Анна. – Развиваем моторику рук, смешиваем и растираем мелочки, чтобы получить необходимый цвет. Показываю детям, как правильно сделать построение, распределить рисунок композиционно, потому что есть дети, которые пришли на занятия первый раз. Хотя, в целом, роли не играет, умеет ли рисовать ребенок. Есть дети, которые пришли первый раз, и все «схватили на лету», а есть те, кто раньше ходил в художественную школу, но не могут элементарное яблочко нарисовать. Поэтому сейчас нарабатываем азы.

Рисуй — не хочу

Занятия проходят в выставочном зале театра студии «Десятый квартал», в уютной атмосфере среди картин местных художников. Есть среди этих работ и первые картины студийцев из взрослой группы, которые, на первый взгляд, для не особо разбирающихся в искусстве людей, кажутся вполне профессионально выполненными. Хотя эти люди ни разу до занятий в студии, не брали в руки кисть.

— У нас креативный подход к рисованию, — рассказывает Анна. – Мы не рисуем, как в художественной школе по четко установленной программе. Каждый взрослый или ребенок рисует у нас то, что хочет. Я распечатываю для них рисунки, помогаю подобрать их по сложности. Академический курс, как в художественной школе, может быть и нужен, но для детей он сложный и скучный, а здесь они с удовольствием рисуют, не боясь наносить на бумагу все, что хотят.

Пока что в студии всего 10 мольбертов, поэтому, больше 10 человек на занятиях не бывает. Хотя, по словам Анны, желающих заниматься намного больше.

— Изначально думала заниматься 1 раз в неделю с детьми, 2 раза – со взрослыми, — говорит Анна. – Но, так получилось, что дети поглотили три дня и на взрослых остался только один день. Очень много желающих.

В основном, в студии занимаются дети от 8 до 13 лет из лицея НИТ №2, так как при нем работает «Десятый квартал». Но есть дети, которые приезжают из более отдаленных районов: Романково, Днепростроя, улиц Беседова, Алтайской, центра города. Приходят порисовать и взрослые.

— К нам ходят и доктора, и социальные работники, и учителя, — рассказывает Анна. – Правда, приходят только женщины, мужчин у нас пока нет. Взрослая группа работает маслом, сухой пастелью. Так приятно наблюдать, когда человек первый раз в руки взял кисть или мелок, и у него получается. Есть у нас такие таланты, которые даже не ведали об этом.

Художница говорит, что со взрослыми ей заниматься легче, так как они не требуют столько внимания, как дети, и они более самостоятельны. Помогает Анне ее дочь София. Она также художница, состоит в союзе одаренных детей Днепропетровщины, и среди ее достижений — четыре персональные выставки.

Занятия в художествен-ной студии «Пикассо» — бесплатные, но материалы нужно приносить свои. Уроки длятся 2 часа, а курс — неограниченное количество времени. Человек сколько хочет, столько и может ходить рисовать.

По словам Анны, в феврале в «Десятом квартале» откроется выставка студийцев младшей и взрослой группы, где представят их работы.

— На выставке можно будет увидеть, чему научились студийцы, как они развивали свои таланты, — говорит Анна. – Посмотреть на работы сможет любой желающий.

«Парижская школа»

Автор первой опубликованной на русском языке книги о «Парижской школе» Б. И.Зингерман ограничил её состав приезжими иностранцами (Пабло Пикассо, Амеде Модильяни, Марк Шагал, Хаим Сутин), не включив в неё ни одного француза. При том, что такая общность могла возникнуть только в Париже, нельзя считать, что Сутин, Модильяни или Шагал – французские художники. Для них Париж стал именно школой, где они учились – у французов, друг у друга, у художников прошлого, работы которых были собраны в музеях и частных коллекциях города.

С.И.Шаршун. Авеню Мэн. 1931. Картон, масло. 32х41. ГТГ

Хотя стилевые предпочтения мастеров «Парижской школы» различны, но, взаимодействуя друг с другом, воспринимая живописный или скульптурный язык своих друзей и соседей, они помнят уроки в парижских академиях и французских учителей, а общая атмосфера творческих исканий Монмартра, Монпарнаса, «Улья» возвращает их к достижениям французских мэтров. И всё же важнейшей основой искусства для большинства съехавшихся в Париж иностранцев оказался экспрессионизм.

Нельзя сказать, что художники «Парижской школы» подражали немецким или североевропейским мастерам, хотя, скорее всего, знали их работы. В странах Восточной Европы был свой «доморощенный» экспрессионизм, а точнее, даже некоторые его предвестия.

В провинциальных школах он нередко был связан с интересом к национальному народному творчеству. В конце 1900-х в России началось возглавленное М.Ф.Ларионовым и Н.С.Гончаровой движение неопримитивизма, позже истолкованное как стилевой вариант, близкий экспрессионизму. Шагал до отъезда в Париж мог видеть в Петербурге французских и немецких мастеров, тем более Ларионова и Гончарову. И шагаловские соученики по витебской школе рисования и живописи Ю.М.Пэна (О.А.Цадкин, Оскар Мещанинов), впоследствии также ставшие видными представителями «Парижской школы», имели возможность что-то знать о новых европейских художественных направлениях. Другие мастера еврейского происхождения (Сутин, Михаил Кикоин, Пинхус Кремень, Лев Инденбаум) начинали свой путь в Вильно, где ситуация в известной мере напоминала Витебск. Константин Бранкузи на румынской земле находил истоки нового художественного языка в образцах народного творчества. Пожалуй, самыми осведомлёнными художниками (не говоря о москвичах и петербуржцах) были одесситы – во многом благодаря деятельности скульптора В.А.Издебского, который организовал свой Салон, где выставлял произведения не только знаменитых европейских мастеров – таких как Кес ван Донген или А.Г.Явленский, – но и одесситов, например, И.Я.Перельмана или И.Е.Малика. Одесса в начале ХХ века, так же как Витебск или Вильно, пополняла ряды представителей «Парижской школы».

Экспрессионизм, ставший в той или иной мере стилевой основой для многих мастеров школы, был довольно многообразен. Сутин, один из самых ярких носителей экспрессионистических потенций среди соратников, был наиболее последователен: он решительно деформировал человеческую фигуру и лицо, любой реально существующий предмет, всякое явление природы, напрягая их изнутри и преображая снаружи. Эта доведённая до крайности деформация образует основу живописного языка и создаёт ощущение непосредственного соприкосновения обнажённых нервов художника с предметом изображения.

Что касается мастеров, в той или иной мере находившихся в сфере притяжения Сутина, таких как Кикоин, Кремень, Мане-Кац, Ж.Паскен, Абрам Минчин, А.И.Мильман, более молодых И.Б.Рыбака, Л.О.Воловика, – то здесь экспрессионизм был иного рода: их живописный язык был более сдержанным, уравновешенным. Но внутренняя страсть даёт о себе знать. Во многом эта тенденция связана с еврейским происхождением большинства из них. Экспрессионизм с его свободой, смелостью и неординарностью отношения к окружающему миру «работает» на освобождение национального еврейского самосознания. Поэт и художник Б.Ю.Поплавский, живший в Париже в 1920-е – 1930-е, сформулировал особенности этого еврейского начала в искусстве российской эмиграции. Он констатировал сформировавшееся на парижской почве «хорошо отличимое и резко бросающееся в глаза русское, и скорее русско-еврейское направление, причём в нём русская народная, несколько лубочная яркость и русский лиризм смешиваются с еврейским трагизмом и религиозной фанатичностью. Таковы Сутин, Шагал, таков и Ларионов, хотя он и чисто русского происхождения» (Б.Ю.Поплавский. Ответ на анкету редакции «Чисел» о живописи // Борис Поплавский. Неизданное. Дневники. Статьи. Стихи. Письма. М.,1996. С.327).

При этом нельзя утверждать, что экспрессионизм лёг в основу творчества всех или даже большинства представителей школы. Например, Маревна сочетала, казалось бы, несовместимые элементы кубизма и дивизионизма. В этом союзе полностью отсутствуют элементы экспрессионизма. Но те же элементы слабо чувствуются в работах Моисея Кислинга и тем более изобретателей кубизма – испанцев Пикассо и Хуана Гриса. Часто разные стилевые устремления пересекаются, смешиваются. Между разными ликами художников обнаруживается большая разница, даже контраст – демонстративно экстравагантный Кес ван Донген и строгий Н.А.Певзнер, загадочный Джорджо де Кирико и мягкий, лиричный Леонар Фужита, яркая, энергичная Соня Делоне и остроугольный Грис, артистичный интеллектуализм Модильяни и простодушие Маревны, изобретательный в своём деконструктивном абстракционизме В. Д.Баранов-Россине и пластически сосредоточенный Д.П.Штеренберг. Эти художники – при всей пестроте картины – уживаются друг с другом. Не только уживаются, но и дружат. Та общность творческих личностей, которую мы называем «Парижской школой», дала высший пример такой дружбы. Она не мешала каждому оставаться самим собой, не разрушала, а, наоборот, скрепляла обретённую целостность многоголосья. Монолитность этой целостности гарантирует возможность дальнейшего движения искусства, используя его разнообразный опыт. «Парижская школа» словно знаменует остановку перед новыми художественными открытиями, предопределяя пути и заставляя художников, критиков, теоретиков оглядеться, взвесить современное состояние и двинуться дальше.

Это не значит, что художники «Парижской школы» в большей мере обобщали то, что сделано другими, и в меньшей сами открывали что-то новое. Одним из первых «изобретателей» абстрактной живописи стал чех Франтишек Купка. Пикассо возглавил кубистическое движение и повёл за собой других мастеров, в том числе и художников «Парижской школы». Многим из них обязаны мы открытиями сюрреализма, орфизма, пуризма и других новых направлений. Внутри школы складывалось творчество молодых талантов, которым предстояло созреть в середине столетия, – Андре Ланского, Николя де Сталя, Сержа Полякова, П.Ф.Челищева и других.

Пикассо

Пабло Руис Пикассо – испанский художник и скульптор.

Пикассо – изобретатель новых форм живописи. Он создал более чем 200000 работ.
Пабло Пикассо родился в Малаге 25 октября 1881 года. В 10 лет он написал свои первые картины. Его отец был первым его преподавателем. В 15 лет он блестяще сдал приемный экзамен в школу изящных Искусств в Барселоне.

Между 1900 и 1902 Пикассо совершил 3 поездки в Париж и там окончательно обосновался в 1904. Французские художники-импрессионисты Дега и Тулуз-Лотрека оказали сильное влияние на формирование творческой манеры Пикассо в этот период. «Синяя комната» Пикассо отражает влияние художников и одновременно показывает эволюцию его творчества в «голубой период», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах. В тот период он рисовал алкоголиков, слепых, нищих и проституток.

Начиная с 1905 года его работы приобретают иную окраску, в гамму добавляются более светлые и прозрачные цвета. К осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые и золотисто-розовые тона. В его творчестве начался «розовый период». Это мир циркачей и бродяг. «Семья акробатов с обезьянкой», «Семейство комедиантов» и «Девочка на шаре».

В 1907-1914 Пикассо начинает уделять особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани («Портрет Канвейлера»). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Кубистический период в его творчестве заканчивается после начала первой мировой войны. Пикассо женится на Ольге Хохловой. Наряду с циклом великанш и купальщиц («Женщина в белом»), он пишет картины жены «Портрет Ольги» и сына «Поль в костюме Арлекина». Они являют собой одни из самых пленительных произведений художника. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в его творчестве.

В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню («Лежащая женщина»), животные, маленькие фигурки в духе сюрреализма («Мужчина с букетом») и металлические конструкции, имеющие полуреальные формы – «Конструкция».

Воображение Пикассо, казалось, может создавать настоящих монстров, неких разорванных на части существ, например, «Спящая купальщица», или орущих — «Женщина в кресле». Одним из ключевых произведений художника является «Герника» 1937 года, в которой передан ужас ночной бомбардировки маленького баскского горда Герника, разрушенного немецкими фашистами. Картина «Бойня» 1944-1945 годов – последнее трагическое произведение Пикассо.

Послевоенное творчество можно назвать счастливым. Он сближается с Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году, и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы для его многочисленных семейных картин. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывая для себя радость солнца, пляжа и моря . В 1961 году он уединяется в сельском доме Нотр-Дам-де-Ви в Мужене. В 1953 году Жило и Пикассо расходятся, и в 1954 году он встречает Жаклин Рок, которая станет его женой и вдохновит на серию очень красивых портретов. Последние 15 лет были очень разнообразными и неровными по качеству в его творчестве. Пикассо умер на своей вилле 8 апреля 1973 года.
Семья Пикассо пожертвовала часть художественного наследия городу Малага. Поэтому в Малаге имеется свой музей Пикассо. Люди приезжают в Малагу и наслаждаются его великолепными картинами.

Арт студия Пикассо — необычный арт досуг в Ташкенте

Ранние годы Пабло Пикассо

родился Пикассо Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспиниано де ла Сантисима Тринидад 25 октября 1881 года в Малаге на юге Испании. Называется Пабло Руис Пикассо в честь его отца и матери, Хосе Руис Бласо и Марии Пикассо. Лопес, позже он отказался от фамилии своего отца, чтобы стать просто Пабло Пикассо.Семья Пикассо принадлежала к среднему классу; его отец был также художником которые специализировались на натуралистических изображениях птиц и другой дичи. Большую часть своей жизни Руис был профессором искусства в Школе ремесел. и хранитель местного музея. Пикассо с ранних лет проявлял страсть и умение рисовать. С семи лет Пикассо получил формальное художественное образование у своего отца в рисовании фигур и масляной живописи. Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что для правильного обучения необходимо дисциплинированное копирование мастеров, рисование человеческого тела по гипсовым слепкам и живым моделям.Его сын стал заниматься искусством в ущерб своим классным занятиям.

В 1892 году семья переехала в Ла-Корунья, а через год Пикассо был принят в школу изящных и прикладных искусств там. Еще в 1894 г. В 13 лет он написал свои первые картины маслом, в том числе портреты своей семьи, а в 1895 году он начал выставлять и продавать свои работы в небольших количествах. В том же году семилетняя сестра Пикассо, Кончита, умерла от дифтерии, что стало для него травматическим событием.После ее смерти семья переехала в Барселона, где Руис переходит в школу изящных искусств. Пикассо процветал в городе, считая его во времена печали или ностальгии своим настоящим домом. Его отец убедил руководство академии разрешить сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс. Этот процесс часто занимал у студентов месяц, но Пикассо закончил его за неделю, и впечатленное жюри признало 13-летнего Пикассо.

Барселона будет важным центром для Пикассо в ближайшие несколько лет. Там он завязал первые артистические дружеские отношения и преданность, с Мануэль Палларес, Карлос Касагемас и Джами Сабартес. На рубеже веков Пикассо начал общаться с художниками и писателями Эльс Катр Гатс в Барселоне.

Отец и дядя Пикассо решили отправить молодого художника в Мадридскую Королевскую академию Сан-Фернандо, ведущую художественную школу страны.В 1897 году 16-летний Пикассо впервые отправился в путь самостоятельно, но он не любил формальное обучение и бросил посещать занятия вскоре после зачисления. Однако в Мадриде было много других достопримечательностей: в Прадо хранились картины достопочтенного Диего Веласкеса, Рембрандт ван Рейн и Иоганнес Вермеер. Пикассо особенно восхищался работы Эль Греко и Караваджо; их элементы, удлиненные конечности, захватывающие цвета, и мистические образы перекликаются с творчеством Пикассо.

Париж был желанным местом для этих молодых художников, и в октябре 1900 года Пикассо совершил свое первое путешествие туда в компании Касагемаса, с которым он снял студию. Пикассо посетил Лувр и установил контакт с каталонским дилером Пере Маначем, который выступил в качестве его модели. В начале 1901 года Пикассо обнаружил, что Касагемас покончил жизнь самоубийством в Париже. В мае того же года он вернулся в Париж, переехал в мастерскую скульптора Намоло, а осенью создал несколько навязчивых произведений в память о его умершем друге.

Французская художественная школа под руководством Пикассо

Пабло Пикассо — 1168 произведений

Пабло Пикассо был самым влиятельным и влиятельным художником 1-й половины 20-го века. Связанный больше всего с новаторским кубизмом, он также изобрел коллаж и внес большой вклад в сюрреализм. Он считал себя прежде всего художником, но его скульптура имела большое влияние, и он также исследовал такие разнообразные области, как гравюра и керамика.Наконец, он был известной харизматичной личностью, ведущей фигурой в Ecole de Paris. Его многочисленные отношения с женщинами не только проникали в его искусство, но и, возможно, направляли его курс, и его поведение стало воплощением поведения современного богемного художника в народном воображении.

Пикассо отверг взгляд Матисса на первостепенную важность и роль цвета и вместо этого сосредоточился на новых живописных способах представления формы и пространства. Под влиянием новинок Сезанна, а также африканской скульптуры и древнего иберийского искусства он начал придавать своим фигурам больше структуры и деконструировать условности перспективы, которые доминировали в живописи со времен Возрождения.Это привело его (вместе с Жоржем Браком) к созданию совершенно нового кубистского движения, которое быстро стало передовым направлением современного искусства. В то же время сам Пикассо отказался от ярлыка «кубизм», особенно когда критики начали различать два ключевых подхода, которые он преследовал — аналитический и синтетический.

В 1920-х и 1930-х годах Пикассо принял неоклассический образный стиль. Повзрослев, он работал над собственными версиями канонических шедевров таких художников, как Пуссен, Энгр, Веласкес, Гойя, Рембрандт и Эль Греко.

Влияние Пикассо было глубоким и далеко идущим на протяжении большей части его жизни. Его работа в области новаторского кубизма установила набор изобразительных проблем, приемов и подходов, которые оставались важными до 1950-х годов. Музей современного искусства в Нью-Йорке (MoMA) был назван «домом, который построил Пабло», потому что в нем так широко представлены работы художника. Пикассо создал одни из величайших картин 20 века, некоторые из которых достигли культового статуса («Авиньонские девицы», «Герника», «Плачущая женщина»).

Пабло Пикассо (/ pɪˈkɑːsoʊ, -ˈkæsoʊ /; испанский: [ˈpaβlo piˈkaso]; 25 октября 1881 г. — 8 апреля 1973 г.) был испанским художником, скульптором, гравером, керамистом, сценографом, поэт и драматург, который провел большую часть своей взрослой жизни. во Франции. Считается одним из самых влиятельных художников 20-го века, он известен как соучредитель кубистского движения, изобретением искусственной скульптуры, совместным изобретением коллажа и широким разнообразием стилей, которые он помогал разрабатывать и исследовать. .Среди его самых известных работ — прото-кубистские «Авиньонские девицы» (1907) и «Герника» (1937), драматические изображения бомбардировок Герники немецкими и итальянскими военно-воздушными силами.

Пикассо проявил незаурядный художественный талант в ранние годы, рисовал в естественной манере в детстве и юности. В течение первого десятилетия 20-го века его стиль изменился, поскольку он экспериментировал с различными теориями, техниками и идеями. После 1906 года работы в стиле фовизма более старшего художника Анри Матисса побудили Пикассо исследовать более радикальные стили, положив начало плодотворному соперничеству между двумя художниками, которых впоследствии критики часто объединяли в пары как лидеров современного искусства.

Работы Пикассо часто делятся на периоды. Хотя названия многих из его более поздних периодов обсуждаются, наиболее общепринятыми периодами в его творчестве являются Голубой период (1901–1904), период роз (1904–1906), период африканского влияния (1907–1909), Аналитический кубизм (1909–1912) и синтетический кубизм (1912–1919), также называемый периодом кристаллов. Большая часть работ Пикассо конца 1910-х — начала 1920-х годов написана в неоклассическом стиле, а его работы середины 1920-х годов часто имеют черты сюрреализма.Его более поздние работы часто сочетают в себе элементы его более ранних стилей.

Исключительно плодовитый на протяжении своей долгой жизни, Пикассо добился всемирной известности и огромного состояния за свои революционные художественные достижения и стал одной из самых известных фигур в искусстве 20-го века.

Пикассо был крещен Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, серия имен, посвященных различным святым и родственникам.Руис и Пикассо были включены в список для его отца и матери соответственно, согласно испанскому законодательству. Родился в городе Малага в Андалузском регионе Испании, он был первым ребенком Дона Хосе Руиса и Бласко (1838–1913) и Марии Пикассо и Лопес. Его мать была итальянского происхождения с территории Генуи. Хотя Пикассо крестился как католик, позже он стал атеистом. Семья Пикассо принадлежала к среднему классу. Его отец был художником, специализирующимся на натуралистических изображениях птиц и других диких животных.Большую часть своей жизни Руис был профессором искусств в Школе ремесел и хранителем местного музея. Предки Руиза были мелкими аристократами.

Пикассо проявлял страсть и умение рисовать с раннего возраста. По словам его матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от lápiz, испанского слова «карандаш». С семи лет Пикассо получил формальное художественное образование у своего отца в рисовании фигур и масляной живописи. Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что для надлежащего обучения требуется дисциплинированное копирование мастеров и рисование человеческого тела по гипсовым слепкам и живым моделям.Его сын стал заниматься искусством в ущерб своим классным занятиям.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Художников по направлению: Постимпрессионизм

Художественное движение

Постимпрессионизм (также называемый постимпрессионизмом) — это преимущественно французское художественное движение, которое развивалось примерно между 1886 и 1905 годами, от последней выставки импрессионистов до зарождения фовизма.Постимпрессионизм возник как реакция на заботу импрессионистов о натуралистическом изображении света и цвета. Из-за широкого акцента на абстрактных качествах или символическом содержании постимпрессионизм включает в себя неоимпрессионизм, символизм, перегородчатость, школу Понт-Авена и синтетизм, а также некоторые работы более поздних импрессионистов. Движение возглавляли Поль Сезанн (известный как отец постимпрессионизма), Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Жорж Сёра.

Термин «постимпрессионизм» впервые использовал искусствовед Роджер Фрай в 1906 году.Критик Фрэнк Раттер в обзоре Осеннего салона, опубликованном в Art News 15 октября 1910 г., охарактеризовал Отона Фриеса как «лидера постимпрессионистов»; Была также реклама шоу «Постимпрессионисты Франции». Три недели спустя Роджер Фрай снова использовал этот термин, когда организовал выставку 1910 года «Мане и постимпрессионисты», определив ее как развитие французского искусства со времен Мане.

Постимпрессионисты расширили импрессионизм, отвергнув его ограничения: они продолжали использовать яркие цвета, часто толстое нанесение краски и реальные предметы, но были более склонны подчеркивать геометрические формы, искажать форму для выразительного эффекта и использовать неестественные или произвольный цвет.

Постимпрессионисты были недовольны тем, что, по их мнению, было тривиальностью сюжета и потерей структуры в картинах импрессионистов, хотя они и не пришли к единому мнению о дальнейших действиях. Жорж Сёра и его последователи интересовались пуантилизмом, систематическим использованием крошечных цветных точек. Поль Сезанн намеревался восстановить чувство порядка и структуры в живописи, «сделать из импрессионизма нечто прочное и прочное, как искусство музеев». Он достиг этого, уменьшая объекты до их основных форм, сохраняя при этом насыщенные цвета импрессионизма.Импрессионист Камиль Писсарро экспериментировал с идеями неоимпрессионизма между серединой 1880-х и началом 1890-х годов. Недовольный тем, что он называл романтическим импрессионизмом, он исследовал пуантилизм, который назвал научным импрессионизмом, прежде чем вернуться к более чистому импрессионизму в последнее десятилетие своей жизни. Винсент Ван Гог использовал цвета и яркие кружащиеся мазки кисти, чтобы передать свои чувства и душевное состояние.

Хотя они часто выставлялись вместе, художники-постимпрессионисты не пришли к согласию относительно единого движения.Тем не менее, абстрактные соображения гармонии и структурного устройства в творчестве всех этих художников преобладали над натурализмом. Такие художники, как Сёра, придерживались строго научного подхода к цвету и композиции.

Молодые художники в начале 20 века работали в географически разрозненных регионах и в различных стилистических категориях, таких как фовизм и кубизм, отходя от постимпрессионизма.

Этот термин использовался в 1906 году и снова в 1910 году Роджером Фраем в названии выставки современных французских художников: Мане и постимпрессионисты, организованной Фраем для галерей Графтона в Лондоне.За три недели до шоу Фрая художественный критик Фрэнк Раттер опубликовал термин «постимпрессионист» в Art News от 15 октября 1910 года во время обзора Осеннего салона, где описал Отона Фриеса как «лидера постимпрессионистов». ; в журнале была также реклама шоу «Постимпрессионисты Франции».

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Пикассо: Ранние годы

Салтимбанке

В 1905 году Пикассо отказался от палитры и сюжета синего периода, обратившись к изображениям ярмарочных площадей и цирковых артистов, которых он изобразил в мелово-красных тонах.Соответственно, эта фаза его творчества стала известна как период Роз. Пикассо воочию наблюдал эти фигуры в Цирке Медрано, а также на улицах и окраинах города, где мигрантское сообщество акробатов, музыкантов и клоунов — saltimbanques — развлекало проходящих зрителей. Такие фигуры обычно встречаются в романтическом и символистском искусстве и стихах (от Домье и Сёра до Бодлера и Рембо), где сальтимбанк существует в постоянном состоянии меланхолии и социального отчуждения.В стихах Гийома Аполлинера, одного из нескольких поэтов, которые в то время были в числе ближайших друзей художника, акробат приобретает таинственность и очарование, что явно соответствует тону Пикассо. Через картины, акварели, гуаши, рисунки и гравюры Пикассо стремится показать своих артистов на ярмарке в состоянии покоя, часто в домашней обстановке, доброжелательной и теплой. Тем не менее, в соответствии с их относительно бедными условиями и традиционной ролью сальтимбанка как символа забытого художника, картины периода Розы пронизывают всепроникающую скуку.

Главным произведением в этой серии является большое семейство Saltimbanques . Существует несколько предварительных исследований этой композиции, и рентгенография показывает, что Пикассо пытался использовать предыдущие версии на самом большом холсте, прежде чем прийти к окончательному изображению. Семья Saltimbanques — это обобщение тематики ярмарки. Расположенная в пустынном ландшафте, труппа бродяг олицетворяет состояние коллективного отчуждения, поскольку фигуры собираются, но не взаимодействуют.Акробат в крайнем левом углу, с чертами художника, одет как Арлекин, хитрый персонаж из популярного театра восемнадцатого века (комедия дель арте), который часто служил альтер-эго Пикассо. Элегическая атмосфера также характеризует важные картины этого периода, которые отклоняются от темы сальтимбанка, такие как Женщина с веером и Мальчик с трубкой , которые раскрывают расцветающий классицизм в его работах.

Семья Салтимбанков , 1905, холст, масло, Коллекция Честера Дейла © 2012 Поместье Пабло Пикассо / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк.1963.10.190

Пабло Пикассо — Ранние работы

Его первая картина маслом Пикадор (1889) была написана Пикассо в возрасте восьми лет, и он хранил ее на протяжении всей своей жизни. Он все время рисовал; Сохранилось огромное количество этюдов, посвященных корриде (что испанцы не любят корриды!), а также исследованиям быта местных жителей. Отец Пабло начал привлекать его к внутренней декоративной росписи, где он должен был рисовать голубиные лапы. Тогда именно отец настоял на поступлении Пабло в Барселонскую академию искусств.13-летний вундеркинд за день выполнил экзаменационный рисунок обнаженной модели, а на ее создание был отведен месяц.

Даже самые ранние работы Пикассо показывают, что в академическом искусстве он чувствует себя как дома. Однако этюды по гипсовым моделям не смогли увлечь солидного молодого художника, и он покинул Академию. Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде, более престижная, была еще одним учреждением, где он проучился недолго. Учителями 16-летнего художника стали полотна, созданные великими мастерами, такими как Веласкес, Гойя и Эль Греко и выставленные в музеях столицы.

Жизнь вокруг продолжает оставаться темой картин Пикассо: прохожие, рыбаки, купальщицы, многочисленные соседи, друзья, его отец, похожий на Дон Кихота, мать и сестра. Его сестра Лола появляется в жанровой картине «Первое причастие» (1896 г.), образ его матери блестяще воплощен в портрете, написанном в том же году. Тогда же был создан один из первых автопортретов художника.

Когда Пикассо было 15 лет, он написал большую картину «Наука и благотворительность» (1897), которую можно интерпретировать как жанровую, так и символическую.Врач (фигура которого была нарисована Пабло от его отца) щупает пульс женщины, лежащей в кровати, а с другой стороны находится монахиня, держащая ребенка и предлагающая стакан воды. Таким образом, медицинская наука и сострадание противоположны друг другу. На выставке в Мадриде в 1897 году эта картина попала в немилость критиков: рука пациента показалась им недостаточно проработанной и нереальной: они назвали ее перчаткой. Однако неправдоподобно длинные пальцы вялой руки были предвкушением будущей стилистики «Голубого периода».

Достигнув совершенства в реалистическом изображении при рисовании с натуры, Пикассо сумел отвергнуть этот архаичный для него способ живописи как трюизм. Попытки юного мастера «говорить на разных языках стиля» составляют портрет его сестры, напоминающий картины импрессионистов. А завершается галерея ранних работ такими работами, как «Испанская пара перед трактиром» (1900). Яркие всплески цвета приближают эту картину к протофовизму, а четкие очертания — дань модерну.В этом году Пикассо впервые посетил Париж. Это была Мекка для всех творческих людей, где современное искусство создавалось из «дьявольского отвара» талантов всех народов. В 1904 году художник переехал в Париж, чтобы остаться там навсегда.

Все ранние работы по годам

12 недавних комментариев