Рисовать скульптура: D1 81 d0 ba d1 83 d0 bb d1 8c d0 bf d1 82 d1 83 d1 80 d0 b0: стоковые векторные изображения, иллюстрации

Содержание

Студии ЦДТ — скульптура и рисование: glukovarenik — LiveJournal

С кружками в Жуковском все хорошо. Есть бесплатный Центр детского творчества (бывший Дворец пионЭров, в котором я сама занималась с первого класса), есть ДВЕ детские школы искусств (бывшие музыкальные), в которых сейчас тоже вовсю преподают рисование и скульптуру, есть еще несколько платных студий, куда принимают чуть ли не с 4-х лет.

Ну, я свое отношение неоднократно высказывала, повторяться не буду. В общем, Варя сюда переехала и пошла в 5-ый класс. Первый год я провафлила чего-то собирала себя в кучку после переезда и пыталась разузнать вот это все, в итоге она никуда не пошла, ребенок адаптировался после смены школы и города. Ну а в 12 лет у нее включился пубертат и она, конечно, уже никуда не согласилась записываться, не то, что ходить.

Два года назад я пошла работать в «Авиаград Жуковский» и внезапно столкнулась с системой дополнительно образования изнутри. И мне это очень помогло :))) Потому что я увидела, как работают кружки, преподаватели.

В итоге сейчас на скульптуру Оля ходит к прекрасной Юлии Андреевне, про которую я делала репортаж 1,5 года назад (ну вот как-то так примерно).

В первом классе нам конечно было не до того, о том, чтобы ездить куда-то одной первокласснице и речи нет, хотя я ездила на автобусе в тот самый Дом пионеров «на площадь», то есть в центр города. А летом перед вторым классом я собрала себя в кучку и записала Ольгу сразу на скульптуру и рисование.

На скульптуру ездим в тот самый центр города, благодаря чему два раза в неделю я гарантированно бываю на бульваре Маяковского, отчего фотографий с фонариками и памятником Циолковскому у меня какое-то уже зашкаливающее количество 0_0

Рисование, слава богу, в следующем доме за школой, идти 10 минут поэтому мы всегда опаздываем. В принципе, если ничего не изменится, в следующем году сможет ходить сама. Ну, посмотрим, куда кто вообще будет ходить в следующем году, так-то.

Ну так вот… Здесь рисунки из «кружков». Рисуют в результате почему-то и там, и там. Про скульптуру я была как-то обескуражена немного, что туда тоже пришлось покупать папку бумаги для акварели А3 и набор мелков. Но рисовали они там недолго, сейчас в основном лепят.

Это со скульптуры

Смотрю, то же самое, что в школе — мелки и краски. Видимо, сейчас самая модная и очень выигрышная техника 🙂 

Напомню, что все это А3!!!! Преподаватель там очень активная в смысле участия во всех олимпиадах и выставках, благо их сейчас дофига. Вот в результате она послала олин рисунок-валентинку

и вуаля! 

Думаю, при желании таких «дипломов» можно к 5-му классу насолить бочками. Я не сильно обольщаюсь, ну, пусть будет все.

Вот это тоже со скульптуры, мне очень нравится, хотя при фотографировании вышло из серии «художника обидеть может каждый» — я не разобрала, где верх, где низ

Рисование! Тут внутри меня все сложно. Я иногда сижу в коридоре все занятие, подслушиваю и как-то мне не нравится то, что я слышу. Преподаватель молодая и такое впечатление, что ей тоже тут все не нравится (с) Но вот рисуют, она начала учить с 0, сначала карандаши, «тени»

Натюр, понимаешь. морте. Это хотя бы А4

На этапе натюрмортов Ольга Дмитриевна впала в энтузиазм, потому что им велели приносить живые фрукты из дома и потом они это все там съедали. Чеснок не стали :))))

Потом началась ГУАШЬ! И перспектива

Натюрморт всколыхнул во мне воспоминания, у меня где-то свой такой же лежит… наверное 🙂

Осень

Начали готовиться к Новому Году

Вообще, Ольга еще и рисует на занятиях чрезвычайно медленно. Она туда ходит тусоваться. И общаться, и трындеть. Как я вспоминаю себя — было то же самое. Социальные навыки в чистом виде. Рисовать я за 7 лет занятий, как мне кажется, так и не научилась. Зато мы там очень весело проводили время. Ну вот как мне кажется, тут примерно то же самое. Пару раз пришлось прогулять рисование, девочка рыдала, потому что….

И снова к вопросу о том, что получается, когда она рисует сама как умеет, и когда преподаватель ходит от одного к другому и они рисуют все «одинаково».

С нового года началась пастель. Накупили всего на 2 тысячи — специальный планшет (бумагу), мелки, клячку. Дима каждый раз офигивает, когда я оформляю заказ. Дивный новый мир (с) Вот пастель мне нравится ОЧЕНЬ!!!! Но! все та же проблема — в первое же занятие мне гордо выдали ДВА рисунка А3

Это все северное сияние, если кто не понял 🙂 В Териберку можно не ездить, ребенок уже все нарисовал!

Сказочный кролик

И дальше у них пошла полярная тема. Я каждый раз ржу, когда Оля выносит очередной шедевр. Бодипозитивная лиса

Еще более бодипозитивный пингвин (А3, не забываем! А3!)

И прекрасный белый ээээ видимо все-таки медведь

Пастель эта, сссабакавала, пачкается, ее нельзя никуда складывать, в результате мы идем домой и я тащу этот огромный рисунок, в итоге у меня все перчатки в тот цвет, какой сегодня был рисунок. Потом эту пастель надо как-то закреплять, сказали можно брызгать лаком для волос, но у меня нет волос лака!!!

Я бы даже хотела что-то из этого вставить в рамки, но у меня думаю, наберется штук 50 того, что я хочу вставить в рамки. И это только февраль достать чернил и плакать. И это я еще не показала вам то, что рисуется дома, ха-ха.

#наулицезима 

Учимся рисовать — скульптура | iSoveti.ru


Формовка и окраска скульптуры
Формовка состоит в том, что с оригинала снимают форму, повторяющую оригинал, но как бы в зеркальном отражении. Эту форму заполняют материалом и получают отлив, или слепок, точно, во всех деталях воспроизводящий оригинал.

Существуют три основных вида гипсовой формовки: черновая, кусковая и клеевая. Для отливки скульптуры из металла применяют восковой способ литья и земляные формы.

Если нужно отформовать скульптуру, выполненную в мягком материале, применяется черновая формовка. Она позволяет получить с оригинала только один отлив. Сам же мягкий оригинал и снятая с него гипсовая форма в процессе формовки уничтожаются. Этот способ является наиболее простым.

Кусковая и клеевая формовки применяются в тех случаях, когда нужно отформовать скульптуру, выполненную в гипсе или каком-либо другом твердом материале. Эти способы дают возможность получить с одного оригинала несколько слепков, или репродукций. Технология кусковой и клеевой формовок довольно сложна, требует значительного опыта и практических навыков. Тем, кто заинтересуется кусковой и клеевой формовкой и захочет более подробно изучить формовочное дело, можно порекомендовать ряд книг, перечисленных в конце данного раздела. Кроме того, было бы очень полезно по всем вопросам, связанным с формовкой, получать практические советы мастера-форматора.

Черная формовка бюста

Процесс черновой формовки состоит из трех основных этапов: снятие формы, отливка и раколотка. Черновая форма бюста обычно делается из двух кусков, так называемых раковин: передней – лицевой и задней – затылочной.

Сначала заформовывают одну сторону бюста, и образуется первая раковина. Затем, не снимая этой раковины с оригинала, заформовывают вторую сторону бюста и получают другую раковину. Лицевая раковина должна охватывать большую часть бюста, затылочная – меньшую часть. Такое строение формы позволяет легко отделить раковины от оригинала. Снятые с оригинала и вновь соединенные вместе раковины образуют черновую форму.

Следующий этап – отливка. Полученную форму заполняют жидким гипсом. После его затвердения форму расколачивают, т. е. осторожно мелкими кусками отделяют ее от гипсового отлива.

Прежде чем приступить к формовке бюста, подготовьте рабочее место, материалы и инструменты. Необходимо помнить, что в процессе формовки к весу оригинала прибавляется вес гипсовой формы, поэтому скульптура должна быть установлена на прочном станке или на столе.

Гипс необходимо хранить в сухом месте и всегда иметь его в достаточном количестве, например для формовки бюста в натуральную величину – 30 – 40 кг. Перед формовкой следует проверить качество гипса. Для этого надо развести горсть гипса и вылить его на доску. Через 15 – 20 минут он должен затвердеть – «схватиться».

Если этого не произойдет, значит гипс отсырел и к работе не пригоден.

Затем подготовьте смазку, сухую краску, 2 – 3 м веревки для связывания частей формы и нарубите куски проволоки нужного размера для укрепления формы.

Чтобы разделить форму на раковины, в черновой формовке применяются тонкие металлические пластинки различных размеров – от 2 до 7 см длины и от 2 до 5 см ширины. Их можно нарезать из консервных банок. Края пластинок нужно выровнять.
Кроме данных инструментов, для формовки больших работ надо иметь ведро и мутовку, которой размешивают гипс.
Перед началом формовки бюста на оригинале острым концом инструмента легко намечается линия, которая явится границей между двумя раковинами. Эта линия должна проходить через весь бюст и разделять его на две части – лицевую и затылочную.

По намеченной линии перпендикулярно к поверхности втыкаются металлические пластинки на глубину не более 3 – 5 мм. Они должны заходить одна на другую примерно на 1 – 3 мм, образуя сплошную перегородку.

Затем вылепленный из глины бюст слегка обрызгивается водой.

Это помогает более равномерному и плотному покрытию оригинала слоем гипса, так как по сырой глине гипс быстро растекается, легко заполняя все мелкие детали.

В ведре разводится необходимое количество подкрашенного гипса и равномерно тонким слоем оплескивается одна из сторон бюста. Для этого нужно зачерпнуть рукой небольшое количество жидкого гипса и, поднеся ее тыльной стороной к оригиналу, быстрым движением от себя выплеснуть гипс на его поверхность. Оплескивать скульптуру надо постепенно снизу вверх.
Чтобы форма получилась более точной, гипс предварительно рекомендуется просеять через мелкое сито.

Когда первый слой начнет затвердевать, на него накладывают куски проволоки, изогнутые в соответствии с рельефом оплеснутой стороны бюста.

После этого разводится гипс без подкраски и вторым слоем накладывается на оплеск с арматурой. Толщина второго слоя гипса должна быть 4 – 5 см. Поверхность раковины выравнивается циклей и рукой, смоченной в воде.

Процесс схватывания гипса сопровождается выделением тепла – форма заметно нагревается и слегка увеличивается в объеме. В связи с этим во избежание появления трещин второй слой гипса разводится не гуще первого.

Через 15 – 20 минут, когда гипс затвердеет, надо осторожно, стараясь не повредить скульптуры, вынуть металлические пластинки и зачистить неровности, образовавшиеся в местах соприкосновения пластинок с гипсом.

Оставшийся в ведре затвердевший гипс надо выбросить.

На зачищенной поверхности формовочной лопаткой делается несколько лунок. В дальнейшем все эти лунки вместе с выпуклостями, которые образуются при заливке на соответствующих местах второй половины формы, будут служить замками, позволяющими точно, без смещения соединить обе раковины перед заливкой. Оставшиеся на незаформованной части оригинала и на форме кусочки гипса нужно аккуратно смахнуть мягкой кистью или сдуть.

Формовка второй стороны бюста производится в той же последовательности, что и первой.

После затвердения второй раковины надо ножом соскоблить гипс с поверхности формы в местах соединения двух раковин, чтобы была видна линия их стыка. Затем вся форма смачивается водой – она тогда легче отходит от оригинала. По линии стыка раковин осторожно вбивается несколько небольших деревянных клиньев. В образовавшуюся щель вливается вода и осторожно с помощью ножа или стамески отделяется затылочная раковина. Из лицевой части формы глина аккуратно вынимается при помощи металлической петли и деревянной стеки.

Обе раковины хорошо промываются водой. Промывать их можно садовым насосом и мягкой кистью. Во время мытья формы часть воды стекает, часть впитывается в гипс. Форма должна быть влажной, иначе в процессе отливки она будет впитывать воду из заливаемого в нее гипса и на поверхности отлива могут появиться ненужные пузыри.

Внутреннюю поверхность раковин необходимо тщательно покрыть тонким слоем смазки, не пропуская ни одного участка. Затем обе раковины складываются так, чтобы в лунки одной из них вошли выпуклости другой. Раковины крепко связываются веревкой, и вся форма прочно устанавливается нижней открытой частью вверх, для того чтобы в нее можно было влить гипс.

После этого в ведре разводят просеянный гипс, снимают образовавшуюся на его поверхности пену и осторожно стекающей по краю струей вливают гипс в форму примерно на одну треть ее объема. Затем, быстро вращая форму, выливают гипс обратно в ведро и опять вливают его в форму. Это проделывается два-три раза подряд, пока гипс не начнет «садиться». При вращении формы жидкий гипс, постепенно густея, покрывает ровным слоем всю внутреннюю поверхность формы, проникая во все ее углубления. Когда гипс начнет густеть, его накладывают рукой на края формы. Этот способ обычно называется «отливка в окатку».

После этого разводится вторая порция гипса и окатка повторяется. Надо обращать внимание на то, чтобы гипс хорошо заполнил такие места формы, как глаза, уши, нос и подбородок. Густеющим гипсом утолщаются стенки отлива шеи.
Лишний гипс циклей снимается вровень с краями формы.

Толщина стенок отлива бюста в натуральную величину должна быть примерно 2 – 3 см. При таком способе отлив получается полым внутри.

Бюсты небольших размеров можно не делать полыми, а заливать их сплошь.

Через 20 – 30 минут после того, как залитый в форму гипс окончательно схватится, можно приступать к расколотке формы.
Для этого надо иметь две скарпели – широкую и узкую и деревянный молоток – киянку. Скарпели можно заменить стамеской или долотом. Сначала, ударяя киянкой по широкой скарпели, крупными кусками скалывают верхний неподкрашенный слой гипса всей формы, начиная сверху. Затем узкой скарпелью осторожно мелкими кусочками скалывается нижний подкрашенный слой.
Производя расколотку, нужно все время под толщей формы чувствовать рельеф отлива, чтобы случайно не повредить выступающих частей.

Особенно внимательно и осторожно надо скалывать форму с лица и вокруг ушей.

С таких деталей, как ушные раковины и глаза, лучше удалять форму тонким концом ножа. По окончании расколотки надо, не теряя времени, быстро, по сырому еще гипсу, зачистить швы и тщательно исправить имеющиеся повреждения отлива.

Черновая формовка фигуры

Процесс черновой формовки фигуры в принципе такой же, как и черновой формовки бюста, однако он имеет свои особенности и трудности.

Во-первых, черновая форма фигуры в зависимости от размера и композиции оригинала может состоять не из двух, а из нескольких раковин, а отлив – из нескольких частей, которые соединяются и монтируются.

Во-вторых, внутри отлива, в его тонких частях, например в ногах, руках, пальцах, шее помещаются металлические каркасы, укрепляющие отлив.

Каркасы необходимо покрыть лаком или масляной краской, для того чтобы предохранить их от ржавчины. Если этого не сделать, то ржавчина проступит сквозь гипс на поверхность отлива.

В-третьих, фигуры небольшого размера могут быть залиты гипсом сплошь, а фигуры в натуральную величину и больше в отдельных частях делаются полыми.

Плинт с ногами и проложенными в них каркасами, как правило, заливаются сплошь.

Форма для фигуры, так же как и для бюста, делится прежде всего на две части – переднюю и заднюю. Передняя часть формы должна быть больше, т. е. охватывать до 2/3 объема фигуры, задняя – меньше, около 1/3, чтобы легче было снять форму с оригинала.

В небольших работах передняя часть представляет собой чаще всего одну раковину, задняя часть обычно делится на две раковины. В больших работах форма может быть разделена на четыре, шесть и более раковин.

Приступая к формовке фигуры, сначала определите и наметьте на оригинале очертания будущих раковин. По линии, делящей фигуру на переднюю и заднюю половины, втыкаются металлические пластинки.

Глиняный оригинал обрызгивается водой и его передняя часть оплескивается слегка подкрашенным гипсом, затем накладывается арматура – проволока сечением от 5 до 8 мм и второй слой гипса. Когда гипс затвердеет, пластинки вынимаются, срез раковины зачищается, на нем делаются лунки и наносится смазка.

После этого можно переходить к формовке задней части фигуры. Если опорой каркаса оригинала в глине служит глаголь, задняя часть формы обязательно делается из двух раковин, чтобы ее можно было снять с глаголя. Для этого под верхним концом глаголя, входящим в фигуру, горизонтально, по линии, разделяющей фигуру на верхнюю и нижнюю части, втыкаются пластинки. Глаголь может быть расположен близко к фигуре, тогда нижняя раковина разделяется и по вертикали на две части.
После этого заформовывается задняя нижняя часть фигуры. Затем заформовывается задняя верхняя часть фигуры.

Разнимать форму нужно в обратном порядке: сначала отделяется верхняя задняя раковина, потом нижняя задняя раковина; в последнюю очередь вынимается глина из передней раковины. Очищенные раковины промываются водой и покрываются смазкой.
Существует несколько способов отливки фигур в черновой форме. Выбор их зависит от размера скульптуры и сложности ее композиции.

Небольшие фигуры – эскизы и этюды – можно отливать так же, как и бюст, – в окатку, с той лишь разницей, что после двух-трех окаток в ноги вставляются заранее приготовленные куски проволоки – каркасы, а затем форма сплошь заливается гипсом. Нижняя поверхность плинта зачищается циклей вровень с краями формы.

Фигуры размером около 1 м удобнее отливать открытым способом. Он заключается в следующем. Покрытые смазкой раковины кладут на стол или на пол. В соответствии с формой внутренней поверхности передней раковины, в тех местах, где нужно укрепить отлив, изгибаются тонкие проволоки – лекала. По этим лекалам из более толстой проволоки или квадратного железа приготовляются каркасы.

Теперь можно производить оплеск передней раковины. Гипс на внутреннюю поверхность формы надо наносить равномерно, все время покачивая раковину и внимательно следя за тем, чтобы заполнились все мельчайшие углубления формы. Гипс при оплеске не должен доходить до краев формы на 0,5 – 1 см, если же он попадет на срез раковины, его надо немедленно снять. Когда гипс начнет схватываться, в переднюю раковину укладываются каркасы и укрепляются, «примораживаются», вновь разведенным гипсом. Потом оплескиваются задние раковины, накладываются на переднюю раковину и связываются с ней веревкой. После этого, поставив форму наклонно, вливают в нее немного гипса. Покачивая форму и наклоняя ее, заливают места у стыков раковин, не заполненные гипсом при оплеске.

Затем форму ставят вертикально и через одну ногу заливают сплошь гипсом. Когда гипс появится и в другой ноге, заливают плинт таким образом, чтобы он был вровень с краями формы.

Для получения пустотелого отлива надо прежде всего на оплеске прочно укрепить гипсом каркасы. Потом, соединив и связав форму веревкой, аккуратно залить места у стыков раковин и заполнить сплошь гипсом ноги и плинт.

Через 40 – 60 минут после заливки, когда гипс в форме окончательно затвердеет, можно переходить к расколотке. Ее следует начинать с верхней части формы.


Метки: Учимся рисовать

Рисовать не надо уметь | Персональный блог Марины Лысяной


Принято считать, что рисование, это такая особая наука, которой нужно долго учиться, чтобы стать художником, и только потом можно будет говорить, что рисовать ты умеешь. Отчасти, это так и есть, если под словом художник подразумевать написание больших полотен вроде «Последнего дня Помпеи» или «Ночного дозора». Очень часто, когда нужно нарисовать что нибудь простое, схему проезда или фасон платья, человек, первым делом начинает оправдываться, дескать, я не художник, последний раз рисовал в школе и оценки у меня были не очень.

Почему-то, когда мы считаем сдачу в магазине, то не переживаем за то, что мы не математики. И школьные оценки не дают право продавцу обсчитать нас. Когда учим уроки с детьми, не говорим – я не учитель. Когда готовим еду, не говорим – я не повар. Когда убираем в квартире, не говорим – я не уборщица, хотя … я говорю, причём громко и регулярно, чтобы даже коту было понятно.

Все эти вещи, кажутся нам само собой разумеющимися – это жизнь, она заставляет. Рисовать не заставляет не смотря на то, что мы живём среди произведений архитектурной и дизайнерской мысли, судим об исторических эпохах по костюмам, произведениям живописи и скульптуры, но ни что не заставляет нас прикасаться к ним непосредственно. Без этого всегда можно обойтись. Вам не кажется это странным? По-моему, где-то здесь произошёл разрыв, и все мы от этого что-то теряем.

Я начала задумываться об этом, когда стала преподавать детям. Моим ученикам от 5 до 18 лет. Дети не знают, что они не умеют рисовать. Малышне вообще нравятся все их творения. Недопустимо сказать кому-то: «Это ты нарисовал неправильно». Я сейчас даже не о том педагогике – это элементарно бесполезно. Речь даже не о каких-то там комплексах, дело тут не в обиде, а в бесполезности сравнения его рисунка с каким бы то ни было идеалом. Есть абсолютно уникальное произведение, которое живёт здесь и сейчас на этом конкретном листе бумаги. Оно самостоятельно, у него есть своё прошлое и будущее, оно рассказывает о себе и об авторе, чего ж ещё хотеть-то?

— Это всё понятно – скажут некоторые – ну это же каляки-маляки. Пусть рисует сколько угодно, но как это применить в профессии, если у ребенка нет таланта? Если он не научится строить перспективу то, как он спроектирует мост или как нарисует дом, например? Если он не умеет показать форму то, как нарисует портрет или натюрморт? Тут либо учиться на художника, либо признать, что ты – не он и пойти заняться тем, что у тебя получается. А как хобби – да пожалуйста, только на него никогда нет времени.

— Я позволю себе не согласиться с этим утверждением и вспомнить про сдачу в магазине и делание уроков.

Ну сдача, это необходимость, как и делание уроков. В этом есть коммерческая ценность. Не посчитаю сдачу – меня обворуют средь бела дня. Не стану делать уроки с ребёнком – останется неучем, никуда не поступит, станет профессиональным дворником )))

— Да, но какая же тогда коммерческая ценность в зарядке?

— Спорт продлевает жизнь, улучшает здоровье, меньше работаешь на аптеку.

— Не факт. Ни со сдачей, ни с уроками, ни со спортом. Это стереотипы. Я не хочу сказать, что все эти вещи не важны, и ими не надо заниматься. Я говорю о том здоровье, которое несёт в себе рисование.

Ребёнок до пяти лет усваивает в 200 раз больше информации, чем взрослый человек и рисование в этом участвует. Конечно же, сначала это познание самого материала. Карандаш оставляет след на бумаге. Цвет, при наложении смешивается. Если сильно надавить, в бумаге будет дырка. Резинка стирает след от карандаша. След от ручки не стирает. Если наслюнявить карандаш, его цвет станет ярче, а потом карандаш засохнет и вообще перестанет рисовать. На не рисующий карандаш надо пожаловаться маме. И так далее.

— Ну хорошо, мы познали материал. Это повод называться художником?

— Да не надо им называться, просто не оставляйте познание. Тот домик, который ребёнок нарисовал на бумаге – настоящий. Это не тот дом, который стоит у вас на даче, а ещё один такой же. И солнце тут своё собственное. Он его сам создал. И рыбы умеют летать, и трава бывает синяя, и мост переведёт на тот берег.

Ну так не дай же Бог попасть на такой мост, да ещё и на настоящей машине.

— Не надо об этом думать. Когда вы считаете сдачу в магазине, вы же не сокрушаетесь о недоученных интегралах, но этот простейший счёт не перестаёт быть для вас менее важным.

Ну и какой для меня лично, толк в том, чтобы продолжить это познание?

— Чтобы продолжить быть творцом.

— И что мне это даст?

— Это меняет ход мыслей, создает некое альтернативное пространство, в которое ты ныряешь как в сказочное зеркало. При этом, оно остаётся полностью в твоей власти. И ты совсем по-другому смотришь на вещи, как будто открываешь в себе ещё одну систему ценностей. С высоты этой точки стояния можно взглянуть на проблемы с другой стороны и удивиться, на сколько доступно стало тебе их решение.

— Вы что мне тут сейчас чакры предлагаете открыть ))) ?

— По чакрам я не специалист, но могу рассказать как попадают в эту страну чудес.

Самохвалов Александр Николаевич — биография скульптора, личная жизнь, скульптуры

Студент училища при Академии художеств и воспитанник Кузьмы Петрова-Водкина, Александр Самохвалов стал известен как автор полотен в стиле соцреализма. На своих картинах живописец изображал характерных представителей эпохи — советских рабочих и спортсменов. Также Самохвалов работал как иллюстратор и скульптор: книги с его рисунками выходили в издательствах «Изобразительное искусство» и «Детская литература», а статуэтки по его эскизам выпускали на Государственном и Дмитровском фарфоровых заводах.

Студент Академии художеств и ученик Кузьмы Петрова-Водкина

Александр Самохвалов. Дворик (фрагмент). 1921. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Автопортрет (фрагмент). 1928. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Головомойка (фрагмент). 1923. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов родился 21 августа 1894 года в городе Бежецке Тверской губернии (сейчас — Тверская область). Его отец Николай Самохвалов торговал в небольшой лавке, а мать Елена Чистякова была домохозяйкой. Кроме будущего художника в семье было еще трое детей.

Первое образование Самохвалов получил в церковноприходской школе в Бежецке. Он вспоминал: «Школа была наполовину городской, наполовину крестьянской». В 1906 году художник поступил в Калязинское механико-техническое училище (сейчас — Калязинский колледж им. Н.М. Полежаева). В свободное время много рисовал. Преподаватели отмечали, что у него хорошо получается изображать людей и животных, и советовали стать художником.

В 1908 году, на третьем курсе, Самохвалова отчислили за участие в уличных столкновениях во время Первой русской революции 1905–1907 годов. Учебу он продолжил в Бежецком реальном училище живописи. Он занимался в классе художника Ивана Костенко. Самохвалов вспоминал: «Иван Малахович показывал свой этюд, и мы приравнивали свои этюды к его достижениям. Конечно, его этюд всегда был законченным и вернее нашей мазни нарисованным. Но в мазне наших неопытных кисточек проявлялась иногда какая-то особенность, более близкая к природе и характеру того, кто это написал. Иван Малахович всегда это отмечал».

Самохвалов окончил реальное училище и переехал в Петербург. Там он брал уроки у художника Якова Гольдблата, посещал его частную студию, где учился писать с натуры. В 1914 году Александр Самохвалов поступил в Высшее художественное училище при Академии художеств на архитектурный факультет. После занятий он ходил в Русский музей и Эрмитаж, где изучал классическую живопись. Самохвалов вспоминал: «Меня потрясли, прежде всего, Рембрандта «Титус в шлеме», «Блудный сын», «Отречение Петра» и многое другое. Фрески Рафаэля, Веласкеса «Иннокентий» и «Оливарес», взволновавшие меня до глубины души. И статуи Египта, и эллинская скульптура…» Интересовался художник и древнерусским искусством: он изучал старинные иконы. В 1916 году Самохвалов создал одно из своих первых произведений — «Автопортрет». В нем он подражал иконописной технике: использовал темные цвета и писал темперой — краской на основе порошкового пигмента и эмульсии.

Уже на первом курсе Самохвалов участвовал в выставках. В 1917 году он вступил в объединение «Мир искусства», в которое входили Петр Кончаловский, Борис Кустодиев, Сергей Чехонин.

Александр Самохвалов. Старые кузницы (фрагмент). 1909. Тверская областная картинная галерея, Тверь

Александр Самохвалов. Старая Ладога (фрагмент). 1924. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Улица в Бежецке (фрагмент). 1912. Тверская областная картинная галерея, Тверь

В 1918 году — с приходом новой власти — закрыли Академию художеств, поэтому Александр Самохвалов продолжил учебу в Петроградских Свободных художественных мастерских (ВХУТЕМАС). Там он стал учеником живописца Кузьмы Петрова-Водкина. Искусствовед Виктор Меркушев писал: «Александр Самохвалов не был среди любимых учеников Петрова-Водкина, но ему, как никому другому, удалось создать образы, полные оптимистического настроя и пафоса утверждения новой жизни, к воплощению которых всегда стремился его учитель». Петров-Водкин учил Самохвалова изображать сложные фигуры в движении. Вместе со своим учителем в 1921 году художник отправился в Самарканд в археологическую экспедицию, которую организовал Институт истории материальной культуры. В своей книге «В годы беспокойного солнца» Самохвалов назвал эту поездку «трамплином в творчестве». В Самарканде он изучал старинную архитектуру и делал зарисовки зданий. Там же художник написал картину «Дворик».

В 1923 году Самохвалов окончил ВХУТЕМАС. Его дипломной работой стала картина «Головомойка». В произведении художник подражал своему учителю Кузьме Петрову-Водкину. Он построил сложную композицию: фигуры людей, предметы, лестницу изобразил с разных углов.

Задача была чисто пространственная. Для решения ее взята мною простая бытовая сцена. Но я уложил в нее всю пространственную систему. Передо мной деревянная винтовая лестница. Нижние ее ступени я вижу сверху вниз, средние — прямо перед собою, а верхние ведут во второй этаж. Сбоку от этой лестницы стоит мама, которая моет головку девочке. И красную табуретку, и таз с мыльной водой, и девочку я вижу сверху, а мать и проходящую по веранде девушку — прямо перед собой. Мою «Головомойку» он (Кузьма Петров-Водкин. — Прим. ред.) увидел по возвращении из Парижа. Он сам был озадачен сложностью построения композиции и назвал ее «Головоломкой».

«Художник, живущий современностью»: картины, скульптуры и плакаты

Александр Самохвалов. Плакат «Советы и электрификация». 1924. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Плакат «Да здравствует комсомол! На смену старшим молодая рать идет». 1924. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Плакат «Пролетарии, боритесь с опасностью новых войн». 1924. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В начале 1920-х Александр Самохвалов рисовал иллюстрации, реставрировал старинные картины для музеев Петрограда. Художник восстановил фрески в Георгиевском соборе в Старой Ладоге.

Для Российского телеграфного агентства Самохвалов нарисовал несколько агитационных плакатов. Среди них — «Ленин и электрификация», «Вперед, по ленинскому пути!» и «Пролетарии, боритесь с опасностью новых войн». В 1925 году на Международной выставке декоративного искусства и художественной промышленности в Париже за плакат «На смену старшим» он получил золотую медаль.

Александр Самохвалов. Тарелка «Женщина с козочкой». 1923. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Тарелка «Работница». 1923–1968. Тверская областная картинная галерея, Тверь

Александр Самохвалов. Тарелка «Завтрак работницы». 1923. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В те же годы Самохвалов устроился художником на Государственный фарфоровый завод (позднее — Ленинградский фарфоровый завод, сейчас — Императорский фарфоровый завод). По его эскизам там выпустили тарелки «Женщина с козочкой», «Завтрак работницы».

В середине 1920-х Самохвалов сотрудничал с издательствами «Детгиз» и «Радуга». Там он иллюстрировал рассказы Михаила Пришвина, пьесы Уильяма Шекспира. Тогда же Самохвалов сам начал писать книги. Он выпустил издания для детей «Водолазная база», «В лагерь!» и «Ходя».

Александр Самохвалов. В семье рыбака (фрагмент). 1926. Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова, Волгоград

Александр Самохвалов. Щебенщики (фрагмент). 1926. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Кондукторша (фрагмент). 1928. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Самохвалов состоял сразу в нескольких художественных обществах, среди которых — «Община художников», «Жар-цвет», «Круг художников». На их выставках он представлял картины «Семья рыбака», «Кондукторша», «Щебенщики». На большей части полотен Александр Самохвалов изображал рабочих. Его интересовал облик современного ему «человека труда» и современной ему женщины — служащей, рабочей. Он создал картины «Работница с напильником», «Работница, засучивающая рукава». Искусствовед Мария Чегодаева писала: «В основе творческого замысла этих портретов было не фотографическое копирование, а стремление к типически обобщенно-реалистическому изображению. Художник мечтал о фреске, в которой он мог бы воспеть труд нового общества». Создал Самохвалов и серию акварелей «Метростроевки», для которых ему позировали работницы московского метро.

Александр Самохвалов. Ткацкий цех (фрагмент). 1929. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Работница с напильником (фрагмент). 1929. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. В полях (фрагмент). 1927. Вологодская областная картинная галерея, Вологда

В начале 1930-х годов Самохвалов по заданию издательства «Изобразительное искусство» отправился в город Иваново-Вознесенск (сейчас — Иваново), чтобы написать картины о ткацком производстве. Там он создал полотна «Печатный цех» и «Ткацкий цех».

После убийства Сергея Кирова в 1934 году Самохвалов посвятил революционеру несколько полотен. Среди них было его первое панно «Киров принимает парад физкультурников». Для этой работы он искал «фресковое решение», хотел, чтобы по технике картина напоминала старинные церковные росписи. Художник экспериментировал с цветами и использовал приглушенные теплые тона.

Александр Самохвалов. Сергей Киров принимает парад физкультурников (фрагмент). 1935. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Девушка с ядром (фрагмент). 1933. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Александр Самохвалов. Советская физкультура (фрагмент). 1937. Нижнетагильский художественный музей изобразительных искусств, Нижний Тагил, Свердловская область

Кроме «людей труда», Александр Самохвалов часто писал спортсменок. Он вспоминал: «Физкультура была радостью бытия, той радостью, которая накапливала потенциал преодоления трудностей в борьбе за построение новой жизни». В начале 1930-х он создал серию работ «Физкультурницы». В нее вошли произведения «Девушка с ядром», «На теннисной площадке», «Девушка с мячом». В 1932 году Самохвалов написал картину «Девушка в футболке». На ней он изобразил учительницу-активистку Евгению Адамову.

«Девушка в футболке» — прекрасная современница, девушка, каких не было раньше. На ней футболка. Эта одежда времени, недорого стоящая, изящно облегающая фигуру, придает девушке вид современный. Ее облик — простой и ясный. Смелый, открытый в будущее, в мечту взгляд и сброшенная в сторону копна волос придают ей черты человека — участника по-новому открывшейся, богатой новыми мотивами жизни… Я увидел такую девушку, которая могла стать символом, и написал ее.

Александр Самохвалов. На теннисной площадке (фрагмент). 1935. Курская государственная картинная галерея им. А.А. Дейнеки, Курск

Александр Самохвалов. Девушка с мячом (фрагмент). 1933. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Девушка в футболке (фрагмент). 1932. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

«Девушку в футболке» показали на Всемирной выставке в Париже в 1937 году. Французские критики назвали эту картину «советской Джокондой». Художник вспоминал: «Я помалкивал, но в душе меня не радовало это прозвище, так как Джоконда была изображена улыбающейся иронически, со сложенными руками. У моей девушки еще не было улыбки, но если бы она появилась, то была бы совсем другой — улыбкой готовности к действию». Французы писали о простоте композиции, грамотном подборе цветов. За эту работу Самохвалова наградили золотой медалью.

В Париже Самохвалов получил и другие награды. Вместе с другими художниками он оформлял советский павильон. Для него Александр Дейнека создал панно «Лучшие люди Страны Советов», Алексей Пахомов — «Советские дети», а сам Самохвалов — «Советский спорт». Их совместная работа получила Гран-при выставки, высшую награду. В конце 1937 года панно перевезли назад в СССР. Однако где оно сейчас — неизвестно.

Третью награду на той же выставке Самохвалов получил за иллюстрации к роману Михаила Салтыкова-Щедрина «История одного города». Над ней художник работал больше трех лет. Он вспоминал: «Очень нелегкое дело жить в обществе таких чудовищных образов и следовать за сатириком тяжкими путями».

Александр Самохвалов. Дискобол. 1930-е. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Пловчиха. 1930-е. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Бег. 1930-е. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В 1930-х Александр Самохвалов продолжил работать с фарфором. Он расписывал тарелки, создавал скульптуры для Государственного и Дмитровского фарфоровых заводов. Художнику позировали советские спортсмены — пловцы, гимнасты, легкоатлеты.

В 1935 году Самохвалов оформил спектакль «Бесприданница» по одноименной пьесе Александра Островского в ленинградском Большом драматическом театре. Позднее он создал декорации для постановок Академического театра драмы им.  А.С. Пушкина (сейчас — Александринский театр) «Стакан воды» и «Горячее сердце».

Личная жизнь: «Мы шествуем вдвоем»

Александр Самохвалов. Портрет дочери художника, Аллы. 1943. Новокузнецкий художественный музей, Новокузнецк, Кемеровская область

Александр Самохвалов. Портрет Екатерины Самохваловой, первой жены художника. 1930. Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера», Архангельск

Александр Самохвалов. Портрет дочери художника, Марии (фрагмент). 1940. Новокузнецкий художественный музей, Новокузнецк, Кемеровская область

Александр Самохвалов был женат дважды. Его первой супругой стала Екатерина Самохвалова. В браке у них родились дочери Мария и Алла. В 1920-х и 1930-х художник написал несколько портретов жены и дочерей. Среди них картины «Мать с ребенком», «Портрет дочери Аллы» и «Портрет Е.П. Самохваловой, жены художника».

Со своей второй супругой, Марией Клещар, Самохвалов познакомился в 1950 году. Она была медсестрой и работала санинспектором. Клещар позировала художнику, когда тот создавал серию иллюстраций к роману Алексея Чаплыгина «Разин Степан». В 1951 году его первая супруга Екатерина умерла, и вскоре Самохвалов женился на Клещар.

Александр Самохвалов. Портрет Марии Клещар, второй жены художника (фрагмент). 1957. Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова, Волгоград

Александр Самохвалов. Иллюстрация к роману Алексея Чаплыгина «Разин Степан» (фрагмент эскиза). 1950-е. Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова, Волгоград

Александр Самохвалов. Портрет Марии Клещар, второй жены художника (фрагмент). 1957. Тверская областная картинная галерея, Тверь

Работа Самохвалова над серией иллюстраций к роману А. Чаплыгина «Разин Степан» соединила мою судьбу с жизнью и творчеством Александра Николаевича… Как-то ранней весной 1950 года Александр Николаевич пригласил меня в мастерскую, сказав: «Хочу показать вам картину, над которой сейчас работаю». И мы пошли в Тучков переулок, дом 11, по широкой каменной лестнице поднялись на пятый этаж в квартиру 25… Тогда я еще не предполагала, что проживу в этой мастерской-квартире 21 год и буду делить трудную жизнь с этим большим художником и прекрасным человеком… А в 1951 году он подарил мне книгу «Разин Степан» с надписью: «Моей дорогой жене Машеньке, с этого мы начинали наш труд».

Самохвалов учил Клещар рисовать. Искусствовед Валерия Щербань писала: «Войдя в жизнь мастера красивой натурщицей, Мария Алексеевна стала его бессменным спутником, преданной женой, чутким другом и талантливым учеником». С середины 1950-х Клещар показывала свои работы на выставках. Среди них — картины «Ольга Берггольц в дни блокады», «Крымский дворик», «Комсомолка Валя Комракова».

Александр Самохвалов. Под солнцем (фрагмент). 1953. Мемориальный музей-квартира Николая Некрасова, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Кафе «Гурзуф» (фрагмент). 1956. Частное собрание

Александр Самохвалов. Голубые сумерки (фрагмент). 1960. Брянский областной художественный музейно-выставочный центр, Брянск

Александр Самохвалов несколько раз изображал супругу на своих картинах. Он написал ее портреты: «Портрет М.А. Клещар-Самохваловой», «Под солнцем» и «Голубые сумерки». Вместе с Клещар художник работал над иллюстрациями к «Евгению Онегину» Александра Пушкина и «Анне Карениной» Льва Толстого. Жене Самохвалов посвящал и стихи:

Устав от клеветы людской, ты осушила слезы.
Твой чистый голос песней зазвенел.
Мой посох брошен за борт моста.
Рука в твоей надежна и тверда.
Мы шествуем вдвоем — как это хорошо и просто,
Пусть с нами шествуют суровые года.

С Марией Клещар Самохвалов прожил больше 20 лет — до своей смерти в 1971 году.

Последние годы: живописные «мемуары»

Александр Самохвалов. Поля (фрагмент). 1940-е. Тверская областная картинная галерея, Тверь

Александр Самохвалов. Натюрморт с бессмертниками (фрагмент). 1956. Ярославский художественный музей, Ярославль

Александр Самохвалов. Березки (фрагмент). 1958. Костромской государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник, Кострома

В 1940 году в Ленинграде прошла первая персональная выставка Александра Самохвалова. В эти годы художник в основном писал портреты своих друзей и родственников, в том числе композитора Евгения Мравинского.

В 1941 году началась Великая Отечественная война. Вместе с коллективом Академического театра драмы Самохвалова эвакуировали в Новосибирск. Там художник оформил спектакли «Свадьба Кречинского», «Маскарад» и «Платон Кречет». Он создавал декорации и для Московского театра оперетты.

В послевоенные годы Самохвалов работал над групповыми портретами участников войны. Среди них картины «Сталинградцы», «Бойцы вспоминают минувшие дни» и «Встреча друзей».

Александр Самохвалов. Сталинградцы (фрагмент). 1947. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Встреча друзей (фрагмент). 1945. Ярославский художественный музей, Ярославль

Александр Самохвалов. Бойцы вспоминают минувшие дни (фрагмент). 1947. Частное собрание

С 1948 года Александр Самохвалов преподавал в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище им. В.И. Мухиной (сейчас — Санкт-Петербургская государственная художественно-промышленная академия им. А.Л. Штиглица). Он вел занятия на факультете монументальной живописи.

В 1950-х Самохвалов продолжил сотрудничать с ленинградскими издательствами и фарфоровыми заводами. В эти годы изменился стиль художника. Он писал: «Изменения, которые произошли в структуре моей изобразительной концепции, в данном случае можно было бы определить… как усложненность объемно-пространственной трактовки изображаемого, большую детальность в рисунке». В портретах этих лет Самохвалов тщательно прорабатывал лица героев. Среди его картин 1950-х годов — «Портрет женщины с опущенной головой» и «Портрет девушки в васильковом венке».

Александр Самохвалов. Делегатки (фрагмент). 1939. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Девочка с апельсином (фрагмент). 1934–1935. Государственный художественный музей Алтайского края, Барнаул

Александр Самохвалов. В филармонии (фрагмент). 1950. Дальневосточный художественный музей, Хабаровск

Александр Самохвалов не оставил творчество и в последние годы жизни. В 1964 году он написал картину «Александр Блок в рабочем пикете». Блок был одним из любимых поэтов живописца. В конце 1910-х Самохвалов посещал его литературные вечера. Изображение поэта он создавал по памяти. Художник писал об этом портрете: «Я считаю, что в этой работе мне удалось выразить пафос времени и его напряженность как в цвете, так и в композиции, и в образах изображенных людей».

Итогом творчества Самохвалова стала картина «Аппассионата» («Строители коммунизма»). Ее художник написал в 1967 году. На ней он изобразил пианиста, который в окружении рабочих играет любимое произведение Владимира Ленина — «Аппасионату» Людвига ван Бетховена.

Александр Самохвалов. Рабочий (фрагмент). 1969. Вологодская областная картинная галерея, Вологда

Александр Самохвалов. Аппассионата (Строители коммунизма) (фрагмент). 1967. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Александр Самохвалов. Александр Блок в рабочем пикете (фрагмент). 1964. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Картина «Аппассионата» (1967), синтез всего найденного и приобретенного за долгий путь творческих поисков. …[Самохвалов] достигает этого пластическими средствами: рисунком, цветом, монументальной лепкой форм. Кажется, что художнику удалось соединить в одно целое музыку, цвет, линию и телесно-скульптурное начало. Оно производит впечатление своего рода живописных «мемуаров», прощальной встречи стареющего художника со своими любимыми героями.

В конце 1960-х Самохвалов написал книгу мемуаров «Мой творческий путь». Вышла она уже после смерти художника, в 1977 году.

Умер Александр Самохвалов 20 августа 1971 года. Похоронили художника на Комаровском кладбище в Ленинграде.

В Курске стартовал проект, посвящённый Казимиру Малевичу

Биография художника-авангардиста, автора картины «Чёрный квадрат» Казимира Малевича во многом связана с Курском. Здесь он прожил более 10-ти лет, венчался, крестил детей в римско-католическом костёле, работал чертёжником в Управлении железной дороги и организовал художественный кружок. В собраниях курских музеев нет работ Малевича. Однако, в картинной галерее имени Дейнеки считают – говорить о его творчестве не только можно, но и нужно. Казимир Малевич – основоположник одного из крупнейших направлений в авангардизме – супрематизма. 23-го февраля исполняется 144 года со Дня рождения художника. В канун памятной даты в галерее Дейнеки стартует проект «ЭТОНЕМАЛЕВИЧ 2022». Название выбрано неслучайно – в рамках проекта желающим помогут понять картины Малевича, и научат рисовать в таком же стиле.

Михаил Денисов, соорганизатор проекта «ЭТОНЕМАЛЕВИЧ 2022»: Мы решили, что Малевич как раз тот художник, о котором можно говорить, не имея ни одной картины в собрании, потому что во многом интересны его теоретические высказывания, какие-то ходы, приёмы. Он сам, кстати, выступал за то, чтобы работы в стиле супрематизма не имели подписи. И когда преподавал в Витебске, все его студенты выставлялись и не подписывали свои работы.

«ЭТОНЕМАЛЕВИЧ» — не новый для Курска проект. Он стартовал ещё в 2013-м году, но на долгое время был приостановлен. Тогда он проводился не в формате мастер-классов, а в формате необычной выставки, посвящённой художнику.

Игорь Припачкин, директор Курской картинной галереи имени А. А. Дейнеки: Наша идея состояла в том, что рядом с изображением вполне

себе предметным или, можно было бы сказать, адекватным, понятным, реалистичным мы размещали картину по мотивам этого произведения, но исполненная в духе Казимира Малевича.

Вновь запустить проект удалось благодаря победе команды галереи и Центра археологических исследований в грантовом конкурсе Президентского фонда культурных инициатив. При поддержке фонда будут созданы три обучающих видеоролика, которые познакомят зрителей с биографией Малевича, формированием супрематизма как стиля, законами композиционного построения картин и не только. Желающие в ближайшее время смогут увидеть ролики на сайте галереи – первый уже в этом месяце, остальные не позднее апреля. Также вскоре планируется провести 5 мастер-классов.

Анна Корнеева, руководитель проекта «ЭТОНЕМАЛЕВИЧ 2022»: Оговорюсь заранее – количество мест ограничено, поэтому все, кто желает принять участие в первых мастер-классах, конечно, должны будут поймать нашу новость и записаться заранее, но в будущем возможно проведение таких мастер-классов уже за рамками проекта, то есть такое своеобразное продолжение проекта после его основной реализации.

Организаторы проекта планируют принимать к участию желающих разных возрастов, в том числе, детей. Отмечают, что дети смогут рисовать в стиле Малевича. Среди возможных планов также привлечь людей с ограниченными возможностями.

Ксеноморф из блокбастера «Чужой», «Черная жемчужина» и леска из бивня мамонта. История о мастере-косторезе Иване Горохове

В Благовещенске открылась выставка 29-летнего мастера-костореза из Якутии Ивана Горохова.

О творчестве художника и скульптора News.Ykt.Ru рассказал его коллега, технолог по распиловке бивня мамонта Сергей Голофастов.

С 4 по 25 февраля в Благовещенске проходит персональная выставка «Тайна вечной мерзлоты» Ивана Горохова, мастера по работе с бивнем мамонта, выпускника Якутского колледжа технологии и дизайна. Вниманию посетителей выставки представлены малые скульптурные формы, украшения, барельефы, сувенирная продукция и многое другое. В благовещенском Доме ремесел можно увидеть стрекозу и паука размером с ноготь, ксеноморфа — вымышленное существо из блокбастера «Чужой» и даже леску, вырезанную из бивня мамонта. Некоторые экспонаты — размером не больше пяти сантиметров.


«Иван развил себя сам»

Иван родом из села Юкагир Усть-Янского улуса. Море Лаптевых, рыбалка, тундра, северное сияние… По его словам, вечерами там было нечем заняться и он сам научился косторезному делу.

Сначала рисовал, лепил, а потом стал пытаться вырезать из кости. Материала для работы там хватало, но мастеров не было. Можно сказать, что он развил себя сам. Честно, я впервые вижу такого человека, которого никто не заставлял и который занимается тем, что он любит и умеет.

Позже его хобби переросло в призвание. Ваня окончил Якутский колледж технологии и дизайна по специальности «Художественная резьба по кости». Почти два года назад он переехал в Благовещенск. Он единственный косторез в Амурской области. Летом улетает домой, а работает здесь, в Благовещенске, в моей небольшой мастерской.

До переезда он работал в компании «Туску», где делал изделия на заказ. Я помог ему в трудный период жизни и предложил поехать со мной в Благовещенск, так сказать, уйти в свободное плавание. Он очень простой, замкнутый человек. Талантливый мастер и никогда не дает интервью. И, как говорят коллеги, только я смог найти к нему подход. Поверьте, творческие люди все такие.

«Над идеями мы думаем вместе, а создает он»

Мне сразу понравились его работы, он такие шедевры делает. Это просто сказка. Я увидел в его глазах свет и огонь, желание развиваться, а в его работах — душу. Я знаю много мастеров, в том числе и из Якутии, но у Ивана есть своя изюминка.

Так мы переехали и начали работать. Сначала он сделал маленького слоника размером с ноготок. Я даже поразился, наблюдал за работой, смотрел на фигуру через увеличительное стекло. Потом он сделал более эффектные работы — это серия «чужих». После мы стали думать, что же сделать дальше. Спрашиваю: «Сможешь сделать корабль? „Черную жемчужину“?» Он сказал: подумаю. А затем приступил к работе. Когда Иван сюда переехал, здесь как раз цвели сады, и он сделал полукультурки со стрекозой, пауком и паутиной. Вот так все и закрутилось.

Над идеями мы думаем вместе, а создает он. Сначала рисуем, потом делаем слепок из пластилина, а затем все переводим в кость. Он вкладывает в свои работы душу. Человек работает на результат. Он даже может сделать нитку или цепь из бивня, чего не умеют многие мастера.

В этом деле важно не останавливаться. Если остановишься, сразу отлетишь на месяц назад. Поэтому мы каждый день работаем, чтобы отточить свои навыки.

Бивень мамонта — капризный материал

Работать с бивнем мамонта очень тяжело. Этот материал довольно капризный. Нельзя сразу браться за изготовление, для начала нужно просушить. После распила кость «живет» где-то год или полтора, а потом белеет и «умирает». В это время она должна правильно храниться, она будет лежать, ее будет перекручивать, и только потом, спустя время, она «умирает» и тогда уже можно с ней работать и из нее получатся хорошие изделия. Тут целая технология, а не раз — взял и сделал. При неграмотном обращении кость может треснуть, лопнуть и стать абсолютно бесполезной.

За каждой работой стоит большой труд, усидчивости и терпения у Ивана хоть отбавляй. Но самое главное — чтобы стать косторезом, нужно уметь рисовать. Если человек умеет рисовать, то он может работать с любым материалом: деревом, бивнем, рогом лося. После рисунок, как я уже говорил, переводится в пластилин, а потом в кость. Это тоже важный этап. Как говорится, держать в голове это одно, воплощать — совсем другое.

«Ваня всегда берется за самые трудные задачи»

Особое внимание Иван уделяет взгляду своего персонажа, будь то человек или животное. Это то, что нужно передать в первую очередь. Ваня может потратить неделю, чтобы поймать взгляд, чтобы работа задевала и понравилась людям.

Корабль он сделал за два с половиной месяца непрерывного труда. Шлифовать, повернуть, посмотреть, подходит или нет, — и так сотни мелких деталей.

Потом я предложил ему сделать хищника. Спросил: сможешь? Он: «Да, всегда хотел». Сначала делал долго, на первые работы он потратил месяц, а потом стал изготавливать их за две недели. Сейчас он уже сделал восемь разных видов этого персонажа.

Ваня всегда берется за самые трудные задачи. Чем сложнее работа, тем она привлекательнее для него. Сейчас он собирает скелеты. Весь процесс мы показываем на моей странице в инстаграме, людям очень интересно наблюдать. Дело идет к завершению, скоро покажем результат, а пока, так сказать, просто ведем рубрику.

Также хотим сделать амурский космодром, ракету, которая полетела в космос. Пока думаем над проектом. Кроме этого, хотелось бы заняться народными мотивами, русскими сказками, возможно, эпосом олонхо.

«Хотим делать то, что никто не делает»

Здесь у Ивана свободное плавание. Мне кажется, это лучше всего действует на мастера, чтобы он смог показать, на что способен. Надеемся, что все получится и нам удастся сделать то, что никто никогда не делал. Справиться с заказами, когда тебе говорят «сделай пять слонов», может любой мастер, а сделать что-то необычное — это большой труд. Когда мы начали работать, я сразу сказал Ване: «Вот тебе кость, мне не нужно то, что делают все, мне нужно то, что никто никогда не делал».

Хочу свозить его в Китай, чтобы он там поработал и подучился. Дай бог, в скором времени откроют границы. Хочу, чтобы он научился делать шар в шаре, что является пределом мастерства. В 2019 году в Якутске была такая работа «Черный дракон», но, к сожалению, его разбили, и хотелось бы, чтобы Ваня его воссоздал. Как наберется опыта, можно взять студентов и сделать из них таких же мастеров. 

Мы хотим не уступать китайцам. Хотя они говорят, что Иван очень сильный мастер. В Китае мастера определяют по лицу. Лицо Будды, к примеру, у них делают только два человека. То есть дано это не каждому. Поэтому усиленно развиваем навыки.

Также хотелось бы съездить в Крым и познакомиться с мастером Олегом Лоховым. У него тоже очень хорошая техника. Сам Владимир Путин подарил его работу арабскому принцу.

Так что планы большие. Надеемся, что скоро имя Ивана будет звучать как бренд. Как пройдет пандемия, будем ездить по миру, представлять Якутию и Амурскую область. Я сам родился и вырос тут, потом уехал в Якутию и прожил там 15 лет. 10 лет уже совместно с ребятами из Якутска ведем бизнес, поэтому для меня Якутия — это вторая родина.

Почти 50 оттенков серого. Выставка в Даугавпилсе / Статья

«Илона и Даце создают текстильные композиции, иногда работают вместе и проводят совместные выставки. Ромуальд — это совсем другая техника, это скульптура; он любит металл и дерево. Что их объединяет — в течение многих лет все трое вносят большой вклад в формирование и развитие художественной среды Латгалии и Даугавпилса», — считает руководитель художественного отдела городского музея Майрита Фолкмане.

Сестры-близнецы преподают: Д. Пудане — в даугавпилсской Saules skola, а И. Линарте-Ружа возглавляет музыкально-художественную школу в Илуксте.

Даце рассказала Rus.LSM.lv, что дистанционные занятия в пандемию стоили ей немалых нервов: «Я убеждена, что нельзя удаленно научить рисовать, особенно молодого, неопытного человека, который ничего не знает и не умеет. От напряжения я уже собиралась пить успокоительное, но тут позвонила Илона и сказала — стоп, не надо лекарств, я к тебе приеду, будем вместе работать два дня. После такого творческого релакса таблетки мне не понадобились. Когда мы работаем, то ни с кем не общаемся, наступает полная концентрация. И мы ведем диалог, укрощаем эгоизм — это очень полезное занятие».

Сестры признались, что, хотя и любят яркие краски, в творчестве отдают предпочтение серой гамме: «Это такой цвет раннего утра, особенный, с оттенками. Пестроты в жизни много, не стоит в нее с головой погружаться».

«Чистая композиция, минимализм в цветах и геометрическом ритме» — так характеризовал текстильные композиции Пудане и Линарте-Ружи руководитель Арт-центра имени Марка Ротко Марис Чачка, открывая в 2018 году тоже совместную выставку художниц «Похожие коды».

Художницы говорят, что за каждой композицией стоят эмоции. О некоторых невозможно вспоминать без слез, например, о работе 2018 года «Путь письма»: «Еще была жива мама (живописец и педагог Силва Линарте — Л. В.), мы ухаживали за ней, и она говорила — пусть это будет письмо мне…»

Ромуальд Гибовский, по собственным словам, в замысел выставки вписался случайно: «Я сделал деревянный крест, закончил за день до открытия. Использовал старую древесину, сосне около ста лет, и проржавленный металл. Для заработка я занимаюсь малыми архитектурными формами и визуальной рекламой (Гибовский — автор многих городских арт-объектов, к примеру, Креста на Слободке, памятного знака, посвященного польскому королю Стефану Баторию, памятника в честь столетия освобождения Двинска от большевиков и др. — Л. В.), творчество для меня — очень честное занятие, совсем не заработок. Кресты я давно люблю. Где еще заключен такой глубокий смысл — пересечение двух линий, в которых страдание, любовь, вера, надежда и еще много-много всего…».

  • Открыто до 21 апреля.
Заметили ошибку? Сообщите нам о ней!

Пожалуйста, выделите в тексте соответствующий фрагмент и нажмите Ctrl+Enter.

Пожалуйста, выделите в тексте соответствующий фрагмент и нажмите Сообщить об ошибке.

Сообщить об ошибке

Скульптура греческого торса — Как рисовать

Практика делает совершенным

Пока Дин учился в художественной школе, ему посчастливилось работать с несколькими гипсовыми слепками. В конце концов, он смог нарисовать две из них по памяти, потому что рисовал их десятки раз. Оба были анатомическими слепками, сделанными скульпторами девятнадцатого века: один был с плоскостей человеческой головы, а другой был скульптурой в натуральную величину, изображающей мускулатуру человеческого тела.

Рисунки на страницах 170-173 являются результатом дня, который авторы провели в залах антикварных скульптур в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.Большинство музеев разрешают своим посетителям приносить альбом для рисования и материалы для рисования, чтобы рисовать скульптуры и картины без разрешения.

Музеи переполнены вдохновляющими произведениями искусства. Настоятельно рекомендуется, чтобы серьезный студент провел много часов за изучением, набросками и поглощением великих работ, которые там есть.

Все рисунки на следующих страницах были нарисованы на бумаге для рисования размером 12 x 9 дюймов с легкой текстурой графитными карандашами от H до 2B и ластиком-кляксой.

ПРОДОЛЖЕНИЕ НА СЛЕДУЮЩЕЙ СТРАНИЦЕ

Копия греческой статуи Дина Фишера

Копия греческой статуи Дина Фишера

Копия греческой статуи работы Дина Фишера

В этом греческом торсе мужчины-спортсмена есть невероятное чувство грации в тонком жесте фигуры, выгибающейся назад. Несмотря на то, что мускулатура на этой фигуре напряжена из-за того, что это скульптура, изображающая мужчину-спортсмена в движении, эти качества были подчинены элегантности общей позы.

Художник попытался передать движение позы с помощью довольно свободной передачи тонов и линий. Начав с бумаги среднего тона, художник слегка нарисовал фигуру, а затем стер светлые формы. Следующим этапом было работать вперед и назад, добавляя больше графита карандашом и стирая другие области, пока художник не был удовлетворен уровнем обработки рисунка.

Это другой ракурс скульптуры на предыдущей странице. Удивительно, что фигура обладает такой спокойной динамикой и грацией даже без головы и конечностей.На этом рисунке художник попытался передать движение позы с помощью довольно свободной тонально-линейной передачи. Начав с бумаги среднего тона, художник слегка нарисовал фигуру, а затем стер светлые формы. Как и в предыдущем рисунке, художник продолжал работать взад и вперед, добавляя больше графита карандашом и стирая другие области, пока не достиг уровня утонченности, которого он добивался.

Копия римской статуи работы Дж. С. Робинсона

Копия римской статуи работы Дина Фишера

Копия римской статуи работы Дж.С. Робинсон

Копия римской статуи работы Дина Фишера

На этой римской статуе изображен контрапост, впервые использованный греками и названный так потому, что вес всей фигуры поддерживается одной ногой, которая заставляет бедро двигаться наружу, что требует некоторых усилий для рисования. Чтобы понять эту позу, когда вы рисуете, убедитесь, что бедра расположены правильно. Вы должны убедиться, что ваши измерения точны. Это очень тонкая поза, требующая внимательного наблюдения и сдержанности.В этом примере художник нарисовал линию, максимально соответствующую кривизне скульптурного тела. Это важное упражнение для практики, если вы хотите нарисовать объект точно, а не в общих чертах.

Здесь художник стремился запечатлеть простоту и красоту этого классического портрета — головы римского спортсмена — с помощью простых, довольно четких линий и минимального количества теней. Кончик носа был отломан, но вместо того, чтобы умалять красоту лица, он, казалось, только прибавлял ей.

ПРОДОЛЖЕНИЕ НА СЛЕДУЮЩЕЙ СТРАНИЦЕ

Продолжить чтение здесь: День в музее продолжение

Была ли эта статья полезной?

Сравнение и противопоставление рисунка и скульптуры

Текущее местоположение Все галереиРасположение галереи UMMA ➜ AMH, 1-й этаж ➜ 102 (галерея Ричарда и Розанна Ноэля)Расположение галереи UMMA ➜ AMH, 1-й этаж ➜ 103 (галерея Марвина Х. Дэвидсона)Расположение галереи UMMA ➜ AMH, 1-й этаж ➜ 109 (Lizzie and Jonathan Tisch) Апсе)Расположение галереи УММА ➜ АМД, 1 этаж ➜ 115 (АртГим)Расположение галереи УММА ➜ АМД, 2 этаж ➜ 200 (А.Галерея Альфреда Таубмана I) Расположение галереи UMMA ➜ AMH, 2-й этаж ➜ 201 (Тиффани: между дверями Таубмана I) Расположение галереи UMMA ➜ AMH, 2-й этаж ➜ 205 (Галерея кабинета-склада Альбертины Монро-Браун) Расположение галереи UMMA ➜ AMH, 2-й этаж этаж ➜ 206 (галерея Томаса Х. и Полли В. Бредт) Расположение галереи UMMA ➜ AMH, 2-й этаж ➜ 211 (Tiffany: между дверями Tiffany и соединителем FFW) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, 1-й этаж ➜ 124 (Ирвинг Стенн-младший) Галерея Семейных Проектов)Расположение Галереи УММА ➜ FFW, 2 этаж ➜ 212 (А.Галерея Альфреда Таубмана II) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, 2-й этаж ➜ 213 (Галерея Роберта и Лилиан Монтальто Болен) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, 2-й этаж ➜ 216 (Японская галерея) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, 2-й этаж ➜ 217 (Галерея) искусства Южной, Юго-Восточной и Центральной Азии) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, 2-й этаж ➜ 218 (Элеонора Нойес Крампакер) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, 2-й этаж ➜ 219 (Лифт, холл администрации) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, 2-й этаж ➜ 221 (Кабинет директора) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, нижний уровень ➜ 053 (Витрины учебного центра) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, мезонин ➜ M01 (Галерея современного искусства Джоан и Роберт Тиш) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, мезонин ➜ M02 (Галерея современного и современного искусства Джоан и Роберт Тиш) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, мезонин ➜ M04 (Галерея современного и современного искусства Джоан и Роберт Тиш) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, мезонин ➜ M05 (Семейный мост Яна и Дэвида Брэндонов) )Галерея UMMA Loc ➜ FFW, Mezzanine ➜ M06 (Галерея китайского искусства Ширли Чанг) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, Mezzanine ➜ M07 (Woon-hyung Lee and Korea Foundation Gallery of Korean Art) Расположение галереи UMMA ➜ FFW, Лестницы ➜ S08 (Лестница 8)

Живопись, рисунок и скульптура (книга, 2014 г.

) — СТУДИЯ ДЖЕЙМИ АДАМС

 

ФИГУРА представляет выдающиеся образцы современного фигуративного искусства ведущих и признанных художников — Дженни Сэвилл, Эрик Фишл, Уилл Коттон, Джером Уиткин, Хилари Харкнесс, Марк Гринуолд, Эрик Уайт, Маргарет Боулэнд и другие, а также новые таланты.Актуальные эссе выдающихся критиков, художников и скульпторов — Дональда Куспита, Ирвинга Сэндлера, Винсента Дезидерио, Алекси Уорт, Дэвида Эбони, Джули Хеффернан, Джуди Фокс, Курта Каупера, Джейми Адамс, Лори Хогин, Роберта Тэплина и других — наряду с «методологии художника» Трентона Дойла Хэнкока, Ричарда Филлипса, Роны Пондик, Стивена Асселя, Ф. Скотта Хесса, Алекса Каневского, Алиссы Монкс, Стива Мамфорда, Скотта Ноэля, Натали Франк, Энн Харрис, Эндрю Рафтери, Николы Верлато, Стива Мамфорда, Эдгар Джеринс и другие предоставили различные исторические контексты для почти 170 произведений искусства тома.Рассматривается эволюция техник — от классического рисования слепков, перспективы и камеры-обскуры до использования фотографии, фотошопа и 3D-моделирования — и изменение культурных условий от античности до киберпространства, а также использование старых и новых техник. в современном изобразительном искусстве описано. Подчеркивая искусство непреходящей привлекательности фигуры и педагогику Нью-Йоркской академии художеств, ФИГУРА важна для всех, кто интересуется как традициями, так и прогрессом в искусстве, основанном на фигурах, от студентов до профессионалов и коллекционеров.

ОБ АВТОРЕ

Маргарет Макканн — художник, педагог, писатель и куратор. Дональд Куспит — искусствовед, поэт, профессор истории искусства и философии в SUNY-Stony Brook, а также профессор истории искусства в Школе визуальных искусств. Ирвинг Сэндлер — профессор истории искусства в SUNY-Purchase. Писатель Боб Колачелло — бывший редактор журнала Энди Уорхола Interview и постоянный автор Vanity Fair. Дэвид Крац — художник, президент Нью-Йоркской академии художеств с 2009 года.

Для покупки онлайн:  https://www.amazon.com/Figure-Painting-Drawing-Sculpture/dp/0847843750

56-я ежегодная национальная выставка рисунков и малых скульптур

Дель Мар Хоум Офисы и отделы Художественный отдел 56-я ежегодная национальная выставка рисунков и малых скульптур

Контактный адрес электронной почты: [email protected] edu
Тип звонка: Соревнования
Право на участие: Национальный
Штат: Техас
Крайний срок подачи заявок: 39.11.2000

Стартовый взнос (56-я ежегодная Национальная выставка рисунков и малых скульптур): 25 долларов.00

О ВЫСТАВКЕ

НАГРАДЫ НА ПОКУПКУ на сумму 7500 долларов США
  • Награда за покупку скульптуры: 2 по 3000 долларов каждая
  • Награда за покупку 2-D: 1 по 1500 долларов США

Ежегодная национальная выставка рисунков и малых скульптур собирает работы современных художников со всей страны и оценивается приглашенным жюри национального масштаба. Полученные в результате награды за покупку создали впечатляющую постоянную коллекцию в колледже Дель Мар.

56-я выставка этого года пройдет 18 февраля 2022 года, открытие приема с 18:00 до 20:00.м. и закрывается 6 мая 2022 года. Принятые произведения искусства выставлены в характерной Мемориальной галерее Джозефа А. Каина.

О ПРИСЯЖНОМ

Шэрон Коприва, уроженка Техаса, в настоящее время работает в Хьюстоне, штат Техас, и Хоуп, штат Айдахо. Она получила степень магистра живописи в Университете Хьюстона в 1981 году. С момента открытия выставки Fresh Paint в Музее изящных искусств в Хьюстоне в 1985 году Коприва выставлялась на национальном и международном уровнях, в том числе в The Menil Collection, Хьюстон; Музей Огдена, Новый Орлеан; и Национальный музей Перу в Лиме.На протяжении более тридцати лет Шэрон сочетал двух- и трехмерные медиа, часто со сплавами папье-маше и найденных объектов. Ее карьера прошла через исследования доколумбовых культур в Перу, изучение ее католической веры и вдохновение из духовных лесов прекрасного тихоокеанского северо-запада.

ДОПУСТИМЫЕ ЗАПИСИ

Выставка открыта для всех* американских художников. Участвовать могут только работы, созданные за последние три года. Работы, ранее выставленные на ежегодной выставке, не допускаются.Каждый художник может представить три работы. Все принятые работы могут быть рассмотрены для покупки.

 * За исключением штатных преподавателей Del Mar Art.

ПРОЦЕДУРА УЧАСТИЯ — ТОЛЬКО ОНЛАЙН

Все заявки будут отправляться через Callforentry.org. (www.callforentry.org) Заявки должны быть поданы до 30 ноября 2021 г. После этой даты заявки приниматься не будут.

Требования к загрузке файлов изображений:

  • Тип файла: только JPEG или JPG.
  • Размер файла: 1200 пикселей или более по длинной стороне.
  • Размер файла: менее 5 МБ.
  • Цветовой профиль: sRGB
  • Изображение должно быть правильно ориентировано (вертикально или горизонтально)
  • Только одно изображение на запись

Дополнительную информацию о требованиях к изображениям для подачи и ресурсах для редактирования размера цифрового изображения можно найти в разделе справки Callforentry.org.

ПОШЛИНА

25 долларов за 3 работы, по одному изображению на произведение. Если вы хотите подать дополнительные заявки, плата составляет 5 долларов США за каждую заявку.Все сборы не подлежат возврату и подлежат оплате через Callforentry.org.

ПРИНЯТА РАБОТА

Художники будут уведомлены по электронной почте; обновления статуса можно найти, войдя в свою учетную запись CaFÉ. Жюри может принять решение отклонить работу после прибытия.

2D ARTWORK

Учитываются все оригинальные работы на бумаге; это включает в себя рисование, гравюры на традиционных носителях, оригинальную акварель и фотографию. Требуется профессиональная презентация принятых работ.Ацетатное покрытие допустимо для белой матовой доски музейного качества с монтажом толщиной не менее 2 дюймов и видимым со всех сторон матом. Чтобы обеспечить единообразие презентации, если ваша работа оформлена в раму, используйте простые рамки. Отправляйте работы в рамках ТОЛЬКО с плексигласом. Художественные работы должны быть отправлены в жесткой многоразовой картонной упаковке, надежно упакованной для обеспечения безопасной доставки (без арахиса) См. спецификации размеров ниже.

СКУЛЬПТУРА

Скульптуры любых носителей будут рассматриваться. Однако скульптуры, требующие установки на потолке, не принимаются.Принятые скульптуры должны быть надежно упакованы в один ящик для обеспечения безопасной доставки. Если ящик деревянный, используйте шурупы, а не гвозди или болты, чтобы закрепить крышку. См. спецификации размеров ниже.

Все материалы должны быть готовы для размещения на стенах галереи или на пьедесталах. Мы не можем повесить какие-либо произведения искусства на потолок.

Сдача работы

  • Принятая работа должна быть доставлена ​​не позднее 4 февраля 2022 г.
  • Все трехмерные скульптуры должны весить менее 50 фунтов.
  • Все 2D-графики не должны превышать 72 дюйма в самом длинном измерении.
  • Работа может быть отправлена ​​в Колледж Дель Мар любым видом транспорта, включая ручную доставку.
  • Для доставки вручную, пожалуйста, позвоните, чтобы договориться о дате с Art Office по телефону 361-698-1216.
  • Все принятые работы должны иметь удостоверение личности.

Возврат

  • Художник обязан предоставить предоплаченную этикетку для обратной доставки, адресованную ему галереей.

  • Работа, доставленная своими руками, должна быть забрана до 27 мая 2022 года. Можно договориться о других датах получения.

ОТВЕТСТВЕННОСТЬ


  • Художники несут ответственность за сохранность своих работ во время транспортировки в галерею и из галереи, а также на протяжении всей выставки.
  • Все принятые работы будут обработаны с профессиональной заботой; тем не менее, Del Mar College не несет ответственности за любую потерю или повреждение произведений искусства во время транспортировки в галерею и из галереи, а также во время нахождения в помещении.
  • Поврежденные ящики останутся закрытыми до уведомления художника.
  • Работа, невостребованная отправителем по обратному адресу на ящике, не является обязанностью колледжа Дель Мар.
СОГЛАШЕНИЕ И АВТОРСКИЕ ПРАВА

Принятие участия в 56-й ежегодной Национальной выставке рисунков и малых скульптур означает согласие художника со всеми условиями, изложенными в этом «Приглашении к участию». Разрешается фотографировать и воспроизводить художественные работы для каталога, других печатных или электронных средств массовой информации; будущие шоу-акции; образование; и публичность.

НАГРАДЫ

  • Награда за покупку скульптуры: 2 по 3000 долларов каждая
  • Награда за покупку 2-D: 1 по 1500 долларов США

ВОЗВРАТ ИСКУССТВА

Принятые работы будут возвращены до 27 мая 2022 года.

Показать расписание

  • 30 ноября 2021 г. — Крайний срок подачи заявок
  • 4 января 2022 г. — уведомление по электронной почте
  • 4 февраля 2022 г. Крайний срок подачи принятой работы в колледж Дель Мар
  • 17 февраля 2022 г. — Слайд-лекция члена жюри
  • 18 февраля 2021 г. — Открытие приема, 6 — 8 ч. м.
  • 6 мая 2022 г. — Выставка закрывается
  • 27 мая 2022 г. — Возврат произведения искусства

Для получения дополнительной информации звоните по телефону 361-698-1216 или пишите на [email protected]mar.edu

ДОПУСТИМЫЕ ЗАПИСИ

Выставка открыта для всех* американских художников. Участвовать могут только работы, созданные за последние три года. Работы, ранее выставленные на ежегодной выставке, не допускаются. Каждый художник может представить три работы. Все принятые работы могут быть рассмотрены для покупки.

 * За исключением штатных преподавателей Del Mar Art.

Последнее обновление страницы: 8 сентября 2021 г.

Создайте мягкую скульптуру, вдохновленную звуковыми костюмами Ника Кейва

1. Спланируйте дизайн и выкройку.

Сделайте набросок того, как должна выглядеть ваша скульптура, а затем нарисуйте шаблон для своего дизайна. Чтобы создать выкройку, нарисуйте и вырежьте каждую часть вашей скульптуры на бумаге или картоне любого типа. Затем обведите вырезанные части выкройки на ткани, чтобы помочь вам в раскрое ткани.Имейте в виду, что это скульптура, а не предмет одежды, поэтому кусочки ткани не обязательно должны быть идеально симметричными. Вы даже можете попытаться нарисовать от руки кусочки выкройки на ткани.

Эта простая выкройка Soundsuit из 4 частей включает переднюю сторону, соответствующую заднюю сторону и две одинаковые штанины. Сделайте части ног в два раза толще и на несколько дюймов длиннее, чем хотелось бы. Каждая ножка будет сложена пополам и сшита вместе, чтобы создать форму цилиндра при заполнении. Лишняя длина в верхней части каждой ноги будет пришита внутрь туловища.

Совет: Ограничьте шаблон простыми формами. Детали будут потеряны при сшивании деталей. Кроме того, сделайте свой шаблон на дюйм больше, чем вы хотите, чтобы ваша скульптура, потому что вы потеряете часть размера.

2. Вырежьте детали выкройки из ткани и скрепите их булавками там, где вы будете шить.

Отметьте линию вдоль края, чтобы указать, где шить.

3. Сметочным стежком сшейте сколотые детали на расстоянии около ¼ дюйма от края.

Сметочный стежок – это когда игла и нить проходят друг над другом. Держите стежки тугими, чтобы укрепить связь между двумя деталями, и осторожно удаляйте булавки по ходу дела. Оставьте нижний край туловища и верхнюю часть каждой ноги открытыми для заполнения.

4. Выверните сшитые детали наизнанку, чтобы скрыть необработанные края ткани и создать более аккуратный вид.

Пропустите этот шаг, если хотите видеть края.

5. Набить ножки начинкой.

Используйте шпажку, палочку для еды или посуду с длинной ручкой, чтобы набить начинку и добраться до небольших участков, таких как пальцы ног. После того, как ноги будут заполнены, наполните тело наполовину начинкой, а затем поместите ноги внутрь тела, прежде чем вы закончите наполнять тело. Обязательно оставьте достаточно места, чтобы нижний край туловища можно было сшить, а ноги внутри.

6. Закрепите нижний край булавками и сметочным стежком зашейте туловище.

На этом конструкция мягкой скульптуры завершена.

7. Чтобы закончить скульптуру, добавьте украшения и дизайн поверхности.

Это ваша возможность персонализировать свою скульптуру. Используйте маркеры, краски, найденные предметы и волокнистые материалы, чтобы улучшить внешний вид вашего Soundsuit .

Начните с маркеров и красок, если хотите добавить цвет и рисунок на ткань. Когда все высохнет, добавьте трехмерные украшения, используя различные техники вышивки и клей.

Идеи оформления поверхности:

• Протяжка из толстой пряжи.Коучинг — это тип вышивки, при котором нить кладется на поверхность, а затем прошивается небольшими стежками, чтобы удерживать ее на месте. Более толстая пряжа ускоряет процесс и придает скульптуре ощущение плюша.
• Проденьте длинные куски бечевки через скульптуру, а затем привяжите к концу бусины. Когда бусины ударяются друг о друга, издается громкий щелкающий звук.
• Приклейте пайетки или любые другие мелкие предметы к поверхности.


Вызов: Создайте свою собственную выкройку для шитья.Подумайте, как добавить скульптуре больше деталей и размеров.

Упрощение: Наполните носок наполнителем и зашейте. Добавьте украшения снаружи.


Узнать больше:

Есть на что посмотреть и узнать о Нике Кейве и его сотнях звуковых костюмов . Ознакомьтесь с приведенными ниже ресурсами, чтобы узнать больше о Нике Кейве и его работе:

https://publicdelivery.org/nick-cave-soundsuits/

https://art21.орг/исполнитель/ник-кейв/

Поделитесь фотографией своего творения и отметьте нас @themintmuseum в Instagram, Facebook и Twitter.

 

Эту идею предложила Зои Уайтсайд

Рисунок: Пол Неагу: Осязаемая скульптура

Выставка «Пол Неагу: осязаемая скульптура», которая проходит в Центре Генри Мура, включает в себя прекрасную презентацию его рисунков. Он прекрасный пример скульптора, который думает через рисунок.Другим примером является Карл Плакман. Оба художника нарисовали подробные изображения возможностей, прежде чем создавать объекты. Неагу — полезный художник, на которого стоит обратить внимание, если вы думаете о том, как разделить человеческую форму. Он нарезает его на кусочки, делает вид, что он состоит из маленьких коробочек, и строит то, что можно назвать архитектурой тела. Части тела кажутся выдавленными или сделанными из строительных лесов. Он также рисует интерьеры, объекты, мало чем отличающиеся от каких-то старых научных инструментов, и основные формы, такие как звезды и кубы.Он явно ищет формы, которые подходят и развиваются в новые скульптурные формулировки. Однако рисунки сами по себе являются самостоятельными произведениями искусства, и их действительно стоит увидеть. Если вы пойдете, не забудьте пройтись по мосту, который соединяет центр Генри Мура с художественной галереей, потому что выставка продолжается там.


Этот рисунок выше сделан из множества маленьких листов, склеенных вместе. Посмотрите на него внимательно, чтобы увидеть, как использование кальки может повысить качество составного изображения.Отслеживание секций, изменение их положения и аннотирование, а также наложение их поверх других секций чертежа придает изображению ощущение научной или инженерной достоверности.




Разделенные рисунки вместе с их аннотациями предполагают работу какого-то пропавшего архитектора 16-го века. Интересно сравнить рисунки Нягу с рисунками Эрхарда Шёна. Шен был художником 16 века, работавшим так же, как Дюрер, оба художника были очарованы возможностями разделения человеческого тела на основные единицы.

Эрхард Шён


Художница Эйвери Сингер продолжила эту традицию своими огромными монохромными картинами идеализированных скульптур и памятников. Рисунки Шен, как и ранние компьютерные 3D-визуализации, оказали очевидное прямое влияние на ее творчество. Певица использует Google SketchUp для визуализации своих картин. Это действительно инструмент для архитектурной визуализации, и поэтому он помогает продолжить тело как архитектурную метафору.





Эйвери Сингер

Конечно, многие книги по рисованию до сих пор рекомендуют новичкам упростить рисунок, сделав его из базовых кубических форм.Изображения ниже взяты из современного руководства по рисованию.


Столкновение мягкого биоморфного тела с жесткими архитектурными формами имеет массу возможностей.

Тщательный подбор формы и ракурса позволяет создать довольно выразительную форму, как, например, эта стоящая фигура, представляющая собой 3D-визуализацию компьютерного рисунка.


Геометрическое упрощение формы также можно увидеть во многих других визуализациях человеческого тела. Создание героев комиксов, таких как Железный человек или Существо, возможно, было связано с тем, что художники комиксов начинали свои наброски, используя основные геометрические формы для визуализировать тело.



Было бы интересно исследовать пересечение возможностей, генерируемых компьютерными программами для рисования, и того, что можно сделать с помощью нарисованных от руки меток и слоев бумаги, например, используемых Неагу. Мы вступаем в период, когда гибриды человека и машины будут становиться все более и более очевидными, художники, такие как Стеларк, уже начали исследовать возможности, я уверен, что мы найдем эту область возможностей человека и машины как арену для рисования идей. это будет продолжать быть очень плодородным.


Стеларк


См. также сообщение Cross Contour.

Учитесь у скульпторов, как передавать свет и тень

Прежде чем смотреть видео, посмотрите на шаги ниже, чтобы получить представление о процессе рисования.

После просмотра руководства распечатайте рабочие листы

.

и использовать их в качестве ориентира.

Для получения дополнительных уроков по растушевке лица перейдите по ссылкам ниже:

Затенение лица повернутой на 3/4 головы шаг за шагом

Этап 1
Этап 2
Этап 3
Шаг 4
Этап 5
Шаг 6
Работа с контуром удалены.
Даже с минимальным количеством теней рисунок по-прежнему выглядит скульптурно
Рабочий лист 1
Готовое изображение
Используйте ластик, чтобы создать блики

Рабочий лист 2
Процесс рисования от начала до конца

 НАУЧИТЬСЯ ПРЕВРАТИТЬ КОНТУРНЫЙ ЧЕРТЕЖ В ЦЕННОСТЬ ИССЛЕДОВАНИЯ — ЭТО ТОЛЬКО НАЧАЛО

В видео ниже я демонстрирую рисование картины со скульптурными, трехмерными качествами.

Я был , а не , глядя на Давида Микеланджело во время затенения. Вместо этого я начал с копии моего линейного рисунка Дэвида и начал добавлять блики, средние тона и тени. Я думал и об освещении, и о форме, но не обращался к исходной фотографии. Вместо копирования я применил концепции из учебника, чтобы создать собственное оригинальное изображение.


Мои ученики находят полезным наблюдать за тем, как этот процесс воспроизводится в непрерывном цикле в классе, когда они рисуют, чтобы они могли обращаться к нему в любое время, когда застряли.Им также полезно видеть, как часто я делаю ошибки, исправляю их и продолжаю работать. Я хочу развеять миф о том, что у художников все получается идеально с первого раза. Большая часть творческого процесса — это пробы и ошибки.



Возьмите с собой альбом для рисования, когда пойдете куда-нибудь, и набросайте быстрые контурные рисунки людей, которых вы видите.

Не беспокойтесь, если некоторые изображения получатся искаженными.

После этого попробуйте преобразовать несколько собственных контурных рисунков, добавив тени, средние тона и блики.Если вам неудобно экспериментировать со своей оригинальной работой, попробуйте отсканировать, отследить или сделать ксерокс ваших эскизов и поэкспериментировать с копиями. Представьте каждый рисунок как скульптуру, освещенную одним источником света.

Я представил, что солнце было чуть выше, впереди и слева от скульптуры.

Если вы затеняете несколько лиц на одной странице, выберите для всех один и тот же воображаемый источник света.

Когда вы закончите рисовать Дэвида, попрактикуйтесь в рисовании и штриховке других известных скульптур, используя фотографии ниже.Делайте фотографии скульптур всякий раз, когда вы их видите, и используйте их в качестве моделей, чтобы усовершенствовать свою технику рисования. Посетите музей со своим альбомом для рисования, чтобы вы могли рисовать и растушевывать мраморные скульптуры, которые видите.

Голова Аполлона Джан Лоренцо Бернини
Медуза Джан Лоренцо Бернини
Папа Григорий XV Джан Лоренцо Бернини
бюст Сципионе Боргезе работы Джан Лоренцо Бернини
бюст Сципионе Боргезе работы Джан Лоренцо Бернини
Давид Джан Лоренцо Бернини
портрет Костанцы Бонарелли работы Джан Лоренцо Бернини
.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.