Рисунки для профессионалов поэтапно: 10 уроков рисования простым карандашом

Содержание

Как Научиться Рисовать на Ногтях? 15 Пошаговых Инструкций + Советы Профессиональных Мастеров Маникюра

Дизайн ногтей превращает маникюр в произведение искусства, при этом научиться нейл-арту не так сложно. Мы раскроем для вас все секреты дизайна на ногтях, опираясь на опыт практикующих мастеров маникюра.

В статье расскажем:

  1. Чем рисуют на ногтях — какие инструменты пригодятся для рисования?
  2. Каким материалом можно рисовать на ногтях?
  3. Как рисовать лаком на ногтях?
  4. Чем отличается гель-лак от шеллака?
  5. Как рисовать гель-лаком на ногтях?
  6. Как рисовать гель-краской на ногтях?
  7. Как рисовать акварельными красками на ногтях?
  8. Как рисовать акриловыми красками на ногтях?
  9. Что можно нарисовать на ногтях?
  10. Как рисовать рисунки на ногтях?
  11. Как рисовать вензеля на ногтях?
  12. Как рисовать цветы на ногтях?
  13. Как рисовать френч на ногтях?
  14. Как рисовать узоры на ногтях?
  15. Как выбрать курсы маникюра?

Вы можете записаться на курсы обучения маникюру в Санкт-Петербурге,  Нижнем Новгороде или Москве и научиться у профессионалов делать потрясающий дизайн ногтей!

Чем рисуют на ногтях — какие инструменты нужны, чтобы рисовать?

Чтобы подобрать необходимые материалы и инструменты для рисования на ногтях, отталкивайтесь от выбранной техники росписи ногтя.

1. Кисти — различаются по качеству ворса, форме и жесткости. Для материалов густой консистенции, например, гель-краски, кисти нужны жесткие, и наоборот.

Толщина линии зависит от толщины и формы ворса кисти. При выборе ориентируйтесь на номер. Кисть № 00 — самая тонкая, с увеличением номера увеличивается толщина пучка ворса.

Круглые, заостренные кисти с тонким ворсом — используются для художественной росписи. Ей прорисовываются детали рисунка и контуры. Чтобы кисть удобно лежала в руке, выбирайте толстую ручку.

Лайнер или волосок — кисть с длинным тонким ворсом. Ей вырисовывают длинные и тонкие линии, геометрические рисунки.

Веерная кисть — для создания градиентного маникюра и равномерного нанесения блесток.

Плоская кисть — предназначена для ровного нанесения краски. Ее применяют для китайской росписи.

2. Дотс — это инструмент с шариками на одном или двух кончиках. Им ставят точки: чем меньше шарик, тем меньше точка получается. Для сложных рисунков используется несколько инструментов с различной величиной шарика.

Дотсом под силу рисовать даже новичку без опыта создания рисунков на ногтях. Им создают абстрактные дизайны и рисунки, состоящие из точек и запятых.


3. Иголка позволяет создавать рисунки по мокрому лаку или гель-лаку. С ее помощью легко сделать разводы, комбинируя несколько цветов материала. Иглой удобно рисовать тонкие линии и мелкие детали.

Приобрести инструмент можно в специальных магазинах или сделать самостоятельно. Для этого тонкая швейная игла вставляется в стержень карандаша. Чтобы она плавно вошла в грифель, нужно нагреть конец с ушком.

Какими материалами можно рисовать на ногтях?

Материалы ложатся не одинаково, поэтому выбирайте их исходя из свойств краски и желаемого результата. Ниже мы расскажем об особенностях использования каждого материала для рисования на ногтях.

Как рисовать лаком на ногтях?

Лак имеет густую текстуру и быстро высыхает на воздухе. Поэтому рисовать кистью по нему сложно. Он подходит для элементарных рисунков, выполненных по мокрому слою иглой или дотсом.

Минус такого маникюра в недолгой носке. Редкий лак держится на ногтях неделю. Он подойдет любительницам менять образ.

Простая техника нанесения подойдет девушкам без опыта в дизайне ногтей.

Мы подготовили для вас простую инструкцию по дизайну ногтей лаком:
  1.  На обработанные ногти нанесите фоновый цвет лака.
  2. На еще влажное покрытие поставьте точки контрастного цвета кисточкой или дотсом и аккуратно растягивайте. Так можно делать лепесточки или художественные разводы.

При выборе лака для нейл-дизайна обращайте внимание на пигмент. Он не должен быть прозрачным, иначе рисунок будет тусклым, почти невидимым.

Чем отличается гель-лак от шеллака?

Многие считают гель-лак и шеллак разными материалами. Это заблуждение.

Shelac производится компанией CND. Они первые создали гибрид геля и лака. В результате их название стало именем нарицательным.

Все гель-лаки похожи по нескольким параметрам:

  1. Состав;
  2. Техника нанесения;
  3. Длительность носки и стойкость покрытия.

Как рисовать гель-лаком на ногтях?

Гель-лаком рисуют в технике «по-мокрому», ее еще называют «сырым по-сырому».

Такой дизайн сделать очень просто:
  1. Нанесите на ноготь один слой фонового цвета и высушите в лампе.
  2. Второй слой сушить не надо. На него нанесите капли контрастных цветов, и тонкой кисточкой или дотсом сделайте разводы.


Гель-лак не подходит для сложных узоров. Им невозможно нарисовать тонкие линии, потому что он растекается. Крупные элементы рисовать легче. Например, френч или обратный френч.

Если вы решили нанести сложный узор гель-лаком, то наносите краску тонкими слоями, а затем каждый сушите в лампе. Так больше вероятность, что изображение не поплывет.

При выборе гель-лака для рисунков обращайте внимание на пигментацию материала.

Прозрачные цвета не подходят для дизайна. Их можно использовать в качестве фона. Для рисунка нужны насыщенные и плотные цвета, иначе узор будет плохо видно.

Как рисовать гель-краской на ногтях?

Гель-краски обладают высокой плотностью и пигментацией. Ими легко рисовать различные элементы дизайна, в том числе тонкие линии и выпуклые детали. Она не растечется. Обычно хватает одного слоя, чтобы изображение было ярким.

Пошаговая инструкция, как рисовать гель-краской на ногтях:
  1. Нанесите гель-краску на готовый маникюр, покрытый топом.
  2. Начинайте рисовать с центрального элемента.
  3. Конечный результат просушите в лампе.
  4. По желанию перекройте топовым покрытием.

Выбирайте гель-краски проверенных производителей. Дешевые варианты часто оказываются подделками. Они плохо наносятся и обладают низким качеством.

Экспериментируйте с гель-красками разных производителей. Только опытным путем вы сможете подобрать оптимальный вариант для себя. Учитывайте, что цвет краски должен быть насыщенным. Консистенция должна быть не жидкой, чтобы не растекалась во время сушки в лампе.

Как рисовать акварельными красками на ногтях?

Дизайн акварелью выполняется просто, а выглядит очень эффектно.

Для работы подойдет любая акварель. Выбирайте свежие краски. У них должна быть однородная консистенция без вкраплений.

Акварель прозрачная, поэтому ей лучше всего рисовать на белом фоне.

Акварелью рисовать не так легко, поэтому мы подготовили для вас пошаговую инструкцию:
  1. Гель-лак в качестве базы должен быть высушен.
  2. Чтобы нарисовать акварельными красками на ногтях, поверхность ногтя обработайте бафиком до матовости. Тогда краска будет меньше растекаться.
  3. Если вы наносите изображение в несколько слоев, то предыдущий должен высохнуть.
  4. Готовый дизайн перекройте топовым покрытием в 2 слоя. Топ обеспечит хорошую стойкость маникюру примерно на 2 недели.

Прежде чем наносить краску, прорисуйте контур будущего рисунка простым карандашом или акриловой краской.

Разница между этими подходами в том, что карандаша по окончании работы видно не будет, а акриловый контур будет заметен. Линии шаблона, нарисованного акрилом, будут выступать в роли бортиков для акварели и не позволят ей растечься по всей ногтевой пластине.

Как рисовать акриловыми красками на ногтях?

Акриловые краски быстро сохнут на воздухе, поэтому их лучше разбавлять водой или специальной жидкостью. Ими легко рисовать четкие линии и ажурные элементы, прорисовывать контуры.

Акрил — материал тяжелый для нанесения. Выбирайте для него кисточки с искусственным ворсом. Толщина пучка зависит от выбранного узора: чем тоньше узор, тем меньше диаметр пучка, и наоборот.

Пошаговая инструкция, как создать акрилом дизайн на ногтях:
  1. Нанесите материал на предварительно высушенный лак или гель-лак.
  2. Прорисуйте акрилом отдельные элементы рисунка, выполненного другим материалом, или полностью создайте композицию.
  3. Готовый рисунок перекройте топовым покрытием в 2 слоя, чтобы хорошо запечатать ноготь. Прежде чем «запечатать» готовый дизайн, убедитесь, что акрил полностью высох.

Будьте внимательны, для росписи ногтей не подходят масляные акриловые краски. Они содержат олифу, которая замедляет процесс полимеризации.

Что можно нарисовать на ногтях?

Рисунки на ногтях могут быть любыми. Здесь вы можете дать полный полет своей фантазии.

Украсить свой маникюр можно:
· Геометрическими фигурами;
· Цветами;
· Силуэтами птиц и животных;
· Абстракцией.

Как рисовать рисунки на ногтях?

Без опыта сложно сразу нарисовать рисунок. Делайте шаблоны и наброски простым карандашом. После этого заполняйте его краской. Вы можете приобрести трафареты для нейл-арта. Они облегчат труд начинающего мастера маникюра.

Перед тем как начать рисовать, ногти нужно подготовить:
  1. Снять старое покрытие;
  2. Обработать ногти;
  3. Нанести фоновый цвет лака или шеллака.

Как рисовать вензеля на ногтях?

Вензеля — это завитушки. Ими можно украсить любой маникюр: и повседневный, и праздничный.


Пошаговая инструкция, как сделать вензеля на ногтях:
  1. Обработайте бафом глянцевую поверхность ногтя, чтобы краска не растекалась.
  2. Наберите краску скручивающими движениями на кисть. Она должна быть упругой и тонкой, № 0 или 00. Если материал собирается не на самом кончике пучка, то нужно повторно обмакнуть его в краску.
  3. Поставьте точку и протяните краску, потихоньку приподнимайте ворс. Это основной элемент вензеля.
  4. Чтобы сделать завиток, поставьте точку на ногте, нажмите на кисть, протяните краску, немного поворачивая ворс, потом приподнимите кисть и доведите хвостик вензеля до совсем тонкой линии. Отрывать кисть во время прорисовки вензеля нельзя.
  5. Если образовывается непрокрашенная область, то движение повторяется поверху нанесенного слоя с самого начала, однако краску повторно на кисть набирать не надо.
  6. Готовый дизайн просушите и перекройте топом.

Мы нашли для вас вдохновляющее видео и уверены, что вы тоже научитесь рисовать:

Как рисовать цветы на ногтях?

Рисовать цветы можно разными техниками. Проще всего создать шаблон лепестков гель-краской или акрилом и заполнить его цветом.

Также можете использовать технику «по мокрому покрытию», то есть поставить точки и соединить их в виде лепестков.

Давайте рассмотрим подробно технику китайской росписи. Ее часто используют мастера при создании цветочного дизайна на ногтях. Цветы в такой технике получаются объемными и живыми.

Пошаговая инструкция, как нарисовать цветы на ногтях в китайской технике:
  1. Нанесите краску на палитру.
  2. На одну сторону ворса наберите один цвет, на вторую другой.
  3. Кисть поставьте на ребро на ноготь и протяните мазок в сторону от центра будущего цветка. В конце немного приподнимите кисть и поставьте на ребро. Должен получиться мазок двух цветов.
  4. Сделайте аналогично все остальные лепестки цветка.
  5. Середину цветка оформите другим цветом или стразами.
  6. По бокам получившегося цветочка нарисуйте листья и лепестки. Прорисовка линий не требуется.
  7. Просушите в лампе ноготок с дизайном.
  8. Покройте финишным покрытием всю поверхность ноготков и высушите.

Посмотрите обучающее видео, чтобы закрепить новый навык:

Как рисовать френч на ногтях?

Французский маникюр рисовать несложно, если следовать правилам.

Пошаговая инструкция, как нарисовать френч на ногтях:
  1. Покройте ноготь фоновым цветом и высушите.
  2. Пройдитесь мягким бафиком по ногтю и обезжирьте поверхность ногтевой пластины, чтобы материал не растекался.
  3. Чуть ниже линии улыбки поставьте симметричные точки гель-краской при помощи тонкой кисти.
  4. От поставленных точек проведите прямые линии к свободному краю. Соединять их не надо.
  5. Разделите мысленно квадратный ноготь на 2 части, каждую из частей также поделите на 2. На свободном крае поставьте точки. Это будет окончание линии. Овальные или миндалевидные ноготки мысленно достройте до квадрата и разделите исходя из этой формы.
  6. На тонкую кисть наберите краску, которой рисуете френч. Параллельно свободному краю проведите линию, задавая толщину френчу.
  7. Скруглите внутренние углы линий тонкой кистью.
  8. Френч готов, остался последний шаг: высушите покрытие и нанесите топ.

Существует несколько способов нарисовать френч. Некоторые из них вы можете посмотреть в видеоинструкции:

Как рисовать узоры на ногтях?

Даже самые сложные узоры формируются из различных простых базовых элементов. Можно нарисовать геометрические фигуры, вензеля, линии, точки, запятые. Элементы наносятся сначала отдельно, а затем комбинируются между собой.

Посмотрите видео, в котором подробно показаны узоры тонкими линиями:

Как выбрать курсы маникюра?

Для того, чтобы быстрее освоить техники рисования на ногтях, стоит обратиться к профессионалам или сходить на курсы. В процессе обучения преподаватели помогут поставить руку и избежать ошибок.

Выбирая курсы следуйте простым правилам:

  1. Прочитайте отзывы о школе. С ними можно ознакомиться на официальном сайте и в социальных сетях. Напишите сообщения авторам отзывов, расспросите их об обучении.
  2. Посмотрите работы учеников. В интернет выкладываются лучшие работы. Если вам не нравятся эти работы, значит, те, что не выложили, еще хуже.
  3. Запишитесь в школу моделью, чтобы оценить обстановку изнутри. Обращайте внимание на качество материалов, с которыми работают ученики, стерильность инструментов и подачу информации преподавателями.
  4. Выбирайте курс, где преобладает практика над теорией.
  5. Уточняйте, есть ли экзамен в конце обучения и выдается ли сертификат. Важно что в нем написано: прослушан курс или сдан экзамен.
  6. Стоимость курсов выбирайте по возможности, но помните: хорошие курсы редко стоят дешево. За дорогим обучением гнаться не нужно, если не позволяют финансы.
  7. Обязательно заключайте договор со школой, перед подписанием внимательно его читайте. Обращайте внимание на правильность написания вашего имени, названия курса и даты начала занятий.

После окончания вы будете сертифицированным мастером. Клиенты больше доверяют при наличии сертификата и легче прощают специалистам небольшие ошибки.

Научиться рисовать на ногтях самостоятельно не так сложно, как кажется. Можно отрабатывать каждый элемент на бумаге, потом на типсах и только потом наносить на ноготь. Процесс отработки может занять много времени. Наградой за терпение и труд будет красивый маникюр с дизайном.

Вам также может быть интересно:

  1. 10 Лучших Курсов Обучения Маникюру в Санкт-Петербурге;
  2. 10 Лучших Курсов Обучения Маникюру в Москве;
  3. 10 Лучших Курсов Обучения Маникюру в Нижнем Новгороде;
  4. Как Укрепить Ногти в Домашних Условиях? 4 Простые Инструкции, Которые Сделают Ваши Руки Красивыми и Ухоженными;
  5. Как Сделать Педикюр в Домашних Условиях? 2 Пошаговых Урока и Полезные Советы Для Начинающих;

Как научиться рисовать аниме с нуля карандашом поэтапно

Сегодня среди разных поколений популярна азиатская культура. Многие любят корейскую музыку и косметику, смотрят мультики и читают мангу, всё чаще местом путешествий выбирают Китай, Корею или Японию. Популярным становится аниме, многие рассматривают стиль аниме одним из основных в развитии своего творчества. Чем же отличается стиль аниме от других направлений рисунка? Попробуем ответить на этот вопрос.

 

Как научиться рисовать аниме с нуля карандашом поэтапно?

Один из главных советов — научится академическим дисциплинам. Ведь любой рисунок не может появится, если Вы не владеете карандашом, материалами, не знаете основных этапов рисунка.

Рисунок аниме карандашом технически никак не отличается от любого другого рисунка. Вы должны верно подобрать качественный материал, хорошую, плотную бумагу, иметь при себе ластик и клячку. Начинать от простых общих форм, после чего уже добавлять детали.  

Чтобы правильно нарисовать человека (а это основные персонажи аниме), следует знать анатомию человека, чтобы правильно передать фигуру или движение. Но всё же изображение аниме карандашом имеет свои особенности. Разберем их более детально.

 

Рисуем лицо

Лицо в стиле аниме менее пропорциональное. Подбородок всегда более заостренный, низкий лоб, маленький нос и губы — важные отличительные черты. Глаза посажены далеко друг от друга и традиционно крупнее рта, скулы широкие. Чтобы нарисовать лицо мы можем использовать простые формы — шар и овал, при рисунке аниме карандашом утрируем черты лица.

 

Глаза

Глаза занимают большую часть лица и являются его композиционным центром. Поэтому прорисовке глаз следует уделять большое внимание. К тому же именно с помощью глаз передаются эмоции персонажа. Глаза всегда круглы, в отличии от традиционной миндалевидной формы. Нижнее веко не прорисовывает до конца, создавая таким образом мультяшный образ.

 

Тело

Тело рассмотрим на примере женской фигуры. Утрированность присутствует и здесь — широкие бедра и узкая талия, утрированно длинные ноги в отношении туловища. При том, что сама форма утрирована, движения должны соответствовать классической анатомии человека.

 

Одежда

Одежда может быть самой разнообразной — от повседневной формы школьниц, до традиционных костюмов или сказочных одеяний. Главное, чтобы одежда была интересной, её хотелось рассматривать и изучать, она должна  передавать характер персонажа, и хорошо сидеть на фигуре. 

Как научиться рисовать аниме карандашом? Много, очень много практиковаться! Это правило — главный залог успеха в любом творчестве. 

А чтобы Вас не покидало вдохновение на нелегком пути обучения, мы поделимся с Вами примерами работ профессионалов, которые выполнены маркерами.

Как нарисовать аниме: 100 идей срисовки для начинающих ✍

В данной статье вы найдете добрую сотню идей, как нарисовать аниме – один из самых популярных видов рисунков на данный момент. Открытки, комиксы, мультфильмы – картинки в стиле аниме мелькают везде. Поэтому рано или поздно многие хотят научиться рисовать персонажей японских мультиков или комикс-культуры. Рисунки в стиле аниме имеют ряд особенностей – огромные, не пропорциональные размеру лица глаза, плавные линии, удлиненные тела. Красивое аниме рисовать, конечно, не просто, возможно, даже придется взять урок и не один. Но это для тех, кто хочет стать профессионалом. А для любителей самое простое – это выбрать картинки аниме для срисовки, которые предоставлены в этой статье.

Содержание материала

Легкие рисунки

Для начинающих аниме картинки для срисовки нужно выбирать черно-белые, нарисованные простым карандашом, без излишних деталей и утяжеляющих подробностей. Легкие аниме картинки для срисовки вы можете посмотреть ниже и выбрать те, что больше всего понравились. Посредством срисовки таких элементарных рисунков вы набьете себе руку, сможете научиться рисованию отдельных частей тела и лиц анимешных героев.

Рисунки карандашом

Аниме рисунки карандашом – самые популярные. Рисовка всегда происходит поэтапно – сначала рисуют легкими движениями общие детали, затем прорисовывают контуры, а уже после штрихами создают игру теней и света. Чтобы сделать удачные рисунки карандашом, аниме позволяет срисовать уже существующие картинки. Вам просто нужно ниже найти такие рисунки аниме карандашом, шаблоны которых вам понравятся.
 

Популярные рисунки

Самые популярные картинки аниме, конечно же, цветные. Аниме рисунок начинается с темных контуров, которые нужно нарисовать обычным простым карандашом. Цвета и переливы темного-светлого добавляются уже потом. Но это не значит, что черно-белые рисунки менее популярны – ведь даже штрихами обычного простого карандаша можно передать очень многое. Попробуйте мысленно разделить аниме рисунки для срисовки на отдельные части, и тогда вы поймете, как нарисовать аниме поэтапно, чтобы вышло не хуже, чем у профессионалов! Также ниже, среди разных самых популярных рисунков, вы можете подсмотреть, как рисовать аниме тело, лицо, глаза. 

Аниме бьет рекорды

Теперь вы знаете, как научиться рисовать аниме. Рисунки аниме для срисовки в данной статье подобраны на любой вкус – простые и сложные; черно-белые и яркие цветные; портреты и сюжетные линии. Стиль аниме пришелся по душе многим, поэтому мы постарались найти самые красивые и популярные рисунки аниме для начинающих и выложить в этой статье.

 

Загрузка...

Уроки рисования для начинающих: бесплатные видео для домашнего обучения

Уроки рисования для начинающих: бесплатные видео для домашнего обучения

Арт-терапия помогает избавиться от стресса, восстановить внутреннюю гармонию, интересно провести время и развить новые таланты. Для обучения рисованию не обязательно посещать изостудию. Достаточно уделять немного времени просмотру бесплатных видео уроков на Youtube и тренироваться в свободное время. 

 


Материалов для рисования великое множество: карандаши, пастель, акварель, гуашь, акриловые и масляные краски. Необходимо испробовать их все и понять, какой способ ближе. Начинать лучше с самых простых техник. ВСЕ КУРСЫ ОНЛАЙН подобрали лучшие видео уроки рисования для начинающих художников.

   

Тренируем руку для рисования

 

Разминка – важная часть любого занятия, будь то пение, спорт или игра на музыкальных инструментах. Перед рисованием необходимо избавиться от зажатости, привыкнуть правильно держать карандаш и руку, избегать затирания рисунка. Упражнения можно выполнять не только перед рисованием, но и в любое другое время, при разговоре по телефону или смотря телевизор. Когда рука чаще выполняет нужные действия – быстрее проходит обучение. 

 

 

Рисунок карандашом для начинающих

 

Специальные упражнения помогают набить руку и уверенно рисовать качественные рисунки. Выполняя штриховку, рука привыкает двигаться легко и правильно, регулировать степень нажима и интенсивность цвета.  Освоения шести основных видов штриховок: вертикальной, горизонтальной, сетчатой, точечной, разнонаправленной и пружинной – достаточно для выполнения профессиональных рисунков. С помощью некоторых штриховок можно передать не только интенсивность цвета, но и разные фактуры: мех и шерсть, камень и скорлупу яйца. Упражнения выполняются от простого к сложному.  

Как научиться рисовать карандашом поэтапно  

Один из наиболее сложных видов рисования –  портрет с натуры. Срисовать человека с первого раза новичку вряд ли удастся, но многочисленные попытки дадут ощутимый результат для развития навыков рисования. Художник и преподаватель изобразительного искусства Олеся Бершадская советует делать зарисовки как можно чаще, в общественном транспорте или кафе. В видео уроке она показывает, как правильно и поэтапно делать наброски, от прозрачных линий и теней к четкой прорисовке. Набросок выполняется без использования ластика.  

 

 

10 акварельных техник и приемов

Когда в рисунке использовано разнообразие техник, он смотрится интереснее и живее. Добиться разных эффектов можно рисованием сухой, полусухой и мокрой кистью по сухой или мокрой бумаге. Можно создать равномерное покрытие бумаги цветом, градиенты – усиление тона от темного к светлому или плавные переходы между разными оттенками. Или затемнять и высветлять части рисунка, рисовать линии с разным нажимом и наклоном кисти, реалистично изображая кору деревьев, ветки, траву, небо и рябь на воде. Техники просты в изучении, а рисунки могут получиться достойными рамки и почетного места на стене интерьера.  

 

Как нарисовать закат пастелью (картина за 10 минут) 

Попробуйте рисовать пастельными мелками. Для работы понадобятся собственно мелки и пальцы. Секрет реалистичности рисунка кроется в многослойности и грамотной растушевке пальцами. По началу работа кажется по-детски простой и непрофессиональной, но к концу урока приобретает великолепный вид.   

Китайская живопись

Искусство Востока привлекает внимание необычностью. Китайская живопись тесно связана с поэзией и каллиграфией, отсюда ее сказочность, загадочность и графичность. Она не использует сложных цветовых схем, и можно смотреть и выполнять урок с маленькими детьми. Вооружитесь ватманом побольше, кистями разной толщины, губкой, водой, красками и повторяйте поэтичный пейзаж за преподавателем. Постигнув технику, приступайте к написанию авторских картин. Заниматься китайской живописью лучше под вдохновляющую медитативную музыку.  

 

 

Рисуем дерево за 20 минут. Простая и необычная техника

Техника рисования гуашью сложнее карандашной и акварельной: рисовать приходится без наброска, нет возможности скорректировать рисунок с помощью ластика или мокрой губки. Приступать к уроку стоит немного набив руку. В начале ролика подробно описаны материалы для работы. Перед нанесением краски на бумагу ее нужно смешивать и тестировать на отдельном листе или палитре, добиваясь многообразия оттенков на основе всего шести цветов. Процесс рисования проходит с использованием техник мазков, штрихов и разбрызгивания краски.  

Уроки рисования для начинающих: основы композиции за 5 минут

Композиция – фундамент для изобразительного искусства. Художника без знания основ композиции представить трудно. Можно научиться хорошо рисовать отдельные предметы, людей и животных, но какой в этом толк, если не уметь составлять из них целостную картину с сюжетом? Рекомендуем для просмотра короткое видео о правилах построения композиции рисунка. С помощью перечисленных в ролике приемов можно сконцентрировать внимание зрителя в нужном месте рисунка, привлечь и удержать взгляд, вовлечь и создать эффект присутствия. 

 

 

Простые рисунки, которые сможет нарисовать каждый  

 

Видео для всех, кто хочет рисовать простые и быстрые рисунки карандашами, маркерами и ручками. Если хочется нарисовать открытку или раскраску для детей своими руками, не тратя на занятие много времени, то урок как нельзя кстати. Несложные рисунки подойдут для оформления блокнотов, записок, тетрадей. Воздушные шары, много вариантов цветов и растений, мультяшные коты – достаточно посмотреть один раз, и сразу научитесь.  

 

6 лучших лайфхаков для рисования 

Каждого художника со временем тянет на творческие эксперименты, и мы подобрали видео с использованием нестандартных способов рисования. С помощью спирта получится изобразить северное сияние или звездное небо. Соль поможет передать фактуру и сияние снега или камня. Эффект состаренной бумаги легко создает заваренный чайный пакетик. Необычно смотрятся надписи, сделанные с использованием трафарета и губки, восковых мелков и акварели. Неординарные методы рисования могут вдохновить на изобретение собственной уникальной техники. 

 

Как нарисовать портрет

 

Мы предложили изучить распространённые способы и техники рисования. Освоить их можно быстро, а значит, умение хорошо рисовать – не за горами. Перечисленные онлайн уроки – отличная база для развития навыков рисования. Подписавшись на тематические каналы youtube (например, Азбука рисования), можно каждый день учиться чему-то новому.

+ БОНУС

Как рисовать пони поэтапно начинающим художникам и профессионалам

Вы творческая личность, не можете жить без рисования? Или просто хотите научить своего ребенка создавать настоящие шедевры на белой бумаге? Предлагаем вам заняться рисованием пони, которое обязательно понравиться и вам, и вашему ребенку.

Изображать лошадки можно разными способами, и сейчас мы рассмотрим каждый. Здесь вы увидите, как рисовать пони поэтапно, легко сможете создать красивые образы маленьких лошадок из любимого мультика. Такие восхитительные картинки понравятся любому, сразу поднимут настроения и порадуют своей красотой и невинностью.

И так, как нарисовать пони? Приступим к обучению просто сейчас!

Поэтапное рисование: полезные советы

Все настоящие художники знают, что малейшая ошибка может испортить всю картину. Поэтому сначала запомните важные рекомендации, главные нюансы и все хитрости:

  • Для нанесения основы картины лучше использовать легко стирающиеся карандаши. Не пытайтесь сразу все сделать идеально, лучше нарисуйте сначала базовые линии целиком, а потом уберите лишнее. Нужно заранее готовиться к поправкам. В таком случае ваш рисунок всегда будет чистым, на нем не будет никаких разводов и темных мест.
  • Рисуя на доске, вам будет намного легче убирать линии и изображать другие. Такие шедевры тоже можно сберечь на долгую память с помощью фотокамеры.
  • Рисуя, никогда не торопитесь, тогда у вас будет лучше получаться что - либо изображать. Вам нужно просто расслабиться и получать удовольствие от этого процесса.
  • Обращайте внимание на точность движений. Не бойтесь брать много листов. Можете сначала просто потренироваться, пофантазировать, а уже потом приступайте к творению.

Сейчас вы увидите, как нарисовать пони поэтапно. Мы изобразим несколько маленьких лошадок, каждая из которых будет иметь свою внешность и характер.

Запомните! Не надо сразу творить фломастерами или чем - то другим, правильно будет, если сначала вы сделаете основу простым карандашом.

Для раскрашивания лошадок вы можете брать карандаши, фломастеры или краски для рисования. Делайте так, как считаете нужным. Удачи!

                                                            РисуемMyLittlePony

Популярный детский мультик сделал героев MyLittlePony – великолепных лошадок очень известными. Сейчас мы вместе изобразим эту симпатичную пони. Прислушайтесь ко всем советам, аккуратно изображайте главные линии, потом уберите все лишнее.

 

Эта малышка на вашем рисунке будет сидеть, закрыв глаза, с пушистой зачесанной гривой и весело задранным хвостом.Приступим к творчеству!

 

  • Приблизительно по центру, но чуточку ближе к левому краю бумаги сделайте большой овал. Он станет основой личикаLittlePony.

                                                                                                                                                               

  • Намечаем линии туловища.
  • Изображаем контур личика малышки. У нее аккуратный нос, повернутая к нам в профиль мордочка, немножко выглядывает заостренное ухо. 

  • Обводим личико, ухо и силуэт туловища. 

  • Начинаем изображать ноги. Передние – ровные, расположены прямо под головой принцессы.  Можете сделать обе ножки видными. Ту ногу, что впереди, будет видно полностью. Она изображается с помощью длинного овала, у которого потом нужно просто стереть верхнюю часть. Вторая нога выглядывает из – за первой. Проведите ровную линию от грудей своей лошадки, а уже внизу добавьте копыто. 

  • Рисуем задние ножки нашей красотки. LittlePony сидит к нам боком, поэтому изобразим только одну ногу, ту, что впереди.Вторую мы просто не видим. Не забывайте, что задние ноги у этой малышки согнуты, так как мы делаем ее в позе сидя.
  • Переходим к прическе принцессы. Изобразим пышную шикарную гриву. Внимательно рассмотрите изображение гривы на картинке, повторите. 

          С левой стороны грива чуть короче, с задорным завитком.

          Справа грива остается ссади по отношению к нам, но ее все равно хорошо видно. 

  • Теперь надо дорисовать линии – волоски на гриве пони, чтобы видели, что это именно прическа вашей малышки. 

  • А сейчас вертаемся к личику. Небольшой черточкой наметьте рот пони, будто бы она немножко улыбается. Один глазик мы видим весь, он закрыт. Сделайте его с помощью закругленной линии с длинноватыми ресничками. Теперь поставьте две маленькие точки - нос, и не забудьте дорисовать немного задранную вверх бровь.
  • Прорисуйте роскошный хвостик закрученным вверх. Вытрите все ненужные черточки.

  • Не бойтесь добавлять какие – либо детальки(штрихами украшать прическу, хвост) или что – то исправлять.
  • Закончили! Раскрасьте свою картину, сделайте разноцветные контуры.

Пони Радуга

Радуга Дэш – очаровательная лошадка, у которой хвостик и волосы радужного цвета. У нее есть необычная татуировка уформе радуги.

                                                                                             

Не знаете, как рисовать пониДэш? Следуйте нашему алгоритму и у вас все обязательно получиться! Приступим!

  • Все профессионалы начинают из основы личика и тела пони. Сделайте большой овал, вытянутый горизонтально, кружечек над ним. Круг разместите ближе к левому концу бумаги. 

  • А сейчас более точно обводим форму головы. Нос нашей красавицы выступает немножко вперед, после чего вам нужно просто провести штрих вниз, к шее лошадки. От линии носика сразу ведем вертикальную закругляющую черточку - основа для глазика. Теперь нарисуйте ушко Радуги. Нам будет видно лишь одно ушко, второе мы скроем шикарной гривой Радуги.

  • Делаем глазки пони. Один глазик виден весь, его немного прикрывают веки. Второй газ виден не полностью, поскольку голова у пони развернута только немного к нам. Обратите внимание на изображение глаз на образце, постарайтесь сделать так и вы.

 

  • Намечаем носик и ротик с улыбкой малышки.
  • Переходим к очаровательной гриве Дэш. Спереди она опускается локонами на лоб, сзади падает на спину принцессы. 

  • Изображаем ноги и шейкукрасотки. Шею намечайте одним штрихом, только спереди. Сзади она закрыта гривой. Передние ножки изображаем так, будто бы они двигаются. Одна нога стоит прямо, вторая, находящаяся на заднем плане, - немного согнутая. Получится, будто бы Радуга пританцовывает. 

  • Теперь изобразим спину и задние ноги Радуги. Чтобы милашка выглядела как настоящая, задние ноги сделаем слегка согнутыми.
  • Переходим к тщательному рисованию крыльев. Маленькое переднее крыло видно полностью, а заднее показывается из – за него. Сделайте все так, как на образце. 

 

  • Изображаем шикарный хвост и изображение на бедре Дэш (из облака появляется радуга). 

  • Вот и все! Ваш рисунок закончен. Разрисуйте его как на образце.

Рисуем пони Рарити

Хотите нарисовать очаровательную Рарити из любимого мультфильма? Тогда приступайте к творчеству с нами прямо сейчас!

  • Делаем рисунок из вытянутого горизонтального овала и кружечка над ним. Овал расположите так, чтобы он был ближе к правому краю листа. От овала нужно провести закругляющуюся линию. Внимательно присмотритесь к картинке и перерисуйте так же.

  • Приступаем к мордочке Рарити. Изображаем основу глаз малышки, обрисовываем вздернутый нос. Линии делаем плавные, легко закругленные.

  • Лошадка повернутая к нам боком, рисуем ей только одно ушко. Легкой чертой обозначаем ушную раковину для придания ей объемности. Картинка 

  • Приступаем к созданию рога нашей красотки, намечаем нос и ротик. Рог должен получиться не только красивым, но и понятным, чтобы его не перепутали с ухом. Для этого добавьте на нем пару параллельных черточек. Смотрите, как это сделано на рисунке. 

  • Большущие выразительные глаза лошадки просто захватывают. Один глаз прячется от нас за носиком милашки, изобразим его только частично. Второй же глаз изображаем четко, чтобы видели зрачок и блик света. Дорисовываем длинные реснички.
  • Теперь принимайтесь за туловище принцессы. Нужно обвести контур, чтобы была видна спина и часть живота пони. Дорисуйте одну заднюю ногу. Покажите, что она стройная, отставленная назад и немножко согнутая. 

  • Сейчас нарисуйте вторую заднюю ножку. Ее нам видно не полностью. Она направленная вперед. Теперь пририсуйте переднюю ногу.

  • Украшаем Рарити модной прической. Не бойтесь изображать пышную, завитую гриву. Один локон обрамляет мордочку спереди с правой стороны, часть гривы находится слева, внизу тоже завивается локон. 

  • Нарисуйте большой, пушистый хвост. Украсьте его и гриву продольными линиями. Смотрите, как это сделано на образце. 

  • Дорисовываем переднюю ногу лошадки и делаем эмблему на ее бедре. 

  • Мы закончили. Можете раскрашивать свой шедевр.

Изображаем на бумаге лошадку Искорку

Искорка - прекрасный единорог, которого очень полюбили дети.

 

 

Для любителей настоящего творчества мы продемонстрируем, как нарисовать пони поэтапно карандашом на бумаге.

 

  • Начинать картину нужно с двух овальных форм, которые будут служить головой и туловищем Искорки. Разделяем верхний овал горизонтальной чертой пополам. 

  • Теперь сделайте контур личика Искры, ухо и челку. 

  • Важно правильно нарисовать рог лошадки. Он должен быть тоненьким и небольшим.
  • Сейчас прорисовываем контуры мордочки, обозначаем нос, делаем главные линии для глаз. Внимательно рассмотрите рисунок. 

  • Переходим к детализации рога, ушка и глаз Искорки. Ушко дополняем легким штрихом, а на рог наносим несколько горизонтальных линий. Глазки изображаем внимательно. Верхнюю часть одного глаза немножко закрывает челка, поэтому рисуем на нем только нижние ресницы. Второй глаз делаем с верхними и нижними ресничками. 

  • Теперь обозначаем нос и рот с улыбкой единорога.
  • Рисуем передние длинные ножки и шею малышки. 

  • Пририсовываем задние ножки и туловище.
  • Присмотритесь к ножкам и хвосту единорога.  У малышки будут полностью видны две ноги – задняя и передняя. Еще две мы будем видеть не полностью, поэтому каждую обозначим одной линией. Хвостик красотки длинный и пышный. 

  • Изображаем пышную гриву красотки, закрывающую часть груди и мордочки. Детализируем челку, добавляем продольные черточки на хвосте. Помните про изображение на бедре Искорки.

  • Любимица готова к раскрашиванию.

Учимся рисовать известную пони Флатершай

Большеглазая Флатершай давно стала любимицей многих деток. Она просто великолепна. 

И прямо сейчас вы можете научиться ее рисовать. Необыкновенно красивые картинки с этой принцессой не оставят равнодушным никого. Приступим! Сначала необходимо нарисовать пони карандашом.

 

  • Начинать картину нужно с круга и овала, основы для головы и туловища Флатершай. Овал сделайте вытянутым горизонтально, расположите его приблизительно по центру. Над ним изобразите круг, ближе к левому краю рисунка. Дорисуйте к овалу сразу волнистую линию, которая будет хвостом лошадки. 

  • Теперь наметьте контур личика Флатершай. Нос сделайте маленьким, чуть задранным к верху. 

  • Нарисуйте верхнее веко лошадки. На картине у нее будет видно только один глаз, поскольку она стоит к нам боком. Четко нарисуйте зрачок и длинные реснички. Наметьте изящный носик и улыбчивый рот героини.
  • Сейчас изобразите длинную гриву милашки. Волосы разделены на две части: одну частично скрывает мордочка, вторая часть волос впереди. Завивающиеся локоны почти достают до земли.

  • Сейчас изобразите ножки и крылья на спине пони. Чтобы не сделать ошибку, внимательно присмотритесь к образцу, перерисуйте так же. 

  • Теперь перейдите к хвосту красавицы. Он должен быть завивающим, немного закинутым назад.

  • Детализируйте свою любимицу. Добавьте продольные линии на гриве и хвосте, сделайте на бедре тату в форме бабочек. 

  • Раскрасьте Флатершай и порадуйте готовой картинкой других.

Как правильно рисовать Пинки Пай

Веселая, задорная Пинки Пай покорила всех своей красотой. Ее розовая шерсть, яркая грива и изображение на бедре так и бросаются в глаза. Забыть эту прелесть невозможно.

Все фанаты этой пони могут легко и быстро научиться ее рисовать. Желающим нужно прислушаться к нашим советам и пересмотреть алгоритм.

 

  • Начинать надо с двух кругов, как вы догадались, это основа для головы и туловища. Той круг, что вверху, нарисуйте ближе к левому краю бумаги. 

  • Переходим к контурам туловища и головы. Посмотрите на линии рта и носика пони на образце, повторите так же. Обведите грудь и спину Пинки Пай.

  • А теперь начинаем рисовать глазки нашей девочки. Нам видны оба глаза, поскольку розовая леди повернутая к нам в пол – оборота. Привлекательные глазки с длинными ресничками немножко вытянутые вертикально. Добавьте ресницы сверху и снизу. 

  • Делаем кудрявую прическу Пинки. Один локон волос будет выступать вперед, часть гривы обрамляет личико. 

 

  • Пришло время обозначить ухо, нос и ротик красавицы.
  • Сейчас нарисуйте ножки малышке. Сделайте их стройными, высокими, немножко закругленными, как на рисунке. 

 

  • Серьезно подойдите к рисованию хвоста лошадки, ведь именно он ее украшает. Хвост – кудрявый и длинный. 

 

  • Завершаем творческий процесс. Добавьте эмблему (воздушные шары)на бедре Пинки Пай и смело раскрасьте картинку. Помните, что лошадка должна быть яркая, розового цвета. 

 

Как нарисовать очаровательную Эплджек

 

Великолепная Эплджек припала к душе не только детям, но и взрослым. Ковбойская шляпа яблочной принцессы делает ее еще привлекательней. Эта модница носит резиночки на гриве и хвосте. Ее энергии нет конца.

 

 

Давайте вместе нарисуем эту красотку.

 

  • Начинаем рисунок с большого овала и не большого кружочка над ним. Это будет основа для туловища и головы пони.

  • Работаем над головой Эплджек. Изображаем маленькое заостренное ушко, немного вытянутый вперед носик яблочной леди. Внимательно присмотритесь, сделайте носик и ротик с улыбкой как на картинке. 

  • Переходим к рисованию пышной челки, которая опускается на лоб. Помните о ковбойской шляпе. Пририсуйте ее так, чтобы она не закрывала ухо. 

  • Дорисовываем передние ноги. Одна стоит прямо, вторую делаем согнутой, будто бы пони ее приподняла.Теперь рисуем задние ножки. Одна нам видна полностью, вторую видно из – за нее.

  • Переходим к изображению шикарного хвоста. Он должен быть длинным, пышноватым, с резинкой на конце. Локон гривы спускается сбоку длинным хвостиком. На конце гривы тоже завязана резинка. Смотрите, как это сделано на картинке. 

  • Переходим к тату на бедре. У яблочной пони это конечно же три яблочка.
  • Наша лошадка готова к разрисовыванию.

Теперь вы знаете, как нарисовать пони из любимого мультфильма. Занимайтесь творчеством сами, рисуйте с друзьями, учите своих деток. 

Легкие рисунки карандашом

Уроки рисования карандашом для начинающих должны быть несложными. Именно поэтому легкие рисунки карандашом занимают в них основное место.

И особенно это актуально для детского возраста. Начиная уже с 3-4-х лет, родители могут вести простые карандашные занятия.

Стиль построения данного обучения будет направлен в целом не на техники в рисовании, а на развитие желания малыша участвовать в творческом процессе.

Ведь если ребенок не заинтересуется этой живописью, то в дальнейшем в школе, он не захочет рисовать не только карандашом, но и другими инструментами.

И клеточное рисование, срисовки, рисунки в скетчбуке и создание картин акварельными карандашами – это основные направления в живописи, которые детям будет легко освоить вместе со взрослыми.

И хоть в обучении каждому художественному виду будут свои особенности, но любой ребенок сможет их без труда изучить.

Рисование по клеточкам

Маленьким деткам держать карандаш достаточно сложно, а рисовать простые рисунки карандашом тем более.

И любой ребенок до определенного возраста не способен передавать форму изображенного предмета, оттого угадать, что нарисовано у них на бумаге порой невозможно.

Но научить ребенка с нуля создавать красивые изображения можно, если воспользоваться рисованием по клеточкам в тетради. Самым маленьким держать здесь ручку и рисовать помогают родители, а постарше ребенок способен создавать рисунок сам.

Само рисование по клеткам представляет собой метод, когда по предложенной схеме ребенок воспроизводит изображение.

Это пока еще не срисовка, ведь нет плавных линий и переходов, цветопередачи, но уже начало для дальнейшего развития художественной деятельности.

Создание рисунков по клеточкам развивает у детей следующее:

  • Логическое и образное мышление;
  • Техничность исполнения;
  • Аккуратность и усидчивость;
  • Внимание к деталям.

Кроме того в таком рисовании ребенок должен четко следовать схеме, чтобы изображение не было нарушено. Ведь если быть невнимательным и упустить квадратик, то рисунок получится корявым.

Карандашные срисовки

Юным начинающим художникам достаточно сложно рисовать карандашом по памяти. Поэтому им проще использовать метод карандашной срисовки.

Что собой представляет данная методика? Срисовка – это воспроизведение уже созданного рисунка.

И детям в ней предлагают простую подборку изображений, чтобы они могли выбрать, что им хочется нарисовать карандашом.

Среди предложенных тем для ребенка могут быть следующие:

  • Животные, такие, например, как белочка, котенок, лошадка, птичка;
  • Игрушки, к примеру, куклы, машинки, любимые герои;
  • Легкий натюрморт в виде банана, груши или яблока;
  • Детали природы – водоемы, деревья, цветы;
  • Человек, например, девочку или мальчика, папу и маму, или знакомых персонажей.

Также родители могут предложить и другие интересные темы.

Затем начинается перерисовка, в самом начале работы с которой, детям стоит рисовать поэтапно карандашом.

Благодаря этому ребенок будет практиковаться в умении владеть инструментом и сможет не бояться творчески экспериментировать.

Поэтапные срисовки выглядят очень просто. В этом можно убедиться на примере мастер-класса с розой, который выполняется так:

  1. Вначале ребенок рисует серединку розы миндальной формы с тремя завитушками;
  2. Затем к серединке добавляет чашу бутона;
  3. К основе бутона дорисовывает два лепестка, один широкий, а другой узкий;
  4. Снизу бутона дорисовывается чашечка;
  5. К чашечке добавляет стебель и три листочка;
  6. Готовую розу ребенок раскрашивает в черно-белый цвет или цветными карандашами.

Все легко и быстро, и любой ребенок так сможет научиться изображать розу.

От поэтапного рисования дети переходят к срисовке готовой картинки целиком. Это медленное и кропотливое дело, которое научит ребенка не только вникать в художественные мелочи, но и лучше рисовать.

А научившись срисовке по картинке, ребенок может перейти к скетчбуку, где будет учиться рисовать карандашом видимые предметы и объекты, фактуры и текстуры, портреты и людей, и даже придуманные изображения.

Легкие рисунки карандашом в скетчбуке

Скетчбук представляет собой блокнот или альбом, в котором ребенок создает легкие эскизы карандашом, перенося изображения окружающего мира или идеи на бумагу.

Поэтому каждый юный художник должен привыкнуть заносить свои впечатления в этот артбук, а также выполнять в нем рисунки карандашом поэтапно.

Такая тренировка в будущем принесет свои плоды и поможет усовершенствовать карандашную живопись. Ведь чем больше ребенок рисует, тем лучше у него получается.

Но в самом начале работы со скетчбуком у детей возникают сложности потому, что они не всегда могут подобрать или сформулировать тематику для эскизов.

И в этом их выбор могут направить родители. Основные уроки рисования карандашом в артбуке будут затрагивать такие темы, как:

  1. Одежда и обувь;
  2. Простые геометрические формы и линии;
  3. Посуда и вазы в интерьере;
  4. Предметы мебели;
  5. Небольшие вещи в квартире;
  6. Типы деревьев и структура коры, листьев;
  7. Особенности овощей и фруктов, их фактура;
  8. Вид из окна комнаты и вид у дома;
  9. Вода и особенности ее текстуры;
  10. Изображение частей тела и эмоций на лице;
  11. Движения животных и человека;
  12. Техника и детали, из которой она состоит;
  13. Узоры и буквенные изображения.

Помимо основных тематик нужно приучить ребенка делать зарисовки всего, что он видит и что ему интересно.

Постепенно взрослея, юный художник сам поймет, что ему более комфортно рисовать и будет двигаться в этом направлении. Но до этого момента ему придется создать немало эскизов, в том числе тех, которые выполняются поэтапно.

Поэтапное рисование в скетчбуке, мастер-классы

Когда мы рисуем карандашом в скетчбуке, то мы должны понимать, что это практически черновик того, что мы потом можем воплотить на чистовой бумаге.

Именно поэтому дети могут вносить туда не только любые исправления, но и заново перерисовывать изображение.

Но все же рисовать карандашом поэтапно для начинающих в скетчбуке очень важно. Это учит правильно распределять свое время и совершать меньше ошибок.

И одними из популярных эскизов в скетчбуках становятся зарисовки частей человеческого тела, особенно лица. Ведь в дальнейшем это поможет хорошо владеть портретной живописью.

Поэтому рассмотрим мастер-класс о том, как сделать зарисовку глаза:

  1. Нарисуем горизонтальный овал небольшой формы;
  2. С правой стороны овал слегка заострим, а с левой создадим в уголке выемку;
  3. В центр овала поместим два круга разных диаметров – радужную оболочку и зрачок. Первый круг будет касаться век, а второй маленький по размеру разместим внутри первого;
  4. Дооформим уголки глаз, отделив их от век;
  5. Оттеним радужку и зрачок;
  6. Добавим на верхнее веко длинные ресницы, а на нижнее короткие;
  7. Прорисуем объем век;
  8. Добавим тени внутри и снаружи глаза.

И черно-белый эскиз будет готов. При необходимости создания цветной зарисовки ребенку нужно добавить оттенки цветными карандашами.

Стоит отметить, что подобным образом в артбуке можно создать эскизы разных типов глаз, например, европейского или монголоидного, а также изобразить поэтапно губы или нос.

Помимо этого для тренировки в этом альбоме можно подобрать множество интересных пошаговых уроков. И примеры того, как рисовать карандашом в скетчбуке поэтапно можно узнать из следующих мастер-классов на видео:

Также кроме рисования простыми или цветными карандашами в скетчбуке дети могут воспользоваться и акварельными карандашами.

Эти инструменты волшебным образом могут превратить обычную сухую картину в акварельную, заинтересовав детей в новом виде творчества.

Легкие рисунки акварельными карандашами

Акварельные карандаши – это новый вид художественных инструментов, которые позволяют детям и родителям проводить интересные творческие эксперименты.

При этом эти опыты не будут сложными, ведь при помощи их можно создавать совершенно легкие рисунки, похожие на акварельные картины.

А приступить к работе с ними можно, начиная с 5-6 лет, когда дети будут готовы испытывать все новое.

Самое главное для родителей при этом – это донести детям простые приемы, которые помогают рисовать данными инструментами:

  1. Сухой рисунок – обычная картина, нарисованная акварельными карандашами. Но благодаря пигменту и мягкости материала внутри, любой легкий рисунок будет выглядеть намного ярче и привлекательнее;
  2. Штриховка и смачивание – ребенок вначале рисует простые контуры, например, цветка в саду, затем штрихует их внутри и проводит по штриховке кисточкой с водой. Рисунок мгновенно меняется из обычного на акварельный. Интенсивность цвета картинки при этом будет зависеть от твердости нажатия на бумагу;
  3. Штриховка и распыление воды – вначале создается рисунок со штриховкой, а затем вместо кисточки используется любой распылитель воды. Этот метод особенно нравится детям, поскольку волшебный дождик преображает изображение;
  4. Цветные детали или узоры – любой нарисованный карандашами рисунок можно преобразить за счет акварельных штрихов. Для этого акварельный карандаш обмакивают в воду и проводят плавные линии, которые изящно отображаются на поверхности.

А более сложные профессиональные приемы детям и не нужны. Им достаточно описанных для создания легких рисунков акварельными карандашами.

Мастер-классы же по созданию таких картин будут по плечу любому ребенку. И научиться их выполнять пошагово начинающим художникам будет также легко.

Мастер-классы по созданию акварельных рисунков карандашами

Создавать акварельные картины можно не только красками, но и акварельными карандашами. Причем различные мастер-классы по рисованию такими необычными инструментами помогут в этом убедиться.

И один из ярких уроков по рисованию акварельными карандашами – это создание легкой картинки летящего в небе воздушного шара.

Любой дошкольник или школьник сможет нарисовать эту тему, выполнив поэтапно следующие действия:

  1. Возьмем простой карандаш и нарисуем контур воздушного шара. Начнем с прямой линии, обозначив длину, а также дорисуем круг-оболочку и низ купола при помощи трапеций;
  2. Внизу линии создаем корзину в виде ромба и соединяем ее с куполом штрихами-веревками;
  3. Стираем ластиком лишние детали на куполе и рисуем узор из вертикальных полос. Узор может состоять и из горизонтальных или волнистых полос, все зависит от детских задумок;
  4. Рисуем вокруг шара небольшие облака;
  5. Приступаем к раскраске шара акварельными карандашами и начинаем с полос на куполе. Цвета выбираем произвольно;
  6. Закрашиваем корзинку в коричневый или черный цвет;
  7. Обводим черным цветом и контуры веревки над корзинкой;
  8. Легкими штрихами голубого карандаша закрашиваем воздушное пространство вокруг шара: небо более ярко, а облака более приглушенно;
  9. Берем кисточку, смачиваем ее водой и начинаем размывать цвета вначале на воздушном шаре, а затем на небе и облаках;
  10. Даем рисунку просохнуть и получаем яркую акварельную картинку!

Подобно легкому рисунку воздушного шара акварельными карандашами с легкостью можно нарисовать и другие простые изображения.

Ну а как это сделать любой начинающий юный художник может выяснить из видео на ютубе:

Рисунки красками для начинающих: различные техники (+38 фото)

Коробка красок может подарить увлекательное путешествие в мир фантазий. На полотне оживут удивительные образы, чарующие пейзажи, сказочные герои. Научиться создавать рисунки карандашом и красками можно по инструкциям, пошаговым рекомендациям. Подготовьте набор из кистей и бумаги, спонжей и салфеток, простых карандашей и губок. Запаситесь терпением и приступайте! Рисунки красками для начинающих – вот о чём мы расскажем сегодня.

Рассмотрим способы рисования для начинающих тремя разновидностями краски:

  • акварельной;
  • акриловой;
  • гуашевой.

Изучайте этот обзор и подбирайте, с чем вам будет более комфортно работать, выполняя рисунки для начинающих. Итак, учимся рисовать красками!

Как правильно рисовать акварельными красками 

Любимая многими художниками, маленькими детьми и достаточно опытными взрослыми людьми акварель может использоваться для рисования в самых разных техниках. Как научиться рисовать этой волшебной краской, без труда сможет понять даже начинающий художник. Новички смогут быстро освоить технику рисования, а у профессионалов появится вдохновение и целая плеяда новых идей.

Есть 7 основных техник рисования акварелью для начинающих художников.

Рисуем плоской кистью

Для начала надо нарисовать изображение квадрата или треугольника для того, чтобы были отмечены начальная и конечная часть слоя. Потом выбрать более темные оттенки. Сразу используйте верхний левый угол. Аккуратно касайтесь кистью бумаги, ведите линию прямо к правому углу вверху и нарисуете шедевр!

Левши должны рисовать в обратном положении – начиная с правого угла.

Градиент

Рисовать начинают с квадрата или прямоугольника. Подберите оттенок темнее, смешав на палитре. Далее идет слой светлого оттенка, он будет сливаться с ранее нарисованным, чтобы достичь интересного сочетания переходов цвета.

Глазурь

Импровизируйте, фантазируйте: комбинация светло-прозрачных тонов позволит получить великолепные сочетания.

Необходимо дождаться, чтобы каждый из слоев высох.

«Мокрая» техника

Для эффектных рисунков необходимо равномерно распределить влагу по поверхности бумаги – это обеспечит атласный вид. Начинайте с фона. Такая техника рисования позволяет добиться  гипнотизирующего эффекта.

Уроки рисования сухой кистью

Предварительно надо набросать изображение с помощью карандаша. Наносить краску нужно после того, как уберете её излишки салфеткой.

Без лишней влаги

Потребуется запастись губками. Излишки влаги надо убирать с листа. Не стоит интенсивно тереть бумагу. Эту работу хорошо выполнять спонжами для макияжа.

Техника обесцвечивания краски, которая высохла

Понадобится чистая материя и вода. Необходимо намочить область рисунка, аккуратно протереть и убрать остатки влаги при помощи сухой кисти.

Техники использования различных красок

Как рисовать акрилом

В акриловой краске великолепно соединены лучшие свойства акварели и масла, а картинам после высыхания не страшны влага и солнечные лучи. Простые рисунки такими красками под силу выполнить даже ребенку.

Универсальные свойства акрила заключаются в возможности накладывать каждый последующий слой на предыдущее изображение. В отличие от акварели, не нужно ждать высыхания слоя, чтобы нанести новый. Изучите легкую инструкцию и приступайте!

Для начала можно учиться пользоваться шестью цветами. Позднее палитра постепенно расширится до 18 оттенков. Также подготовьте:

  • Поверхность для картины – деревянную, стеклянную, пластмассовую, бумажную, картонную, холст.

  • Набор кистей из синтетики и натурального материала.

Для получения качественной краски её надо разводить с помощью растворителя или воды. Неразведенная краска используется на синтетической поверхности и быстрее высыхает.

Существует несколько техник рисования акрилом:

  • Влажная – на холст, который смочен теплой водой.

  • Сухая – с применением нескольких кисточек.

  • Способ лессировки по слоям – нанесение густого слоя с последующим рисованием картины.

  • «Импасто» – подобные масляным, с широкими четко различимыми мазками.

Начинающему художнику для рисунка надо выбрать основу поверхности и краски в баночке или тюбике. Подберите интересную вам технику рисования. Подготовьте палитру красок.

Синтетические кисти более подходят для работы неразведенными красками. Если выбираете акварельную технику, лучше брать натуральный ворс.

В конце можно дополнительно нанести штрихи фломастером, тушью, маркером, гелевой ручкой, карандашом. Простейшую технику рисования с нуля освоит даже ребёнок.

Когда освоите основы техники, сможете рисовать на ткани и стекле, создавать воздушные пейзажи или портреты. Даже расписать любимую футболку будет несложно, если научитесь работать с акрилом.

На видео: поэтапные уроки рисования акрилом.

Как рисовать гуашью

Рисунки гуашевыми красками для начинающих дети осваивают в раннем возрасте. Такая краска любима малышами за простоту нанесения и потому, что изображение не расплывается, в отличие от акварели. Гуашь позволяет получить более яркие рисунки.

Людям постарше инструкция из интернета поможет создать неповторимый пейзаж. Основой рисунка могут быть такие поверхности:

Существуют следующие разновидности гуаши:

  • Художественная.

  • Акриловая гуашь.

Сразу выполните эскиз простым карандашом. Учась рисовать, начинайте с темных оттенков, плавно переходя и к светлым тонам. Смешивайте краски на цветовом круге. Поэтапное рисование с детьми позволит получить на бумаге красивые изображения. 

Если смешивать соседние цвета в секторе, получится грязный оттенок. Тень можно передать зеленым, синим или фиолетовым цветом, но не черным.

Какую бы технику вы ни выбрали, главное, чтобы вас посетило вдохновение. Желаем, чтобы все работы были удачными, нравились вам, дарили идеи для дальнейшего творчества. С помощью такого занятия можно выплеснуть свои эмоции и впечатления. Рисуйте уверенно и с удовольствием!

Мастер-классы по рисованию акварелью и гуашью (2 видео)


Красивые рисунки и то, что для них понадобилось (38 фото)

Три этапа профессиональной карьеры в искусстве

Алетта де Валь в Art Business Advice> General Art Advice

В каждой профессии вы не просто перепрыгиваете снизу вверх - вместо этого вы продвигаетесь через серию этапов. Вы изучаете веревки на работе начального уровня и платите взносы, поднимаясь по лестнице.

Когда я работал в корпорации, я начинал как сотрудник в команде; стал руководителем этой команды; затем начальник отдела; и, наконец, руководитель.(Потом я сбежал от всего этого, чтобы зарабатывать на жизнь искусством, но это уже другая история...)

Быстрое объявление - EmptyEasel создал более быстрый и простой способ для художников иметь собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный сайт!

Корпоративный путь немного отличается от творческого, но есть этапы в профессиональной творческой карьере. Описание артистов как «начинающих», «в середине карьеры» или «устоявшихся» является условным обозначением их прогресса в:

• качество искусства и размер основной части работы
• развитие фирменного стиля
• эволюция их арт-бизнеса
• количество внешнего внимания, уделяемого произведению искусства
• объем аудитории и рынок
• количество и долларовая стоимость продаж

Некоторым художникам не нравятся эти термины, и они предпочитают, чтобы их не называли начинающими, находящимися в середине карьеры или признанными художниками.Пожалуйста, не интерпретируйте три этапа как ограничение. Я бы предпочел, чтобы вы воспринимали их как реалистичный контекст для определенных действий в определенное время.

На мой взгляд, когда вы знаете, чего ожидать на каждом этапе, вы можете привыкнуть к тому, что вам нужно делать. Вы можете предпринять правильные действия в нужное время. Вы можете перестать беспокоиться о том, достаточно ли быстро вы едете, и наслаждаться поездкой.

Важно отметить, что то, что вы начинающий, находящийся в середине карьеры или уже состоявшийся художник, не имеет никакого отношения к тому, сколько вам лет.Многие художники в возрасте 60 лет занимались искусством всю жизнь, но не выставляли и не продавали их. Есть также много художников, которые сделали успешную и устоявшуюся карьеру в возрасте 20 лет.

Талант тоже не определяющий фактор. Я встречал много талантливых художников, которые никогда не привлекали к себе должного внимания. Для этого есть много возможных причин. Они могут:

• быть неспособным разрушить сдерживающие их мифы
• не быть достаточно «ведомым» для перехода к следующему этапу
• предпочитаю просто заниматься искусством, а не тратить время на маркетинг
• не иметь бизнес-знаний, чтобы пройти путь от любителя до профессионала.
• иметь другие обязанности и приоритеты.

Не все художники проходят все три этапа. Это нормально. Вам решать, как далеко вы хотите зайти и что поддержат ваши таланты и жизненные обстоятельства.

Давайте взглянем на типичные признаки трех этапов профессиональной карьеры художника. Этапы частично совпадают, но вы можете видеть, где вы сейчас находитесь и что вам нужно сделать, чтобы перейти к следующему этапу.

Молодой художник

Художники на этом этапе развивают свои художественные таланты, создают основы своего арт-бизнеса и начинают получать внимание местных жителей.Они проводят большую часть своего времени в студии, создавая искусство, совершенствуясь в этом и делая еще больше и быстрее.

Начинающие художники иногда просто очарованы «романтикой» творчества. Они могут пристраститься к тому, чтобы проводить время в студии за творчеством. Начинающие художники могут знать о концепции фирменного стиля, но, вероятно, еще не имеют его. Они все еще слишком любят экспериментировать, чтобы остановиться на одном стиле. Большинство из них по-прежнему больше заинтересованы в производстве произведений искусства, чем в маркетинге произведений искусства, и, возможно, не имеют опыта в ценообразовании.

Молодые художники, как правило, делают всю работу своего бизнеса сами. Часто они еще не ориентированы на прибыль. Поскольку у них небольшой доход, они должны быть мастером на все руки, чтобы все произошло.

К счастью, на данном этапе бизнес-аспекты довольно легкие, в основном связанные с отслеживанием доходов и расходов, созданием веб-сайта и началом небольших выставок и продвижения.

В идеале, это этап, на котором начинающий артист открывает свою аудиторию.Со временем они начнут составлять список рассылки людей, заинтересованных в их работе, и продажи начнутся.

Художник среднего возраста

Художники среднего возраста имеют растущий объем работ и достаточно художественного инвентаря, чтобы проводить несколько выставок в год. Они продолжают совершенствовать и развивать свой фирменный стиль. Они тратят больше времени на маркетинг своего искусства, но не совсем довольны «потерей» студийного времени.

Художники среднего возраста определенно стремятся зарабатывать на жизнь как художники, независимо от того, делают они это или нет.У них есть бизнес и маркетинговые системы. Они управляют веб-сайтом, часто с функциями электронной коммерции, чтобы они могли продавать и продавать онлайн, а также лично. Они упорно трудятся, чтобы получить прибыль, с разной степенью успеха.

Художники на этой стадии могут бороться за баланс между производством произведений искусства и маркетингом произведений искусства. Как только они получат некоторую прибыль, они могут нанять себе помощников, чтобы увеличить время в студии.

Художники среднего возраста имеют четко определенную аудиторию и постоянно растущий список рассылки.Они демонстрируют свое искусство на местном, региональном и, возможно, даже национальном уровне. Помимо продажи работ непосредственно коллекционерам, художники в середине карьеры часто продают как копии, так и оригиналы, имеют представительства в галереях и могут также лицензировать свои работы.

Художники среднего возраста хорошо осведомлены о том, как оценивать свое искусство в соответствии со своими талантами и рыночными силами. По мере того, как их аудитория растет, а рынки расширяются, они наращивают свой потенциал для продаж преданным коллекционерам и через авторитетные галереи.

Признанный художник

Признанные художники обладают сильными, узнаваемыми стилями подписи с более чем одним корпусом работ. Их фирменный стиль достаточно примечателен, чтобы другие художники выстраивались в очередь, чтобы учиться у них. У них могут быть помощники в студии, но они все равно лично руководят творческими функциями. Их инвентарь достаточно велик, чтобы обеспечивать одновременные показы, а также продавать их своим коллекционерам.

У известных художников много поклонников, они представлены хорошими галереями и пользуются профессиональным уважением других художников и профессионалов в области искусства.У них длинное и впечатляющее резюме, полное достойных достижений. Художники, которые «сделали это», заслужили признание на национальном и международном уровнях.

Художники на этой стадии обычно зарабатывают на жизнь своим искусством полный рабочий день и получают щедрое вознаграждение. У них есть несколько источников дохода от своего творчества и стабильные финансовые результаты. У признанных художников есть люди, которые помогают им во всех аспектах бизнеса. У них может быть даже «империя искусства» и несколько сотрудников.

У солидных художников есть хорошо разработанные стратегии ценообразования. Их работы приносят прибыль на рынке искусства и имеют репутацию постоянно растущих в цене.

Итак, теперь вопрос: где ты?

Многие художники переоценивают зрелость своих работ и недооценивают то, что нужно для создания арт-бизнеса. Те, кто слишком рано желают или ожидают нереальных результатов, часто разочаровываются и злятся. Но этого не должно быть!

Подумайте об этом.Если вы чрезмерно расширяете себя, тратя слишком много на маркетинг или нанимая помощника, когда это не соответствует вашей карьере, вы просто тратите свои ресурсы. А кому это нужно?

С другой стороны, когда вы создаете необходимую основу для своего бизнеса и стабильно работаете, вы будете продвигать свою карьеру вперед, а не в сторону или назад.

Итак, осознайте, на каком этапе своей карьеры вы находитесь, и делайте то, что принесет финансовый успех на этапе , что на этапе .Терпение - большая часть этого процесса. Затем добивайтесь успеха на успехе.

Это простой план. . . но это может увести вас дальше, чем вы когда-либо могли себе представить.

ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

5 этапов обучения рисованию людей - Дорожная карта от новичка до эксперта

Находитесь ли вы на стадии символов, стадии рисования, которую вы видите, стадии упрощения, стадии выразительности или стадии творчества? Вы застряли на одном из этих этапов? Об этом мы рассказываем в сегодняшнем видео. Это также оформлено в виде статьи под видео.

Я сам все еще прохожу процесс обучения, и я также одержим другими людьми, которые учатся рисовать, на каком бы этапе они ни находились, но особенно начинающих художников.Эти этапы я считаю обычным переходом от новичка к тому моменту, когда вы довольны своими рисунками и своими навыками.

В этой статье много обобщений, и, конечно, все мы разные, но я думаю, вы многое узнаете здесь. Кроме того, эти этапы на самом деле не являются полностью отдельными - поэтому вместо того, чтобы быть четкими этапами, как это,

это больше похоже на это. На этапе 5 у вас все еще будут проблемы на первом этапе. Привычки никогда не исчезают, вы просто создаете лучшие, которые берут на себя большую часть времени.

Символы ступени

Когда вы начинаете рисовать людей, вы начинаете с рисования предубеждений или символов - именно так большинство из нас училось рисовать в детстве. На этом этапе также необходимо осознать, насколько сложно нарисовать то, что вы на самом деле видите. Я постараюсь продемонстрировать этот этап.

Разобраться в этом - одна из самых сложных задач в обучении рисованию, и это может занять много времени. Эта стадия не плохая - каждый, кто собирается стать хорошим, должен пройти через это.

Как это выглядит: На этом этапе такие идеи, как «жест», могут иметь смысл для вашего мозга, но не имеют особого смысла для ваших глаз и рук. Построить фигуру из простых трехмерных фигур не менее сложно. Таким образом, даже после изучения этих концепций наш мозг может получить эти идеи интеллектуально, но приложить карандаш к бумаге, и это, похоже, не сработает. Это потому, что эти навыки требуют, чтобы ваши глаза могли видеть важные точки, углы и расстояния на фигуре, но вместо этого они по-прежнему перегружены всей информацией, которую они принимают.

Как выглядят рисунки: Таким образом, вы по умолчанию возвращаетесь к предвзятым представлениям о том, как должна выглядеть фигура, или можете думать о них как о символах того, как должна выглядеть фигура. Глаз должен иметь форму овала с кружком внутри. Туловище удлиняется, потому что вы хотите нарисовать голову поверх шеи, груди, живота. Все поправляется. Предполагаемый символ фигуры, кажется, включает в себя прямолинейность. Убирается любой ракурс - предвзятое мнение о руке таково, что она длинная, как спагетти, а не круг.

Это не просто плохие рисунки в зоне символов. Во-первых, мне лично очень нравится на них смотреть. В них есть искренность, сильный характер и уязвимость, когда кто-то делает то, чего он еще не освоил. На самом деле многие действительно хорошие иллюстраторы возвращаются к чему-то вроде этого стиля из-за его шарма. Единственная проблема в том, что без развития навыков рисунки не то, что хотел художник. Не так хорошо смотреть на что-то, когда знаешь, что это не то, что хотел сказать человек.

Другие характеристики этого этапа: путаница, мелкий рисунок, нечеткие пробные линии и много самоуничижения. Люди часто смеются над своими рисунками и над собой на этом этапе, и это нормально, но просто помните, что это необходимый и законный этап обучения рисованию.

Рисуем то, что видишь, этап

На следующем этапе вы развиваете наблюдательность за пропорциями. Вы делаете жесткие, но все более точные рисунки.Рисунки аналитические, они часто перегружены множеством деталей и не очень композицией, но в целом они верны. Вам нужно проделать довольно много измерений, проверки выравнивания и так далее, чтобы все было в нужном месте.

Вы продолжаете работать над некоторыми рисунками, пока они не станут правильными, даже если на это уйдет много времени, и ваш мозг начинает переориентироваться от предубеждений к тому, что на самом деле видят глаза. Вам нужно довольно много информации на странице, чтобы убедиться, что все работает.Ваши начальные строки довольно неправильные, но как только вы начнете добавлять дополнительную информацию, вы можете увидеть это и исправить. Таким образом, вам, возможно, придется переделывать целые части фигуры или портрета при построении рисунка.

На этом этапе многим людям легче рисовать мускулистых людей, потому что на всей фигуре есть множество функций, которые помогают наметить вещи. Вы можете обнаружить, что лица, которые вы рисуете, состарили человека, потому что вам нужно было поставить больше отметок с дополнительной информацией, чтобы рисунок заработал.

Ваш разум начинает принимать такие вещи, как «ладно, может быть, рука в ракурсе не обязательно должна быть такой длины, как я хочу ее рисовать».

Но вы все еще поправляете позу, не осознавая этого, уменьшая драматизм и большие углы.

На этом этапе жесты по-прежнему не имеют особого смысла, а углубленная анатомия кажется просто дополнительной запутанной информацией. Но самое главное - ваши глаза начинают управлять вашим мозгом с его символами.Таким образом, даже если короткие рисунки все еще кажутся невозможными, более длинные рисунки начинают работать.

Вы все равно должны попытаться быстро рисовать, но на этом этапе все же попробуйте сделать некоторые жесты. Верите вы или нет, вся эта путаница - это все обучение. Только не ждите от этого никаких результатов.

Другие характеристики этого этапа: все еще сбит с толку, но не перегружен, рисунок немного крупнее, разветвление по материалам, переутомленные рисунки с очень жесткими отметками, все еще самоуничижительный с периодическим «эй, это не ужасно».И некоторые рисунки, вы думаете, эй, я уже разбираюсь в этом. А затем боги искусства сокрушают вашу душу на следующем рисунке, потому что как вы смеете думать, что вы можете поправиться.

Как только вы это сделаете, вы отправитесь в путь. Следующее, что нужно сделать, - это научиться упрощать.

Упрощение того, что вы видите, этап

Как только ваши глаза станут сильнее видеть, как важные точки соотносятся друг с другом, и видеть большие простые объемы на рисунке, вам не нужно все измерять.Вам не нужно добавлять так много информации, а затем полностью переделывать все в процессе построения чертежа.

Вам не нужно быть таким аналитическим, потому что ваши глаза делают это на автопилоте. Таким образом, пропорции становятся менее приоритетными. На этом этапе вы начинаете видеть и улавливаете больше жестов. Вы можете видеть, куда им нужно двигаться, и обладаете мышечной памятью, чтобы делать красивые плавные изгибы вашей рукой. Поскольку эти вещи в большей степени связаны с автопилотом, вы можете быть более спонтанным, вы можете делать то, что чувствуете, не только своим аналитическим взором.

В более коротких позах у вас все больше хватает смелости упускать все больше и больше информации и сосредотачиваться на самом важном. Вы все еще не уверены, что именно делаете, поэтому результаты могут быть очень противоречивыми. Иногда что-то идет ужасно неправильно, и у вас возникает соблазн вернуться к аналитическому рисованию, где вы можете гарантировать разумный результат. Сопротивляйтесь этому искушению и продолжайте рисовать непоследовательные, но как-то гораздо веселее свободные и упрощенные рисунки.

Выразительная сцена

Как только вы научитесь уверенно упрощать, даже короткие позы не будут ощущаться спешкой.Вы знаете, что важно и что нужно делать, поэтому вы можете начать играть с вещами, и рисование станет еще более увлекательным. Вы начинаете пытаться довести жест до его предела, вы начинаете вводить потерянные и найденные края, вы начинаете все больше и больше объединять формы теней. Вы пытаетесь увидеть, насколько свободно или круто вы можете толкать предметы, сохраняя при этом позу и фигуру.

Творческая сцена

Невозможно обобщить или объяснить, что происходит на этом этапе, потому что это может быть что угодно.Вы отправляетесь в неизведанные джунгли творчества и пробиваете свой собственный путь.

По мере того, как я размышлял об этом, я кое-что понял - ваше развитие будет циклично проходить через стадии со 2 по 5. Вам нужно будет вернуться к своим аналитическим навыкам, вам нужно будет снова поработать над упрощением и большей выразительностью.

Причина, по которой я подумал, что это будет полезно, состоит в том, что люди могут сильно расстраиваться, потому что они знают, что им нужно делать все эти разные вещи, и они прыгают между попытками добавить навыки со всех разных этапов одновременно.

Итак, если вы пытались делать жесты, прежде чем перейти к этому этапу, которые выглядят так просто, и не могли и чувствовали себя плохо из-за этого, или если вы пытались упростить до 3D-форм и не смогли, то это потому, что это навыки, которые нужно было сначала развить все эти другие способности в ваших глазах. Опять же, не прекращайте пытаться их выполнять, просто перестаньте ожидать от них многого.

Избегайте большой ошибки, которая привела ко всем другим моим ошибкам

Получите бесплатное руководство - «Успех рисования жизни»

5 этапов создания искусства, через которые проходит каждый художник

Искусство не возникает на пустом месте.Будь то простой рисунок линии или сложная реалистичная картина, у творческого процесса есть определенная траектория. Это иллюстрированное руководство, которое начинается с искры вдохновения и заканчивается завершением работы, описывает пять этапов создания искусства.

Как и знаменитые «пять стадий горя», эти шаги не всегда проходят именно в таком порядке. На протяжении творческого процесса можно вернуться к предыдущим этапам, что может объяснить, почему временами это похоже на американские горки!

1.Вдохновение

Это один из самых захватывающих моментов в процессе создания искусства: тот прекрасный момент, когда приходит вдохновение.

Откуда приходит вдохновение? Что ж, это тема, которая веками сбивала с толку и вводила в заблуждение людей. Возможно, вас вдохновляет фильм или произведение искусства; возможно, это что-то от природы или событие, произошедшее в вашей жизни. Иногда кажется, что идея возникла из ниоткуда. Где бы ни возникали идеи, у них есть странный способ поразить самые необычные моменты: в ожидании автобуса, в час пик или пока вы принимаете ванну.

2. Перколяция

Хотя это не самая яркая часть творческого процесса, период «просачивания» жизненно важен для создания искусства. По сути, это время, которое проходит после того, как у вас возникла идея, но до того, как вы начнете заниматься искусством. Это может происходить по-разному.

Иногда это включает в себя уточнение идеи путем создания набросков (и выбрасывания такого же количества) или визуальной игры с идеями. В других случаях дело просто в том, чтобы дать идее возможность прорасти.Иногда у вас может быть идея за много лет до того, как вы создадите произведение искусства, на которое она вдохновила. Однако это не значит, что вы все это время почивали на лаврах. Есть часть вас, которая постоянно обрабатывает и уточняет вашу идею.

3. Препарат

Подготовку можно спутать с периодом «просачивания», но это более активное и целенаправленное время. Вы определились с источником вдохновения и с тем, как вы хотите действовать. Теперь нужно выяснить, как этого добиться.

Подготовка включает время, потраченное на приобретение и организацию ваших припасов, а также создание чертежа того, каким будет ваше изделие. Возможно, это означает создание набросков или фиктивных набросков для книжного проекта.

4. Создание

Наконец-то пришло время воплотить это в жизнь! Творение - это время, в течение которого вы твердо стоите на своем пути. Ручка к бумаге, кисть к холсту. Вы творите.

Процесс создания может варьироваться в зависимости от вашего темперамента, вашего художественного стиля и вашей среды.Для некоторых процесс создания на самом деле довольно короткий, и большая часть работы была сделана на предыдущих этапах - например, простой рисунок линии. На завершение рисования могло уйти несколько минут, но мысль и время на разработку этой идеи были наиболее трудоемкой частью этого проекта.

Для детальной росписи все может быть прямо противоположным - вы можете потратить часы, дни или недели, улучшая идеальный свет на реалистично нарисованном масляном лепестке цветка.

5.Отражение

После того, как вы создадите произведение искусства, может возникнуть легкая активность: поделиться им с семьей и друзьями, доставить клиенту или повесить на стену. Но независимо от конечной точки искусства, его завершение часто приводит к периоду размышлений.

Это отражение будет у всех разным. У некоторых художников возникает своего рода низкопробная посткреативная депрессия, из-за которой они чувствуют себя немного опустошенными и `` потраченными ''. Для других - облегчение: «Готово! Я могу перейти к следующему! » У других есть сожаления: «Я хотел бы сделать эту строку длиннее, я хотел бы сделать эту часть композиции синей.”

Независимо от того, как вы себя чувствуете, создавая произведение, его завершение является важной вехой. Но ваша творческая работа не заканчивается вечно: скоро весь цикл начнется снова!

Следуете ли вы аналогичному творческому процессу?

Этапы художественного развития

Понимание этапов художественного развития может помочь вам стать лучше в создании искусства. Это также может помочь вам стать более эффективным учителем рисования.Мы художественно развиваемся. Подобно тому, как мы развиваем другие навыки, такие как поэтапная речь и ходьба, мы развиваем и артистические навыки таким же образом.

В 1947 году доктор Виктор Ловенфельд опубликовал книгу «Творческий и умственный рост», которая быстро стала учебником для преподавателей искусств. Ловенфельд утверждает, что есть шесть четко определенных стадий художественного развития , и что эти стадии можно наблюдать в произведениях искусства детей. Согласно Ловенфельду, шесть стадий художественного развития составляют:

Этап 1 - Этап каракулей (1-3 года)

Дети в этом возрасте занимаются рисованием.Между отметками и изображением на протяжении большей части этапа рисования нет никакой связи. Однако ближе к концу этого этапа дети могут начать давать названия оценкам. Этот этап в основном посвящен получению удовольствия от простого нанесения отметок.

Этап 2 - Досхематический этап (3-4 года)

Дети на этой стадии художественного развития начинают видеть связи между фигурами, которые они рисуют, и физическим миром вокруг них. Круги и линии можно описать как людей или предметы, которые физически присутствуют в жизни ребенка.Именно на этом этапе ребенок впервые подключается к общению с помощью своих рисунков.

Этап 3 - этап схемы (5-6 лет)

На этом этапе дети четко приписывают формы объектам, которые они пытаются передать. Часто они разрабатывают схему для создания рисунков. В развитии рисунка есть определенный порядок.

Рисунки на этом этапе имеют четкое разделение между небом и землей. Часто небо - это полоса синего цвета вверху листа, а земля - ​​полоса зеленого цвета внизу.

Объекты часто размещаются на земле, а не плавают в космосе. Важные объекты часто рисуются крупнее, чем менее важные.

Этап 4 - Рассветный реализм (7-9 лет)

На этом этапе художественного развития дети начинают более критически относиться к своей работе. Стало очевидно, что структурированного порядка рисования объектов уже недостаточно. Хотя схема все еще используется для создания чертежей, она более сложна, чем схема, используемая на более ранних этапах.Можно увидеть перекрытие, и ощущение пространственных отношений более очевидно.

Этап 5 - Псевдонатуралистический этап (10-13 лет)

Использование ценности и света теперь очевидно на рисунках. Дети на этой стадии художественного развития очень критично относятся к собственному успеху. Успех определяется степенью реалистичности рисунка. Разочарование - обычное дело. На этом этапе исключительно важно поощрять студентов.

Этап 6 - Этап принятия решения (13-16 лет)

Дети на этом этапе решат продолжить рисование или рассматривать это как занятие без заслуг.Из-за присущего на этом этапе уровня самокритики многие дети (теперь молодые люди) рассматривают рисование как навык, которым они не обладают.

Другие, однако, решают продолжить работу над своими навыками рисования и продолжают развиваться. Я думаю, что важно побуждать учеников продолжать рисовать, несмотря на их уровень навыков. Практикуясь, можно достичь любого уровня мастерства. Эта стадия художественного развития , пожалуй, самая важная для развития художника.

ОБНОВЛЕНИЕ: Недавно я добавил новый видеоподкаст на эту тему. Вот ссылка на видео - «Этапы художественного развития

».

Как нарисовать достойные выставки портреты карандашом за 6 простых шагов

Эта быстрая демонстрация с графитом позволяет легко рисовать портреты

Карандаш плюс бумага. Это все, что нужно для создания выставочного произведения искусства. То есть, если вы понимаете силу карандашных портретов.

Я рад показать вам, как можно объединиться всего за шесть шагов под искусным прикосновением художника Николаса Рейнольдса.На каждом этапе создания карандашного портрета помните:

  • Все дело в этапах блокировки и моделирования. Работы по этим очень много . Тогда продолжайте.
  • Работайте от общего к частному, ищите большие формы и пространственные отношения.
  • Обратите внимание на то, как графит или карандаш используются в качестве прозрачного носителя, что позволяет вам поэтапно разрабатывать рисунок в зависимости от специфики - от общего и общего к частному и подробному.
Инструменты и материалы для рисования, использованные для этой демонстрации:
  • Винный уголь Winsor & Newton, средний или твердый
  • Прессованный уголь Faber-Castell
  • Карандаши Staedtler (F, 2B - 6B)
  • Альбом для набросков Moleskine (не более 8,5 × 11 дюймов)
  • Бумага для рисования Strathmore Artist Bristol , Серии 500 или 400

1. Блокировка:

Начните с больших пропорциональных соотношений, высота к ширине.Стрелки указывают на четыре стороны света. Думайте плоскими, графическими терминами, описывая конверт (или широкий контур) головы, используя наклоны и углы.

2. Доработка блока-входа:

Обозначьте контур головы и лица. Нарисуйте черты и ищите формы отрицательного пространства.

3. Конструкция здания:

Развивайте все в одном темпе. Например, не зацикливайтесь на глазах, оставив все остальное позади.Найдите и опишите внутренние формы и структуры, которые помогут разрешить контур изнутри.

4. Массив в тени:

Здесь я четко отделяю тень от света, устанавливая тональность (темноту или светлость) рисунка. Я обычно держу тени плоскими и ровными, нейтральными и ограниченными в пределах ограниченного диапазона значений. Несмотря на это, я стараюсь придать своим теням яркость, имея в виду эффект отраженного света.

5. Форма для моделирования:

Как правило, я работаю от темноты к свету, описывая шкалу значений вверх по направлению к свету.Здесь я начал моделирование темного и светлого вдоль линии подбородка и подбородка. Упорядочивайте свои ценности, основываясь на четком понимании анатомии света и тени - феномена падения и отражения.

6. Готовых работ:

Тонкие, реалистичные и честные градации значений придают Nikoma (карандаш, 10 × 8) ощущение объема. Мастерство ценностей - это навык, который легко перенести от рисования к живописи.

Никома (карандаш, 10 × 8) Николас М.Рейнольдс Рисунок

Карандашный портрет на самом деле довольно прост по шагам, но, конечно, сложность заключается в том, как вы выполняете эти шаги. Полностью проработайте каждую из них, и вы обнаружите, что ваши навыки действительно растут.

Знакомьтесь, Николас М. Рейнольдс

Родился в Виктории, Британская Колумбия, Николас М. Рейнольдс начал свое художественное образование в Ванкувере, где получил степень бакалавра изящных искусств. Он продолжал учиться в Дюссельдорфе, Германия, и в Галифаксе, Новая Шотландия, позже посещал Академию искусств Гейдж в Сиэтле, а затем переехал в Нью-Йорк в 2001 году, чтобы учиться в Ателье и Студии 126 на Уотер-Стрит.Рейнольдс представлен галереей Джона Пенса в Сан-Франциско и галереей Элеоноры Эттингер в Нью-Йорке и демонстрировал свои работы во многих других галереях в США и за рубежом. Он преподавал в Лиге студентов-художников и в Школе сотрудничества Януса в Нью-Йорке; Академия изящных искусств Лонг-Айленда в Глен-Коув, Нью-Йорк; Академия искусств Гейджа; и Studio Incamminati в Филадельфии. В настоящее время он преподает в Школе изящных искусств Национальной академии в Нью-Йорке.Узнайте больше о художнике на его сайте.

границ | Какие этапы творческого процесса? Что говорят студенты изобразительного искусства.

От существующих творческих и художественных процессов к художественному творческому процессу

Творческий процесс определяется как последовательность мыслей и действий, ведущих к оригинальным и подходящим продуктам (Lubart, 2001; Lubart et al., 2015). Творческий процесс может быть описан на двух уровнях: макроуровень , показывающий этапы творческого процесса, и микроуровень , который объясняет механизмы, лежащие в основе творческого процесса, т.е.ж., дивергентное мышление или конвергентное мышление (Botella et al., 2016). Хотя работы, проводимые над микропроцессами, как правило, согласовывают набор механизмов, которые могут быть задействованы в творческом процессе, работа, сосредоточенная на макропроцессах, не достигла консенсуса относительно природы или количества стадий, задействованных в творческом процессе. В таблице 1 показаны некоторые из различных моделей, которые можно найти в научной литературе, с дублированием или разделением между некоторыми этапами моделей. В этой статье мы рассматриваем микропроцессы как содержание более глобального процесса на макроуровне, который позволяет описать создание произведения искусства с самого начала (т.е., желание творить) до конца (выставление этой работы). Более того, этот процесс можно рассматривать с психологической и индивидуальной или социокультурной точек зрения (Glǎveanu, 2010; Burnard, 2012). В настоящем исследовании, относящемся к области изобразительного искусства, мы будем рассматривать художественный творческий процесс как индивидуальное явление.

Таблица 1 . Обобщение некоторых примеров моделей творческого процесса.

Искусство часто считается архетипической областью исследования творчества (Schlewitt-Haynes et al., 2002; Станко-Качмарек, 2012), дополненный исследованиями научного, музыкального, дизайнерского и литературного творчества (Glaveanu et al., 2013). Даже если между разными творческими полями наблюдается некоторое совпадение, каждое из них имеет свои особенности (Botella and Lubart, 2015). Цель этого раздела - объединить некоторые существующие модели творческого процесса и художественного процесса, чтобы изучить, каким может быть художественный творческий процесс. Очевидно, что этот раздел не может быть исчерпывающим, но предлагает первое рассмотрение многочисленных важных этапов художественного творческого процесса.

Процесс начинается с ориентации , в которой человек определяет проблему, которую необходимо решить (Осборн, 1953/1963), также называемой этапом выбора проблемы, (Бусс и Мэнсфилд, 1980) или чувствительностью к задачи (Гилфорд, 1956). Определение проблемы включает создание как можно большего количества вопросов. Для Ранко и Доу (1999), поиск проблем относится к процессу «распознавания пробелов» (Торранс, 1962), то есть обнаружению недостающих элементов.В том же духе Бруфорд (2015) предложил стадию дифференциации , состоящую из сохранения информации, которая приводит к созданию чего-то другого, включая интерпретационные и выразительные музыкальные различия. Кроме того, Мамфорд и др. (1994) предложили проводить различие между обнаружением проблемы (т. Е. Отклонением ложных, неправильных или неполных проблем; Getzels and Csikszentmihalyi, 1976; Arlin, 1986), постановкой проблемы (т. Е. Поиском правильной формулировки). ), и , построив задачу (т.е., описывая проблему). В области искусства Fürst et al. (2012) предложили модель художественного производства, которая включает цель создания .

Затем идет препарат , первая стадия, описанная в ранней модели макропроцесса Валласом (1926). Карсон (1999) объяснил, что на этой стадии человек определяет проблему (или понимает ее; Treffinger, 1995) и собирает информацию для ее решения. Основываясь на серии интервью с писателями, Дойл (1998) утверждал, что творческий процесс начинается с инцидента , когда человек обнаруживает идею.В литературе о художественном процессе Мейс и Уорд (2002) предложили четырехступенчатую модель, основанную на интервью с профессиональными художниками. Для них художественный процесс начинается с эскиза художественного произведения. Следовательно, работа начинается с более или менее расплывчатой ​​идеи или впечатления. Недавно, основываясь также на серии интервью с профессиональными художниками, Ботелла и др. (2013) определили шесть этапов творческого процесса в искусстве, начиная с идеи или « видения », в которых изображение, взгляд, звук резонируют с художником.

До второй основной стадии, описанной Валласом (1926), некоторые авторы добавляли дополнительные стадии после подготовки. Основываясь на предыдущем обзоре литературы, Botella et al. (2011) предлагают стадию концентрации («Я концентрируюсь на работе, которую я должен делать»), на которой можно сосредоточить внимание создателя на тех решениях, которые считаются адекватными, и отклонить другие решения (Карсон , 1999). Осборн (1953/1963) добавил анализ , когда создатель делает шаг назад, чтобы определить отношения между идеями и важность каждой идеи; и идея , когда человек развивает альтернативные идеи.Бусс и Мэнсфилд (1980) указали также на стадию, требующую усилий для решения проблемы.

Затем, согласно Wallas (1926) и многим другим авторам, происходит инкубация (Osborn, 1953/1963; Shaw, 1989, 1994; Runco, 1997; Runco and Dow, 1999; Botella et al., 2011). Это время уединения и расслабления, когда ассоциации идей происходят на подсознательном уровне (Carson, 1999). Недавно Сэдлер-Смит (2016) реинтегрировал пятую стадию в модели Валласа: намек, происходит между инкубацией и инсайтом.Намек описывается как «поезд ассоциаций» на периферийном сознательном уровне, между сознательным и бессознательным уровнями (стр. 346). Cropley и Cropley (2012) также пересмотрели работу Валласа и разделили стадию инкубации на активацию и поколение . Этот процесс снова становится осознанным на стадии идеи , с генерацией дополнительных идей, которые не обязательно оцениваются или оцениваются. Затем человек переживает озарение или озарение (Эврика!) С появлением идеи, образа или решения (Wallas, 1926; Carson, 1999).Боден (2004) отметил, что просветление или понимание требует предшествующих мыслительных процессов.

Генерация идей может происходить по-разному в зависимости от разных моделей. Бусс и Мэнсфилд (1980) описали этап, на котором создатель устанавливает ограничения, связанные с решением проблемы, а затем другой этап, связанный с преобразованием этих ограничений или адаптацией ограничений, которые не подходят. Для Дойла (1998) существует некоторая форма навигации между различными областями знаний, которая позволяет оценить актуальность этой идеи.Основываясь на Дьюи (1934), Бруфорд (2015) предложил стадию выбора , , на которой создатель выбирает один вариант из нескольких, требующих способности агентства и контроля. В области искусства Мейс и Уорд (2002) назвали этот этап развития идеи , на котором художник структурирует, дополняет и реструктурирует идею. Botella et al. (2013) посредством интервью с профессиональными художниками определили этап документации и отражения , во время которого художники собирают больше информации о материалах и технологиях, необходимых для воплощения своего видения в реальность.Последней стадией, описанной Валласом (1926), является проверка (Busse and Mansfield, 1980). Новые идеи проверяются и проверяются , что приводит к разработке решения и его производству (Carson, 1999). Точнее, Осборн (1953/1963) предложил две отдельные фазы синтеза , который состоит из объединения идей и различения отношений между ними.

Грубер (1989) утверждал, что четырехступенчатая модель неполна. Для Русса (1993) отсутствует стадия применения или развертывания творческой продукции.Treffinger (1995) эффективно добавил стадию идеи , производство , что привело к действиям по плану . Эта работа соответствует разработке и реализации идей посредством поиска решений (оценка, выбор и переопределение), а затем принятию этого решения (продвижению идеи, поиску ее сильных и слабых сторон). Этот последний этап позволяет материализовать найденные идеи и решить проблему. В этом ключе в области искусства Мейс и Уорд (2002) описали реализацию идеи, в ходе которой художник трансформирует эту идею в физическую сущность.Botella et al. (2011) также добавлены этапы , планирование, («Я планирую свою работу») и , производство, («Я создаю / сочиняю свои идеи»). Результаты наблюдений в области искусства показали, что этап производства фактически состоит из двух этапов: этап, состоящий из поиска идей посредством творческого жеста (эскизы, наброски, макеты), а затем этап, состоящий из реализация идеи, которая уже построена (перенос идеи в конкретную среду).Начальная стадия «производства» описывает аналогичное действие, но лежащие в основе когнитивные микропроцессы другие. В первом случае цель состоит в том, чтобы произвести, чтобы сформулировать идею, тогда как во втором случае - произвести, чтобы реализовать идею, которая уже существует. В исследовании, состоящем из интервью профессиональных художников, Botella et al. (2013) подтвердили этапы первых эскизов, для придания материальной формы первоначальному проекту, тестирования, форм и идей, которые возникли в результате размышлений и предварительной работы, и предварительных объектов, , «эскизов» и почти готовых продуктов. .Возвращаясь к модели Валласа, Кропли и Кропли (2012) упомянули этап общения , как Бруфорд (2015) с музыкантами.

Для Осборна (1953/1963) последним этапом является оценка , (Ранко и Доу, 1999; или оценка , для Бруфорда, 2015), на которой человек оценивает выбранную идею. Для Мейс и Уорд (2002) заключительный этап художественного процесса, называемый завершение , приводит художественное произведение к завершению (или подтверждение согласно Ботелла и др., 2011; Кропли и Кропли, 2012). Художник переоценивает производство и может решить закончить, переработать, отказаться, отложить, сохранить или уничтожить его. Если художник считает, что поставленная миссия выполнена, он может выбрать выставку произведения. Недавно профессиональные художники предложили добавить еще одну сцену с серией , трансформируя первый объект во многие объекты (Botella et al., 2013).

Все эти модели были разработаны на основе рациональных или эмпирических подходов.Оригинальные работы и модели Пуанкаре и Валласа были задуманы на основе, соответственно, их собственного опыта и прагматических эмпирических наблюдений. Патрик (1935, 1937) поддержал предложение Валласа, собирая эмпирические данные с точки зрения наблюдений и устных отчетов поэтов и художников, которых приглашали для выполнения конкретной творческой задачи. Большинство «сценических моделей» основаны на таком рациональном или эмпирическом анализе, с вербализацией, спецификациями и разъяснениями процессов самими участниками в большинстве случаев.Таким образом, эти модели можно рассматривать как особый подход к творчеству, отличный от психометрических, проблемных или когнитивных экспериментальных подходов (Kozbelt et al., 2010). Недавние исследования четырехэтапной модели Валласа снова подтвердили, что исследователи не согласны с количеством стадий: Cropley и Cropley (2012) обнаружили семь стадий, тогда как Sadler-Smith (2016) нашли пять стадий на основе книги Валласа.

Цели

Модели творческого процесса и художественного процесса не совпадают по характеру или количеству этапов творческого художественного процесса (см. Howard et al., 2008). Это отсутствие консенсуса можно объяснить тем фактом, что (а) творческий процесс - сложное явление, описанное Осборном (1953/1963), который полагал, что творение запускается « остановками и ходом » или « захватите то, что вы можете Процессы типа ”; (б) модели творческого процесса строятся на основе конкретной творческой группы и конкретной творческой области, хотя они описываются так, как если бы они были общими и могли применяться ко всем областям, будь то искусство, наука, музыка, письмо или дизайн.Процесс чаще всего описывается в общих чертах, как будто он должен применяться ко всем творческим областям, будь то искусство, наука, музыка, письмо или дизайн; (c) описания художественного процесса не всегда принимают во внимание определение творчества, в частности, контекстуально богатый, ситуативный характер, который может иметь оригинальность и уместность; и (d) использованные методологии были разными [будь то обзор литературы (Busse and Mansfield, 1980; Botella et al., 2011), серия интервью с писателями (Doyle, 1998), с профессиональными художниками (Mace и Ward, 2002; Ботелла и др., 2013), или прикладной и консалтинговый подход (Carson, 1999)].

Целью настоящего исследования является прямой опрос некоторых заинтересованных сторон художественного творчества, а именно студентов, изучающих изобразительное искусство. Однако было бы слишком амбициозно просить их полностью описать свой творческий процесс. Мы предполагаем, что отсутствие консенсуса в предыдущих исследованиях могло быть связано с желанием охватить все аспекты творческого процесса в одном исследовании. Итак, опрошенные здесь студенты описывают только то, что для них составляет этапы процесса художественного творчества.Мы просим их конкретно перечислить этапы своего процесса, чтобы они были как можно более исчерпывающими. Это качественное исследование позволяет определить, какие этапы студенты считают важными в своем мысленном представлении визуального художественного творческого процесса, вместо того, чтобы полагаться на этапы, извлеченные из научной литературы по творчеству. С помощью этого исследования мы не сможем получить макро-видение всего художественного творческого процесса, но мы составим перечень стадий, участвующих в этом процессе.

Учитывая описательный характер настоящего исследования художественного творческого процесса, его результаты могут быть интегрированы в дальнейшую работу как часть Дневника отчета о творческом процессе (CRD, Botella et al., 2017). CRD - полезный и актуальный аналитический инструмент для оценки творческого процесса в естественном контексте, когда он происходит, с учетом экологической значимости. Возможна реализация различных версий CRD в зависимости от контекста, творческой области и любых других соображений.CRD состоит из двух частей: части, в которой перечислены этапы творческого процесса (которые будут максимально исчерпывающими на основе настоящего исследования), и части, в которой перечислены такие факторы, как когнитивные, когнитивные, эмоциональные и средовые, которые могут иметь значение. творческий процесс (например, мы могли бы оценить командную работу; Peilloux, Botella, 2016). Наконец, CRD позволяет моделировать творческий процесс для людей in situ в течение всего времени, необходимого для их создания. Таким образом, цель CRD будет заключаться в том, чтобы наблюдать связь и переходы между этапами художественного творческого процесса и исследовать, какие факторы будут задействованы на каждом этапе.Однако для этого нам необходимо в настоящем исследовании как можно более исчерпывающе перечислить все этапы визуально-художественного творческого процесса, которые позволят создать конкретный CRD для наблюдения за процессом в дальнейшем изучении.

Методы

Участников

В выборку вошли 28 студентов второго года обучения в школе изобразительного искусства. Семнадцать студентов были девушками и 11 мужчинами ( средний возраст = 20,9 лет, SD = 1,7, размах = 19–24 года).Рациональным для выбора этой выборки было интервьюирование участников с некоторым художественным опытом, но избегание выборки, привыкшей к интервью с четко оформленными идеями. В предыдущем исследовании, когда мы брали интервью у профессиональных художников (Botella et al., 2013), мы заметили некоторые рутины в дискурсе. Некоторые художники были знакомы с интервью, и они рассказывали историю, обычно историю художественного произведения, но иногда отчеты были отделены от их собственной истории и, следовательно, от их собственного творческого процесса.

Руководство по собеседованию

Цель исследования - построить перечень этапов процесса визуального художественного творчества. Учитывая это, руководство по собеседованию было намеренно кратким и открытым и состояло только из двух вопросов: (1) «как обычно проходит ваш творческий процесс?» и (2) «как бы вы назвали этапы, о которых только что упомянули?»

Последующие вопросы интервьюера позволили студентам описать еще один этап своего творческого процесса.Основные подсказки состояли в том, чтобы переформулировать последнее предложение, данное участником, и спросить: «Когда вы сделали […], что вы будете делать дальше?» или «Можете ли вы более точно описать, что вы делаете, когда заканчиваете […]?» Было очень важно не вызывать идеи с помощью наших вопросов, поэтому мы просто переформулировали слова, используемые самими студентами изобразительного искусства, чтобы помочь им перечислить этапы своего художественного творческого процесса.

Интервью были полуструктурированными и длились в среднем 10 минут. Очевидно, что интервью были слишком короткими, чтобы охватить всю сложность художественного творческого процесса с его аспектами «остановись и работай» или «хватай то, что можешь» (Осборн, 1953/1963).Однако достаточно было провести инвентаризацию этапов. Дополнительная ценность этого исследования заключается в том, что в ходе интервью основное внимание уделяется этапам, которые рассматривали сами студенты изобразительного искусства, и тем, как они их назвали.

Процедура

Утверждение этических норм не требовалось в соответствии с руководящими принципами нашего учреждения и национальными нормативными актами. После того, как участники предоставили информированное согласие, студенты-волонтеры были опрошены в их художественной школе во время курса творчества. В этой ситуации им было легче вспомнить этапы своего визуально-художественного творческого процесса.Участники были переведены в отдельную комнату для участия в беседе один на один с интервьюером. Интервьюер (а затем и аналитик) был первым автором, обладающим знаниями в литературе о творчестве и творческом процессе, который уже реализовал множество интервью, в основном с художниками (Botella et al., 2013; Glaveanu et al., 2013). Подсказки состояли из переформулирования того, что сказали участники, чтобы гарантировать, что мы не побуждаем к использованию определенных терминов.

Результаты

Учитывая, что наша цель состояла в том, чтобы описать этапы художественного творческого процесса, мы проанализировали слова, использованные во время интервью.Термины, используемые студентами, были сгруппированы в наборы эквивалентности с помощью программного обеспечения Tropes, в котором ссылки цитируются не менее трех раз. Название, сохраненное для категории, было наиболее цитируемым термином; другие цитаты были использованы для описания категории. В первой части анализа мы сосредоточимся на этапах процесса визуального художественного творчества, спонтанно возникших из дискурса участников. Следовательно, мы займемся ответами на первый вопрос в руководстве по собеседованию. Во второй части мы рассмотрим этапы, названные студентами.Наконец, мы сопоставим эти два анализа, чтобы проверить, действительно ли этапы, названные участниками, соответствуют указанным в дискурсе. Ожидается, что имена будут очень похожи для обоих анализов, но это противостояние служит для перекрестной проверки категоризированных наборов терминов и их ярлыков.

Определение этапов процесса на основе открытого дискурса студентов

На основании ответов студентов на первый вопрос в руководстве по собеседованию были перечислены все термины, процитированные не менее трех раз.Следует отметить, что программа уже может сгруппировать некоторые термины в соответствии с контекстом: например, «невозможно» и «невозможно» считаются одинаковыми. Программное обеспечение также может определять совместное употребление комбинированных терминов, таких как «прикладное искусство». Затем термины были сгруппированы аналитиком в соответствии с контекстом, в котором они появились (см. Таблицу 2). Контекст помог нам определить термины, касающиеся творческого процесса. Когда кажется, что термины соответствуют одной и той же идее, они были сгруппированы вместе, например «Блокнот», «набросок», «рисунок» и «письмо».Мы провели восходящую иерархическую классификацию, сгруппировав два по два самых близких слова. Количество кластеров не было определено заранее, и группировка была остановлена, когда мы посчитали, что другая агрегация не актуальна. Термины, не относящиеся к творческому процессу, не были сохранены («год», «искусство», «стадия», «иметь склонность», «социальная среда» и т. Д.).

Таблица 2 . Категории ссылок, используемых в студенческом дискурсе.

В Таблице 2 указано количество раз, когда категория была процитирована, и сколько студентов ссылались на эту категорию, потому что один и тот же студент мог упомянуть одну и ту же категорию несколько раз.Первый этап состоит из приближения к предмету, овладения им, получения знаний об используемых предметных словах (S14: «Итак, вы идете туда, вы бросаетесь»). Отражение относится к усилиям учащихся по расшифровке и пониманию темы. На этом этапе могут быть визуализированные образы (S1: «Я думаю, у меня все получится за неделю»). На этапе исследования студент идет в библиотеку, чтобы собрать ссылки на художников и предыдущие работы (S4: «Я ищу ссылки, чтобы увидеть, что было сделано.Пришло время документации »). Затем студент создает базу знаний из уже выполненных работ, прежде чем дистанцироваться от этих работ. Вдохновение основано на впечатлении и опыте по данному предмету (S24: «Это действительно то, что я чувствую, и я знаю, что смогу продолжить»). Хотя термин освещение не использовался, мы можем отметить присутствие этой стадии в отчетах студентов о «внезапно появившейся идее» или «случайно натолкнувшейся на идею» (S6: «Это не полностью осознанно.Это происходит вот так. Идеи приходят сами по себе. Мы это чувствуем. И после этого мы пытаемся из этого передать эту идею в подходящие кадры »). Испытания соответствуют изготовлению блокнотов с эскизами. Учащиеся записывают свои наброски и предпринимают попытки, прежде чем они смогут найти идею (S27: «Я стараюсь исследовать как можно больше вещей»). Организация состоит из студентов, которые упорядочивают, направляют и организуют свой подход, смешивая существующие идеи и комбинируя их вместе (S25: «Необходимо определить порядок»).Студент должен будет выбрать идей из всех предложенных (S25: «Я выберу то, что лучше всего»). Работа неизбежно включает в себя один или несколько техник (S18: «Будь то компьютер, фотошоп или рисование, спешка. На самом деле, используйте все, что я знаю как технический, прежде чем вы дойдете до финальной штуки»). В зависимости от индивидуальных предпочтений и ограничений ситуации учащийся выберет ту или иную технику. Продукт творческого процесса конкретизируется на этапе реализации (S9: «Я перехожу непосредственно к реализации с материалами.Я беру картину и делаю ее прямо для очистки »). Этап спецификации указывает на то, что учащийся улучшает, уточняет и добавляет последние штрихи к работе (S15: «Я улучшаю то, что уже нарисовал. Прежде всего, я упрощаю. Потому что я склонен вкладывать слишком много»). Завершение относится к этапу, на котором работа завершена, закончена и добровольно остановлена ​​(S28: «Я очень скрупулезен и трачу много времени на завершение»). Этап вынесения решения соответствует оценке проделанной работы (S27: «Как правило, я должен закончить заранее, чтобы я мог долго смотреть на нее, а затем посмотреть, не хватает ли чего-то или нет.Потому что иногда у меня создается впечатление, что он вообще не закончен, и, глядя на него, я наконец понимаю, что он ничего не упускает или что он упускает именно что-то »). Презентация - это момент, когда ученики представляют свои работы учителям (S20: «Это когда я показываю учителям»). Этап неудачи указывает на то, что студент что-то бросил, будь то работа или идея. В последнем случае ученик отбрасывает одну идею и начинает что-то новое или начинает заново, основываясь на существующей работе (S3: «Если это нехорошо, я не ухожу, я начинаю заново.Со мной часто случается, когда я заканчиваю, и это некрасиво, когда я знаю, что это не хорошо, мне все равно, я трачу еще 8 часов, 10 часов на переработку другого тома. В общем, когда я продолжаю, это все та же тема, но это не та идея »).

Определение этапов процесса, названного студентами

Этот анализ был сосредоточен на втором вопросе руководства к собеседованию, а именно на том, как студенты назвали этапы своего визуально-художественного творческого процесса. Термины были сгруппированы в таблице 3.Отсюда мы смогли выделить 16 этапов в процессе визуального художественного творчества.

Таблица 3 . Категории используются для обозначения этапов творческого процесса.

Погружение означает усвоение работы, которую необходимо выполнить; он включает в себя прослушивание инструкций учителя, определение слов в теме и участие в проекте. Рефлексия относится к форме мозгового штурма, когда ученик пытается понять, расшифровать тему и поразмышлять над ней. Исследование может быть сосредоточено на художниках, документах, книгах, Интернете и направлено на создание студентами базы знаний для себя. Вдохновение , кажется, связано с интуицией и инстинктом. Призрак относится к идеям, которые возникают и появляются сами по себе. Испытания обозначают все опробования, заметки, наброски, заметки и тесты, сделанные студентами. Сборка относится как к попытке нового подхода, так и к различным идеям, возникающим в результате объединения идей.Этап новых идей включает в себя различные возникающие идеи. Этап выбора предполагает выбор идеи. Материалы также упоминались с точки зрения фотографии и объема. Этап реализации относится к действию, композиции, конкретизации, производству и передаче идеи в среду. Этап спецификации можно рассматривать как увеличение глубины анализа, развитие работы и ее исправление. Доработка - это окончание работ.Этап экзамена указывает на то, что нужно отступить от работы, сформулировать анализ работы и поставить под сомнение свою собственную работу. Презентация относится к тому факту, что студенты должны обосновывать, объяснять и представлять свою работу. Тот факт, что учащиеся позволяют работе осесть , переваривать и дышать, может относиться к концепциям перерывов и инкубации. Наконец, учитель также упоминался как часть этапов процесса художественного творчества, когда ученики просят о помощи, потому что они застряли, или когда им нужна справка.

Противостояние двум анализам и определение этапов в процессе визуального художественного творчества

Эта конфронтация позволила нам убедиться, что студенты действительно описали все этапы своего творческого процесса, тем самым подтвердив количество и характер шагов, задействованных в процессе для их интеграции в CRD (см. Таблицу 4). Четырнадцать стадий фигурируют как в свободном дискурсе, так и в стадиях, названных учениками, одна стадия упоминается только в дискурсе, а две стадии упоминаются при названии стадий процесса.В итоге было сохранено 17 различных этапов. Только этап, относящийся к учителю, не был сохранен, потому что учитель больше соответствует социальной поддержке, чем этапу процесса. Дополнительно преподаватель может быть частично включен в этап исследования как источник знаний.

Таблица 4 . Противостояние двух анализов.

На этапе погружения цель состоит в том, чтобы понять обсуждаемую тему и выслушать инструкции, данные учителем.Некоторые студенты могут иногда чувствовать необходимость определить слова и концепции, представленные в теме (S1: «Что я делаю лично, я беру слова, и мне требуется несколько дней или даже неделю, в зависимости от времени проекта, чтобы получить что-то». прямо, подумайте об этом, потому что иногда бывают такие очень расплывчатые темы, которые мы совсем не понимаем. А потом это становится все более и более точным ». Такой подход позволяет им «впитать» тему, вскочить в бой и начать себя (S18: «Дело в том, что я часто склонен вникать в идею.Когда ты дашь мне тему что ли. Я думаю прямо сейчас, что я могу с этим сделать »). Reflection дает возможность понять, что нужно делать, и расшифровать требования учителя. Умственная работа иногда может начинаться с визуализации образа. Это изображение может направлять ученика на протяжении всего процесса (S20: «Я, я не могу начать искать слово, если я не представляю окончательное« что ». Даже если я буду повторять после…»). На этапе исследования студенты учатся искать художников, ссылки, документы и уже созданные работы по теме, которую они интересуют.Прочная база знаний и культура в отношении предыдущей работы могут помочь в создании новых и оригинальных идей (S15: «Учителя проводят исследования. Потому что, когда мы приезжаем сюда, у нас в любом случае не обязательно есть культура графики. Они дают нам ссылки, чтобы посмотреть. Это потому, что часто это иногда ссылки хореографов, и это выходит немного за пределы области изобразительного искусства и графики. И вдруг это позволяет сравнивать вселенные. А затем мы улучшаем то, что делаем »). . Вдохновение возникает, когда идея возникает медленно и постепенно.По словам студентов, это основано на инстинкте, впечатлениях и чувствах (S14: «Иногда вы чувствуете, что у вас много данных, и вы можете начать что-то схватывать»). Хотя слово освещение никогда не упоминалось, в литературе этому этапу уделяется большое внимание. В интервью это переводится как «привидение», «натолкнулся на идею» и «эй, есть идея!», Где идея иногда приходит из неизвестного места (S5: «Иногда приходит одна»; S21: «Я не смотрел.Фактически это упало на меня. И поэтому после этого вы должны прийти в норму »). Использование тетрадей собирает опытов студентов , их наброски и заметки. Они позволяют студентам опробовать и протестировать изображение. Что еще более важно, учителя изучают тетради, чтобы следить за развитием работы учеников. Блокноты показывают ход мысли учащихся, как они достигли определенной работы (S2: «Эти идеи, я всегда помещаю их в свой блокнот, чтобы показать их учителю»). Сборки идей - это результат логических связей, которые ученик устанавливает между несколькими существующими идеями.Таким образом, это соответствует направлению, которое студент желает придать производству и будущей работе (S3: «Я стараюсь все смешивать»). Этап идеи в дискурсе не упоминается. Это упоминалось только тогда, когда студенты называли этапы. Выбор относится к классификации и сортировке идей. Цель здесь состоит в том, чтобы выбрать, какие идеи можно использовать, а какие, с другой стороны, следует отложить (S24: «Трудно выбрать, по какому пути идти»). Техника - очень важный аспект для начинающих художников. Они должны соблюдать кодексы, правила, найти типографику, свой собственный стиль. Хотя ученики редко называли этот этап таковым, он очень присутствует в их дискурсе (S27: «Я применил некоторую технику. Например, меня немного научили технике коллажа, я использовал эту вещь после потому что мне это нравилось. Я пытался из школы передергивать по-своему »). Реализация относится к воплощению идеи в образ.Именно в этот момент обретают форму композиция и производство материальной работы (S18: «Я пытаюсь реализовать это в лучшем случае»). Этап спецификации раскрывает улучшения, добавленные детали, изменения и исправления, внесенные в текущую работу. На этом этапе ученики добавляют детали, которые они не обязательно планировали изначально (S23: «Когда у меня есть что-то, что мне нравится, я копаюсь еще больше, чтобы посмотреть, смогу ли я это использовать»). Завершение означает момент, когда учащийся решает, что работа выполнена.Работа завершена или почти близка к завершению (S17: «Она так и не закончена. Для визуализации есть фиксированная дата, и вот она закончена. Но только для оценки. Но в целом у нас всегда есть что добавить. , фотографии для резюме, вещи, которые нужно вернуть. Обычно мы делаем это, если у нас есть жюри в конце года. А здесь мы пытаемся доработать проект начала года »). Термин приговор также прямо не упоминался. Однако его можно найти в том, чтобы сделать шаг назад, подвергнуть сомнению свою работу, наблюдать за ней с большим вниманием и, таким образом, оценить ее (S3: «Я смотрю на [свою работу].Думаю вместо учителей. Если бы я был учителем, если бы я посмотрел, если что-то не так, если есть пятно, если я увижу, что что-то не так, если оно не хорошее, хорошо вырезано, я начну все сначала ». ). Хотя этот этап прямо не упоминался в дискурсе студентов, этап излома также, похоже, существует. Его цель - дать идеям отдохнуть, переварить, осесть и «дышать». Дискурс предполагает также наличие метода проб и ошибок. Поскольку слово «неудача» кажется немного сильным, мы сохраняем термин « отказ от », коннотации которого менее негативны (S3: «Иногда я меняю свою идею, а иногда, когда я работаю, это невозможно») .

Обсуждение

Цели этого исследования состояли в том, чтобы определить характер и количество этапов, присутствующих в творческом визуально-художественном процессе, чтобы построить конкретный CRD. Двадцать восемь студентов-искусствоведов попросили описать свой процесс визуального художественного творчества и назвать его этапы. Сравнивая дискурс этих студентов-художников и названия, которые они давали различным этапам своей работы, мы выделили 17 этапов.

Immersion присутствует в нескольких существующих моделях.Это соответствует препарату в модели Валласа (1926) (синтез см. В таблице 5). Валлас рассматривает подготовку как предварительный анализ, позволяющий определить и поставить проблему. Та же идея присутствует в консультационно-ориентированной модели Карсона (1999) и в работе над творческим процессом актеров (Blunt, 1966; Nemiro, 1997, 1999). Осборн (1953/1963) говорит вместо ориентации, в которой человек определяет проблему, которую необходимо решить. Шоу (1989, 1994) предлагает также термин «погружение».” Reflection обычно включается в подготовку. Осборн предлагает этап, на котором человек делает шаг назад, чтобы исследовать связи, существующие между различными идеями. Совсем недавно этот этап рефлексии был выявлен в интервью с профессиональными художниками (Botella et al., 2013). Этап исследования требуется школой искусств (S8: «У нас есть много инструкций от учителей, которые нам помогают. Мы должны пройти исследование»). Исследования также обычно включаются в подготовку.Следует отметить, что в модели Треффингера (Treffinger, 1995) подготовка называется пониманием. Здесь цель состоит в том, чтобы человек мог найти информацию о рассматриваемой проблеме. Также Ранко (1997) упоминает этап информации. Здесь этап исследования может помочь студентам, изучающим изобразительное искусство, отличить свои собственные работы от предыдущих (Bruford, 2015). В интервью с профессиональными художниками (Botella et al., 2013) этот этап поиска сопровождался рефлексией как поиском средств (т.е., материальные или технологические) для превращения первоначальной идеи в реальное производство.

Таблица 5 . Соответствие между этапами, сохраненными в настоящем исследовании, и существующими этапами в области исследования.

Вдохновение соответствует интуиции и метапознанию (Cropley, 1999). Помимо прочего, это позволяет нам определить, какой подход будет более эффективным, чем другой. Поликастро (1995) определяет интуицию как неявную форму обработки информации, которая предназначена для предвидения и руководства творческими исследованиями.По ее словам, интуиция может позволить бессознательный переход от инкубации к освещению. Однако интуиция никогда не считалась этапом творческого или художественного процесса. Следовательно, это этап, специфичный для текущего исследования. По описанию студентов, стадия вдохновения близка к стадии намека, добавляемого между инкубацией и инсайтом (Sadler-Smith, 2016). Удивительно и интересно, что ученики изобразительного искусства рассматривают вдохновение как этап своего творческого процесса.Таким образом, необходимо будет повторить это исследование, чтобы подтвердить, действительно ли это этап или фактор, участвующий в творческом процессе. Слово « иллюминация » учениками как таковое не упоминалось. Многие авторы ранее показали, что этап освещения редко упоминается студентами-искусствоведами. Дойл (1998) описал освещение как случайность, когда решение возникает внезапно и неожиданным образом (Wallas, 1926). Следовательно, описание этого этапа, которое студенты сделали, можно было бы назвать озарением: идея приходит или появляется неожиданным образом.Другие авторы считают, что это переживание освещения в большинстве случаев будет более постепенным, чем внезапным (Ghiselin, 1952; Gruber and Davis, 1988; Weisberg, 1988). Хотя возможно, что освещение не является частью всех творческих процессов или что создатели не всегда могут осознавать это, этап освещения остается ключевым этапом творческого процесса, потому что именно на этом этапе идея принимает форма.

испытаний, , тестов и экспериментов, выполненных студентами, могут соответствовать стадии развития идеи в модели Мейса и Уорда (Mace and Ward, 2002).В своем описании художественного процесса Мейс и Уорд утверждают, что во время разработки идеи художник структурирует, дополняет и реструктурирует идею. Авторы указывают, что этот пробный этап позволит художникам составить для себя более точное представление об исходном проекте. Этот этап прорабатывается в Художественной школе с блокнотами.

Сборка соответствует микропроцессу дивергентного мышления, в котором идеи собираются и смешиваются вместе. Напротив, конвергентное мышление позволяет сосредоточиться на одной идее (Guilford, 1950).Такой образ мышления позволяет людям находить единственное решение проблемы. Генерация идей, которые еще не были проверены и оценены, соответствует идеям (Carson, 1999). Осборн (1953/1963) упоминает стадию синтеза, которая состоит из объединения идей и определения отношений между ними.

Выбор относится к концентрации (Carson, 1999). Концентрация позволяет сосредоточить внимание человека на тех решениях, которые считаются адекватными, и отвергать другие решения.Ни одна модель не подчеркивает этап выбора техники . Тем не менее, художник должен определить технику, которая позволит ему воплотить идею в жизнь наилучшим образом. Во время интервью с профессиональными художниками технические вопросы были включены в этап документации (Botella et al., 2013). Однако в настоящем исследовании, поскольку 71,43% студентов упомянули этот этап в своем дискурсе, а 17,86% назвали его прямо, мы решили рассматривать «технику» как особый этап визуально-художественного творческого процесса.В ходе дальнейших исследований будет интересно выяснить, является ли этот этап специфическим для изобразительного искусства или он является более распространенным этапом в других областях творчества.

Спецификация может соответствовать доработке. Бергер и др. (1957) определяли проработку как способность индивида детализировать производимые идеи. Этот этап также может быть связан с творческим объяснением, целью которого для художника является объяснение идей (Shaw, 1989, 1994).

Реализация относится к творческому производству (Treffinger, 1995) или к творческому синтезу (Shaw, 1989, 1994).Здесь цель - конкретизировать идею. «Техника» обычно включается в этот этап. Однако кажется, что производство указывает на акт создания и задействованные жесты, а не на когнитивный или эмоциональный выбор техники. Мейс и Уорд (2002) говорят также о реализации, то есть о преобразовании идеи в «физическую сущность». Они отмечают, что для некоторых физических искусств и для самых разных художественных средств необходимо иметь подробное представление о том, что художник собирается делать.Следовательно, следует предвидеть некоторые решения, например, связанные с выбором техники.

Завершение соответствует, по крайней мере частично, этапу завершения в Mace and Ward (2002). Авторы утверждают, что завершение подразумевает, что человек решил, что его / ее работа завершена. Если художник считает работу успешной и удовлетворительной, и он может ее выставить. В этом случае этап завершения также включает в себя вешание или выставление работы.

Стадия суждения творческого производства очень часто упоминается в моделях творческого процесса. В частности, Валлас (1926) пишет о верификации, когда индивид оценивает возникшую идею. На этом этапе нужно сделать шаг назад от своей работы и оценить ее. Проверка может быть двух видов: «внутренняя» проверка, то есть сравнение между созданной идеей и идеей, сформированной во время освещения, или «внутренняя» проверка, которая заключается в предвидении реакции аудитории (Armbruster, 1989).Согласно Бассе и Мэнсфилду (1980), проверка может происходить раньше в процессе, поскольку человек сначала проверяет идеи, а затем разрабатывает решение. Другие авторы утверждали, что суждение происходит на более поздней стадии. Например, Осборн (1953/1963) считает, что оценка - это момент, когда индивид оценивает выбранную идею. Описывая творческий процесс, Осборн (1953/1963) упоминает этап анализа, на котором человек делает шаг назад, чтобы исследовать связи, которые образуются между идеями и их важностью.Напротив, Шоу (1989, 1994) обращается к концепции валидации, тем самым подчеркивая важность этого этапа. По его словам, личное подтверждение состоит в оценке собственной работы и использовании опыта, приобретенного в ходе этого процесса, для создания нового творческого процесса. В дополнение к личному подтверждению существует коллективный уровень подтверждения. Последний касается оценки творческой продукции коллегами, аудиторией или критиком. Коллективная проверка может привести к новому процессу только в случае принятия сформулированной оценки.Если постановка подтверждена, за ней может последовать серия, в которой идея распространяется на несколько работ (Botella et al., 2013).

Стадия презентации обычно не описывается как таковая в моделях творческого процесса или художественного процесса; его цель - представить работу учителям. В случае профессиональных художников это больше относится к продаже работы. Однако недавние модели включали этап коммуникации (Runco, 1997; Howard et al., 2008; Cropley, Cropley, 2012).

Термин « перерыв », возникший на этапах, названных студентами, может соответствовать инкубации. Как мы видели, этот этап очень трудно оценить и учесть (Botella et al., 2011), хотя он и важен (Patrick, 1937; Dreistadt, 1969; Smith and Blankenship, 1989, 1991; Smith and al. Вела, 1991), особенно к выражению художественного творчества (Русь, 1993). Слова, используемые учениками, выделяют некоторые бессознательные ассоциации. Более того, они говорят о том, чтобы дать своим идеям отдохнуть, дать им возможность перевариться и отстояться.Инкубацию всегда сложно оценить, потому что в большинстве случаев она основана на бессознательной работе. Наконец, хотя этап вывода является предметом исследования, он не включается в большинство моделей творческого процесса. Только Мейс и Уорд (2002) принимают во внимание явную возможность отказа от процесса в любой момент. Даже если процесс жестоко прерывается, художник постоянно развивает новые знания. Это знание - результат постоянного, динамичного взаимодействия с художественной практикой.Артисты расширяют и совершенствуют свой репертуар навыков, техник и знаний. Также они обостряют свои художественные интересы и личность. В этой работе могут появиться новые идеи, которые можно будет использовать позже.

Заключение

Хотя это исследование было ограничено методом интервью и, таким образом, было сосредоточено на неявных теориях учащихся об их собственном творческом процессе, оно позволило нам выделить несколько этапов в процессе визуального художественного творчества. Из-за неявных теорий и количества моделей, предполагающих линейную последовательность этапов, иногда с некоторыми возможными петлями или циклами, понимание последовательности этапов из интервью кажется слишком амбициозным.Настоящее исследование предлагает нам переосмыслить то, что составляет художественный творческий процесс. Даже если у нас уже есть длинный список моделей, ни одна из них не является полной и удовлетворительной. Возможно, нам потребуется составить и поддерживать список всех этапов творческого процесса, который затем можно адаптировать к каждой области, учитывая, что творческий процесс может варьироваться в зависимости от рассматриваемой области (Baer, ​​1998, 2010; Ботелла и Любарт, 2015). Учитывая эту неопределенность, рекомендуется продолжать исследования творческого процесса.На данный момент данный перечень этапов визуально-художественного творческого процесса может помочь учителям в их курсовой работе. Во время интервью студенты указали, что этапы исследования и использование дневника требовались их художественной школой. Это кажется ограничением настоящего исследования. Мы не уверены, описали ли студенты-художники предписывающие этапы в своей художественной школе или свои реальные этапы творчества. Вопрос был ориентирован на то, как в целом происходит их творческий процесс, но поскольку они изучают искусство и были опрошены в их художественной школе, в их дискурсе появляются некоторые предписывающие этапы.Однако во время собеседований некоторые студенты указали, является ли этап предписывающим, и мы указывали на этот момент в этой статье. С обновленным списком учителя могут предлагать другие упражнения, которые помогут студентам-искусствоведам на всех этапах. Более того, вне образовательного контекста растет спрос на консультационные услуги для стимулирования бизнес-творчества (см. Berman and Korsten, 2010), и текущее исследование может также предоставить полезный шаблон для эффективного управления творческими процессами в этой области промышленных инноваций.Однако мы должны быть осторожны с использованием такого списка. Осмысляя творческий процесс, действительно ли мы рискуем создать «единую» предписывающую модель того, как быть креативным? Мы можем предположить, что некоторые творческие процессы больше подходят для некоторых творческих личностей, но было бы контрпродуктивно пытаться заставить всех людей участвовать в одном и том же процессе. Творческий процесс варьируется в зависимости от области (Ботелла и Любарт, 2015) и, вероятно, также зависит от культуры, личностей создателей и задач.

Эти этапы, а точнее их последовательность, следует проверять на местах, наблюдая за студентами, выполняющими художественную работу, особенно для определения точной последовательности этапов, с использованием такого инструмента, как CRD. Более того, будет интересно наблюдать за совместным творческим процессом, а также поместить этот процесс в более глобальный социокультурный подход. Как мы видели во введении, творческий процесс можно описать с использованием подходов на микро- или макроуровне, и в более глобальном масштабе он происходит в конкретном социокультурном контексте.Эти подходы могут использоваться непосредственно во время наблюдений за творческим процессом и связаны с когнитивными, когнитивными, эмоциональными факторами и факторами окружающей среды, вовлеченными в этот процесс.

Заявление об этике

Все субъекты дали письменное информированное согласие в соответствии с Хельсинкской декларацией.

Авторские взносы

МБ Методология, интервью, анализ и письмо; Методология и написание ФЗ; и методология TL и написание.

Заявление о конфликте интересов

Авторы заявляют, что исследование проводилось при отсутствии каких-либо коммерческих или финансовых отношений, которые могут быть истолкованы как потенциальный конфликт интересов.

Список литературы

Амабиле, Т. М. (1988). Модель творчества и инноваций в организациях. Res. Орган. Behav. 10, 123–167.

Google Scholar

Амабиле, Т. М. (1996). Творчество в контексте . Боулдер, Колорадо: Westview Press.

Google Scholar

Арлин, П. К. (1986). «Поиск проблем и познание молодых взрослых», в Когнитивное развитие взрослых: методы и модели , ред. Р. А. Майнс и К. С. Китченер (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Praeger), 22–32.

Google Scholar

Армбрустер, Б. Б. (1989). «Метапознание в творчестве», в справочнике по творчеству , ред. Э. П. Торранс, Дж. А. Гловер, Р. Р. Роннинг и К. Р. Рейнольдс (Нью-Йорк, Нью-Йорк: Пленум), 177–182. DOI: 10.1007 / 978-1-4757-5356-1_10

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Баер, Дж. (1998). Аргументы в пользу предметной специфики творчества. Creat. Res. J. 11, 173–177. DOI: 10.1207 / s15326934crj1102_7

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Баер, Дж.(2010). «Специфична ли область творчества?» В Кембриджский справочник по творчеству , ред. Дж. К. Кауфман и Р. Дж. Стернберг (Кембридж: издательство Кембриджского университета), 321–341. DOI: 10.1017 / CBO9780511763205.021

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Basadur, M., и Gelade, G.A. (2005). Моделирование прикладного творчества как познавательного процесса: теоретические основы. Кор. J. Думаю. Вероятно. Решение 15, 13–41.

Google Scholar

Бергер, Р.М., Гилфорд, Дж. П., и Кристенсен, П. Р. (1957). Факторно-аналитическое исследование способностей к планированию. Psychol. Monogr. 71, 1-29. DOI: 10,1037 / h0093704

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Берман С., Корстен П. (2010). Как извлечь выгоду из сложности: выводы глобального исследования генерального директора . Сомерс, Нью-Йорк: IBM.

Google Scholar

Блант, Дж. (1966). Составное искусство актерского мастерства . Нью-Йорк, Нью-Йорк: Макмиллан.

Google Scholar

Ботелла М., Главяну В. П., Зенасни Ф., Сторме М., Мышковски Н., Вольф М. и др. (2013). Как творят художники: творческий процесс и многовариантные факторы. ЖЖ. Индивидуальный. Diff. 26, 161–170. DOI: 10.1016 / j.lindif.2013.02.008

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Ботелла М., Любарт Т. (2015). «Творческие процессы: искусство, дизайн и наука», в Междисциплинарные вклады в науку творческого мышления , ред.Э. Корацца и С. Аньоли (Сингапур: Springer), 53–65.

Google Scholar

Ботелла М., Нельсон Дж. И Зенасни Ф. (2016). «Les macro et micro processus créatifs [Макро- и микротворческие процессы]», в Créativité et apprentissage [Творчество и обучение] , изд. I Capron-Puozzo (Louvain-la-Neuve: De Boeck), 33–46.

Google Scholar

Ботелла М., Нельсон Дж. И Зенасни Ф. (2017). Пришло время понаблюдать за творческим процессом: как пользоваться дневником творческого процесса (CRD). J. Creat. Behav. DOI: 10.1002 / jocb.172

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Ботелла М., Зенасни Ф. и Любарт Т. И. (2011). Динамический и экологический подход к художественному творческому процессу у студентов-искусствоведов: эмпирический вклад. Empir. Stud. Искусство 29, 17–38. DOI: 10.2190 / EM.29.1.b

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Бруфорд, В. (2015). Заставляя это работать: творческое музыкальное исполнение и западный комплект Drummer , неопубликованная диссертация, Университет Суррея.

Google Scholar

Бернард, П. (2012). Музыкальное творчество на практике . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета. DOI: 10.1093 / acprof: oso / 9780199583942.001.0001

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Бусс, Т. В., и Мэнсфилд, Р. С. (1980). Теории творческого процесса: обзор и перспектива. J. Creat. Behav. 14, 91–132. DOI: 10.1002 / j.2162-6057.1980.tb00232.x

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Карсон, Д.К. (1999). «Консультирование», в Encyclopedia of Creativity , Vol. 1, ред. М. А. Ранко и С. Р. Прицкер (Нью-Йорк, Нью-Йорк: Academic Press), 395–402.

Google Scholar

Кропли, А. Дж. (1999). «Определения творчества», в Encyclopedia of Creativity , Vol. 1, ред. М. А. Ранко и С. Р. Прицкер (Нью-Йорк, Нью-Йорк: Academic Press), 511–524.

Google Scholar

Кропли, Д. Х., Кропли, А. Дж. (2012). Психологическая таксономия организационных инноваций: разрешение парадоксов. Creat. Res. J. 24, 29–40. DOI: 10.1080 / 10400419.2012.649234

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Дьюи, Дж. (1934). Искусство как опыт . Нью-Йорк, Нью-Йорк: Книги Пингвинов.

Google Scholar

Дойл, К. Л. (1998). Писатель рассказывает: творческий процесс при написании художественной литературы. Creat. Res. J. 11, 29–37. DOI: 10.1207 / s15326934crj1101_4

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Дрейштадт, Р.(1969). Использование аналогий и инкубации для получения идей в творческом решении проблем. J. Psychol. 71, 159–175. DOI: 10.1080 / 00223980.1969.10543082

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Фюрст, Г., Гислетта, П., и Любарт, Т. (2012). Творческий процесс в изобразительном искусстве: продольное многомерное исследование. Creat. Res. J. 24, 283–295. DOI: 10.1080 / 10400419.2012.729999

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Getzels, J.W., and Csikszentmihalyi, M. (1976). «Забота об открытиях в творческом процессе», в The Creativity Question , ред. А. Ротенберг и К. Р. Хаусман (Дарем, Северная Каролина: издательство Duke University Press), 161–165.

Google Scholar

Гизелин Б. (1952). Творческий процесс. Беркли, Калифорния: Калифорнийский университет Press.

Google Scholar

Гловяну, В. П. (2010). Парадигмы в изучении творчества: знакомство с культурной психологией. New Ideas Psychol. 28, 79–93. DOI: 10.1016 / j.newideapsych.2009.07.007

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Главяну В. П., Любарт Т., Боннардель Н., Ботелла М., Де Биази П.-М., Де Сент Катрин М. и др. (2013). Творчество как действие: выводы из пяти творческих областей. Фронт. Educ. Psychol. 4: 176. DOI: 10.3389 / fpsyg.2013.00176

PubMed Аннотация | CrossRef Полный текст | Google Scholar

Грубер, Х. Э. (1989).«Развивающийся системный подход к творческой работе», в Creative People at Work: Twelve Cognitive Case Studies , ред. Д. Б. Уоллес и Х. Э. Грубер (Нью-Йорк, Нью-Йорк: Oxford University Press), 3–24.

Google Scholar

Грубер, Х. Э., и Дэвис, С. Н. (1988). «Пробивая путь к горе Олимп: развивающийся системный подход к творческому мышлению», в The Nature of Creativity , ed R. J Sternberg (New York, NY: Cambridge University Press), 243–270.

Google Scholar

Ховард, Т.Дж., Калли С. Дж. И Деконинк Э. (2008). Описание процесса творческого проектирования путем интеграции литературы по инженерному дизайну и когнитивной психологии. Des. Stud. 29, 160–180. DOI: 10.1016 / j.destud.2008.01.001

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Килгур М. (2006). Улучшение творческого процесса: анализ влияния методов дивергентного мышления и предметных знаний на творчество. Внутр. J. Business Soc. 7, 79–107.

Google Scholar

Козбельт А., Бегетто Р. А. и Рунко М. А. (2010). «Теории творчества», The Cambridge Handbook of Creativity, Vol. 2 , ред. Дж. К. Кауфман и Р. Дж. Стернберг (Нью-Йорк, Нью-Йорк: издательство Кембриджского университета), 20–47.

Google Scholar

Любарт Т. И. (2001). Модели творческого процесса: прошлое, настоящее и будущее. Creat. Res. J. 13, 295–308.

Google Scholar

Любарт, Т.И., Мучироуд К., Торджман С. и Зенасни Ф. (2015). Psychologie de la Créativité (Deuxième Edition) [Психология творчества] . Париж: Арман Колин.

Google Scholar

Мейс, М.-А., и Уорд, Т. (2002). Моделирование творческого процесса: обоснованный теоретический анализ творчества в области художественного творчества. Creat. Res. J. 14, 179–192. DOI: 10.1207 / S15326934CRJ1402_5

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Мамфорд, М. Д., Рейтер-Палмон Р. и Редмонд М. Р. (1994). «Построение проблемы и познание: применение представлений проблемы в плохо определенных областях», в Поиск проблем, решение проблем и творчество , под ред М. А. Рунко (Норвуд, Нью-Джерси: Ablex), 3–39.

Google Scholar

Немиро Дж. (1997). Художники-интерпретаторы: качественное исследование творческого процесса актеров. Creat. Res. J. 10, 229–239.

Google Scholar

Немиро Дж. (1999).«Актерское мастерство» в энциклопедии творчества , Vol. 1 , ред. М. А. Ранко и С. Р. Прицкер (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Academic Press), 1–8.

Google Scholar

Осборн, А. Ф. (1953/1963). Прикладное воображение, 3-е изд. . Нью-Йорк, Нью-Йорк: Scribners.

Google Scholar

Патрик К. (1935). Творческая мысль поэтов. Arch. Psychol. 178, 1–74.

Google Scholar

Пейю, А., Ботелла, М. (2016).Эколого-динамическое исследование творческого процесса и аффекта студентов-ученых, работающих в группах. Creat. Res. J. 28, 165–170. DOI: 10.1080 / 10400419.2016.1162549

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Policastro, E. (1995). Творческая интуиция: комплексный обзор. Creat. Res. J. 8, 99–113. DOI: 10.1207 / s15326934crj0802_1

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Рунко, М. А. (1997). Справочник по исследованию творчества .Кресскилл, Нью-Джерси: Hampton Press.

Google Scholar

Рунко, М.А., и Доу, Г. (1999). «Поиск проблем», в Encyclopedia of Creativity , Vol. 2, ред. М. А. Ранко и С. Р. Прицкер (Нью-Йорк, Нью-Йорк: Academic Press), 433–435.

Google Scholar

Русс, С. У. (1993). Аффект и творчество: роль аффекта и игры в творческом процессе . Хиллсдейл, Нью-Джерси: Lawrence Erlbaum Associates Inc.,

Google Scholar

Сэдлер-Смит, Э.(2016). Четырехэтапная модель творческого процесса Валласа: больше, чем кажется на первый взгляд? Creat. Res. J. 27, 342–352. DOI: 10.1080 / 10400419.2015.1087277

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Шлевитт-Хейнс, Л. Д., Землянин, М. С., и Бернс, Б. (2002). Взгляд на мир по-другому: анализ описаний визуальных впечатлений, предоставленных художниками и нехудожниками. Creat. Res. J. 14, 361–372. DOI: 10.1207 / S15326934CRJ1434_7

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Шоу, М.П. (1989). Процесс эврики: структура творческого опыта в науке и технике. Creat. Res. J. 2, 286–298. DOI: 10.1080 / 10400418

4325

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Шоу, М. П. (1994). «Аффективные компоненты научного творчества», в Creativity and Affect , ред. М. П. Шоу и М. А. Ранко (Вестпорт: Ablex Publishing), 3–43.

Google Scholar

Станко-Качмарек, М. (2012). Влияние внутренней мотивации на аффект и оценку творческого процесса у студентов изящных искусств. Creat. Res. J. 24, 304–310. DOI: 10.1080 / 10400419.2012.730003

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Треффингер, Д. Дж. (1995). Творческое решение проблем: обзор и образовательные последствия. Educ. Psychol. Ред. 7, 301–312. DOI: 10.1007 / BF02213375

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Валлас, Г. (1926). Искусство мысли. Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Harcourt, Brace and Company.

Google Scholar

Вайсберг, Р.W. (1988). «Решение проблем и творчество», в Природа творчества: современные психологические перспективы , ред Р. Дж. Стернберг (Кембридж: издательство Кембриджского университета), 148–176.

Google Scholar

Йокочи, С., и Окада, Т. (2005). Творческий познавательный процесс создания искусства: полевое исследование традиционного китайского художника-туши. Creat. Res. J. 17, 241–255.

Google Scholar

этапов развития детских рисунков

Эти этапы взяты из книги Боба Стила «Нарисуй мне историю: иллюстрированное исследование рисования как языка», © 1997.

Каракули

Эта стадия характерна для детей от 18 месяцев до 3 лет.

  • Каракули случайны. Дети в игровой форме изучают художественные материалы.
  • Каракули переходят от неконтролируемых к более контролируемым.
  • Этот этап позволяет детям научиться держать карандаш, а также определять, левши они или правши.
  • Вы можете этого не видеть, но некоторые каракули названы. Ребенок укажет на объект, найденный в каракуле.

Рисование помогает детям с:

Физическое развитие

  • Зрительно-моторная координация
  • Развитие тонких и крупных мышц
  • Манипуляции с руками

Искусство языка

  • Обозначение или маркировка
  • Разговор

Чистота

  • Поглаживание
  • Ловкость пальцев
  • Контроль тонких мышц

Руководство

  • Уверенность в себе
  • Независимость
  • Инициатива
  • Удовольствие

Стадия предварительной схемы

Эта стадия характерна для детей от 2 до 4 лет.

  • Рисунки становятся более сложными, хотя обычно они нереалистичны.
  • Дети будут склонны использовать свои любимые цвета, а не представлять предметы в точных цветах.
  • Рисунки людей очень просты с небольшими особенностями.
  • Объекты на чертежах плавают в пространстве. Они не закреплены.
  • «Люди-головастики» нарисованы с очень большой головой на маленьком теле с вытянутыми руками.
  • Интерьер и экстерьер показаны одновременно.(Рентгеновские рисунки)

На этом этапе у детей продолжает развиваться улучшенная зрительно-моторная координация, развитие мелких и крупных мышц и уверенность в себе.

  • Наблюдение
  • Мышление
  • Решение проблем
  • Чувство компетентности

Схема ступени

Эта стадия характерна для детей от 5 до 8 лет.

  • Рисунки людей становятся пропорциональнее и детальнее.
  • Цвета становятся более реалистичными и стереотипными (трава зеленая, небо голубое).

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *