На самом видном месте: тиктокерка нашла главный спойлер к «Игре в кальмара» прямо в шоу
Оказалось, что и участники игр на выживание, и зрители могли без лишних усилий заранее узнать о том, каким будет следующее испытание.
Сериал «Игра в кальмара» бьет рекорды по просмотрам на Netflix и активно обсуждается в соцсетях. По сюжету погрязшие в долгах жители Южной Кореи соглашаются принять участие в борьбе за 45 млрд вон. Несколько сотен конкурсантов соревнуются в популярных детских играх, при этом проигравших ждет смерть.
Единственным, что хоть как‑то может помочь героям обеспечить себе победу, — возможность заранее узнать, какой будет следующая игра. Те, кому тем или иным способом удалось это сделать, могут продумать подходящую стратегию.
Внимательная зрительница @lucy.what1 рассказала в тиктоке, что ключ к победе был спрятан на самом видном месте.
Все испытания, которые должны были пройти участники, были изображены на стенах в комнате, где они жили. «Все это время подсказка была перед глазами», — написала она в ролике.
В тиктоке она показывает кадры из последних серий, где на стенах отчетливо видны рисунки с играми. Заметить их раньше было гораздо сложнее, ведь в самом начале в комнате было 456 кроватей для каждого участника, которые возвышались друг над другом и загораживали все стены. Когда игроки выбывали, лишние кровати убирали, и таким образом рисунки оказались на виду.
From the beginning, All the games were drawn already on the wall but no one noticed it…
📷: 아이돌 연구소 #SquidGame pic.twitter.com/fnTXa8NjVt
— TAHJ MIKAELSON (@TAHDIOR_) September 25, 2021
Сравните похожие кадры из разных серий. Подсказка всегда была на стенах
Ролик @lucy.
what1 собрал 14,4 млн просмотров и заставил многих пересмотреть шоу. В комментариях девушка добавила, что в каждой серии на виду была именно нужная подсказка.
Подробности по теме
Сделай звездочку или умри: в тиктоке повторяют карамельное испытание из «Игры в кальмара»
Сделай звездочку или умри: в тиктоке повторяют карамельное испытание из «Игры в кальмара»Наскальные рисунки в Мексике указали на связь людей с космосом
Исследователи из Национального института истории и антропологии Мексики (INAH) представили исследование, посвященное изучению древнего культового наскального искусства в городе Уаякокотле. Установлено, что эти рисунки были связаны с мифологическими существами и космическими церемониями.
Краткий отчет представлен на сайте INAH. Наскальные изображения расположены в современном местечке Куэва-де-ла-Месита.
Они связаны с мифологическими традициями культуры отоми.
Ученые отмечают, что данный регион был густо населен на протяжении тысячелетий. Он был богат различными ресурсами, в том числе водными — здесь протекает река. По сути, это был «священный коридор».
В последние годы в ущелье было найдено 26 участков с пиктограммами. Некоторые из них, самые древние, связаны с традициями охотников-собирателей. Но большинство наскальной графики связано с отомийской традицией белой живописи, распространенной между 950 и 1521 годами нашей эры.
Исследователи выделяют в Куэва-де-ла-Месита два основных кластера с пиктограммами. Первый расположен на высоте 11 метров и содержит 12 графических элементов. Они нарисованы на потолке, прямо над головой наблюдателя. По мнению археологов, это связано с астрономическими мотивами. Темные скальные потолки древние художники ассоциировали с ночным небом.
Этот кластер особенно заинтересовал ученых. Они сравнили его с произведениями постклассической иконографии центральной Мексики и пришли к выводу, что данный набор рисунков был необходим для проведения церемонии Нового Огня.
Эта церемония была типична для многих народов Мезоамерики, которые испытывали сильный страх перед концом света. Например, ацтеки и миштеки верили, что эра длится всего 52 года, по окончании которой мир должен быть разрушен богами. Чтобы этого не произошло, каждые 52 года проводились церемонии Нового Огня, по сути, возрождения мира.
Данный 52-летний календарь был ритуальным и у коренных народов Мезоамерики был тесно связан с «зодиакальными» знаками. На это в новом исследовании также указывают его авторы. Они установили, что на первой панели, размещенной на потолке, изображены созвездия, которые у древних местных жителей носили названия Мика и Мамалхуазтли. Именно эти созвездия связывали с церемониями Нового Огня каждые 52 года.
Кроме того, ученые обращают внимание и другие элементы на первой панели. Они представляют собой неких антропоморфных персонажей с кольцами в носах, пытающихся кого-то укусить. Один из них изображен с отрубленной ногой.
В этих мотивах исследователи увидели характеристики Тескатлипока — одного из главных божеств разных народов.
Он носил зеркало-щит, наблюдая с его помощью за делами людей. Этот же бог в различных своих воплощениях был творцом и разрушителем мира.
Считается, что культ Тескатлипока в долину Мехико принес народ науа, а затем он распространился по всей стране. Этого бога наделили множеством черт, которыми он не обладал изначально. В данном случае в пещере было найдено изображение гигантского змея — Мишкоатля. Народ науа верил, что Тескатлипока иногда принимал образ Мишкоатля, чтобы провести церемонию зажигания Нового Огня, то есть возрождения мира.
Что касается второй панели, то она расположена на уровне земли. На ней изображены шесть неких биоморфных существ. По мнению ученых, она была задумана в качестве контраста первой панели. Если верхние изображения намекают на небесный свод, то нижние, вероятно, связаны с водой.
Исследователи считают, что изображенные на ней существа могут быть вэмами — гигантскими мифическими существами, которые, согласно верованиям отоми, жили в дочеловеческую эпоху.
Однако однажды произошел всемирный потоп, эти существа оказались в ловушке на вершинах холмов и со временем превратились в камни-мегалиты.
По словам Анны Марии Альварес, одного из соавторов исследования, пещера с рисунками и сам «священный коридор» до сих пор являются местами поклонения для отоми. Они считают Луну и каменные монолиты сущностями, связанными с их предками.
Дело Сэмюэля Литтла: портреты жертв, нарисованные убийцей
Автор фото, FBI
Подпись к фото,В ФБР надеются, что рисунки Литтла помогут идентифицировать жертв преступника
Федеральное бюро расследований США опубликовало рисунки заключенного — 78-летнего Сэмюэля Литтла, отбывающего пожизненный срок за убийства. На рисунках — портреты его жертв.
Литтл был осужден на пожизненное заключение за три убийства, однако он утверждает, что в общей сложности убил 90 человек за 35 лет.
В ФБР надеются, что нарисованные Литтлом портреты помогут в идентификации жертв его преступлений.
Литтл совершал убийства в период с 1970 по 2005 год. Первое убийство датируется 1970-м или 1971-м годом. Тогда Литтл убил белую женщину во Флориде.
По данным следователей, как правило, его жертвами становились социально незащищенные женщины из маргинализированных слоев населения: проститутки, наркозависимые.
Тела жертв Литтла в некоторых случаях не были идентифицированы, а дела об их убийствах не были расследованы.
Судя по признательным показаниям заключенного, если его вина подтвердится, Литтл может оказаться самым кровавым серийным убийцей в истории США, говорят в ФБР.
Автор фото, FBI
Подпись к фото,«Белая женщина, убитая в 1984 году. Встретил жертву в городе Колумбус, штат Огайо. Избавился от тела где-то в Северном Кентукки»
Будучи неплохим боксером, Литтл обычно нокаутировал своих жертв, а затем душил. Поэтому зачастую на телах его жертв не было видимых признаков насильственной смерти.
«У них не было ножевых или огнестрельных ранений, поэтому многие из этих смертей не рассматривались как убийства, а связывались с передозировкой наркотиками, квалифицировались как несчастные случаи или как смерть, наступившая по естественным причинам», — говорится в докладе ФБР, который был составлен в ноябре прошлого года.
Сейчас следователи надеются, что рисунки Литтла помогут им идентифицировать его жертв и поставить семьи убитых в известность о произошедшем.
Автор фото, FBI
Подпись к фото,«Белая женщина 20-25 лет, убитая в 1972 году. Вероятно, жертва из Массачусетса»
Автор фото, FBI
Подпись к фото,«Чернокожая женщина, 26 лет, убита между 1976-1979 годами. Встретил жертву в городе Сент-Луис, штат Миссури. Вероятно, жертву звали Джо»
«Самый страшный убийца за всю историю США»
Хотя Литтл был признан виновным в трех убийствах, в ФБР считают, что число совершенных им тяжких преступлений гораздо выше.
Литтла впервые задержали в 2012 году в приюте для бездомных в штате Кентукки и экстрадировали в Калифорнию. Тогда его заподозрили в преступлении, связанном с наркотиками.
Когда он находился под стражей в Лос-Анджелесе, ему сделали анализ ДНК. Полученные результаты показали, что он может быть связан с тремя нераскрытыми убийствами, произошедшими в Калифорнии в период с 1987 по 1989 год. Все эти преступления были совершены на территории округа Лос-Анджелес.
В суде Литтл утверждал, что невиновен, но суд все же признал его вину и приговорил к трем пожизненным заключениям без права на помилование.
Автор фото, FBI
Подпись к фото,«Чернокожая женщина в возрасте 28-29 лет, убита в 1984 году. Познакомился с жертвой в Мемфисе, штат Теннесси»
Автор фото, FBI
Подпись к фото,«Чернокожая женщина в возрасте 25-28 лет, убита в 1976 — 1979 годах или в 1993-м; Хьюстон, Техас»
Три жертвы, за убийство которых он отбывает наказание, были избиты, а затем задушены.
Их тела нашли в разных местах — на свалке, в гараже и на улице.
Как выяснилось, Литтл уже и ранее был судим в разных штатах США за ряд преступлений — от вооруженного ограбления до насилия.
Дело Литтла было передано в отдел ФБР, занимающийся предупреждением насильственных преступлений (ViCAP).
ViCAP изучает и анализирует дела серийных преступников, совершающих особо тяжкие преступления.
В задачи ViCAP входило составить детальное досье на Литтла. В итоге сотрудники отдела пришли к выводу, что три убийства в Лос-Анджелесе, за которые осужден Литтл, были очень похожи на ряд нераскрытых убийств, совершенных в основном в 1970-х гг. в других штатах.
Автор фото, FBI
Подпись к фото,«Чернокожая женщина 35-45 лет, убитая в 1977 году. Встретил жертву в городе Галфпорт, Миссисипи. Жертва, вероятно, из города Паскагула, штат Миссисипи. Вероятно, жертва работала на судостроительной верфи компании Ingalls Shipbuilding»
Автор фото, FBI
Подпись к фото,«Чернокожая женщина, убитая в период с 1976 по 1977 год.
Избавился от тела где-то за пределами города Уичито-Фолс»
Криминалист Кристина Палаццоло говорит, что вскоре следователи ФБР наткнулись на нераскрытое дело об убийстве в Одессе (штат Техас). Обстоятельства преступления очень напоминали почерк Литтла. Позже следователям удалось установить, что в то время, когда было совершено убийство, Литтл как раз находился в Техасе.
Весной прошлого года следователи допросили Литтла, надеясь получить больше информации. Зная о том, что он не хочет оставаться все время в одной тюрьме, они уговорили его пойти на сделку: если он заговорит, его переведут в другую тюрьму.
Давая показания следователям, он рассказывал обо всех убийствах, совершенных в каждом городе. «Джексон, Миссисипи — одно; Цинциннати, Огайо — одно; Финикс, Аризона — три; Лас-Вегас, Невада — одно», — цитируют показания Литтла следователи. 34 убийства из 90, в которых признался осужденный, следователи ФБР смогли подтвердить.
Из показаний Литтла следует, что он детально помнит и своих жертв, и сами убийства — где он находился, на какой машине ездил.
При этом на даты у него оказалась не такая хорошая память — Литтл путается даже в годах, что сильно затрудняет идентификацию жертв и проверку фактов.
Сотрудники ФБР продолжают допрашивать Литтла и собирать нарисованные им портреты его жертв.
Как распознать признаки суицидального поведения у ребенка
04.06.2019 11:05 Просмотров: 10068
Одна из первых фраз при обращении детей и подростков в службу Детского телефона доверия – «Я больше не хочу так жить или не хочу жить больше».
Часто за этими словами нет осознанного и принятого решения уйти из жизни, а пока это просто первые эмоциональные порывы от бессилия, непонимания как справиться с трудной ситуацией в школе, в семье или группе сверстников. За каждой такой фразой стоит сильная эмоциональная боль, неопытность и незнание, что делать и как пережить то, что случилось. И многим детям, трудно и страшно прийти к родителям с разговором об этом. Порой им кажется, что родители их не поймут, не придадут значение проблеме, сочтут это излишней драматизацией и привлечением внимания, попыткой уйти от трудностей в жизни и необходимостью выкладываться в учебе, а иногда им кажется, что родители будут еще сильнее переживать и контролировать их, поэтому скрывают и держат все в себе, из страха, что будет еще хуже, если они скажут.
Примерно 8 из 10 суицидентов подают окружающим предупреждающие знаки о грядущем поступке.
Как вовремя заметить эти знаки, понять, что ваш ребенок в опасном эмоциональном состоянии и есть риск попытки суицида? Как успеть поддержать и помочь ему до того, как он может сделать этот страшный шаг?
Если вы заметили следующие изменения в настроении и поведении вашего ребенка, то ему нужна особая психологическая поддержка и помощь, чтобы избежать рисков для его жизни и здоровья. Вот, на что следует обратить внимание и что может быть поводом для обращения к психологам телефона доверия для детей и родителей 8-800-2000-122.
Маркеры эмоционального состояния и поведения с потенциальным риском суицида:
· Вы стали замечать, что ребенок выглядит заплаканным, слышали плач по ночам или видели слезы у ребенка, пришедшего из школы.
· Он стал замкнутым и отдалился от вас и от прежней компании друзей, перестал следить за своим внешним видом, выглядит отрешенным и равнодушным ко всему, в основном проводит время в одиночестве.
· Если резко снизился уровень его активности и энергии, он говорит вам: «я устал от всего», он будто показывает вам — «устал от жизни». Потерял интерес к учебе и равнодушен даже к ранее любимым предметам и занятиям, что подтверждают не только оценки, но и переживания учителей. Он будто стал тенью и просто функционирует, а не живет прежней жизнью, как раньше.
· Не дает внятного ответа на вопрос «Что с тобой происходит?» и отстраняется еще больше, отделываясь формальными фразами или словами «Тебе все равно не понять».
· Перестал высыпаться, выглядит встревоженным и нервным, срывается на вас.
· На теле появились царапины, шрамы, надрезы, ожоги.
· Его страничка в социальных сетях стала ограниченной и закрытой или он удалил многих друзей. Там появились посты депрессивного или агрессивного содержания.
В истории поиска вы нашли запросы на тему суицида и смерти.
· Ребенок стал раздавать вещи, прощаться с кем-либо.
· Подросток стал шутить на тему смерти и собственного ухода из жизни.
· Стал рисовать в тетрадях или отдельных листах мрачные или агрессивные рисунки, символику смерти, репосты с фразами о смерти или бессмысленности жизни.
· Стал мало времени проводить в семье, и вы чувствуете, что он что-то скрывает и не искренен с вами.
· В его речи появились фразы с ярким окрасом обиды про бессмысленность бытия и выражения, что самоубийство — это лучший способ уйти от проблем, наказать всех, доказать, что «я не важен близким, меня не ценят», «чтобы никому не мешать» и «никто даже и не заметит, ведь я все равно никому не нужен».
· Могут проскакивать выражения агрессивно-обидчивого состояния — «что вы сделали бы, если бы я умер?», «вот умру, посмотрим, как вы будете без меня», «как меня все достало, лучше сдохнуть, чем так жить», «с меня хватит».
· Если вы хвалите и отмечаете позитивные действия и успехи ребенка, он не только не придает этому значение, но и может даже обесценивать их.
· Может проявляться и выраженное чувство несостоятельности, стыда, неуверенности в себе. Негативные оценки себя, своей личности, будущего. Представления о себе, как о ничтожном, не имеющим права жить. О мире, как о месте потерь и разочарований. Неспособность видеть иные, кроме суицида, варианты решения проблем. Также этот синдром может маскироваться под нарочитой бравадой, вызывающим поведением, дерзостью. Могут присутствовать резкие негативные высказывания о себе, своем теле, своих качествах: «Все равно я толстая, некрасивая, и никому не нужна», «Меня никто не любит», «вы так говорите, потому что вы мои родители, а на самом деле я никому не нужен и ничего не умею», «скоро все закончится».
· Резко ухудшилось его физического состояние, появились головные боли, боли в животе, расстройства системы ЖКТ, перепады давления, снижения тонуса, психосоматические расстройства.
Что важно сделать родителям, если вы заметили какие-либо из этих признаков:
· Прежде всего, понаблюдайте за вашим ребенком и оцените степень опасности ситуации. На основе вышеописанных маркеров обсудите с другими членами семьи, какие изменения все заметили, поговорите с учителями, репетиторами, его друзьями, проанализируйте его странички в соцсетях, рисунки в тетрадях.
· Для начала дайте ему понять, что вы рядом. Это можно сделать простой фразой «я заметил (а), что в последнее время твое настроение изменилось и ты немного отдалилась\отдалился. Не знаю, что у тебя произошло или происходит сейчас в жизни, я готова выслушать и поговорить о том, что тебя беспокоит, когда ты будешь готов. Обещаю не нападать с вопросами, а просто помочь разобраться в ситуации. Возможно, я смогу помочь, ведь и у меня тоже были очень трудные ситуации в жизни».
· Найдите спокойный момент, чтобы поговорить откровенно и начните разговор с не сложных вопросов для ребенка, которые часто им кажется своего рода допросом и попыткой контроля, а с более нейтральных вопросов: «Ты кажешься расстроенным чем-то.
Что тебя расстроило сегодня?», «Мне вот на работе сегодня немного испортили настроение, и ты тоже вроде не в духе, как у тебя прошел день?», «Как ты сегодня? Сложно, наверное, было в школе, у тебя уставший вид. Что было сложного у тебя сегодня?»
· Поддержите ребенка и скажите ему, что вы рядом и готовы выслушать его без обвинений и наказаний, если у него сложная ситуация и он попал в беду.
· Вместо формальных фраз «ой, сколько еще всего у тебя будет, это не стоит твоих переживаний, выкинь это из головы» поделитесь, как это было в вашей жизни и благодаря чему и кому вы смогли пережить различные трудности и испытания, снова довериться людям, любить и быть любимыми.
· Честно признайте и не отрицайте тот факт, что некоторое время вашему ребенку будет эмоционально трудно, и это абсолютно нормально.
· Ваш жизненный опыт и наглядный пример важнее и полезнее тысячи советов чужих людей. Просто помогите ребенку принять то, что с ним происходит и разберите ситуацию по формуле «Чего именно ты боишься и чем тебе эта ситуация так неприятна? Что ты чувствуешь? Что можно сделать, чтобы с ней справиться или решить ее наилучшим образом? Как найти силы, чтобы справиться с ней? (возможный пошаговый план)».
Возможно, вашему ребенку потребуется вполне конкретный совет о том, как действовать дальше в сложившейся ситуации и как избежать ее ухудшения.
· Больше поддерживайте вашего ребенка в этот период, узнавайте, как у него дела не только в вопросах учебы, но в отношениях с ровесниками и учителями, насколько он выдерживает школьный стресс и нагрузки.
· Берегите ваши отношения от конфликтов и давления, сохраняйте баланс честности требований и привилегий, похвалы за достижения и критики за проступки и не сделанные обещания. Подростки особо чувствительны к теме справедливости и, прежде всего, они не выносят двойных стандартов, когда для того, чтобы «убраться дома и посидеть с братом или сестрой они уже взрослые», а для «прогулок вечером с друзьями и выбора одежды еще совсем малы». Они всегда отличат ваш искренний интерес и заботу о них от контроля и попытки переложить взрослые заботы на них.
Если у вас появились даже незначительные сомнения и страхи, что вы не справитесь с этой ситуацией самостоятельно, вы всерьез беспокоитесь за вашего ребенка или вам нужно все обстоятельно обсудить с психологом и выработать возможный план действий для решения ситуации, то смело звоните в службу Детского телефона доверия.
Многие родители, даже у кого самый близкий и доверительный контакт со своим ребенком, после беседы с ним дают номер 8 800 2000 122, чтобы ребенок получил профессиональную помощь психолога и выразил свои чувства.
Разделите с нами все сложности и переживания вашей семьи! Мы будем рады помочь!
Детский телефон доверия – верный помощник родителям в воспитании детей
Источник: https://telefon-doveria.ru/kak-raspoznat-priznaki-suitsidal-nogo-povedeniya-u-rebenka/
«Съездил на 16 лет». Что мы знаем о россиянине, осужденном в Беларуси по «делу Тихановского»
Дмитрий Попов исчез 4 июня 2020 года. За неделю до этого в Гродно задержали объявившего о готовности бороться за президентский пост блогера Сергея Тихановского и его соратников по ютуб-каналу «Страна для жизни». Беларуские правозащитники из центра «Вясна» писали, что силовики искали Попова в доме фермера под Мозырем, на дворе которого Тихановский снимал один из своих роликов — шуточное интервью с поросятами.
Сначала «Вясна» назвала пропавшего россиянина оператором «Страны для жизни», но потом уточнила — он вел соцсети проекта.
Сам Попов успел отправить в канал «Народный репортер» видео с рассказом о ночном визите милиционеров; по словам эсэмэмщика, он несколько часов прятался за шкафом. «Сейчас я нахожусь в лесу и пытаюсь спастись», — говорил Попов. Вскоре стало известно, что он задержан.
Тогда же о Попове написал близкий к беларуским силовикам анонимный телеграм-канал «Папаратор». Россиянина в публикации называли «профессиональным революционером и мастером технологий воздействия на публику», который «признался милиционерам в том, что является негласным сотрудником российской ФСБ». По сведениям канала, в России Попов руководил проектом «Сканер», публиковавшим данные полицейских и нацгвардейцев, замеченных при разгоне протестов. «Он уверяет, будто российская спецслужба предложила ему безальтернативный выбор: либо руководителя «Сканера» с потрохами отдают росгвардейцам, жаждущим его крови, либо он выполняет особые задания с использованием своего опыта в протестных технологиях.
Правда, уже не в России, а в Беларуси», — утверждал «Папаратор».
В конце июня тогдашний глава МВД Беларуси Юрий Караев, не называя фамилии Попова, уточнил, что «не знает, является ли [задержанный гражданин России] агентом спецслужб». Министр добавил, что речь идет о человеке, который «раскрывал личности полицейских и нацгвардейцев для их преследования».
Вместе с Тихановским, оператором «Страны для жизни» Артемом Саковым и другими фигурантами дела Попову предъявили обвинение в организации массовых беспорядков (часть 1 статьи 293 УК Беларуси), разжигании социальной розни «против представителей власти и правоохранительных органов» (часть 3 статьи 130 УК), угрозах в адрес экс-председателя ЦИК Лидии Ермошиной (часть 2 статьи 191 УК) и организации грубого нарушения порядка (часть 1 статьи 342 УК).
Судебный процесс проходил в закрытом режиме на выездных заседаниях в гомельском СИЗО. 14 декабря Попова приговорили к 16 годам колонии усиленного режима.
Дмитрий и Юлия
— Когда я узнала, что Дима задержан и находится в СИЗО, я и представить не могла, что это так закончится.
До сих пор я не могу прийти в себя. Я не могу поверить, что вот так ни за что могут дать 16 лет, — признается 32-летняя сестра Попова Юлия. По ее словам, она до последнего верила, что «весь этот ад закончится». Девушка думает, что для Дмитрия приговор тоже стал шоком: «Мой брат выйдет на свободу, когда ему будет 45 лет».
Юлия живет в Петербурге; она говорит, что другого канала связи с братом, кроме писем, у нее нет. «У нас в апреле должно было быть свидание, но его отменили по неизвестным мне причинам, когда я уже собиралась выезжать», — продолжает она.
Сестра рассказывает, что Дмитрий даже в беларуском СИЗО находил возможность устроить сюрприз для близких и знакомых на воле.
— На мои вот уже два дня рождения огромное количество людей пишут мне поздравления. Вы представляете, сколько писем ему пришлось написать, чтобы просьба поздравить меня дошла до сотни людей, учитывая, что письма ходят раз через сто? — говорит Юлия. — На день рождения [своего] адвоката Марии он сделал невероятный подарок: нарисовал ей открытку с цветами и написал, что из камеры цветы подарить не может.
А вечером Мария получила букет цветов с запиской: «Мария, я смог!».
Брат, эмоционально повторяет Юлия, «из тех людей, кто не будет сидеть, сложа руки, если может чем-то помочь — и я сейчас не о политике». Она вспоминает, что школьником Дмитрий узнал об инициативе «Подари ребенку праздник» и на Новый год в костюме Деда Мороза «ездил в детские дома и детский центр онкологии, радовал детей, а после праздника сидел в своих тяжелых мыслях, думая о судьбе малышей».
По словам Юлии, до отъезда в Беларусь в сентябре 2019 года брат работал в Петербурге барменом. «Помню, что в последний месяц у него было много встреч с друзьями и я еле перехватила его, чтобы выпить кофе», — рассказывает она. Причин отъезда брат не объяснял и о Сергее Тихановском никогда не упоминал. «Просто решил съездить в Беларусь. Съездил… на 16 лет», — вздыхает Попова.
Дмитрий и Владислав
Первые упоминания Дмитрия Попова в российских СМИ относятся к лету 2019 года — называя себя совладельцем скандального паблика «Мужское государство», он требовал опровержения у Lenta.
ru, Polit.ru и других изданий, написавших о том, что сторонники МГ угрожают организаторкам марша солидарности с сестрами Хачатурян.
Позже сам Попов рассказывал альманаху moloko plus, что целями МГ с самого начала были «хайп и последующая монетизация». Но с ростом популярности паблика основатель и главный идеолог движения — фитнес-тренер Владислав Поздняков — стал видеть в нем конкурента, объяснял Попов, поэтому он ушел из проекта.
В декабре 2018 года Советский районный суд Нижнего Новгорода приговорил Владислава Позднякова к двум годам лишения свободы условно по обвинению в возбуждении ненависти к женщинам (часть 1 статьи 282 УК). Во время следствия он находился под домашним арестом. В марте 2019 года суд отменил приговор в связи с частичной декриминализацией статьи об экстремизме; судимость с Позднякова сняли. В мае он уехал из России.
В июле 2020 года сообщество «Мужское государство» и связанный с ним паблик «Бутылка» заблокировали «ВКонтакте».
В октябре 2021-го каналы Позднякова заблокировали YouTube и Telegram. Тогда же Нижегородский областной суд признал «Мужское государство» экстремистской организацией и запретил его в России.
За последний год сторонники МГ упоминалось в связи с кампаниями травли, развязанными против службы доставки «ЕбиДоеби» (за рекламу с темнокожим мужчиной), ведущей телеканала «Дождь» Анны Монгайт (за интервью с однополой парой, снявшейся для обложки Elle), феминистки Дарьи Серенко и жительницы Краснодара Екатерины Фроловой (за то, что усыновила темнокожего ребенка).
Причастность к силовым акциям сторонников «Мужского государства» Попов при этом категорически отрицал. «Поздняков пишет больше про женщин, я — в основном про политику. Его взгляды действительно несколько радикальны. Тем не менее, раз уж мы в свободной стране живем, он имеет на это право», — рассуждал он.
Тогда же, летом 2019 года, Попов заявил о себе в новом качестве. Когда кампания за допуск независимых кандидатов на выборы в Мосгордуму обернулись затяжным уличным противостоянием протестующих и ОМОНа, анонимный проект «Сканер» начал публиковать ссылки на личные аккаунты силовиков, участвовавших в разгоне акций и задержаниях.
Попов и Поздняков взяли на себя ответственность за волну деанонимизации полицейских и нацгвардейцев. «Вы устроили слежку за мной в Питере, но сняли ее сразу, как только я вас спалил. Если вы вдруг решили, что такими топорными и тупыми методами вы сможете остановить нашу деятельность, то у меня для вас плохие новости, пацаны», — писал тогда Попов в открытом обращении к силовикам. При этом основатель расследовательского проекта «Муниципальный сканер» Михаил Маглов настаивал, что «эти абсолютно токсичные чуваки» присвоили название инициативы и часто копировали твиты популярных пользователей.
Вскоре после запуска «Сканера» на странице Попова «ВКонтакте» появляется и первое упоминание тогда еще мало кому известного за пределами Беларуси блогера Сергея Тихановского со ссылкой на его канал.
Когда стало известно о приговоре гомельского суда, Поздняков написал, что дважды серьезно ссорился с Поповым, а зимой 2019 года они окончательно прекратили общаться. По словам блогера, его бывший соратник связался с «лево-либеральным комьюинити» и «через западные спецслужбы попал в команду Тихановского».
Поздняков полагает, что после задержания беларуского оппозиционера Попов остался на свободе только «из-за того, что о нем просто не знают».
Тогда, утверждает Поздняков, он, находясь в Грузии, позвонил «в приемную КГБ», представился и донес на Попова; «на следующий день его арестовывают». Эту же историю Поздняков рассказывал летом 2020 года в своем старом телеграм-канале, который позже оказался заблокирован.
«Наш конфликт был очень принципиальный. Мы оба вставляли палки в колеса друг друга и пытались друг друга уничтожить самыми различными методами. На этом конфликт не закончился. 16 лет пролетят быстро, и когда он выйдет, я уничтожу его окончательно», — грозит Поздняков заключенному.
История Дмитрия Попова, рассказанная им самим (в двух письмах)
В двух письмах подруге по переписке по имени Мария Дмитрий Попов подробно рассказывает о своей жизни. С разрешения девушки «Медиазона» публикует эти письма с минимальной редакторской правкой.
Письмо первое. Родители
Родился я в Северодвинске в то время, когда моя мама с моими сестрой Юлей и братом Лехой жили в деревне Никольской Шенкурского района Архангельской области.
Почему мама решила рожать меня в Северодвинске, станет понятно через 18 лет.
Когда мне было 14 лет, в 2006 году, наша мама умерла от рака молочной железы 4-й стадии. Больше года она мучилась, пыталась цепляться за жизнь, но все тщетно. Последние месяцы ее жизни мы все жили в сплошном ужасе и сюрреализме. Мама отказалась ложиться в хоспис и заявила, что если ей суждено умереть, то последние дни она хочет провести рядом с нами. На тот момент мы все уже жили в Архангельске, так как в 2001 году мама с батей развелись (он алкаш) и прописаны все были в квартире у бабушки — маминой мамы.
После переезда из деревни в Архангельск мама работала на двух-трех работах, чтобы хоть как-то прокормить в одиночку троих детей. В большинстве своем моим воспитанием занималась больше сестра, чем мама, ибо у мамы просто не было ни на что ни времени, ни сил. С 2001 по 2005 года она постоянно была на работе. Как она это выдерживала и откуда брала силы — одному богу известно.
Но, как и любой человек, мама не была железной.
В 2005 году у нее обнаружили кисту молочной железы. Хирург Попов (да-да) в 14-й поликлинике Архангельска прямо в поликлинике провел какую-то операцию, не зашив при этом разрез, и с этого уже начался ад. Пошло какое-то заражение→ рак→ химиотерапии→ угасание→ смерть→ похороны.
Никогда не забуду два момента с того периода:
- как я лично сбривал маме голову, так как из-за «химии» волосы все начали выпадать;
- как мы ехали из морга в буханке на кладбище, а по центру между нами лежал гроб с мамой.
В 2010 году меня вызывают в отдел соцзащиты в Северодвинске. Я еще удивился, почему туда? Прописан же я в Архангельске! Приезжаю туда, мне с ходу вопросы в кабинете: «Дмитрий Юрьевич? А в каком детском доме вы воспитывались?».
Я охренел и решил сначала, что это просто ошибка. Но потом мне продемонстрировали написанное маминой рукой заявление об отказе от ребенка, датированное 7 января 1992 года. Тут я и присел. Что-то мне там еще говорили о том, что я могу претендовать на получение жилья и все такое, но мне уже было не до того.
Я сразу поехал в Архангельск, чтобы задать вопросы отцу. И тот мне рассказал потрясающие вещи: оказывается, родился я не от него (еще и отец оказался не отцом, и все это в один день), мама боялась рассказать ему правду, а когда вернулась из Северодвинска, сказала ему, что я родился мертвым. И так я первые полгода своей жизни провел в доме малютки. Потом меня каким-то чудом вернули обратно в семью, хотя, по рассказам отца — ну или вернее, отчима — там уже кто-то готовил документы на мое усыновление. Короче, «Санта-Барбара» отдыхает!
Кто мой настоящий отец, я не знаю до сих пор. Отчим тоже уже умер в 2019 году. Так вышло, что со старшим братом я не общаюсь, связи не поддерживаю.
Он решил идти по стопам отца. Бухать. Живет сейчас вроде в Архангельске, двоих детей уже настрогал. Нищенствует, бухает. Точная копия своего отца.
С 2011 года в Архангельске я больше не живу. Объехал многие города в РФ, но остановился жить в прекрасном, сером, холодном, дождливом, депрессивном, любимом Питере. Где с сестрой и тусуемся уже кучу лет!
Письмо второе. Сестра
Думаю, ты уже и без того заметила, что связь у нас с ней просто сумасшедшая. Но, ты знаешь, так было далеко не всегда. В детстве мы с ней очень часто ругались. Из-за всякой ерунды. Повод для ссоры был не нужен, ибо атмосфера перманентного конфликта регулярно витала в воздухе. До подросткового возраста она гораздо лучше контачила с нашим старшим братом Лехой, чем со мной. Было время, когда она даже специально провоцировала ссоры просто ради ссоры.
Ну, вот такие у нас были отношения. Странные. В то же время она всегда очень охотно помогала мне с учебой. И, чтобы ты понимала, в первом и втором классах мне было просто ужасно скучно.
Я не понимал, почему мои одноклассники такие тупые =)
Благодаря сестре я опережал сверстников на один-два года. Еще до того, как я пошел в школу, я уже умел быстро читать, считать и даже знал много слов по-английски! Спроси ее, что такое: черри, конэ, эгг. Я на всю жизнь запомнил этот урок английского.
Переломов в наших с ней отношениях было три. Первый — это момент, когда она поняла, что физически я стал сильнее, и теперь в любой момент могу дать сдачи.
Второй — смерть мамы. Этот момент вообще с ног на голову все перевернул, и даже в том незрелом возрасте мы начали понимать, что просто жизненно друг другу необходимы. Стали понимать, что порознь нам будет куда труднее. Но пока еще не до конца.
Третий — это период, когда я на какое-то время уехал из Архангельска в Северодвинск. Я тогда был уже совершеннолетним, по-моему. Пожалуй, именно растоянние, хоть и относительно небольшое, и эта временная разлука дали нам обоим понять, насколько мы действительно друг другу нужны.
Я помню, как мы иногда [ходили] друг к другу в гости и радовались встрече, как невменяемые. С тех времен у нас больше нет никаких тайн и запретных тем друг перед другом. С тех времен нет больше и конфликтов. Вообще! Больше, чем на 15 минут, мы ругаться не умеем.
В нашей жизни было много — возможно, даже слишком много — трудных лет… Очень многое пришлось пережить, переосмыслить. Незыблемым остается одно — наша с ней космической силы связь. Я знаю, что у близнецов и двойников есть некая подсознательная связь, но мы ведь не близнецы?! Мне даже сложно подобрать слова, чтобы описать, насколько мы с ней друг другу необходимы. Кажется, такого вообще не бывает и быть не может.
Сейчас Ю.Ю. для меня — самый честный, искренний, самый важный в жизни человек! И только благодаря Ю.Ю. я до сих пор не поехал тут кукухой! В самый сложный период этой истории — прошлым летом — она мне сказала, чтобы я боролся изо всех сил. И я борюсь! Ради нее и благодаря ей! И я знаю, мы с ней вдвоем сильнее вообще любых проблем.
Мы победим!
Сестра Дмитрия Попова Юлия выкладывает его письма из заключения в своем телеграм-канале. На момент публикации этого текста на него были подписаны 18 человек.
Редактор: Дмитрий Ткачев
В Эрмитаже открыли выставку к 550-летию живописца Альбрехта Дюрера
Людмила ЛеусскаяКультура 22 декабря 2021
В Николаевском зале Зимнего дворца Эрмитаж показывает выставку «Альбрехт Дюрер. К 550-летию со дня рождения».
ФОТО Дмитрия СОКОЛОВА
Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения оставил значительное художественное наследие – почти 100 картин, около 1000 акварелей и рисунков, более 100 гравюр на металле, примерно 350 ксилографий и около 400 книжных иллюстраций. Прославили его уже при жизни графические работы.
Он стал первым мастером, освоившим все графические техники своего времени, сумевшим преодолеть традиционное разделение ксилографии (гравюра на дереве) и резцовой гравюры (на металле).
Ровно полстолетия назад Эрмитаж отмечал юбилей художника выставкой его гравюр из своего собрания. На сей раз Дюрера чествуют сообща Эрмитаж, ГМИИ им. Пушкина, Российская национальная библиотека, Третьяковская галерея и Ярославский художественный музей.
Николаевский зал вместил больше четырехсот экспонатов, прежде всего это гравюры и рисунки Дюрера, а также произведения декоративно-прикладного искусства – витражи, скульптурные рельефы, кубки, камеи, медали, так или иначе связанные с его творчеством.
Живописи на выставке нет. Была идея показать, допустим, портреты, но в условиях пандемии сложно привезти вещи из зарубежных собраний. Как говорят организаторы, отсутствие живописи отчасти концепция выставки. Дюрер в первую очередь график.
Уже современники его так воспринимали. Если в живописи у него было много соперников, в гравюре он – лучший.
Ни один художник XVI века не оставил такое наследие рисунков, как Дюрер. Он и сам был одним из первых коллекционеров рисунков, хранил свои листы и собирал работы других художников.
– Важная особенность нынешней выставки – присутствие собственноручных рисунков Дюрера. Это большая ценность, – рассказывает куратор выставки научный сотрудник отдела западноевропейского искусства Наталья Сэпман. – Дюрер величайший гравер. Но гравюры – все-таки тиражная графика, они есть в нескольких экземплярах. А каждый рисунок уникален. Мы показываем восемнадцать, это немало. Десять из собрания Эрмитажа, семь из ГМИИ, один из Ярославского художественного музея.
С порога Николаевского зала возникает вопрос: как смотреть выставку, где невероятное множество гравюр, чтобы разобрать сюжеты, символику?
ФОТО Дмитрия СОКОЛОВА
Совет организаторов: не стоит это делать на бегу, надо вникать.
Лучше начинать с начала и двигаться по разделам. К каждому есть экспликация, которая вводит в курс и поясняет, о чем идет речь. К самым сложным вещам, где важно пояснить сюжет, историю происхождения, есть комментарии на этикетках.
В начале закономерно представлен немецкий живописец, гравер, резчик по дереву Михаэль Вольгемут. В его мастерской начинал Дюрер. Много позже он напишет портрет учителя.
В финальную часть вошли работы учеников и последователей. Творчество Дюрера влияло как на его современников, так и на потомков. Работы художника копировали, подделывали, заимствовали и переосмысливали его сюжеты в разные века, в том числе сравнительно недавно. Эта часть выставки позволила достать из фондов вещи, которые оттуда не вынимались. Картину «Святой Иероним в келье» написал неизвестный художник XVI века. Яркие витражи – копии знаменитого живописного диптиха Дюрера «Четыре Апостола» – до 1930-х украшали интерьеры Петрикирхе. И в рисунке Павла Филонова из Третьяковской галереи заметна связь с Дюрером.
Главному герою выставки из двенадцати ее разделов посвящены десять. В центре зала монументальные гравюры – «Триумфальная арка» и «Триумфальное шествие». Самая большая в мире гравюра (общая площадь около 10 квадратных метров), отпечатанная со 192 досок, создана в мастерской Дюрера по заказу императора Священной Римской империи Максимилиана I.
Расцвет деятельности Дюрера как автора ксилографий приходится на 1509 – 1511 годы. Значительные серии мастера присутствуют в разделах выставки: «Апокалипсис», «Страсти Христовы», «Жизнь Марии».
Показанные на выставке «мастерские гравюры»: «Рыцарь, смерть и дьявол», «Святой Иероним», «Меланхолия» – пример недосягаемого мастерства автора. Не обойден вниманием знаменитый «Носорог», которого художник в реальности не видел, изобразил с некоторыми анатомическими погрешностями, но так, что рисунок вошел в учебники, научные трактаты.
Дюрер изменил представление о гравюре, показав ее как пространство, наделенное живописными качествами.
Возникло понимание ценности гравюры как черно-белого искусства.
Выставка продлится до последних чисел марта. К ней Эрмитаж подготовил цикл видеопередач, в которых рассказывается о предшествующей работе, длившейся год. Сопровождают выставку подборки музыкальных произведений к нескольким разделам экспозиции, созданные командой musicAeterna и Теодором Курентзисом.
Выставка входит в оба маршрута по Главному музейному комплексу. Ее также можно посетить по отдельному билету.
Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 240 (7077) от 22.12.2021 под заголовком «Дюрер не на бегу».
Материалы рубрики
Sehnsucht по родине – Weekend – Коммерсантъ
«Произведения художника Константина Алексеевича Васильева экспонируются в Ленинграде впервые.
Выставки его работ, в основном посмертные, неизменно вызывают громадный интерес зрителей»,— сообщала Е. Сорокина, искусствовед, в крохотном и слепом, то есть совсем без иллюстраций, буклетике — два листа плотной бумаги, сложенные пополам. Где и когда проходила эта выставка, в буклете не сказано, и поскольку творчество художника Константина Алексеевича Васильева не вызывает громадного интереса профессионального искусствоведческого сообщества, чего не скажешь о народных искусствоведах-любителях, то из вышедших с тех пор книг, где мифов, легенд и восторженного пустословия куда больше, чем фактов, узнать подробности его выставочной биографии невозможно. Год, во всяком случае, известен: 1988-й. Вероятно, это была зима или ранняя весна — лежал снег, очередь, пусть и не такая безнадежно длинная, как на выставку Ильи Сергеевича Глазунова в Манеже, мерзла и все никак не кончалась. Возможно, это был Ленинградский дворец молодежи или какой-то другой модернистский ДК вдали от центра — добирались туда на метро, и ребенка одного, а родители уже смирились с тем, что раз ребенка приняли в такую знаменитую изостудию, то его теперь предстоит таскать по выставкам, не отпустили.
Надо полагать, жертвой детской культурной программы пала мама: буклет сложен пополам — так, чтобы поместиться в театральную сумочку.
Почему Васильев? В 1988-м у него была репутация диссидента, жертвы режима, как, впрочем, и у талантливого прохиндея Глазунова, приходившегося ко двору при всех режимах. Васильев шел в одном комплекте с другими еще недавно запретными плодами — с публикациями в толстых литературных журналах, которые выписывали в таких количествах, что в почтовый ящик они не помещались и приходилось арендовать ячейку на почте, с первыми музейными выставками авангарда и нонконформизма, с Серебряным веком и архипелагом ГУЛАГом, совпавшими в позднеперестроечном времени. Диссидентство Васильева, в отличие от глазуновского, было невымышленным, и ходили упорные слухи, что его ранняя и странная смерть — осенью 1976 года тридцатичетырехлетнего художника вместе с товарищем сбил поезд на железнодорожном переезде у станции Лагерная близ Казани — приключилась в результате одной из тех спецопераций, какими в органах расправлялись со слишком заметными деятелями диссидентской культуры в середине и второй половине 1970-х (между тем сегодняшнему васильевскому культу силовые структуры как раз благоволят — идейно-духовная эволюция этих ведомств так же причудлива, как и художественная эволюция самого Васильева).
В общем, по сарафанному радио передали, что идти надо.
«Один (Вотан)», 1969
Фото: Константин Васильев
«Плач Ярославны», 1974
Фото: Константин Васильев
«Автопортрет», 1968
Фото: Константин Васильев
«Северный орел», 1969
Фото: Музей Константина Васильева, Казань
Судя по буклету, на той первой ленинградской выставке не было лишь абстракций и коллажей Васильева начала 1960-х — служители васильевского культа вообще не очень жалуют этот период «формалистических экспериментов».
Из времен экспериментаторства выставили только сюрреалистские «Струну», «Апостола» и «Вознесение» — Васильев тогда, около 1962-го, писал в духе «атомического» Сальвадора Дали, еще одного перестроечного кумира. Вообще, выставку составили с толком, чтобы не отпугнуть публику: школьные рисунки, сделанные в МСХШ при Суриковке и в Казанском художественном училище, свидетельствовали о крепкой реалистической выучке, которая проявится позднее в лесных пейзажах (по одной из легенд, мать художника приходилась дальней родственницей Шишкину), а сюрреалистские искания пригодились в работе над тремя эпическими циклами — былинным, вагнерианским и военно-патриотическим, с богатырями, валькириями и парадами. Ребенок сразу догадался, что в знаменитой изостудии хвастаться походом на выставку Васильева не стоит. В изостудии не ругали за «китч», «пошлость» или «дурной вкус», в ней вообще не ругали, но слово «иллюстрация», когда речь не шла об иллюстрациях в точном смысле слова, считалось бранным. Васильев был иллюстрацией.
Но в этой иллюстрации что-то было. Было непонятно, как все это — дремучие шишкинские леса, ясноглазые арийские витязи и Достоевские со свечками, словно бы писанные каким-то невообразимым Крамским-де-Латуром, совмещаются в одном человеке. Лучше всего ребенку запомнились две картины: во-первых, «Северный орел» — страшный заснеженный лес и в нем страшный косматый мужик с топором на плече, обернувшийся на зрителя, оборотень с орлиным белесым глазом; во-вторых, «Тоска по Родине» — плакатная композиция со строем солдат в шинелях и касках, уходящих в снег и пламя, но один обернулся и, как оборотень-орел, смотрит из-под каски прямо на тебя. Ребенок думал, что этот обернувшийся солдат и есть Васильев, художник-оборотень, тоскующий по родине.
По мере того как ребенок превращался в искусствоведа, Васильев из запретного плода превращался в икону масскульта, причем масскульта с вполне определенным, националистическим душком. Брезгливые эстеты говорили про «обложки для фэнтези», «художника для общества „Память»», «наш ответ Арно Брекеру» и «русский фашизм» — армия поклонников растаскивала Васильева на сувениры, постеры и наборы открыток, по фанатским сайтам и народным музеям, заводила блоги про «славянскую живопись», печатала графоманские книжки про «Руси волшебную палитру».
И конечно, с возмущением отвергала обвинения в фашизме, потому что сын партизана, родившийся в 1942-м в оккупированном Майкопе, быть фашистом не может по определению. Превращаясь в искусствоведа, ребенок ходил на лекции по истории еврейской музыки Абрама Григорьевича Юсфина, музыковеда и композитора, к 1990-м уже давно осевшего в Петербурге, но в 1960-е преподававшего в Казанской консерватории. Человек фантастической эрудиции, специалист по мировому музыкальному фольклору и знаток музыкального авангарда, Юсфин был одержим идеей найти «еврейство в музыке» — разумеется, не в том смысле, в каком его находил Вагнер, а в том, чтобы, раскапывая древнейшие пласты «музыкальных цивилизаций», обнаружить элементы, которые можно было бы назвать специфически еврейскими, и наконец услышать, что же играл арфист Давид царю Саулу. Кажется, тем же самым занимался и Васильев — с поправкой на русское и визуальное.
Васильев и Юсфин сошлись в Казани в начале 1960-х — их свела работа над легендарной светомузыкальной постановкой скрябинской «Поэмы огня» (из первого в истории исполнения «Прометея.
Поэмы огня» с реконструированной партией светомузыки, состоявшегося на радиофакультете Казанского авиационного института в 1962 году, вскоре вырастет СКБ «Прометей» Булата Галеева, главный центр по исследованию синестезии в СССР, существовавший вполне официально — под прикрытием оборонки). Считается, что именно Васильев, увлеченный абстракцией, идеями синтеза живописи и музыки и рисующий серию портретов композиторов, среди которых был и портрет Шостаковича, так понравившийся самому оригиналу, рассказал о «Прометее» своим друзьям, студентам Казанского авиационного института (один из них, Геннадий Пронин, впоследствии создаст и возглавит казанскую Картинную галерею Константина Васильева). Пока студенты-инженеры вместе с художником конструировали светомузыкальную установку, представлявшую собой колоссальный, 30 метров в длину, бумажный экран с целой системой спрятанных за ним цветных лампочек, Юсфин по их просьбе расшифровывал световую партию Luce из скрябинского нотного текста. В домашней библиотеке Юсфина были книги о сюрреалистах, Кандинском, Поллоке, Мазервелле — точно известно, что Юсфин и Васильев тогда много общались.
Может быть, дискутировали о том, как пробиться сквозь цивилизационные напластования к подлинным, фольклорным истокам национальной культуры,— это было бы вполне в духе времени.
Относительно того, как складывалась духовная траектория Васильева позднее — на пути к художнику с псевдонимом Константин Великоросс спекуляций больше, чем фактов. Он, не прижившийся ни в газетной карикатуре, ни в театрально-декорационном деле, вернулся учительствовать в поселок Васильево под Казанью, где прошло его детство. Что он там читал о германо-скандинавской мифологии, Мелетинского с Гуревичем, как и все интеллектуалы-модники 1970-х, или что-то особенное, попадались ли ему книги об искусстве Третьего рейха, был ли он настолько близок к Глазунову, как об этом рассказывают глазуновские адепты,— бог весть. Парадоксально, что, пробиваясь к этим подлинно русским истокам, он обнаружил их в некоем глубинном синтезе славянского и германского — видимо, так и не смог побороть свое вагнерианство, расстаться с идеей Gesamtkunstwerk, преодолеть зачарованность немецким романтизмом, столь заметную в совершенно каспар-давид-фридриховской «Лесной готике».
Вероятно, считал, что народ-победитель имеет право на арийскую эстетику — и в былинном, и в военном эпосах. Есть, конечно, что-то забавное в том, что художник, творческая жизнь которого связана с духовной атмосферой Казани, взялся очищать исконно русское от татарских наслоений — русская мадонна, светловолосая и светлоглазая «Княгиня Евпраксия», прижав к сердцу такого же светловолосого и светлоглазого младенца, низвергается с крыши княжеского терема, дабы не достаться хану Батыю. Но какие бы крутые виражи ни закладывал поздний, если так можно говорить о погибшем в 34 года художнике, Васильев, для меня он все равно остается тем выбивающимся из строя, обернувшимся солдатом — с тоской по фантастической, вымышленной и, по счастью, несбыточной родине.
83 Работы Альфреда Кубина
Эскизы Кубина похожи на рисунки Гойи, обновленные для 20-го века, с оттенком гравюр Альбрехта Дюрера, творческих гротесков Босха и даже более мрачных видений Грюневальда (на ум приходит «Искушение святого Антония» ).
В то время как Гойя выражал страдания и ужасы бедных крестьян-язычников под гнетом богатых землевладельцев и лицемерных религиозных деятелей, Кубин больше сосредотачивается на вездесущей реальности Смерти, преследующей всех нас.Первый раздел в значительной степени представляет собой собрание фигуры Смерти, парящей над кончиной широкого круга людей (или даже участвующей в ней). Некоторые из набросков вызывают незабываемое беспокойство, в том числе один из них, в котором Смерть почти страстно прижалась к частично одетой проститутке, когда она висела на балках, помогая ей совершить акт самоубийства. Второй раздел представляет собой собрание отобранных Кубиным набросков повседневных сцен, которые варьируются от обычных до сюрреалистических, в основном лишенных мрачных образов, которыми пронизаны скетчи Смерти, а иногда даже с легким юмором. Несмотря на то, что во Введении утверждается, что Первой мировой войны в творчестве Кубина нет. Я думал, что призрак Великой войны преследовал эти зарисовки с самого начала, так как одно из самых ранних изображений, «Маска смерти», показывает ухмыляющийся, молящийся скелет в том, что кажется шлемом Броди, наиболее узнаваемым символом Солдат Первой мировой войны с искаженным лицом, похожим на противогаз.
В эпоху механической войны противогаз — это предвестник смерти, его символ столь же могущественный, как и скрытый скелет в средневековом искусстве.В любом случае, если Кубин прямо не обращается к войне, эскизы определенно воплощают дух отчуждения, потерь и экзистенциального кризиса, пережитый его поколением, поскольку его друзья и коллеги-художники Blue Rider Марк и Маке были убиты на войне. Я не понимаю, как эти иллюстрации, сделанные в разгар самых жестоких боев, могут быть лишены связи.
Интерпретация рисунков Кристен — Кэрол Кернс, доктор философии.
Тридцать лет спустя
Спустя почти 30 лет после смерти Крисси мы с мужем Бобом принесли эти рисунки Томасу Сингеру, М.Д. и еще один психиатр из C.G. Институт Юнга в Сан-Франциско. Я встретил Тома на общественном мероприятии и рассказал ему об интерпретации рисунков Элизабет. Я не вдавался в подробности, потому что Том и его коллега предложили взглянуть на одни и те же рисунки с новой точки зрения и высказать мне свою реакцию с точки зрения современного юнгианца.
Многое произошло за прошедшие годы — я работал с Элизабет в ее центре смерти и умирания, получил докторскую степень. Кандидат психологических наук, 24 года практиковал как психолог, специализирующийся на кризисах и утрате близких.Мои отношения с Элизабет стали более тесными во время ее все более спорной карьеры, когда она увлеклась паранормальными явлениями, к большому удовольствию критиков, которые считали, что она потеряла свой дар ученого. Однако учение Юнга не изменилось.
Итак, Боб и я однажды утром посетили Институт Юнга и обошли большой прямоугольный стол, аккуратно разместив рисунки Крисси в том порядке, в котором они представлены выше. Том и его коллега долго и внимательно изучали каждый рисунок, спрашивая только об обстоятельствах жизни и смерти Крисси, а не об интерпретации Элизабет; это должно было произойти после — и, наконец, усадили нас, чтобы сообщить нам свои выводы.
Каждый из них по отдельности пришел к одним и тем же идеям: по их словам, это были очаровательные и продуманные рисунки здоровой и уверенной в себе семилетней девочки.
Они демонстрируют, что Крисси была вовлечена в жизнь и позитивно относилась к тому, что ее интересовало. Эта девушка выражала эмоции в своих рисунках над обычными вещами — Хэллоуин, качели друзей, радуга, лошадь — но не было темной темы, и уж тем более темы смерти, проходящей через образы, которые они могли видеть.
Когда я рассказал им, насколько Элизабет изучила рисунки Крисси, они не были удивлены. Прочитав ее книги и статьи, они знали, что Элизабет часто применяла опыт пионеров, таких как Сьюзен Бах, используя свои собственные, неортодоксальные способности. Они также честно и откровенно говорили о том, что не следует заходить слишком далеко. Иногда даже провидцы склонны вкладывать свои собственные значения в случайное использование черного, или солнца, обведенного красным, или числа четыре, и иногда эти значения могут быть правильными.Но по их мнению, потребовалось бы больше рисунков, чтобы сделать окончательное заявление о том, что эта маленькая девочка скоро умрет, и что какая-то часть ее психики знала об этом.
Я был удивлен, но не удручен их выводами. За прошедшие годы я прочитал все книги о детских рисунках, которые смог найти. Я знал, что такие эксперты, как Сьюзен Бах, доказали, что искусство неизлечимо больных детей может быть «прогностически полезным». Другими словами, они часто могли предсказывать грядущие опухоли, болезни, инфекции и смерть — снова и снова, задолго до того, как врачи и лабораторные анализы сделали те же открытия.Элизабет осторожно предостерегала меня от упрощенных интерпретаций. Она была так уверена, что даже самая мелкая деталь (четыре точки вместо пяти; толстая конечность превращается в тонкую) имеет значение, и что я всегда буду чувствовать связь с тем самым «внутренним миром», который до сих пор находят многие в ее профессии. непознаваемый.
В то же время я знал, что интерпретации Томом и его коллегой рисунков Крисси имеют одинаковую ценность. Оба психиатра были настолько объективны в своем научном подходе, что не смогли бы ничего «вникнуть», даже если бы захотели.
Когда они едва не сказали мне, что все эти годы я был жертвой принятия желаемого за действительное, я подумал, что строгая академическая интерпретация может быть именно такой, строго академической.
Ко времени той первой встречи с Элизабет я был настолько поглощен чувством вины за смерть Крисси и настолько боялся, что не смогу быть хорошим родителем для Мишеля, что я почувствовал, что скатываюсь в черную яму — своего рода живую смерть . У меня не было сил «поправляться». Хотя я очень старался быть сильным для Мишеля.Кристен умерла, потому что меня не было рядом, чтобы защитить ее, факт настолько разрушительно правдивый, что я не мог вынести боли ее ужасной, ненужной потери. Итак, я с каждым днем все больше погружался в темноту.
Но Элизабет смотрела на смерть моей дочери в контексте сотен, если не тысяч неизлечимо больных детей, которых она лечила и видела, скончались, а также многих родителей, которых она консультировала, чьи дети внезапно умерли. «Знаете, не всем детям суждено прожить детство», — сказала она мне.
«Но все дети знают, я считаю, духовно и интуитивно, если они близки к смерти».
Внезапно мое внимание привлекло. Мысль о том, что, возможно, моей дочери пришло время умереть, пришла ко мне как к спасательному тросу. Рисунки были для меня лично частью этого откровения. Где-то в этой черноте я ухватился за концепцию и не позволил ей уйти. Потребовались месяцы работы с Элизабет в горе, чтобы хоть как-то начать выбираться из моей печали. Но по крайней мере я мог видеть, что жизнь стоила того, чтобы жить снова.После многих лет обучения и практики я узнал для себя, что все мы можем знать, когда смерть близка, и иногда мы выражаем это знание необычными способами (см. Главы 9 и 10 книги Sugar Cookies and A Nightmare о паранормальных явлениях).
Ничего из этого не было бы возможным, если бы я не чувствовал себя освобожденным от вины и не научился искать неожиданные ресурсы силы, которые существуют для каждого, кто находится в муках горя. В частности, я понял, что если надвигающуюся смерть Крисси можно было увидеть на ее рисунках, она должна была проявиться и другими способами.
Единственная мысль, которую я несу до сих пор, — это то, что Крисси принесла в мою жизнь свои уникальные дары за те семь коротких лет, которые ей суждено было прожить на этой планете. Я благодарен за то, что ее рисунки по-прежнему передают идеи и радость, которые сделали ее жизнь такой особенной.
Рембрандтов умерли 350 лет назад. Почему он важен сегодня.
АМСТЕРДАМ — Как умер Рембрандт? Учитывая, что он — одно из самых известных имен в истории искусства, может показаться сюрпризом, что мы этого не знаем.
В то время ему было 63 года, но ученые говорят, что нет никаких записей о каких-либо заболеваниях. Поэты могут сказать, что он умер от горя примерно через год после смерти своего единственного выжившего сына Тита.
Хотя Рембрандт при жизни пользовался всемирной известностью, в конце концов он потратил намного больше средств, объявил о банкротстве и жил на гроши. Похоронен в арендованной могиле без опознавательных знаков. Позже его останки были выкопаны и уничтожены, и до сих пор нет надежных указателей на его место упокоения.
Давайте на минутку рассмотрим смерть Рембрандта, потому что она произошла 350 лет назад в этом году, в 1669 году.Музеи по всему миру, от Амстердама до Персидского залива, устраивают выставки, чтобы увековечить его выдающееся художественное наследие и жизнь, которая была далека от шедевра.
Учитывая все это обновленное внимание к этому живописцу, граверу, граверу, рисовальщику, любовнику, борцу, гению и должнику, справедливо спросить: кто сейчас Рембрандт? Как мы интерпретируем жизнь и творчество голландского мастера Золотого века, который знал огромную славу, но также вышел из моды еще при жизни и который снова и снова воскрешался разными поколениями любителей искусства, которые находили в его творчестве новый смысл? ?
«Очень немногие знают историю жизни Рембрандта», — сказал Тако Диббитс, директор Рейксмузеума, национального музея Нидерландов, где до 10 июня проходит центральная выставка празднования «Все Рембрандты».На выставке представлены все коллекции Рембрандта — 22 картины, 60 рисунков и 300 гравюр.
Выставка сопровождается выпуском новой биографии Джонатана Бикера «Рембрандт: Жизнь бунтаря».
«У каждого поколения есть свой Рембрандт», — сказал Грегор Дж. М. Вебер, заведующий отделом изящных и декоративных искусств Государственного музея. «Восемьдесят лет назад люди любили Рембрандта как старика души, одинокого человека, достигшего высшей точки в искусстве», — сказал он.«Теперь мы думаем, что он более или менее бунтарь, который всегда придумывал себя заново, всегда менял свой образ действий. Он боролся и боролся против самого себя, а также против стандартов своего времени ».
«Все Рембрандты» на первый взгляд не является биографической выставкой, но она отслеживает прогресс художника от его ранней карьеры в Лейдене, Нидерланды, до его последних картин, написанных за несколько дней до его смерти. Он начинается с единственного зала из 30 автопортретов, которые позволяют нам смотреть в глаза художника, когда он стареет от кудрявого юноши 22 лет до седеющего и озабоченного 55-летнего парня.
Мы видим, как ранние зарисовки и офорты уличных попрошаек, полуобнаженных женщин и музыкантов-шарманщиков позже в его карьере трансформируются в фигуры, которые запечатлели его библейские сцены. И мы можем сравнить крошечные портреты обычных граждан, которые он нацарапал на металлических пластинах, с натурными масляными картинами амстердамских купцов и бюргеров, которыми он зарабатывал себе на жизнь.
[ Рембрандт в крови: одержимый аристократ, заново открывшие картины и вражду в мире искусства .]
Другие выставки по всему миру охватывают его карьеру, в небольших количествах: его раннее развитие прослеживается в «Молодой Рембрандт 1624–1634» в музее Лакенхола в Лейдене (позже он отправился в музей Эшмола в Оксфорде, Англия), в то время как его юношеский успех раскрывается в «Лейдене около 1630 года: появляется Рембрандт» в Центре искусств Агнес Этерингтон в Онтарио, Канада.
В Доме-музее Рембрандта в Амстердаме мы узнаем о личных связях художника в «Социальной сети Рембрандта: семья, друзья и знакомые», а в Музее Фриса в Леувардене, Нидерланды, о его романтической жизни в «Рембрандте и Саскии».
: Любовь и брак в голландский золотой век.Выставки также проходят в течение года в музее Тиссена-Борнемисы в Мадриде, Британском музее в Лондоне, Маурицхейс в Гааге и Лувре Абу-Даби.
То, что так много выставок может проводиться одновременно, возможно только благодаря впечатляющей работе Рембрандта за почти 50-летнюю карьеру, в результате которой было создано около 350 картин, около 300 офортов и более 100 рисунков.
Томас С. Каплан, американский бизнесмен, которому принадлежит 17 Рембрандтов в составе своей Лейденской коллекции, которая сейчас находится в Лувре Абу-Даби, сказал в интервью, что он видит в Рембрандте «универсального художника», который «дал свободу другим художникам. стать экспрессионистами, стать кубистами, стать тем, кем они хотят быть », а также« показать красоту собственными глазами, даже если эта красота не соответствовала общепринятым нормам.
До 17 века большинство европейских художников, работавших в традициях итальянского Возрождения, считали, что работа художника заключалась не только в том, чтобы имитировать природу, но и в том, чтобы рисовать самые прекрасные аспекты любого предмета и улучшать их.
— сказал мистер Бикер, биограф Рембрандта.
«Одной из причин, по которой его обвинили в нарушении правил искусства, было то, что он отказался идеализировать», — сказал он. «Вместо того, чтобы рисовать или печатать красивую молодую женщину, он использовал бы обычную женщину или показывал бы старуху с множеством морщин или большим количеством целлюлита.
Поэт и драматург 17-го века Андриес Пелс назвал Рембрандта «величайшим еретиком в искусстве», потому что «он выбрал не греческую Венеру в качестве своей модели, а прачку или копательницу торфа из сарая», — писал он в 1681 году. к биографии Бикера. «Дряблая грудь, скрюченные руки, да даже следы шнуровки корсета на животе и чулок на ногах, — продолжал он насмешливо, — все должно быть соблюдено, иначе природа не удовлетворилась».
Для г-на Бикера это как раз источник непреходящей привлекательности Рембрандта.«Он пытался показать правду и не придерживался законов», — сказал он. Он добавил, что рискует, не беспокоясь о том, кого он обидел.
Г-н Вебер из Рейксмузеума разделяет эту точку зрения. Рембрандт «подошел к натурщику очень близко, — объяснил он, — и это причина того, что вы чувствуете, что изображенный мужчина или женщина находится рядом с вами; такое ощущение, что он сделал их для тебя «. Г-н Вебер продолжил: «Если вы посмотрите на его библейские сцены, то увидите, что он делает то же самое: изображает Христа и его учеников как нормальных людей из окрестностей».У вас такое ощущение, что он художник, который разговаривает с вами лично ».
Г-н Диббитс, директор музея, сказал: «Рембрандт не о том, чтобы произвести впечатление, он о том, чтобы заставить вас чувствовать, заставить вас прожить этот момент. Это совершенно иной риторический подход, чем мы привыкли к более ранним художникам. Он не монументализирует это; он делает историю внутренней и заставляет вас ее прочувствовать. В конце концов, его боги — люди ».
Если Рембрандт вернул живопись на землю, то, возможно, это произошло потому, что его происхождение было относительно скромным.
Он был пятым сыном из 10 детей, рожденных от лейденского мельника. Старший сын должен был унаследовать мельницу, а Рембрандт был отдан в ученики художнику в возрасте 15 лет и признан вундеркиндом одним из самых влиятельных арт-брокеров Нидерландов Константином Гюйгенсом. Зимой 1631 года, в возрасте 26 лет, он переехал в Амстердам, чтобы руководить художественной мастерской.
Он женился на кузине своего арт-дилера, Саскии ван Эйленбург, богатой женщине, и вместе у них родилось четверо детей, только один из которых переживет младенчество.После рождения его сына Тита Саския заболела и умерла через несколько месяцев после родов; всего месяц спустя он представил свою самую большую и самую известную работу «Ночной дозор».
Зная о своей любви к женщинам и расточительстве с деньгами, Саския оговорила, что он может унаследовать ее состояние только в том случае, если никогда больше не женится. Его два последующих отношения — один с Гиртье Диркс, няней его сына, и Хендрикье Стоффельс, матерью его дочери Корнелии, закончились трагически.
«Многие люди до сих пор считают Рембрандта гением, что, конечно, и было, но в нашем музее мы видим одну из вещей: люди хотят знать, кем он был как личность», — сказал Лидевий де Куккук, директор Дома-музея Рембрандта.«Люди чувствуют, что могут относиться к нему, потому что у него были свои взлеты и падения в жизни, и с ним было нелегко ладить».
Г-н Диббитс сказал, что, по его мнению, люди поймут на всех выставках этого года, что Рембрандт на протяжении всей своей жизни был «полностью одержим изображением окружающего мира таким, какой он есть».
«Он становится лучше в этом и приближается к этому с возрастом», — добавил он. «Вот почему мы находим его поздние портреты такими привлекательными: это потому, что нам кажется, что мы смотрим прямо в человека.Его работа — дань уважения человечеству и нам как людям ».
«Для меня большая честь, что я могу помочь ему рассказать его историю»: рисунки Чарли Фланнигана, приговоренные к смертной казни | Арт.
«Я могу быть кочегаром в аду, или я могу вернуться с крыльями и посмотреть на людей в тюрьме».
Слова Чарли Фланнигана, записанные в последнюю неделю его жизни, были легкими, задумчивыми и даже игривыми: они прямо противоречили мрачной окончательности его обстоятельств, скованных в камере смертников в тюрьме Фанни-Бэй Дарвина в 1890-х годах.
Исторические записи сообщают нам, что Фланниган вышел из своей камеры строгого режима как «человек, идущий на свободу». Он собирался стать первым человеком на Северной территории, казненным через повешение.
Это был не первый раз, когда Фланниган вошел в историю. Родившийся на станции Мэрион Даунс в центре западного Квинсленда в 1860-х годах, он проявил себя скотоводом в подростковом возрасте и, как полагали, был выбран известным скотоводом Натаниэлем Бьюкененом, чтобы он гнал первые стада крупного рогатого скота через Квинсленд на Северную территорию в 1880-х годах. .
Weekend app добавить поле По прибытии Фланниган станет одним из первых чемпионов Территории среди аборигенов-жокеев, считая желанный Кубок Палмерстона (ныне Кубок Дарвина) среди его многочисленных побед.
Требования жизненного пути толкнули его дальше на запад, к станции Овернь, месту, где судьба Фланнигана решительно повернется.
В 1893 году Чарли Фланниган был осужден за убийство исполняющего обязанности менеджера станции Овернь Сэмюэля «Гринхайда Сэма» Крокера.Как заключенный, приговоренный к смертной казни, он продемонстрировал замкнутость и самообладание, что заставило надзирателей заподозрить, что он может убить себя первым. Охранники выдали почти неграмотному заключенному постоянный запас карандашей и оберточной бумаги, чтобы занять его разум на время, достаточное для того, чтобы присутствовать на его собственной казни.
Опасаясь, что он может покончить с собой, тюремные охранники дали осужденному Чарли Фланнигану постоянный запас карандашей и оберточной бумаги, чтобы занять его разум. Иллюстрация: Чарли Фланниган Получившиеся рисунки снова появились и в настоящее время выставляются в Дарвине.Иллюстрация: Чарли Фланниган В течение следующих 10 месяцев в камере смертников Фланниган посвятил себя рисованию, документированию обстоятельств своей короткой жизни и надвигающейся смерти в серии из 82 эскизов размером с открытку.
Этот отчет впервые выставлен на выставке «Немного справедливости: рисунки Чарли Фланнигана» в Библиотеке и архивах Северной территории в Дарвине.
Рисунки были обнаружены случайно. Куратор и историк, муранец Дон Кристоферсен исследовал другого заключенного, когда он нашел их в Южно-Австралийском музее.Официальные записи того времени изображают Фланнигана трусливым и жестоким человеком, ссылаясь на спор по поводу карточной игры как на мотив убийства Крокера, но Кристоферсен считает, что здесь было что-то более глубокое. «Это была не карточная игра, карточная игра была просто искрой. Было что-то скрытое, и мы, вероятно, никогда не узнаем, что это было », — говорит он.
Возможно, например, Фланниган знал о репутации Крокера по работе на станции Вэйв-Хилл: он был причастен к расправе над неизвестным числом мужчин-аборигенов в Лиммене.Фланниган не защищал суд во время судебного разбирательства, а только заявил о своей невиновности. «Для меня большая честь, что я могу помочь ему рассказать его историю», — говорит Кристоферсен.
«Немного справедливости» дает четкое представление о том, что Фланниган хотел, чтобы его история была рассказана. Как и в комиксах, его субъекты часто сталкиваются прямо в повествовательно-временном отношении к своему окружению.Эти рисунки показывают путешествия молодого и старшего Фланнигана в походах или верхом на лошади, пересекая панорамные пейзажи по всей длине Верхнего края. Также представлены точные архитектурные перспективы усадеб, скотных дворов и кораблей, а также учтены такие сложные детали, как текстура древесины, структура скал и направление дыма.
Повсюду в этих изображениях из, казалось бы, фотографической памяти Фланнигана разбросаны более непредсказуемые элементы его воображения: трехмерные звезды кружатся над сценами, лицо Фланнигана парит над станциями, причудливые персонажи крутятся вокруг определяющих моментов его жизни.
Вместе эти работы рассказывают историю энергичного, талантливого и проницательного авантюриста.
«Немного справедливости» посмертно оспаривает претензии на вежливость правовой системы, которая, приговаривая Фланнигана к смерти, использовала казнь как законное средство отправления правосудия. Эта форма правосудия вызвала общественный резонанс, поскольку она несоразмерно применялась к правонарушителям из числа аборигенов в рамках стратегии «наказание как умиротворение», отражающей правовые системы Южной Австралии и Виктории того времени.Из него следовало сделать поучительный пример, чтобы держать в подчинении более широкую группу аборигенов, работающих на станциях. Но, несмотря на то, что он сдался за свое преступление, Фланниган видел, как приговоры его белых сокамерников заменялись пожизненным заключением.
Комментарии Фланнигана о камере смертников выражают смирение с его судьбой. Возможно, он видел корреляцию между приговором и жизненным чувством справедливости, которое вынудило беглеца сдаться. Возможно, он лаконично отвечал на более широкое чувство справедливости, не имеющее отношения к заключенным-аборигенам.Рассматривая «Немного справедливости» в учреждении, которое занимает здание парламента Северной территории, 130 лет спустя эти работы ставят под вопрос легитимность колониального правосудия, который остается без ответа.
Искусство смерти: 10 шедевров, исследующих горе и утрату
В искусстве всегда было место смерти.На протяжении веков художники использовали краски, карандаш, холст и глину, чтобы раскрыть свои самые глубокие мысли о смерти и вдохновить человека, просматривающего произведения искусства, задавать собственные вопросы о жизни и утратах.
Эти 10 шедевров показывают, как художники, одни всемирно известные, другие менее известные, исследовали горе и смерть в искусстве, фиксируя глубокую связь, которая у всех нас есть с нашей смертностью.
1. «Безутешное горе» Ивана Крамского, 1884 г.
Русский художник XIX века Иван Крамской в своих портретах стремился передать реализм человеческих эмоций.На снимке изображена вдова в черном, держащая платок у рта. Крамской улавливает усталость в ее глазах, когда она выглядит потерянной в мыслях и горько-сладких воспоминаниях.
Сцена из семейного дома с сложенными цветами сочувствия и похоронными венками сегодня так же узнаваема для скорбящих семей, как и в 1800-х годах.
2. «Before I Die» Кэнди Чанг, 2011 г.
Фото Элверта Барнса через Flickr
В этом продолжающемся произведении «коллективного искусства» представителей общественности предлагается записать, чего они хотят достичь, прежде чем они умрут на гигантской стене с классной доской.
Современная художница Кэнди Чанг построила первую стену «Прежде чем я умру» в Новом Орлеане после смерти любимого человека, заставив ее задуматься о том, что важно в жизни.
С тех пор было построено более 2000 стен в более чем 70 странах, каждая из которых была создана местным сообществом и прохожими, разделяющими их самые сокровенные желания и амбиции. Чанг также создал веб-сайт Before I Die, где вы можете узнать больше и посмотреть, что пишут люди.
3. «Дуб, раздробленный молнией» Максима Воробьева, 1842 г.
Русский художник Максим Воробьев специализировался на рисовании пейзажей.Большая часть его работ изображает живописные морские пейзажи и умиротворяющие виды сельской местности, но эта картина заметно отличается.
Аллегория смерти его жены, эта эмоционально заряженная картина передает шок и боль потери любимого человека. Яркая молния падает с грозового неба, ломая старый дуб надвое — это, пожалуй, идеальная метафора для внезапной смерти того, кого вы любите.
4. «Смерть в больничной палате» Эдварда Мунка, 1893 г.
Работа Эдварда Мунка затрагивает множество различных тем и эмоций, но он особенно известен тем, что уловил интенсивность и боль грубых человеческих эмоций, например, в его самой известной работе «Крик».
«Смерть в больничной» изображает смерть его любимой сестры Софи. Фигуры на картине кажутся отделенными друг от друга, никто не смотрит в глаза или не касается друг друга, каждая потеряна в собственном горе.
5. «Возвращение к морю: солеварни» Мотои Ямамото, 2012 г.
Этот японский художник кропотливо создает инсталляцию из соли в честь своей сестры, умершей в возрасте 24 лет от рака мозга. В его замысловатых работах используется от 400 фунтов до семи тонн поваренной соли в каждой, расположенной в различных узорах, напоминающих кружево, морскую пену или кровеносные сосуды.
В конце каждой выставки Ямамото предлагает людям набрать пригоршни соли и отнести ее в море, вернув туда, откуда она пришла. Он говорит, что весь художественный процесс помог излечить его горе, объясняя: «Это возрождение. Речь идет о соединении людей и океана и продолжении процесса исцеления ».
6. Без названия пинакс художника Гелы, 6 век до н. Э.
Пинакс — это мемориальная доска, обычно сделанная из терракоты, дерева или камня.Эти популярные в Древней Греции произведения искусства вешали на стены в культовых сооружениях в качестве подношений. Этот пинакс создан художником, известным как Художник Гела, настоящее имя неизвестно, и изображает сцену похорон, в которой скорбящие собрались вокруг умершего.
Несмотря на относительную простоту изображенных фигур, их горе все же очевидно. Наклонившись над любимым человеком, они вырывают себе волосы и в отчаянии прикрывают лицо.
7. «Натюрморт с черепом, луком-пореем и кувшином», Пабло Пикассо, 1945
Фото Шарон Моллер с Flickr
Написанный в характерном кубистском стиле Пикассо, этот натюрморт основан на многовековых художественных традициях memento mori и vanitas — картин, которые показывали быстротечность жизни и неизбежность смерти, помещая обычные повседневные предметы рядом с символом смертность, например череп.
Критики считают, что Пикассо был особенно озабочен этим видом искусства после Второй мировой войны, во время которой погибло так много людей. Подобно картинам Ванитаса 17 века, произведения Пикассо предлагают зрителям задуматься о том, где смерть вписывается в нашу повседневную жизнь.
8. «Монастырское кладбище в снегу» Каспара Давида Фридриха, 1819 г.
Немецкий художник-романтик, Фридрих писал огромные впечатляющие пейзажи, от бескрайних океанов до высоких горных хребтов, населенных маленькими, ничтожными человеческими фигурами.Почти все эти работы посвящены месту человека в природе и нашей беспомощности перед лицом ее силы, но эта картина особенно напоминает темы времени и смертности через разрушенное аббатство и разбросанные надгробия на фоне белого снега.
Примечательно, что «Монастырское кладбище в снегу», как и изображенное на нем могущественное аббатство, потеряно для времени и разрушений. Оригинал картины был утерян во время авианалетов Второй мировой войны, и от него осталась только черно-белая фотография.
9. «Скорбящий старик (У ворот вечности)» Винсента Ван Гога, 1890
Ван Гог несколько раз переделывал этот образ в своей жизни, основываясь на серии сделанных им эскизов ветерана войны Адриануса Якоба Зайдерланда. Ван Гог сказал, что вид старика побудил его задуматься о жизни, смерти и о том, есть ли какая-то высшая сила.
В своем дневнике он описал вид скорбящего старика как доказательство существования «чего-то на высоте», назвав его «невыразимо трогательным», когда он увидел, как он согнулся пополам в печали и горе.
10. «Остров мертвых» Арнольда Бёклина, 1883 г.
Бёклин был швейцарским художником-символистом, который сочетал мифические истории с реальным вдохновением для создания поразительных фантастических картин.
«Остров мертвых» основан на английском кладбище во Флоренции, Италия, недалеко от того места, где у него была художественная студия. Здесь он похоронил свою маленькую дочь Марию. Неудивительно, что «Остров мертвых» — унылое и пустынное место с одинокой белой фигурой, уходящей в его тень.
Экспонат «Смертные люди» обдумывает смерть и жизнь
24 октября 2013 г.
Контактное лицо SHSU для СМИ: Дженнифер Гаунтт
| «Смертный человек» Майкла Бизе «Спящий» и 18 на 19 дюймов, рисунок на бумаге графит будет среди работ, размышляющих о смерти и абсурдности жизни в Gaddis Geeslin Gallery Oct.С 28 по 21 ноября. — Отправлено |
Три «смертных человека», чье искусство исследует смертность и абсурдность жизни, поделятся своей работой в различных СМИ с сообществами SHSU и Хантсвилля, начиная с понедельника (28 октября).
«Смертные люди» с работами Майкла Бизе, Марка Пондера и Сета Миттага будут выставлены до 21 ноября в галерее Гэддиса Гислина.
На выставке будут представлены рисунки, анимация и смешанная техника трех художников из Хьюстона, которые отражают личный опыт, обычных людей, оказавшихся в необычных ситуациях, и силу позитивного мышления.
Помимо приема артистов 21 ноября в 17:00. в 3G выставка «Смертные люди» будет сопровождаться серией выступлений художников. Первая из трех слайд-лекций состоится во вторник (29 октября) с 17:00 до 18:00 и будет посвящена Миттигу, после чего состоится презентация Пондера 14 ноября с 17:00 до 18:00; и презентация Бисе 21 ноября с 14:00 до 17:00. Все три будут проходить в Art Auditorium в Art Building E, бесплатны и открыты для публики.
Куратор выставки Майкл Хендерсон, председатель художественного отдела, сказал, что хотел привезти этих троих в SHSU после того, как увидел их работы в галереях Хьюстона, потому что ему было интересно, как каждый из них «описывает, каково это быть человеком, столкнувшимся со смертностью и смертностью. абсурдность жизни.”
| Сет Миттаг «Мы все еще здесь» создано из дерева, смолы и ткани. В Инсталляция размером 15 на 12 на 8 футов показывает разрушения, вызванные стихийными бедствиями. |
«Эти художники создают работы, чтобы заставить зрителя задуматься», — сказал Хендерсон.
«Каждый из них каким-то образом противостоял смерти, и их работа заставляет зрителя задуматься об их собственной смертности.
«Их работы выполнены безупречно, но я бы не назвал их« красивыми картинками ».«Изображения, видео и декорации ставят нас перед фактом, что однажды мы столкнемся со смертью, будь то наша или чужая», — сказал он. «Их работы демонстрируют силу искусства и его способность решать серьезные проблемы, понятные каждому».
Mittig, Ponder и Bise были включены в Texas Biennial, недавний обзор современного техасского искусства в Музее современного искусства Blue Star в Сан-Антонио, и их работы в различных средствах массовой информации отражают разнообразие, преподаваемое на художественном факультете SHSU.
«Эта выставка — шанс для жителей Хантсвилля и университетского сообщества увидеть искусство известных техасских художников, чьи работы становятся национально и международно признанными», — сказал Хендерсон. «Каждый из этих художников был представлен на радио, телевидении и в печатных изданиях и выставляет свои работы на важных площадках по всей территории Соединенных Штатов.
Их работы становятся частью важных коллекций произведений искусства. Это возможность увидеть искусство, которое, возможно, больше не пройдет этим путем.”
Аниматор и художник, Миттаг создает покадровые анимации для коммерческих целей, а также для выставок в галереях изобразительного искусства, где обычные люди оказываются в необычных ситуациях и сталкиваются с катастрофами и трагедиями.
Например, на своей недавней выставке в Художественном центре Лондейла в Хьюстоне он использовал новостные сообщения об урагане в качестве исходного материала для декораций и анимационного видео. Он построил модель дома на колесах, превратившегося в дерево из-за урагана, заселил его персонажами из глины и создал рассказ о семье, которая продолжала жить в разрушенном доме.
Миттаг, чьи работы выставлялись в галереях США и Европы, был одним из пяти художников, получивших премию Artadia в 2012 году.
Он получил степень бакалавра изящных искусств в Юго-Западном университете и степень магистра изящных искусств в Хьюстонском университете.
| «Его подарок тебе — радуга» Марка Пондера — это изображение размером 10 на 8 дюймов, рисунок на бумаге графит. |
Ponder создает игривые, саморефлексивные рисунки и инсталляции, в которых критически рассматриваются потенциальные возможности и опасности, исходящие от позитивного мышления.
Он называет свою работу «подрывным, безжалостно честным подходом» к его поискам счастья и успеха, который «напоминает один из крайне неудачных плакатов самопомощи» и заканчивается «где-то между торжественностью и прихотью».
«Часто безвкусные, а иногда и немного неприглядные, его визуальные эффекты стремятся выявить двойственность, заложенную в наших самых глубоких чувствах и эмоциях, в том числе связанных со смертью», — говорится о его работе на веб-сайте Пондерса. «Работы милые, саркастические, но, пожалуй, что самое странное, очень строгие.”
Пондер получил степень бакалавра изящных искусств в Университете Ламар и степень магистра изящных искусств в Университете Южного Иллинойса в Карбондейле.
Bise производит крупномасштабные графитовые рисунки и гравюры, в которых автобиографическое повествование сочетается с трудоемким вниманием к деталям, создавая дезориентирующую взаимосвязь между личной психологией и формальными проблемами создания изображений.
Он также использует образы, которые он почерпнул из истории своей семьи и недавнего личного опыта операции по пересадке сердца.
Персональная выставка его работ « Любовь в королевстве больных » недавно была выставлена в галерее Бетти Муди в Хьюстоне.
Победитель премии Hunting Art Prize 2012 года получил степень бакалавра изящных искусств в области рисунка и живописи в Университете Северного Техаса и степень магистра изящных искусств в Университете Хьюстона.
3G находится на 21-й улице, 1028, в здании Art Building F. Галерея открыта с 10:00 до 17:00. С понедельника по пятницу и с 1-5 ч.м. в субботу.
Галерея Гаддиса Гислина всегда открыта для посещения.
Для получения дополнительной информации свяжитесь с Хендерсоном по телефону 936.294.1318 или [email protected].
— КОНЕЦ —
Эта страница поддерживается Коммуникационным управлением ГГСУ
Заместитель директора: Юлия Мэй
Управляющий: Дженнифер Гонтт
Находится в здании администрации, 115
.
Телефон: 936.294.1836; Факс: 936.294.1834
Комментарии, исправления, советы по новостям присылайте по адресу [email protected].
100 Картины Анализ, биография, цитаты и искусство
Мексиканская художница Фрида Кало известна своими автопортретами, болью и страстью, а также яркими яркими красками. В Мексике ее прославляют за внимание к мексиканской культуре и культуре коренных народов. феминистками за ее изображение женского опыта и формы.
Кало, которая в детстве болела полиомиелитом, чуть не погибла в автобусной аварии в подростковом возрасте.
У нее были множественные переломы позвоночника, ключицы и ребер, раздроблен таз, сломана стопа и
вывих плеча. Она начала серьезно заниматься живописью, пока поправлялась в гипсе. За свою жизнь она перенесла 30 операций.
Жизненный опыт — общая тема примерно 200 картин, эскизов и рисунков Кало. Ее физическая и эмоциональная боль ярко изображена на холстах, как и ее бурные отношения. со своим мужем, коллегой по художнику Диего Риверой, за которого она вышла замуж дважды.Из 143 ее картин 55 — автопортреты.
Разрушения, нанесенные ее телу в результате автокатастрофы, очень подробно показаны в «Сломанной колонне». Кало изображена почти обнаженной, разделенной посередине, с ее позвоночник представлял собой сломанную декоративную колонну. Ее кожа усеяна ногтями. Ей также поставили хирургический бандаж.
Я пишу автопортреты, потому что я так часто одна, потому что я человек, которого я знаю лучше всего ». — Фрида Кало
Первый автопортрет Кало был Автопортрет в бархатном платье в 1926 году.
Он был написан в стиле мексиканских портретистов XIX века.
которые сами находились под сильным влиянием мастеров европейского Возрождения. Она также иногда черпала у мексиканских художников фон из завязанных на спине занавесок.
Автопортрет — Время летит (1929), Портрет женщины в белом (1930) и
Все автопортреты, посвященные Льву Троцкому (1937) имеют этот фон.
В своем втором автопортрете «Время летит» Кало использует народный стиль и яркие цвета.Она носит крестьянскую одежду, а красный, белый и зеленый на картине — цвета мексиканского флага.
В течение своей жизни автопортрет — это тема, к которой Фрида Кало всегда возвращается, поскольку художники всегда возвращались к своим любимым темам — Винсент Ван Гог его Подсолнухи, Рембрандт, Автопортрет, и Клод Моне его «Водяные лилии».
Фрида и Диего: Любовь и боль
У Кало и Риверы были бурные отношения, отмеченные множеством романов с обеих сторон.
Автопортрет с подстриженными волосами (1940), изображена Кало
в мужском костюме, с ножницами в руках, волосы упали вокруг стула, на котором она сидит. Это время, когда она стригла волосы, которые любил Ривера, когда у него были романы.
Картина 1937 года «Память, сердце» показывает боль Кало из-за романа мужа с младшей сестрой Кристиной. Большое разбитое сердце у ее ног показывает интенсивность страданий Кало. Фрида Кало и Диего Ривера развелись в 1939 году, но через год воссоединились и снова поженились.Две Фриды (1939) изображают Кало дважды, вскоре после развода. Одна Фрида носит костюм из региона Техуана в Мексике, представляя Фриду, которую любил Диего. Другая Фрида носит европейское платье как женщина, которую Диего предал и отверг. Позже она вернулась в Техуану. платье в «Автопортрете как Техуана» (1943) и «Автопортрет» (1948).
Артефакты доколумбовой эпохи были обычным явлением как в доме Кало / Риверы (Диего собирал скульптуры и идолов, а Фрида собирала украшения), так и на картинах Кало.
Она носила украшения этого периода
в «Автопортрете — время летит» (1926), «Автопортрет с обезьяной» (1938) и
«Автопортрет с косой» (1941) и др. Другие артефакты доколумбовой эпохи можно найти в книге «Четыре жителя Мехико» (1938),
«Девушка с посмертной маской» (1938) и «Автопортрет с маленькими обезьянами» (1945).
Моя картина несет в себе послание боли », — Фрида Кало
Сюрреалистичный или реалистичный?
Фрида Кало участвовала в «Международной выставке сюрреализма» в 1940 году в Galeria de Arte, Мексика.Там она выставила две свои самые большие картины: Две Фриды и
Раненый стол (1940). Сюрреалист Эндрю Бретон считал Кало сюрреалистичной, но Кало отвергла это лейбл, заявив, что она просто нарисовала свою реальность. Однако в 1945 году, когда дон Хосе Доминго Лавин
попросил Фриду Кало прочитать книгу Зигмунда Фрейда «Моисей и единобожие», чьи психоаналитические работы являются
на основе — и изобразите ее понимание и интерпретацию этой книги.
Фрида Кало написала Моисея, и эта картина была признана второй премией на ежегодной художественной выставке во Паласио де
Bellas Artes.
Кало за свою жизнь не продала много картин, хотя иногда писала портреты по заказу. У нее была только одна персональная выставка в Мексике за всю ее жизнь, в 1953 году, всего за год до ее смерти в 47 лет.
Сегодня ее работы продаются по очень высокой цене. В мае 2006 года автопортрет Фриды Кало «Рутс» был продан за 5,62 миллиона долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке, установив рекорд самой дорогой цены. Латиноамериканские работы, когда-либо купленные на аукционах, также делают Фриду Кало одной из самых продаваемых женщин в искусстве.
Широко известная своими марксистскими взглядами, Фрида вместе с революционером марксизма Че Геварой и небольшой группой современных деятелей стала контркультурным символом
20 века и создал наследие в истории искусства, которое продолжает вдохновлять воображение и умы. Фрида Кало, родившаяся в 1907 году и умершая в возрасте 47 лет, стала знаменитостью даже за свою короткую жизнь, которая простиралась далеко за пределы Мексики.