Рисунок и живопись Руководство для самодеятельных художников — Blog — Ghenadie Sontu Fine Art
Рекомендации:Р. Арнхейм “Искусство и визуальное восприятие”, — Москва: Прогресс, 1974
Д. И. Киплик “Техника живописи”
А. В. Виннер “Материалы масляной живописи” (под редакцией И. Э. Грабаря)
П. Флоренский “История и философия искусства”, — Москва: Академический проспект, 2017.
Л. В. Молчанов “Пространство мира и пространство картины”, — Москва: Советский художник, 1983
М. Пастуро “История цвета: синий”, — Москва: Новое литературное обозрение, 2017
М. Пастуро “История цвета: черный”, — Москва: Новое литературное обозрение, 2017.
“Секреты живописи старых мастеров”, — Москва: Изобразительное искусство, 1989
И. И. Глазунов “Символ и образ в русском декоративно-прикладном искусстве XVII века”, — Москва: 2014.
Е. Ю. Иванова, О. П. Постернак “Техника реставрации станковой масляной живописи”.
Ю. Алексеев (Алюрви) “Искусство живописи старых мастеров”.
“Технология, исследование и хранение произведений станковой и настенной живописи” Редакция Ю. Гренберг.
В. В. Тютюнник “Материалы и техника живописи” и другие.
Таких тем много, перечислю основные:
— технология материалов;
— особенности зрительского восприятия;
— анализ и интерпретация произведения искусства;
— реставраторство;
— история цвета;
— стилизация и символика в искусстве;
— орнаментика;
— народное и примитивное искусство;
— религиозное и культовое искусство и так далее.
Эти темы, вроде бы только сопутствующие начинающему художнику на пути обучения рисованию, имеют важное значение, особенно при выходе в самостоятельное “свободное плавание” без наставника, помогают чуть шире смотреть на сами уроки рисования, дают осмысленность деятельности.
Классические учебники, иногда сложные в понимании, но такие необходимые для того, чтобы освоить теорию смешения и гармонизации цветов, свойства цвета (собственные и несобственные), исследовать влияние цветов друг на друга, понять психологию цвета и так далее.
Рекомендуемые книги:Н. Н. Волков “Цвет в живописи”, “Искусство”, 1984
И. Иттен “Искусство цвета”, Изд. Дмитрий Аронов, 2015.
В. Оствальд “Цветоведение”, Промиздат, 1926 (автор — Лауреат нобелевской премии по химии!)
А. С. Зайцев “Наука о цвете и живопись”, Искусство, 1986
Ж. Агостин “Теория цвета и её применение в искусстве и дизайне”, — Москва: Мир, 1985.
КОМПОЗИЦИЯВажнейшая тема для художников, до которой, разумеется, нужно дорасти. Как управлять вниманием зрителя, как читать картину, энергетические точки и линии в картине, за счёт чего выделить самое важное в картине, способы организации плоскости, значение формата и так далее.
Е. В. Шорохов “Композиция”, — Москва: Просвещение, 1986.
Н. Н. Волков “Композиция в живописи”, Искусство, 1977.
И. Иттен “Искусство формы”, Д. Аронов, 2014.
О. Голубева “Основы композиции”, Искусство, 2004.
Н. М. Сокольникова “Основы композиции”, Искусство, 2004.
Н. М. Сокольникова “Основы композиции”
В. Кандинский “Точка и линия на плоскости”, Азбука, 2015.
Н. Н. Третьяков “Образ в искусстве”, Оптина Пустынь, 2001.
С. Капланова “От замысла и натуры к законченному произведению”, Изобразительное искусство, 1981.
Хотите начать обучение?
Свяжитесь с нами по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/
Рисунок, живопись и композиция пейзажа
Чтобы рисовать пейзажи потребуется научиться, не просто рисовать, но и точно чувствовать передаваемую на рисунке тему, компоновать, а также развить колористические навыки, практиковаться в живописи.-29-06-2019/v2fslEsTwRTQ_img_color.png)
Пейзаж должен быть гармоничным, целостным, четко передавать то или другое состояние природы. Давайте подробнее разберемся в необходимых для художника-пейзажиста правилах и методах.
РИСУНОК.
Рисунок – изображение, зафиксированное на плоскости, с помощью графики. Он является основой для всех видов изобразительного искусства. Без рисунка сложнее работать над художественным произведением.
К рисункам пейзажей многие известные художники относились очень трепетно, ведь передавать на рисунке неповторимое разнообразие природы это так увлекательно и интересно. В создании своих шедевров им помогали: развитое объемно-пространственное видение, знание перспективы и характера строения деревьев и других растений, камней, гор и прочих природных объектов.
Создание рисунков с натуры поможет Вам в изучении закономерностей форм окружающей нас природы. Начинающему пейзажисту нужно приучить себя систематически рисовать на природе, придумывать пейзажные композиции на основании своих наблюдений, делать наброски.
Можно рисовать разными материалами: карандашом, тушью, сангиной, черной акварелью, сепией. Следует носить с собой альбом или хотя бы блокнот и зарисовывать в него все, что привлечет ваше внимание. Например: интересные изгибы ручейка или тропинки, необычная форма дерева, груда камней. Помните о пропорции и масштабе.
Дерево. Леонардо да Винчи. Перо.
Когда интересная композиция найдена – приступайте к рисованию, не торопитесь, сначала хорошенько обдумайте все детали рисунка, найдите соотношение высоты и ширины каждого элемента. Если на рисунке обнаружатся ошибки – лучше исправить их сразу, потом Вы можете увлечься рисованием и забыть о них. Прорабатывайте рисунок дальше, вводя тона и таким образом, придавая предметам объем. Не стоит сильно увлекаться просто темным тоном. Рисуйте тона постепенно, сравнивая все тени между собой. Какие-то из них, в любом случае, будут светлей или темней. Также внимательно отнеситесь к свету, определите, где на рисунке будет самое светлое место и где будет темней всего.
Чем разнообразнее тона и полутона – тем живописнее получится рисунок. Напоследок еще раз проверьте все размеры предметов, правильно ли они вписаны в пространство. Первым таким рисункам уделяйте примерно 6-8 часов, разбивая это время на 3-4 сеанса. Постепенно переходите к более сложным рисункам, ставьте перед собой конкретные задачи. Например: изучить строение ивы, кленового листка или сосновой ветки. В таких случаях нужно будет сосредоточиться именно на строении, а тона рисовать не обязательно.
ЖИВОПИСЬ.
Живопись – разновидность изобразительного искусства, когда передача зрительных образов на какую-нибудь поверхность, происходит при помощи нанесения на нее красок.
Смотря на картины художников-мастеров живописи, можно очень вдохновиться и получить массу впечатлений и непередаваемых эмоций, можно долго восхищаться их полнотой и реалистичностью переданных состояний природы. В чем же их секрет? Их секрет в искусно подобранной, интересной, гармоничной композиции, в их выразительности, легкости, мастерстве рисунка, живости цвета.
Чтобы начинающему художнику научиться рисовать живопись, нужно будет поупорствовать в практике и изучить особенности живой природы. Следует обязательно периодически выезжать на этюды. Также стоит приобрести нужные для этого вещи, такие как: грунтованный картон, холсты в подрамниках, складные мольберт, зонт и стульчик, этюдник, акриловые или масляные краски, кисти.
Море. М’якшило В. К. Олія.
Когда едете на природу, если имеете достаточно свободного времени, не торопитесь сразу начинать рисовать, потратьте 1-2 дня на изучение местности, осмотритесь, выберите самый волнующий Вас мотив, обратите внимание, что утром, днем и вечером все выглядит по-разному.
Когда пейзаж скомпонован, не лишним будет сделать краткосрочный этюд. Приступая к работе, в течение 1-го или 2-ух сеансов прорисуйте мотив, далее подмалевывайте, не стараясь взять точные цвета, внимательно отнеситесь к темным местам и теням. Потом не торопясь, сравнивая отношения цветов и тона, вводите цвета более точно. С большой осторожностью относитесь к внесению белого цвета в краски смешанные для рисования теней и темных мест, тут главное не переборщить. Пока не разберетесь со всеми цветами и тонами, не рисуйте много деталей. От сеанса к сеансу, все время сравнивая отношения цветов, вносите детали. В зависимости от сложности пейзажа, для его написания может понадобиться разное количество времени от 1 дня до нескольких месяцев, а может и больше.
Вечір. М’якшило В. К. Олія.
Развивайте в себе колористическое видение – умение сочетать краски правдиво, жизненно, гармонично, а оттенки делать многообразными и слаженными. Разрабатывайте зрительную память, не рисуйте только с натуры, рисуйте также по памяти, ведь не всегда есть время выбраться на этюд.
Наблюдайте за тем что Вас окружает более активно и творчески, вглядывайтесь в то, на что раньше вообще не обращали внимания.
КОМПОЗИЦИЯ.
Композиция – составление целостного образа из отдельных его частей.
В изобразительном искусстве умение компоновать означает расположить объекты таким об разом, чтобы они передавали определенное впечатление, обстановку события. Например, композиция может быть динамической, статической, подавляющей, гармоничной или любой другой, в зависимости от того, что она должна передавать.
Выразив на полотне свою идею в композиционном строе, с предельной ясностью – Вы можете дать возможность людям, увидевшим вашу картину хотя бы один раз, сразу поверить в ее неподдельную правдивость. У известных художников есть такие картины, что, кажется, просто преступлением убрать или прибавить что-то, нарушив этим композицию этих картин.
Для того чтобы задумать удачную композицию, нужно иметь много впечатлений от увиденного и ряд образов, которые если объединить в одно целое, должны ясно отобразить то, что Вы задумали нарисовать.
Явление, передаваемое на холсте, должно быть вам хорошо знакомо и изучено вами заранее, в достаточной мере. Композиции на картинах бывают четкими и ярко выраженными, но бывают и такие, которые вообще не заметны на первый взгляд, но это еще не значит, что композиция отсутствует, она может быть настолько простой и убедительной, что просто не будет сразу ощущаться.
Стежинка в ліс. Олія. М’якшило В. К.
Итак, как же правильно скомпоновать пейзаж? Каких-то особых схем, которые сработают наверняка – нет. Законов композиции существует огромное множество. Они становятся понятными только на собственном творческом опыте. Не лишним будет изучить композиционные решения лучших произведений мирового искусства, не для копирования готовых идей, а для рассмотрения примеров разнообразности композиций. В работе над композицией пейзажа большую роль играют: воображение, достаточно ли времени вы уделяете рисованию с натуры, делаете ли правильные выводы. В общем, если Вы любите природу и хотите научиться отображать ее правильно в своих композициях, нужно: отнестись к делу с упорством, посвящать как можно больше своего времени выездам на природу, писать этюды, делать наброски, напрягать зрительную память и воображение, компоновать пейзажные мотивы, которые больше всего Вам интересны.
Удачи Вам и побольше вдохновения в вашем творческом поиске!!!
Поделись в соц. сетях:
Рекомендуем к прочтению:
Что такое искусство.
Как стать художником.
Еще на нашем сайте можно заказать художественную роспись.
Что такое рисунок и что такое живопись? Кто из них главней? — Megaboo
Перед тем, как мы перейдем к практическим упражнениям, будет немного теории. Она нужна нам для того, чтобы мы говорили на одном языке и понимали друг друга. И вместе представили нашу задачу и путь к ней. А наша задача – хорошо научится рисовать и писать красками. Стать Художником.
Что такое рисунок?
Принято считать, что рисунок это то, что мы своей рукой рисуем на плоскости, например, бумаге, рисуем карандашом или другим каким-нибудь графическим средством. Чаще одного условного цвета. Скажем, рисуем черным карандашом, коричневым карандашом. Можно фломастером, маркером или мелком. Всем тем, что в основе своей похоже на карандаш. Но, конечно, есть еще много и других современных графических средств, для рисунка. Например, некоторые художники рисуют только с помощью компьютера и специальных рисующих программ. Но это отдельная тема.
Сейчас мы с вами остановимся только на бумаге и карандаше.
А в работе исключим пока, по возможности и стерательную резинку. Это такой первый этап. Чтобы обучить свою руку быть послушной нам, а наш глаз быть внимательным и точным, развить глазомер. Позже мы с вами будем знакомиться с разными техниками рисунка, не только с одним карандашом, и играть в них, но это позже, через несколько этапов.
Что такое живопись?
Живопись это изображение, которое мы так же своей рукой при помощи кисти и красок наносим на плоскость-основу — твердую (например, бумага, дерево) или гибкую (холст).
Значит, для рисунка нужны карандаши (угольки, мелки или маркеры), а для живописи – краски и кисть…
Самые знакомые нам живописные средства это акварельные краски, гуашь и масло.
Никаких больше отличий между понятиями живопись и рисунок нет. Живопись — это то, что сделано красками.
Рисунок — это то, что сделано, каким-то графическим, материалом, хоть угольком от костра. И самое первое и знакомое нам с детства такое средство рисования это — карандаш.
Есть еще одно маленькое отличие живописи и рисунка между собой, оно в словах, которые употребляют художники, когда говорят о своей работе.
Про рисования карандашом или чем-то подобным художники говорят про свое действие — «рисовать».
А про работу с помощью красок, говорят слово «писать». Например: художник пишет картину красками. И художник рисует карандашом.
И то и другое очень интересно. И очень важно.
Добавлю. Что для художников древних времен, живущих в прошлые века, понятия живописи и рисунка и разделения между ними были просты. Рисунок рисуется карандашами , угольками… Живопись пишется красками. Потому что тогда было создано меньше различных живописных и графических средств, чем сейчас.
Например, не было цифровых технологий. Теперь же материалов, при помощи которых можно рисовать, стало очень много и стало от этого немного трудно различать, где живопись, а где рисунок. И между двумя этими понятиями — живопись и рисунок появилось еще ответвление – графика, компьютерная живопись, компьютерная графика… и много еще разного. Но мы не будем пока усложнять себя. Мы с вами будем придерживаться простого деления. Если мы используем какого-то рода краски – это живопись. Если нет, и мы берем карандаш или что-то похожее на карандаш одного тона — это рисунок.
Что важнее — рисунок или живопись?
Рисунок и живопись дружат между собой… И они дружили всегда. Во все века.
Но, опять таки, в современном мире, почему-то получилось так, что большинство людей считает живопись главнее и важнее рисунка. Может быть, потому что она яркая или больше весит? 🙂 Или может потому что дороже стоит? Не знаю. Но что живопись главнее и значительнее рисунка думают многие люди, которые рассматривают картины и рисунки, но сами не создают их.
Но для художника это совсем неверное мнение. Для художника рисунок самое главное и первое из двух.
Посудите сами, дружба между живописью и рисунком очень тесна… но живопись существовать без рисунка не может. Совсем не может. Без рисунка у живописи были бы только пятна краски… на холсте или на бумаге — разбрызганные, намазанные, беcформенные…. Мы обязательно должны знать, что хотим изобразить, написать красками и для этого сначала необходимо это желаемое хорошо нарисовать карандашом. Потому для художников рисунок считается важнее и ценнее для его мастерства, чем живопись. Для того чтобы живопись стала настоящей нужно уметь хорошо рисовать. Это основа. Крепкий рисунок – основа живописи. Почему тут употребляется слово «крепкий»? Это как реальный дом, который мы строим. Представьте себе, вот мы его построили, например, дом из бревен, и он должен быть крепким. Правильно выстроенным, чтобы он не развалился. Это его основа.
И когда мы его потом покрасим в яркие цвета, украсим наличниками окна и повесим красивые занавески, каждый, кто посмотрит на него, увидит, что дом крепкий, мы верно и правильно его построили из наших бревен. Но если дом в основе своей построен неправильно, он разваливается, бревна находят друг на друга, и вот он перекосился в бок. Стены уже стоят не прямо, а совсем косо, дверь стала отваливаться, а окна поползи в сторону. И сколько бы мы его теперь не красили и не вешали красивые занавески на окна, каждый человек увидит, что дом не крепкий и в нем невозможно жить. Так и рисунок.
Еще один образный пример. Представим рисунок, как бы, телом человека, а живопись его одеждой. Человек может ходить голым, без одежды… он, конечно, может замерзнуть, но он спокойно может ходить без одежды там, где тепло. Значит, рисунок сам по себе может существовать и ему неплохо. Как человеку может гуляющему без одежды у теплого моря. Но одежда совсем не может ходить и гулять одна, без человека.
Она может только лежать на кровати и принимать форму кровати, или висеть на вешалке, или стуле и принимать форму вешалки или стула. Или любого другого предмета, на который ее бросили. Без человека или хотя бы стула одежда — только бесформенная груда ткани. Без рисунка живопись это тоже только груда мазков и разнообразных пятен краски, как груда тряпок на диване без основы своей — человека.
Так что для художника рисунок и живопись они тесные друзья, но рисунок есть самая ценнейшая персона из двоих.
Итак, мы начнем с рисунка. И теперь понятно почему. И займемся им серьезно и последовательно. Но не ограничимся только им. Помимо этого, во время освоения «крепкого» рисунка, мы будем с вами «играть» в живопись. Играть с цветом, пятнами и красками.
Для того, чтобы учиться различать и видеть цвет, сравнивать их между собой, испытывать разные красочный материалы, их свойства и возможности. Для начала это будет бумага — акварель и гуашь.
И тогда встает вопрос, как научиться рисовать и писать?
И для того и другого нужны наши руки. И нужны наши глаза. И на следующих уроках мы будем обучать свои глаза и руки. Как?
Про глаз художника говорят «зоркий», «чистый», «цепкий», не потому что он хорошо умылся, а потому что он видит много отличий в мире, которые человек других увлечений или профессий не замечает или не успевает замечать, потому что спешит по своим делам.
А рука художника называется «крепкой» или «твердой». Не потому что он может разбивать своей твердой рукой кирпичи, а потому что он может строить такие крепкие нарисованные дома, что они не разваливаются и создавать такими реальными воображаемые миры, в которых душа человека может жить и хочет жить. Но об этом, о глазе и руке, на следующем уроке.
Что нужно к следующему занятию?
Нам понадобится простая бумага для рисования, самая дешевая, приблизительно, размером формата А4 (210х290мм) и формата А3 (297х420мм), но точного размера не придерживайтесь, это может быть для начала и обычный школьный альбом для рисования.
. а также необходим простой карандаш средней мягкости.
Автоматический рисование и живопись – HiSoUR История культуры
Автоматическое рисование (отличное от нарисованного выражения сред) было разработано сюрреалистами как средство выражения подсознания. При автоматическом рисовании рукой разрешается перемещаться «случайно» по всей бумаге. При применении случайности и случайности к маркировке рисунок в значительной степени освобождается от рационального контроля. Следовательно, созданный рисунок может быть частично отнесен к подсознанию и может выявить что-то из психики, которое в противном случае было бы репрессировано. Примеры автоматического рисования были сделаны медиумами и практиками психического искусства. Некоторые спиритуалисты считали, что он контролирует дух, который производит рисунок, физически контролируя тело среды.
Автоматический рисунок был впервые представлен Андре Массоном, но художники, которые также практиковали автоматическое рисование примерно в то же время, включают английский художник Остин Осман Спаре и во Франции Джоан Миро, Сальвадор Дали, Жан Арп и Андре Бретон.
Техника автоматического рисования была перенесена на живопись (как видно из картин Миро, которые часто начинались как автоматические рисунки), и была адаптирована к другим материалам; в компьютерной графике даже были автоматические «рисунки». Предполагалось, что Пабло Пикассо также выразил тип автоматического рисунка в своей более поздней работе, и особенно в его офортах и литографических сюитах 1960-х годов.
Автоматическое письмо – это способ письма, в котором ни сознание, ни вмешательство не вмешиваются. Этот процесс имеет как минимум пять различных областей применения: литература, психология, живопись, парапсихология или аутогипноз.
Автоматическое письмо использовалось сюрреалистами как способ литературного творчества, позволяющий освободиться от узости мысли, управляемой разумом. Этот момент характерен для сюрреалистического движения. Именно в конце квеста о природе поэтического вдохновения Андре Бретон формализовал этот метод, применяемый к литературному творчеству.
Он состоит из написания как можно быстрее, без контроля за разумом, без эстетических или моральных проблем или без какой-либо заботы о грамматической последовательности или уважении к лексике. Государство, необходимое для хорошей реализации, – это состояние отпуска, между сном и бодрствованием (близко к гипнотическому состоянию).
Большинство автоматических рисунков сюрреалистов были иллюзорными или, точнее, развивались в такие рисунки, когда представительные формы, казалось, предлагали себя. В 1940-х и 1950-х годах франко-канадская группа под названием Les Automatistes проводила творческую работу (главным образом живопись) по сюрреалистическим принципам. Они отказались от каких-либо следов представления при использовании автоматического чертежа. Это, пожалуй, более чистая форма автоматического рисования, поскольку она может быть почти полностью непроизвольной – для разработки репрезентативной формы требуется, чтобы сознательный ум взял на себя процесс рисования, если только он не является полностью случайным и, следовательно, случайным.
Эти художники во главе с Полом-Эмилем Бордуасом стремились провозгласить в своих манифестях Refus Global провозглашение универсальных ценностей и этики.
Как упоминалось выше, художники-сюрреалисты часто находили, что их использование «автоматического рисования» не было полностью автоматическим, скорее оно включало некоторую форму сознательного вмешательства, чтобы сделать изображение или живопись визуально приемлемыми или понятными », – сказал Массон, автоматические “образы включали двукратный процесс бессознательной и сознательной деятельности …”
Первой работой, написанной с помощью этого метода, был Les Champs Magnétiques Андре Бретон и Филипп Супо, опубликованный в 1919 году. Это была отправная точка сюрреалистического движения. Одним из первых автоматических презентаций является пьеса «Пожалуйста».
Изобретение «изысканного трупа» сюрреалистами находится в том же духе литературного творчества, освобожденного от оков разума.
Определение автоматического написания Андре Бретона в «Манифест сюрреализма» (1924): «Поместите себя в самое пассивное или восприимчивое состояние, чтобы вы могли быстро писать без предвзятого предмета, достаточно быстро, чтобы не сдерживать вас и не соблазняйтесь перечитывать себя ».
Автоматическое письмо имеет фундаментальное место в сюрреализме, но оно не сводится к нему. Подводя итоги сюрреалистической деятельности в 1933 году, Бретон выразил сожаление в связи с тем, что это открытие не было более эффективно использовано в этих терминах: «история автоматического письма в сюрреализме – это непрерывное несчастье».
Автоматическое письмо находит графический эквивалент в так называемой технике трения, изобретенной Максом Эрнстом в 1925 году: она состоит в том, чтобы пропускать карандашный провод поверх листа, помещенного на любую поверхность (паркет или другую текстуру), которая показывает более или менее мнимые фигуры ,
Члены племени Корва Хилл в глубокой Индии Чхаттисгарха, узнали в деревнях, что уважение и власть связаны с способностью писать. Для Холма Корва писать не является средством общения, а чистой магией, которая дает силу. Но Хилл Корва говорит на диалекте без написания!
Вот что говорит Джагдиш Сваминатан в своем каталоге выставки работ Хилла Корвы «Магический сценарий» Музея Бхарата Бхавана (Бхопал, Мадхья-Прадеш) в 1985 году: «Первое, что мы видим на этих рисунках, – это их каллиграфический характер, так как если бы это был не рисунок, а письмо.
Но у Хилла Корвы нет письменных документов, они неграмотны […] Когда смотришь на эти рисунки, сразу вспоминаешь о работах Пола Клее ». Они пишут быстро, очень быстро, отмечает Сваминатан в своем каталоге. Когда они ходят. Холм Корва легко проходит 40 км в день, с адской скоростью.
Марк Тоби (американский художник) написал в Англии, в ноябре или декабре 1935 года, несколько картин («Бродвей», «Приветственный герой», «Бродвейская норма») в «белом письме» («Белое письмо»), который будет существенным характерный для его работы и который, по мнению критиков, будет иметь решающее влияние на маршрут Джексона Поллока.
Пьер Рестаны, критик современного искусства, пишет: «Его графический дизайн – поэзия, репортаж, жест скрытности, сексуальный релиз, автоматическое письмо, самоуверенность и отказ. .. нет ни синтаксиса, ни логики, но содрогание бытия, шепот, который идет на дно вещей ».
Парапсихологи рассматривают с этой методикой вмешательство паранормальных явлений как эффект психической диссоциации субъекта, введенного в новое измерение.
Некоторые авторы утверждают, что могут писать, подключаясь к записям Акаши.
Гипнотисты точно описывают то же явление, которое вызвано самогипнозом.
Автоматическое письмо или поток сознания – это процесс или результат написания, который исходит не из сознательных мыслей писателя. Это способ сделать подсознательную поверхность. Он состоит в том, чтобы поместить карандаш на бумаге и начать писать, позволяя мыслям течь без какого-либо морального, социального или какого-либо принуждения. Иногда это делается в состоянии транса, хотя это необязательно.
Его цель – преодолеть цензуру, которая действует на бессознательное, благодаря незапланированным творческим действиям и без непосредственного чувства сознания, которые избегают воли автора. Затем он непосредственно составляет бессознательное, освобожденное от цензуры.
Поделиться ссылкой:
- Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
- Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook.
(Открывается в новом окне) - Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)
(Открывается в новом окне)| Обзоры самодельных книг Видео, Книга 1 | «Никто не забыт, ничто не забыто. ..Картина, панно, рисунок 1 | Новые работы маслом Картина, панно, рисунок | Майский букет. Картина, панно, рисунок |
| Увлечения моих кукол. Мэй. Кукольная жизнь | Комплект «Нынче Муха-Цокотуха… Гардероб | Цветочные портреты Картина, панно, рисунок | Космос под ногами. МКВидео, Картина, панно, рисунок, Мастер-класс |
| Фантастический пейзаж Видео, Картина, панно, рисунок, Мастер-класс | Акварельная графика. Стихи. Видео, Картина, панно, рисунок, Стихи | Тюльпаны в вазе Картина, панно, рисунок | Рисуем сирень Картина, панно, рисунок |
| Природные формы в архитектуре Картина, панно, рисунок | «Дорога домой» и подарочек. Картина, панно, рисунок 1 | Чайный домик Декор предметов | Перцы. Картина, панно, рисунок |
| ЭКСПЕРИМЕНТ #1 / делаем ТЕМНЕЕ ПРОЖИЛКИ… Декор предметов 2 | Написание моей картины- «Гортензии… Картина, панно, рисунок | Как нарисовать картину на спиле дерева. Картина, панно, рисунок | Эскизы авторской одежды Картина, панно, рисунок |
| Панно на стену Видео, Картина, панно, рисунок, Мастер-класс | Картина по номерам Картина, панно, рисунок | Подснежники Картина, панно, рисунок | Праздничный салют Картина, панно, рисунок |
Московский музей современного искусства — Филипп Паскуа.
Живопись и рисунокПравительство Москвы
Департамент культуры города Москвы
Российская академия художеств
Московский музей современного искусства
Галерея RX, Paris
Галерея A&C Projects
представляют
Филипп Паскуа
Живопись и рисунок
Кураторы: Мишель и Марк Ивасилевич, Давид Розенберг
|
Дата проведения: 8 июня — 4 июля 2010
Адрес: Московский музей современного искусства, Гоголевский бульвар, 10 Открытие: 7 июня в 19:00 |
Выставка французского художника Филиппа Паскуа «Живопись и рисунок» откроется в Московском музее современного искусства в рамках Года Франции в России и представит публике знаковые полотна, сделанные художником за последние 10 лет. В экспозиции выставлено более 30 крупноформатных работ, которые обращают зрителя к основным темам творчества Паскуа — откровенности, жестокости, отражению самой «изнанки» человеческой природы.
Отправной и одновременно конечной точкой для Филиппа Паскуа являются его модели. Острый взгляд художника подмечает индивидуальность, сущность каждого человека. Творческое кредо Паскуа — бескомпромиссное исследование человеческой природы и природы общества. Его интересует тема нормы и, как следствие, нарушение и пересечение установленных границ.
И если живопись Паскуа говорит зрителю только о плоти, то в рисунках художника контуры человеческого тела смягчены и воздушны.
Картины Паскуа вызывают ассоциации с работами Льсьена Фрейда и Дженни Савилль, однако достаточно одного взгляда, чтобы понять уникальность его стиля.
К выставке в Московском музее современного искусства приурочен выход монографии «Paradis» издательства Skira о творчестве художника. Авторы монографии — Дмитрий Озерков и Давид Розенберг. Во время открытия состоится презентация книги и автограф-сессия с художником.
В рамках выставки планируется показ фильма «Philippe Pasqua, l’insaisissable» (режиссер Николя Рейналь, продюсеры Марк Руссо, Жером Шеваль, France Télévisions).
В течение года, с 2009 по 2010, режиссер следовал по пятам художника, снимая все, что происходит в его жизни.
***
«Живопись Паскуа приходит как физический удар редкой силы, образ поистине хирургической точности. Речь всегда идет о большом формате: минимальный размер его работ соответствует размаху самого художника. Со временем круг сюжетов все более замыкается: сначала некие фетиши и загадочные силуэты, вызывающие в памяти куль Вуду и примитивное искусство, сцены родов и хирургических операций (по смене пола), собаки, новорожденные, мужчины, женщины, транссексуалы. Сегодня, в основном, тела и лица. Рядом с человеческой фигурой, практически никогда нет дополнений и деталей. Для Паскуа писать картины — это, прежде всего, фотографировать.
Доли секунды довольно, чтобы поймать мимолетное выражение лица, жест или позу. Фотографии проявляются и печатаются на бумаге. Они устилают рабочие столы в мастерской или прикреплены кнопками к стенам. Это может быть фотография незнакомца или незнакомки, недавно встреченных художником, однако он предпочитает работать с моделями, которых он знает и пишет годами. Констанс, Анн, Арно, Кафи, Лора — многие имена не перестают пестреть в списке работ.
Параллельно с этой плотской стороной живописи Паскуа существуют его рисунки. На них тело и лицо предстают ореолом, туманом, дымом, штрихом, колебанием воздуха. Речь уже не столько о плоти, сколько о форме, абрисе и изысканной текстуре».
Давид Розенберг
Биография
Филипп Паскуа родился в 1965 году в Грассе. Живет и работает в Париже.
Паскуа начал заниматься живописью и скульптурой в 90-е годы, и сейчас считается одним из важнейших художников своего поколения. О нем писали многие известные авторы, в том числе Пьер Рестани и Мишель Вальдберг.
Работы Филиппа Паскуа находятся во многих престижных коллекция во Франции и за рубежом, часто выставляются в государственных и частных центрах современного искусства. Две монументальные скульптуры Паскуа недавно были выставлены в Париже на Елисейских полях и в Венеции во время 53-й биеннале современного искусства. В начале 2010 успешно прошла ретроспектива художника в Фонде Алер (Ганновер, Германия).
Скоро на экраны выйдет фильм о Филиппе Паскуа — «Philippe Pasqua, l’insaisissable».
ИННОВАЦИОННЫЙ ПАРТНЕР МУЗЕЯ
Настенная живопись
Древние люди положили начало техники настенной росписи более 18 тысяч лет назад, когда в их распоряжении были только натуральные «краски».
Ярким примером являются наскальные рисунки на стенах испанских пещер Альтамира. Несмотря на то, что человеку была доступна толоко очень ограниченная палитра цветов, это не помешало ему создавать красочные изображения. Конечно краски создавались из естественных материалов: уголь, марганец, охра, кровь и разводились водой или животным жиром.
Следующим шагом в развитии настенной росписи стало строительство храмов, где художники могли реализовать различные техники живописи и создать единую композицию.
Античные времена
Важнейшим вкладом в историю и развитие живописи на стенах по праву считаются рисунки, созданные мастерами Древнего Египта. Их работы датируются 3 и 4 тысячелетиями до н. э. Наибольшее внимание в то время уделялось храмам и пирамидам, где можно встретить не только изображения египетских богов, но и проследить хронику исторических событий. Установились первые каноничные стили рисования, расширялась палитра цветов.
Другой образчик античного искусства — росписи с острова Крит. Они выполнены на сырой штукатурке и были созданы для дворцов. Последние украшались как фризами, так и панелями с росписями. Хотя живопись оставалась декоративной и плоскостной, для нанесения рисунков использовались яркие краски.
Постепенно в живопись помимо изображений человека стали добавлять узоры и орнаменты, вместо привычных героических сюжетов художники больше акцентировались на лирических мотивах. Опять же, преимущественно выбирались яркие и насыщенные краски. Одна из причин — трудность восприятия светлых оттенков на стенах из белого мрамора.
Следующим шагом становится перенос настенной живописи в парадные комнаты, когда основное внимание обращается на интерьер. Новый виток развития наблюдается в Древнем Риме.
Живопись древней Греции до нас дошла небольшимы образцами., однако и они показывают, что искусство эллинов достиггло высокого уровня как реализма, так и символизма в живописи.
Помпезное оформление домов основывается на работах греческих художников, техника росписи выходит на высокий уровень. На стенах отражались декорации театров, дворцы или богатые орнаменты, целью которых было отразить великолепие и богатство владельца.
Возрождение — новая эпоха и второе рождение настенной живописи
Отличием этого периода можно назвать увеличение роли церковного интерьера, а также новые правила росписи. Декоративная живопись начинает тесно сплетаться с духовным содержанием рисунка. Появляются личности, имена которых навсегда останутся в истории мировой художественной культуры. Итальянские мастера — Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и другие известные живописцы — породили новую волну развития настенной росписи, которая затем распространится на всю Северную Европу. Появляются первые фрески, представляющие собой роспись по сырой штукатурке.
Снова, как и в античные времена, живопись выходит за рамки религии и появляется в светских домах. На смену первоначальной технике создания фресок приходит роспись по сухой штукатурке. Появляется такое понятие, как альфрейская живопись. Для нее характерно сочетание декоративной отделки интерьера и полноцветной живописи. К концу 18 века переживает расцвет техника создания «обманок», с помощью которых удается визуально увеличивать пространство в помещении.
Барокко и рококо
В эпоху расцвета пышности и помпезности интерьера настенная роспись призвана подчеркивать его роскошь и богатое убранство. Приветствуются удачные ракурсы, яркие краски и эффекты театральности. «Обманки» остаются востребованными, несмотря на то, что богатые люди могли себе позволить роскошные сады и не нуждались в дополнительном увеличении пространства. Техника художественной росписи доводится до совершенства — рисунки становятся практически неотличимы от архитектурных деталей.
Когда на смену борокко пришел стиль рококо, к основным принципам настенной живописи присоединились легкость и деликатность, больше внимания уделялось изображению ангелочков и цветочных мотивов. Стиль рококо отличается от своего собрата более спокойными, плавными, пастельными оттенками. Здесь в большей степени присутствуют такие цвета как белый, нежно розовый, приглушенный голубой, фисташковый и, конечно же, позолота. Позолота обрамляет и роспись, и рельефную лепнину.
Современная настенная живопись
Модернистские течения и вклад промышленности в декорирование интерьера привели к появлению обоев и упадку классической росписи. Но в последнее время данная техника оформления интерьера снова привлекает к себе внимание благодаря своим возможностям. Она позволяет внести корректировки в архитектуру, отразить индивидуальность владельцев помещений, оживить помещение. Не меньшее преимущество в том, что роспись так же, как и много веков назад, создается вручную.
Современная живопись на стенах хоть и базируется на огромном пласте умений и знаний мастеров прошлых лет, но при этом активно включает в себя технологии и мотивы нынешней эпохи. За счет этого она становится более долговечной. Плюс она является хорошей возможностью внести разнообразие в большинство однотипных современных жилищ.
Новые тенденции и правила росписи
Главной целью современной настенной живописи является передача оригинальности и изысканности интерьера. За счет использования росписи в сочетании с предметами быта можно создать уникальный дизайн практически любого помещения — от офиса компании до личной квартиры. Немалую роль играет желание дизайнеров экспериментировать и предлагать новые решения задач оформления. В качестве примера стоит упомянуть флюоресцентные краски, аэрографию или технику оформления с искусственным созданием патины — эффектом старения.
Подведем итоги
Тяга к выражению собственной индивидуальности издавна присутствует в характере любого человека. В частности это выражается желанием обладать чем-то эксклюзивным, особенным. Наиболее простой способ реализовать это желание в эпоху современности — заказать уникальное оформление интерьера с использованием настенной росписи. В дополнение к этому дом становится более комфортным и уютным.
Вы можете обратиться в нашу студию для получения готовой настенной росписи. Наши специалисты учтут ваши пожелания при выполнении заказа и гармонично дополнят имеющийся интерьер в вашем помещении.
Картины
Посмотреть все Картины
Коллекция картин Национальной галереи искусств, как и сам музей, началась с Эндрю У. Меллона (1855–1937). Когда в 1941 году Национальная галерея открылась для публики, там была представлена 121 картина старых мастеров, которую Меллон подарил народу. Хотя коллекция Меллона, возможно, была небольшой, сами картины были выдающегося качества и включали важные работы итальянских, ранних нидерландских и немецких, голландских, фламандских, французских и британских художников.
Вдохновленный примером Национальной галереи в Лондоне, Меллон надеялся, что его дар привлечет другие дары не менее важного значения. Это желание принесло плоды в 1942 году, когда в дар была передана коллекция Петра А. Уайденер (1834–1915) и его сын Джозеф Э. Уайденер (1872–1943). Многие из картин Уайденера были приобретены в конце 19-го века, и коллекция имеет сплоченный характер, который отражает вкус того периода, отдавая предпочтение итальянскому Высокому Возрождению, голландскому и фламандскому искусству 17-го века и британскому искусству 18 и 19 веков.
Третья крупная коллекция, которая помогла сформировать ядро фондов Национальной галереи, поступила от Сэмюэля Х. Кресса (1863–1955), благотворительность которого продолжил его брат Раш Х. Кресс (1877–1963). Большая часть коллекции Кресса составляет почти энциклопедический сборник итальянских картин, датируемых 14-18 веками, но также включает испанские, французские, немецкие и ранние нидерландские картины. Кресс начал дарить картины еще в 1939 году, но большинство из них попало в галерею в 1950-1960-х годах.
Еще одним дополнением и повышением статуса Национальной галереи как художественного музея мирового класса стал подарок в 1963 году от Честера Дейла (1883–1962) французских импрессионистов, постимпрессионистов и художников Парижской школы. Дети Эндрю Меллона, Айлса Меллон Брюс (1901–1969) и Пол Меллон (1907–1999), продолжили традицию своего отца, первоначального благотворителя-основателя Галереи, жертвуя не только средства на приобретение, но и важные работы из своих собственных коллекций.
Хотя эти участники являются одними из самых известных, коллекция картин с момента ее основания пополнилась за счет множества щедрых завещаний и пожертвований.Следует также отметить, что в Галерее находится одна из лучших коллекций американской живописи в Соединенных Штатах, с работами всех жанров с 18 по 20 век.
Некоторые приобретения совершаются путем покупки на основании экспертных рекомендаций кураторов Галереи, но важно отметить, что такие покупки совершаются за счет средств, специально предназначенных для приобретения произведений искусства. Хотя федеральное правительство отвечает за техническое обслуживание и базовую работу Галереи, приобретение произведений искусства поддерживается частным сектором.Успех этого партнерства отражен в большой и превосходной коллекции картин Национальной галереи, охватывающей период с конца 14 по 21 век.
Что происходит в вашем мозгу, когда вы занимаетесь искусством: кадры
Много свободного времени я провожу за рисованием. Я работаю журналистом в научном бюро NPR днем. Но все время между ними я художник, в частности, карикатурист.
Рисую между задачами. Я делаю наброски в кафе перед работой. И мне нравится бросать вызов себе, чтобы заполнить журнал — небольшой журнал — в 20-минутной поездке на автобусе.
Я делаю это отчасти потому, что это весело и интересно. Но я подозреваю, что происходит что-то более глубокое. Потому что, когда я создаю, мне кажется, что это проясняет мою голову. Это помогает мне разобраться в своих эмоциях. И это почему-то заставляет меня чувствовать себя спокойнее и расслабленнее.
Это заставило меня задуматься: что происходит в моем мозгу, когда я рисую? Почему так приятно? И как я могу привлечь других людей — даже , если они не считают себя художниками — на поезде творчества?
Оказывается, когда мы занимаемся искусством, в нашем сознании и теле много всего происходит.
«Творчество само по себе важно для того, чтобы оставаться здоровым, оставаться связанным с собой и связанным с миром», — говорит Кристиан Стренг, профессор нейробиологии в Университете Алабамы в Бирмингеме и бывший президент Американской ассоциации арт-терапии.
Эта идея распространяется на любой тип визуального творческого выражения: рисование, раскрашивание, коллажирование, лепка из глины, написание стихов, украшение тортов, вязание, скрапбукинг — безграничных возможностей.
«Все, что затрагивает ваш творческий ум — способность устанавливать связи между несвязанными вещами и придумывать новые способы общения — полезно для вас», — говорит Гирия Каймал. Она является профессором Университета Дрекселя и исследователем в области арт-терапии, ведет занятия по искусству с военными, страдающими черепно-мозговой травмой, и лицами, ухаживающими за больными раком.
Но она твердо верит в то, что искусство для всех — и независимо от уровня вашего мастерства, вы должны стараться этим заниматься на регулярной основе.Вот почему:
Это помогает вам представить более обнадеживающее будущее
Способность искусства расширять наше воображение может быть одной из причин, почему мы занимаемся искусством с тех пор, как были обитателями пещер, — говорит Каймал. Это могло служить эволюционной цели. У нее есть теория, согласно которой искусство помогает нам справляться с проблемами, которые могут возникнуть в будущем. Об этом она написала в октябре в журнале Американской ассоциации арт-терапии .
Ее теория основана на идее , разработанной в последние несколько лет, о том, что наш мозг является прогностической машиной. Мозг использует «информацию, чтобы делать прогнозы о том, что мы можем делать дальше, и, что более важно, что нам нужно делать дальше, чтобы выжить и процветать», — говорит Каймал.
Когда вы занимаетесь искусством, вы принимаете ряд решений — какой инструмент для рисования использовать, какой цвет, как перенести увиденное на бумагу. И, наконец, интерпретация изображений — выяснение того, что это значит.
Сделай это: Журнал «Как начать заниматься искусством»
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
«Итак, то, что наш мозг делает каждый день, каждое мгновение, сознательно и бессознательно, — это пытается представить себе, что должно произойти, и готовит себя к встрече с этим», — говорит она.
Каймал видела эту игру в своей клинической практике в качестве арт-терапевта со студентом, который находился в тяжелой депрессии. «Она была в отчаянии. Ее оценки были действительно плохими, и у нее было чувство безнадежности», — вспоминает она.
Студент достал лист бумаги и раскрасил весь лист толстым черным маркером. Каймал ничего не сказал.
«Она смотрела на этот черный лист бумаги и некоторое время смотрела на него», — говорит Каймал. «А потом она сказала:« Вау. Это выглядит очень мрачно и мрачно.«
А потом произошло нечто удивительное, — говорит Каймал. Студентка огляделась и взяла розовую глину для лепки. И она начала лепить … цветы:« Она сказала, знаете что? Думаю, это напоминает мне весну ».
Благодаря этой сессии и творчеству, говорит Каймал, ученица смогла вообразить возможности и увидеть будущее за пределами настоящего момента, в котором она находилась в отчаянии и депрессии.
«Этот акт воображения на самом деле является актом выживания», — говорит она. «Это готовит нас представить возможности и, надеюсь, пережить эти возможности».
Это активирует центр вознаграждения в нашем мозгу.
Для многих людей создание искусства может быть нервным. Что собираешься делать? Какие материалы использовать? Что делать, если вы не можете его выполнить? Что, если это … отстой?
Исследования показывают, что, несмотря на эти опасения, «участие в любом виде визуального выражения приводит к активации пути вознаграждения в мозгу», — говорит Каймал.«Это означает, что вы чувствуете себя хорошо, и это воспринимается как приятное занятие».
Она и группа исследователей обнаружили это в статье 2017 года, опубликованной в журнале The Arts in Psychotherapy . Они измерили приток крови к центру вознаграждения мозга, медиальной префронтальной коре, у 26 участников, выполнив три художественных задания: раскрашивая мандалу, рисуя и свободно рисовая на чистом листе бумаги. И действительно — исследователи обнаружили увеличение притока крови к этой части мозга, когда участники занимались искусством.
Это исследование предполагает, что искусство может принести пользу людям, имеющим проблемы со здоровьем, которые активируют в мозгу механизмы вознаграждения, такие как аддиктивное поведение, расстройства пищевого поведения или расстройства настроения, пишут исследователи.
Это снижает стресс
Хотя исследования в области арт-терапии только начинаются, есть доказательства того, что искусство может снизить стресс и тревогу. В статье, опубликованной в 2016 году в журнале Американской ассоциации арт-терапии , Каймал и группа исследователей измерили уровень кортизола у 39 здоровых взрослых людей.Кортизол — это гормон, который помогает организму реагировать на стресс.
Они обнаружили, что 45 минут творчества в студии с арт-терапевтом значительно снизили уровень кортизола.
В документе также показано, что нет различий в результатах для здоровья между людьми, которые считают себя опытными художниками, и людьми, которые этого не делают. Это означает, что независимо от уровня вашего мастерства вы сможете почувствовать все хорошее, что связано с созданием искусства.
Это позволяет вам глубоко сфокусироваться.
В конечном счете, говорит Каймал, создание искусства должно вызывать то, что научное сообщество называет «потоком» — чудесная вещь, которая происходит, когда вы находитесь в зоне. «Это чувство потери себя, потери осознания. Вы настолько присутствуете в данный момент и полностью присутствуете, что забываете все чувство времени и пространства», — говорит она.
А что происходит в вашем мозгу, когда вы находитесь в состоянии потока? «Это активирует несколько сетей, включая расслабленное рефлексивное состояние, сосредоточенное внимание на задаче и чувство удовольствия», — говорит она.Каймал указывает на исследование 2018 года, опубликованное в журнале Frontiers in Psychology , в котором было обнаружено, что поток характеризуется повышенной активностью тета-волн в лобных областях мозга и умеренной активностью альфа-волн во фронтальных и центральных областях.
Итак, какое искусство вам стоит попробовать?
Некоторые виды искусства приносят больше пользы для здоровья, чем другие.
Каймал говорит, например, что пластилин для лепки — это замечательно поиграть.«Он задействует обе ваши руки и многие части вашего мозга в сенсорном опыте», — говорит она. «Ваше осязание, ваше ощущение трехмерного пространства, зрение, может быть, немного звука — все это задействовано в использовании некоторых частей вас самих для самовыражения и, вероятно, будет более полезным».
Ряд исследований показал, что раскраска внутри фигуры — в частности, заранее нарисованный геометрический рисунок мандалы — более эффективна для повышения настроения, чем раскраска на чистом листе бумаги или даже раскраска внутри квадратной формы.И одно исследование 2012 года, опубликованное в журнале Американской ассоциации арт-терапии , показало, что раскрашивание внутри мандалы снижает тревогу в большей степени по сравнению с раскрашиванием в клетку или на простой лист бумаги.
Стрэнг говорит, что нет ни одного средства или искусства, которое «лучше» другого. «В некоторые дни вы можете пойти домой и рисовать. В другие дни вы можете захотеть рисовать», — говорит она. «В любой момент делайте то, что для вас наиболее выгодно».
Проанализируйте свои эмоции
Важно отметить: если вы переживаете серьезное психическое расстройство, вам следует обратиться за советом к профессиональному арт-терапевту, — говорит Стрэнг.
Однако, если вы занимаетесь искусством, чтобы соединиться со своим собственным творчеством, уменьшить беспокойство и отточить свои навыки преодоления трудностей, «во что бы то ни стало, придумайте, как позволить себе это сделать», — говорит она.
Просто позвольте этим «линиям, формам и цветам превратить ваши эмоциональные переживания в нечто визуальное», — говорит она. «Используйте чувства, которые вы чувствуете в своем теле, в своих воспоминаниях. Потому что слова не часто передают это».
Ее слова заставили меня задуматься обо всех тех моментах, когда я полез в сумочку за ручкой и альбомом.Большую часть времени я использовал свои рисунки и небольшие размышления, чтобы передать свои чувства. Я помогал себе справляться. Это было катарсисом. И этот катарсис принес мне облегчение.
Несколько месяцев назад я с кем-то поссорился. На следующий день, когда я ехал на автобусе на работу, я все еще мучился. В отчаянии я вытащил свой блокнот и записал старую пословицу: «Не позволяй миру усложнять тебя».
Я аккуратно сорвал сообщение со страницы и прикрепил его к сиденью в автобусе передо мной.Я подумал, пусть это будет напоминанием всем, кто это читает!
Я сфотографировал записку и разместил ее в своем Instagram. Позднее той ночью, посмотрев на изображение, я понял, для кого на самом деле было послание. Сам.
Малака Гариб — писатель и редактор научного отдела NPR и автор книги «Я был их американской мечтой: графические воспоминания».
картин на продажу | Купить картины Fine Art Online
Изучите широкий выбор оригинальных картин, выставленных на продажу или доступных для аренды.Демонстрируя современное искусство некоторых из самых интересных художников, работающих сегодня, наша тщательно отобранная подборка включает в себя все, от картин маслом до акварели, от пейзажей до акриловых картин. Просмотрите нашу онлайн-коллекцию и откройте для себя новые картины, идеально подходящие для вашего дома.
Купить картины современного изобразительного искусства
Воспользуйтесь нашими фильтрами, чтобы найти картины в различных стилях и стилях художников из Великобритании и со всего мира. Ищете ли вы яркие работы Котаро Мачиямы, нежные акварельные пейзажи Тоу Тоа, смешанные портреты животных Луизы МакНота или что-то еще, у нас есть что-то для коллекций произведений искусства всех типов.
Мы храним уникальную коллекцию картин. Мы не только предлагаем произведения искусства, воплощающие передовые эксперименты в живописи, такие как сюрреалистические произведения Майкла Тирни, смешанные в технике, но и с гордостью представляем ряд художников, черпающих влияние из далеко идущей истории. Эндрю Крейн и Филип Тайлер черпают вдохновение в экспрессионизме 20-го века, в то время как Та Бирн и Стелла Капезану используют более традиционные изобразительные техники, чтобы побудить нас еще раз, глубже взглянуть на их реальные и воображаемые предметы.
Узнайте больше о наших художниках здесь.
История современной живописи
Хотя живопись была развлечением для людей на протяжении всего нашего существования, абстрактные и концептуальные произведения искусства, которые мы сейчас рассматриваем как вневременные примеры этой практики, относительно современны. Вплоть до 20 века художники ориентировались исключительно на репрезентативные изображения: натюрморты, портреты или естественные и религиозные сюжеты. Мы видим эту тенденцию в той или иной степени в творчестве Моне, Ван Гога и других эпохальных художников.С тех пор художники проверяют пределы среды, экспериментируя с расширяющимся диапазоном средств массовой информации и тематики. Тенденция к геометрическим абстрактным картинам, например, идет от пионеров, таких как Мондриан и Мартин, до современных художников, таких как Хетти Хаксворт и Криспин Холдер. Художники, которых мы отбираем вручную, находятся в авангарде развития искусства 21 века.
Живопись долгое время считалась средством общения, хотя и более легким и косвенным, чем устная или письменная форма.Эдвард Хоппер однажды заявил: «Если бы вы могли сказать это словами, не было бы причин рисовать». Это все чаще происходит с появлением новых стилей и методов рисования, которые раздвигают границы представления, от импрессионизма до сюрреализма и экспрессионизма. Каждое из наших произведений искусства было выбрано, потому что оно передает в своих нюансах нечто, недостаточно осязаемое, чтобы передать его другими способами — от прямо репрезентативного до абстрактного и концептуального.
Узнайте больше в нашем путеводителе по живописи.
Лучшее программное обеспечение для рисования и рисования 2021 года
Лучшее программное обеспечение для рисования и рисования предлагает универсальный набор творческих инструментов как для начинающих, так и для опытных художников.
Лучшее программное обеспечение для рисования и рисования
Неважно, какой носитель, тип или стиль искусства вы хотите создать — лучшее программное обеспечение для рисования может помочь вам в этом. Это может быть рисунок или живопись на виртуальном холсте, для дизайна или иллюстрации, или даже для фотоманипуляции.
Что делает лучшее программное обеспечение особенно полезным, так это то, насколько вы можете контролировать свой носитель, например, выбирать эффекты для масел, акварели, угля, карандашей и т. Д.
Кроме того, в отличие от физического искусства, вы можете редактировать и удалять, развивать и развивать свою работу до тех пор, пока она вам полностью не понравится.
Различные программы рисования и рисования имеют свои сильные стороны и направленность, и, хотя всеми ими можно управлять с помощью мыши, часто лучше работать с цифровым пером / планшетом для дизайна, таким как Wacom, чтобы получить точные детали. насколько возможно.
Что бы вы ни искали в программах для рисования и рисования, мы рассмотрим лучшие из них, чтобы помочь вам сделать ваш выбор.
(Изображение предоставлено Adobe)1. Adobe Photoshop
Очень известный инструмент для рисования от творческих мастеров
САМЫЕ ЛУЧШИЕ ПРЕДЛОЖЕНИЯ НА СЕГОДНЯШНИЙ ВИД
Причины для покупки
+ Простота в использовании + Облачный пакет
Причины, которых следует избегать
— Комплексные инструменты
Когда дело доходит до программного обеспечения для творчества, Adobe десятилетиями доминирует на сцене, а Photoshop CC (CC означает Creative Cloud) любим художниками и дизайнерами во всем мире .Он предоставляет творческим людям множество облачных инструментов для создания и улучшения фотографий, иллюстраций и трехмерных изображений.
Эта программа предназначена не только для редактирования фотографий. Если вы профессиональный дизайнер, вы можете использовать его для создания упаковки, баннеров, веб-сайтов, логотипов и значков. Вы можете не только создавать свои собственные творения, но и использовать интуитивно понятные шаблоны, если вы новичок или работаете в сжатые сроки.
Вы можете создавать свои собственные иллюстрации и превращать изображения в картины, с возможностью переключения между опциями анимации и печати.Созданное произведение можно улучшить с помощью ряда встроенных эффектов.
Существует несколько уровней ценообразования, в зависимости от того, какие другие приложения и функции вы хотели бы включить в Photoshop CC. Самый дешевый — это уровень фотографии, который поставляется с Adobe Lightroom CC, а также с 20 ГБ облачного хранилища. Далее идет план для одного приложения, который включает 100 ГБ облачного хранилища, а также Adobe Portfolio, Adobe Fonts и Adobe Spark. В рамках плана «Все приложения» вы также получаете доступ ко всем настольным и мобильным приложениям Adobe Creative.
(Изображение предоставлено Corel)2. Corel Painter
Решение для рисования, которое может создавать захватывающие дух результаты
ЛУЧШИЕ ПРЕДЛОЖЕНИЯ НА СЕГОДНЯЕ
Причины для покупки
+ Пользовательские кисти + Поддержка третьих- партийные приложения и оборудование
Причины, по которым следует избегать
-Не очень продвинутый
Corel предлагает множество пакетов программного обеспечения для творчества, одним из которых является приложение для рисования под названием Painter. Это кроссплатформенное приложение, предназначенное для дизайнеров, художников и студентов, предоставляет вам такие возможности, как «густая краска», которую вы можете нанести на цифровой холст, а затем соскрести или растушевать, чтобы создать очень реалистичные шедевры.
Существует большой выбор кистей с возможностью создания собственных кистей и палитр, а также их можно импортировать. Painter — это загружаемое приложение, доступное как для Windows, так и для Mac. Он совместим со сторонним программным обеспечением, таким как Photoshop, и планшетами для рисования от таких компаний, как Wacom.
Существуют специальные цены на учебный выпуск для студентов и учебных центров.
(Изображение предоставлено: Спасательные движения)3.Rebelle
Художественный инструмент, разработанный экспертами
ЛУЧШИЕ СДЕЛКИ СЕГОДНЯ
Причины для покупки
+ Разработано профессиональным художником + Простота в использовании + Множество вариантов настройки
Разработано художником Питером Бласковичем, Rebelle — это еще одно универсальное приложение для рисования и рисования. Описываемое как «единственное в своем роде программное обеспечение для рисования», оно было разработано для художников, работающих с акварельными, акриловыми, влажными и сухими изображениями.
Бласкович создал приложение в рамках своих экспериментальных проектов рисования и хотел иметь простую в использовании программу для доступа к инструментам естественной живописи на ходу.В приложении используются реалистичные методы смешивания цветов, влажной диффузии и сушки, а также предлагается множество акварелей, акриловых красок, чернил и пастели.
Существуют также «сухие» инструменты, такие как карандаши, маркеры и ластики, поэтому вам не придется придерживаться кистей. Приложение также может похвастаться некоторыми интересными возможностями, такими как возможность наклонять холст, над которым вы работаете. Более того, Rebelle работает с Photoshop, что позволяет задействовать 23 дополнительных узла наложения.
(Изображение предоставлено Artweaver)4.Artweaver
Хорошее приложение для рисования с опциями для совместной работы
ЛУЧШИЕ СДЕЛКИ СЕГОДНЯ
Причины для покупки
+ Простота в использовании + Функции совместной работы + Множество кистей
Причины, по которым следует избегать
-Только в Windows
Artweaver — один из старейших инструментов рисования, сейчас это седьмое издание программного обеспечения. Приложение предоставляет вам разнообразный набор готовых кистей и карандашей, которые можно использовать для создания удивительных произведений искусства.
Artweaver не только предлагает интуитивно понятный и простой в использовании интерфейс, который делает его подходящим для новичков, но также может похвастаться впечатляюще настраиваемой системой кистей. Таким образом, хотя вы можете выбирать из множества предопределенных кистей, вы также можете настроить их в соответствии с вашими потребностями.
Кроме того, у Artweaver есть еще одна сильная сторона, когда дело доходит до работы над совместными художественными проектами, потому что вы можете использовать приложение для совместной работы с другими людьми над одним и тем же документом. Конечно, для этого вам нужно быть в сети.
Хотите получить лучшее представление о своем творческом процессе и о том, как именно он протекает? Затем вы можете получить приложение для записи вашей работы. Таким образом, вы можете пересмотреть, оценить и улучшить свои способности (надеюсь). В настоящее время Artweaver доступен только в Windows, но он соблазнительно дешев, а также доступна бесплатная версия, хотя ее функциональность ограничена по сравнению с платной версией.
(Изображение предоставлено ArtRage)5. ArtRage
Программное обеспечение для рисования для настольных и мобильных устройств
САМЫЕ ЛУЧШИЕ ПРЕДЛОЖЕНИЯ НА СЕГОДНЯ
Причины для покупки
+ Пользовательские кисти + Функция масляной краски + Записываемые действия + Конкурентная цена
ArtRage — это художественная программа в первую очередь для Windows и Mac, но также есть версии приложений для iOS и Android.
В нем есть хороший набор функций рисования, таких как карандаши, ручки и кисти для рисования маслом, а также функции цифрового редактирования, такие как слои, преобразование, фильтры и пользовательские кисти.
Наряду с приложениями для планшетов настольные версии доступны как в полной, так и в облегченной версии, причем облегченная версия стоит вдвое дешевле.
На веб-сайте также есть хороший выбор вариантов поддержки, таких как руководства, учебные пособия, а также онлайн-сообщество для получения советов, предложений, советов и уловок.
Другое программное обеспечение для рисования и рисования, которое следует учитывать
Хотя мы рассмотрели некоторые из наиболее важных проблем, когда дело доходит до программного обеспечения для рисования и рисования, есть несколько хороших программ более низкого уровня, которые стоит рассмотреть, если вы не хотите платить за большую программу. Здесь мы рассмотрим некоторые другие альтернативы, которые вы, возможно, захотите рассмотреть, особенно если вы ищете что-то более начальное или просто компетентное, когда дело доходит до искусства и дизайна.
PaintShop Pro — аккуратная маленькая художественная программа.Хотя и не так полнофункционально, как некоторые из вышеперечисленных, это все же очень компетентное программное обеспечение для многих аспектов искусства и дизайна. Будь то редактирование фотографий, рисование или создание / разработка графики, доступно множество инструментов и дополнительных плагинов для получения желаемого эффекта. Первоначально разработанный Jasc, теперь он входит в состав творческих программ Corel.
Adobe Illustrator иногда можно рассматривать как младшего брата более мощного Photoshop, но не упускайте из виду его возможности.В то время как Photoshop изначально создавался для редактирования фотографий, Adobe Illustrator всегда создавался для иллюстрации и рисования. Вам не нужно выбирать между тем или другим, однако, как если бы вы подписались даже на план Adobe Creative Apps базового уровня, вы можете использовать Photoshop и Illustrator вместе.
Sketchup больше ориентирован на 3D-дизайн, чем на рисование и рисование в целом, но стоит подумать, если это основная причина, по которой вам нужно программное обеспечение для рисования. Еще лучше то, что есть бесплатная версия, но даже платные версии относительно дешевы по сравнению с некоторыми из вышеперечисленных, а годовая стоимость зависит от того, сколько функций вы хотите разблокировать.
GIMP — это специальная художественная программа, специально созданная для работы в операционных системах Linux. Хотя он может быть не таким мощным, как некоторые из перечисленных программ, он требует больших усилий для выполнения множества вещей, от редактирования фотографий до создания эскизов и дизайна. Любой, кто уже работает с Linux, вероятно, слышал об этом и даже имеет копию, но если вы думали о переходе на Linux, но не были уверены, какое программное обеспечение для творчества доступно, вы могли бы сделать намного хуже, чем попробовать GIMP.
Microsoft Paint — это базовый художественный пакет, который поставляется с каждой установкой Windows, и это делается по крайней мере с Windows 3.Икс. В выпуске Windows 10 были добавлены инструменты 3D-редактирования, но давайте будем честными — это все еще простая программа, которая не будет конкурировать ни с чем другим в этом списке. Однако из-за легкой доступности MS Paint об этом стоит упомянуть — как минимум, потому что у него есть базовый набор инструментов, который расширяется другим программным обеспечением.
Обзор лучших предложений на сегодня
Рисование и раскраска в App Store
Самое популярное приложение для творчества, которому доверяют более 33 миллионов пользователей по всему миру в области рисования, зарисовок, рисования и раскрашивания.Попробуйте сейчас БЕСПЛАТНО.
Нам доверяют более 33 миллионов пользователей по всему миру. Drawing Desk — лучшее приложение для творчества для всех!
** ОРИГИНАЛЬНОЕ приложение для рисования в AppStore **
Чертежный стол, полностью работающий на базе нашего творческого движка Cortex, предлагает набор мощных художественных инструментов и кистей для реалистичного рисования. Выразите свое творчество и воплотите в жизнь свои яркие идеи с помощью красивых эскизов, рисунков, картин и каракулей.
Любимое как детьми, так и взрослыми, Drawing Desk — это семейное приложение, которое дает возможность творчества каждому!
Особенности
— Безошибочная поддержка расширенных жестов Apple Pencil с двойным касанием, чувствительностью к углу и давлению
— Неограниченная поддержка слоев с расширенными параметрами слоя — блокировка, альфа, переворот, объединение и инвертирование цвета
— Интеграция с Apple Watch для быстрого выбора цвета
-3D Touch для рисования, чувствительного к давлению
Отмена касания двумя пальцами, поддержка повтора касания 3 пальцами
-Организуйте свою работу в персонализированных папках
-Экспорт произведений искусства в формате PSD, готовых к Photoshop
-Расслабление покраски по покадровой съемке. to Drawing Desk Cloud и iCloud
Sketch Desk — Выразите свой всплеск творчества с помощью страстного рисования!
-25+ реалистичных инструментов для создания эскизов, включая перо, карандаш, маркер, мелок, неон, спрей, акварель, прогрессивную печать, тушь, растушевку, ластик, ведро для заполнения, линейку и кисти для маркера
-Библиотека более 200 мгновенных форм
-Отдельные слои изображения и текст для ускоренного рабочего процесса
-Богатые цветовые палитры для великолепного рисования
-Сохраните свои индивидуальные цветовые палитры в облаке
-Новый инструмент резака с опцией копирования-вставки
-Мощный универсальный текстовый инструмент
-Инструмент заполнения корзины с 125+ уникальные текстуры
Стол для раскрашивания — Раскрасьте стресс!
-3000+ уникальных раскрасок
-2000+ сплошных и градиентных цветов
-Настраиваемые цветовые палитры
-Получите серенаду в расслабляющем сообществе покрасок с замедленной съемкой вместе с успокаивающей фоновой музыкой
Kids Desk — Keep’em busy, keep’em творческий!
-Необычный холст с 10 + инструментами для рисования, включая перо, карандаш, мел, маркер, заливку, блестки, градиентные и акварельные кисти
-Кисти Shape и Wow, кисти с волшебным узором и очаровательный эффект палочки на каждом мазке кисти
-500+ Развивающие раскраски и наклейки
Photo Desk — Сделайте редактирование невероятно простым!
-Несколько подвижных слоев кисти, типографики и наклеек
-Добавьте намек на волшебство и оживите свои фотографии всего несколькими штрихами наших живых кистей, красивых фильтров, рамок.
-Рисуйте на фотографиях с помощью различных кистей
Doodle Desk — Для выразительного рисования!
-10+ инструментов для рисования, включая перо, карандаш, неон, маркер, акварель, ведро для заливки и угловые кисти-маркеры
-Добавление нескольких слоев текста, изображения, рисунка и стикера
-250+ причудливых 3D-кистей, штампов и наклеек для полировки up your doodles
Get Drawing Desk Premium
Неограниченный доступ ко всем дополнительным функциям и ежедневным обновлениям контента в течение периода подписки.Подписки составляют 4,99 доллара в неделю с 1 недельным пробным периодом, 9,99 доллара в месяц и 29,99 доллара в год или равны той же цене, что и Apple App Store Matrix, что определяется как эквивалент цены подписки в долларах США.
Вы можете отменить подписку или бесплатную пробную версию в любое время через настройки подписки через свою учетную запись iTunes. Это необходимо сделать за 24 часа до окончания бесплатного пробного периода или периода подписки, чтобы избежать списания средств. Подписка будет автоматически продлеваться, если автоматическое продление не будет отключено по крайней мере за 24 часа до окончания текущего периода.Отмена текущей подписки не допускается в течение активного периода подписки. Любая неиспользованная часть бесплатного пробного периода будет аннулирована, когда пользователь приобретает подписку Drawing Desk Unlimited.
Положения и условия: http://4axissolutions.com/terms-of-use
Политика конфиденциальности: http://4axissolutions.com/privacy-policy
Свяжитесь с нами: [email protected]
Рисунок | Введение в концепции искусства
Введение
Рисование — это самый простой и эффективный способ передачи визуальных идей, и на протяжении веков уголь, мел, графит и бумага были достаточными инструментами для создания некоторых из самых глубоких образов в искусстве.В картине «» Леонардо да Винчи «Мадонна с младенцем, святой Анной и Иоанном Крестителем» все четыре фигуры объединены в портрет, который по сути является расширенным семейным портретом. Да Винчи рисует фигуры в невероятно реалистичном стиле, который подчеркивает индивидуальность и окружает фигуры грандиозным незавершенным пейзажем. Он оживляет сцену с младенцем Христом, тянущимся вперед, пытаясь освободиться от хватки Марии, чтобы приблизиться к юному Иоанну Крестителю справа, который сам поворачивается к младенцу Христу с любопытным взглядом на своего младшего кузена. .
Традиционная роль рисунка заключалась в создании набросков для более крупных композиций, которые проявлялись в виде картин, скульптуры или даже архитектуры. Из-за своей относительной непосредственности эта функция рисования продолжается и сегодня. Предварительный эскиз современного архитектора Фрэнка Гери отражает сложные органические формы строений, которые он проектирует. Рисунок также используется для того, чтобы легко задокументировать то, что художник видит, помнит или воображает. И рисунок, конечно же, часто используется для создания самостоятельных готовых произведений искусства.
Типы носителей для рисования
Dry Media включает уголь, графит, мел и пастель. Каждая из этих сред дает художнику широкий спектр возможностей и эффектов для создания знаков, от тонких линий до больших областей цвета и тона. Художник может манипулировать рисунком для достижения желаемых эффектов разными способами, в том числе оказывать различное давление на материал на поверхность рисунка или стирать, протирать или растирать. Различные цвета и текстуры бумаги могут еще больше расширить визуальные возможности художника.
Этот процесс рисования может мгновенно передать ощущение характера изображению. От энергичного до тонкого, эти качества проявляются в самых простых произведениях: непосредственный и чистый дух идеи художника. Вы можете увидеть это на автопортретах двух немецких художников; Кэте Кольвиц и Эрнст Людвиг Кирхнер. Раненый во время Первой мировой войны, его автопортрет под воздействием морфина примерно 1916 года представляет нам кошмарное видение самого себя, окутанного туманом опиатных наркотиков.Его впалые глаза и графическая дисфункция отметок свидетельствуют о силе его рисунка.
Эрнст Людвиг Кирхнер, Автопортрет под воздействием морфия, около 1916 года. Бумага, тушь. Под лицензией Creative Commons.
Графитовый материал включает карандаши, порошок или прессованные палочки. Каждый из них создает диапазон значений в зависимости от твердости или мягкости материала. Оттенки твердого графита варьируются от светлого до темно-серого, а более мягкий графит — от светло-серого до почти черного.Картина французского скульптора Гастона Лашеза «Стоящая обнаженная с драпировкой » — это карандашный рисунок, который всего несколькими штрихами фиксирует энергию и ощущение движения фигуры на бумаге. И современные крупномасштабные рисунки Стивена Таласника графитом с их спиралевидными органическими формами и архитектурными структурами свидетельствуют о силе карандаша (и ластика) на бумаге.
Гастон Лачиаз, «Стоящая обнаженная с драпировкой», 1891. Бумага, графит, тушь. Академия художеств Гонолулу. Под лицензией Creative Commons.
Древесный уголь , возможно, самая старая форма носителя для рисования, изготавливается путем простого обугливания деревянных палочек или небольших веток, он называется древесным углем лоза , но также доступен в механически сжатой форме . Древесный уголь бывает трех плотностей: мягкой, средней и твердой, причем обработка каждого из них немного отличается от другой. Мягкие угли придают рисунку бархатистость. Художнику не нужно прилагать столько усилий к палке, чтобы получить твердую отметку.Твердый уголь из виноградной лозы дает больше контроля, но, как правило, не дает самых темных тонов. Прессованный древесный уголь дает более глубокий черный цвет, чем винный уголь, но с ним труднее работать, когда он наносится на бумагу.
Слева: угольные палочки из виноградной лозы. Справа: сжатые угольные квадраты. Примеры Vine Charcoal, через Wikipedia Commons. Под лицензией Creative Commons.
Рисунки углем могут варьироваться по стоимости от светло-серого до насыщенного, бархатистого черного. Рисунок углем американской художницы Джорджии О’Кифф — хороший тому пример.
Пастели — это по сути цветные мелки, которые обычно спрессованы в форму карандашей для удобства использования. Для них характерны мягкие, едва уловимые изменения тона или цвета. Пастельные пигменты обеспечивают резонансное качество, которое труднее получить с графитом или древесным углем. «Портрет матери художника» 1896 года Пикассо подчеркивает эти качества.
Пастель, цифровое изображение лицензировано Creative Commons.
Более поздние разработки в области сухих материалов — это масляная пастель , пигмент, смешанный с органическим масляным связующим, который обеспечивает более плотную маркировку и дает более графические и яркие результаты.Рисунки Беверли Бьюкенен отражают это. Ее работы прославляют сельскую жизнь юга, сосредоточенную в формах старых домов и лачуг. Здания вызывают воспоминания и создают ощущение места и обычно окружены людьми, цветами и яркими пейзажами. Она также создает скульптуры лачуг, придавая им индивидуальность за пределами их физического присутствия.
Влажная среда
Чернила: Носители для влажного рисования традиционно относятся к чернилам, но на самом деле включают любые вещества, которые можно растворить и нанести на поверхность рисунка.Поскольку с влажной средой манипулируют так же, как с краской — за счет разбавления и использования кисти — она стирает границу между рисунком и рисунком. Чернила можно наносить палочкой для получения линейных эффектов и кистью для покрытия тоном больших участков. Его также можно разбавить водой для создания оттенков серого. «Возвращение блудного сына» Рембрандта демонстрирует выразительное использование коричневых чернил как в качестве линий, так и в больших заштрихованных областях, создающих иллюзию света и тени.
Фломастеры считаются одной из форм влажной среды.Чернила пропитываются фетровыми полосками внутри ручки, а затем попадают на бумагу или другую опору через кончик. Чернила быстро сохнут, оставляя стойкий след. Цветные маркерные рисунки Доннабель Касис имеют плавный, органичный характер. Абстрактное качество предмета подразумевает части тела и внутренние органы.
К носителю для рисования можно добавлять другие жидкости для улучшения эффектов или создания новых. Художник Джим Дайн брызнул содой на рисунки углем, чтобы поверхность стала пузыриться.В результате получается визуальная текстура, непохожая на все, что он мог бы создать с помощью одного лишь угля, хотя его работа известна своей сильной обработкой. В рисунках Дайна часто используются как сухие, так и жидкие материалы. Его тематика включает животных, растения, фигуры и инструменты, которые много раз собирались вместе в плотных, мрачно-романтических образах.
В традиционной китайской живописи используются чернила и пигменты на водной основе. Фактически, это одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Нарисованные на бумажной или шелковой подложке предметы включают пейзажи, животных, фигуры и каллиграфию , художественную форму, в которой буквы и шрифт используются в плавных лирических жестах.
Ниже показаны два примера традиционной китайской живописи. Первый, настенный свиток, написанный Ма Линем в 1246 году, демонстрирует, насколько искусно художник использует чернила в выразительной форме для обозначения фигур, одежд и элементов ландшафта, особенно сильных, узловатых форм сосен. В работе есть чуткость и смелость. Второй пример — начальная деталь копии «Предисловия к стихотворениям, сочиненным в павильоне орхидей», сделанной до XIII века. Используя тушь и кисть, художник превращает язык в искусство с помощью четких жестов и знаков персонажей.
Ма Линь, настенный свиток, тушь на шелке. 1246 Используется под лицензией GNU Free Documentation License
Вступительный фрагмент экземпляра Предисловия к стихотворениям, сочиненным в павильоне орхидей. До тринадцатого века. Свиток руки, бумага, тушь. Дворцовый музей в Пекине. Лицензия Creative Commons.
Рисунок — это самостоятельная форма искусства, а также основа для других двухмерных и трехмерных произведений искусства, даже если они объединены с цифровыми носителями, что расширяет представление о его формальном выражении.Искусство Мэтью Ричи начинается с небольших абстрактных рисунков. Он сканирует в цифровом виде и проецирует их в больших масштабах, занимая целые стены. Ричи также использует сканирование для создания больших и тонких трехмерных шаблонов для создания скульптур из оригинальных рисунков.
Как создать шедевр жидкого искусства
Флюид-арт — это процесс заливки красок на холст для создания уникальных произведений искусства. Мы все можем согласиться с тем, что плавные изображения выглядят фантастически; что-то завораживает в том, как плавные художественные работы привлекают вас всеми своими скрытыми деталями.Сегодня у нас есть руководство о том, как сделать простой шедевр плавного искусства своими руками, это выглядит сложно, но очень просто! Плавное искусство — это не только просто, но и невероятно весело.
Fluid Art использует акриловую краску, которая более жидкая, чем традиционные акриловые краски. Жидкую художественную краску легко сделать, используя акриловые краски, акриловую среду и воду. Читайте дальше, чтобы узнать, как создать шедевр плавного искусства. Если вы хотите узнать, как расширить жидкое искусство, тогда отличным местом для начала является наша статья «Расширение жидкого искусства — новые методы, которые нужно попробовать».
- Настройте материалы — Лучший выбор холста для рисования жидким искусством — это герметичная панель или что-то достаточно прочное, чтобы выдержать вес жидких акриловых красок. Установите холст и разместите краски на расстоянии вытянутой руки. Держите место в чистоте и порядке, чтобы вы могли сосредоточиться на своих работах!
- Добавьте базовую краску на свой холст — Перед тем, как приступить к рисованию жидкостью, подумайте о том, чтобы нарисовать простой холст одним сплошным цветом, так как это сделает конечный результат более профессиональным.Используйте для этого обычную акриловую краску. Дайте нарисованному холсту высохнуть на 2-3 часа, прежде чем нанести на него жидкую краску.
- Подготовка красок — Налейте жидкую краску в небольшие емкости, чтобы вылить ее на холст. Жидкую краску можно получить, сочетая акриловую краску, акриловую среду и воду. Заполните каждую емкость наполовину выбранной акриловой краской. Заполните оставшуюся половину емкости равными частями воды и акриловой среды. Медленно добавляйте воду, помешивая, чтобы краска имела нужную консистенцию.Некоторые люди не добавляют акриловую среду, а другие — меньше воды, поэтому поэкспериментируйте, чтобы найти желаемую консистенцию. Также можно добавить силикон, чтобы увеличить количество ячеек в произведении искусства.
- Начать перенос краски на холст — Можно использовать разные методы для заливки жидким рисунком, моросения, капания, лужения, нанесения кистью и разбрызгивания. Нам нравится готовый результат с применением техники многоцветной заливки, но техника соскабливания доставляет массу удовольствия.
- Распределите краску — Распределите краску, перемещая холст, чтобы он естественным образом растекался, наносите немного краски за один раз и продолжайте использовать метод нанесения и перемещения, пока не будете довольны видом.Для альтернативного дизайна вы можете использовать инструменты для распределения или сухую кисть, чтобы распределить жидкую краску по холсту, или нанести краску на него одной большой кучей, выбор за вами!
Основные методы разливки жидкой краской
При заливке флюид-артом можно применить множество техник. Эксперименты — ключ к пониманию наилучшей техники заливки шедевра, который вы пытаетесь создать. Но когда вы начинаете там, следует применить два ведущих метода заливки жидким искусством.Они известны как «Straight Pour» и «Dirty Pour».
Прямая заливка
Для тех, кто впервые рисует, мы предлагаем эту технику заливки жидкостью. Вы просто заливаете холст одним цветом за раз, создавая слои. Когда вы начнете понимать, как течет краска, вы можете перейти к «лужению» с помощью прямой заливки. Лужа — это когда вы выливаете лужи разных цветов на поверхность, а затем наклоняете их под разными углами, чтобы покрыть поверхность холста.
После нескольких экспериментов вы сможете смешивать порции флюид-арта с другими техниками для улучшения эффектов.
Техника скребка для рисования жидким искусством
В этой удивительной технике в краску добавлен силикон, что создает удивительные ячейки в окончательном произведении искусства. Это должен быть лучший способ рисовать и расслабляться! Посмотреть другие видео Карен Гудрич можно здесь.
Техника заливки жидкостью
Вылитая на деревянный поддон табличка — отличный способ добавить интереса к и без того удивительному произведению искусства.Источник найден здесь.
Метод художественной заливки одной жидкостью
Это отличное видео, в котором показано соотношение используемых акриловой краски, медиума и силикона. В конце используется сушилка, на которую приятно смотреть! Посмотреть другие видео Рика Чидла можно здесь.