Рисунок натюрморт красками: D0 bd d0 b0 d1 82 d1 8e d1 80 d0 bc d0 be d1 80 d1 82 d0 b0 d0 ba d0 b2 d0 b0 d1 80 d0 b5 d0 bb d1 8c d1 84 d1 80 d1 83 d0 ba d1 82 d1 8b картинки, стоковые фото D0 bd d0 b0 d1 82 d1 8e d1 80 d0 bc d0 be d1 80 d1 82 d0 b0 d0 ba d0 b2 d0 b0 d1 80 d0 b5 d0 bb d1 8c d1 84 d1 80 d1 83 d0 ba d1 82 d1 8b

Содержание

Рисунки на тему натюрморт из любых предметов. Как нарисовать натюрморт карандашом

Натюрморт – это тип картины, на котором изображаются неодушевленные предметы. Правильно рисовать натюрморт можно не только масляными красками (хотя этот способ считается классическим) – такие картины рисуют и акварелью, пастелью, карандашом и так далее.

Для создания гармоничного сюжета в данном стиле используется ряд правил – их несоблюдение может привести к разочарованию своим результатом. Поэтому учиться рисовать натюрморты следует с изучения данных рекомендаций и, безусловно, применения их на практике.

Как нарисовать натюрморт начинающему художнику

Прежде, чем браться за написание шедеврального натюрморта, следует определиться со стилем картины и её содержанием. Чаще всего для обучения используется рисование вазы с цветами, стоящей на столе, – рядом с ней можно художественно разбросать яркие фрукты, и симпатичный натюрморт готов. Вы также можете придумать и свою композицию – главное, чтобы для обучения она была не слишком сложной.

Основные правила при написании натюрморта:

  • расположение предметов не должно быть скучным. То есть не надо рисовать их лежащими (стоящими) на одном уровне и на одинаковом расстоянии друг от друга – используйте приемы перекрытия, меняйте расстояние, играйте с размерами;
  • пустое пространство – это неинтересно, его нужно чем-то заполнять. Даже если на вашей картине задумана только одна цветочная ваза – включите воображение: рядом можно расположить упавший листик или расстелить салфетку. Данные детали не будут бросаться в глаза и отвлекать внимание от основного предмета, при этом заполнив пустоты и создав необходимую глубину композиции;
  • выбор тонов – для натюрморта редко используется слишком широкий спектр колористики, такая картина должна быть спокойной. Возьмите за основу 2-3 цвета, добавьте их оттенки, – получится яркое, но не пестрое изображение. Если требуется использование большого количества расцветок – не применяйте их поровну, должен быть доминирующий цвет, наполняющий основное пространство;
  • помимо доминирующего цвета, должен быть доминирующий предмет, за который цепляется взгляд зрителя. Он является центром картины, остальные части композиции просто дополняют его. Как пример – пара крупных и более ярких бутонов в букете, чуть более удачно повернутый фрукт на переднем плане;
  • рисовать натюрморт следует поэтапно, плавно выстраивая гармоничную композицию.

Нарисовать привлекательный натюрморт карандашом, маслом или другими видами красок не так уж сложно, если использовать базовые знания перспективы, симметрии и правила расположения предметов на холсте. Используйте указанные советы, и у вас обязательно все получится!

Нарисовать картину натюрморт этапами

Представьте, что весь процесс написания картины можно разделить на 4 этапа:

  • нанесение на холст только геометрических контуров предметов;
  • прорисовка очертаний предметов;
  • добавление оттенков и теней;
  • детальная прорисовка.

Начинающие художники не используют слишком «богатые» композиции – необходимо нарисовать два-три предмета, лежащих на столе, чтобы понять, как рисовать натюрморт. После этого можно приступать к написанию более сложных картин.

При большом желании научиться рисовать красивые натюрморты совсем не сложно – отличной помощью станут : запишитесь на мастер-класс «Картина за 3 часа» и постигайте азы изобразительного искусства под руководством опытного преподавателя. Будьте уверены: с таким подходом до создания своего первого шедевра совсем недалеко!

На сегодняшний день, всем без исключения знакомы акварельные краски из раннего детства. Каждый рисовал ими хотя бы раз в жизни. Уже с садика дети учатся обращаться с краской и кисточкой, наносить мазки, создавать простейшие рисунки. Но не так давно, до 19-ого столетия, акварель не была очень популярна среди художников. Считается, что родина этой краски Китай. В этой стране была создана бумага, на которой мастера изображали свои творения используя этот тип краски.

Постепенно, акварель добилась места под солнцем и нашла свое применение у многих художников со всего мира. Техника рисования такими красками позволяет достичь особый эффект некого мистицизма, иллюзорности, прозрачности и легкости композиции на созданной картине. Только на первый взгляд этот метод рисования кажется тяжелым. На самом же деле, тут нет абсолютно ничего тяжелого. Вы сможете легко освоиться, воспользовавшись нашим пошаговым уроком.

В сегодняшней статье вы узнаете как нарисовать натюрморт акварельными красками. Натюрморт этой осени может привлечь почти всех. Изначально надо выбрать, что хотим воспроизвести на изображение. Чтобы натюрморт казался ярким и красивым, фрукты и овощи должны быть разными. Они должны различаться цветом, формой и размером. Мы возьмём овощи, а именно баклажан, огурец и морковку. Овощи, выбранные нами, полностью соответствуют требованиям, они различаются от друг друга в каждом аспекте. Теперь подготовим материалы и инструменты.

Понадобится самый простой и обычный набор:

  • Белый лист бумаги для акварели
  • Кисти для рисования
  • Ёмкость с водой
  • Простой карандаш
  • Ластик
  • Палитра

Прежде чем вы начнете работать над натюрмортом, стоит слегка смочить акварельные краски, которые нам понадобятся.

Шаг 1

Надо набросить рисунок простым карандашом. Нужны простые и мягкие, почти незаметные линии, набросить контуры овощей. На этой стадии мы решаем, с какой стороны будет падать свет. Чтобы было легче ориентироваться, мы набросали солнце на эскизе, которое будет стёрто позже ластиком. Также, надо обратить внимание на линию тени, которую мы изобразим позже.

Шаг 2

Когда эскиз готов, вы можете начать работать акварелью. Чтобы сделать это, мы выбираем один элемент рисунка и смачиваем его влажной кистью. На нашем рисунке, огурец стал этим первым элементом покраски. Теперь мы выбираем очень светлую зеленую краску и наносим её кистью на огурец.

Помните, мы не будем использовать растворы чистых цветов. Чтобы получить тот или иной цвет, нужно смешать цвета друг с другом на палитре, которую мы подготовили. Тем временем, пока поверхность огурца влажная, мы затемним её чуть-чуть. Только не забудьте оставить небольшое отражение на овоще.

Шаг 3


Оставьте огурец и дайте краске на нём высохнуть, и перейдем ко второму элементу. Теперь мы украсим морковку. Мы сделаем это так же, как и в первом случае с огурцом.


Фигуру мы изображаем постепенно, двигаясь от светлых к темным оттенкам. Когда рисуете акварелью, необходимо настроить тон.

Шаг 4


У нас остался еще один не нарисованный овощ. Это баклажан. Мы его нарисуем так же, как и в прошлых двух случаях, следуя тем же принципам.


Не стоит также забывать про солнечные блики. В случае с бликами, все зависит от того, насколько блестящая поверхность самого объекта. Чем больше он блестит, тем виднее и ярче будет луч. Размер такого блика на прямую зависит от размера овоща, а его цвет от гладкости поверхности. В нашем случае, блика совсем нет на морковке, а на баклажане самый большой, из-за гладкой поверхности. И на нём блик самый яркий.

Шаг 5

Давайте вернемся к начальной стадии работы рисования огурца. Темный оттенок как раз напомнит реальный овощ, а также подчеркнет его форму.

Шаг 6


Мы совершим те же действия с другими овощами.

В этом случае, надо правильно передать черты каждого из объектов: цвет, размер, структуру, форму. Помните, каждая ямка имеет более темный оттенок. Чем глубже ямка, тем темнее её цвет.


Особенности каждого элемента должны быть подчеркнуты в соответствие с натуральными овощами.

Шаг 7

Смотря на рисунок, кажется, что всё весит в воздухе, надо добавить тени падающие от овощей. Самые темные тени будут возле и под овощами.


Надо дорисовать зелёную верхушку баклажану.

Шаг 8

Так как морковка получилась слегка бледной, надо это исправить и добавить ей натурального цвета. Для этого мы берём насыщенную оранжевую краску и наносим её на морковку. Если цвет всё еще недостаточно насыщен, повторяем процедуру еще раз.


Огурцу мы добавим тёмно-зеленные бороздки, а также прыщики характерные этому овощу. А на морковке добавим выемку темнее, чем главный цвет. Теперь перейдем к баклажану. Сторону, на которую не падает свет, мы сделаем темнее. Для этого возьмем более насыщенный оттенок.

В палитре должно быть достаточное количество цветов, или даже по три оттенка каждого цвета. Теперь мы должны дать рисунку высохнуть. Потом мы внимательно смотрим на все детали. Если что-то не нравится, есть возможность это исправить и добавить другие оттенки, которые темнее тех, которые уже есть на изображении. Если же вас все устраивает, и вы довольны тем, что видите на рисунке, работу можно считать законченной.


В работе с этими фигурами главный принцип — рисовать по влажному. Также, не менее важное смешивание цветов для получения правильного оттенка. Главное пробовать работать с разными цветами и оттенками, а не только использовать обычные цвета.

Натюрморт — идеальное украшение кухни. Интерьер с нотками фруктов, овощей и ягод разжигает аппетит, усиливает вкус любимых блюд, вдохновляет на кулинарные эксперименты. Так что представь себя великим художником и вперед — рисовать натюрморт.

Как нарисовать натюрморт акварелью , Тебе подскажет следующее видео. Скорее включай!


Как нарисовать натюрморт карандашом

Хрупкая земляничная веточка и пара-тройка Твоих любимых фруктов — красочный натюрморт вмиг поднимет настроение и прикует очарованные взгляды Твоих гостей в то время, когда Ты будешь .

1. Легким нажатием карандаша проведи горизонтальную линию — это край стола. Изобрази очертание груши, двух яблок и кружки.

2. В кружке нарисуй веточку земляники. Придай фруктам естественный вид, более четко прорисовав выпуклые формы. Не забудь дорисовать хвостики и усохшие чашелистики.

3. Молодец! А теперь с помощью ластика легонько сотри нарисованный эскиз, чтобы остались лишь едва заметные линии. Аккуратно раскрась грушу цветными карандашами, накладывая на фрукт желтые, оранжевые, красные и коричневые оттенки.

4. Теперь переходи к раскрашиванию яблока. Для этого идеально подойдут плотные штрихи зеленого, оранжевого и желтого оттенков. Для черенка используй коричневый карандаш.

5. Здорово! Сделай яблоко более выразительным и ярким с помощью еще одного слоя штриховки. Тень Ты сможешь передать коричневым, темно-зеленым и болотным цветами.

Обрати внимание! На всех фруктах должны быть маленькие, не закрашенные области (блики).

6. На второе яблоко так же нанеси первый, легкий слой штриховки, не тонируя блик.

7. Теперь заштрихуй яблоко еще раз, раскрасив один его бок оттенками красного и коричневого цветов.

8. Раскрась легкими красными штрихами землянику. Коричневым карандашом нарисуй маленькие зернышки.

9. Вишневым и красным карандашами сделай штриховку земляники ярче. Нарисуй салатовые листики.

10. Затем нарисуй тонкие стебли, очертания листьев, изобрази цветки.

11. С помощью зеленых и желтых оттенков раскрась листья земляники, еще раз прорисуй стебли.

12. Синим карандашом заштрихуй кружку. Тень сделай темно-синей, а внутреннюю часть кружки раскрась серым. Ободок пускай будет черным.

Важно помнить: штриховка должна быть выполнена по форме посуды или другого предмета.

13. Скатерть заштрихуй розовым карандашом. Тени от предметов на столе сделай немного темнее.

14. И последнее: на стене сделай красно-коричневую штриховку, а в местах, где предметы отбрасывают тень, — темно-коричневую.

Какая красота!

Все, кто рисует с натуры, обязательно проходят через разные этапы усложнения работы. Процесс обучения рисунку на определенном этапе связан с рисованием натюрморта (от франц. nature morte — мертвая натура).

Мир природы и вещей, окружающих человека в повседневной жизни, — неисчерпаемая сокровищница форм и цветовых оттенков. Простота и пластическое совершенство бытовых предметов, утонченность и нежность цветов, своеобразное строение и сочность фруктов и овощей и многое другое всегда были объектами внимания художников. Рисунки и произведения живописи, в которых воплощаются в образную форму бытовые предметы, орудия труда, овощи, фрукты, снедь, дичь, букеты цветов и т.п., называются натюрмортами.

Натюрморты могут быть «увиденными» прямо в жизни и «поставленными» специально для решения разных изобразительных задач. И те, и другие привлекают внимание, поэтому натюрморту уделяют столь много места в изобразительном творчестве, что он стал по праву самостоятельным жанром. «Увиденный» натюрморт — это изображенное художником природное группирование предметов, а «поставленный» — составленное из сознательно подобранных предметов, необходимых для воплощения определенного замысла автора.

Изображение натюрморта имеет свою определенную закономерность и методическую последовательность. Совершенно непозволительно, например, лишь начав рисунок, заняться детальной проработкой незначительных мелочей, если не определена еще основная форма, не решена тональная идея постановки. Это сразу же приводит к дробности рисунка, которую потом неопытному рисовальщику исправить невероятно трудно и подчас невозможно. Кроме того, подобная спешка ведет к ошибкам в пропорциональных отношениях, а отсюда — к неудаче, неверию в свои силы и разочарованию.

Помните, что в изобразительной практике существует проверенный метод последовательной работы над рисунками, основанный на принципе: от общего к частному и от частного вновь к обогащенному деталями общему.

Рис. 21

Работа над натюрмортом начинается с отбора и размещения определенных предметов: в нашем задании — гипсовая модель призмы и деревянная ваза для карандашей, кистей и т. п. (рис. 21). Отбор компонентов натурной постановки должен быть логически оправданным, наполненным смысловой связью. Вещи желательно выбирать выразительные по форме и объему.

После того как натюрморт поставлен, вы выбираете определенное место, откуда постановка хорошо видна (мы уже говорили о наиболее оптимальном расстоянии от рисующего до натурного объекта: оно должно составлять примерно три размера самой натуры).

Выразительность и правдивость изображения натюрморта зависят от вашей способности наблюдать, компоновать, строить рисунок, моделировать его тоном и т.д.

Перед непосредственной работой над рисунком целесообразно выполнить одну-две зарисовки постановки для поиска рациональной и эффектной компоновки изображения на бумаге. Зарисовки желательно выполнять быстро, основываясь на первом, еще очень свежем впечатлении от постановки, стремясь передать в них характерные особенности натуры, взаимосвязь и пропорции формы каждого предмета, отношение площади изображения к площади формата листа.

После того как в зарисовке вы определили композицию изображения, можно перейти к непосредственной работе на формате. Учитывая характер постановки, вы уже выбрали формат — горизонтальный или вертикальный.

Рис. 22

Теперь перед вами стоит задача пройти несколько этапов рисования натюрморта. Таких этапов, т.е. отдельных моментов — стадий или ступеней в развитии чего-либо, в работе над рисунком обычно не более четырех.

Безусловно, начальным этапом любого изображения является композиционное размещение его на листе бумаги. У вас уже есть зарисовка, используйте которую отнюдь не механически.

Здесь главное место уделяется определению всей ширины и всей высоты предметов сразу для ограничения поля изображения, тут же намечаются легкими линиями позиции каждого из тел относительно друг друга и плоскость, на которой они поставлены.

На следующем этапе рисования натюрморта вы должны уточнить место каждого из двух предметов в изображении и определить их пропорциональные отношения. В этом промежутке работы выявляйте также конструктивную основу формы. Здесь решение всех задач данного этапа изображения основывайте на внимательном анализе постановки. Форму стройте пока одними линиями, видя свой рисунок «каркасным», но соблюдайте известную меру, чтобы они у вас не выглядели всюду одинаковой толщины (рис. 22).

Третий по счету этап работы проведите как дальнейшее уточнение формы тел, имеющих объемность и рельефность. Эти признаки предметов воспринимаются только при условии светотени. Поэтому вам надлежит не только наметить большой свет и большую тень, но и определить легкими штрихами все основные градации (постепенные расположения) светотени. Об этих закономерностях распределения света, полутонов , собственной и падающей теней говорилось в учебнике не один раз, и вы о них знаете. Нужно только внимательно следить в натуре и сравнивать на бумаге, насколько один предмет темнее или светлее другого. Помимо этого не забывайте также о различии в рисунке технических приемов работы карандашом, чтобы уже на этой стадии рисования выявить различие фактур предметов. Все вместе взятое и рассмотренное с позиций перспективного построения, объемности и рельефности форм, тонового решения, материальности ведет вас к последнему этапу работы над рисунком натюрморта (рис. 23).


Рис. 23

Заключительный этап предусматривает процесс завершения работы — обобщение всего линейного и тонального строя изображения. Если передний и дальний планы прорисованы подробно, оба тела постановки разрушают цельное восприятие рисунка, нет мягкости переходов в моделировке формы тоном, то такое изображение нуждается в доработке, которая и является обобщением. В таком случае необходимо смягчить дальний план, разрушить в нем четкие границы (создать впечатление глубины), «приблизить» к переднему плану один предмет и «отдалить» другой, где-то в нужном месте высветлить, в ином, наоборот, уплотнить тон и таким образом добиться цельности рисунка (рис. 24).

Все этапы работы над рисунком натюрморта не являются оторванными друг от друга стадиями изображения. Здесь проходит последовательный, логически обусловленный единством и неделимостью процесс, следствием которого должен быть правильно скомпонованный, верно построенный, в меру проработанный тоном, выразительный учебный рисунок натюрморта.

А теперь очень подробно рассмотрим, как протекает процесс создания рисунка натюрморта, составленного из гипсового геометрического тела — шестигранной призмы и деревянной вазы для хранения рисовальных инструментов.

После того как формат выбран, определяют, какого размера будет нанесено на бумагу изображение, тем более, что в предварительных зарисовках вы ищете пропорциональные соотношения изображения и формата. Пропорции вплетаются в -зрительное восприятие в соответствии со строением глаза и принципами его работы. Каждый рисующий определяет отношения величин и, не удивляйтесь, отличает среди них отношение «золотого — сечения». Вы видите в постановке, что стоящая вертикально ваза смотрится более предпочтительно, нежели лежащая под углом к ней призма. Значит, в своем рисунке вазе вы уделите особое внимание, и размещение изображения на бумаге станете связывать с ней. Она-то и расположится в рисунке не иначе, как в отношении пропорций «золотого сечения».

Такой характер зрительного восприятия подтверждается многочисленными опытами, проводившимися в разное время в ряде стран мира.

Немецкий психолог Густав Фехнер в 1876 г. провел ряд экспериментов, показывая мужчинам и женщинам, юношам и девушкам, а также детям нарисованные на бумаге фигуры различных прямоугольников, предлагая выбрать из них только один, но производящий на каждого испытуемого самое приятное впечатление. Все выбрали прямоугольник, показывающий отношение двух его сторон в пропорции «золотого сечения» (рис. 25). Опыты иного рода продемонстрировал перед студентами нейрофизиолог из США Уоррен Мак-Каллок в 40-х годах нашего века, когда попросил нескольких добровольцев из числа будущих специалистов привести продолговатый предмет к предпочтительной форме. Студенты некоторое время работали, а затем вернули профессору предметы. Почти на всех из них отметки были нанесены точно в районе отношения «золотого сечения», хотя молодым людям совершенно не было ничего известно об этой «божественной пропорции». Мак-Каллок потратил два года на подтверждение этого феномена, так как сам лично не верил, что все люди выбирают эту пропорцию или устанавливают ее в любительской работе по изготовлению всевозможных поделок.

Рис. 24

Интересное явление наблюдается при посещении зрителями музеев и выставок изобразительного искусства. Многие люди, сами не рисовавшие, с поразительной точностью улавливают даже малейшие неточности в изображении предметов в графических изображениях и в живописных картинах. Это, вероятно, признаки эстетического чувства человека, которое «не согласно» с разрушением гармонии формы и пропорций. Не с таким ли требованием чувства прекрасного связывается феномен «золотой пропорции» (как только не называют эту пропорцию — «божественной» «золотой» «золотым сечением», «золотым числом»)? Не зря, видно, во все века цивилизации человечества «золотая пропорция» возводилась в ранг главного эстетического принципа.

Для вас композиционные основы построения рисунка натюрморта не должны быть камнем преткновения, ибо человек наделен способностью хорошо видеть окружающую обстановку в пределах поля ясного зрения (под углом 36°). Именно пропорциональные величины в пределах поля ясного зрения хорошо различаются глазами, и ваша задача распознать их, чтобы правильно построить рисунок. Дело в том, что рисующий человек видит предметный мир так же, как и не рисующий. Однако, если вы возьмете произвольную точку зрения для построения рисунка, произойдет искажение. Вам надо помнить, что в построении изображения все взаимообусловлено: точка зрения, поле ясного зрения и расстояние до предметов изображения. Значит, в процессе компоновки изображения нужно выделить такую часть замкнутого пространства (листка бумаги), которое включало бы предметы натюрморта и часть окружающей среды (фона). Объекты изображения не должны быть ни слишком большими, ни маленькими. Иначе крупное изображение «выходит» из формата, а маленькое «тонет» в нем. Чтобы подобного не произошло, старайтесь рассматривать лист бумаги и размеры изображения как единое целое композиционного решения рисунка натюрморта.

После организации плоскости бумаги предметы нужно нарисовать так, как их видит глаз и как они существуют в действительности. Для этого вы уточняете перспективные изменения формы вазы и призмы и одновременно пытаетесь сразу понять их объективное устройство, конструкцию, анализируете условия освещения. Светотень на предметах распределяется по тем же законам, с которыми вы познакомились при рисовании гипсовых моделей геометрических тел.

Каждый рисунок является одновременно новым познанием предметного мира, которое сопровождается овладением знаниями, приобретением опыта, новых навыков и моторикой движений руки. Разместив рисунок на плоскости и передав пока в легких линиях границы формы каждого из двух предметов и такими же легкими штрихами наметив объемность вазы и призмы, вы продолжаете работу, переходя к следующему этапу. Теперь вы продолжаете дальше уточнять характерные особенности формы, все время сравнивая рисунок с натурой. Затем приступаете к работе отношениями, предусматривающими определение правильных пропорций, соотношение пространственных планов, деталей и целого.

Рис. 25

Метод работы отношениями дает возможность рисовальщику овладеть знаниями и умениями в той степени, в какой они влияют на развитие человека как художника-профессионала.

Итак, первые стадии вашего рисунка: решить задачи компоновки, наметить общий силуэт натюрморта, выделить оба предмета и показать пропорции, одновременно почувствовать связь форм, соответствие их общему строю изображения. При работе отношениями уточняют рисунок, сравнивая и сопоставляя, т.е. соизмеряя изображение с целым и частей друг с другом. На этом же этапе ведения рисунка вы должны приступить и к выявлению объемности и рельефности форм объектов изображения, прорабатывая их по принципу — от общего к частному. Только так вы будете все время видеть целое — ив строении, и в пропорциях, и в тоне.

Когда у вас появилась убежденность в верности рисунка и правильности намеченных светотональных отношений, можете смело переходить к моделировке формы постепенно насыщаемым плотностью тоном.

На этом важном этапе работы — передача правдивого изображения натюрморта, каким его видит наш глаз и как он существует в пространстве, — нужно все время видеть натуру цельно, т.е., прикасаясь карандашом к тому или иному месту в рисунке, не терять из виду всю постановку и весь рисунок в целом. Все время помните, что вы накапливаете знания, умения и навыки постепенно и последовательно и соответственно ведете работу над натюрмортом. Тональные отношения в натуре не могут быть в точности переданы в рисунке из-за несоответствия подлинного света и белизны бумаги друг другу. Передать их можно только путем следования пропорциональным натуре отношениям светотени, и вы знаете, что от такой передачи зависит качество тонального рисунка.

Во время моделирования рисунка тоном, когда вы всю работу ведете от общего к частному, непременно наступает момент, связанный с большим желанием взяться за окончательную проработку того или иного места изображения, которое очень привлекательно в постановке. Вот здесь и переходите к частному, соблюдая принципы рисования.

В практике как учебного, так и творческого рисования встречаются два часто соприкасающихся друг с другом технических способа прокладки карандашом тона на бумаге — штриховка и тушевка.

Штриховка в отличие от тушевки имеет свои ярко выраженные особенности. Опытный рисовальщик может достичь только ею передачи всех тональных и материальных свойств натуры. При этом он пользуется разнообразными по следу карандаша на бумаге штрихами — прямыми и изогнутыми, короткими и длинными, накладывающимися друг на друга в несколько слоев. Следовательно, под штриховкой следует понимать приемы нанесения тона штрихами. Направление штриховки в рисунке очень существенно. Направленными по форме предмета штрихами можно добиться объемности и, наоборот, бессистемно накладываемыми форма разрушается, изображение покрывается бесформенными пятнами.

Мастера рисунка часто пользовались тушевкой — приемом растирания карандашного слоя, плашмя нанесенного грифелем, по поверхности бумаги для получения мягкого сплошного тона с помощью либо растушевки, либо тампонов из бумаги и очень часто ваты. Таким приемом весьма часто и эффектно пользовался Илья Ефимович Репин .

В процессе работы, связанной с передачей светотеневых отношений, определяют самое светлое и самое темное места в натурной постановке и, придерживаясь их как тональных ориентиров, постепенно набирают необходимую светосилу. И все время нужно сравнивать и еще раз сравнивать рисунок с натурой. Для этого можно даже отойти от рисунка на небольшое расстояние, чтобы с несколько отдаленной точки зрения видеть свою работу. Есть еще один прием для сравнения — посмотреть на рисунок в зеркало, находясь вполоборота к изображению. В зеркале должен отражаться также натурный объект. Такое сравнение может помочь увидеть допущенные ошибки в тоне и устранить их. Прием с зеркалом эффективен еще и потому, что он позволяет увидеть свою работу с неожиданной стороны. Каждый рисующий не только привыкает к своему изображению, но и часто, в силу неопытности и еще неумелости, перестает замечать серьезные просчеты в рисунке, не говоря уже о тоне. Такой неожиданный взгляд поможет сразу увидеть тот или иной недостаток, на который оказалось трудно обратить внимание из-за неумения критически отнестись к собственному рисунку.

Последняя стадия работы над рисунком натюрморта связана с умением рисовальщика завершить изображение, т.е. привести изображение в соответствие с общим зрительным впечатлением при цельном восприятии натурной постановки.

Контрольные вопросы
  1. Что такое натюрморт?
  2. Сколько стадий работы по рисованию натюрморта необходимо пройти?
  3. Что вы понимаете под термином «компоновка»? Какую роль компоновка играет в рисунке?
  4. Почему натурную постановку нужно воспринимать не по частям, а цельно?
  5. Что значит наносить штрихи по форме?
  6. В чем состоит методическая последовательность работы над натюрмортом?
  7. Как понимать термин «обобщение рисунка»?

Быстро и легко!

Когда вы собираетесь рисовать объекты из жизни, то желательно использовать их нечетное количество (например три клубники, пять деревьев). Это создает визуальный интерес. Также полезно перекрывать объекты, как на этом примере. Фрукты – отличная тренировка для рисования текстуры. В этом проекте гладкая поверхность винограда прекрасно контрастирует с шероховатой поверхностью клубники.

Палитра цветов для этого урока очень разнообразна. Если вы не находите такой карандаш в своем наборе, замените его на похожий.

Шаг 1. Как нарисовать фруктовый натюрморт цветными карандашами.

Как и всегда, сначала я рисую эскиз простым карандашом.

Шаг 2. Как нарисовать фруктовый натюрморт цветными карандашами.

Чтобы создать зернышки клубники, я накрыл рисунок калькой и кончиком шариковой ручки продавил точки. Когда я убрал кальку и закрасил ягодки маково-красным цветом, белые точки проявились сквозь цвет. Обратите внимание, что я оставил не закрашенными некоторые участки для создания бликов.

Шаг 3. Как нарисовать фруктовый натюрморт цветными карандашами.

В этом шаге я затемнил клубнику малиново-красным и тосканским красным, оставляя светлые блики. Затем я создал светлые листики, используя лаймовый цвет, и темные листики, используя цвет зеленой травы. Темно зеленый я наложил в местах теней.

Шаг 4. Как нарисовать фруктовый натюрморт цветными карандашами.

Далее я залил примерно половину виноградинок ежевичным цветом неровным слоем, со светлыми и темными участками.

Шаг 5. Как нарисовать фруктовый натюрморт цветными карандашами.

Далее идет слой лазурно-синего и растушевка с предыдущим слоем. Стебель я закрасил с помощью зеленой охры и жженой охры. Теперь перейдем к зеленому винограду. Первый слой – пожелтевший шартрез и канареечно-желтый, опять же со светлыми участками. Также я затонировал тарелочку холодным 30%-м серым.

Шаг 6. Как нарисовать фруктовый натюрморт цветными карандашами.

После затенения зеленых виноградин лаймовым и зеленой охрой, я использовал белый карандаш, чтобы высветлить блики на всех фруктах. Затем я использовал черный, чтобы затемнить участки между и под фруктами. В завершении, я использовал французский 90%-й серый, чтобы затемнить тарелку и уточник край.
Делитесь своими работами в

как нарисовать натюрморт акварелью подробное описание

Перед нами постановка, состоящая из группы разных предметов: эмалированный, побывавший в употреблении голубой кувшин, оранжевый гранат, доля дыни и драпировки на столе — бледно-голубая и коричневая. Фоном служит белая стена с бледно-желтой тканью.
Кувшин и гранат по своему цвету определенны и ясны: они более, чем остальные предметы, насыщены по цвету. Окраска других предметов сложнее. Их цвет нельзя получить, не составляя смесей: например, стол или пестрая коричневая ткань за гранатом слабо насыщены по своему цветовому тону.
Сделав постановку, определите место, с которого вы будете писать. Вначале выбирайте такие положения, чтобы свет, полутон и тень в натуре определялись четко. Наиболее выгодно боковое освещение натуры, при котором количество света и полутона вместе занимает большее место, чем тень.

Эскиз выполнен в технике а-ля прима — в раз. В нем намечены, как говорят, основные большие отношения тени и полутона. По этой подготовительной работе можно проследить мысли автора: определена композиция (расположение предметов на листе, количественное отношение окружающего фона и переднего плана). Намечены различия цветов теплых, холодных, насыщенных и слабо насыщенных. Оранжевый гранат подчиняет себе другие теплые и слабо насыщенные тона. То же происходит и с холодными.

На кувшине намечены тень, полутень и свет, определена разница в светлых тонах драпировки переднего план а и стены. Автор пытается и свет, и тень, и полутона на предметах выполнить различным цветом, а не просто утемняя или усветляя один и тот же цвет. Широкая плоскость среза дыни на первой же стадии работы дает возможность почувствовать ее сочность и влажность.

Попытайтесь и вы поставить и решить для себя аналогичную задачу, может быть, ограничив вначале количество предметов: например, возьмите синий кувшин, светлую голубую драпировку и кусочек дыни или тыквы.

Следующая стадия работы — рисунок на планшете. Прежде чем к ней приступить, утвердитесь в композиционном решении, сделав в своем альбоме несколько пробных эскизов. Для перенесения эскиза можно воспользоваться вспомогательными линиями, как указано на рисунке.

Набросав рисунок, выверьте правильность пропорций, перспективы, а также масштаба предметов. Затем обязательно нанесите наиболее характерные детали и планы. Эта работа может занять у вас первый сеанс. Затем приступайте к работе красками.
Обратите внимание на про межуточную стадию выполнения натюрморта.

С чего начать? Учитывая особенности акварельной живописи, отличающие ее от живописи масляными красками, лучше начать с предметов, имеющих яркую определенную окраску. В нашей постановке такими являются кувшин и гранат, поэтому в нахождении их цвета легче избежать ошибок. Стена и желтая ткань на столе менее определенны по цвету, поэтому, начав с них, мы могли бы написать их цвети ее, чем они в действительности по отношению к целому, и тогда сразу нарушились бы цветовые отношения натюрморта. Цвет кувшина и граната можно взять в полную силу. Это сразу задаст общий тон колориту, так как наряду с насыщенными цветами в свету и в полутенях здесь есть и сильные тени, которые о преде ляг нам крайние регистры для синего и красного.

Кувшин, будучи голубым, имеет разные оттенки: в свету — одни, в полутени — другие, в тени цвет уже не голубой, а фиолетово-синий, а в каких-то частях даже зеленовато-коричневый (под влиянием рефлексов). Поэтому, чтобы нам эти различия установить вернее, старайтесь все время видеть весь кувшин. Подбирая цвет для освещенной части, смотрите на кувшин, охватывая его вместе с фоном, чтобы выявить основной контраст силуэта по отношению к стене (насколько кувшин в свету темнее стены, какими по цвету воспринимаются стенай кувшин).

Одновременно помните, что краска по высыхании высветляется, а потому берите ее несколько сильнее, чем он а вам представляется в натуре.

Проложив свет, устанавливайте полутень, а затем тень. При прорисовке света нужно иметь в виду, что он может несколько захватывать полутени. Последующий цвет полутени перекроет эти места. В свою очередь, полутень может захватывать собой места будущей тени. Восприятие теней на кувшине в разных его частях под воздействием рефлексов будет различаться и по светосиле, и по оттенку цвета. Старайтесь путем сравнения найти цветовые различия, а потому не пользуйтесь смешением одних и тех же красок, с тем, чтобы цвета для тени, полутени и света различались не только по светосиле, но и по характеру цветового тона.

Прописав кувшин или часть его, таким же образом пропишите гранат и опять, охватывая взором весь гранат, отмечайте различия оттенков оранжевого в светах, в полутени и в тени. Освещенные места граната будут относительно более холодными, розоватыми, полутень -оранжевой, тени — более красными. Одновременно, работая над тенями граната, смотрите и на коричневую ткань, на фоне которой он лежит. Это сравнение по может вам видеть взаимные отличия тонов и объединяющие их признаки.

Начиная писать дыню, сравните ее с фоном — стеной, тканью на стене и с блюдцем. Что светлее — плоскость среза дыни или стена? А что холоднее по цвету — стена, дыня или блюдце? Каковы различия? А что в той же дынецветнее — срез ее или корка? Так, все время задавая себе вопросы и находя ответы, наблюдая натуру, ведите работу дальше.

Так же, путем сравнения, определите и цвет блюдца, находя в натуре сходные с ним тона. Сравните свет и тени на блюдце с цветом стены. Одновременно устанавливайте различие его цвета по яркости с окружением.

Если не следовать системе в наблюдении натур и такие слабо окрашенные тона будут восприниматься вами то теплыми, то холодными, в зависимости от того, на какой цвет перед этим вы смотрели. Вот почему рекомендуется нейтральные цвета сравнивать с нейтральными.

Проложив последовательно цветом весь этюд, проверьте его на расстоянии, поставив рядом с натурой. Что-то вас не вполне устроит какие-то части не будут убеждать решением формы или окажетсд что по цвету они нарушают единство общего тона, возможны несоответствия в решении пространств а или света.

Подтягивайте такие места до полного завершения так, чтобы решение во всех частях вас устраивало. При этом следите, чтобы наносимая краска ложилась по сухому, не тревожа, не размывая нижележащий слой (рис. 4).

Цвет призван выражать форму, поэтому каждый мазок краски кладите, сообразуясь с рисунком, с характером поверхностей, ограничивающих предмет.

В цветной акварели сложнее определить ошибки, а значит, и исправить работу. Здесь единство и гармония слагаются изо всех признаков цвета: цветового тона, его светлоты и насыщенности. Какой-то цвет, будучи правильно найденным по светлоте, может быть неточным в то же время по другим качествам: по оттенку или насыщенности.

А бывает и так, что вы правильно написали отдельный предмет, но не удалось верно взять окружающий его фон или соседний с ним предмет, тогда общая гармония нарушена, все кажется фальшивым. Что исправлять, что к чему подгонять? Вопрос сложный, и не только для начинающего. Переписывать весь этюд? А где гарантия, что удастся не повторить ошибки, если не понять причины неудачи? Поэтому, работая цветом, необходимо с первых шагов приучать себя к порядку в работе, проверять себя непрестанно в ходе всего этюда от первого до последнего мазка. Как вести сравнения? Не по контрастам (их нужно лишь иметь в виду), а по родству взаимных признаков: теплые с теплыми, холодные с холодными, светлые со светлыми, темные с темными, слабо насыщенные со слабо насыщенными.

[direct]

Устанавливайте в натуре самые цветные по насыщенности участки для теплых и холодных тонов. Держите их в поле зрения, определяя от них производные. Ведь в цвете законы контраста действуют особенно активно, поэтому одна ошибка влечет за собой механически другую.

В первом задании работы цветом мы подробно разобрали ведение, этюда в акварели от начального замысла до его завершения.

Мы еще раз подчеркнем ту мысль, что живопись заключается не в изолированном копировании того или другого участка или цветового пятна натуры. Необходимо устанавливать связь между всеми цветами, руководствуясь методом одновременного сравнения, сличая тона цвета по их насыщенности, оттенку и светлоте. Поэтому и дальше будем все время тренировать свой глаз, приучать его охватывать в натуре не узкий участок, а более широкий, с тем чтобы только путем сравнения делать вывод о том или ином характере цвета.

Одновременно следите за величиной и формой каждого цветового пятна и мазка кисти. Найденный цвет должен максимально точно выражать форму, обусловливаться границами рисунка. Пусть вас не смущает на первых порах, может быть, неизбежная вначале неуверенность, а иногда даже и сухость исполнения, перегруженность деталями.

С опытом, с практикой этих недостатков можно избежать, но зато это избавит от преждевременной «мастеровитости», верхоглядства, никчемной ловкости кисти и от вкусовщины, когда внешняя красивость подменяет подлинное глубокое изучение натуры.

рисунки натюрморт карандашом — 25 рекомендаций на Babyblog.ru

Я решила собрать в одном посте 10 необычных идей для творчества, которые мы реализовали этим летом. Как-то так получилось, что просто так рисовать обычно скучно, а вот рисовать в какой-то новой технике или необычными материалами всегда встречается на ура! А к тому же чем еще заниматься летом в жару, когда ребенок требует придумать ему дело, а ум напрягаться (у ребенка в том числе) не хочет? Творчеством можно заниматься долго, оно не утомляет (как задания например), и оно очень интересное!



Итак, номер 1.
Это рисование на молоке/воде.
Мы пробовали три раза в разных вариантах)) Поэтому не буду давать советов какое молоко или краски лучше брать, тут лучше выбрать идеальное сочетание методом проб и ошибок. То, что советовали в интернете, у нас не особо пошло, а вот то, что говорили не делать было весьма не плохо. Вообще советы по рисованию на молоке очень противоречивы, так что экспериментируйте!
В первый раз мы использовали сливки и икеевские краски. Для экономного расхода молока я взяла неглубокую тарелку с бортиками и налила в нее тонкий слой молока. Расход — минимальный, голодные дети Африки это переживут))) Эффект мне не очень понравился, поэтому правило «чем жирнее молоко — тем удобнее рисовать» я опровергаю. Икеевские краски нещадно тонули и не хотели разливаться красивыми облачками по поверхности. Лучшего всего вела себя синяя краска, зеленая у нас так и не захотела плавать. После того как вы капнули краску на поверхность молока (или прикоснулись кисточкой в краске, любуясь как пятно от нее расползается по поверхности), можно взять зубочистку и начать выводить узоры.

Второй наш эксперимент был на обычном молоке для каши и жидких пищевых красителях. Цвет гораздо лучше разливался по поверхности, образуя мраморные узоры. Минус этого способа только в том, что пищевые красители очень сложно отмываются от ребенка. А моя Варя конечно в конце решила запустить обе ладошки в красивое молоко))

И да, не забудьте капнуть посудное мыло на нарисованную поверхность, это создает дополнительные интересные эффекты!

А в третий раз мы рисовали настоящими красками для эбру на специально подготовленной воде. И вот в этот раз у нас наконец-то были традиционные расплывающиеся по поверхности воды цветные пятна) Мы рисовали на празднике по случаю открытия Эко-школы в Кусково.

2. Смешивание цветов.

Можно это делать на бумаге или в воде. Если в воде, то нужно много маленьких прозрачных баночек (из-под детского питания например). В них наливаем воду и по очереди смешиваем по 2 цвета. А если на бумаге, то сначала я рисовала кружочки одним цветом (например, ряд желтых), а Варя потом добавляла в них все остальные оттенки и мы смотрели во что они превращаются.

3. Переход цвета.

На первый взгляд может показаться, что это тоже смешение цветов, но это не так) В этом занятии мы изучаем как цвет переливается в рамках одного объекта. Для этого можно взять картинки закатного неба (как у нас), морской глади или лесов, уходящих за горизонт. Главное, чтобы на картинках не было никаких объектов, только переходы одного цвета. Далее берем на палитру краски трех главных цветов и рисуем, наблюдая их смешение и переходы. Очень медитативное занятие! Мне самой очень понравилось)))



4. Обводим по точкам.

Это занятие можно отнести к развитию мелкой моторики, потому что задача ребенка проводить ровные линии по точкам и в конце будет получаться рисунок))
Прекрасное развлечение, когда ребенку скучно, а мама устала.



5. Воздушные фломастеры

А это уже на развитие дыхания)) Очень полезное занятие для развития речи, голоса и подготовки к пению. Да и много где еще может пригодится умение контролировать собственное дыхание. Силой выдувания и расстоянием до бумаги можно контролировать разные эффекты от фломастера. Можно рисовать по трафаретам или использовать воздушные фломастеры для дополнительных эффектов на других рисунках))

6. Рисование на замороженной бумаге

Тут главное — качество бумаги. Поэтому как-минимум берем очень плотную акварельную, а как максимум профессиональную. Сейчас расскажу почему) Сначала мы как следует бумагу мочим в воде, а потом кладем ее на что-то гладкое ( у нас противень) и в морозилку, чтобы при замораживании бумага не деформировалась. Когда она как следует замерзнет (на следующий день), достаем и начинаем рисовать акварелью по снежным узорам. Получаются очень интересные эффекты! Можно даже просто поставить кисточку с краской и держать и смотреть как пятно краски красиво расползается по бумаге.
А теперь почему важна плотность и качество бумаги. Именно потому, что в этом занятии бумаге предстоит впитать в себя очень много воды и не порваться, не покорежиться и вообще быть пригодной и красивой. Когда мы закончили картину, то воды было половина противня))) Хорошо, что он с бортиками и вода никуда не вылилась! Я слила лишнюю воду, смыла лишнюю краску и подложила наш пастельный рисунок сушиться)) Бумага все выдержала!

7. Рисование белым по черному.

Рисование на белой бумаге настолько традиционно, что когда для рисунка у тебя появляется цветная или черная бумага, то это просто ломка стереотипа! По крайней мере мой мозг первый момент в шоке)) Но это очень интересный опыт и расширение собственных творческих границ. Чтобы белое на черном было видно, я взяла перманентный маркер и плотную черную бумагу для скрапбукинга.



8. Рисование цветным льдом

Еще один чисто летний способ рисования! Красите воду в формочках для заморозки льда и кладете в морозилку. Для удобства можно сделать держатели — в небольшой кусочек пластилина втыкаем зубочистку и ставим аккуратно в воду перед замораживанием.
На зубочистки можно потом сделать паруса из цветной бумаги и запускать кораблики в миске с холодной водой!))

9. Творчество по мотивам картин.
Это отличный способ не только потворить, но и показать детям мировые шедевры живописи, внимательно их рассмотреть, обсудить, а потом и нарисовать что-то похожее. Кстати, рассматривая картины, не забывайте говорить детям о разных жанрах: портрет, пейзаж, натюрморт или жанровая сценка — детям это понятно и интересно!

Творчество это не обязательно только рисование, можно делать аппликации по картинам или использовать смешанные техники.

10. Творчество из необычных материалов

У нас тут тоже по мотивам картин, но можно использовать и самостоятельно. Сюда относится аппликации из ниток, природных материалов или наклеек, рисование размазыванием пластилина или впечатывания камушков или зернышек в лист с однотонным пластилином. Можно даже процарапать рисунок в пластилине с помощью зубочистки! А еще не забываем о технике граттаж — когда сначала весь лист плотно закрашивается восковыми карандашами, а потом покрывается плотно черной гуашью, и когда краска высохнет, можно процарапывать сверху узоры зубочисткой. Для ленивых (таких как я))) продаются уже готовые наборы для граттажа.

как нарисовать красками натюрморт | КАК НАУЧИТЬСЯ РИСОВАТЬ

« Инструменты и материалы рисунка | Главная | Как нарисовать красками натюрморт из бытовых вещей »

Автор: admin | 25 Июл 2013

Натурная постановка: Натюрморт из 2-3 бытовых вещей, простых по форме, ясных по цвето-тоновой характеристике. Фон нейтральный. Освещение боковое.

Цель: передача одним цветом объема и тональных отношений между предметами, разными по цвету.

Методические рекомендации к выполнению работы:

Это длительный акварельный этюд, который выполняется с соблюдением этапов длительного этюда, с использованием соответствующих инструментов и материалов и техник акварельной живописи.

Натюрморт состоит из 2-3 цветных предметов на нейтральном фоне и выполняется в технике «гризайль». Если в предыдущем задании однородный белый материал гипса давал четкую светотень, то здесь восприятие формы и раскрытие светотеневых отношений затруднено наличием цветной окраски. С одной стороны, цвет якобы помогает восприятию предмета, выделяет его из ряда других предметов. С другой стороны цвет предмета неоднородностью окраски, часто встречаемой в природе, затрудняет восприятие конструктивных особенностей и светотени, и таким образом вносит определенные трудности в процесс создания живописного изображения.

Чтобы понять, как нарисовать красками натюрморт из бытовых вещей (гризайль), необходимо знать, что влияние цвета на светотень происходит в зависимости от его способности отражать световые лучи. Обращенная к свету поверхность темного предмета будет отражать больше световых лучей, чем теневая часть белого предмета, и поэтому в изображении теневая часть светлого предмета будет темнее, чем световая часть темного предмета.

Подбор предметов для данной постановки надо делать таким образом, чтобы светосила окрашенных предметов была неодинаковой, нейтральный фон сделает отношения яркими и хорошо воспринимаемыми. Внутри самих предметов каждый цвет, в зависимости от характера изгиба формы, меняет светосилу, потому как в разных своих участках принимает на себя разное количество света. Вместе с оценкой форм и светотеневых отношений в отдельных предметах следует выяснить пространственное решение натюрморта, связь всей группы с фоном и падающими тенями.

Выполнение этого длительного задания необходимо чередовать с этюдами-набросками, этюдами-зарисовками, этюдами по памяти, по представлению и по воображению, копировать акварельные работы известных живописцев.

Следующее задание Как нарисовать красками натюрморт из бытовых вещей

Темы: Живопись. Задания | Ваш отзыв »

Отзывы

Натюрморт с гипсовыми предметами | Artisthall

Наша программа занятий по живописи представляет собой последовательную череду упражнений, целью которых является улучшение вашей подготовки от задания к заданию.

Каждая последующая постановка усложняется путем добавления к ней дополнительных заданий на колористику или включением в натюрморт более сложных предметов. Лучшими объектами для усложнения постановки являются гипсовые модели голов, розеток и архитектурных элементов.

Натюрморт с гипсовыми предметами — это хороший способ выйти на новый уровень живописного мастерства.

Натюрморт с гипсовыми моделями выделен в отдельную тему неспроста. Главной причиной является то, что это совершенно другие по восприятию и отображению на листе предметы.

Гипсовые модели требуют более тщательного построения и прорисовки деталей карандашом, особенно в процессе обучения. В отличии от построения гипсовых моделей изображение прочих предметов, вид которых можно исказить или ошибиться в пропорциях, например, неточно изобразить форму яблока, бутылки, складки тканей или неточно расположить цветы в букете, не приведет к явному искажению образа предмета и не повлияет на общий вид постановки.

Неточность построения гипсовых моделей, а если речь идет об архитектурных фрагментах, то особенно, сразу бросается в глаза. В учебных живописных натюрмортах именно в фигурах из гипса ярче всего проявляются такие ошибки как асимметрия, нарушение перспективы, неправильное расположение отдельных частей и фрагментов относительно друг друга.

Следующей важной особенностью натюрморта с гипсовыми предметами является собственный цвет гипса и его зависимость от цветового окружения постановки.

Белый матовый цвет гипса — это отправная точка натюрморта, или, как принято у профессиональных фотографов, базовый белый цвет. Для тех, кто не знает, от образца белого цвета полностью зависит цветовая гамма фотографии.

Гипс помимо собственного цвета собирает в себе все цвета, присутствующие в постановке, преобразует и отражает их в виде условных рефлексов на своей поверхности.

Для художника гипсовый предмет в натюрморте является хорошим помощником, это камертон, который задает интенсивность света, глубину темных оттенков. Отталкиваясь от него, можно сверять и проверять все тональные сочетания. Образно выражаясь — гипс не даст вам ошибиться.

Также изображение гипсовых голов станет хорошей практикой для тех, кто занимается рисунком. При схожести начального построения карандашом наступает большое различие в процессе работы красками: техника моделировки объемов и передачи тонов в живописи основана на других принципах и последовательности.

В дореволюционном художественном образовании после серии первых постановок следовали обязательные живописные изображения гипсовых моделей, которые шли параллельно с изучением этих моделей в рисунке. Такая синхронность и последовательность давала очень эффективные результаты.

Мы предлагаем своим ученикам также одновременно заниматься живописью, рисунком и композицией для равномерного комплексного, а главное, наиболее продуктивного обучения, при котором все программы объединены в единую систему, а каждое отдельное задание является частью общего. Тем более, что наш гипсовый фонд дает возможность и писать, и рисовать одну и туже модель.

Подробнее об уроках живописи, программе, материалах вы можете узнать по телефонам 8 903 669-80-89 или 8 903 669-49-59 или написать нам на почту [email protected]

Смотрите также:

Принося более глубокий смысл в искусство натюрморта

Кэтрин Криг, «Семафоры», 2019, масло, панель, 22 x 30 дюймов.

О рисовании натюрморта> Кэтрин Криг объясняет, почему ваша работа состоит в том, чтобы создать структурно прочную картину, используя основные строительные блоки искусства.

Принося более глубокий смысл в искусство натюрморта

КАТАРИН КРИГ

Большинство моих знакомых художников-натюрмортов — коллекционеры, во многих случаях пограничные собиратели.Они знают все места, где можно купить лучшее для своих сетапов. Антикварные лавки, комиссионные магазины, распродажи сараев, чердаки друзей — все это радостно рыскают художники-натюрморты. Тема подбирается очень тщательно. Объекты и настройки могут быть расположены так, чтобы содержать более крупные утверждения, чем они сами, когда они собраны вместе. Аранжировка натюрморта становится приглашением для зрителя подойти поближе. Посещение коллекции художников vanitas в художественном музее показывает, что это не новая концепция.Я люблю хорошие пазлы, и мне доставляет удовольствие сплетать предметы и истории вместе.

Кэтрин Криг, «Открытие», 2015, холст, масло, 20 x 27 дюймов

ИДЕЯ ПРОТИВ КОМПОЗИЦИИ

Повествование создаваемого изображения, как и любой картины, начинается с идеи. Одна из важнейших задач художника — смотреть. Без этой информации нет ответа. Взгляд может означать наблюдение за солнечным светом, проходящим по кухонной стойке, или за изящными линиями винтажного настольного вентилятора.Это может быть заголовок новостей, события из личной жизни или короткий разговор, подслушанный в закусочной. Передача этих переживаний красками привносит в изображение еще один слой, который может привести к визуальной каламбуре или истории.

Кэтрин Криг, «Air Born», 2018, холст, масло, 22 x 30 дюймов.

Достижение баланса между композицией и идеей сложно и неотразимо. Поиск разумной связи между объектами и наблюдениями может быть захватывающим, но важно не допустить, чтобы сообщение подавляло механику.Постоянная основная работа любого художника — создать структурно прочную картину с такими строительными блоками, как баланс, стоимость и хороший рисунок. Лучшая идея в мире развалится, если удерживающая ее арматура не будет иметь прочной конструкции.

ОБЩИЙ ЯЗЫК

Комбинируя объекты и окружающую среду, зритель получает подсказку, что в этом изображении есть нечто большее, чем кажется на первый взгляд, и игра началась. Поскольку тревожные события заполняют так много наших новостных лент и создают порой безжалостное послание об уродстве, я предпочитаю сосредоточить свой натюрморт на более тонкой и созерцательной стороне повествовательного спектра.Я чувствую, что в картине есть ценность положительного послания, и возможность задавать вопросы и проводить время с картиной может быть передышкой от большого количества негатива.

Кэтрин Криг, «Капсула времени», 2020, панель, масло, 14 x 11 дюймов,

Наш общий визуальный язык меняется не только в смысле фактического значения, связанного с изображением, но и в скорости, с которой эти интерпретации меняются с каждой новой тенденцией, которая всплывает в Интернете. Оксфордский словарь постоянно попадает и добавляет новые слова и определения к нашему языку.Осознание того, как можно интерпретировать изображение, влияет на его составление, однако это не гарантирует, что ваше сообщение будет каждый раз попадаться каждому зрителю.

Мой «Bellwether» не обязательно будет таким же для следующего человека, да и не должен быть. В наши дни сова, скорее, будет «крутой», а не символической. И это действительно так, потому что, честно говоря, совы классные. Если оставить дверь открытой для альтернативных интерпретаций и связей, исходящих от аудитории, картина все равно может иметь успех.

Кэтрин Криг, «Bellweather», 2019, холст, масло, 22 x 30 дюймов.

Свяжитесь с Кэтрин Криг на сайте katharinekrieg.com.

Связанные> Просмотрите здесь различные мастер-классы по искусству рисования натюрморта.

Связанные> Другие статьи о натюрмортах можно найти здесь.


Зарегистрируйтесь на Realism Live , глобальную виртуальную художественную конференцию, октябрь 2020 г .:

Как нарисовать натюрморт масляной пастелью

Мэтт Фассел


Что такое натюрморт?

Натюрморт — это художественный термин, обозначающий сцену с объектами (неодушевленными), которые нарисованы или раскрашены.Эта сцена создана художником для использования в качестве эталона для готового произведения искусства. На протяжении всей истории натюрморт считается классическим предметом для создания рисунков и картин. Аранжировки натюрморта могут состоять из связанных объектов или объектов, не связанных между собой. Часто предметы, которые используются в натюрмортах, выбираются исходя из их эстетических свойств.

В отличие от пейзажного рисунка и живописи, аранжировки натюрморта дают художнику больше свободы для компоновки сцены и принятия композиционных решений до того, как будет начат рисунок или картина.Традиционные предметы, выбранные для натюрморта, включают цветы, продукты и емкости, такие как вазы, стаканы и бутылки. Некоторые современные художники отказались от традиционных предметов.

Традиционно натюрморты и картины стремятся представить объекты такими, какими они видны (Репрезентативные). Тем не менее, многие художники в последние годы подошли к натюрмортам с «абстрактным взглядом», создавая рисунки и картины, которые являются интерпретациями объектов натюрморта.

Масляная пастель

Масляная пастель — это среда для рисования, состоящая из пигмента, удерживаемого масляным связующим.Некоторые масляные пастели также имеют восковое связующее. Масляную пастель можно нанести на самые разные поверхности, включая бумагу для рисования, тряпичную бумагу, картон и холст. Хотя это явно среда для рисования, готовые рисунки масляной пастелью иногда называют картинами. Это потому, что готовое изображение часто выглядит как картина. При нанесении слоями масляная пастель может накапливаться на поверхности и вести себя так же, как густые масляные краски. Их также можно разбавлять и перемещать по поверхности с помощью кисти и растворителей для красок.Масляную пастель также можно использовать в качестве резиста при использовании с красками и чернилами на водной основе.

Как пользоваться масляной пастелью

Большинство людей добиваются успеха с масляной пастелью, если прислушиваются к следующим советам …

1. Цвет густой — Масляные пастели легче контролировать, если их наносить с некоторым усилием. Сильно нанеся материал на поверхность, художник может легко создать изображение, напоминающее картину.

2. Слои цветов — Рисунки масляной пастелью выигрывают от наложения цветов друг на друга.Результат — более сложные и насыщенные цвета.

3. Смешивание цветов — Более естественные цвета получаются путем смешивания цветов.

4. Будьте терпеливы — Часто требуется несколько слоев масляной пастели, прежде чем изображение приобретет внешний вид и характеристики живописи. Новых художников часто обескураживают на ранних этапах процесса рисования, когда все, что нужно для успеха, — это немного терпения.

В следующем руководстве представлены отрывки из двух 1-часовых живых уроков, которые были представлены участникам в течение двух занятий.

Получите доступ к ВСЕ наших курсов сегодня
… всего за 1 доллар.

Вот ссылка на фото, которая использовалась для рисунка …

Вот посмотрите на процесс рисования в видеоуроке …

Вот еще несколько уроков рисования, которые могут вам понравиться …

10 самых известных натюрмортов известных художников

Натюрморт — жанр, который приобрел известность в западном искусстве к концу 16 века и с тех пор остается важным жанром.Натюрморты классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть естественными, например, цветы, фрукты и т. Д., Или рукотворными, например, очки, музыкальные инструменты и т. Д. Вот список из 10 самых известных натюрмортов, выполненных известными художниками жанр, включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджо Моранди.


# 10 Натюрморт серии

Автор: Том Вессельманн

Год: 1962

Одна из картин «Натюрморт» Тома Вессельмана

Pop Art Movement появилась в 1950-х годах и использовала узнаваемые образы из популярной культуры.Среди самых популярных произведений поп-арта — серия «Натюрморт» Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущих поколений художников этого жанра. Эта работа (Натюрморт № 30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа коммерческих этикеток, найденных Томом на улице.


# 9 Vanitas со скрипкой и стеклянным шаром

Автор: Питер Клас

Год: 1628

Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром (1628) — Питер Клас

Питер Клас, работавший в голландском Золотом веке , был одним из ведущих художников-натюрмортов своего времени.Он известен vanitas или натюрмортами, которые содержат символы смерти или перемены как напоминание об их неизбежности. Это его самая известная картина. На нем изображено множество объектов, наиболее интересно — стеклянная сфера на заднем плане, на которой Клас сидит за мольбертом, выступая в роли автопортрета.


# 8 Корзина фруктов

Автор: Караваджо

Год: г. 1599

Корзина с фруктами (1599) — Караваджо

Караваджо был пионером реалистичного изображения и драматического использования освещения в картинах.Он применил свой натурализм к натюрмортам, и поэтому «Корзина фруктов» отличается от предыдущих картин этого жанра. Помимо явно фотографического изображения, картина отмечена испорченными фруктами , которые, по-видимому, были съедены насекомыми. Спорный вопрос, писал ли мастер то, что было доступно, или он пытался передать более глубокий смысл.



# 7 Natura Morta (Натюрморт)

Автор: Джорджио Моранди

Год: 1956

Natura Morta (1951) — Джорджио Моранди

Джорджо Моранди был ведущим натюрмортами двадцатого века и одним из величайших итальянских художников своей эпохи.Его натюрморты известны своей бесхитростностью сюжета, приглушенными красками и простотой исполнения. Маранди использовал одно и то же название Natura Morta , итальянское название натюрморта, для всех своих работ в этом жанре. Вышеупомянутая картина — одна из многих его знаменитых работ, известных своей поэтичностью и яркостью.


# 6 Корзина яблок

Автор: Поль Сезанн

Год: 1895

Корзина с яблоками (1895) — Поль Сезанн

За исключением короткого периода в Северной Европе 17 века, натюрморт был забытым жанром, несмотря на усилия Жана-Батиста Шардена.Именно Поль Сезанн почти в одиночку поднял его до такой высоты, что он стал популярным предметом для будущих художников, включая Пикассо, Матисса, Моранди и Брака. Эта картина является ярким примером его работ, в которых он использовал такие техники, как две точки зрения, которые должны были изменить направление искусства. Картина также известна своими несбалансированными частями, такими как названная бутылка, наклонная корзина и фрукты, которые вот-вот упадут.


# 5 Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой

Автор: Франсиско де Сурбаран

Год: 1633

Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой (1633) — Франсиско де Сурбаран

Франсиско де Сурбаран более известен своими религиозными картинами, но он также был одним из самых влиятельных художников-натюрмортов.Эта картина считается шедевром жанра и является единственным полотном, когда-либо подписанным и датированным испанским мастером. Три объекта на картине аккуратно расставлены и светятся на темном фоне. Принято считать, что в картине присутствует религиозный символизм.


# 4 Луч (La raie)

Автор: Жан-Батист-Симеон Шарден

Год: 1728

Луч (1728) — Жан-Батист-Симеон Шарден

Жан-Батист-Шарден считается величайшим художником в натюрмортах на все времена. Жан-Батисту Шардену приписывают продвижение натюрморта, которое бросило вызов другим устоявшимся жанрам.Луч был его шедевром, с помощью которого он привлек будущие поколения художников к натюрмортам. Картина содержит несколько новых элементов, наиболее заметно представленных в виде живого существа в форме кошки . Его широко изучали, восхищались и копировали будущие художники, включая Анри Матисса.



# 3 Скрипка и подсвечник

Автор: Жорж Брак

Год: 1910

Скрипка и подсвечник (1910) — Жорж Брак

Жорж Брак вместе с Пикассо стал соучредителем доминирующего художественного стиля двадцатого века, Кубизм .Хотя он начинал с пейзажей, позже он перешел к натюрмортам. Этот шедевр является примером Аналитического кубизма , первой фазы кубизма, которая была короткой, но влиятельной. Элементы на картине изображены в простых формах с использованием нескольких точечных перспектив, и она написана в монохроматическом стиле, то есть используются разные тона одного цвета.


# 2 Rideau, Cruchon et Compotier

Автор: Поль Сезанн

Год: 1894

Rideau, Cruchon et Compotier (Кувшин, занавес и ваза с фруктами) (1894) — Поль Сезанн

Поль Сезанн считается величайшим мастером натюрморта, и эта работа является его самой знаменитой картиной в жанре.Технически он отличается двойной перспективой, которую создает Сезанн, а визуально очаровывает зрителя красиво нарисованными несбалансированными частями. Картины Сезанна такого типа считаются прелюдией к нескольким видам искусства двадцатого века, включая кубизм Пикассо. По состоянию на 2105 год эта картина является самым дорогим натюрмортами, когда-либо проданными на аукционе .


# 1 Подсолнухи серии

Автор: Винсент Ван Гог

Год: 1888

Ваза с пятнадцатью подсолнухами (1888) — Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог считается мастером натюрморта, а его серия картин на тему «подсолнухи» входит в число самых известных когда-либо созданных натюрмортов.Картины хорошо известны тем, что изображают естественную красоту цветов и их яркие цвета. Вышеупомянутая картина под названием Ваза с пятнадцатью подсолнухами побила аукционный рекорд картины, когда она была продана японскому инвестору почти за 40 миллионов долларов в марте 1987 года.

Основы натюрморта от Goodnight-Melbourne на DeviantArt


Натюрморт — это произведение искусства, изображающее в основном неодушевленные предметы, обычно обычные предметы, которые могут быть как естественными (еда, цветы, мертвые животные, растения, камни или ракушки), так и искусственными (стаканы, книги, вазы). , украшения, монеты, трубки и так далее).

Я не знаю почему, но многие люди, включая меня, думают, что это потрясающе — иметь возможность рисовать или рисовать впечатление от неодушевленных предметов, которые мы видим, больше, чем портреты или сцены. Может быть, потому, что только этот жанр позволяет художнику выстраивать собственную композицию и самостоятельно расставлять элементы, в отличие от портретов или пейзажей.
Изображение объекта, чтобы заставить зрителя думать, что он реальный, но все же… Значит, натюрморт.
Помимо этого, практика натюрморта помогает нам придерживаться очень простых правил и в конечном итоге улучшает нас, когда мы рисуем или рисуем более сложные вещи, благодаря работе с формами, светом и т. Д.
Самое древнее свидетельство натюрморта датируется примерно 70 годом нашей эры, Помпеи. И с тех пор он находится в тренде и постоянно развивается.
До 20 века натюрморты развивались и совершенствовались, чтобы достичь высшей точки — они становились все лучше и лучше. Но после ХХ века именно этот жанр стал революционным, и начались эксперименты. Тенденции и эксперименты победили наследие, может быть, навсегда. Натюрморты стали более абстрактными. Однако в этот период произошли перемены, и они принесли хорошие вещи только как дополнение к предыдущему наследию.
Как и другие жанры, Натюрморт также можно разделить на Реалистичный, Гиперреалистический, Импрессионистский, Абстракционный, Кубизм и т. Д. В этой статье мы рассмотрим руководство по основам натюрморта. Немного импрессионистский путь. И с этим мы пересмотрим наши знания —

  • Фон
  • Источники света
  • Фигуры
  • Paint Establishment

Итак, сначала давайте проверим наши ресурсы.

Краски:
Титановый белый
Умбра жженая
Умбра сырая
Сиена жженая
Ультрамариновый синий
Прусский синий (по желанию)
Фтало-синий
Кадмий желтый
Перманентная роза

Кисти:
Фундук боровик No.6
Плоский боровик № 8, 6, 4
Круглый синтетический № 6

Артикул: Нет


И всегда берите две кастрюли с водой. Один для полоскания и один для капель. И рулон папиросной бумаги.

Начнем!

Прежде всего, мы сделаем набросок нашего предмета. Для меня нет ссылки. Я наблюдал за множеством натюрмортов и реальных объектов, а затем сам составлял композиции. Принимать рекомендации или нет — это исключительно ваш выбор. Чаще всего натюрморты создаются по референсу.У меня его не было, поэтому воображение загорелось.

Итак, сначала нам нужен скетч. Чтобы понять ценности. Сначала возьмите простые предметы, чтобы вы могли наблюдать значения. Я набросал кувшин, чашку и фрукт. Достаточно просто.
Один совет: если у вас возникли проблемы с рисованием кривых, сначала нарисуйте кривые с линиями, как многоугольники. Затем соедините их кривой.

Наблюдая за множеством реальных объектов, мы можем с уверенностью сказать, что тени и один источник света на этих объектах будут такими же.
Примечательно то, что (1) фрукт не имеет чисто-белого цвета (2) ручка чашки слегка затронута светом (3) внутренняя часть чашки и кувшина освещена там, где свет падает прямо. Противоположная часть — темная и (4) формирование основных теней и отбрасываемых теней. Я подробно описал тени с помощью иллюстраций в моей последней статье «Краткое обсуждение тонального контраста».

Этот шаг очень важен, потому что именно здесь мы планируем все. А свет, тени и композиция — это душа натюрморта.
С этого момента мы будем внимательно следить за этим наброском, пока не закончим картину. Мы скопируем эскиз и все его значения. Это наш шаблон.

Следующим шагом будет перенос рисунка на холст или живописную поверхность. Мы можем использовать (1) метод рисования на угольной или графитовой бумаге, или (2) метод рисования сетки, или (3) метод прямого рисования.
Я использовал метод прямого рисования. После этого я выделил области разных значений. Второй важный шаг. Сделайте все планы перед тем, как начать рисовать.Как я уже говорил, планирование и покраска несовместимы.


Последний шаг знаменует начало рисования. Моя поверхность для рисования — это предварительно загрунтованная текстурированная бумага, сделанная специально для масляных картин, но также подходящая для акрила. Бумага не совсем белая, желтоватая. Но я хочу что-то более теплое для фона. Я не хочу, чтобы на стене отражался чистый белый цвет. Я хочу естественный эффект солнечного света и ощущение старой стены.


Я использовал Cadmium Yellow Medium, чтобы покрыть фон и поверхность объектов.Это даст мне более теплую сцену на более поздних этапах.
Затем мы разбавим немного Raw Umber и небрежно нарисуем фон. Запомните направление света. Слева еще больше разбавьте Умбру водой, так как свет идет слева. Стена или фон должны быть освещены в том направлении, откуда исходит свет. Большой палец.

Если вы не хотите тепла, вы также можете создать более холодную сцену с более холодными цветами на фоне. В конце я покажу пример.


Помните, что мы никогда не собирались покрывать весь фон желтым цветом.
Для поверхности я использовал титановый белый + немного ультрамаринового синего, чтобы смягчить его + легкое прикосновение коричневой умбры.
Далее мы представим фактический цвет стен. Оказалось, что это точный цвет той стены передо мной, на которой я рисую.
Для стены я использовал необработанную умбру + титановый белый + немного ультрамаринового синего. Убедитесь, что это густая смесь красок. Не добавляйте много воды.

Я не маскировал всю стену. Я оставил кое-где, чтобы внизу было видно желтый цвет, чтобы создать впечатление окрашенной стены, а также стилизовать ее.

Теперь я покрыл теневую область чистой необработанной умброй. Это нужно для того, чтобы отметить отбрасываемые тени.

После этого я установил основные тени под объектами. это самая темная часть теней. Итак, я смешал темную смесь берлинской лазурной и жженой умбры. Вдали от объектов я использовал технику сухой кисти, чтобы смешать темную часть с хвостовой частью, которая была окрашена Ультрамариновым синим + немного белого и немного коричневой умбры.
Использовал технику сухой кисти вокруг теневых областей, чтобы придать краям мягкий вид, поскольку они в конечном итоге становятся размытыми.


Далее подмалевок. Это решающий этап, и только он решит, какой будет ваша картина. Некоторые профессиональные художники не делают подмалевок — это после многих лет обучения и опыта. Нам нужен подмалевок. Я просто закрасил области, которые отмечал ранее, и использовал жженую умбру, чтобы установить значения в соответствии с эскизом. Разбавьте краску водой там, где значение светлее.Если хотите, вы можете даже поставить самые яркие на одном сеансе.

Чаша и фрукт тоже будут окрашены. Я начну с кувшина, потому что его цвет будет близок к цветам подмалевка.


Самая темная часть кувшина окрашена чистой жженой умброй. Полутон или полутон окрашен смесью жженой сиены и жженой умбры с легким оттенком перманентной розы. По мере перехода к самой легкой части количество теплой жженой сиены в смеси увеличивалось.Самая светлая часть окрашена смесью жженой сиены и белого цвета.
Внутренняя часть кувшина, куда попал свет, представляет собой смесь холодного белого т. Титановый белый + немного синего ультрамарина. Цвет фарфора. А противоположная сторона — смесь умбры жженой и белой. Эта часть дает ощущение трехмерного объекта.
Тень, создаваемая клювом кувшина, нарисована простой глазурью жженой умбры с оттенком синего ультрамарина.

Чашка окрашена так же, как и кувшин.Для самой темной части я использовал берлинскую лазурь; для полутонов или средних тонов я использовал смесь Ultramarine Blue + Phthalo Blue, а для самой светлой части я использовал Phthalo Blue + Titanium White.

Окраска плода разная; однако он следует тому же методу. Плод сначала блокируется сырой умброй и желтым кадмием, а желтый кадмий увеличивается по мере продвижения к свету. В правой нижней части плода самая темная часть слегка затемнена, чтобы создать основу отраженного света.
Затем плодоножка покрывается чистой берлинской лазурью. И тени стебля были нарисованы тонкой круглой кистью смесью Raw Umber и легкого белого. Глазурь из жженой сиены была добавлена ​​на плод, вокруг стебля и под ним. Основа изюминки фруктов была создана с помощью смеси желтого кадмия и белого титана.
Позже весь фрукт был покрыт глазурью жженой сиены, а изюминка плода была окрашена избытком титанового белого цвета с легким оттенком желтого кадмия.


Последний шаг — тонкая настройка и стилизация. Стилизация — необязательный шаг. Для точной настройки я закрыл некоторые отрицательные области и добавил несколько бликов на плодоножку.
Для стилизации я нанесла немного фтало-синего на край фрукта, как отражение чашки, и чашка также была покрыта кадмиево-желтой глазурью, чтобы создать ощущение теплого солнечного света вместо белого света.
Окончательный результат

Вот еще одна картина, которую я нарисовал раньше. Он стилизовал его, нарисовав теплые желто-красные отражения фруктов на голубоватом металлическом кубке.Яркий контраст — желтый на синем.

Это тоже пример более холодного фона.


Еще предстоит проделать большую точную настройку картины. Как будто стена будет иметь тень от кувшина и других ближайших объектов, и я опустил тень кувшина, чтобы четко показать тень от чашки.
Помните об этих прекрасных вещах во время рисования.


Вот и все. Не забудьте набросать значения задолго до того, как продолжить, и спланируйте все, прежде чем рисовать.
Удачи и раскрашивай как сумасшедший.
Чтобы вдохновить вас

FIN


—————

Если вы нашли статьи полезными, перейдите на мою страницу в Facebook и выразите свою признательность.


Спасибо.

Есть ли натюрморт в Still Life?

Первый выпуск BBC One’s The Big Painting Challenge посвящен натюрмортам.

Скорее всего, «натюрморт» — это не фраза, от которой у вас забьется пульс. Скорее всего, это вызовет в воображении образы аккуратно расставленных фруктов, веточек растений или ваз с цветами.Возможно, это вызывает в памяти темные, затхлые, традиционные композиции, которые ваш взгляд пропускает в галерее, быстро переходя к более красочным и живым вещам.

Исторически натюрморт занимал нижнюю ступень «иерархии жанров» в изобразительном искусстве. В семнадцатом веке Французская Королевская академия решила, что «человек был мерой всего», и поэтому пейзаж и натюрморт были «низшей» формой живописи, не связанной с человеческим предметом. По их словам, натюрморт был прост: любой мог нарисовать персик, но якобы требовалось более высокое мастерство, чтобы изобразить греческую легенду или библейский сюжет.

К счастью, с семнадцатого века все изменилось, и теперь мы можем оглянуться назад и увидеть, получил ли натюрморт плохую историческую репутацию. В конце концов, как жанр, он может охватывать буквально все, что не движется — должны быть какие-то возможности, чтобы сделать его захватывающим… не так ли?

Может натюрморт рассказать что-нибудь интересное?

Во-первых, натюрморт может быть порталом в личную историю. В некотором смысле это очень интимно: предметы, изображенные художником, раскрывают то, что они считают имеющим социальное или культурное значение или имеющим для них личную ценность.

Посмотрите на движение соцреалистов, которое использовало искусство, чтобы привлечь внимание к условиям жизни обычных людей. Этот натюрморт Джона Брэтби кое-что рассказывает нам о реалиях послевоенной Британии: вместо того, чтобы создавать традиционный натюрморт, полный натуральных продуктов, Братби нарисовал найденные вокруг него предметы, представляющие типичный дом, в том, что впоследствии известный как стиль «кухонной раковины».

Другое, но не менее интересное замечание: раньше арбузы выглядели совсем по-другому — и натюрморты подтверждают это, как рассказали наши друзья из Hyperallergic.

Когда натюрморт действительно начал двигаться?

Натюрморт существует уже давно, о чем свидетельствуют картины, найденные на стенах пещер и в довулканических Помпеях. Зевксис, греческий художник, работавший в пятом веке до нашей эры, якобы нарисовал виноград, который был настолько реалистичен, что птицы спустились и попытались клюнуть их.

Ни одна из работ Зевксиса не сохранилась (возможно, все съедены птицами?), Поэтому мы перенесемся в то время, когда натюрморт действительно вступил в свои права: золотой век Голландии.Все более богатый средний класс стремился приобретать и демонстрировать искусство, но исторические и религиозные картины оказались непопулярными. Натюрморты были просты и доступны художникам для создания: им не нужно было уговаривать или платить кому-либо, чтобы тот сидел вместо них, а просто черпал вдохновение в расположении предметов повседневного обихода вокруг себя. Так взорвалась голландская традиция натюрморта с такими художниками, как Питер Клас, Адриан ван Утрехт, Амброзиус Босхарт (старший и младший), Виллем Кальф и Рэйчел Рюйш, и это лишь некоторые из них.

Однако дело было не только в коммерческой выгоде. Натюрморт дал художнику возможность продемонстрировать свои технические навыки, поиграть со светом и композицией. Натюрморты также могут иметь символическое значение в зависимости от изображенных предметов — что подводит нас к …

Может ли натюрморт напомнить нам о нашей смертности?

Да, мнимый собеседник.

Для искусства, которое все сводится к рисованию предметов, натюрморты традиционно много напоминают нам о том, что материальные вещи не так важны в нашей короткой жизни.Многие натюрморты попадают в категорию «memento mori»: искусство, призванное напомнить зрителю о краткости и хрупкости человеческой жизни. Сама фраза означает «помни, что ты должен умереть».

Произведение искусства vanitas, связанное с этим, говорит нам о бесплодности накопления материальных благ. Изделие memento mori может содержать смертельную символику, такую ​​как погасшие свечи, пепельницы, часы, фрукты (потому что они гниют) или — менее тонко — черепа.В число предметов vanitas могут входить бутылки с вином, музыкальные инструменты или книги: вещи, которыми мы наслаждаемся на земле, но не можем унести с собой в загробную жизнь.

Но разве это всего лишь старые голландские мастера?

Давай еще раз перемотаем вперед. В восемнадцатом веке у нас есть Жан-Батист Симеон Шарден, которого многие считают непревзойденным мастером натюрморта. Вместо того, чтобы использовать традиционную символику, Шарден просто стремился представить композицию предметов, найденных в его собственном доме. Братья Гонкур выразились лучше всего: «…. никогда, возможно, не было развито материальное увлечение живописью, изображающей предметы, не представляющие внутреннего интереса, и преображения их с помощью магии обращения … Кто выразил, как он выразился, жизнь неодушевленных предметов? »

Произведения Шардена, возможно, являются воплощением натюрморта: простые предметы, не имеющие символического значения, просто скомпонованные для достижения своего рода баланса и единства, красиво представленные.

Затем у нас есть Сезанн, натюрморты которого рассматриваются как мост между стилями старых мастеров и более поздних кубистов.Натюрморты Сезанна примечательны тем, что объединяют несколько разных точек зрения: почти как создание скульптуры. Они привносят свет и странную композицию с фруктами, иногда почти беспорядочно разбросанными по картине.

В это время, конечно, мы не должны забывать Ван Гога, натюрморты которого настолько ярки, что привлекают даже самых случайных поклонников искусства.

Подсолнухи 1888

Винсент Ван Гог (1853–1890)

Национальная галерея, Лондон

Красивые фрукты и цветы.Но может ли натюрморт двигаться вперед?

Да. Если мы снова продвинемся вперед, мы перейдем к кубизму двадцатого века. Жорж Брак, Анри Матисс и Пабло Пикассо начали использовать формы и блочные формы, чтобы создавать натюрморты, которые радикально отличались от натюрмортов своих предшественников. Появление фотографии освободило художников от обязанности рисовать предметы, чтобы они были полностью реалистичными: они могли экспериментировать с настроением, цветом, формами и ощущениями, а не с чистой техникой захвата правильного блеска на апельсине.Вместо символики отдельных объектов кубисты могли играть с различиями между внешним видом и реальностью.

Может ли натюрморт доставлять удовольствие?

Это приятно подталкивает нас к поп-арту. Поп-художники стремились — как и некоторые их предшественники натюрморта — выразить повседневную жизнь: людей, средства массовой информации и, конечно же, предметы. Но они нашли новый стиль и новые предметы для изображения: пишущую машинку, консервные банки, помаду.В Америке поп-натюрморты были способом вернуться к рисованию реальных объектов после доминирования абстрактного экспрессионизма, и впервые средства массовой информации и поп-культура стали предметами искусства.

Рой Лихтенштейн определенно развлекался своими натюрмортами, копируя стили, используемые средствами массовой информации и маркетинга, и используя их для изображения обычных предметов или ситуаций. Он рисовал свои натюрморты плоскими очерченными формами, вдохновленными газетной и печатной рекламой, и рисовал так, чтобы они выглядели как оригинал.Он сделал имитацию спальни Ван Гога в Арле, , назвав ее Спальня в Арле, и пошутил, что, будь Ван Гог жив, картина пришлась бы ему по душе.

Лихтенштейн сказал о своей работе: «Когда мы думаем о натюрмортах, мы думаем о картинах, которые имеют определенную атмосферу или атмосферу. Мои натюрморты не обладают ни одним из этих качеств, в них просто есть изображения определенных вещей, которые есть в натюрмортах, таких как лимоны, грейпфруты и так далее. Он не имеет обычного значения натюрморта ».

Может ли натюрморт быть политическим или экспериментальным?

Да: Guardian содержит отличный список современных художников-натюрмортов, многие из которых используют фотографию для создания своих композиций и чьи работы имеют политические цели. Шэрон Кор, возглавляющая список, отдает дань уважения великим голландцам, воссоздавая их композиции как можно точнее.

Мэт Коллишоу, еще одна фигура в списке, продемонстрировал это в своей серии ярких фотографий, освещающих последние трапезы заключенных, приговоренных к смертной казни в США.

Можно ли нарисовать натюрморт?

Нет. Просто спросите Дэмиена Херста.

В 1990-х годах вокруг искусства YBA часто говорили: «Это может сделать кто угодно». Кто угодно мог встать с постели и назвать это «искусством». Любой желающий мог нанести цветные пятна на холст. По иронии судьбы именно Дэмиен Херст тогда доказал, что не каждый может нарисовать убедительный натюрморт.

В 2012 году Херст взял перерыв в разделке коров и солении акул, чтобы нанести кисть на холст. Его занятие живописью было встречено не очень хорошо: критики его выставки в Собрании Уоллеса были единодушны в своем разочаровании и отвращении к его работам, показывая, что даже тот, кто благодаря своему искусству стал миллионером, не обязательно может овладеть апельсином.

Как написал Джонатан Джонс в Guardian: «Если бы Херст не попытался точно нарисовать апельсин, никто бы не узнал, что он не может этого сделать. Но он попытался, по крайней мере, я думаю, что это апельсин, а бедная сфера, кажется, парит в воздухе из-за неуклюжего круга тени под ней ».

Итак… есть ли натюрморт в Still Life?

Да.

Натюрморт часто отвергался и высмеивался, но также принимался и адаптировался мастерами живописи.Над ним насмехались сотни лет, но он продолжает интриговать современных художников. Натюрморт может в равной мере включать в себя обыденное и странное, и на самом деле он никогда не уходил, а только увеличивался и уменьшался — так кто знает, где художник может взять его дальше?

А теперь извините, мне нужно искусно разложить апельсины.

Молли Трезадерн, создатель контента и маркетолог Art UK

Натюрморт сегодня: валюта классического

Натюрморт Тинг-Тинг Ченг с яблоком и Натюрморт с помело — две минималистичные и интригующие дань уважения этому классическому художественному творчеству. жанр.Но что это за натюрморт? И почему это актуально и сегодня?

Серхио Фернандес

Натюрморт — один из основных жанров западного искусства. По сути, его предметом является все, что не движется или мертво. Итак, натюрморт включает в себя все виды искусственных или природных объектов: срезанные цветы, фрукты, овощи, рыбу, дичь, вино и так далее. Это может быть праздник материальных удовольствий или предупреждение о краткости человеческой жизни.

«Натюрморт с яблоком» (2010) художника Rise Art Тинг-Тинг Ченг

Традиционно натюрморт считался побочным продуктом; академическое упражнение, разработанное для студентов, чтобы изобразить поведение света, падающего на разные поверхности.Этот подход радикально изменился с культурными сдвигами, охватившими Европу между Реформацией и Просвещением. В этот период разум и наука взяли верх над мифом и религией, поэтому светские темы стали главным действующим лицом в искусстве. Натюрморты предлагали художникам, покровителям и публике возможность исследовать эти новые интересы, поскольку внимание к миру природы увеличивалось.

В Северной Европе этот подход процветал и превратился из религиозного и аллегорического символизма в наиболее часто используемый объект для художественных экспериментов.Яркие примеры можно увидеть в Золотом веке голландской живописи, о чем свидетельствуют работы Делфтской школы таких художников, как Иоганнес Вермеер и Питер Клас.

‘Vanitas’ Питера Класа (1625)

В 19 веке, когда художественные академии взяли под контроль художественное производство по всей Западной Европе, натюрморт снова стал считаться второстепенным предметом, а академии отдали предпочтение более историческим и библейским темам. Возможно, именно по этой причине большинство художников, которые позже бросили вызов академической традиции, выбрали натюрморт, чтобы экспериментировать с различными текстурами и композициями.Такие художники, как Винсент Ван Гог и Эдуард Мане, воспользовались возможностью привнести в свои картины определенную экзотику с помощью краски, не только в качестве пигмента, но и в качестве текстуры. Их картины больше разделяют экспрессионистские подходы Курбе и Гойи, чем фламандские натюрморты 17-го века, и это потому, что они активно отвергали академические каноны, устанавливая поверхность, а не содержание в качестве предмета. Мы можем проследить прямую линию между этими первыми попытками импрессионистов порвать с Академией и более поздними экспериментами кубистов.Так, например, «Кресло Гогена» превратилось в «Скрипку и подсвечник» Брака или «Гитарист» Пикассо.

‘Natura Morta’ (1960) Джорджо Моранди

После того, как формальные элементы натюрморта были поставлены под сомнение, художникам-авангардистам начала 20 века потребовалось очень мало времени, чтобы понять концептуальные значения жанра. В течение последних 100 лет художники, использующие все средства, невероятно изобретательно подошли к натюрмортам, используя историческую родословную этого жанра, чтобы извлечь все его символические, аллегорические и формальные качества.Современные и современные художники выбрали этот жанр как средство социальной и политической критики истеблишмента. В то время как Дюшан ставил под сомнение само искусство, Уорхол вернул нам те же продукты, которые мы купили в супермаркете. У нас есть более свежие примеры в элегантных и пронзительных работах художников и фотографов, таких как Герхард Ритчтер, Ори Герст, Ян Грувер или Лаура Летински, которые все, кажется, решают метафизические вопросы с помощью своих сдержанных натюрмортов, таких как великие картины Джорджо Моранди из 1920-1950-е гг.Таким образом, жанр по-прежнему сосредоточен на том, как предметы вокруг нас говорят о насущных проблемах, которые управляют нашей повседневной борьбой.

Чтобы прочитать интервью с Тин-Тинг Ченг, где она объясняет, как она использует натюрморты для утверждения вопросов брендинга и коммерческого фетишизма, нажмите здесь.

В ногу со временем. Пройдите викторину Rise Art ART STYLE и СТАНЬТЕ УЧАСТНИКОМ. Это бесплатно, и вы получите доступ к лучшему новому искусству из лучших музеев, галерей и художников со всего мира!

Живопись или рисунок натюрморты

Выбор того, что нарисовать или нарисовать для натюрморта, может показаться ошеломляющим, однако это отличная практика для наблюдения, композиции и принятия решения, что включить, а что исключить из картины.
Это также отличный способ попрактиковаться в передаче тона, текстуры и цвета. Вот несколько вещей, о которых следует подумать, решая, как оформить натюрморт.

Какие предметы рисовать или раскрашивать

Проще всего рисовать или рисовать то, что доступно вам; если вам нужно выйти и найти или купить предметы, у вас меньше шансов приступить к работе. Вы окружены предметами, которые могут стать хорошими предметами.

Еда, особенно фрукты или овощи, — хорошее начало.Это могут быть простые формы, но они обеспечивают отличное упражнение для передачи тона и сопоставления цвета и текстуры. Кружки, кувшины и тарелки обеспечивают отличную и сложную практику эллипса, а бутылки и столовые приборы можно изучать при свете и отражении.

У вас может быть естественный натюрморт на полке с растениями и украшениями, или вы можете использовать временную сцену, такую ​​как пустая тарелка с ножом и вилкой, или стопка книг или писем.

Вот список идей, которые можно включить в натюрморт:

  • Еда: фрукты, овощи, рыба, мясо (приготовленное или сырое), хот-дог, бутерброд, готовые блюда, пакеты, пустые или закрытые, торт, пирог, печенье, чай, кофе, бутылка (пустая или полная)
  • Вещи из дома: кухонное оборудование, уборочное оборудование, аксессуары для ванных комнат, украшения
  • Книги или канцелярские товары: открытые, закрытые, стопкой, газета, письма, мятой бумаги, мятой бумаги
  • Одежда: драпированная, сложенная, висит на бельевой веревке, куртки, брюки, носки, джемперы, нижнее белье
  • Чемоданы или сумки: пустые или полные, открытые или закрытые
  • Рабочее оборудование: стетоскоп, инструменты, художественные принадлежности, кухонная утварь, предметы форменной одежды
  • Часы: часы, таймер
  • Хобби: шерсть, ткань, ремесленные инструменты, музыкальные инструменты, спортивное снаряжение, награды
  • Флора: вазы с цветами, сухоцветы, букеты цветов
  • Фауна: мертвые существа, насекомые, бабочки, черепа, кости

Рассказ

Самые эффектные натюрморты рассказывают историю через предметы, которые они представляют, и то, как они расположены.
Блюдо, приготовленное с ножом и вилкой, а рядом лежат часы, может быть, например, человека, ожидающего свидания, который уже встал. Или простой набор чая и печенья с газетой заставляет задуматься о том, чтобы сделать перерыв и расслабиться.

Или вы можете выбрать набор предметов, которые являются личными для определенного человека, чтобы нарисовать его косвенный портрет, или доску с открытками и воспоминаниями о конкретном времени, или шкаф с диковинками, полный орнаментов, кусочков и бобов.

Настройка и освещение натюрморта

Если вы рисуете с натуры, важно продумать свою установку.
Если вы знаете, что освещение в вашей комнате значительно изменится, пока вы рисуете или рисуете, поместите натюрморт в большую картонную коробку с одной вырезанной стороной, чтобы вы могли видеть, что вы делаете, и дырочкой в сторона или верх, через которые можно светить лампой для освещения. Приколите ткань внутрь коробки, чтобы не работать на картонном фоне.

В противном случае создайте простой фон с основанием и спинкой (я использую два холста, подпертых под прямым углом друг к другу) и задрапируйте ткань для создания простого, неотвлекающего фона.

Сила освещения задает настроение вашей картине. Поэкспериментируйте с лампой дневного света под разными углами и на разных расстояниях от натюрморта. Чем ближе он, тем сильнее контраст между светлым и темным, что усиливает драматизм сцены. Посмотрите, как настроение становится более интересным на фотографии натюрморта с бутылкой и стаканом, просто изменяя источник света.

Однако вы можете выбрать более равномерно освещенную сцену, чтобы создать ощущение света и спокойствия.

Составление натюрморта

Композиция — это упорядочение элементов изображения таким образом, чтобы они уравновешивались, легче подумать о том, что на самом деле не работает, если у вас есть слишком большой, яркий объект, отделенный от расположения, так что он отвлекает зрителя будет трудно смотреть на картинку.

Каждому изображению нужна точка фокусировки, куда вы хотите направить взгляд вашего зрителя.Хорошо иметь что-то, что направляет ваш взгляд на картинку, приближающуюся к фокусу. В пейзаже это может быть тропа или река, а в натюрморте — складка ткани или тень, а также объект.

Действительно простой способ скомпоновать изображение — разделить его на три части по горизонтали и вертикали и убедиться, что точка фокусировки находится в одной из точек пересечения линий. Это называется правилом третей. Многие мобильные телефоны и камеры имеют функцию, которая накладывает сетку из третей, когда вы делаете снимок или если вы его кадрируете.

Советы по быстрому составлению:

  • Нечетное количество предметов выглядит лучше, поэтому расположите объекты группами по 1, 3, 5 и т. Д.
  • Либо перекрывают объекты, либо между ними есть промежутки (или смесь), но не касаются друг друга
  • Повторение форм хорошо работает, как и разнообразие размеров
  • Если у вас есть телефон с камерой, сделайте снимки вашей настройки и обрежьте, чтобы увидеть, что вам больше всего нравится
  • Используйте инструмент кадрирования на фотографиях в телефоне с камерой, чтобы наложить сетку по правилу третей, чтобы вы могли видеть, где находятся достопримечательности.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *