Египетская ваза рисунок. Греческая ваза – красота античности
=Вазопись Древней Греции=Древнегреческая вазопись — понятие, применяемое для нанесённой с помощью обжигаемых красок росписи на древнегреческой керамике. Вазопись Древней Греции включает в себя роспись сосудов различных исторических периодов, начиная от догреческой минойской культуры и вплоть до эллинизма, то есть, начиная с 2500 г. до н. э. и включая последнее столетие, предшествовавшее появлению христианства.
Греческая керамика является наиболее распространённой находкой в археологических исследованиях античной Греции, обнаружить её можно во всём ареале расселения древних греков. Помимо греческой метрополии, которая в значительной степени совпадала с территорией современной Греции, в него входят: западное побережье Малой Азии, острова Эгейского моря, остров Крит, частично остров Кипр и заселённые греками районы южной Италии. Как экспортный товар греческая керамика, а вместе с ней древнегреческая вазопись, попала в Этрурию, на Ближний Восток, в Египет и Северную Африку.
Первые предметы греческой вазописи были найдены в новое время в этрусских захоронениях. Поэтому их изначально относили к этрусскому или италийскому искусству. Впервые о греческом происхождении находок заявил Йоганн Йоахим Винкельманн, однако окончательно их греческое происхождение было установлено только на основании первых археологических находок в конце XIX в. в Греции. С XIX в. древнегреческая вазопись является важным направлением исследований классической археологии.
Древние греки расписывали любые виды глиняной посуды, использовавшейся для хранения, приёма пищи, в обрядах и праздниках. Произведения керамики, оформленные особо тщательно, приносили в дар храмам или вкладывали в захоронения. Прошедшие сильный обжиг, стойкие к воздействиям окружающей среды керамические сосуды и их фрагменты сохранились десятками тысяч, поэтому древнегреческая вазопись незаменима при установлении возраста археологических находок.
Благодаря надписям на вазах, сохранились имена многих гончаров и вазописцев, начиная с архаического периода. В случае, если ваза не подписана, чтобы различать авторов и их произведения, стили росписи, у искусствоведов принято давать вазописцам «служебные» имена. Они отражают либо тематику росписи и её характерные черты, либо указывают на место обнаружения или хранения соответствующих археологических объектов.
Периодизация древнегреческой вазописи
В зависимости от времени создания, исторической культуры и стиля, древнегреческая вазопись подразделяется на несколько периодов. Классификация соответствует исторической периодизации и различается по стилям. Стили и периоды не совпадают.
Периодизация начинается с крито-минойской вазописи, одновременно с которой существовала кикладская керамика (по стилям идентична критской) и элладская керамика (ранний стиль — минийская керамика, которую со временем сменяют стили, идентичные критским). Вскоре после прихода в Грецию греков и завоевания ими Крита возникает микенский стиль керамики.
В узком смысле слова древнегреческая вазопись, появившаяся после падения микенских империй и исчезновения их культуры, начинается приблизительно с 1050 г. до н. э. периодом геометрики. По окончании ориентализирующего периода в VII в. до н. э. и с началом архаического периода появилась чернофигурная вазопись и последовавшая за ней ещё в архаическом периоде краснофигурная вазопись. Оба стиля главенствуют в вазописи классической Древней Греции в V и IV вв. до нашей эры.
Далее появляются стили, использующие дополнительные цвета, как, например, вазопись по белому фону, а начиная со второй четверти IV в. до н. э. появляются вазы-гнафии, в росписи которых доминирует белый цвет. Начиная со второй половины III в. до н. э. производство украшенной росписью керамики постепенно угасает, керамические сосуды уменьшаются в размерах, их роспись упрощается или выполняется с меньшей тщательностью. Вазопись на керамике сменяется рельефными украшениями.
Эгейская вазопись до Древней Греции
Минойская керамика
Украшенная росписью глиняная посуда появляется в крито-минойском культурном ареале начиная с 2500 г.
до н. э. (имеется сходство с керамикой Бутмирской культуры). Простые геометрические узоры на первых вазах к 2000 г. до н. э. сменяются цветочными и спиральными мотивами, которые наносятся белой краской на чёрный матовый фон, и так называемым стилем Камарес. Дворцовый период в минейской культуре (1650 г. до н. э.) внёс серьезные изменения и в стиль росписи керамики, которая в новом морском стиле украшается изображениями разнообразных обитателей моря: наутилусов и осьминогов, кораллов и дельфинов, выполняемых на светлом фоне тёмной краской. Начиная с 1450 г. до н. э. изображения подвергаются всё большей стилизации и становятся несколько грубее.На территории материковой Греции в среднеэлладский период получила распространение так называемая минийская керамика — из тонкой глины, изящная, но без росписи. К концу среднеэлладского периода её начинает вытеснять минойская керамика. К. Блеген связывал минийскую керамику с приходом греков; в 1970-е гг. Дж. Каски установил, что она имеет местное происхождение и характеризует последний этап догреческой культуры в материковой Греции.
Микенская керамика
Основная статья: Микенская керамика
Около 1600 г. до н. э. с началом позднеэлладского периода вырастает первая высокоразвитая континентальная микенская культура, оставившая след и в вазописи. Ранние образцы отличаются тёмным тоном, преимущественно коричневыми или матово-чёрными рисунками на светлом фоне. Начиная со среднемикенского периода (около 1400 г. до н. э.) становятся популярными животные и растительные мотивы. Позднее непосредственно после 1200 г. до н. э. в дополнение к ним появляются изображения людей и кораблей.
Древнегреческая вазопись
Протогеометрический и геометрический стили
С закатом микенской культуры после дорийского вторжения все достижения прежней вазописи утрачены. В течение примерно столетия существует субмикенская керамика, для которой характерно полное отсутствие орнамента (в редких случаях она украшена несколькими незамысловатыми линиями). Около 1050 г. до н. э. в греческом искусстве распространяются геометрические мотивы.
Ориентализирующий период
Начиная с 725 г. до н. э. в изготовлении керамики лидирующее положение занимает Коринф.
Начальный период, которому соответствует ориентализирующий, или иначе протокоринфский стиль, характеризуется в вазописи увеличением фигурных фризов и мифологических изображений. Положение, очерёдность, тематика и сами изображения оказались под влиянием восточных образцов, для которых были прежде всего характерны изображения грифонов, сфинксов и львов. Техника исполнения аналогична чернофигурной вазописи. Следовательно, в это время уже применялся необходимый для этого трёхкратный обжиг.Чернофигурная вазопись
Со второй половины VII в. до начала V в. до н. э. чернофигурная вазопись развивается в самостоятельный стиль украшения керамики. Всё чаще на изображениях стали появляться человеческие фигуры. Композиционные схемы также подверглись изменениям. Наиболее популярными мотивами изображений на вазах становятся пиршества, сражения, мифологические сцены, повествующие о жизни Геракла и о Троянской войне. Как и в ориентализирующий период, силуэты фигур прорисовываются с помощью шликера или глянцевой глины на подсушенной необожжёной глине.
Другие центры производства керамики, как, например, Афины, заимствовали технику коринфского вазописного стиля. К 570 г. до н. э. Афины даже превзошли Коринф по качеству своих ваз и размаху производства. Эти афинские вазы получили в искусствоведении название «аттическая чернофигурная керамика».
Впервые мастера гончарного дела и художники-вазописцы стали с гордостью подписывать свои произведения, благодаря чему их имена сохранились в истории искусства. Самым знаменитым художником этого периода является Эксекий. Кроме него широко известны имена мастеров вазописи Пасиада и Хареса. Начиная с 530 г.
до н. э. с появлением краснофигурного стиля чернофигурная вазопись теряет свою популярность. Но и в V в. до н. э. победителям спортивных состязаний на так называемых Панафинеях вручались панафинейские амфоры, которые выполнялись в чернофигурной технике. В конце IV в. до н. э. даже наступил короткий период ренессанса чернофигурной вазописи в вазописи этрусков.Краснофигурные вазы впервые появились около 530 г. до н. э. Считается, что эту технику впервые применил живописец Андокид. В отличие от уже существовавшего распределения цветов основы и изображения в чернофигурной вазописи, чёрным цветом стали красить не силуэты фигур, а наоборот фон, оставляя фигуры незакрашенными. Отдельными щетинками на неокрашенных фигурах прорисовывались тончайшие детали изображений. Разные составы шликера позволяли получать любые оттенки коричневого. С появлением краснофигурной вазописи противопоставление двух цветов стало обыгрываться на вазах-билингвах, на одной стороне которых фигуры были чёрными, а на другой — красными.
Краснофигурный стиль обогатил вазопись большим количеством мифологических сюжетов, кроме них на краснофигурных вазах встречаются зарисовки из повседневной жизни, женские образы и интерьеры гончарных мастерских. Невиданный прежде для вазописи реализм достигался сложными в исполнении изображениями конных упряжек, архитектурных сооружений, человеческих образов в три четверти и со спины.
Вазописцы стали чаще использовать подписи, хотя по-прежнему на вазах преобладают автографы гончаров. Гончары оставляли подпись в виде своего имени в сочетании с глаголом др.-греч. ἐποίησεν (epóiesen — он сделал), а вазописцы — др.-греч. ἔγραψεν (égrapsen — он нарисовал). Если вазописец сам изготовлял сосуд для росписи, то он ставил оба «штампа». Благодаря подписям удалось атрибутировать многие произведения гончарного искусства конкретным мастерам, одновременно составив представление об их творческом развитии.
Уже в V в. до н. э. в нижней Италии возникли знаменитые мастерские, работавшие с этим стилем вазописи и конкурировавшие с вазописными мастерскими в Аттике.
Краснофигурный стиль копировался и в других регионах, где однако не получил особого признания.Лекиф, выполненный в технике по белому фону. Гипнос и Танат выносят тело Сарпедона с поля боя в Трое. 440 г. до н. э. Британский музей. Лондон[править] Вазопись по белому фону
Для росписи ваз в этом стиле в качестве основы использовалась белая краска, на которую наносились чёрные, красные либо многоцветные фигуры. Эта техника вазописи применялась преимущественно в росписи лекифов, арибалов и алабастронов.
Вазы-гнафии
Ойнохойя-гнафия. 300-290 гг. до н. э. ЛуврВазы-гнафии, названные по месту первого их обнаружения в Гнафии (Апулия), появились в 370-360 гг. до н. э. Эти вазы родом из нижней Италии получили широкое распространение в греческих метрополиях и за их пределами. В росписи гнафий по чёрному лаковому фону использовались белый, жёлтый, оранжевый, красный, коричневый, зелёный и другие цвета. На вазах встречаются символы счастья, культовые изображения и растительные мотивы. С конца IV в.
до н. э. роспись в стиле гнафии стала исполняться исключительно белой краской. Производство гнафий продолжалось до середины III в. до н. э.Вазы из Канозы
Около 300 г. до н. э. в апулийской Канозе возникло регионально ограниченный центр гончарного производства, где керамические изделия расписывались водорастворимыми, не требующими обжига красками по белому фону. Эти произведения вазописи получили название «канозских ваз» и использовались в погребальных обрядах, а также вкладывались в захоронения. Помимо своеобразного стиля вазописи для канозской керамики характерны крупные лепные изображения фигур, устанавливаемые на вазы. Канозские вазы изготовлялись в течение III и II вв. до н. э.
Вазы из Чентурипе
Чентурипская ваза, 280-220 гг. до н. э.Как и в случае с каносскими вазами, чентурипские вазы получили лишь местное распространение в Сицилии. Керамические сосуды составлялись воедино из нескольких частей и не использовались по своему прямому предназначению, а лишь вкладывались в захоронения.
Для росписи чентурипских ваз использовались пастельные тона по нежно-розовому фону, вазы украшались крупными скульптурными изображениями людей в одеждах разных цветов и великолепными аппликативными рельефами. На чентурипских вазах изображались сцены жертвоприношения, прощания и погребальных обрядов.Центры вазописи
Кратер с волютами и изображением наискаНаиболее значимыми центрами гончарного искусства — и соответственно вазописи — в Греции считаются Афины и Коринф в Аттике. Получили известность также вазы из Беотии и Лаконии.
Благодаря греческим колониям в нижней Италии их гончарное искусство и вазопись распространились и в этом регионе. Начиная с VIII в. до н. э. греческая керамика имитировалась итальянскими мастерами, возможно, благодаря осевшим в Италии греческим мастерам. Начиная с IV в. до н. э. в Италии получает развитие собственный стиль, отличный от греческих образцов. Вазопись нижней Италии отличается своими размерами и богатством декора, в котором в дополнение к традиционным цветам использовались белая и красная краска.
Вазы расписывались преимущественно на мотивы из жизни греческих богов и героев, однако присутствуют и бытовые сцены. На многочисленных сохранившихся вазах, к примеру, изображены свадебные пиршества или сцены из жизни атлетов. Часто на вазах встречаются и эротические сцены. Особой формой нижне-итальянского стиля вазописи считаются «наисковые вазы», получившие своё название соответственно по изображённым на них наискам и предназначавшиеся для погребальных ритуалов.
Технология изготовления и гончарные мастерские
Гончарная мастерская. Коринфская пинака из Пентескуфии. 575-550 гг. до н. э. ЛуврПроцесс изготовления керамики в античные времена восстанавливается учёными на основе анализа глины, результатов раскопок античных гончарных мастерских, сравнения их с современными аналогами и результатов искусствоведческих исследований вазовой росписи. Источниками информации служат также сцены из жизни гончаров и вазописцев с коринфских глиняных табличек. Изображения гончарных мастерских сохранились на 16 аттических вазах и на одном беотийском скифосе.
Глина
Для успеха в гончарном искусстве решающее значение имеет качество добываемой глины. Горная порода должна быть выветренной. Исходный материал часто размачивался на месте добычи и смешивался с другими добавками, придававшими глине желаемый цвет после обжига. Глина в Коринфе имела желтоватый оттенок, в Аттике — красноватый, а в нижней Италии — бурый цвет. Перед обработкой глина подвергалась очистке. Для этого в гончарной мастерской глину размачивали или промывали в большой ёмкости. При этом крупные частицы глинозёма опускались на дно, а оставшиеся органические примеси поднимались к поверхности воды. Глиняная масса помещалась затем во второй бак, где из неё удалялись излишки воды. Далее глину вынимали и долгое время выдерживали во влажном состоянии. Во время такого созревания глина «старела» и становилась эластичнее. Излишне жирные (мягкие) сорта глины перед обработкой смешивали с песком или размолотым керамическим боем для того, чтобы «обезжирить» их, сделать глину прочнее. Поскольку на украшенных росписью афинских вазах отсутствуют следы «обезжиривания» глины, можно сделать вывод, что они были изготовлены из очень хорошо «состаренной» глины.
Чернофигурный скифос с изображением сцены подготовки глины[править] Формы
После того, как глина приобрела необходимую консистенцию, её тщательно вымешивали ногами (Геродот II 36) и разделяли на куски. Глину помещали на гончарный круг и центрировали для того, чтобы при вращении не возникало колебаний. Вращающийся гончарный круг был известен в Греции ещё во втором тысячелетия до н. э., он описан в Илиаде (XVII 599-601). Встречаются также античные изображения, где гончарный круг приводился в движение подмастерьем гончара, сидящим на стуле или на корточках.
После центрирования на гончарном круге создавалось тулово будущего сосуда. Если высота будущего сосуда превышала длину руки мастера, то его собирали из нескольких деталей. Готовые детали срезались с гончарного круга с помощью верёвки, следы которой можно обнаружить на готовых вазах. Ножки и ручки сосудов, а также накладные украшения (например, рельефные маски) вылепливались отдельно и прикреплялись к тулову с помощью жидкой глины.
Готовые сосуды помещались в сухое и тёмное место для медленной сушки в естественных условиях, чтобы избежать появления трещин. После того, как глина немного затвердевала, сосуд «откручивался» от гончарного круга. Далее гончар срезал излишки глины и формировал на венчике и ножках сосуда типичные для античной керамики острые канты.Роспись
Фрагмент чернофигурной аттической чаши с изображением вазописца за работой. Ок. 480 г. до н.э. Музей изящных искусств. БостонРоспись керамики производилась до обжига. Сосуд сначала протирали влажной тряпкой, а затем покрывали разведённым раствором шликера или минеральными красками, которые придавали вазе после обжига красноватый оттенок. Вазописцы расписывали сосуды прямо на гончарном круге либо осторожно держа их на коленях. Об этом свидетельствуют многочисленные изображения на готовых вазах, а также отбракованных после обжига и незаконченных изделиях.
Изображения на вазах в геометрическом, ориентализирующем и чернофигурном стиле скорее всего наносились кистью.
В период поздней геометрики в росписи ваз использовалась белая фоновая краска, которая, отколовшись в некоторых местах, приоткрывает детали, которые вазописцы пытались скрыть от посторонних глаз. Насечки на сосудах были характерны для чернофигурной вазописи, и скорее всего эта техника была заимствована у ремесленников-гравёров. Для этих работ вазописцы использовали острый металлический стиль. Ещё в эпоху протогеометрики вазописцам был известен циркуль, которым они наносили на вазы концентрические круги и полукруги. Начиная со среднего протокоринфского периода обнаруживаются наброски, которые вазописцы наносили на расписываемую керамику острой деревянной палочкой или металлическим инструментом. Эти насечки во время обжига исчезали. Вазопись в краснофигурном стиле часто предваряли эскизы. Их можно обнаружить на некоторых сосудах, где они проглядывают через конечное изображение. Примером может служить амфора Клеофрада, на которой изображён сатир с копьём, который по изначальному замыслу должен был быть одет в нагрудные доспехи.
На незаконченных краснофигурных изображениях видно, что вазописцы часто обводили свои наброски полосой шириной до 4 мм, которая иногда видна и на готовых изделиях. Для контуров тела использовалась выступающая рельефная линия, которая отчётливо видна на чернофигурных сосудах. Прочие детали прорисовывались насыщенной чёрной краской либо разведённой до коричневого оттенка фоновой краской. В заключение фон сосуда либо лицевая сторона чаши закрашивались большой кистью в чёрный цвет.На сосуды наносились различные надписи: подписи гончаров и вазописцев, подписи к изображениям и хвалебные надписи-посвящения. Иногда на дне сосудов высекались обозначения цены изделия либо клеймо изготовителя.
Чернофигурная гидрия с изображением гончарной мастерской, ок. 510 г. до н. э. Государственное античное собрание. Мюнхен. Гончарные мастерские
Античные гончарные мастерские существенно отличались друг от друга размерами и оснащением. Некоторые гончары не имели мастерских и переезжали с места на место, обслуживая нужды небольших поселений.
Им требовалась только подходящая глина, инструменты и переносной гончарный круг. Непритязательные керамические изделия часто обжигались на открытом огне.Самый известный гончарный квартал Коринфа находился к западу от Агоры в некотором отдалении от центра города. По керамическому бою, обнаруженному при раскопках, установлено, что несколько гончарных мастерских функционировало на окраинах города и на форуме Коринфа. Гончары не ограничивались производством ваз и выполняли заказы на изготовление глиняных скульптур и кровельной черепицы. Глина добывалась в непосредственной близости от мастерских на склонах горы Акрокоринф. Выбор места для гончарной мастерской зависел не только от расположения залежей глины, но и от наличия дров для печей и близости рынка для сбыта готовой продукции. Коринфские гончарные мастерские часто располагались вблизи пахотных земель, поэтому предполагается, что гончары владели этой землей и следовательно занимались также сельским хозяйством.
В Афинах самый известный квартал гончаров находился в районе Керамик, получившем своё название по имени покровителя гончаров.
Афинские гончары не добывали глину самостоятельно и зависели от поставщиков. Места залегания глины находились в Кап Колиасе в 15 км от Афин, в районе реки Илисс и в нынешнем пригороде Афин Марусси. Судя по найденному керамическому бою, украшенная росписью керамика более низкого качества производилась за пределами центра города (например, в Академии).Устройство мастерской
Гончарная мастерская представляла собой жилой дом с большим двором, обустроенным навесами от дождя и полками для сохнущей керамики и инструментов. Во дворе также хранились инструменты, дрова, глина, гончарные круги, стояли печи и баки для замачивания глины. Во двор также была подведена вода. Гончарные мастерские пользовались печами, источниками воды и цистернами совместно. Не сохранилось сведений о количестве работников гончарной мастерской. Платон упоминает, что гончары обучали своему ремеслу детей, то есть гончарные мастерские были семейными предприятиями.
Об этом факте свидетельствуют подписи на античных сосудах: гончары Тлесон и Эрготел подписывались «Сын Неарха».
Неарх же ставил свою подпись и как гончар, и как вазописец. Однако подписи на расписанных вазах встречаются очень редко. Подписано лишь 900 из 70 000 известных ваз. Наиболее известными по именам гончарами являются Никосфен и Эксекий. Иногда встречаются вазы, подписанные дважды, если над ними работало два мастера: гончар и вазописец. » О строгая невеста тишины,
Дитя в безвестье канувших времен,
Молчунья, на которой старины
Красноречивый след запечатлен! «…….
Джон Китс «Ода греческой вазе» (Перевод Г Кружкова)
Почему мне полюбились греческие вазы, я как-то давно рассказывала в этой записи http://liorasun55.livejournal.com/126036.html Но, осознав, что древние сосуды — не только предметы быта, но и произведения древнего искусства, я решила поинтересоваться ими более подробно, и, как это обычно бывает, все оказалось весьма не просто. Оказывается, вазы очень отличаются друг от друга и в зависимости от периода, и от места, где они производились, и от способа нанесения рисунка, и уж форм, и соответственно, названий у них тоже немало.
В общем, как обычно: то, что дилетанту кажется простым, на поверку оказывается целой наукой! 🙂
И, чтобы расставить точки над «и» и с понимаем дела рассматривать фотографии из Берлинского Altes Museum, которые я привезла из последнего отуска, я решила упорядочить те сведения, которые мне удалось собрать по этой теме.
Многообразие форм может продемонстрировать вот эта картинка:
Вообще-то, если разобраться, вазы — это посуда. Посуда нужна в хозяйстве всегда, потребность в ней, видимо, появилась тогда, когда древний человек понял необходимость запасать продукты….А потом он научится и готовить в ней пищу. Когда-то очень давно, в эпоху неолита, кто-то догадался слепленный из глины предмет бросить в огонь. Он приобрел твердость, и так родилась керамика. Мы и сегодня охотно пользуемся керамической посудой и, похоже, человечество еще долго от нее не откажется, несмотря на то, что у нас есть обилие других материалов для производства посуды всех форм.
Каждый, кто хоть немного интересовался историей и археологией, знает, что керамика является важным маркером для датирования культурных слоев, открывающихся при раскопках.
Именно потому, что она сопровождала человека многие тысчелетия и потому, что ученые знают, как она развивалась и изменялась на протяжении всех этих веков в зависимости от места расположения на земле.
Почему древние греки придумали такое множество форм для своих ваз? Форма сосуда определялась в зависимости от того, для хранения каких продуктов она предназначалась. А хранили древние греки в основном оливковое масло, вино и воду, а также сыпучие продукты. Конечно, появилась потребность и подавать питье и еду к столу, и разливать вино, и формы античной керамики множились и совершенствовались.
Но чтобы описать, чем отличаются друг от друга разные сосуды, сначала нужно освоить, как принято называть части вазы. Для этого очень удобна эта картинка:
Пожалуй, самая известная нам из греческих ваз — амфора . Вряд ли есть человек, который не слышал о ней.
Амфора (с древне-греческого ἀμφορεύς «сосуд с двумя ручками»
— сосуд яйцеобразной формы, иногда с суженной нижней частью и расширенной верхней, с узким горлом, с двумя вертикальными ручками, служил для транспортироваки вина и масла. Амфоры и украшали быт древних греков, и были практичны в повседневной жизни. В амофрах было удобно хранить вино: закрыть узкое горлышко воском или смолой, и вино, находящееся в нижней широкой части не испарялось и сохранялось дольше. Осадок накапливался в нижней узкой части и не взбалтывался, когда вино наливали из амфоры. Амфору благодаря ее конусовидной нижней части было легко зарыть в землю и тем самым сохранять вино при более низких температурах.
Благодаря продолговатой округлой форме амофры их было легко укладывать веером в трюмы древних кораблей. Собственно, амфоры были древней тарой.
Это амфора из Берлинского Старого музея (снимать там не запрещается, но все экспонаты под стеклом). Изображения на вазах — это отдельная очень увлекательная и обширная тема, поскольку разбираться, какой сюжет изображен художником на каждой из них, углубляясь параллельно в чтение Мифов Древней Греции — невероятно интересное занятие, но это — материал для многих книг, а не для одного рассказа)
Было бы ошибкой полагать, что амфорами пользовались исключительно греки. Их находят при раскопках на очень обширной территории, немало их в Причерноморье и в Крыму, например.. и это потому, что греческие амфоры были очень ценимы скифскими царями. (разыскивая информацию для статьи, я много раз видела упоминание таких фактов. Если вы помните, недавно даже Путину повезло нырнуть и — о, чудо! — вынырнуть с древней амфорой в руках:))
Амфоры часто запечатывались глинянной пробкой, которую фиксировали смолой или гипсом. На ручке амфоры греками ставилось клеймо с указанием города-изготовителя (Синопа, Херсонес Таврический), а римляне вешали на ручки ярлычок, например, с указанием сорта вина.
Гидрия (лат. Hydria), иначе Кальпида (лат. — Kalpis) — сосуд для воды, имеющий три ручки: две небольшие горизонтальные по бокам и одну вертикальную., а также длинную шейку. Похожи на амфоры, но у гидрий более округлое тулово.
Девушки ходили с ними к источнику за водой. Гидрии носили на голове или на плече, придерживая их рукой. Изображения таких сценок из жизни можно увидеть и на рисунках, изображенных на самих вазах.
Иногда гидрии использовались также как урны для хранения пепла умерших.
Лично мне очень понравилась идея трех ручек: за две удобно нести воду, а также подставлять сосуд под струю воды, а третья нужна, когда наклоняешь сосуд, выливая из него воду, а также удобно нести пустой сосуд, держа его за вертикальную ручку.
Вот гидрия из колекции Эрмитажа, датируется 510 годом до нашей эры.
А вот гидрия из Метрополитен-музея, на которой изображена сценка наполнения гидрии из источника:)
Как мы видим из росписи на вазе, ничего не изменилось с шестого века до нашей эры: женщины, прийдя за водой, используют повод для того, чтобы всласть пообщаться:)
Канфары — широкие сосуды для питья с двумя ручками, что-то типа кубка. Чаще всего на высокой ножке. Изящные ручки канфара выступают за верхнюю линию сосуда. Канфар считался атрибутом Геракла и особенно Диониса: греческий Бог вина часто изображался с канфаром в руках.
Канфар из Афинского археологического музея
Это рисунок, изображающий бога Диониса с канфаром в руках. Нарисован он в 500 г. до нашей эры на блюде, которое хранится в Лувре.
Килик (греч. kylix, лат. calix — «круглый») — ваза, из которой пили вино. Это сосуд, имеющий вид плоской чаши на ножке или невысоком поддоне с двумя горизонтальными ручками. Килики были весьма рапространены. Снаружи и внутри килики украшали росписью. На многих киликах встречается надпись: «Chaire kai piei eu» (греч., «Радуйся и пей счастливо»). Повествовательные сцены изображали по окружности на наружной стороне чаш (в перерывах между возлияниями килики подвешивали за ручку к стене и такие росписи были хорошо видны)
Вот килик из Греции, датируемый первой четвертью 6-го века до нашей эры и являющийся экспонатом Государственного музея изобразительных искусств имени Пушкина.
Этот же килик изнутри
и он же снизу
КРАТЕ́Р (греч. krater, от kerannymi — «смешиваю») — древнегреческий сосуд для смешивания вина с водой. Согласно обычаям, древние эллины смешивали одну часть вина с двумя частями воды — пить неразбавленное вино считалось проявлением дикости, неумеренности, хотя пьянство было распространенным явлением (вспомним Вакха). Кратеры представляют собой большие сосуды с широким устьем, наподобие котлов, и двумя ручками по бокам.
Примеры кратеров:
Оба кратера из коллекции Государственного музея изобразительных искусств имени Пушкина.
Продожение здесь (часть 2).
Древнегреческая керамика является одним из самих достоверных источников сведений об истории и быте Древней Греции. Ее жители широко использовали металлические и глиняные изделия в повседневном обиходе. Черепки и осколки, украшенные различными мифологическими и бытовыми сценами, археологи находят во всех местах, где проживал и торговал этот древний народ. Греческие античные вазы, дошедшие до наших дней, датируются различными эпохами. Начиная со времен Минотавра (2,5 тыс. лет до н. э.) и заканчивая христианской эпохой.
Первый предмет, который приходит на ум при упоминании словосочетания «греческая ваза» — амфора. При этом упускается из виду, что амфоры — далеко не единственные находки, которые достаются искателям при раскопках. Изобретательные греки придумали собственные названия для каждого повседневного предмета, вышедшего из рук умелых гончаров Афин и Спарты.
Технология изготовления
Такое разнообразие керамики обусловлено технологией производства гончарных изделий в Древней Греции. Греческая ваза из Коринфа, Крита или Афин имеет совершенно особенный качественный состав глины. Керамика Аттики изготавливалась из материала красноватого цвета. В Коринфе для гончарных изделий брали глину с желтым оттенком. А нижняя Италия оставила в наследство керамику, изготовленную из материала бурого цвета.
Украшали росписью практически все виды керамической посуды. Благодаря сильному обжигу, любая греческая ваза становилась устойчивой к разрушающему воздействию окружающей среды, поэтому сохранила свежесть красок в течение нескольких тысяч лет. Черепки, найденные современными исследователями, доносят из глубины веков имена вазописцев, гончаров и владельцев этих изделий.
Археологи различают сосуды, которыми пользовались мужчины и женщины. Греческая керамика мужского мира служит для увеселений, пиров, распития вин. Керамика женского мира предназначена для ведения домашнего хозяйства. Существовала еще группа изделий, предназначенная для хранения и торговли. Остатки больших емкостей, приспособленных для хранения специй, муки, вина, оливкового масла, археологи находят во всех местах, где жили и торговали древние греки. Яркие, красиво расписанные глиняные сосуды пользовались спросом у средиземноморских народов, а торговля гончарными изделиями приносила неплохую прибыль.
Первая вазопись
Первые греческие вазы датируются закатом микенской культуры. Живопись на гончарных изделиях материковой части Греции характеризуется простым узором — несложными геометрическими фигурами на однородном Позднее рисунки усложнились, добавились стилизованные изображения людей и животных черного, изредка красного цвета. К концу VII века до н. э. геометрический стиль пропадает, на смену ему приходит новая технология росписи керамики, а значит, новые красочные рисунки на вазах и кувшинах.
Чернофигурная вазопись
К середине VII века центром становится Коринф. На вазах появляются мифические герои и фигурные орнаменты. Сильное влияние восточных традиций с их грифонами, сфинксами и гепардами переносится на поверхность греческих ваз. Технология изготовления чернофигурной росписи предполагала трехкратный обжиг. Обжиг придавал вазе красный фон, а глянцевитая глина, которой рисовали на стенках сосуда, делала изображения черными.
В период расцвета чернофигурной керамики греческая ваза украшается бытовыми сценами, изображениями сражений и пиров. Чтобы подчеркнуть женщин, стали использовать соответствующий цвет. В шестом веке до н. э. популярность чернофигурной росписи спадает, и на первое место выходит греческая ваза, расписанная в краснофигурном стиле.
Краснофигурная вазопись
Первым, кто догадался окрашивать фон, а не фигуры на греческой вазе, был вазописец Андокид. Развитие искусства росписи гончарных изделий и новые технологии позволяли перенести на поверхность глиняных изделий огромное количество сюжетов. Новым центром вазописи стала Южная Италия. Наряду с уже известными жанровыми, военными сценами и мифологическими сказаниями, поверхность греческих ваз украшают женские профили, повседневные зарисовки, пейзажи и архитектурные сооружения. Появляются вазы-билингвы, которые украшены двумя одновременно.
Белая роспись
Для отдельных видов глиняных сосудов, таких как алабастроны и лекифы, применялся особый вид живописи. На белом фоне черным или красным цветом наносились различные фигуры. Из-за сравнительной сложности изготовления белой росписи черепки таких изделий довольно редко попадаются археологам.
В погоне за совершенством форм и росписи древняя греческая ваза представляется современным исследователям как одно из самых удивительных и уникальных Огромное количество изделий из камня, глины, металла и кости представлены в музеях и собраниях частных коллекционеров. А большое разнообразие форм и яркая роспись изделий позволяют бесконечно любоваться древними сосудами.
| |||||
| |||||
| |||||
| |||||
Древнегреческие вазы — описание и фотографии
По какой-то причине, когда речь заходит о посуде, употреблявшейся в Древней Греции, сразу возникает ассоциация с амфорой — и только! Хотя, на самом деле, сами по себе древнегреческие вазы имели различные формы, в зависимости от их предназначения в быту. Так амфоры, пелики и стамносы служили для хранения разного рода продуктов, включая вино. Стамносы употребляли и для смешивания вина с водой. В этих же целях на симпосиях употребляли диносы и кратеры. Это сосуды так называемого мужского мира.
Кратер — это большая глубокая чаша на ножке с двумя ручками. Само слово кратер происходит от древнегреческого «керраним» (κεράννυμ), что в переводе означает «смешиваю».
Для кратера, который представлял собой довольно-таки вместительный сосуд, характерна широкая горловина, две ручки по бокам и ножка.
Динос – это тоже крупный сосуд с полукруглым туловищем, выполненный из керамики или металла. Обычно динос устанавливался на искусно выполненной подставке.
В древнегреческой мифологии Диносом звали одного из коней Диомеда.
В греческом застолье использовались также и мастосы, напоминающие по форме женскую грудь (μαστός). Характерной особенностью этих сосудов было то, что их невозможно было поставить на стол, не допив налитое в них вино.
Как видно из древних текстов, вино было непременным атрибутом мужских пиров — сисситий. Если судить по диалогам Платона, ни одна философская беседа не обходилась без рубинового напитка.
Согласно древнегреческой мифологии, богом вина в классическую и эллинистическую эпохи был Дионис — сын Зевса и смертной девушки Семелы, которая была дочерью фиванского царя Кадма. Дважды в год в честь Диониса устраивались ритуальные праздники, так называемые, Великие и Малые Дионисии.
Сами же Олимпийские боги пили нектар — божественный напиток, даривший им бессмертие. Виночерпием на Олимпе был похищенный Зевсом прекрасный юноша по имени Ганимед.
На симпосиях вино черпали киафом, который очень похож на привычные нашему глазу чашки, с разницей в том, что ручка у киафа, для удобства при черпании, намного возвышается над кромкой сосуда.
Объём киафа составлял 0, 045 литра, то есть четверть секстария. В свою очередь, половину секстария составляла котила (κοτύλη). Котилами также назывались древнегреческие вазы, которые по форме были похожи на скифосы.
Большой интерес представляет собой псиктер (от греч. ψύξη – «охлаждение») — керамический сосуд, напоминающий по форме гриб.
Псиктер использовался вместе с кубковым кратером на симпосиях. Первый из этих сосудов предназначался для хранения снега или ледяной воды, а во второй наливалось неразбавленное вино.
А вот для подачи вина употребляли гидрии и ойнохойи. Ойнохойя (οἰνοχόη) — это кувшин для вина, имеющий одну ручку, с круглым или трилистниковым венчиком, который напоминает лист клевера.
Пили же вино из килика, канфара скифоса, и ритона.
Килик (κύλιξ) — сосуд для напитков плоской формы, стоящий на короткой ножке. Ручки с обеих сторон не превышают по высоте кромку самой чаши.
Канфар (κάνθαρος) очень похож на кубок с двумя непомерно объёмными вертикальными ручками. Наверное, не случайно, потому что из канфаров пили греческие боги: к примеру, с канфаром очень часто изображался Дионис. Нередко канфар использовался для жертвоприношений или как предмет культа.
Скифос (σκύφος) представляет собой керамическую чашу для питья, с низкой ножкой и двумя горизонтально расположенными ручками. Скифосом был мифический кубок Геракла, поэтому скифос называют ещё и кубком Геракла.
Ритон (от греч. рέω — «теку») по своей форме напоминает рог животного. Он часто завершался в нижней части скульптурой, где находилось отверстие, и украшался рельефами и гравировкой. Пить из подобных сосудов можно было, приложив губы к верхнему широкому отверстию, или же направляя себе в рот струю напитка из дырочки, которая просверливалась на конце морды изображённого животного. Ритоны изготовлялись из металла (например, золота и т.д.), глины, кости, рога.
Древние воины носили с собой сосуд для питья с одной ручкой — кофон.
В домашнем обиходе употребляли леканиду, лекану и пинакион.
Рыбные блюда появились в V в. до н.э. Расписывались они, как правило, в стиле краснофигурной вазописи преимущественно рыбами и разнообразными морскими животными.
Плоская форма блюда называлась пинакион, что в переводе с греческого означает доска. В центре блюда было небольшое углубление для масла или соуса. Рыбное блюдо обычно возвышалось над столом на подставке.
Лекана представляла собой плоскую чашу с двумя горизонтальными ручками по бокам. Маленькая лекана с крышкой соответственно называлась леканидой. До сих пор точно не установлено назначение данного сосуда: возможно, лекана служила для хранения приготовленной еды, а, может быть, и для оливкового масла.
В свою очередь, к сосудам, в которых хранилось оливковое масло, относятся чернолаковые лекифы, алабастроны, арибалы и аскосы.
Лекиф (λήκυθος) предназначался для хранения оливкового масла, но он использовался и как погребальный дар. Для лекифа характерно узкое горлышко и небольшая ножка.
Лекифы часто украшались разноцветными росписями по белому фону. Если лутрофоры в свадебных и погребальных обрядах символизировали незамужнюю женщину, то лекиф соотносился с неженатым мужчиной.
Aлабастрон — грушеобразный или вытянутый сосуд цилиндрической формы с округлым дном, который, в отличие от ритона, мог стоять вертикально. Образцом для алабастрона послужила форма восточных сосудов из Египта, изготавливавшихся из алебастра, которому они, собственно, и обязаны своим названием.
Алабастроны использовались для хранения ароматических веществ и жидкостей, преимущественно женщинами. Мужчины (в особенности атлеты) для ухода за телом пользовались в аналогичных случаях арибалами, которые носили на ремешке на запястье.
Арибал (αρύβαλλος) — сосуд небольшого размера округлой формы с узким втянутым горлышком, который расширялся у плоского венчика. Его название происходит от кожаного мешка, в который обычно вставлялась бутыль. У арибала широкая, в форме ленты, ручка.
Аскос — плоский сосуд округлой формы с ручкой на носике — применялся для хранения масел и заправки масляных ламп. Существуют формы аскосов с двумя носиками.
К сосудам женского мира относятся пиксида, эксалиптро, племахойя и эпинетрон.
Пиксида — сосуд, имеющий цилиндрическую формы, с крышкой. Название происходит от греческого слова πυξός — «самшит», из которого они изначально вытачивались. Пиксиды изготавливались также из керамики, алебастра, металла или слоновой кости. Это своего рода шкатулки, которые использовались женщинами для хранения украшений и косметики.
Пиксиды также часто находили в женских захоронениях.
Племохойя — небольшой сосуд для хранения благовоний шарообразной формы на высокой подставке с крышкой, которая увенчивалась шарообразной головкой.
Эпинетрон (έπίνητρον) — известный с V в. до н. э. древнегреческий прибор из глины или дерева, использовавшийся в прядении для вытягивания волокна.
Работа на эпинетроне описана у Гесихия Александрийского. В аттическую эпоху эпинетрон стал предметом культа и часто вкладывался в захоронение усопшим незамужним девушкам.
Для хранения благовонных и ароматических масел использовались лагиносы, напоминающие ойнохою, и ольпы с ручкой сбоку.
А также почитайте:
Пирамида, сфинкс, фигурка, колонна, ваза, мумия, настенные рисунки, изображения с прозрачным фоном
Бесплатные PNG картинки, 78 PNG, Египет: Пирамида, сфинкс, фигурка, колонна, ваза, мумия, настенные рисунки, изображения с прозрачным фоном, Изображения высокого качества, 300 DPI, Скачать быстро. июл-18-2018
Файл: egypt.rar
Разрешение: 300 dpi
Размер файла: 44,96 Mb
скачиваний 97
Добавить комментарий
как сделать напольный вариант своими руками?
Оформление комнаты декоративными аксессуарами – важный этап в дизайне интерьера. Обычно декор является завершающим штрихом, после отделки и установки мебели, и задает в помещении определенное настроение и характер. Одними из наиболее распространенных предметов для украшения интерьера являются вазы декоративные. Они существуют в разнообразном дизайне и материале: стеклянные, керамические, металлические другие. Чтобы украсить комнату, можно купить дорогой антиквариат, современный дизайнерский вариант, или сделать вазу своими руками из подручных средств.
Разнообразие
Декоративные вазы считаются одними из древнейших предметов для оформления интерьера. Они бывают напольными, больших размеров, настольными для цветов и даже совсем маленькими, использующимися в качестве декора для полок. Также вазы можно классифицировать по материалам, из которых они изготовлены. Для дома возможно использование любых вариантов: из камня, керамики, фарфора, стекла различных цветов, металла, дерева, кости.
Разнообразие форм позволит сделать любой интерьер привлекательным: как классический, так и хай-тек. Ваза, изготовленная своими руками, может иметь в декоре узоры из ракушек, камней, лент, бусин, ткани, стекла, меха, кружева. Интересные идеи легко найти на фото в сети и журналах.
Напольная ваза в декоре интерьера
Можно полагать, что напольная декоративная ваза является фавориткой в дизайне помещения. С помощью нее делаются завершающие штрихи в интерьере. Заблуждением считать, что этот предмет – дополнительный накопитель пыли и не несет никакой функциональной нагрузки. Декораторы уверяют, что грамотно подобранная ваза подчеркнет стиль, создаст уютную и гостеприимную атмосферу вокруг.
В древние времена ваза считалась признаком богатства, ею украшались интерьеры только состоятельных людей. Сейчас такой предмет может купить для себя любой человек.
Ваза удачно впишется в пространство большого или маленького помещения, если правильно подобрать ее по стилю, цвету, материалу и декору. Она может служить гармоничным продолжением интерьера и не выделяться на общем фоне или, наоборот, привлекать к себе максимум внимания, быть ярким акцентом комнаты.
Ценители различных национальных культур могут украсить свой дом аналогами античных, египетских, индийских, китайских, японских и других декоративных напольных ваз. Такие предметы имеют в своем декоре характерный орнамент, цвета, рисунки, символы, надписи, в которых заложен определенный смысл, связанный с культурой своего народа. Немаловажной деталью в выборе вазы является материал, из которого она изготовлена. Чтобы определиться с подходящим вариантом, нужно поближе познакомиться с существующим ассортиментом.
История возникновения напольных ваз
Керамические
Керамика используется для изготовления посуды и других предметов еще с древних времен, когда люди научились обжигать глину, и делать из нее множество полезных в быту вещей. Позднее из данного материала стали изготавливать не только предметы прикладного характера, но и декоративного, то есть использовать для украшения жилища.
Так, появилась керамическая декоративная ваза. С течением времени она совершенствовалась, ее форма и декор усложнялись, подчеркивая определенные национальные черты. Например, вазы Египта выполнялись из грубой глиняной массы, но выглядели изящно за счет декоративной росписи разнообразных цветов в виде иероглифов и рисунков, изображающих жизнь фараонов и египетского народа. Об этом свидетельствуют многочисленные фото.
Ваза декоративная керамическая в искусстве Греции имела разнообразные формы и украшалась растительными орнаментами и сюжетами, относящимися к древней мифологии. Такие варианты украшали интерьер жилища, но были довольно массивными и тяжелыми.
Современные изделия из глины – имеют разнообразные формы, размеры и декор. Они могут выступать аналогами древних изделий, в точности копируя их внешний вид. Такие варианты уместны в качестве украшения интерьера, чтобы подчеркнуть тот или иной стиль.
Фарфоровые
Фарфор – это определенный сорт глины, отличающийся содержанием различных примесей и имеющий белый оттенок. Декоративные вазы, выполненные из фарфора, отличаются высокой прочностью и эстетическим внешним видом.
Первые фарфоровые изделия возникли в Китае, и секрет их изготовления тщательно хранился местными мастерами-ремесленниками. Уже позднее, вазы и другие изделия стали производить по всему миру. Сейчас они символизируют признак достатка, и служат украшением домов настоящих ценителей искусства.
Стеклянные и хрустальные
Самыми ценными и дорогостоящими изделиями считались стеклянные предметы, так как секреты их изготовления тщательно скрывались. Не каждый мог себе позволить купить украшение из стекла для дома, но позднее технология распространилась по всему миру. Сейчас все могут поставить в своем интерьере декоративные вазы.
Изготовление стекла уходит своими корнями в древний Египет. Затем, римляне совершенствуют технологию, которая позволяет изготавливать небольшие изделия: посуду, чаши, флаконы. Стеклодувное мастерство позволило сделать предметы из стекла различных цветов, за счет чего было создано множество уникальных произведений искусства. Сейчас они хранятся в музеях по всему миру.
Самым дорогим и пользующимся популярностью в настоящее время считается муранское стекло. Мастера Венеции научились изготавливать предметы высокого качества, добавляя в состав оксид свинца.
Это способствовало появлению первого хрусталя, который ценился в то время дороже золота, и не каждый мог его себе купить. Сейчас декоративные вазы из стекла и хрусталя производятся по всему миру, но особо популярными считаются чешские изделия и предметы из города Гусь-Хрустального. В книжных магазинах можно купить каталоги с фото и историей возникновения стеклодувного производства.
Металлические
В качестве материала для изготовления металлических ваз можно использовать латунь, медь, алюминий, серебро и даже золото. Мастера, владеющие различными техниками, научились изготавливать изделия своими руками, удачно комбинируя несколько видов материалов, например, металл и керамику, стекло или эмаль.
Напольный вариант современных металлических ваз обычно делают из стали с дальнейшим покрытием серебром. Декор изделий может быть любым: как ажурным, так и цельным с различными рисунками или орнаментами.
Костяные
Изделия из кости на сегодняшний день считаются одними из самых дорогих. Они представляют собой изящную форму, декорированную ажурной резьбой с изображением животных, людей, бытовых сцен. Материалом для них служат кости и рога животных: моржей, китов, домашнего скота. В обычных магазинах встретить изделие из кости или рога довольно трудно. Ваза декоративная из такого материала считается элитным аксессуаром и ценится очень высоко.
Каменные
Изделия из камня производили еще в древние времена. Многие предметы декора археологи находили в гробницах египетских фараонов, и были поражены их изящным и искусно обработанным внешним видом. Некоторые вещи невозможно воспроизвести в настоящее время.
Современные каменные вазы имеют различные формы и размеры. Для их изготовления используется мрамор, гранит, малахит, оникс, яшма и другие камни. Изделия из натуральных материалов достаточно выгодно украшают интерьеры и добавляют ему роскоши, изящества и подчеркивают неповторимый стиль.
Как выбрать декоративную вазу?
Выбор вазы должен осуществляться с ориентацией на интерьер комнаты. Именно от ее стиля, цветового оформления, используемых материалов и зависит внешний вид декоративной вазы. Вазы различаются по размерам, форме, материалу, из которого они изготовлены, декору, назначению.
Предметы, имеющие высоту более 40 см считаются напольными. Вазами с меньшей высотой лучше украшать полки, столы, комоды и тумбочки.
Если форма узкая и вытянутая, то в нее можно поставить цветы, декоративные ветки, сухоцветы, бамбук и т.д. Широкие емкости подойдут для пышных букетов и других объемных композиций из растений, которые легко сделать своими руками. Декоративная ваза может быть украшена светодиодной подсветкой или гирляндой. Если ее внешний вид сам по себе выглядит эффектно, то дополнительный декор не требуется.
В большом просторном интерьере с высокими потолками будет гармонично смотреться ваза декоративная вытянутой узкой формы. Неплохо подойдут и плоские сосуды из прозрачного стекла, украшенные сухими ветками деревьев, колосьями и другим декором, который можно сделать своими руками или купить.
Если мебели в комнате немного, то вазы должны быть крупной и объемной формы, создающие ощущения большой массы. Множество фото примеров можно найти на просторах интернета.
Если оформление стен комнаты преобладает однотонное, с ровной фактурой, то ваза может иметь рельефную поверхность. Резной орнамент и гравировка зависит от собственных предпочтений и, конечно, от внешнего вида комнаты, особенно если ее интерьер выполнен в каком-либо этническом стиле.
В помещении, где присутствуют яркие узоры и текстуры, лучше сделать выбор в пользу ваз с гладкой однородной поверхностью. В целом интерьер должен выглядеть гармонично и не пестрить всевозможными орнаментами и украшениями.
Какой эффект даст наличие вазы в интерьере?
Ваза не просто удачный предмет для декора интерьера. Она способна создавать определенное настроение, акцентировать внимание, подчеркивать стиль. Используя разного рода сосуды можно создать в интерьере определенные эффекты.
Праздничное настроение
Кто не хочет ощущать у себя дома радостное настроение праздника? Ваза декоративная может задать такую атмосферу не только по случаю, но и в самый обычный день. Например, стол для семейных обедов и ужинов может украшаться вазой со свежими цветами и радовать домочадцев ежедневно. Даже пустой сосуд стильной формы или, украшенный сухими ветками, может внести определенное настроение и служить отличным акцентом гостиной или кухни.
Заполнение интерьера
Оформляя помещение, нужно грамотно подходить к вопросу декора. Во всем необходимо проявлять чувство меры. Слишком насыщенные всевозможными декоративными вещицами комнаты, выглядят захламленными и со временем начинают раздражать. И, наоборот, пустые, аскетичные интерьеры создают ощущение дискомфорта, холода и отсутствия домашнего уюта.
Заполнить «пустоту» в комнате можно с помощью декоративной вазы. Она – идеальный для этого предмет. Любая полка, ниша, поверхность стола, тумбы, подоконника или просто свободный угол может быть украшена всевозможными сосудами различных форм. Таким образом, достигается уют и эстетичный облик интерьера.
Кроме одиночных изделий существуют и группы ваз, объединенных одной стилистикой. Они часто заполняют пространства под лестницами, ниши в стенах, фальш-каминах, витрины, стеллажи и другие места.
Акцент на стиле
Такой предмет, как декоративная ваза имеет множество стилистических решений. Ее можно купить и подобрать под любой интерьер, в разных цветах, формах, размерах и украшениях.
Например, интерьеры хай-тек выгодно украсят металлические или стеклянные сосуды. Здесь играет большую роль глянцевая, отражающая свет, поверхность.
Формы таких ваз должны быть максимально строгими и простыми, а орнаменты и прочие украшения вообще отсутствовать.
Чтобы украсить комнату в этическом стиле, нужно выбрать соответствующие вазы, отражающие национальный характер в материале или узорах. Египетская ваза декоративная керамическая может быть оформлена рисунками пирамид и сценами из жизни фараонов, а также иероглифами. Греческая – украшена меандром или мифологическими сюжетами, индийская – ярким пестрым орнаментом, соответствующим стилю.
Изготовление вазы для интерьера своими руками
Вазы могут различаться не только по внешнему виду, но и по цене. К сожалению, купить дорогостоящие изделия не всегда возможно, тогда подходящий вариант следует сделать своими руками. Для самостоятельного изготовления необходимого предмета можно использовать разные материалы, многие из которых легко найти у себя дома.
Оригинальные решения можно сделать своими руками из картонных труб, оставшихся от линолеума, папье-маше, соломы, гипса.
Также интересные варианты получаются из уже готовых стеклянных ваз и других сосудов, если декорировать их с помощью специальной витражной краски, веток, монет, ниток, бусин, фольги.
Аксессуары играют важную роль в декоре помещений. Одной из популярных предметов для украшения считается декоративная ваза. Благодаря разнообразию материалов, форм, и стилей можно купить или сделать подходящий вариант и создать в своем интерьере атмосферу комфорта, тепла и гармонии.
Сувениры из Шарм-эль-Шейха
После каждой поездки я привожу с собой частичку той страны. Начиналось всё со стандартных магнитов, брелков и футболок. Когда у папы насчиталось свыше 50 футболок, я поняла, что надо остановиться. К магнитам я не остыла и все равно их привожу, несмотря на то, что на холодильнике уже не осталось места и часть магнитов перешли на стиральную машину))) В последние годы к списку сувениров добавились ещё продукты (например, сладости, сыры, снеки, орешки и т.п.) и местный алкоголь. Как и обещала в первой статье о Египте, сегодня подробнее обсудим какие сувениры привезти из Египта. Если вам нужно подобрать тур, то пишите нам сюда.
Папирус
Говорят, что настоящий папирус не мнется и не ломается. Я это решила не проверять на подаренном папирусе в одном из магазинов Старого города в Шарме.
Папирус известен ещё со школьных времен из истории Древнего Египта, сейчас же он используется преимущественно для изготовления сувениров для туристов. Картины на папирусе получаются очень необычными и точно будут оценены в качестве подарка.
Эфирные масла
Ох, этого добра хватает на каждом углу. В магазине при отеле, в торговых рядах рядом с отелем, на Сохо, в Нааме и в Старом городе — везде продают ароматические масла. Я немного скептически относилась к ним в первую поездку, пока сама убедилась в их действии. Стандартно мы сильно обгорели, Пантенол не помогал и мы зашли в магазинчик с маслами при отеле. Понятное дело, что наш отряд краснолицых было видно издалека Мне дали немного масла на основе алое вера, мы пробыли там минут 15, попивая египетский чай, и я сразу почувствовала, что мне становится легче и не так печёт.
В Египте можно купить масла для красоты и здоровья. Особой популярностью пользуется масло черного тмина — это супер-пупер полезный продукт, он и иммунитет укрепляет, и помогает в лечении гриппа, и для работы желудочно-кишечного тракта. Такой себе египетский must have. Лучше всего покупайте его в аптеках.
Египетские Чаи
Лидирующее место здесь занимает «напиток фараона» — каркаде. Я очень люблю этот сладко-кисловатый вкус, дома ещё добавляю туда апельсин для аромата и иногда мёд. Самый лучший каркаде произрастает в Асуане и там его можно купить дешевле всего, как утверждают местные. В Шарме же стоимость за килограмм начинается от 8$, выбирайте не лепестки, а соцветия.
Второй популярный чай — желтый или Хельба. Напиток обладает оригинальным ароматом и вкусом. Чай благоприятно воздействует на организм и оказывает противовоспалительное, тонизирующее, иммуностимулирующее, спазмолитическое и жаропонижающее действие. Как видите, будет необычный и полезный сувенир.
Есть в Египте и зеленые чаи. Я его пью без сахара (опять-таки спасибо папе ), но часто вкус достаточно резковат, поэтому в Египте его смягчают различными травами или добавками. Мы, например, привезли с собой зеленый чая с манго, гуавой и гранатом по 100-200 гр.
Цитрусовые ароматы — ван лав для меня, поэтому не могла пройти мимо сушеного лемонграсса. На рынках выглядит как высушенная трава, но стоит разломать или просто потереть в руках, как появляется приятный аромат. Дома я беру несколько травинок заливаю кипятком, даю настояться 15-20 минут, добавляю немного меда и вуаля — прекрасный освежающий напиток! Говорят, что его используют при повышенной утомляемости, стрессе, головной боли и т.п. Думаю, что можно будет мяты добавить и вообще вкуснятина будет.
Арабских кочевников называют бедуинами и в Египте традиционный напиток кочевников — бедуинский чай. Это черный чай с добавками хабака или/и мармареи. На экскурсии в каньон нам показывали как растет мармарея. Если б на рынке мне не сказали, что это бедуинский чай, я бы подумала, что смели оставшиеся листья и аккуратно сложили на мусорку А оказывается, чай очень даже крут. Например, хабака имеет слегка мятный вкус, а мармареи — родственник нашего шалфея с целым набором целебных свойств.
На 5$ мы взяли себе несколько видов зеленого чая, каркаде, бедуинского чая и лемонграсса. Объемные пакеты получились и теперь красиво смотрятся на кухне.
Кофе с кардамоном
Открытие в этой поездке. Нам его предложили со скидкой в добавок к покупкам в одном из магазинчиков. С 9$ за одну упаковку сторговались по этой же цене за две. Готовлю я его в турке и аромат моментально распространяется по всей квартире.
Целители древней Индии считали, что кардамону по силам победить любую болезнь. Кофе с кардамоном заряжает бодростью и обеспечивает высокой работоспособностью на целый день. Выпила утром и работаю как пчелка)
Специи
Ярко, красиво и ароматно — так выглядят лавки со специями. Здесь можно найти уже приготовленный микс для рыбы, мяса, плова или взять по отдельности шафран, кардамон, зиру, разноцветный перец горошек (зеленый, белый, красный, черный), анис, мускатные орех, розмарин, кориандр и др.
Мы зашли только в одну лавку в Старом городе, но, сравнив цены, убедились, что у нас в Харькове даже дешевле можно купить на развес. Поэтому из Египта специи не привезли)
Каф Марьям или Рука Марии
На рынках можно увидеть разноцветные сухие пучки травы. Это растение называется Каф Марьям, что в переводе означает рука Марии.
С детства я знала о «перекати-поле», а в Египте узнала оригинальное название. Необычное растение, если его поставить в воду, оно оживает и начинает цвести. В Старом городе Шарма было много прозрачных ваз с Каф Марьям, как пример для туристов.
Статуэтки, тарелки, чашки, магниты из Египта
Этого добра хватает вдоволь в Египте: изображение Богов, пирамиды, кошки, скарабеи… В каждом сувенирном магазине выбор просто огромен! Выбирайте любой на сувенир и привозите с собой. Например, скарабей приносит счастье
пирамиды — символом гармонии (хотя я прочитала, что пирамиды считаются символами смерти, т.к. построены как гробницы. Я в это не сильно верю и считаю, если не верить в эти приметы и обычаи, то ничего не случится)
кошка — богиня веселья и радости Бастет, статуэтка человека с головой сокола — бог неба и солнца.
Не буду всех перечислять, в магазине вам смогут ответить что означает та или иная статуэтка. У меня уже коллекция кошек египетских
Впечатляюще смотрятся статуэтки вырезанные из кости верблюда. Это просто произведение искусства, настолько тонкая работа!
К мелким сувенирам можно отнести стандартные кружки, тарелки и магниты.
Бутылочки с песком
С 2013 года у меня дома стоит красивая бутылочка с разноцветным песком из Дубай, тогда мне её подарил парень, с которым мы подружились в Эмиратах. Помню, тогда он купил её за бешеные 15$. Для меня больше дело не в цене, а в ценности, которую эта бутылочка хранит в себе.
В Египте есть подобные сувениры, только цена им всего 1$. Не пожалейте доллар и привезите себе и друзьям на память яркий сувенир из Египта.
Кальян
Их чуть меньше, чем статуэток в Египте, только из-за размера. Но какие же они красивые и каждый с какой-то изюминкой. У меня многие туристы едут в Египет именно за кальянами, потому что здесь их стоимость начинается от 20-25$.
Вывозить их из страны можно: колба в ручной клади, а всё остальное в багаж. Я забылась немного и не привезла себе маленький сувенирный кальян. Очередной повод вернуться
Кожаные изделия
Счастливый обладатель новой барсетки из верблюжьей кожи выходил из магазина в припрыжку. Мой папа ехал в Египет за рыбками и за новой сумкой. Минут 15 торга и цена снизилась в 3 раза, а мы довольные выходили с обновкой. Изделий из кожи очень много, как и подделок Gucci, Louis Vuitton, Furla, Prada и т.д. Цены тоже приятные от 15$ за некачественную подделку, а за кожаную копию от 30-50$ в зависимости от размеров.
Кошельки тоже пользуются популярностью. Было ощущение, что мы попали в раздел сумки&кошельки на AliExpress)))
Больше всего мне понравились кожаные кресла сшитые из разноцветных кусочков кожи. Они разного размера и продаются без набивки. Можно привезти себе каркас, а дома уже доделать оригинальное креслецо.
Ювелирные украшения
Как и с кожаными изделиями, здесь есть поддерлки и нормальные украшения. Под подделку попадают копии известных брендов
В первую поездку для своего браслета Pandora я привезла из Египта шарм-пирамидку. У Пандоры в оригинальной коллекции такой нет, а у меня есть пунктик — собирать шармы из разных стран. Мне очень хотелось, чтоб такая же пирамидка украсила браслет мамы, мы обошли несколько магазинов пока не нашли нужную. Подделок Pandora из серебра в Египте хватает, но они явно не ручной работы, не говоря уже о качестве украшения.
Но в Египте в достаточном количестве других украшений из серебра с драгоценными камнями. Последние можно купить и не в изделии, а потом уже заказать дома ювелиру украшение.
В одном из магазинов девушка покупала камни аметиста на серьги и кольцо. 3а три камня она заплатила 50$. Не знаю дорого это или дешево, но почему бы не привезти себе для украшения камни из Египта?! Из Шри-Ланки и Занзибара привозят же)
Изделия из хлопка
Если вы посмотрите на египетских мужчин, то увидите, что все они носят футболки Tommy Hilfiger, Lacoste, Ralph Lauren, Fred Perry. Ещё те модники, а все потому, что здесь можно купить подобную футболку за 5$. Если берешь много, то и скидка будет, как оптовику)
Качество действительно отличное. Детских вещей тоже большой выбор: платья, футболки, спортивные костюмы, брюки.
Отличное качество и у постельного белья, и у полотенец. Не стоит забирать из отеля, потому что наборы стоят по 15$ за три полотенца. Моя сестра из каждой поездки привозит полотенца, а девушки знают, что полотенец никогда не бывает мало и это нужный подарок хозяюшке.
Ковры
Египетские ковры появились задолго до нашей эры, об этом говорят найденные фрески с изображением ткацких станков и процесса плетения ковра на них древними мастерами.
Стоимость зависит от размера и материала. Наши ребята из группы прикупили себе небольшой ковер за 5$ из верблюжьей шерсти! Согласитесь, оригинальный и необычный сувенир из Египта.
Картины местных мастеров
Гуляя по улице Il Mercato, где находится одноименный отель, мы увидели работы местных мастеров на холсте. Позже на ночных рынках Старого города и Наамы нам встречались картины египетских художников.
Мои родители любят разные картины и мы несколько минут стояли и вглядывались в работы. Возможно, со временем они у меня перейдут на подобные сувениры из-за границы, а пока мы насладились увиденным и продолжили прогулку.
Фрукты
Ящиками из Египта туристы вывозят манго, гуаву, клубнику и другие фрукты. Египетское манго по вкусу мне напомнило больше испанское, они есть маленьких, с ладошку, и больших размеров. В январе нам предлагали по 4$ за кило маленьких и по 6$ — за больших. Это вам не Вьетнам, где я манго покупала по 1$ за кило))) Мы съели пару штук и плавно перешли на гуаву. Её я в Азии как-то не оценила, а в Египте она хорошо зашла! За упаковку (примерно 9 шт) мы отдавали 2$. Мы привезли её домой и я попробовала запечь её в духовке с мёдом и грецким орехом — пальчики оближешь!
В Азии я очень скучала по клубнике, малине, смородине, поэтому каждый день у нас были «клубничные вечера». Упаковка стоит всего 1$. За свежую и сладкую клубнику в январе это то, что нужно!
Фрукты вывозить из Египта можно, лучше всего взять их в ручную кладь (манго и клубника), а гуаву можно в багаж положить, если место осталось. Мы ещё взяли с собой натуральные соки, стоят примерно 1,2-1,3$. Купить можно в продуктовых магазинах, мы брали в Старом городе.
Сладости (лукум, финиковый мёд)
Я не сладкоежка, но в магазинчике с лукумом улыбалась хозяину широко и пробовала всё))) Сладости здесь отменные!
На сувениры можно привезти несколько упаковок в форме пирамиды. Здесь в ходу пахлава и лукум с решками и разными добавками.
Из необычного мы купили себе финиковый мёд или силан — это густой сироп темно-коричневого цвета, по консистенции напоминающий мёд. В состав входят витамины группы A, B и С. Его регулярное употребление положительно отразится на состоянии кожи, волос и общем самочувствии. Я сейчас им заменила сахар и добавляю в кофе, получается очень необычный вкус. Небольшая баночка стоит всего 2$. Хочу сказать, что запах может не понравится. Найдите магазин в Старом городе или Нааме, где вам дадут попробовать финиковый мёд и принимайте решение.
Загар, впечатления, эмоции и сотни фотографий
Куда ж без этого! У нас за недельный отпуск остался золотой загар, который, в отличие от азиатского, и через месяц не смывается. Такой себе качественный сувенир из Египта. В общей сложности мы привезли около 3000 фотографий на нашу группу. Так что фото-контента у меня хватит надолго.
Пару лишних килограмм
По системе All inclusive доступ к еде есть 24 часа в сутки. С этим нужно аккуратнее или сразу после Египта подбирать фитнес тур. Про питание в нашем отеле я рассказывала в статье Otium Amphoras Hotel Sharm 5*.
А какие сувениры вы любите привозить из поездок?
Оставлю для консультации или бронировании тура контакты онлайн турагентсва VividTravel: Facebook и Instagram.
праздники Древнего Рима, Греции и Египта
Считалось, что боги руководят действиями людей, насылают на них беды, приносят радость. Божественными силами обладает природа. Горы, реки, рощи, поля населены демонами и божествами, от которых зависят урожай, плодородие земель, рост посевов, обилие рыб и птиц и так далее. Главным богам-покровителям и мелким божествам воздавали почести, приносили жертвы, устраивали празднества, на которых совершали ритуальные обряды, сопровождаемые торжественными шествиями, песнями, танцами и заклинаниями. Именно на таких праздниках зародились основы современного театра. Греческие торжества, посвященные богу виноделия Дионису-Бахусу, положили начало трагедии, из шутливых, насмешливых песенок, исполняемых на праздничных деревенских шествиях, родилась комедия.
Древний Рим: вековые традиции
Древние римляне отмечали в году более 50 праздников. Они составляли важную часть их жизни. Их традиции сохранялись веками, некоторые дошли до наших дней. Так, обычай празднования начала Нового года был закреплен в середине II века до нашей эры государством. Римские новогодние торжества 1 марта, а позднее 1 января открывались многолюдным шествием к Капитолийскому холму, где находились главные святилища Рима, там приносили жертвы покровителю города богу Юпитеру. Затем начинались праздничные пиры и приемы. Римляне, как и мы, верили, что весь год будет таким, каким окажется первый новогодний день. Они ходили друг к другу в гости, обменивались подарками, дарили сладости, украшения, позже — деньги, желали друг другу счастья и благосклонности богов.
Из сельских древних земледельческих праздников, которых было множество, особенно пышно справлялись февральские Луперкалии — празднества, посвященные богам — покровителям стад и пастухов. Очистительные жертвы приносили у подножия Палатинского холма, где жила некогда легендарная волчица (лат. «lupus»), вскормившая основателей Рима — Ромула и Рема. А 21 апреля в годовщину основания Рима наступал еще один праздник пастухов в честь древней богини Палее. Богине жертвовали ветки лавра, лепешки, хлеб.
Луперкалии. Рисунок Адама Эльсхаймера. (wikipedia.org)
Считались необходимыми ритуалы очищения. Скот, дабы уберечь от заразных болезней, прогоняли сквозь костры. Пастухи и сельская молодежь, соревнуясь, устраивали веселые игры, состязались, кто удачнее прыгнет через костер. Обычай этот долго существовал у других народов.
Самыми веселыми и любимыми в народе были декабрьские Сатурналии, их справляли и горожане, и сельские жители. Посвящены они были древнеиталийскому земледельческому богу Сатурну, которого римляне отождествили с греческим Кроном и считали отцом Юпитера, Юноны и Нептуна.
«Сатурналии» Эрнесто Бьонди. Бронзовая копия, 1909. (wikipedia.org)
По преданию, Сатурн стал царем в Лацие, и царствование его было временем добра и справедливости, всеобщего благоденствия, любви и братства. В «золотой век» (лат. «aurea aetas») не было хозяев и рабов, люди были равны и счастливы. Сатурналии продолжались пять дней. Люди веселились на улицах, ходили в гости, устраивали пиршества для богов и людей. Рабы в это время получали временную свободу, и на шутливых застольях им прислуживали хозяева. С тех далеких дней сохранился обычай дарить в декабрьские праздники друг другу восковые свечи. Зажжение их было жертвоприношением богу. В эти дни обязательно следовало дарить подарки. Существовали даже своего рода законы проведения Сатурналий, согласно которым не дозволялось произносить никаких речей, кроме веселых и насмешливых, полагалось заранее приготовить деньги, одежду, серебро, чтобы разослать их друзьям. Причем богач не должен был одаривать богача, а людям ученым все нужно было посылать в двойном размере, «ибо они достойны получать двойную долю. Бедняк же, если он человек ученый, пусть пошлет в ответ богачу или книгу одного из древних писателей, или собственное сочинение, какое сможет. Богач же обязан этот подарок принять со светлым лицом, а принявши, немедленно прочесть», — писал великий сатирик античности Лукиан.
Древняя Греция: спортивные состязания и общегосударственные торжества
Греки тоже устраивали праздники в честь богов, чтобы умилостивить их и убедить выполнить желания людей. Самым главным праздником в Афинах были Великие Панафинеи, проводимые в честь покровительницы города, мудрой воительницы Афины Паллады. Афину граждане почитали за то, что она подарила им оливковое дерево.
Бегуны — участники Панафиней. Ваза, ок. 530 года до н. э. (wikipedia.org)
Праздник длился пять дней. Его вершиной было шествие от городских ворот к месту на Афинском Акрополе, где находилось святилище богини. Там Афине приносили в дар новое платье из тончайшей ткани, изготовленное женщинами. Его везли, вывесив на мачте священного корабля, поставленного на колеса, чтобы все видели, какой наряд приготовили афиняне своей покровительнице. В торжественном шествии участвовали все жители города: старики несли оливковые ветви, молодые мужчины вели сто быков, которых приносили в жертву, девушки несли корзины с драгоценными сосудами. Процессия заканчивалась общим праздничным пиром.
Помимо праздников в честь богов, греки устраивали также общегосударственные торжества в память какого-либо выдающегося события, например, День освобождения в честь победы над персами при Платеях.
Очень популярными у греков были спортивные состязания. Главными соревнованиями были Олимпийские игры. Игры начались в 776 году до нашей эры и проводились каждые четыре года. Олимпийские игры были посвящены богу Зевсу и проходили в Олимпии. К участию в них допускались только граждане Афин, а женщины не имели права находиться даже среди зрителей.
Во время проведения Олимпийских игр во всех греческих государствах прекращались войны. Участники будущих состязаний приезжали на месяц раньше, чтобы ознакомиться с местностью. Игры начинались с жертвоприношений Зевсу, на алтаре спортсмены давали клятву соревноваться честно.
Древнегреческая ваза. (wikipedia.org)
Поначалу в программу соревнований был включен только бег. В 708 году до нашей эры на Олимпийских играх было введено пятиборье — пентатлон, состоявшее из прыжков, бега, метания диска, метания копья и борьбы. Греки прыгали в высоту и в длину, позже появились кулачный бой, состязания на колесницах, запряженных четверкой лошадей. Наградой для победителя был венок из оливковых ветвей.
Олимпийские игры в древности проводились 293 раза в течение 1170 лет. В 394 году римский император Феодосий I объявил христианство официальной религией и, считая Олимпийские игры языческим развлечением, запретил их.
Лишь в 1896 году благодаря усилиям французского общественного деятеля Пьера де Кубертена и его единомышленников стали снова проводиться Олимпийские игры. Местом проведения I-й Олимпиады стала столица Греции — Афины. С того времени каждые четыре года на алтаре Олимпии зажигают олимпийский огонь, который передают к месту проведения очередной Олимпиады.
Древний Египет: праздники вместо серых будней
У древних египтян тоже были праздники, а не только серые будни, хотя их торжества с современной точки зрения кажутся, по меньшей мере, странными. Рождение ребенка, к примеру, вовсе не считалось основанием для радости, и дни рождения никак не отмечали и не праздновали. Но свадебные торжества у египтян были. В зависимости от имущественного и общественного положения молодых супругов в честь бракосочетания устраивали скромный праздник с небольшим числом приглашенных или изобильный веселый «пир на весь мир».
Царица Хатшепсут на празднике Сед. (wikipedia.org)
Фараон был не только сыном бога Ра, но и человеком своего времени, поэтому не все в его жизни отличалось от жизни современников. У фараонов, по-видимому, тоже не было дней рождения, хотя по случаю появления на свет наследника престола, вероятно, все же устраивали внутри дворца небольшое торжество. Зато траур по усопшему владыке охватывал всю страну и продолжался 90 дней.
Одним из самых великих и радостных праздников фараона был праздник Хеб-сед, чаще называемый просто Сед. Праздником Сед торжественно отмечали важную дату — 30 лет со дня вступления фараона на престол. После первого праздника Сед его повторяли через каждые три года. Разумеется, не каждому фараону удавалось дожить до этого «юбилея». Если правитель предчувствовал, что его дни сочтены, и он может не дожить до праздника Сед, он переносил его празднование на более ранний срок.
На празднике Сед фараон непременно должен был показать, что он еще силен и способен управлять страной. Иногда силы правителя поддерживали с помощью «омолаживающих» ритуалов.
Особыми торжествами отмечали награждение фараоном кого-нибудь из приближенных «почетным золотом» за выдающиеся заслуги. Сначала золотом награждали полководцев за успешные военные походы, а потом это вошло в обычай, и фараон стал лично одаривать золотом и драгоценностями своих сановников.
Самым любимым в народе был праздник начала года. Его отмечали в разгар лета, когда начиналось половодье. Вода в Ниле поднималась и заливала поля, земледельцы и весь народ радовались надеждам на хороший урожай. В это время на небе всходила звезда Сириус. Она считалась воплощением богини Сопдет — богини нового года, наводнений и чистой воды, покровительницы умерших, которую египтяне представляли в виде женщины с коровьими рогами.
Как и у других земледельческих народов, у египтян было также множество праздников урожая, которые отмечали в каждой местности в разные дни. Во время этих празднеств устраивали ритуальное чествование богов плодородия, благодарили их за помощь и просили не оставлять в дальнейшем своим божественным покровительством.
Высшее общество Древнего Египта праздновало все установленные праздники, но и в другие дни не сторонилось веселья — устраивало пиры, приглашало гостей. Пирующих развлекали танцовщицы, акробаты и музыканты. По нарядно убранным покоям сновали сотни слуги и служанок, выполнявших любую прихоть гостей. На красивых блюдах подавали различные сорта мяса и дичи, хлеб, фрукты. Обильную еду запивали пивом и вином. Египтяне очень любили выпить, они даже праздники называли попросту «пьянство» или «опьянение».
Одним из важнейших праздников Древнего Египта был, несомненно, любимый народом и очень красивый и веселый праздник бога Амона — Опет. Продолжался он долго, примерно 27 дней во время разлива Нила. Праздник Опет начинался с того, что из Карнака — храма бога Амона в Фивах, выходила многолюдная торжественная процессия. В пышно разукрашенных носилках в форме ладьи жрецы несли статую бога Амона, в двух других ладьях «плыли» по воздуху поддерживаемые сильными руками ладьи со статуями супруги Амона богини неба Мут и ее сына Хонсу.
Вода во время разлива Нила стояла высоко, заливала поля и подмывала плотины и дороги, но зато на лодках можно было плавать почти по всей долине. На праздник сходилось и съезжалось из дальних мест множество народа. Отовсюду слышались звуки музыки, веселые голоса, разносились вкусные запахи принесенной снеди. Торговцы предлагали фрукты, мясо, хлеб, разнообразные лакомства и кувшины с напитками. При большом стечении народа на воду спускали тяжелые, богато убранные храмовые ладьи Амона, Мут и Хонсу, на которые помещали носилки со статуями, и с помощью других судов, шестов и весел выводили неповоротливые ладьи на открытую воду. Статуи торжественно перевозили в Луксор, а под конец праздника Опет их возвращали обратно по аллее сфинксов в храм Карнак, где они хранились весь год до следующего шествия. Египтяне веселились, объедались и упивались в течение двух, трех или четырех недель, что зависело от продолжительности подъема воды в Ниле.
Другое религиозное торжество, которое тоже было очень важным для египетских фараонов, это праздник Мина — очень древний ритуал, хорошо документированный в археологических памятниках. Его значение, вероятно, изменялось в ходе столетий. Праздник Мина иначе называли Праздник ступеней, потому что считалось, что бог плодородия Мин сидел на своей ступени и принимал приношение — первый сноп нового урожая.
Праздник Мина начинался в первый день жатвы и отмечался ритуальной процессией. Впереди процессии вели белого быка — символ бога Мина, на голову которого прикрепляли корону. Фараон шел вместе с сыновьями в сопровождении сановников и знати. В честь божества воздвигали символический столб. Фараон, участвовавший в ритуале, срезал на поле золотым серпом первый сноп, подносил его к столбу и торжественно укладывал у подножья.
Праздник Мина был не таким всенародным, шумным и веселым, как Опет. Земледельцы приступали к уборке урожая и не могли себе позволить предаваться продолжительному обжорству и пьянству. Даже если урожай предполагался богатый, его еще нужно было убрать. А для фараона праздничные ритуалы составляли существенную часть обязанностей, лежавших на нем как на правителе страны и главном оплоте египетского общества.
Керамика в Древнем Египте для детей
Египетская керамика
Египтяне были одной из первых культур в мире, создавших керамику. Они создали превосходную цивилизацию, основанную на сельском хозяйстве, и считается, что они делали керамику как способ хранения зерна и продуктов питания. Им также требовалась керамика для хранения воды и для приготовления пищи. Поскольку египтяне очень гордились своим искусством, они использовали керамику, чтобы отразить свое творчество и воображение.
Египетская керамика, как и многие другие гончарные изделия, изготавливалась из глины. Их расположение недалеко от реки Нил дало им возможность иметь много глины. Оригинальные глиняные изделия были довольно простыми, они взяли свернутые в спирали глиняные нити и намотали их кругами, чтобы сделать стенки глиняного горшка, а затем сгладили стены. Поскольку в Египте невероятно жарко, они могли выставить готовую керамику на египетское солнце, чтобы запечь и запечатать ее.Более поздние открытия показали, что у них был гончарный круг, который медленно вращался, что дало им возможность использовать свои руки для изготовления различных форм и размеров. Египтяне любили цвет и часто окунали готовую керамику в чаны с краской. Когда он высыхал, они использовали гребни или шпатели, чтобы выцарапывать рисунки и узоры на глине. Чтобы придать керамике другой темно-черный вид, ее также подвергали воздействию дыма.
В ранний период династии (до фараонов) гончарные изделия были довольно простыми, но полезными для их нужд.Они экспериментировали с разными рисунками, и некоторые из них были обнаружены в форме голов их богов.
Керамика стала настолько популярной потребностью в жизни древних египтян, что у них были люди, которые специализировались на создании большого количества глиняной посуды. Они изготавливали предметы для повседневного использования, а также были изготовлены специальные глиняные изделия, которые были помещены в гробницы для тех, кто умер. К 3500 году до нашей эры художники, изготовлявшие глиняную посуду, начали добавлять изображения, на которых изображались животные и действия, в которых они участвовали.Среди них были лодки, люди и все животные, которых они видели каждый день.
По мере того, как они продолжали развивать свои гончарные методы, они начали делать гончарные изделия самых разных форм и размеров. Иногда у них был кувшин с двумя крышками, а другие ставили на дно ноги в форме человеческих ступней. Египтяне также делали глиняные формы, которые они использовали для украшения керамики снаружи. Особенно они любили горных козлов и птиц фламинго.
Один из видов гончарных изделий, которые они делали, был покрыт веществом, называемым красным окре.Это краситель оксида железа, известный как пигмент, который естественным образом был обнаружен в Египте. Они измельчали красный окр до порошкообразной формы и использовали его как краситель для гончарных изделий. Иногда им покрывали весь предмет, а иногда использовали для украшения. Они также использовали другие измельченные минералы, смешанные вместе для получения различных художественных результатов.
Египтяне обнаружили, что без какой-либо глазури их керамика была «пористой» и позволяла жидкости просачиваться наружу, а также не могла хорошо запечатывать пищу.Они разработали ряд методов глазури и начали использовать методы «обжига» в высокотемпературных печах. Глазури также увеличили количество используемых цветов. В течение так называемой эпохи «Нового царства» они украшали свою керамику после обжига, и их любимыми цветами были синий (так называемый египетский синий), красный (сделанный с красной охрой) и черный (сделанный с углеродом или комбинацией оксидов). / минералы марганца)
Египетская керамика высокого качества и дизайна часто создавалась для фараона и его двора.Бедняки и рабочий класс использовали глиняную посуду для детских игрушек, включая куклы, игрушечные кораблики и даже настольные игры с глиняными кусочками. Поскольку бедняки не могли позволить себе дорогие захоронения, керамика иногда использовалась в качестве гробов.
Что именно изучают истории искусств?
История искусства — это дисциплина социальных наук , изучающая эволюцию искусства во времени. Сосредоточьте эти исследования на анализе художественного самовыражения человека в разные периоды существования человечества и на том, как оно представляло их конкретное видение окружающего мира с помощью различных техник и художественных проявлений. История искусств как наука. позволяет классифицировать исследования различных культур и обеспечивает энциклопедические знания о том, как они проявляются в каждый из исторических периодов, определяя характеристики, которые делают их отличительными.
Эта наука также является результатом тесных взаимоотношений и сотрудничества между различными междисциплинарными науками. Поддержка истории искусств со стороны различных дисциплин, и все большее количество современных сложных техник приводит к более полному и точному изучению художественных проявлений, которым посвящена, среди которых: скульптура, архитектура, живопись, керамика, музыка, текстильные изделия, изделия из металла, производство стекла и другие изделия, хотя в настоящее время они охватывают не только так называемое изобразительное искусство.
Каждая из сотрудничающих наук вносит свой особый вклад в видение событий, которые сформировали художественное наследие человека во времена, среди них: археология, антропология, химия, геология, история, биология и архитектура и многие другие История искусства Науки заслуживают наибольшего доверия.
Сегодня достижения истории искусстваПостоянное получение обновленной информации о художественном наследии человечества во времена помогает нам сегодня лучше понять красоту и ценность художественных произведений наших предков, а также проанализировать уровень сложности, с которым они были созданы, и их связь с их историческими, религиозными, философскими произведениями. , и социальный контекст.
Изучение уровней навыков художников или ремесленников в каждой культуре; также способствуют пониманию влияния, которое они получили от других предыдущих или современных культур, и того, как эти навыки, в свою очередь, повлияли на их собственных потомков. Несомненно, эти влияния, прошедшие на протяжении веков, определили то, как вещи создаются сегодня не только в художественном, но и в практическом плане.
Артефакт вне надлежащего контекста, который включает в себя другие очень важные факторы для людей, ограничивает оценку реальной ценности, они могут казаться даже красивыми или хорошо отделанными, но без истории, которая их окружает, не может быть реально оценена их ценность с целостностью.Искусство носило по существу элитарный характер на протяжении большей части истории человечества и долгое время было доступно только для богатых классов; совсем недавно эти произведения искусства приобретают то значение, которое они действительно имеют в глазах широких масс.
Искусство сегодня пользуется широкой сетью изучения, распространения и сохранения всего художественного наследия, созданного человечеством на протяжении всей своей истории. Еще многое предстоит сделать для повышения лаконичности для сохранения исторических мест и артефактов и защиты их от вандализма и грабежей.
С 20-го века появилось множество учреждений, фондов, музеев и галерей, государственных и частных, занимающихся анализом и каталогизацией произведений искусства, а также их надлежащим представлением широкой публике с различными темами, которые не являются ограничивается только так называемым изящным искусством.
Художественная комната в музее Ринглинга и Мейбл в Сарасоте, штат Флорида. Музей открыт бесплатно каждый понедельник для посетителейэтой художественной комнаты. Следует отметить, что рост средств массовой информации и увеличение ими богатства различных социальных слоев населения были очень важны для распространения идей о необходимости учиться. и сохранить искусство и артефакты в наши дни.Этот важный труд способствовал распространению новых художников и эстетических форм, которые, тем не менее, показывают нам их связь с культурным наследием прошлого. Новые технические и художественные возможности выражения, которые они фактически разрабатывают, также будут изучены для будущих поколений.
Так или иначе искусство стало более доступным для масс, и влияние этих художественных произведений с перевала можно увидеть в бесчисленных формах выражения или дизайнерских тенденциях нынешнего художника.Любители искусства и истории в целом сегодня увеличивают количество интернет-страниц, посвященных нести послание искусства, через огромное количество из них, темы которых столь же разнообразны, как и само искусство.
Чтобы знать, как и где человечество должно направлять свое будущее, нам нужно узнать об истории искусств и наших прошлых сокровищах, извлечь из этого мудрого потока информации необходимое вдохновение для увеличения духовного обогащения нынешнего и будущих поколений.
Керамика Campaniform с шнуровкойПожалуйста, посетите список категорий, чтобы получить доступ к ссылкам на периоды искусства или культуры.
Вы можете связаться со мной по эл. и комментарий, который можно понять, а также внести свой вклад в содержание или дизайн блога.
Ваше мнение очень важно для меня, но я не одобряю спам-комментарии.
Древнеегипетское искусство | Западная цивилизация
Цель обучения
- Изучите развитие египетского искусства в период Древнего царства
Ключевые моменты
- Древнеегипетское искусство включает живопись, скульптуру, архитектуру и другие виды искусства, такие как рисунки на папирусе, созданные между 3000 г. до н.э. и 100 г. н.э.
- Большая часть этого искусства была сильно стилизована и символична. Многие из сохранившихся форм происходят из гробниц и памятников и, таким образом, сосредоточены на жизни после смерти и сохранении знаний.
- Символизм означал порядок, выраженный в регалиях фараона или в использовании определенных цветов.
- В египетском искусстве размер фигуры указывает на ее относительную важность.
- Картины часто делались на камне и изображали приятные сцены загробной жизни в гробницах.
- Древние египтяне создавали как монументальные скульптуры, так и скульптуры меньшего размера, используя технику утопленного рельефа.
- Статуи Ка, которые должны были служить местом отдыха для части души Ка, часто делались из дерева и помещались в гробницы.
- Фаянс — это спеченная кварцевая керамика с остеклованием поверхности, используемая для создания относительно дешевых небольших предметов разных цветов. Стекло изначально было предметом роскоши, но стало более распространенным и использовалось для изготовления небольших сосудов для духов и других жидкостей, которые помещались в гробницы.Из стеатита изготавливались резные вазы, амулеты, изображения божеств и животных. Керамика иногда покрывалась эмалью, особенно синего цвета.
- Папирус использовался для письма и рисования, а также для записи всех аспектов египетской жизни.
- Архитекторы тщательно спланировали здания, согласовав их с астрономически значимыми событиями, такими как солнцестояния и равноденствия. В основном они использовали обожженный на солнце сырцовый кирпич, известняк, песчаник и гранит.
- Период Амарны (1353–1336 гг. До н.э.) представляет собой перерыв в древнеегипетском художественном стиле, предметы были представлены более реалистично, а сцены включали в себя изображения любви среди королевской семьи.
Условия
скарабея
Древнеегипетский самоцвет в огранке в виде жука-скарабея.
Фаянс
Посуда керамическая глазированная.
ушабти
Древнеегипетская надгробная фигура.
Ка
Предполагаемая духовная часть отдельного человека или бога, которая выжила после смерти и могла находиться в статуе этого человека.
затопленный рельеф
Скульптурная техника, при которой очертания моделируемых форм высекаются на плоской поверхности, за которую формы не выступают.
регалии
Эмблемы или знаки королевской власти.
папирус
Материал, приготовленный в Древнем Египте из стебля водного растения, который использовался в листах для письма или рисования.
Древнеегипетское искусство включает живопись, скульптуру, архитектуру и другие виды искусства, такие как рисунки на папирусе, созданные между 3000 г. до н.э. и 100 г. н.э. Большая часть этого искусства была сильно стилизована и символична. Многие из сохранившихся форм происходят из гробниц и памятников и, таким образом, сосредоточены на жизни после смерти и сохранении знаний.
Символизм в древнеегипетском искусстве передавал ощущение порядка и влияния природных элементов. Регалии фараона символизировали его или ее власть править и поддерживать порядок во вселенной. Синий и золотой указывали на божественность, потому что они были редкими и ассоциировались с драгоценными материалами, в то время как черный цвет выражал плодородие реки Нил.
В египетском искусстве размер фигуры указывает на ее относительную важность. Это означало, что боги или фараон обычно были крупнее других фигур, за которыми следовали фигуры высокопоставленных чиновников или владельца гробницы; самыми маленькими фигурами были слуги, артисты, животные, деревья и архитектурные детали.
Перед покраской каменную поверхность ее белили, иногда покрывали грязевой штукатуркой. Пигменты были сделаны из минералов и могли противостоять сильному солнечному свету с минимальным выцветанием. Связывающая среда неизвестна; краска была нанесена на высохшую штукатурку в стиле «фрески а секко». Затем в качестве защитного покрытия был нанесен лак или смола, которые, наряду с сухим климатом Египта, очень хорошо защищали картину. Целью рисунков на гробницах было создание приятной загробной жизни для умершего с такими темами, как путешествие по загробному миру или божества, обеспечивающие защиту.Обычно изображался вид человека или животного сбоку, а картины часто выполнялись в красном, синем, зеленом, золотом, черном и желтом цветах.
Настенная живопись Нефертари. На этой настенной росписи Нефертари виден сбоку.
Древние египтяне создавали монументальные скульптуры и скульптуры меньшего размера, используя технику утопленного рельефа. В этой технике изображение создается путем вырезания рельефной скульптуры на плоской поверхности в углублении вокруг изображения. При сильном солнечном свете эта техника очень заметна, подчеркивая очертания и формы тенью.Фигуры показаны торсом вперед, головой сбоку и раздвинутыми ногами, причем самцы иногда темнее самок. Большие статуи божеств (кроме фараона) не были обычным явлением, хотя божества часто изображались на картинах и рельефах.
Колоссальная скульптура в масштабе Великого Сфинкса Гизы не повторялась, но более мелкие сфинксы и животные были обнаружены в храмовых комплексах. Считается, что самый священный культовый образ храмового бога хранился в наосах в небольших лодках, вырезанных из драгоценного металла, но ни один из них не сохранился.
статуй ка, которые должны были служить местом упокоения части души ка, присутствовали в гробницах во времена IV династии (2680-2565 гг. До н.э.). Их часто делали из дерева и называли запасными головами, которые были простыми, безволосыми и натуралистичными. В ранних гробницах были небольшие модели рабов, животных, зданий и предметов, которые обеспечивали жизнь умершим в загробном мире. Позже фигуры ушебти присутствовали в качестве погребальных фигур, чтобы действовать в качестве слуг умершего, если он или она будет призван выполнять ручной труд в загробной жизни.
Статуя Ка. Статуя ка была помещена в гробницу, чтобы обеспечить физическое место для проявления ка. Эта статуя находится в Египетском музее Каира.
Было обнаружено множество небольших резных предметов, от игрушек до посуды, а для изготовления более дорогих предметов использовался алебастр. При создании любых скульптур соблюдались строгие условности и рейтинговая система. Это привело к довольно вневременному качеству, поскольку за тысячи лет было внесено мало изменений.
Фаянс — это спеченная кварцевая керамика со стеклованием поверхности, используемая для создания относительно дешевых небольших предметов многих цветов, но чаще всего сине-зеленых. Его часто использовали для изготовления украшений, скарабеев и статуэток. Стекло изначально было предметом роскоши, но стало более распространенным и использовалось для изготовления небольших сосудов с духами и другими жидкостями для размещения в гробницах. Из стеатита изготавливались резные вазы, амулеты, изображения божеств и животных. Керамика иногда покрывалась эмалью, особенно синего цвета.В гробницах керамика использовалась для изображения органов тела, удаленных во время бальзамирования, или для создания конусов высотой около десяти дюймов, на которых выгравированы легенды об умерших.
Папирус очень хрупкий, его использовали для письма и рисования; он выжил в течение долгого времени только тогда, когда захоронен в гробницах. Все аспекты египетской жизни записаны на папирусе, от литературных до административных документов.
Архитекторы тщательно спланировали здания, выровняв их с астрономически значимыми событиями, такими как солнцестояния и равноденствия, и использовали в основном обожженный на солнце глиняный кирпич, известняк, песчаник и гранит.Камень использовался для гробниц и храмов, в то время как другие здания, такие как дворцы и крепости, были построены из кирпича. Дома были сделаны из грязи реки Нил, затвердевающей на солнце. Многие из этих домов были разрушены наводнением или разобраны; Примеры сохранившихся построек включают деревню Дейр аль-Медина и крепость Бухен.
Некрополь Гизы, построенный во времена Четвертой династии, включает пирамиду Хуфу (также известную как Великая пирамида или пирамида Хеопса), пирамида Хефрена и пирамида Менкаура, а также меньшие пирамиды «королевы» и Большой сфинкс.
Пирамиды Гизы. Пирамида Хуфу (Великая пирамида) — самая большая из пирамид, изображенных здесь.
Карнакский храм был построен в 16 веке до нашей эры. Около 30 фараонов внесли свой вклад в строительство зданий, создав чрезвычайно большой и разнообразный комплекс. Он включает в себя районы Амон-Ре, Монту и Мут, а также Храм Амехотепа IV (разобран).
Карнакский храм. Здесь показан гипостильный зал Карнакского храма.
Луксорский храм был построен в 14 веке до нашей эры Аменхотепом III в древнем городе Фивы, ныне Луксор, с большим расширением Рамсесом II в 13 веке до нашей эры.Он включает в себя Первый пилон высотой 79 футов, фризы, статуи и колонны.
В этот период, который представляет собой перерыв в стиле древнеегипетского искусства, предметы были представлены более реалистично, а сцены включали в себя изображения привязанности королевской семьи. В изображениях было ощущение движения с перекрывающимися фигурами и большими толпами. Стиль отражает движение Эхнатона к монотеизму, но он исчез после его смерти.
Источники
Принципов египетского искусства | Ресурс
Определение стиля
Понимание египетского искусства заключается в понимании того, для чего оно было создано.Древнеегипетское искусство нужно рассматривать с точки зрения древних египтян, а не с нашей.
Несколько статичный, формальный, абстрактный и часто блочный характер большей части египетских образов привел к тому, что их сравнивают с более чем « натуралистическим », греческим или ренессансным искусством. Но искусство египтян служило другой цели, чем искусство этих более поздних культур.
Другая проблема: «Что мы подразумеваем под Style ?»
- Отличался ли египетский «стиль» от сегодняшнего взгляда на «стиль»?
Стиль определяется как «как вы что-то делаете.’ Стиль должен быть отличительным и узнаваемым. Он образован от латинского «стилус », «», означающего «пишущий инструмент», и сначала был связан с различным письмом людей. В искусстве есть два аспекта стиля, и иногда доминирует один стиль. Так обстоит дело с египетским искусством.
Первый аспект — индивидуальный стиль художника. Это может быть трудно определить с некоторыми культурами, и обычно это указывается методами, используемыми для получения в данной области.Эту область стиля можно разделить на напористый стиль , который является личным для художника и несет информацию, поддерживающую индивидуальную идентичность, затем существует эмблемический стиль , который несет информацию о групповой идентичности общества, к которому принадлежит художник.
Второй аспект стиля связан со стилистической культурой и на самом деле является способом общения или передачи информации. В египетском искусстве преобладает этот стилистический аспект.
Что поражает в египетском искусстве, так это то, что текст сопровождает почти все изображения.В статуях идентифицирующий текст будет отображаться на задней колонне, поддерживающей статую, или на основании. Рельеф или картины обычно имеют подписи или более длинные тексты, которые уточняют и завершают историю в сценах. Картины и панно часто сопровождаются иероглифами. Иероглифы часто сами по себе являются произведениями искусства, хотя многие из них являются фонетическими звуками. Некоторые обозначают объект или концепцию, которую мы называем логографическим , то есть графическим изображением, представляющим слово (рис. 1). Сегодня современные символы, используемые на дорожных знаках, были бы логограммами.
Рисунок 1: Египетские логограммы. Питер Булл.
При взгляде на произведение египетского искусства текст и изображение не всегда четко определены, например, определяющий признак (знак в конце слова, который указывает на то, что движение определяется парой ног и именем мужчина показан изображением мужчины).
Исключением из этого египетского стиля является искусство периода Эхнатона (1352–1336 гг. До н.э.). Он отверг пантеон богов в пользу одного бога, и вместе с этим радикальным ходом искусство этого правления было другим.
Пропорции человеческого тела проявляются в высшей степени с большой головой и опущенными чертами лица, узкими плечами и талией, маленьким туловищем, большими ягодицами, обвисшим животом и короткими руками и ногами. Мы не знаем, почему произошли такие радикальные изменения, и после его правления искусство вернулось к классическим формам (рис. 2).
а) б)
Рисунок 2: а) Рамсес II по сравнению с б) Эхнатон, обратите внимание на различия. а) © Попечители Британского музея, б) © The Art Archive / Alamy
Египетский стиль в статуях
Хотя сегодня мы восхищаемся сверкающими сокровищами из гробницы Тутанхамона, красивыми рельефами в гробницах Нового Царства и безмятежной красотой статуй Старого Царства, важно помнить, что большинство этих работ никогда не предназначались для показа , это не было их целью.Итак, когда мы смотрим на них в поисках стиля, мы можем узнать человека, интерпретируя сопровождающие иероглифы, но способ украшения также отличается и говорит нам кое-что об обществе.
- Что отличало стиль египетского искусства?
- Можем ли мы определить условные обозначения, и если да, то каковы они?
Эти изображения людей с высоким статусом, будь то статуи богов или фараонов или рельефы на стенах гробниц, были созданы для того, чтобы принести пользу божеству или умершему получателю.Большая часть египетского искусства демонстрирует фасадов . Это просто означает, что они смотрят прямо вперед, виден только один глаз, а оба плеча обращены вперед, что может придать им вид жесткости (рис. 3).
- Существовали ли другие стили в египетском искусстве?
Рисунок 3: Египетская книга мертвых, демонстрирующая стилистические особенности. © Попечители Британского музея.
Основные условности египетского искусства можно увидеть на Рисунке 3 выше.Стилистические условности, принятые каждым художником в Древнем Египте, включали не только «фронтальность», но и «ось». Правила осевой ориентации означали, что фигуры располагались на оси.
Пропорции фигур были связаны с шириной ладони, поэтому существовали правила относительно пропорций головы к телу. Лица не выражали эмоций.
Размеры фигур определялись их важностью. Пропорции детей не изменились; они просто изображены в меньшем масштабе.Слуги и животные обычно изображались в меньшем масштабе. Чтобы четко определить социальную иерархию ситуации, фигуры были нарисованы в размерах, основанных не на их расстоянии от точки зрения художника, а на их относительной важности. Например, фараон будет изображен как самая большая фигура на картине, независимо от того, где он находится, и более великий Бог будет изображен крупнее, чем меньший бог.
Оси, пропорции и иератическое масштабирование указывают на то, что египетским художникам пришлось бы использовать математику для построения своей композиции.Древние египетские художники использовали вертикальные и горизонтальные контрольные линии, чтобы поддерживать правильные пропорции в своих работах. Во многих гробницах стены до сих пор несут эти решетки, которые используются для того, чтобы гарантировать соблюдение условностей низшими художниками и учениками, работающими на мастера-художника. В египетском искусстве сохранялся политический и религиозный, а также художественный порядок.
Важные фигуры обычно не изображались внахлест, а вот фигуры слуг. Каждый объект или элемент сцены был разработан и нарисован под наиболее узнаваемым углом.Затем объекты в сцене были сгруппированы вместе, чтобы создать единое целое. Вот почему изображения людей показывают их лицо, талию и конечности в профиль, а глаза и плечи показаны лицом вперед. Эти сцены представляют собой составные изображения, предназначенные для предоставления полной информации о взаимоотношениях объектов друг с другом, а не с одной точки зрения.
Правила также применялись к позам и жестам фигур, чтобы отразить значение того, что человек делал. Древний египетский художник изобразил фигуру в акте поклонения с вытянутыми вперед руками и поднятыми руками.
Они не пытались воспроизвести реальный мир, но добились реалистичного диалога между трехмерным миром и своими картинами за счет использования положения и группировки для представления глубины, так что фон показан над фигурой, передний план ниже или сбоку.
Большинство формальных статуй демонстрируют предписанную фронтальность, то есть они расположены так, чтобы смотреть прямо перед собой, потому что они были созданы для того, чтобы противостоять ритуалу, выполняемому перед ними.
Часто это находится в храме или гробнице, такой как ряд из четырех колоссальных статуй Рамзеса II за пределами главного храма в Абу-Симбеле (рис. 4).Они были предназначены для встречи с восходящим солнцем, столь важным в египетской религии.
Рисунок 4: Статуи Рамсеса II в Авеле Симбеле. © Shutterstock.
статуй были установлены для участия в ритуалах, связанных с богами и фараоном. Многие статуи изначально помещались в углубленные ниши или другие архитектурные сооружения; контексты, которые сделали бы фронтальность их ожидаемым и естественным способом. Другие были размещены напротив пилонов или вдоль дороги к храму, как показано на рисунке 5.
Рисунок 5: Аллея Сфинксов и первый пилон у западного входа в Храм Амона Ре Карнак. © Shutterstock
Скульптура, будь то божественная, королевская или элитная, обеспечивала канал для духа (или ka ) представляемого существа для взаимодействия с земным царством. Божественные культовые статуи (немногие из которых сохранились) были предметом ежедневных ритуалов. Эти ритуалы включают в себя одевание, помазание и ароматизацию статуи благовониями. Иногда они выходили из храма, и их несли в процессиях на особые праздники, чтобы люди могли «видеть» их, хотя почти все они были полностью скрыты от глаз деревянными ковчегами, но их «присутствие» чувствовалось.
Причина такой видимости в том, что они были задуманы не как форма искусства, а как часть религиозного ритуала. У египтян не было слова для обозначения искусства, но у них были слова для обозначения статуи, стелы или гробницы. Они чувствовали эстетику , но в пределах функции. Тогда искусство функционирует внутри религии.
Скульптуры из дерева и металла для обозначения общих фигур, которые в отличие от ритуальных статуй были более выразительными. Руки можно было выдвинуть и удерживать отдельные предметы, промежутки между конечностями были открыты, чтобы создать реалистичный вид, и было возможно больше положений.Даже тогда художественные условности соблюдались (рис. 6).
Рисунок 6: Рельеф мастеров. Пэт О’Брайен
Каменные, деревянные и металлические скульптуры элитных фигур выполняли одни и те же функции и сохраняли тот же тип формализации и фронтальности. Только статуэтки людей с более низким статусом отображали широкий спектр возможных действий, и эти фигуры были сосредоточены на действиях, которые приносили пользу элитному владельцу, а не людям, участвовавшим в этом.
Следовательно, эти типовые фигурки часто помещались в гробницы, чтобы служить их владельцам в загробной жизни в качестве пекарей, писцов и других профессий.Они были там как шабти , вероятно, возникшие из фигур слуг, обычных в гробницах Среднего царства. Они были показаны мумифицированными, как покойники, с собственным гробом и начертанными заклинанием, чтобы обеспечить пищу своему хозяину или хозяйке в загробной жизни. В качестве альтернативы могут быть модели слуг обоих видов, которые показаны на Рисунке 7 ниже.
а) б)
Рис. 7: а) Фигуры Шабти; б) модель парусного корабля. © Попечители Британского музея.
Маленькие фигурки божеств или их олицетворения животных очень распространены и встречаются в популярных материалах, таких как керамика. Также было большое количество небольших резных предметов, от фигурок богов до игрушек и резной посуды. Для их дорогих версий часто использовался алебастр; крашеное дерево было наиболее распространенным материалом и обычным явлением для небольших моделей животных, рабов и вещей, помещенных в гробницы для обеспечения загробной жизни.
Трехмерные изображения, будучи достаточно формальными, также были нацелены на воспроизведение реального мира — скульптуры богов, королевской семьи и элиты были разработаны, чтобы передать идеализированную версию этого человека.Некоторые аспекты «натурализма» были продиктованы материалом. Каменная скульптура, например, была довольно закрытой — руки были близко к бокам, ограниченное положение, сильная задняя колонна, которая обеспечивала поддержку, и с заполненными пространствами, оставленными между конечностями
Египетский стиль в живописи и рельефе
Картины демонстрировали двумерное искусство и в результате представляли мир совершенно иначе. Египетские художники использовали двухмерную поверхность, чтобы передать наиболее репрезентативные аспекты каждого объекта сцены.
- Отражает ли живопись те же условности?
Египетские художники работали только в двух измерениях, поэтому наилучшей характеристикой объекта был вид, который использовал художник. Опять же они использовали идеи фронтальности, аксиальности и пропорциональности. Поэтому, создавая человеческую форму, художник показал голову в профиль, при этом линия глаз на полный обзор параллельна линии плеч, а грудь, талия, бедра и конечности — в профиль. Однако, если есть украшения на шею, которые нужно показать, они показаны полностью (рис. 8).
Рисунок 8: Музыканты, Могила Нахта. © Собрание картинной галереи / Алами.
Сцены были упорядочены по параллельным линиям, известным как регистры. Эти регистры разделяют сцену, а также обеспечивают линии земли для фигур. Сцены без регистров необычны и обычно использовались только для того, чтобы вызвать хаос; сцены сражений и охоты часто показывают добычу или чужие армии без наземных линий. Регистры также использовались для передачи информации о сценах — чем выше в сцене, тем выше статус; перекрывающиеся цифры означают, что те, что внизу, находятся дальше, как и те элементы, которые находятся выше в регистре.
Проницательность, точное отображение реальной жизни и природы, а также строгое соответствие набору правил изображения трехмерных форм преобладали в характере и стиле искусства Древнего Египта. Полнота и точность были предпочтительнее красивости и косметического изображения. Использование математики для создания искусства также очень очевидно во многих незавершенных формах искусства, что указывает на то, что египетские художники использовали некоторые математические формулы для создания порядка в своем искусстве.
Из-за очень религиозного характера древнеегипетской цивилизации многие великие произведения Древнего Египта изображают богов, богинь и фараонов, которые также считались божественными. Для древнеегипетского искусства характерна идея порядка. Четкие и простые линии в сочетании с простыми формами и плоскими цветовыми областями помогли создать ощущение порядка и баланса в искусстве Древнего Египта.
Символизм сыграл важную роль в установлении чувства порядка, которое варьировалось от регалий фараона (символизирующих силу поддерживать порядок) до отдельных символов египетских богов и богинь.Животные также были очень символическими фигурами в египетском искусстве.
Цвета предметов были более выразительными, чем естественными. Таким образом, красная кожа подразумевала трудолюбивую загорелую молодежь, тогда как желтая кожа использовалась для женщин или мужчин среднего возраста, которые работали в помещении. Наличие синего или золотого цвета указывало на божественность. Использование черного цвета для королевских фигур выражало плодородие Нила. Стереотипы о людях использовались для обозначения географического происхождения.
Разница в масштабе обычно использовалась для передачи иерархии.Чем крупнее был масштаб фигур, тем они были важнее. Короли часто изображались в том же масштабе, что и божества, и оба показаны крупнее, чем элита, и намного больше, чем население в целом, а в самом маленьком масштабе показаны слуги, артисты, животные, деревья и архитектурные детали. Таким образом, размер указывает на относительную важность в социальном порядке.
Древнеегипетские художественные формы характеризуются регулярностью и подробным изображением богов, людей, героических битв и природы.Большая часть сохранившихся работ была спроектирована и сделана, чтобы обеспечить покой и помощь умершим в загробной жизни. Художники стремились максимально четко и надолго сохранить все из настоящего. Древнеегипетское искусство было разработано для представления социально-экономического статуса и систем убеждений.
Египтяне использовали отличительную технику утонувшего рельефа, хорошо подходящую для очень яркого солнечного света. Основные фигуры в рельефах придерживаются того же правила рисунка, что и в живописи.
Папирус использовали древние египтяне и экспортировали во многие государства древнего мира для письма и рисования. Папирус — относительно хрупкий носитель, который обычно хранится в библиотеке около века или двух, и, хотя он используется повсюду в классическом мире, выживает только в очень сухих условиях, а затем, когда его находят, часто находится в плохом состоянии.
Цвет и пол в архаической Греции и Египте, сравнительный подход
Мэри Энн Иверли « Загорелые мужчины / бледные женщины: цвет и пол в архаической Греции и Египте, сравнительный подход». обращается к различию цвета кожи мужчин и женщин в древнеегипетском и греческом искусстве.Эверли критикует маргинализацию этой темы в текущих научных дискуссиях и утверждает, что в тех случаях, когда тема была исследована, интерпретации, как правило, устарели. Согласно Эаверли, консенсус о том, что различие в цвете кожи между мужчинами и женщинами происходит потому, что это реалистично указывает на пребывание на солнце (мужчины обычно находятся на солнце на улице, а женщины остаются в помещении), является неадекватным выводом, который продолжает повторяться в современной науке. В книге она пытается заполнить эту пустоту, внимательно рассматривая изображения цвета кожи как в древнеегипетском, так и в архаическом греческом искусстве, и исследует, как эти условности реагируют на динамику соответствующих обществ и религий.
Книга представляет собой обобщенный синтез предыдущих статей Эаверли по этому вопросу, и в ней никогда не объясняется, как египетское и греческое искусство взаимодействуют друг с другом, за исключением обобщенного утверждения о том, что египтяне повлияли на греков. Главный аргумент Эверли состоит в том, что различие цвета кожи мужчин и женщин в изобразительном искусстве было не реалистичным, а символическим. В египетском искусстве темная кожа мужчин и светлая кожа женщин олицетворяют двойственность, центральную концепцию египетской религии; в греческом искусстве такая же дифференциация подчеркивает различные, противоположные роли мужчин и женщин в обществе.Эверли исследует вышесказанное в двух частях: во-первых, выделяя то, что она называет «нормой», и во-вторых, сопоставляя норму с тем, что она описывает как «исключение из правила», предполагая, что исключения совпадают с изменение социально-политического климата.
Глава 1, «Египет: установление нормы — прецеденты Древнего царства», знакомит с основными принципами древнеегипетского искусства от позднего додинастического периода (ок. 3500–3000 до н. Э.) До Нового царства (ок. 1550–1070 до н. Э.). в первую очередь на наиболее известных образцах элитных погребальных статуй Древнего царства, к тому времени, как утверждает автор, цветовые условности уже прочно утвердились (28–29).Эверли отвергает интерпретацию, согласно которой различия в цвете кожи по признаку пола реалистично отражают воздействие солнца. Вместо этого она утверждает, что дифференциация предназначена для выражения двойственности или «оппозиционных пар» (40), что отражает концепции египетской идеологии, такие как объединение Верхнего и Нижнего Египта или порядок и хаос, где «союзы противоположностей символизировали завершение »(40). Эаверли также предполагает, что бинарный цвет кожи на рисунках в гробницах был способом разграничить двойную, взаимодополняющую роль мужчин и женщин в увековечивании мифа о сотворении мира, а также роль женщин в качестве стимула для воспроизводства, тем самым гарантируя загробная жизнь владельца гробницы (41).Такое завершение, утверждает она, было необходимо для поддержания порядка в космосе, а мужские и женские цвета, которые, по ее мнению, являются противоположностями, являются лишь одним из способов изображения этой двойственности.
Глава 2, «Египет: исключение, подтверждающее правило — Хатшепсут и Эхнатон», представляет два тематических исследования отклонения от традиционного египетского искусства времен Восемнадцатой династии Нового царства во время правления, которое автор называет «кризисными точками». (17). Один из примеров касается правления царицы Хатшепсут, которая после смерти своего мужа и возведения на пост регента объявила себя королем, присвоила соответствующие имена и титулы и правила самостоятельно.Эверли сосредотачивает свое внимание на заупокойном храме Хатшепсут в Дейр-эль-Бахри, скульптуры и рельефы которого служат примером визуальных средств подтверждения ее царствования. Она объясняет, что Хатшепсут использовала мужские условности для своих представлений, но не отказалась полностью от женских характеристик, даже используя женскую грамматику в надписях. Например, статуи Осирида Хатшепсут имеют разные цвета кожи — желтый, красновато-коричневый и оранжевый — и сгруппированы по цвету в разных частях храма.Эверли предварительно поддерживает интерпретацию Роланда Тефнина о том, что эти разноцветные статуи имеют хронологическое значение (Роланд Тефнин, La statuaire d’Hatshepsout: Portrait royal et politique sous la 18e dynastie , Брюссель: Fondation égyptologique reine Elisabeth, 1979, 37–71). предполагая, что статуи с желтой кожей датируются ранним периодом правления Хатшепсут, в то время как статуи с более темной кожей относятся к более позднему времени (62), но затем она группирует статуи Осирида с желтой (женской) кожей с другими статуями, не относящимися к Осириду, которые обладают женская форма и темная (мужская) кожа как «стремление Хатшепсут объединить свои« два пола »- ее биологическую женственность и ее символическую мужскую роль фараона» (64).Далее она утверждает, что в конечном итоге это гендерное сочетание, а именно наличие женских атрибутов, могло поставить под сомнение легитимность Хатшепсут как царя, и стало необходимо изображать себя исключительно как мужчину с мужским цветом кожи и формой. Примеры, предлагаемые для подтверждения этой гипотезы, — это темнокожие статуи Осирида, которые могут быть датированы более поздним периодом ее правления, когда Хатшепсут изображается полностью мужской. Однако достоверность этой интерпретации невелика, если принять во внимание постоянно женственные грамматические надписи.
Глава 3, «Греция: установление нормы — путь к аттическому рисунку», концентрируется на дифференциации цвета кожи в чернофигурной вазовой живописи. Эверли постулирует, что различие в цвете кожи мужчин и женщин в аттических чернофигурных вазах не означает взаимодополняемости мужчин и женщин, как в египетском искусстве, но подчеркивает, что «женщины фундаментально отличаются от мужчин» (105) с точки зрения активности и характера. Она представляет краткую историю греческой вазовой живописи от геометрического периода до шестого века до нашей эры, лишь минимально охватывая греческую живопись бронзового века, потому что, по ее словам, различие в цвете кожи мужчин и женщин в минойских и микенских картинах и фресках ваз бронзового века несовместимо. и, вероятно, не особенно повлиял на более позднее греческое искусство (11, 87).В своем историческом анализе Иверли подводит итог периоду ориентализации с помощью ранней аттической амфоры, изображающей два греческих мифа; два героя-мужчины, изображенные по обе стороны вазы, окрашены в противоположные цвета: Одиссей окрашен в белый цвет, а Персей — в черный. Она связывает разные цвета не с египетской конвенцией, а с ближневосточной, в которой в крайне ограниченном корпусе сохранившихся настенных росписей мужчины и женщины по-разному окрашены бледной или темной кожей. По мнению Иверли, эти картины указывают на то, что цвет не имел большого значения для изображения пола в ближневосточном искусстве — идею, которую она применяет к вазам раннего аттического периода.Но когда появляются коринфские вазы, снова появляется гендерная цветовая дифференциация, которую автор в данном случае приписывает египетскому влиянию. Мужчины обычно окрашиваются в красновато-коричневый цвет, в то время как женщины изображаются в очертаниях с их кожей, оставленной светлым резервным цветом глины или окрашенной в белый цвет. Однако ее аргумент о том, что египетское искусство повлияло на греческое искусство, поверхностен и подтверждается лишь ограниченными примерами в первых двух главах книги; они предшествуют образцам греческого искусства самое раннее на шестьсот лет.Включение примеров дифференциации цвета кожи в египетское искусство из времени, более совпадающего с изучением греческого искусства, например, с Двадцать пятой по двадцать шестую династии (ок. 747–525 до н.э.), могло быть полезным.
Дискуссия об аттической живописи черных фигур начинается сначала с текстовых ссылок на Гомера и Гесиода, среди прочих, которые описывают дихотомию мужчин как темных, а женщин как белых. И снова Иверли упоминает давно принятую интерпретацию, согласно которой женщины были заключены в закрытом помещении и имели более бледную кожу в результате ограниченного пребывания на солнце.Такие ученые, как Джон Бордман, придерживаются этой интерпретации и сегодня (Джон Бордман, Афинские вазы с черными фигурами , исправленное издание, Лондон: Темза и Гудзон, 1991, стр. 16), даже несмотря на то, что имеется достаточно свидетельств того, что женщины занимались деятельностью вне дома, например женщины из низшего сословия, работавшие акушерками (Sue Blundell, Women in Ancient Greece , Cambridge, MA: Harvard University Press, 1995, 145). В этом обзоре Eaverly предлагает множество примеров ваз, не все из которых воспроизведены здесь, с изображением женщин, выкрашенных в белый цвет.Однако эта часть главы сбивает с толку человека, не знакомого с Черной фигурой Аттика. Хотя Иверли пытается проиллюстрировать, что, как правило, мужчины темные, а женщины бледные, она представляет несколько исключений из этого правила, в которых мужчины также окрашены в белый цвет, например, изображение гидры, изображающее Геракла и Эврисфея, мужчин и женщин. белый. Таким образом, ее предполагаемый аргумент для меня неясен.
Глава 4, «Греция: исключение, подтверждающее правило — аттическая красная фигура», посвящена появлению и более позднему господству краснофигурной живописи и вопросу о том, почему мужчины и женщины больше не рисовались в бинарной манере черного и белый.В аттическом искусстве краснофигурных ваз и позы фигур, нарисованных в том, что предлагает Эаверли, являются натуралистическим стилем, и их настройки кардинально отличаются от более ранних чернофигурных картин. Например, женщин, как правило, изображают в одиночестве или в интерьере, чтобы передать их фундаментальное отличие от мужчин, тогда как более ранние художники-чернокожие достигли этого различия с помощью цвета (149–50).
Оригинальным и убедительным вкладом Иаверли является предположение о том, что красная фигура является «ответом на социальные тенденции» (146), в первую очередь концентрируясь не на фундаментальных различиях между мужчинами и женщинами, а скорее на «проблемах статуса мужчин по отношению друг к другу». »(146).Вазы Pioneer Group иллюстрируют этот момент; в сценах симпозиума аристократы, кажется, находятся в смешанной компании с самими художниками по вазам (145), возможно, в качестве комментария к зарождающемуся демократическому обществу. Она предполагает, что красная фигура также может быть ответом на усиление культурного взаимодействия с «другим». В качестве доказательства того, как афиняне противопоставляли себя друг другу, Эверли включает вазу Яниформ с изображением головы гречанки в стиле красных фигур с одной стороны и головы африканского мужчины, окрашенного в черный цвет, с другой.Таким образом, Эверли утверждает, что дифференциация цвета кожи, которая проявляется в краснофигурной живописи Аттики, была моделью, использованной для изображения полярности между греками и иностранцами.
Иверли указывает, что она не является ни египтологом, ни специалистом по росписи ваз (16), и заявляет, что ее отсутствие этих специализаций благоприятно сказывается на широком исследовании, в котором необходимо взглянуть на более широкую картину. Ей удается проблематизировать изучение условных обозначений цветовой дифференциации мужчин и женщин в искусстве Египта и ранней Греции, но, как она предполагает, расширение анализа на этрусское, римское и ближневосточное искусство может быть чрезвычайно ценным.Ее презентация, хотя иногда и сбивающая с толку на уровне деталей, в целом ясна и доступна для аудитории, незнакомой с предметом. Наконец, книга, посвященная цвету, содержит только двадцать пять черно-белых изображений — девять египетских и шестнадцать греческих примеров, — что несколько неудовлетворительно.
Древнегреческая керамика — Всемирная историческая энциклопедия
Керамика Древней Греции с ок. От 1000 до c. 400 г. до н.э. — это не только некоторые из самых характерных форм ваз античности, но также некоторые из самых старых и самых разнообразных представлений культурных верований и обычаев древних греков.Кроме того, керамика, с ее прочностью (даже когда она сломана) и не привлекает охотников за сокровищами, является одним из великих уцелевших археологов и, следовательно, является важным инструментом для археологов и историков в определении хронологии Древней Греции. Какими бы ни были их художественные и исторические ценности, подавляющее большинство греческих ваз, несмотря на то, что сейчас они являются пыльными музейными экспонатами, на самом деле предназначались для повседневного использования, и, перефразируя Артура Лейна, возможно, стоит вспомнить, что они стояли на каменной мостовой и залиты водой. , они когда-то сияли на средиземноморском солнце.
Материалы и производство
Глина ( keramos ) для производства керамики ( kerameikos ) была легко доступна по всей Греции, хотя лучшей была аттическая глина с высоким содержанием железа, дающей оранжево-красный цвет с легким блеском при обжиге и бледно-желтым цветом. Коринфа. Глину обычно готовили и очищали в отстойниках, так что можно было достичь различной консистенции материала в зависимости от типов сосудов, которые будут с ней изготовлены.
Греческая керамика неизменно изготавливалась на гончарном круге и обычно делалась на отдельных горизонтальных участках: ступня, нижняя и верхняя часть туловища, шея и, наконец, ручки, если это необходимо.Затем эти части были соединены вместе с помощью глиняного «бланка» после высыхания, и во многих случаях можно увидеть отпечатки гончара, отпечатанные на внутренней стороне сосуда. Затем деталь снова поместили на колесо, чтобы сгладить следы соединения и придать окончательную форму. Таким образом, все вазы были уникальными, а небольшие различия в размерах показывают, что использование простых инструментов, а не вырезанных шаблонов было нормой.
Горшки обжигались несколько раз (в одной печи) для достижения требуемой отделки и окраски.
Далее был украшен горшок. Этот процесс зависел от модного в то время декоративного стиля, но популярные методы включали окрашивание всей или части вазы тонкой черной липкой краской, которую наносили кистью, следы которой во многих случаях остаются видимыми. Эта черная краска представляла собой смесь щелочного калия или соды, глины с содержанием кремния и черного закиси железа. Краска прикреплялась к горшку с помощью фиксатора мочи или уксуса, который выгорал в печи, связывая краску с глиной.Другой прием, применяемый реже, — покрытие сосуда белой глиняной краской. В качестве альтернативы, только линии или фигуры были добавлены черным цветом с использованием более густой версии черной краски, упомянутой выше, и нанесены жесткой кистью или пером; в результате был достигнут небольшой эффект облегчения. Мелкие детали часто добавлялись разбавленной черной краской, дающей желто-коричневый цвет, белой глиняной трубкой и темно-красной краской охры и марганца. Последние два цвета со временем отслаивались.
Протогеометрическая амфора
Попечители Британского музея (Copyright)
Готовый горшок был готов к отправке в печь и обжигу при температуре около 960 ° C, что является относительно низким показателем и объясняет «мягкость» греческой керамики (по сравнению, например, с китайским фарфором).Горшки обжигались несколько раз (в одной печи) для достижения требуемой отделки и окраски. Сначала горшок обжигали в окислительном огне, где хорошая вентиляция печи обеспечивала выделение оранжевого / красного цвета глины. Затем горшок был повторно обожжен в печи, в которой не было кислорода (процесс восстановления), путем добавления воды или влажной древесины внутрь печи. Это обеспечивало потемнение окрашенных цветов, особенно черного. Третий обжиг, опять же с хорошей вентиляцией, привел к повторному покраснению глины в горшке, в то время как окрашенные области, теперь защищенные тонкой промывкой, сохранили свой первоначальный цвет.Этот сложный процесс, очевидно, потребовал от гончара отличного времени, чтобы не испортить вазу неприличным обесцвечиванием.
Гончары и художники
Художник и гончар ( kerameus ) обычно, хотя и не всегда, были отдельными специалистами. Тем не менее, прочные партнерские отношения существовали, например, между гончаром Эрготимосом и художником Клейтасом. Многих гончаров, а реже художников, можно с уверенностью идентифицировать по их подписям (чаще всего как «…сделал это »), хотя большинство греческих ваз без подписи. Однако профессор Дж. Д. Бизли, работавший в 20-м веке нашей эры, выявил более 500 неподписанных художников, которых можно отличить по своему особому стилю. Систематическая и всесторонняя каталогизация греческой керамики Бизли также позволила изучить ее эволюцию в технике, дизайне и декоре.
История любви?
Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!
Хорошая греческая ваза, вероятно, стоит всего дневного заработка.
Художники часто работали в коллективных мастерских, как правило, под наблюдением одного «мастера» гончара (что предполагает, что форма для греков была важнее украшения). Хотя художники были свободны от централизованного политического контроля или ограничений, они, несомненно, были движимы рыночным спросом на определенные стили, предметы и моду. Многие гончары и художники были плодовитыми в своей работе, и в некоторых случаях более 200 ваз можно отнести к одному художнику. Большинству гончаров платили бы не больше, чем любому другому ручному рабочему, а хорошая ваза, вероятно, стоила бы всего дневного заработка.Конечно, некоторые художники пользовались большим спросом, и их товары продавались не только на местном уровне, но и по всему Средиземноморью. Сами гончары иногда переезжали в другие города, особенно в колонии, часто унося с собой свой региональный стиль. Между художниками было также некоторое соперничество, о чем свидетельствует один подписанный комментарий к вазе, «лучше, чем мог бы когда-либо сделать Евфроний».
Формы
Хотя греческая керамика предоставляет нам широкий спектр форм от чашек до тарелок и массивных амфор, многие формы оставались относительно неизменными на протяжении веков.Это в первую очередь связано с тем, что греческие гончары производили изделия для практического использования — для хранения вина, воды, масла и духов — и как только оптимальная практическая форма была выработана, ее копировали и поддерживали. Однако, несмотря на это ограничение по форме, греческие гончары и художники могли выразить свою многогранность в украшении вазы.
Самыми распространенными формами керамики были амфоры для хранения вина, большие кратеров, для смешивания вина с водой, кувшины ( oinochoai, ) для наливания вина, киликсов или чашки на ножке с горизонтальными ручками для питья (особенно практично, если поднимать чашки с пола при откидывании на шезлонге за ужином), hydra с тремя ручками для удерживания воды, skyphoi или глубокие чаши и lekythoi кувшинов для хранения масел и духов.Именно потому, что эти предметы предназначались для практического использования, ручки (если они есть) обычно являются прочными вещами, однако гончар, используя тщательно продуманные формы, часто умудрялся смешать эти дополнения с общей гармонией сосуда, и в этом ему помогали тонкие декоративные дополнения художника.
Декоративные стили: протогеометрическая керамика
Греческая керамика, особенно в плане украшения, развивалась на протяжении веков и может быть разделена на четыре большие группы:
Эти группы или стили, однако, не переходили резко от одного к другому, а, скорее, в некоторых случаях оставались современными на протяжении десятилетий.Кроме того, некоторые города-государства и регионы либо не спешили осваивать новые стили, либо просто предпочитали «старые» украшения еще долгое время после того, как они были сняты с производства в других местах. Кроме того, некоторые города и регионы всегда были немного эксцентричными в своем оформлении (особенно Лакония-Спарта, Кипр, Крит и Беотия) и предпочитали следовать своему собственному художественному пути, а не подражать стилям более доминирующих центров, таких как Афины и Беотия. Коринф.
Первый характерный греческий гончарный стиль впервые появился около 1000 г. до н.э. или, возможно, даже раньше.Напоминая по технике ранних греческих цивилизаций минойского Крита и материковой части Микен, в оформлении раннегреческой керамики использовались простые формы, которые использовались редко. Протогеометрическая керамика, однако, отличается от минойской и микенской по форме. Центр тяжести вазы смещается вниз (создавая более устойчивый сосуд), а ножки и шея становятся более сочлененными.
Самыми популярными протогеометрическими узорами были точно нарисованные круги (нарисованные множеством кистей, прикрепленных к циркулю), полукруги и горизонтальные линии черным цветом, а большие области вазы были окрашены только черным.Новым мотивом на основаниях сосудов были вертикальные треугольные острия, которые прослужили веками и стали основной чертой более позднего дизайна чернофигурной керамики.
Геометрические образцы керамики
Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)
Геометрическая керамика
Примерно с 900 г. до н.э. появился полный геометрический стиль, в котором предпочтение отдавалось прямоугольному пространству на основной части вазы между ручками. Смелый линейный дизайн (возможно, под влиянием современных стилей плетения и плетения) появился в этом пространстве с вертикальными линиями, украшенными с обеих сторон.Именно в этот период впервые появился дизайн Maeander (возможно, вдохновленный практикой оборачивания листьев на края металлических чаш), которому суждено было навсегда ассоциироваться с Грецией и по-прежнему оставаться сильным во всем, от тарелок до пляжных полотенец даже сегодня. Нижняя часть геометрических сосудов часто окрашивалась в черный цвет и отделялась от остальной части вазы горизонтальными линиями. Возникла интересная форма в геометрическом стиле — круглая коробка с плоской крышкой, на которой от одной до четырех лошадей выступали в качестве ручки.
Черные стилизованные фигуры стали более и более точными гравировками и получили еще больше деталей, изящества и энергии.
С VIII века до н.э. геометрические керамические украшения стали включать стилизованные человеческие фигуры, птиц и животных, при этом почти вся поверхность вазы была покрыта жирными линиями и фигурами, окрашенными в коричневый и черный цвета. К концу VII века до н.э. в Коринфе стал популярен так называемый стиль ориентализации. Город с его восточными торговыми связями присвоил стилизованные растения (например.г. лотос, пальма и древо жизни), фризы с животными (например, львы) и изогнутые линии египетской и ассирийской керамики, чтобы создать свою уникальную греческую версию. Остальная часть восточной Греции последовала их примеру, часто предпочитая красный цвет на белом фоне. Афины также следовали новой тенденции, и она получила широкое распространение, например, на Кикладах также производили керамику в этом новом более свободном стиле, часто на очень больших вазах и с более просторным декором.
В конце 7 века до н.э. протокоринфская керамика достигла новых высот в технике и качестве, создавая лучшую керамику, которую когда-либо видели, в обжиге, форме и декоре.Черные стилизованные фигуры становились все более и более точными, и им придавалось все больше деталей, изящества и энергии. Так зародился знаменитый стиль чернофигурной керамики.
Тесей и Минотавр
Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)
Чернофигурная керамика
Хотя сначала производился в Коринфе, а затем на прекрасных образцах, изготовленных в Лаконии и на юге Италии (эвбейскими поселенцами), именно гончары и художники Аттики преуспели бы в чернофигурном стиле среди всех остальных, и они продолжили доминировать на греческом рынке в течение следующих 150 лет.Не все фигуры были окрашены в черный цвет, поскольку были приняты определенные цветовые обозначения, такие как белый для женского тела и пурпурно-красный для одежды и аксессуаров. Для стиля характерен больший интерес к мелким деталям, таким как мускулы и волосы, которые были добавлены к фигурам с помощью острого инструмента. Однако именно позы фигур указывают на то, что чернофигурная керамика является зенитом греческой вазописи. Лучшим фигурам придают изящество и уравновешенность, и они часто изображаются в моменты перед фактическим движением или отдыхом после напряжения.
Знаменитая ваза Эксекиаса с Аяксом и Ахиллом, играющими в настольную игру во время Троянской войны, является прекрасным примером достоинства и энергии, которых могла достичь рисование черными фигурами. Кроме того, чернофигурные вазы часто впервые рассказывают повествование. Пожалуй, самым известным примером является ваза Франсуа, большая спираль krater , изготовленная Ergotimos и расписанная Клейтасом (570-565 гг. До н.э.), высота 66 см (26 дюймов) и покрытая 270 фигурами людей и животных, изображающими удивительный диапазон сцены и персонажи из греческой мифологии.Типичными другими сосудами чернофигурного стиля являются амфоры, lekythoi , kylixes , простые чашки, pyxides (маленькие коробки с крышками) и миски.
Краснофигурная керамика
Техника черной фигуры была заменена техникой красной фигуры (красные фигуры, созданные путем закрашивания их контура черным фоном) около 530 г. до н.э., которая просуществовала в течение следующих 130 лет или около того. В течение некоторого времени эти два стиля были параллельны, и есть даже « двуязычные » примеры ваз с обоими стилями, но красный рисунок, с его преимуществом кисти над гравером, мог попытаться более реалистично изобразить человеческую фигуру, и в конечном итоге он стал излюбленный стиль украшения греческой керамики.Возможно, под влиянием современных техник росписи стен, анатомических деталей, разнообразных выражений лица, большей детализации в одежде (особенно складок, следуя новой моде более легкого платья chiton , которое также очаровывало современных скульпторов), больших попыток изобразить перспективу, перекрытия фигур, а также изображение повседневной жизни, такой как образование и спортивные сцены, — все это характерно для этого стиля.
Чердак Динозавр с красными фигурами
Попечители Британского музея (Авторское право)
По форме краснофигурные сосуды, как правило, соответствуют чернофигурному стилю.Исключение составляет kylix , который становится мельче и с более короткой ножкой, почти становясь третьей рукояткой. Кроме того, написанное повествование следует читать, поворачивая чашку в руке. Другие незначительные модификации — это hydra , которая стала немного полнее по фигуре и более тонкая амфора шеи. Lekythoi этого периода обычно имели белый фон, как и (реже) чашки и коробки.
Новые медиа
В четвертом веке до нашей эры, возможно, пытаясь скопировать инновации в перспективе современной фрески, стиль красных фигур обнаружит свои ограничения, и вазы выродятся в переполненные сцены со странными парящими перспективами.Примечательно, что роспись по керамике больше не будет внутренне связана с формой, которую она украшает, и, таким образом, перестает существовать как самостоятельная форма искусства. Следовательно, художественное внимание и мастерство отвлечутся от ограничений керамики на другие, более открытые средства, такие как настенная живопись.
Заключение
В заключение мы можем сказать, что греческая керамика не только дала нам некоторые из наиболее характерных, влиятельных и красивых форм и узоров древности, но также дала нам окно в жизнь, обычаи и верования древних людей. люди, которые давно ушли, и о которых мы очень часто не имеем письменных свидетельств того времени.Эти предметы повседневного обихода, в отличие от других оставшихся в живых археологов литературы, скульптуры и архитектуры, позволяют нам почувствовать себя немного ближе к обычным людям древнего мира, тем, кто не мог позволить себе изобразительное искусство или драгоценные украшения, но мог позволить себе обладать тонко сделанными. такой предмет, как греческая ваза.
Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.
GJCL История классического искусства: Геракл и Бусирис
Среди парерга Геракла была убийцей Бусириса, мифического египетского фараона.( parergon был дочерней компанией или второстепенный труд, который герой выполнял при выполнении своих основных, т. е. канонические двенадцать.) Как Геракл. столкновений с Нереем и Антаем, убийство Бусириса произошло во время его одиннадцатого труд, приобретение золотых яблок в саду Гесперид (ср. пост за 3/16).
Когда Египет был опустошен засухой, Бусирис попросил совета у провидца, который сказал ему что он мог застраховать себя от бедствий каждый год, жертвуя чужой человек.Сам провидец происходил из за пределами Египта, поэтому Бусирис подверг испытанию претензии провидца, пожертвовав им! И уловка сработала: в тот год засухи не было, нет голода. Итак, в следующем году, когда Бусирис начал искать другую жертву, так получилось, что некий незнакомец показал как будто по команде. Ты угадал: этим незнакомцем был Геракл. Когда он был привел к алтарю и понял, что его хозяева собирались сделать с ним, Геракл вырвался из оков и убил Бусириса и его сына. В Самое раннее из дошедших до нас изображение этой истории на полном горшке находится на этой черной фигуре. гидрия из Цере, относящаяся ко второй половине шестого века до нашей эры.Здесь Геракл — огромная темная фигура, которая с голыми руками он швыряет множество темнокожих и светлых, одетых в белое египтян. священники перед алтарем. Он топчет двоих, а еще двоих душит сгибом рук, душит третий, а четвертый обхватывает за щиколотку. Остальные египтяне изо всех сил пытаются спастись. Наиболее ученые считают это и подобные более поздние изображения пародией на египетские памятники, изображающие фараона, поражающего или топчущего своих врагов. Великий Дж. Д. Бизли видел это так: еще в 1910 году.«Остроумие в картине», Как пишет Сьюзен Вудфорд, «приходит от подбора стиля к предмету; Геракл переворачивает столы на египтян, художник переворачивает столы на египетский стиль! »
Такой пародия предполагает знакомство с Египтом. В конце восьмого века греки служили наемниками в Египет, и на них повлияли находящиеся там памятники. У них был торговый пост в Навкратисе в Дельта Нила с седьмого века до нашей эры. Контакты между Грецией и Египтом были регулярными.»Это вряд ли возможно, — заключает Мартин Робертсон, — что художник Сам ваза Бусириса не видел египетских памятников ».
Другой иллюстрация мифа, самая ранняя из законченных в росписи аттических ваз, это художник Swing Painter второй половины шестого века ДО НАШЕЙ ЭРЫ. Здесь фигура, которая упала алтарь должен быть Бусирисом. Геракл, одетого в львиную шкуру, держит за щиколотку одетого в белое египтянина и собирается использовать его в клуб Бусириса, в то время как другой священник выражает свое беспокойство.Остальные разбегаются. В История Геракла и Бусириса популярна на чердаке в росписи краснофигурных ваз. в первой половине пятого века. На этом пелике художника-пана примерно 460 г. до н.э. Геракл встречает больше оппозиции, чем на двух рассмотренных выше вазах. Один египтянин готов ударить героя с топором. Со своей стороны, Геракл схватил другого за обе лодыжки, приготовившись встретить топор человеческим оружием, хотя до его клуба рукой подать. В основной тип постоянен в этих и других аттических изображениях Геракла и Бусирис на протяжении большей части пятого века: в центре Геракл атакует Бусириса в перед алтарем, в то время как священники и служители спасаются бегством.Затем, ближе к концу века, тип исчезает из Афин. Плотник, T. H. Искусство и миф в древности Греция . 1991. 128. Робертсон, Мартин. История греческого искусства . 2 тт. 1975. 2.139. Вудфорд, Сьюзен. Образы мифов в античной эпохе . 2003. 73-76.— Райан Саммерс .