Японская живопись техника рисования: Суми-э — японская живопись. Рассказывает Римма Карачан

Содержание

Суми-э — японская живопись. Рассказывает Римма Карачан

Суми-э —  японская техника рисования тушью. Мы посетили занятия по этому традиционному восточному виду живописи в центре «Хагакурэ» и поговорили с художником и преподавателем Риммой КАРАЧАН. Римма не только учит художественному мастерству, но и старается воспитать в своих учениках умение видеть красоту в окружающем нас мире: в маленьком цветке, птичке, облаке, замечать величие природы, складывающееся из простых и незамысловатых, казалось бы, вещей и явлений.

Текст: Мария Завадская
Фото: Мария Сонгаль

Про историю суми-э

— Как вы увлеклись японской живописью?

Интерес к этому виду рисования у меня возник давно. Как художнику мне был очень интересен и необычен этот вид искусства. Не секрет, что многие известные европейские художники черпали вдохновение для своих работ у японских мастеров. Суми-э – философская техника рисования, которая успокаивает ум и приводит к гармонии.

Практика суми-э существовала в основном в монастырях, на протяжении восьми веков эта техника рисования не выходила за их пределы. Соответственно, первыми художниками были буддистские монахи.

Во второй половине XV века монах японского храма Сёкокудзи Тоё Сэссю путешествовал по Китаю. Среди всего прочего он посещал буддийские монастыри, где изучал местные виды живописи. По возвращении домой он привез в Японию технику рисунка монохромной тушью суми-э. Это была свободная манера рисования «разлетающейся кистью», которая оказала влияние на позднюю японскую живопись. Сэссю путешествовал по всем уголкам Японии, делал множество зарисовок местных ландшафтов, постоянно совершенствуя свое мастерство. Он высоко поднял планку этого вида рисования и популяризировал его. С этого времени искусство суми-э пошло в народ, стало доступным и почитаемым всеми.

В этом виде рисования присутствует медитативность, задумчивость, поиск себя… В суми-э кисть называют «танцующей», так как она слегка придерживается рукой, постоянно находится в воздухе, а расслабленная кисть свободно машет ее кончиком.

Взлетает, открывая для вас свободу движения, как будто это кисть водит рукой мастера. Японцы называют это состояние «му» – отсутствие себя. Вы убираете контроль и рисуете, полностью доверяя кисти.

В суми-э кисть называют «танцующей», так как она слегка придерживается рукой, постоянно находится в воздухе, а расслабленная кисть свободно машет ее кончиком.

Этот вид творчества энергетически подпитывает, я отдыхаю с помощью этой техники. Мне не важны картинки, мне важен процесс. Я пришла, порисовала 15-20 минут и все – я как огурчик – это важно в напряженном ритме жизни с множеством работы и планов. Нужно найти свое измерение, которое позволяет вам вернуться к себе, прислушаться, чего не хватает лично вам.

Конечно же, я рисую достаточно долго, и могу с легкостью нарисовать любой сюжет. Это все тренировки, постоянное совершенство стиля и любовь к минимализму. Предвкушая и размышляя над тем, что я буду сейчас рисовать, я уже улыбаюсь и отдыхаю. И мне уже хорошо.

— Как формировался стиль суми-э? В чем его уникальность, особенность, подходы?

Первоначально основные методы и принципы рисования тушью были заимствованы из Китая. Однако Сэссю привнес в это искусство японскую эстетику и неповторимый стиль. А неповторимость его именно в простоте и изящности. Китайская техника предусматривает большую проработанность деталей в рисунке. Суми-э – это скорее искусство нескольких мазков, но настолько выразительных, что образ получается легко узнаваемым.

Задача художника изучить объект и, отбросив все ненужное, несколькими штрихами создать его образ. Это подразумевает условность, стилизацию, упрощение. При этом предмет не теряет свою узнаваемость, остается живым. Техника рисования очень экспрессивная и эмоциональная. Здесь нельзя медлить – нужно рисовать быстро, как правило, без карандашного наброска. В основе лежит наблюдение за природой, ее изучение. Чтобы нарисовать предмет, нужно его знать: как выглядит птичка, какое строение ее лапок, как выглядит тот или иной листик, цветочек, очень важно не обмануть зрителя.

Излишнее сходство – пошло, не сходство – обман. Нужно найти золотую середину, не обмануть зрителя и одновременно не скатиться в безвкусицу. Так как цвета здесь нет, а только градация черного, то художник должен сыграть на гамме серых оттенков, как музыкант играет на музыкальном инструменте. Это искусство действительно похоже на музыку. Конечно, цвет также можно использовать при желании, но классически это только черная тушь и ее различные оттенки.

Излишнее сходство – пошло, не сходство – обман. Нужно найти золотую середину, не обмануть зрителя и одновременно не скатиться в безвкусицу.

 — Какие основные сюжеты, жанры или направления суми-э существуют?

В основном в суми-э используется три сюжета или три основных направления: цветы и птицы, пейзаж, животный мир. Людей изображают реже – это могут быть странствующие монахи, рыбаки на лодках среди пейзажа. Как правило, человек на картине второстепенен и используется для масштаба. Относительно фигуры человека мы понимаем, насколько гигантские горы, скалы или деревья.

Для всех сюжетов вырезают печати с обозначением жанра. Одной из главных будет именная печать мастера, называемая «ханко», на которой будет зашифровано его имя, она будет узнаваема, как и стиль мастера суми-э. Также можно вырезать печати-пожелания. Красная печать красиво дополняет рисунок суми-э.

Про технику рисования

— В чем особенность техники рисования суми-э?

Этим видом рисования могут заниматься все желающие, он не требует особой художественной базы. Человек может прийти с нуля и достичь хороших результатов, потому что в основе лежат всего четыре мазка, основные движения кистью: «бамбук», «орхидея», «хризантема» и «слива». Почему такие названия? Потому что эти растения очень почитаемы на Востоке, изучение техники суми-э начинается с рисования этих четырех растений. Это четыре базовых штриха. Существует также дополнительный штрих «пресс-мазок», при котором кисть в вертикальном положении по всей длине ее щетинок прижимается к листу бумаги.

Когда рисуете «бамбук» – острый на конце и округлый в точке роста – вы учитесь рисовать резкие, отрывистые штрихи.

Когда рисуете мазок «орхидея»

, вы изучаете плавное, струящееся, скользящее движение. Оно очень спокойное и женственное. Этот мазок напоминает ленту, которая развивается в воздухе, расширяясь и сужаясь.

Мазок «хризантема» напоминает по форме запятые, рисуя этот цветок, вы учитесь накладывать мазки друг на друга.

Мазок «слива» напоминает небольшую капельку – точку.

Важное правило: кисть нужно держать строго вертикально и за верхнюю треть черенка, чтобы она могла парить! Конечно, позже добавляется множество дополнительных штрихов, и из них складывается итоговое изображение. Все мазки нужно довести до автоматизма, только после этого вы научитесь легко и свободно рисовать. Этот этап нельзя перескочить. Нужны многократные тренировки, повторения этих движений. Хорошо для этого использовать специальные коврики для каллиграфии. На них рисуют водой, при этом в течение некоторого времени мазок остается видимым до тех пор, пока вода не испарится. И можно тренироваться рисовать заново.

Важное правило: кисть нужно держать строго вертикально и за верхнюю треть черенка, чтобы она могла парить!

— Какими еще материалами пользуются художники суми-э, воплощая свое искусство в осязаемый образ?

Тушь, вода, кисточка, бумага – вот четыре драгоценности стола «ученого». Так их раньше называли, так как изначально этот вид рисования был присущ только аристократам. Очень трепетно относились к материалам. Лист бумаги, к примеру, называли «зал очищения души». Прежде чем вы достигните мастерства, нужно пройти через «лес кистей». Только исписав много кистей, изведя много бумаги, к вам придет понимание инструмента. Можно работать на рисовой, акварельной бумаге, какая больше нравится.

Про личный опыт

— Расскажите немного о ваших учениках.

Мы начали занятия в 2014 году, и уже выросла целая армия учеников. Многие теперь и сами преподают. Как говорят японцы, каждый должен найти свой «гигай», то есть призвание, то, что заставляет человека радостно просыпаться по утрам и предвкушать занятие любимым делом, то, что его питает и наполняет силами. Это здорово, что люди обрели любимое занятие. Особенно для женщины очень важно заниматься творчеством. Женщина ведь центр семьи, от нее зависит, какая атмосфера будет дома. Если она гармонична, то через нее любовь распространяется на всех членов семьи.

Как говорят японцы, каждый должен найти свой «гигай», то есть призвание, то, что заставляет человека радостно просыпаться по утрам и предвкушать занятие любимым делом, то, что его питает и наполняет силами.

— А как планируете свое время?

Конечно, свободного времени мало. Пишу планы на неделю вперед. При этом у меня подвижный график. Я бы не смогла ходить каждый день на работу от звонка до звонка.

Мне нравится быть в движении. Я сама планирую свое время. Для подготовки к своим занятиям я рисую методический материал. Работаю очень много, помимо преподавания суми-э я занимаюсь детской акварельной иллюстрацией. В итоге у меня остается один день выходной, в который я привожу дом в порядок. И, естественно, я нахожу время, чтобы посвятить его себе, семье, ребенку. Дочка иногда на меня обижается, мол, мама, ты вся в работе, подойди я тебя обниму! Она у меня высокого роста и мы сейчас поменялись местами. Я у нее сижу на коленках, это так забавно: «мама, иди ко мне, посиди у меня на коленках»:)

— Расскажите о ваших планах и вдохновении.

Планы очень большие: хочется сделать книгу постадийного рисования суми-э. Я знаю, это очень актуально и будет востребовано учениками. Отдельные выборочные уроки есть, их можно найти в интернете. Однако полноценного учебника-пособия еще не издано.

Вдохновляет буквально все! Природа, книги, детские рисунки… Ребенок поставил кляксу, расстроился, а я говорю: «Смотри это же не клякса, это птичка!» – пара штрихов – и уже улыбка на детском лице! Вот так учишь их в каждой кляксе увидеть объект, и понять, что всё и всегда можно исправить. Искусство призвано нести свет в глубины человеческого сердца. Когда человек начинает заниматься искусством, он не чувствует бессмысленность своего существования, его жизнь наполняется радостью и светом. Вот это здорово! Человек творит искусством другую реальность. И он может ее создать такой, какой хочет.

— Какова ваша жизненная философия?

Любовь, творчество, дети – вот три кита, на которых все держится. Я люблю детей, люблю творить, я человек, который находится в чувствах. Любовь для меня важна, так как ничто не питает творческого человека так, как любовь. Люди не будут помнить, что вы им говорили, но они всегда будут помнить, как они чувствовали себя рядом с вами.

Для меня очень важно отношение к людям. Мне хочется, чтобы рядом со мной было хорошо и комфортно. Ведь от нас остается шлейф, ореол от общения, и я хочу, чтобы уходя с моих занятий, мои ученики несли вместе с собой атмосферу теплоты и уюта.

Люди не будут помнить, что вы им говорили, но они всегда будут помнить, как они чувствовали себя рядом с вами.

Related

рисуем лотос Мастер-класс по суми-э Марии Богдановой Культурный центр «Меридиан»

                                                              
 Мария Богданова окончила Школу архитектуры и дизайна по дисциплине «Академический рисунок».
Член Международного художественного фонда с 2011 г., Творческого объединения «Комар» с 2009 г., Творческого Союза художников японской живописи Суми-э с 2013 г., Творческого Союза художников России с 2015 г.
Живет и работает в Москве.
С 2010 г. – победитель и участник российских и зарубежных выставок и конкурсов.
Работы находиться в частных коллекциях России.

Художник по костюмам к спектаклям:
2015 г Творческая мастерская «Актэм» – » Беда от нежного сердца» В. Сологуб.
2015 г. Творческая мастерская «Актэм – «Пеньки», по комедии А.Н. Островского «Лес».

ВЫСТАВКИ:
• март 2010г. – Государственный выставочный зал » Выхино» г. Москва, выставка Творческого объединения «Комар»
• март – апрель 2011. – Государственный выставочный зал «Замоскворечье» г. Москва, выставка «Война и мир» Творческого объединения «Комар»
• май 2011 г. – Московская городская дума, выставка «Радуга вдохновений» Творческого объединения «Комар»;
• апрель 2012 г. – Московский Центр современного искусства М.АРС, г. Москва, XI Международная выставка – конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• июнь 2012 г. – Московская областная Дума, г. Москва, выставка «Подмосковные вечера»
• ноябрь – декабрь 201 г. – Московский Центр современного искусства М.АРС, г. Москва, XII Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• январь – февраль 2013 г. – Выставочный зал Государственного геологического музея им. В.И. Вернадского РАН, выставка «Путь цветка»;
• март 2013 г. – 18-я Международная выставка КОКУГА СУИБОКУИНТЭН, г. Токио;
• апрель 2013 г. , Конгрессно – выставочный центр «Сокольники» г. Москва, XIII Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• май – июнь 2013. – Латвийская республика, г. Рига, Международная выставка-конкурс современного славянского искусства «Дни русской культуры в Латвии»;
• май – июнь 2013 – Государственный выставочный зал «Богородское» г. Москва, выставка «Черное и белое» Творческого объединения «Комар»;
• июль 2013г. – Выставочный центр Санкт-Петербургского Союза художников, V Международная выставка-конкурс современного искусства «Санкт-Петербургская неделя искусств»;
• октябрь 2013г. – Московский дом художника на Кузнецком мосту, г. Москва, выставка-конкурс «Ассамблея искусств»;
• ноябрь – декабрь 2013 г. – Московский Центр современного искусства М.АРС, г. Москва, XIV Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• февраль – март 2014 г., Международный художественный фонд, г. Москва, выставка «Современное реалистическое искусство»;
• апрель – май 2014 – Центральный Дом Художника, г. Москва , XV Международная выставка – конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• июнь 2014г. – ГБУК «Библиотека-читальня им. И.С. Тургенева», г. Москва, выставка «Москва военная» Творческого объединения «Комар»;
• ноябрь 2014 г. – Центральный Дом художника, г. Москва, XVI Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• апрель 2015, Центральный Дом художника, г. Москва, XVII Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• июнь 2015 – Московская городская дума, выставка «Радуга вдохновений-2» Творческого объединения «Комар»;
• ноябрь 2015 – центр ArtPlay г., Москва, XVIII Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• октябрь 2015 – Выставка «Неделя искусств в Китае», Пекин;
• ноябрь 2015 – Белорусская неделя искусств, III Международная выставка-конкурс современного искусства;
• декабрь 2015 – Казанская неделя искусств, Международная выставка-конкурс современного искусства в рамках Международной художественной акции «Передвижной Ассамблеи Искусств»;
• январь 2016 – Центральный Дом художника, г. Москва, XIX Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• февраль 2016 – Новгородская Неделя Искусств, г. Великий Новгород;
• апрель – май 2016 – Персональная выставка в Картинной галерее г. Мышкин.

ПУБЛИКАЦИИ
Работы автора опубликованы в следующих изданиях:
2012г. – Юбилейное издание к 20-летию Международного Художественного Фонда.
2012г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2012″, выпуск 11.
2012г. – Альбом «Пейзаж XX-XXI века, Издание Московского союза художников.
2012г. – Каталок выставки «Подмосковные вечера» в Московский областной Думе.
2013г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2013″, выпуск 12.
2013г. – Альбом «Новые лица в Искусстве».
2013г. – каталог к THE 18-th KOKUGA SUIBOKU-IN EXHIBITION.
2014г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2014″, выпуск 13.
2014г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2015″, выпуск 14.
2016г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2016″, выпуск 15.

Статьи о выставках автора опубликованы в следующих периодических изданиях:
2009 г. – «Мир Живописи», №1-2. Издание Товарищества живописцев Московского союза художников.
2010 г. – «Новости», издание №3 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2011 г. – «Новости», издание №6 региональной общественной организации «Московский Союз Художников»
2011 г. – «Мир Живописи», №8-9-10. Издание Товарищества живописцев Московского союза художников.
2013 г. – «Новости», издание №9 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2014 г. – «Новости», издание №7-8 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2014 г. – «Мир Живописи», №8-10. Издание Товарищества живописцев Московского союза художников.
2015 г. – «Новости», издание №2 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2015 г. – «Новости», издание №6-7 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2015 г. – «Московская Правда», №133 (28007) от 16.07.2015.

Техника японской живописи: древнее суми-е

Культура Японии уникальна и самобытна, в ней ощущается какая-то особая гармония и атмосфера, и эти качества как нельзя лучше описывают японскую живопись. Одним из самых популярных жанров является суми-е – техника японской живописи рисования тушью.

Происхождение искусства

Рисунок тушью пришел в Японию из Китая, в древние времена и в Китае, и в Японии искусство каллиграфии и живописи были практически идентичны. В изображении пейзажей, фигур людей или других предметов использовались те же мазки кистью, что и при написании текстов.

Название жанра суми-е буквально переводится как «картина тушью», в этой технике соединились каллиграфия и изобразительное искусство. Картины в технике суми-е выглядят очень интересно, даже, несмотря на свой почтенный возраст, работы японских мастеров, творивших несколько веков назад, удивительным образом воплощают собой и классику, и современность. Картины суми-е простые и сложные одновременно, смелые и в то же время сдержанные.

В жанре суми-е четко прослеживается созерцательность и философская составляющая дзен-буддизма. В 6 веке монахи-буддисты прибыли в Японию из Китая со своими чернильными брикетами и кисточками, ручки которых были сделаны из бамбука. Искусство рисования тушью прижилось в Японии, мало того, японские мастера привнесли в китайскую традицию свое видение сюжета, национальный колорит и новые приемы изображения. На сегодняшний день, суми-е, к сожалению, не так популярно, как это было 10-14 веков назад, но, к счастью, есть возможность насладиться красотой бессмертных шедевров японских мастеров суми-е в музеях и в сборниках репродукций.

Смысл и содержание

На заре своего развития основными сюжетами в жанре суми-е были религиозные темы, изображения исторических личностей и бытовые сцены. Несколько позже особенно популярны стали пейзажи, изображения животных и растений. Создавая свои картины, японские художники использовали кисти разной толщины и экспериментировали с плотностью мазков, дабы передать всю эмоциональность и индивидуальность изображения.

Для создания изображения в жанре суми-е требуется особый настрой. Монахи-буддисты как никто другой умели погрузиться в себя и в свое восприятии предмета или идеи. Суми-е не требует фотографического изображения, эти картины, прежде всего, образы, наполненные философским смыслом. Изображение должно спонтанно перетекать из сознания художника на белый лист бумаги. Суми-е передает суть вещей, а не малейшие детали их внешней оболочки.

Суми-е — монохромный жанр. Традиционно в этой технике присутствует черный и серые цвета различной степени насыщенности. Современные художники допускают в своих работах использование миксов из нескольких цветов, но основной цветовой гаммой по-прежнему остается черный и серый.

Материалы и инструменты

Одним из важнейших факторов в развитии японской живописи, является связь между материалами, которые используются для передачи изображения, и их влиянием на специфику артистической формы и техники.

Кисти для суми-е

Несмотря на то, что теоретически (да и практически тоже) изображение можно создать с помощью любого предмета и даже части тела, кисти были и остаются основным инструментом художника.

Кисти для суми-е напоминают акварельные, с той лишь разницей, что кончик кисти для рисования тушью более тонкий и заостренный. В давние времена такие кисти использовали и в живописи, и в каллиграфии, они обеспечивали четкость линий и позволяли экспериментировать с нажимом и насыщенностью цвета. Сейчас японская кисточка имеет более округлую форму, для создания рисунка, как правило, используются тонкие и более толстые кисти из натуральной щетины. Новые кисточки пропитаны крахмалом, поэтому перед рисованием их необходимо смягчить, просто окунув в воду.

Сузури

Неотъемлемая часть инструментария художника в стиле суми-е – сузури. Сузури представляет собой обработанный камень с небольшим углублением у одной из стенок. Углубление заполняется водой, а на поверхности сузури растирается кусочек твердой туши, которая при соединении с каплями воды, образует краску.

Тушь

Традиционно для создания рисунка в технике суми-е используется не жидкая тушь, а тушь в брусочках, которая продается и хранится в коробках или футлярах. Такая тушь делается из порошка древесного угля или сажи с добавлением клейкого вещества или камфары.

Рисовая бумага

Изображение суми-е наносится на чистый лист рисовой бумаги, которая по-японски называется газенсби. В современных художественных школах рисунки в жанре суми-е делают на любой бумаге, даже на глянцевой. Конечно, это существенный уход от традиции, но настоящую японскую рисовую бумагу найти достаточно сложно.

В живописи суми-е изображение создается с помощью линий, штрихов и легких теней, живость и образность сюжета достигается разной степенью нажима, работой с насыщенностью цвета, остановками и отрывом руки в нужных местах и другими художественными приемами.

Если вы любите рисовать и вам интересна культура Японии, попробуйте нарисовать что-нибудь в лаконичном и оригинальном стиле суми-е.

 

Статьи по теме

Архивы японская живопись — Агапе

Обучение японской живописи Суми-Э

Posted by by Agape Centre

Суми-э -японская техника рисования тушью и минеральными красками на рисовой бумаге. Слово «суми» означает тушь, прибавляя э, получается «картина написанная тушью». Суми-э — одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не существующий по отдельности. Это лёгкий ветер и аромат цветка. Это энергия и дисциплина. На занятиях вы знакомитесь с техникой… Read more »

Читать дальше

Обучение японской живописи Суми-Э

Posted by by Agape Centre

Суми-э -японская техника рисования тушью и минеральными красками на рисовой бумаге. Слово «суми» означает тушь, прибавляя э, получается «картина написанная тушью». Суми-э — одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не существующий по отдельности. Это лёгкий ветер и аромат цветка. Это энергия и дисциплина. На занятиях вы знакомитесь с техникой… Read more »

Читать дальше

Мастер-класс для новичков. Обучение японской живописи Суми-Э

Posted by by Agape Centre

Мастер-класс для новичков. Обучение японской живописи Суми-Э 11 сентября, воскресенье с 12 до 14 часов. Ведущая — Юлия Егорова. Суми-э -японская техника рисования тушью и минеральными красками на рисовой бумаге. Слово «суми» означает тушь, прибавляя э, получается «картина написанная тушью». Суми-э — одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не… Read more »

Читать дальше

«Волшебные сны Суми-Э» занятия по японской живописи

Posted by by Agape Centre

Начало в 12 часов, проводит Ю.Егорова. Суми-э — это одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не существующий по отдельности. Это лёгкий ветер и аромат цветка. Сущность суми-э –энергия и дисциплина. Суми-э это японская техника рисования тушью. Слово «суми» означает тушь, прибавляя э, получается «картина написанная тушью». Поговорка «Кисть танцует,… Read more »

Читать дальше

«Волшебные сны Суми-Э» занятия по японской живописи

Posted by by Agape Centre

 27 сентября —   занятия по японской живописи Суми-э. Начало в 12 часов, проводит Ю.Егорова. Суми-э — это одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не существующий по отдельности. Это лёгкий ветер и аромат цветка. Сущность суми-э –энергия и дисциплина. Суми-э это японская техника рисования тушью. Слово «суми» означает тушь,… Read more »

Читать дальше

«Волшебные сны Суми-Э» занятия по японской живописи

Posted by by Agape Centre

C 13 сентября возобновляются занятия по японской живописи Суми-э. Начало в 12 часов, проводит Ю. Егорова. Суми-э — это одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не существующий по отдельности. Это лёгкий ветер и аромат цветка. Сущность суми-э –энергия и дисциплина. Суми-э это японская техника рисования тушью. Слово «суми» означает тушь,… Read more »

Читать дальше

Японская живопись тушью — Суйбокуга — Арт

Живопись тушью (суйбокуга, или суми-э) — китайский стиль,



заимствованный японскими художниками в XIV веке. Постепенно адаптируясь к японским вкусам, суйбокуга превратилась в конце XV века в основное направление японской живописи.

Она абсорбировала некоторые элементы чисто японского стиля
ямато-э и явилась, в свою очередь, тем фундаментом, на базе которого сформировался китайско-японский синтез школы Кано.


Суйбокуга монохромна. Она характеризуется использованием черной туши (суми), твердой формы древесного угля или производимой из сажи китайской туши, которая растирается в тушечнице, разбавляется водой и наносится кистью на бумагу или шелк.

Монохромность предлагает мастеру нескончаемый выбор тональных вариантов,

которые китайцы давным-давно признали «цветами» туши. Суйбокуга иногда допускает использование настоящих цветов, но ограничивает его тонкими, прозрачными мазками
Живопись тушью разделяет с искусством каллиграфии такие существенные характеристики, как жестко контролируемая экспрессия и техническое мастерство формы.


Техника живописи тушью, которую использовали китайские художники, особенно творившие в эпоху танской династии (618 – 907 гг.), была впервые представлена японцам в VIII веке.



Дзэнские монахи, которые проводили долгие часы, изучая классические образцы китайской литературы, идентифицировали себя с конфуцианскими мудрецами, отвергавшими вульгарный мир ради общения с природой и овладения такими изящными искусствами, как музыка, поэзия, живопись и каллиграфия. В числе самых ранних исполненных тушью картин эпохи Муромати имеется несколько идеализированных изображений уединенных в сельской местности приютов ученого (сёсайдзу)

Ландшафт стал важным объектом живописи тушью.

Ранние японские ландшафты, исполненные тушью, часто включают фантастично громоздящие горные вершины и глубокие ущелья, явно копирующие китайскую ландшафтную живопись и не имеющие ничего общего с местной топографией. С постепенной натурализацией живописи тушью натурализировалась и ее ландшафтная составляющая. Сэссю начал этот процесс, рисуя реальные японские ландшафты. Стиль ландшафтной живописи тушью еще более натурализировался в дальнейшем художниками школ Ами и Сога, чьи мягкие, словно бы водянистые пейзажи инкорпорировали элементы ямато — э в той ее разновидности, которая практиковалась школой Тоса. Более широкая категория дзэнской монохромной портретной живописи охватывает своими рамками животных, птиц, растения, овощи и фрукты.



На завершающих этапах эпохи Муромати наблюдалась постепенная секуляризация живописи тушью и ее отделение от дзэн-буддизма
. Начало этим подвижкам положили работы художников школы Ами — Ноами, Гэйами и Соами, — прикомандированных к двору сёгуна. Тенденция эта достигла своего апогея на ранних фазах эпохи Эдо (1600 – 1868 гг.) и нашла отражение в работах мастеров школы Кано,
чей китайско-японский синтез монохромной туши и полихрома растертого в порошок золота отвечал вкусам ценителей из рядов вновь поднявшегося воинского сословия,
которым наскучил аскетизм монохрома и которые настаивали на создании грандиозных композиций для крупных архитектурных комплексов.

Живопись тушью продолжала развиваться на протяжении всей эпохи Эдо как источающий бурную энергию жанр


Материалы для Сумиэ:


  • Тушь твёрдая в брусочках или жидкая.

  • Камень для растирания твёрдой туши (судзури) или фарфоровая чашечка для жидкой туши.

  • Остроконечные кисти из натурального ворса.

  • Бумага, которая хорошо впитывает влагу (обычно используют «рисовую бумагу»).

  • Ёмкость с водой для промывания кистей.

  • Бумажные салфетки.

  • Пластиковая или керамическая палитра для получения тонов.

  • Бумага для отработки мазков (по типу газетной).Успехов!

https://sfw.so
http://evelina-mylifeinart.blogspot.com

Уроки и курсы :: Японская живопись суми-э (суйбокуга) с Юлией Егоровой (абонемент на 4 занятия) — Галерея «Синий Феникс»

Занятия предназначены как для новичков, начинающих изучать эту технику с нуля, так и для продолжающих совершенствовать эту технику и оттачивать своё мастерство.

Суми-э (тушь и картина) или суйбокуга (вода, тушь, картина) – живопись, которая особое внимание уделяет использованию тоновых переходов и богатству оттенков чёрной и серой туши. Живопись символична, лаконична, изящна. В Японию эта техника пришла из Китая. Копируя китайские образцы, японцы привнесли в эту технику своё утончённое мировосприятие и принципы красоты. Курс начинается с сюжетов «четыре благородных господина» — базовые сюжеты и техники для живописи тушью.

Занятия начинаются с 15 января 2019 г. и будут проходить по вторникам с 19:00 до 22:00 (в середине небольшой перерыв с чаепитием) в учебном классе магазина «Синий Феникс», где вы сможете приобрести все необходимые материалы. Стоимость указана за четыре занятия при покупке абонемента. Записаться на курс можно по телефону по телефону 89043045144. Оплата только наличными.

Материалы на первое занятие предоставляются.

О преподавателе: Юлия Егорова – преподаватель студии японской живописи суми-э (суйбокуга) в Санкт-Петербурге. Опыт преподавания более 7 лет. Ученица Александры Васильевой, участвовала в мастер- классах знаменитых художников О Суко и Такедзавы Митиё, организовывала мастер-классы в Санкт-Петербурге и обучалась у Наталии Безвуляк.

В 2014-2015 гг. изучала японский язык в АНО «Японский центр в Санкт-Петербурге».

Юлия проводит занятия и мастер-классы живописи суми-э с 2011г. В своей профессиональной деятельности использует опыт психолога, арт-терапевта и художника-преподавателя.
Юлия проводит мастер-классы живописи суми-э в ходе выставочного проекта «Самураи» в Артиллерийском музее Санкт-Петербурга, а также на ежегодных фестивалей «Японская весна» и «Японская осень» в Санкт-Петербурге в Ботаническом саду и на других площадках города.

Регулярно вместе с учениками организовывает выставки студии суми-э:
— Дом молодёжи Василеостровского р-на, 2015 г.
— Международный турнир шашек Го в Санкт-Петербурге, 2016 г.
— Публичная Библиотека им. Маяковского, 2018 г.
— Библиотеки Невского и Фрунзенского р-на, 2018 г.
— Музейный комплекс «Вселенная воды», 2018 г.

В 2015 году месте с учениками принимала участие в выставке «Совы нежные» в Биологическом музее им. Тимирязева г. Москвы, организованной Александрой Васильевой.

Картины Юлии Егоровой:

 

   

Работы учеников Юлии Егоровой:

 


 

Миры Ямагути Акиры: новое искусство, вдохновлённое красотой старины

Художник Ямагути Акира использует традиционные японские техники рисования и вместе с тем работает на переднем крае современного искусства. Его работы в стиле поп-арт привлекают внимание ценителей в разных уголках мира. Французский искусствовед попыталась выяснить секреты мастерства самобытного японского художника.

«Токио, Роппонги Хиллз» / 2002 / Бумага, ручка, акварель / 40×63 см / Фотография: Киоку Кэйдзо / Музей Мори

Фантастический мир удивительного переплетения старины и современности

Кояма Бриджит: Я отчетливо помню свои ощущения, когда впервые увидела вашу работу  — она меня сильно впечатлила. Это был вид на токийский район Роппонги с высоты птичьего полёта. На картине японский замок соседствовал с небоскрёбами, совершенно естественно выглядели традиционные дома, рядом с которыми вырастали современные высотные здания. Приглядевшись к деталям, можно было рассмотреть людей, живущих в этом городе, — там и офисные клерки, и люди, выгуливающие собак. Горожане эпохи Эдо моют окна высотных зданий, на перекрёстке о чём-то спорят самураи…

На первый взгляд картина напоминает живопись ямато-э (*1), но представляет собой фантастическое произведение, где в пейзаж современного Роппонги введены необычные элементы, за счёт чего появился такой удивительный мир, не умещающийся в одном конкретном отрезке пространства и времени. С одной стороны, чувствуется влияние японского традиционного искусства, а с другой стороны, это несколько напоминает поп-арт.

Ямагути Акира: Многие думают, что я изначально занимался традиционной японской живописью, хотя на самом деле в университете я обучался западному изобразительному искусству. И в произведениях я использую не те пигменты, которые применяются в традиционной живописи, а западные материалы — масляные краски, акварель, ручку. Иногда я использую и японские техники живописи, но считаю себя всего лишь одним из современных японских художников, который стал таковым благодаря знакомству Японии с западным искусством.

Кояма: Почему вы начали писать такие картины?

Ямагути: Пожалуй, вернее всего будет сказать, что я пришёл к этому стилю после долгих творческих мук. В мире японского искусства царило преклонение перед искусством западных стран, которое считалось более развитым; японцы постоянно стремились догнать Запад. Масляная живопись эпохи Мэйдзи, послевоенный абстракционизм, концептуальное искусство, инсталляции… В общих чертах такая тенденция сохраняется до сих пор. Ещё во время учёбы в университете я сомневался в правильности такого подхода и в результате оказался в тупике.

Я осознал, что в каждый из периодов истории современного японского искусства были художники, которые старались выражать собственное оригинальное эстетическое чувство, а не просто подражать западным произведениям. Однако их тщеславные попытки не приносили результатов, в первые ряды мирового искусства им пробиться не удалось, и их усилия пошли прахом. Я думал, что если буду делать то же, что и они, меня ждёт та же судьба… Это пугало меня, в какой-то момент я даже не мог рисовать.

Кояма: И как же вам удалось найти выход из этой ситуации?

Ямагути: В то время я познакомился с живописью ямато-э, и меня поразила смелость композиционных решений в ней. Тут меня озарило — вот оно! Тогда я стал искать решение в использовании наработок японской живописи, какой она была до проникновения в Японию западных живописных стилей. Можно сказать, что я решил как бы ещё раз «модернизировать» старое японское искусство. Вы из Франции, и, возможно, будет сложно вам объяснить всю запутанность этого внутреннего конфликта…

Японизм в Японии?

«Мост великого учителя» / 1992 / Бумага, ручка / 65 x 50 см

Кояма: Вы уже были хорошо знакомы с японской традиционной культурой?

Ямагути: Напротив, я её совсем не знал. Если говорить о моём знакомстве с японской архитектурой, то это были сборные типовые дома, а не вилла Кацура (*2). Традиционную Японию я представлял по фильмам Куросавы. Во время университетской художественной практики по истории искусства я ездил в Киото и Нару, ходил по буддийским храмам и синтоистским святилищам и благодаря этому мог увидеть живопись укиё-э, росписи на ширмах, таблички эма (*3) и изображения адских мучений, картины битв — я жадно впитывал впечатления от старого японского искусства. Наверное, подобным образом чувствуют себя иностранцы, впервые открывая для себя японскую культуру.

Кояма: В XIX веке французских импрессионистов очень впечатлило знакомство с укиё-э и вообще японским изобразительным искусством. Японизм (*4) известен, в частности, тем, что оказал огромное влияние на таких художников, как Винсент ван Гог и Моне.

Появление импрессионизма совпало с распространением фотографии и осознанием ограниченности реалистического искусства. Испробовав различные подходы, они открыли для себя японскую живопись, основанную не на законах перспективы и использующую иные измерения, которые позволили по-новому взглянуть на реальность. Мне кажется, искания импрессионистов должны быть вам в чём-то близки, как вы думаете?

Ямагути: Это слишком уж смелое сравнение. Хотя действительно, они использовали архаичный японизм в своём искусстве и смогли этим открыть новую эпоху в живописи. Меня поражает острота восприятия западных художников, которые, создав огромную империю реалистического искусства, обратили внимание на произведения из небольшой и малоизвестной страны. Достойна восхищения та смелость, с которой они сами стали расшатывать основы искусства того времени и смогли развернуть его в новом направлении.

Взгляд с высоты птичьего полёта и рассеянная перспектива

Кояма: Среди моих любимых произведений — взгляд на универсальный магазин «Мицукоси» с высоты птичьего полёта. В ней использованы приёмы, которые можно видеть на знаменитых произведениях ямато-э «Виды столицы и её окрестностей» (*5), на которых изображены знаменитые места, люди, живущие там, бытовые сценки. Этот приём появился в конце периода Муромати и продолжал применяться до периода Мэйдзи. Вид на Роппонги, первое ваше произведение, которое я видела, тоже написан сходным образом. Эти произведения ведь тоже родились в результате вашей встречи со старинным искусством?

«Универсальный магазин Мицукоси на Нихон-баси» / 2004 / Бумага, ручка, акварель / 59.4 x 84.1 см

Ямагути: Совершенно верно. Когда изучаешь западную живопись, то привыкаешь видеть вещи в прямой перспективе. Известна точка, с которой зритель видит картину, исходя из неё делается эскиз. Однако «Виды столицы и её окрестностей» не имеют такой точки, на которой основывается перспектива. Они напоминают гугл-карту — каждому изображаемому объекту соответствует одна такая точка, и они рассеяны по всей картине. То же относится и к масштабу, как будто несколько карт разного масштаба соединили в одну, но это незаметно, поскольку границы между ними скрыты облаками.

Кояма: В этом произведении также использован приём «снятой крыши», появившийся в середине эпохи Хэйан (794-1192), то есть не изображается крыша или потолок комнаты, и зритель как будто заглядывает в неё сверху. Применив этот приём, вы показали людей, спешащих в магазин, и покупателей, толпящихся у прилавков внутри. На этой картине люди в одеждах XVI-XIX веков едят в ресторанах и делают покупки вместе с нашими современниками, и это выглядит очень естественно.

Ямагути: Живопись в двух измерениях показывает трёхмерные объекты, именно в этом и состоит её искусственность. Но я думаю, что важнее не столько показать вещи в точности, подобно фотографии, сколько заставить зрителя прочувствовать реальность.

У каждого зрителя – своя реальность

Кояма: В ваших батальных сценах трагедия войны совсем не ощущается, такое чувство, будто бы все вместе вышли на пикник.

«Постмодернистская битва глупцов» / 1999 / Холст, масло / 97 x 324 см / Фотография: Миядзима Кэй / Коллекция Такахаси

Ямагути: Я сам не видел войну, поэтому наглядно не могу её себе представить. И поэтому что-то во мне протестует против реального её изображения. Воевать вообще нельзя — и именно это я и стараюсь изобразить, показывая сцены войны. Я хочу дать людям понять, что настоящая война намного ужаснее.

Кояма: В восприятии ваших работ очень важно воображение зрителя. Даже важнее, чем то, что вы изображаете, так?

Ямагути: Взгляните на набросок тушью вида Токио с высоты птичьего полёта, который я выставил после цунами 11 марта 2011 года. Некоторые люди восприняли его как живую иллюстрацию происходящего. Я же не создавал картину на основании впечатлений от природных бедствий, но попытался воплотить в ней впечатления зрителей от бедствия. Национальный музей восточных искусств в Париже, основанный в 1889 году Эмилем Гиме.

10 самых известных шедевров японской живописи

Японская живопись имеет очень богатую историю; ее традиции обширны, а уникальное положение Японии в мире во многом повлияло на доминирующие стили и методы японских художников. Хорошо известно, что Япония была изолирована на протяжении веков — не только из-за географического положения, но и из-за преобладающей в Японии культурной склонности к изоляции, которая характеризовала историю страны.

В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от остального мира.И это заметно даже в японской живописной практике. Картины Нихонга , например, являются одним из основных продуктов японской живописи. Он основан на традициях, которым более тысячи лет, и картины обычно выполняются кистями на васи (японская бумага) или эджину (шелк).

Вы заинтересованы в покупке и коллекционировании произведений искусства? Посмотрите эту замечательную картину Такаши Мураками, доступную на нашей торговой площадке!

Однако японского искусства и живописи находились под влиянием зарубежных художественных практик .Во-первых, это было китайского искусства в 16 веке, а также китайская живопись и традиции китайского искусства, которые оказали особое влияние во многих отношениях. Начиная с 17 века японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, длившийся с 1868 по 1945 год, японская живопись находилась под сильным влиянием импрессионизма и европейского романтизма.

В то же время новые европейские художественные движения также испытали значительное влияние японских художественных практик.Это влияние в истории искусства называется японизм , и оно оказало особое влияние на импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модерном.

Традиции в японском искусстве

Долгую историю японской живописи можно понять как синтез нескольких традиций, составляющих часть узнаваемой японской эстетики.

Прежде всего, буддийское искусство и техника живописи, а также религиозная живопись оставили значительный след в эстетике японской живописи; рисование пейзажей тушью в традициях китайской литературной живописи — еще один важный элемент, узнаваемый во многих известных японских картинах; Живопись животных и растений, особенно птиц и цветов, обычно связана с японскими композициями, а также с пейзажами и сценами из повседневной жизни.

Наконец, большое влияние на японскую живопись оказали древние представления о прекрасном из философии и культуры Древней Японии. Wabi , что означает преходящая и абсолютная красота, sabi (красота естественной патины и старения) и yūgen (глубокая грация и тонкость) по-прежнему являются влиятельными идеалами в японской живописной практике.

Если мы сосредоточимся на выборе десяти самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть ukiyo-e , который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре.Он доминировал в японском искусстве с 17 по 19 века, в то время как художники, принадлежащие к этому жанру, создавали гравюры и картины на такие темы, как красавицы-женщины, актеры кабуки и борцы сумо, а также сцены из истории и народных сказок, сцены путешествий и пейзажи, флора и фауна и даже эротика.

Составить список лучших картин какой-либо художественной традиции всегда непросто. Многие удивительные произведения искусства будут исключены; Однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире.В этой статье будут представлены только те картины, которые были созданы с XIX века до наших дней.

Совет редакции: Искусство и техника рисования тушью суми-э: рисование японской тушью, как учил Укао Учияма

Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японских художников разработали большое количество уникальных техник и стилей , которые представляют собой наиболее ценный вклад Японии в мир искусства.Одна из этих техник — Sumi-e . Суми-э буквально означает «рисунок тушью», сочетает каллиграфию и тушь для создания живописных композиций редкой красоты. Эта красота парадоксальна — древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но сдержанная — несомненно, отражает духовную основу искусства в дзен-буддизме. Буддийские священники привезли чернильную палочку и кисть с бамбуковой ручкой в ​​Японию из Китая в шестом веке, а за последние четырнадцать веков Япония накопила богатое наследие туши.

Прокрутите вниз и найдите 10 шедевров японской живописи

Кацусика Хокусай — Сон жены рыбака

Одна из самых узнаваемых японских картин — «Сон жены рыбака» . Он был выполнен в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, это удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как картину, поскольку это гравюра на дереве в жанре укиё-э из книги Kinoe no Komatsu , трехтомной книги сюнга эротики. .Композиция изображает юного ныряльщика ама, сексуально связанного с парой осьминогов. Эта японская картина имела большое влияние в 19 и 20 веках. Работа оказала влияние на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луи Осок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо.

Томиока Тессай — Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическую поэму, глядя на луну

Томиока Тессай — псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником традиции бунджинга и одним из первых крупных художников стиля нихонга.Традиция бунджинга была школой японской живописи, которая процветала в конце периода Эдо среди художников, считавших себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих японских художников, включая Тессая, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.

Фудзисима Такэдзи — Восход солнца над Восточным морем

Фудзисима Такэдзи был японским художником, известным своими работами по развитию романтизма и импрессионизма в рамках художественного движения йога (западного стиля) в японской живописи конца 19 — начала 20 веков. В 1905 году он отправился во Францию, где на него повлияли французские движения того времени, в частности импрессионизм, что можно увидеть в его картине « Восход солнца над Восточным морем », написанной в 1932 году.

Китагава Утамаро — Десять исследований женской физиогномики, сборник правящих красавиц

Китагава Утамаро был выдающимся японским художником и живописцем, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен своей серией под названием « Десять исследований женской физиогномики», «Собрание правящих красавиц», «Великие любовные темы классической поэзии». (иногда называется Влюбленные женщины с отдельными гравюрами, например Открытая любовь и Задумчивая любовь ).Он — один из самых важных японских художников, принадлежащих к жанру укиё-э гравюры на дереве.

Каванабэ Кёсай — Тигр

Каванабэ Кёсай был одним из самых выдающихся японских художников периода Эдо. На его искусство повлияли работы Тохаку, художника Кано шестнадцатого века, который был единственным художником своего времени, который рисовал экраны полностью чернилами на тонком фоне из порошкового золота. Хотя Киосай наиболее известен как карикатурист, он создал одни из самых заметных картин в истории японского искусства XIX века. Тигр — одна из тех картин, на которых Кёсай использовал акварель и тушь для создания этой картины.

Хироши Ёсида — Фудзи из озера Кавагути

Хироши Ёсида известен как одна из самых важных фигур стиля син-хана (син-хана был художественным движением в Японии в начале 20-го века, в периоды тайсё и сёва, которые возродили традиционное искусство укиё-э, уходящее корнями в периоды Эдо и Мэйдзи (17-19 вв.) Он обучался западной традиции масляной живописи, которая была принята в Японии в период Мэйдзи.

Такаши Мураками — 727

Такаши Мураками, наверное, самый популярный японский художник сегодня. Его работы продаются по астрономическим ценам на крупных аукционах, а его искусство уже вдохновляет целые поколения художников не только в Японии, но и во всем мире. Искусство Мураками охватывает широкий спектр сред и обычно описывается как суперплоскость. Его работы были отмечены использованием цвета, включением мотивов японской традиционной и популярной культуры.Содержание его картин часто называют «милым», «психоделическим» или «сатирическим».

Яёи Кусама — Тыква

Яёи Кусама также является одним из самых известных современных японских художников. Она создает различные медиа, в том числе живопись, коллаж, скат-скульптуру, перформанс, окружающее искусство и искусство инсталляции, большинство из которых демонстрируют ее тематический интерес к психоделическим цветам, повторениям и узорам. Одна из самых известных серий этого великого художника — серия Pumpkin .Культовая тыква, покрытая горошком насыщенного желтого цвета, представлена ​​на фоне сетей. В сочетании все эти элементы образуют визуальный язык, который безошибочно соответствует стилю художника, который развивался и совершенствовался в течение десятилетий кропотливого производства и воспроизведения.

Найдите другие интересные работы Яёи Кусамы!

Tenmyouya Hisashi — Японский дух № 14

Тенмёя Хисаси — современный японский художник, наиболее известный своими картинами «Нео-Нихонга». Он участвовал в возрождении старой японской традиции живописи, которая представляет собой антитезу современной живописи в японском стиле. В 2000 году он также создал свой новый стиль «Бутуха», который через его картины показывает стойкое отношение к авторитетной системе искусства. Японский дух № 14 был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретируемой в японской культуре как бунтарское поведение аристократии низшего сословия в период Сражающихся царств, чтобы отрицать власть в стремлении к идеальному образу жизни, одеваясь в великолепную одежду. роскошные костюмы и действия по свободе воли не соответствовали их социальному классу.

Кацусика Хокусай — Большая волна у Канагавы

Наконец, Большая волна у Канагавы , вероятно, самая узнаваемая японская картина из когда-либо созданных. На самом деле это самое известное произведение искусства, «сделанное в Японии». На нем изображена огромная волна, угрожающая лодкам у берегов префектуры Канагава. Хотя иногда предполагается, что это цунами, волна, как следует из названия, с большей вероятностью будет большой волной-убийцей. Картина выполнена в традициях укиё-э.

Все изображения использованы только в иллюстративных целях.

Японское искусство — Глядя на самых известных японских художников и произведений искусства

Японское искусство имеет долгую и красочную историю, уходящую корнями в 10-е тысячелетие до нашей эры до наших дней. На протяжении всей истории этого региона различные империи вторгались в страну и оставили свое влияние на традиционное японское искусство. Со временем японские художники выбрали элементы вторгшихся культур, которые вписывались в их предпочтительную эстетику, впитывая и усваивая их концепции, техники и мотивы, создавая, таким образом, уникальные стили японского искусства из этих иностранных влияний.

Известные японские художники и их работы

Буддизм был важной составляющей в создании сложного искусства в 7-8 веках в Японии. Религиозные сюжеты были обычным явлением в древнем японском искусстве, но японское искусство со временем распространилось на другие предметы, отражающие повседневную жизнь и окружающую среду местных жителей.

Сегодня мы рассмотрим десять известных японских художников и японские картины, которые привлекли к ним внимание публики.

Тэнсё Сюбун (1414–1463)

Национальность Японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Период Муромати
Известные произведения искусства Чтение в бамбуковой роще (1446)

Оттенок воды, Свет на вершинах (ок.15 век)

Бычья серия (ок. 15 век)

Тэнсё Шубун родился в провинции Оми в Японии в конце 14 века. Позже он переехал в Киото, став директором бюро придворной живописи, учреждения, состоящего из влиятельных японских меценатов. Историки считают, что Шубун является отцом рисования тушью Суйбоку, стиля, который зародился в Китае, но который Шубун помог включить в традиционное японское искусство.

№ 6. Верхом на быке. Дом (ок. 15 век) Тэнсё Шубун. Это одно из десяти изображений, широко известных на английском языке как « стадо » (или «Выпас быков»), созданное японским монахом Риндзай Дзэн Шубун 15 века. Говорят, что это копии оригиналов, ныне утерянных, традиционно приписываемых Какуану, китайскому дзен-мастеру XII века; Tenshō Shūbun, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Изучив китайских мастеров, таких как Ма Юань и Ся Гуй, Шубун взял элементы их работы и создал стиль рисования тушью, продвигая его до тех пор, пока он не стал местным стилем той эпохи.Затем Шубун стал наставником японской живописи для будущих мастеров, таких как Кано Масанобу и Сэссю Тойо. Чтение в бамбуковой роще , написанное в 1446 году, считается самой известной картиной Шубуна, получившей честь как национальное достояние Японии.

Чтение в бамбуковой роще (1446)
Дата создания 1446
Средний Светлый цвет на бумаге
Размеры 134.8 см x 33,3 см
Текущее местонахождение Токийский национальный музей

Отражая более ранние работы китайских художников Южной Сун, этот ранний образец древнего японского искусства изображает пейзаж и стихи, нарисованные на поверхности свитка. Он принадлежал дзэн-монаху из храма в Киото, но, как говорят, был создан Шубуном, другим монахом из храма в Сёкоку-дзи.

Деталь картины « Чтение в бамбуковой роще » (1446 г.), автор Тенсё Шубун.Полный свиток: 134,8 х 33,3 см; Tenshō Shūbun, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Многие дзэнские монахи добавляли к свитку предисловие и дополнительные стихи, из-за чего было трудно определить, кто именно создал это древнее японское произведение искусства. Тем не менее, он считается одним из немногих существующих примеров японских рисунков той эпохи, которые соответствуют фирменному стилю Шубуна.

Таким образом, эта картина передавалась из поколения в поколение в храме Мёти-ин в Киото как оригинал сюбуна.

Сэссю Тёё (1420–1506)

Национальность Японский
Где жил художник Битчу, Япония
Ассоциированные движения Период Муромати
Известные произведения искусства Пейзажи времен года (1469)

Сансуи Чокан (Длинный свиток пейзажей) (1486)

Хуйке предлагает руку Бодхидхарме (1496)

Сесю Тойо был одним из немногих традиционных японских художников периода Муромати, который пользовался большим уважением не только в Японии, но и в Китае. Это произошло из-за влияния художников китайской династии Сун на его работы, которые он затем наполнил собственным японским характером. Он считался крупнейшим представителем японской живописи смывом тушью, основанной Тэнсё Шубуном, его мастером, который научил его стилям японского искусства, таким как Суми-э (рисование смывом тушью).

Портрет Сесю Тёё, ок. 16-ый век; 不詳 неизвестно, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Тёё взял традиционный стиль своего учителя Шубуна и придал ему особый японский характер за счет использования более плоского пространственного пространства, более толстых линий и большего контраста между тенью и светом.Тойо считался его сверстниками, а также историками величайшим художником Японии, и его влияние все еще можно увидеть в японских картинах и по сей день.

Пейзаж времен года (1486)
Дата создания 1486
Средний Чернила и светлый цвет на бумаге
Размеры Свиток 40 см x 15 м
Текущее местонахождение Музей Мори, Ямагути, Япония

Считается величайшим образцом живописи тушью, пришедшим из Японии, Пейзаж четырех сезонов считается историками шедевром Сесшу Тойо. На 15-метровом свитке изображены различные времена года, начиная с весны и заканчивая зимой.

Китайское влияние прослеживается как в стиле, так и в теме композиции, но Тёё привнес в это произведение японского персонажа, выделив его среди искусства китайской династии.

СЛЕВА: Пейзаж четырех сезонов, зима (15 век) Сесшу Тёё; Sesshū Tōy, общественное достояние, через Wikimedia Commons | СПРАВА: Пейзаж четырех сезонов, лето (15 век) Сесю Тойо; Sesshū Tōy, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Тёё также рисовал и другие стили и предметы японского искусства, такие как японские рисунки Будды и другие изображения в стиле дзэн.Тем не менее, именно пейзаж «Времена года» больше всего определяет стиль, благодаря которому Тёё стал мастером традиционного японского искусства.

СЛЕВА: Пейзаж четырех сезонов, осень (15 век) Сесшу Тёё; Sesshū Tōy, общественное достояние, через Wikimedia Commons | СПРАВА: Пейзаж четырех сезонов, весна (15 век) Сесю Тойо; Sesshū Tōy, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Хасэгава Тохаку (1539–1610)

Национальность Японский
Где жил художник Нанао, Япония
Ассоциированные движения Школа Хасэгава
Известные произведения искусства Клен (1593)

Сосны и цветущие растения (1593)

Сосны (1595)

Хасэгава Тохаку родился в 1539 году в городе Нанао, Япония. Он начал свою карьеру художника с рисования изображений Будды в своем родном городе и стал достаточно успешным, чтобы стать профессиональным художником к двадцати годам. К середине 30-х он переехал в Киото, чтобы продолжить обучение в уважаемой школе Кано. Многие из ранних работ Тохаку написаны в стиле, который преподается в этой школе.

После этого он начал развивать свой уникальный стиль живописи Суми-э, который по стилю был ближе к его минималистическим предшественникам.

Он считался пятым преемником мастера Сэссю Тёё и мастером Адзути-Момояма, как и его соперник, Кано Эйтоку.Тохаку уважают во всей Японии за его невероятное японское искусство, и многие из его работ внесены в список национальных сокровищ Японии.

Сосна и цветущие растения (1593) Хасегава Тохаку; Хасэгава Тохаку, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Сосны (1595)
Дата создания 1486
Средний Пара шестикладных ширм; бумага, тушь
Размеры 156 см x 356 см
Текущее местонахождение Токийский национальный музей

С помощью этой серии из шести экранов изысканных японских рисунков Тохаку удалось уловить свет и движение, используя только чернила в качестве выбранной среды, что позволило ему придать своим работам ощущение пространства, применяя три различных слоя затенения. С его уникальной манипуляцией мазками он смог создать впечатление, будто картина удаляется по мере того, как вы приближаетесь к ней.

На этой картине мы можем видеть, как грубое нанесение его мазков на бумагу создает ощущение едва заметных появлений сосен на далеком фоне.

Сосны (1486) Хасегава Тохаку; Токийский национальный музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Зритель может почувствовать ветер, движущийся по роще, благодаря использованию художником специально размещенных в композиции сосен.Тохаку хотел создать впечатление, будто его втягивают в картину, и он достиг этого, добавляя слои затенения, чтобы создать эффект частей сосны, выходящих за пределы самой картины.

Кану Эйтоку (1543–1590)

Национальность Японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Период Момояма
Известные произведения искусства Картина кипариса (1590)

Сцены в столице и ее окрестностях (ок. 1590)

Птицы и цветы четырех сезонов (ок. 1590)

Кано Эйтоку родился в 1543 году в Киото, Япония, внук мастера Кано Мотонобу. Мотонобу учил своего внука в стиле, на который сильно повлияли китайские движения. Наряду с другими членами своей семьи, такими как его отец, Эйтоку был известен своей работой в храмах, где он установил красиво расписанные потолки и росписи раздвижных дверей, а также украсил стоячие ширмы.

Птицы и цветы четырех сезонов (XVI век). Автор Кано Эйтоку, часть рисунков на перегородках комнат настоятеля Дзюко-ин в Дайтоку-дзи, Киото, Япония, бумага, тушь. На этом рисунке показаны четыре из 16 панелей фусума (раздвижных дверей) в ритуальной комнате; Кано Эйтоку (狩 野 永 徳) и его отец Кано Шоэй (狩 野 松 栄), общественное достояние, через Wikimedia Commons

Его самым большим вкладом в выбор стилей школы Кану был его монументальный стиль, также известный как Тайга , , который обычно характеризуется использованием смелой манеры письма, фигур, непропорционально больших для их фона, и акцентом на переднем плане. аспекты.Эйтоку был очень популярен в свое время, и у него было много покровителей, которые заказывали его работы.

Самым известным из этих произведений является восьмипанельный экран с изображением кипарисового дерева.

Картина кипарисовика (1590)
Дата создания 1590
Средний Чернила на бумаге с золотыми листьями
Размеры 170 см x 460 см
Текущее местонахождение Токийский национальный музей, Токио

Эта картина складной ширмы состоит из восьми панелей, на которых изображен пейзаж с кипарисовым деревом на переднем плане.Эти экраны, сделанные из нескольких соединенных вместе панелей, использовались для разделения частей внутреннего пространства, чтобы обеспечить некоторую конфиденциальность на больших площадях.

Однако Эйтоку изначально не рисовал это на складном экране, а сначала рисовал на раздвижной двери. Затем ширма использовалась в аристократической резиденции, построенной в 1590 году.

Эйтоку рисовал деревья силой кисти, создавая эффект подавляющей силы, а фон был покрыт сусальным золотом.Общий контраст изделия был достигнут этими четкими линиями, а также ограничением количества цветов, используемых в композиции.

Cypress Trees (XVI век) Кану Эйтоку; Кану Эйтоку, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Таварая Сотацу (1570–1643)

Национальность Японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Школа Ринпа
Известные произведения искусства Водные птицы в пруду с лотосами (ок. 1630)

Бог ветра и Бог грома (ок. 1630)

Секия и Миотсукуши (1631)

Хотя точная дата дня рождения Таварая Сотацу неизвестна, по оценкам, это около 1570 года. Он наиболее известен своим сотрудничеством с Хонами Коэцу, созданием декоративных и каллиграфических работ, а также своими удивительными складными ширмами. многие из них стали национальными сокровищами Японии, в том числе Бог ветра и Бог грома и Секия и Миотсукуси.

Бог ветра Фудзин (справа) и Бог грома Райджин (слева) Таварая Сотацу, 17 век; 俵 屋 宗 達 (Tawaraya Sotatsu) (1570–1643), общественное достояние, через Wikimedia Commons

Сотацу был известен как японский дизайнер мебели, а также как японский художник школы Ринпа, которая не была школой в традиционных терминах, а скорее коллективом художников, создающих японские рисунки и другие произведения искусства под влиянием Коэцу и Сотацу. Он также известен как пионер тарашикоми, техники, в которой каждый добавляет каплю за каплей цвета, пока предыдущий слой еще влажный.

Секия и Миотсукуши (1631)
Дата создания 1631
Средний Чернила, цвет и золото на бумаге
Размеры 152,6 x 355,6 см
Текущее местонахождение Художественный музей Сейкадо Бунко

Это прекрасное произведение Сотацу считается шедевром японских искусствоведов.Изображая личную интерпретацию художником традиционного стиля живописи Гэндзи, Сотацу адаптирует стиль миниатюрных японских рисунков Гэндзи к более крупномасштабному формату, помогая преобразовать визуальный элемент повествования в иллюстрации Гэндзи за счет использования упрощенной и чистой геометрии.

ВЕРХНИЙ: Глава I «Сказания о Гэндзи, Сэкии и Миотсукуси» (17 век) Таварая Сотацу; Таварая Сотацу, общественное достояние, через Wikimedia Commons | ВНИМАНИЕ: Глава II «Сказания о Гэндзи, Сэкии и Миотсукуси» (17 век) Таварая Сотацу; Таварая Сотацу, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Этот кусок состоит из двух экранов, каждый из которых представляет случайную встречу между Гэндзи и его бывшим любовником. На каждом экране изображены ворота, символизирующие путешествие, что, вероятно, является основной причиной того, что они были соединены вместе. Эта картина — одна из двух работ Сотацу, датированных с какой-либо явной точностью, и поэтому она считается жизненно важной для понимания истории этого художника, о которой мы все еще мало знаем.

Огата Курин (1658 — 1716)

Национальность Японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Школа Ринпа
Известные произведения искусства Ирисы ширма (1705)

Хризантемы (1706)

Красные и белые цветки сливы (1710)

Огата Кёрин родился в 1658 году в богатой семье, которая занималась продажей и дизайном тканей для более богатых женщин города. Его отец познакомил его с различными искусствами, и он часто работал вместе со своим братом Кензаном. Он не только рисовал в различных стилях японского искусства, но также был дизайнером и мастером лака. Тем не менее, Корин наиболее известен своими украшенными складными ширмами.

Важный арт-объект «Цветущие растения осенью» (18 век), приписывается Огате Корину; Приписывается Огате Корин, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Корин также был отмечен как возродивший школу Ринпа, которая была основана 50 лет назад мастерами Сотацу и Хон’ами Коэцу.Курин проигнорировал обычные условности и идеалы натурализма, создав свой уникальный стиль, воплощенный в использовании упрощенных форм и эстетики импрессионизма .

Он сосредоточился на использовании цветовых узоров в абстрактной манере, и его работы передавали ощущение плоского, одномерного декоративного дизайна.

Красные и белые цветки сливы (1710)
Дата создания 1710
Средний Цвет на серебре и сусальное золото на бумаге
Размеры 156 см x 172 см
Текущее местонахождение Художественный музей MOA, Атами

Цветки красной и белой сливы — одна из самых известных картин в Японии, в настоящее время находится в Художественном музее MOA в Атами и зарегистрирована в Японии как национальное достояние. Этот простой, но красиво стилизованный складной экран с двумя панелями изображает текущую реку с узором из кружащихся плоских волн и сливовые деревья по обе стороны. Присутствие цветков сливы подсказывает зрителю, что сцена представляет весенний период.

Цветки красной и белой сливы (1710) Огаты Кёрин; Огата Корин, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Эта работа считается прекрасным примером школы живописи Ринпа, где Корин применил технику под названием Тарашикоми, чтобы создать пестрый вид деревьев.Эта текстура создается путем нанесения ряда капель друг на друга без обычного периода высыхания, который обычно практикуется при рисовании. Считается, что, основываясь на датировке картин и других свидетельствах, это, скорее всего, была последняя роспись Огаты Корин, которая умерла через несколько лет после ее создания.

Китагава Утамаро (1753–1806)

Национальность Японский
Где жил художник Эдо, Япония
Ассоциированные движения Период укиё-э
Известные произведения искусства Три красавицы современности (1793)

Рукоделие (1794)

Женщины, играющие в зеркало (1797)

Китагава Утамаро родился в Эдо в 1753 году. Он считается одним из самых известных японских художников в стиле укиё-э в живописи и гравюрах на дереве. Он также хорошо известен своими японскими рисунками красивых большоголовых женщин. Кроме того, Утамаро, как известно, занимался изучением естествознания, в частности, серией иллюстрированных книг о насекомых.

Портрет Утамаро, нарисованный в 1931 году; 和 雄 編 渡 画.

Произведения Утамаро в конечном итоге достигли берегов Европы, где были очень хорошо приняты.Его акцент на тени и свете и его применение частичных взглядов, как говорят, сильно повлияли на европейских импрессионистов.

Когда европейские художники говорят о «японском влиянии», они обычно имеют в виду, в частности, работы Утамаро.

Три красавицы современности (1793)
Дата создания 1793
Средний Цветная ксилография
Размеры 37. 9 см x 24,9 см
Текущее местонахождение Музей изящных искусств, Бостон

Композиция изображает трех женщин в треугольном строю. Все женщины в то время были знаменитостями и регулярно участвовали в творчестве художника. Каждая женская фигура украшена одеждой с фамильными гербами. Несмотря на сильно стилизованные лица, все же можно различить индивидуальные характеристики, изображенные на каждом лице, которые отличались от обычных лиц общего вида, изображенных в работах художников, предшествовавших Утамаро.

Три красавицы современности (ок. 1793) — Китагава Утамаро; Китагава Утамаро, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Этот вид искусства был очень популярен в 17-19 веках, его предметы были сосредоточены на обычных людях, таких как актеры кабуки и куртизанки, а также на тех, кто связан с кварталами удовольствий японской культуры. Чаще всего такие принты создавались для рекламы местных развлекательных заведений.

Сегодня этот шедевр считается лучшим представителем ранних работ Утамаро.

Кацусика Хокусай (1760–1849)

Национальность Японский
Где жил художник Эдо, Япония
Ассоциированные движения Укиё-э
Известные произведения искусства Большая волна у Канагавы (1829 г.)

Тридцать шесть видов горы Фудзи (1830)

Экскурсия по провинциальным водопадам (1832)

Кацусика Хокусай родился 31 октября 1760 года.Он был известен тем, что изменил стиль, который был в основном сосредоточен на актерах, куртизанках и красивых женщинах, расширив тематику, представив работы, которые включали растения, животных и пейзажи. Из большинства японских художников Хокусай, скорее всего, является наиболее всемирно известным, в основном благодаря Великой Волне у Канагавы, , которая считается лицом японского искусства во всем мире.

Автопортрет Кацусики Хокусая, 83 года; Public Domain, ссылка

Говорят, что Хокусай использовал более 30 различных псевдонимов, с помощью которых он создавал японские картины и другие стили, такие как гравюра на дереве.Однако его самый важный вклад в японское искусство был написан только в его более поздние годы, после того, как ему исполнилось 60 лет. Это включает его изображение священной горы в течение всех сезонов, известных как Тридцать шесть видов на гору Фудзи .

Большая волна у Канагавы (1829)
Дата создания 1892
Средний Ксилография
Размеры 25.7 см x 37,8 см
Текущее местонахождение Метрополитен-музей и др.

Большая волна у Канагавы известна как самая узнаваемая японская живопись в мире и самое известное произведение художника Хокусая. Он был опубликован примерно в 1892 году как первый отпечаток из серии « Тридцать шесть видов горы Фудзи ». На картине изображена огромная угрожающая волна, которая возвышается над тремя небольшими рыболовными судами в заливе Сагами, на фоне горы Фудзи.

Размер волны заставил некоторых предположить, что картина изображает цунами, в то время как другие согласны с тем, что это более вероятно изображение огромной волны-убийцы.

После периода изоляции от Запада стили японского искусства были экспортированы в Европу, где они были быстро приняты, термин, получивший название японизма. Это конкретное произведение было известно своим влиянием на европейскую художественную культуру, и даже Винсент Ван Гог, большой поклонник работ Хокусая, высоко оценил качество линий в японском рисунке, заявив, что визуальное воздействие оказало влияние, которое можно было бы охарактеризовать как «эмоциональное. ужасающий.”

Большая волна у Канагавы (1829 г. ) из 36 Виды на гору Фудзи Кацусика Хокусай. Хотя оно часто используется в литературе о цунами, нет оснований подозревать, что Хокусай намеревался интерпретировать его таким образом. Волны в этой работе иногда ошибочно называют цунами, но более точно их называют окинами, поскольку это большие прибрежные волны; После Кацусики Хокусай, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Томиока Тессай (1837 — 1924)

Национальность Японский
Где жил художник Киото, Япония
Ассоциированные движения Механизм Nihonga
Известные произведения искусства Абэ-но-Накамаро (1918 г.)

Встреча с бессмертными женщинами (1919)

Танцующие два божества (1924)

Томиока Юсуке, Томиока Тессай, родившийся в 1837 году, является псевдонимом этого японского художника. Он известен как последний последователь традиции бунджинга, а также родоначальник стиля нихонга. Он родился в купеческой семье, и его неспособность слышать побудила семью поощрять его к тому, чтобы он был ученым, а не торговцем. Он изучал литературу и философию.

Портрет Томиоки Тессай, до 1923 г .; Неизвестный автор Неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons

После смерти отца Тессай переехал в синтоистский храм. Проведя там более десяти лет, он начал учиться у многих опытных художников и вскоре развил свой уникальный стиль.Западное искусство начало оказывать влияние на восточный мир, и Тессай призвал художников вернуться к традиционному стилю живописи, тем самым положив начало движению Нихонга.

Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическую поэму, глядя на луну (1918)
Дата создания 1918
Средний Цвет на шелке
Размеры 52 см x 145. 2 см
Текущее местонахождение Художественный музей Адачи

Этот прекрасный шедевр был создан Томиокой Тессай в 1918 году. На этом шелковом полотне изображен сельский пейзаж Японии, яркие красные и зеленые цвета оживляют бежевую композицию. На картине изображена безмятежная сцена, в которой можно увидеть фигуру, сидящую под одной из пагод.

Это фигура Абэ-но-Накамаро, поэта и ученого периода Нара.Как следует из названия картины, он пишет стихи, за что его очень почитали, наблюдая, как полная луна поднимается над далекими холмами.

Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическую поэму при наблюдении за луной (1918) Томиока Тессай; Томиока Тессай, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Такаши Мураками (1962-настоящее время)

Национальность Японский
Где жил художник Itabashi City, Токио, Япония
Ассоциированные движения Superflat, Современное искусство
Известные произведения искусства Гладкий кошмар (2000)

Мой одинокий ковбой (1998)

Тан Тан Бо (2014)

Такаши Мураками родился 1 февраля 1962 года, что делает его самым последним дополнением к нашему списку известных японских художников. Он современный художник, и помимо работы с живописью и скульптурой, он также занимается анимацией, товарами и модой.

Он известен тем, что ввел термин «суперплоскость», описание которого отражает эстетический стиль современной японской культуры в послевоенную эпоху.

Этот стиль указывает на лежащее в основе наследие двумерных плоских изображений, которые пронизывают японское искусство и кино. Подобно движению поп-арта, «Суперплоскость» стремилась переработать визуальные элементы, которые обычно считались «низкими искусствами», и переработать их в новой манере, подняв их до уровня «высокого искусства».

Абстрактное изображение «Суперплоскость» художника Такаши Мураками в лондонской галерее Galler; Тадеас Навратил, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Гладкий кошмар (2000)
Дата создания 2000
Средний Печать на ПК, ручка, маркер и лента
Размеры 40 см x 40 см
Текущее местонахождение Распечатки, доступные для покупки в Интернете

Такаши Мураками получил титул Энди Уорхола Азии и считается самым известным японским художником 21 века. Smooth Nightmare является представителем его эстетики «Суперплоскость» с использованием изображений, которые не представляют видимой глубины пространства.

На картине изображены различные объекты, которые, кажется, трансформируются между человеческими фигурами и грибами. Центральная фигура гриба с глазами занимает большую часть холста, а фон представляет собой плоский оттенок серого.

Сегодня мы узнали о десяти известных мужчинах-художниках в истории японского искусства, от ранних стилей XV века под китайским влиянием до современных ультрасовременных стилей последних художников, расширяющих границы с помощью новых техник и средств.

Часто задаваемые вопросы

Отличается ли японское искусство от других восточных культур?

Короче да. Хотя вначале китайская династия Сун оказала большое влияние, ранние японские художники вскоре адаптировали стили и техники, чтобы они лучше соответствовали своей эстетике, и вскоре искусство начало выходить из региона, носившего отчетливо японский характер. .После периода изоляции от остального мира из-за войны японский стиль искусства в конечном итоге покинул границы Японии и продолжил влиять на остальной мир, такой как Европа.

Какая самая известная картина в Японии?

Большая волна у Канагавы , несомненно, является самой известной японской картиной в мире. Он был опубликован примерно в 1892 году как первый отпечаток из серии « Тридцать шесть видов горы Фудзи », созданной японским мастером Кацусикой Хокусай.

Японская живопись — artelino

Неизвестно

Изделие №
67934

Художник
Неизвестно

Название
Прослушивание — Кику — японский традиционный свиток

Описание
«Кику». Красавица в кимоно играет на скрипке. Она улыбается и внимательно слушает нежный звук скрипки. Черты лица выполнены в стиле позднего Эдо — начала периода Мэйдзи.
Японское слово для обозначения слушания — «кику».Интересной деталью является то, что вышитые на поясе оби цветы — хризантемы. Японское слово для обозначения хризантем также звучит как «кику».
Изображение женщин в кимоно, играющих на западных музыкальных инструментах, на росписи Нихон-га крайне редко и в раннюю эпоху Мэйдзи считалось смелым и очень современным.

Продано
$ 750 — 07.04.2016

Хотели бы вы получать уведомление, если работы ваших любимых художников выставлены на наши аукционы?

Искусство японской живописи полно завораживающего азиатского очарования, если смотреть на него с чисто декоративной точки зрения. Но это также вопрос, который может немного сбить с толку новичков, если вы захотите узнать о нем больше. Различные школы и стили живописи, множество различных средств массовой информации, глубокие корни дзен-буддизма и использование конкретных терминов из Из-за японского языка этот вид искусства не всегда легко доступен для жителей Запада.

Чтобы понять японскую живопись, нужно знать, что она всегда разрывалась между тремя основными направлениями: Китайский, японский и западный.

История японской живописи

Как почти все формы искусства, ранняя живопись находилась под влиянием китайской культуры. Постепенно были разработаны новые, специфически японские стили, и были созданы школы живописи. Каждая школа практиковала собственный стиль. Но китайское влияние оставалось сильным до начала периода Эдо (1603-1867). Для описания живописи в японском стиле существует общий термин — yamato-e .

После открытия Японии для Запада в период Мэйдзи (1868-1912), первые годы были отмечены преувеличенным принятием западного искусства. В недавно учрежденных университетах были созданы кафедры для Западное искусство, приглашало западных академических художников в страну в качестве учителей и отправляло студентов изучать искусство в Европе — в основном во Франции и Италии.

Рука об руку с растущим национализмом маятник вскоре вернулся в другую сторону.Общественное мнение начал осознавать богатство старых традиций и даже осуждал западное искусство.

ХХ век ознаменовался сотрудничеством. Художественные колледжи предлагают факультеты как японского, так и западного стилей живописи.

Школы и стили рисования

  • Suibokuga — термин для рисования черными чернилами. Он был заимствован из Китая и сильно повлиял на дзен-буддизмом. В течение 15 века живопись тушью приобрела более собственный японский стиль.
  • Кано Масанобу (1453-1490) и его сын Кано Мотонобу (1476-1559) основали школу живописи Кано . Это началось как протест против китайской техники рисования черным тушью. В школе Кано использовались яркие цвета и представили смелые композиции с большими плоскими площадями, которые в дальнейшем должны доминировать в укиё-э дизайны. Школа Кано со временем разделилась на несколько ветвей, но оставался доминирующим в период Эдо. Многие художники укиё-э получили образование художников Кано.
  • Тоса-ха — школа живописи, специализирующаяся на маленьких миниатюрных форматах книжных иллюстраций. Основателем был Тоса Юкихиро в 14 веке. Школа Тоса стала чем-то вроде официального искусства. школа императорского двора в Киото. Императорский двор был отдельным миром в политическом отношении. бессильны, но у правящих сёгунов есть все необходимое для того, чтобы посвятить себя изящным искусствам.
  • Стиль живописи нанга был сильным в начале 19-го века во время бунка . и бунсай эпохи года.Сторонники этого стиля рисовали идеализированные пейзажи и природные сюжеты вроде птицы и цветы для культурной элиты. Стиль был скорее китайский.
  • Школа shijo была отделена в 18 веке от официальной школы Кано. Стиль shijo — это характеризуется предметами, взятыми из повседневной жизни людей. Своеобразный реализм с иногда сатирической элементы.

Медиа

Японские художники на протяжении веков использовали самые разные медиа.Единственный, кого ты не найдешь до позднего вечера девятнадцатый век — это западные медиа холста в рамке. Основные средства массовой информации, используемые традиционными японскими художниками мы:

  • Горизонтальные свитки называются emakimono . Дословно переводится это слово «изображение (е) проката (маки)». вещь (моно) «. Emakimono были созданы путем склеивания отдельных листов в длинный рулон. просматривались справа налево. Emakimono — одни из самых старых форм живописи. Вместо emakimono можно найти слова makimono или emaki . Значит то же самое.
  • Вертикальные свитки называются kakemono . Это «вещь», которую вы вешаете на стену. А какемоно — это установлен на роликах с обоих концов. К ролику сверху прикреплена веревка, чтобы вы могли повесить свиток. вертикально. Валик внизу предназначен для выравнивания изображения под своим весом.Вертикальные свитки стали популярны в период Эдо. Он наиболее близок к холсту в западных рамах и был идеальным форма украшения стены для небольшого японского дома.
  • Другим средством рисования были складные ширмы, которые на японском назывались byobu . Они пришли от Китая до Японии в 7 веке и использовались как разделители помещений, в основном с 4 или 6 панелями. Из-за их размеры, использование ограничивалось храмами и дворцами.Экраны стали основным средством создания пышных и сложных картин. С ростом класса купцов спрос на экраны переместился на жителей богатых городов во время Период Эдо. Сюжеты на экранах были похожи на укиё-э (японские гравюры).
  • Раздвижные двери, получившие название fusuma , были еще одним средством японской живописи.
  • В периоды Муромати (1333-1573) и Момояма (1573-1603) могущественные феодалы строили замки и наняли художников для украшения внутренних стен картинами.Японский термин — шохейга .
  • Также популярным средством рисования были веера — uchiwa .

Субъектов

Японские картины могут вызывать ассоциации с пейзажами и природными сценами, нарисованными несколькими гениальными мазками. Такое впечатление может исходить от большинства свитков, которые можно найти в галереях и музеях. Но это только часть истории.

Сюжеты живописи были столь же разнообразны, как и японские гравюры. И, конечно же, у каждого из используемых средств массовой информации был свой предпочтительный главный фокус. Некоторыми довольно популярными предметами были:

  • шики-э — Пейзажи четырех сезонов.
  • meisho-e — Виды на известные места.
  • monogatari-e — Сцены из жизни при императорском дворе в Киото.
  • nanban-byobu — Изображения жителей Запада на экранах времен высадки португальских и голландских кораблей в южных частях Японии.
  • rakuchu-rakugai-zu — Виды из Киото.
  • kabuki-e — Кадры из театра кабуки.
  • bijinga — Изображения красивых женщин, обычно женщин из квартала удовольствий.

Глоссарий японской живописи

  • byobu — японские складные ширмы, обычно состоящие из 4 или 6 частей.
  • e — иероглиф «е» на японском языке означает «рисунок» или «живопись».
  • emakimono — Горизонтальная прокрутка изображения.
  • fusuma — Японские раздвижные бумажные двери.
  • фузокуга — жанровые картины нравов и обычаев.
  • hakubyo — Черно-белая живопись тушью.
  • kano — Название школы живописи, названной в честь ее основателя Кано Масанобу (1453-1490).
  • kara-e — Живопись в китайском стиле.
  • kakemono — Вертикальные прокрутки.
  • meisho-e — Фотографии известных мест.
  • nanban-byobu — Экраны с изображениями жителей Запада конца 17 — начала 18 веков.
  • нанга — Школа живописи начала XIX века, изображающая горы и долины в китайском стиле.
  • rakuchu-rakugai-zu — Виды Киото.
  • rin-pa — Школа живописи, которая практиковала декоративный, пышный стиль.
  • sansuiga — Пейзажная живопись.
  • shijo-ha — Школа рисования в Киото.
  • shira-e — Изображение, написанное черными чернилами без или с минимальным количеством цветов.
  • shoheiga — Картины на стенах.
  • суйбокуга — Пейзажи в стиле дзен, выполненные черными тушью.
  • uchiwa — японские вееры круглой формы.
  • ямато-э — Живопись в японском стиле.

Японские свитки картин

Киёка Сакурай 1895-1969

Товар №
28225

Название
Красавица и гора Фудзи

Продано
500 долларов — 10.06.2007

Красота и гора Фудзи

Clifton Karhu 1927-2007

Товар №
67071

Название
Black Hair

Продано
320 долларов — 13.12.2015

Black Hair

Клифтон Карху 1927-2007

Товар №
67074

Название
Баклан

Продано
320 долларов — 24.12.2015

Баклан

Автор:
Дитер Ванцура
Первая публикация: 21.05.2004
Последнее обновление: 08.11.2020

Библиография

  • Фридрих Б.Schwan, «Handbuch Japanischer Holzschnitt», 2003, IUDICIUM Verlag, Postfach 701067, D-81310 München, ISBN 3-89129-749-1.

Другие статьи, относящиеся к

Японская живопись

Хотели бы вы, чтобы наша система сообщала вам, если ваш любимый художник (-ы) предлагается / предлагаются на одном из наших еженедельных аукционов?

file_upload

artelino GmbHTERMSIMPRINTCONTACT

Рисование естественной красоты традиционными японскими пигментами | Правительство Японии

Выражая красоту и сущность природных времен года, американский художник отвернулся от западного стиля живописи, чтобы узнать о традиционных японских методах и материалах для рисования.

Аллан Уэст рисует на плоской поверхности татами, чтобы не растекать более тонкие природные минеральные пигменты.


«Я был шокирован, узнав, что то, что я считал своей собственной техникой использования клея животного происхождения, на самом деле использовалось в Японии в течение очень долгого времени», — говорит Аллан Уэст. С ранних лет Уэст любил снимать сцены природы и стремился стать художником. Однако ему было трудно изобразить тонкие линии растений и цветов с помощью масел, поэтому он стремился создавать свои собственные пигменты и холсты из клея кроличьего белка и мрамора.После окончания средней школы Уэст поступил в Университет Карнеги-Меллона, один из ведущих художественных колледжей США. Там он отвернулся от традиционных толстых мазков масляной живописи, которым в основном преподают в американских колледжах, вместо этого демонстрируя свой индивидуалистический дух, экспериментируя с другими материалами в изображении природы.

Пигменты производятся из природных минералов, таких как лазурит и малахит. Дополнительно используется клей, который затвердевает в виде стержня для более длительного хранения, и сусальное золото.


Однажды, видя работы Уэста на выставке, женщина случайно упомянула, что аналогичные техники можно найти в японской живописи. Желая узнать больше об этих методах, Уэст взял перерыв в учебе и направился в Японию, страну, о которой он ничего не знал. Там он был впечатлен своим знакомством с нихонга (традиционной японской живописью). Он обнаружил, что клей из оленьего белка, используемый в нихонга, был гораздо менее пахнущим и мутным, чем клей для кроликов, который он использовал ранее.Уэста также впечатлили бесчисленные цвета натуральных минеральных пигментов, изготовленных из каменной пудры, а также кисти, которые позволяют создавать более открытые и выразительные линии. С этими органическими материалами приятно работать, они отражают красоту природы и оставляют неизгладимое яркое сияние на протяжении более тысячи лет. После окончания университета в США Уэст вернулся в Японию и поступил в Высшую школу японской живописи Токийского университета искусств. Именно там, под руководством Каямы Матазо, он глубоко изучил техники нихонга.

Внутри галереи-студии Аллана Уэста, традиционный решетчатый потолок которой Уэст украсил драконами, растениями и цветами.

Уэст открыл свою студию-галерею после ремонта автосервиса в центре города Янака, полного буддийских храмов и старых домов.


Недалеко от Токийского университета искусств находится Янака, храмовый район Токио периода Эдо (1603-1867 гг.), Где сохранилось множество старых японских зданий.Уэст был очарован этой частью Токио, полной известных магазинов, специализирующихся на нихонга материалы. Это увлечение заставило его отремонтировать старый гараж для кузовов автомобилей, чтобы он мог открыть свою собственную студию-галерею в японском стиле по соседству. Зайдя внутрь, посетитель попадает в волшебный мир, полный произведений искусства, расписанных золотом, серебром и медным листом, а также контейнеров, наполненных мелко измельченными натуральными минеральными пигментами. Соседи нередко заходят взглянуть на его работы, которые дают им четкое представление о смене времен года.

В последние годы Уэст, наряду с последователями традиционных исполнительских искусств, таких как Кабуки и Но, сосредоточил свое внимание на передаче очарования японской культуры через выставки и выступления за границей. «Японская культура несет в себе мудрость, которая ценит красоту природы, гармонию с природой, которая сохраняется устойчивым образом. Это та мудрость, которую я хотел бы передать своим искусством, — мягко замечает Уэст. С таким художником, запечатлевшим красоту природы, не скованную национальными границами, в этом традиционном стиле живописи, потенциал nihonga получит дальнейший резонанс во всем мире.



АЛЛАН ВЕСТ

Родился в Вашингтоне, округ Колумбия. Будучи учеником старшей школы, Уэст считал, что он первым начал использовать клеи животного происхождения, смешанные с натуральными пигментами, не подозревая, что это те же материалы, что и в технике нихонга. Он изучал искусство в Колледже изящных искусств Университета Карнеги-Меллона в США. Уэст поселился в Японии после нескольких визитов и в 1989 году поступил в Высшую школу изящных искусств Токийского университета искусств.Десять лет спустя он открыл Art Sanctuary Allan West, студию-галерею в Янаке, Токио. Большая часть его работ — это работы по заказу, состоящие из картин с растениями и цветами на свитках, складных ширмах и веерах. Он также является попечителем в Институте изучения и сохранения культурного наследия Японии Юраби.

«Нихонга»: новое открытие классического стиля японской живописи

Мы поговорили с Ямадзаки Таэко, директором ведущего токийского музея жанра японской живописи, известного как нихонга , о попытках сделать этот особый вид искусства более известным современной публике в стране и за рубежом.

Поднимающийся из темноты столб пламени привлекает к свету танцующих мотыльков — это таинственно завораживающее изображение — Энбу (Танцы в огне), одно из самых известных произведений Хаями Гёшу (1894–1935), нихонга Живописец, работавший в первые десятилетия двадцатого века. Сегодня эта картина является одним из основных экспонатов в коллекции Художественного музея Яматане в Хироо, Токио, уникального музея, специализирующегося на шедеврах нихонга, живописи эпохи Мэйдзи (1868–1912), в том числе 120 произведений, созданных художником. Гёсу перед ранней смертью в возрасте 40 лет.

Первым директором музея был Ямадзаки Танеджи (1893–1983), основатель компании Yamatane Securities, которая сейчас называется SMBC Nikkō Securities. Сегодня его внучка Таэко является директором музея.

Истоки уникальной коллекции музея

В Японии расположено множество музеев, построенных на основе частных коллекций их основателей, часто выдающихся деятелей индустрии, таких как Музей искусств Идемицу, Мемориальный музей Мицуи, Музей Нэдзу и Музей искусств Сантори.В чем особенность Художественного музея Яматане?

«Для начала, это первый музей в Японии, специализирующийся на картинах нихонга, картинах. Большая часть коллекции состоит из произведений эпохи Мэйдзи и более поздних времен. У нас чуть больше 1800 экспонатов — пожалуй, не так уж много, как в музейных собраниях. Но одна из наших сильных сторон в том, что все художники представлены своими самыми известными работами. У моего дедушки был горький опыт в начале своей карьеры коллекционера, когда он купил картину якобы периода Эдо [1603–1868] художника Сакаи Хоицу и обнаружил, что это подделка.Я думаю, этот опыт немного его повредил и оттолкнул от покупки старых картин. Он решил сосредоточиться на приобретении работ современных художников, с которыми он мог бы иметь дело на личной основе. Таким образом, подумал он, не будет никаких сомнений в том, что он получает. «Картина изображает человечность художника», — говорил он. У него сложились тесные личные отношения со многими художниками, представленными в коллекции, в том числе Ёкояма Тайкан, Каваи Гёкудо, Уэмура Сёэн, Окумура Тогю и Хигасияма Кайи.


Шедевр Хаями Гёшу Танцы в огне , 1925. (Цвет на шелке, Художественный музей Яматане. Важное культурное достояние. )

Эти художники, имевшие тесные отношения с Танеджи, стремились передать свои работы в его руки. и это помогло ему собрать коллекцию лучших работ многих из лучших современных авторов. «Мой дедушка вообще никогда не просил художников написать работы на выбранную им тему. Но были исключения из этого правила.Когда он увидел фреску Кайи Asaake no ushio [Dawn Tide], заказанную для нового Императорского дворца, строительство которого было завершено в 1968 году, он попросил художника создать еще одну аналогичную работу, которую можно было бы выставить где-нибудь, где ее могли бы увидеть все. Кайи ответил Michikuru ushio [Rising Tide], огромной картиной размером 9 метров в ширину и 2,1 в высоту. Он поручил другим художникам — Ясуда Юкихико, Ямагути Хошун, Уэмура Сёко, Сугияма Ясуси и Хашимото Мэйдзи — нарисовать для него работы, аналогичные тем, которые они сделали для нового дворцового комплекса.Эти уникальные картины — еще одна отличительная черта нашей коллекции ».

К тому времени, когда Ямадзаки Танеджи начал серьезно относиться к развитию своей коллекции, Хаями Гёшу уже умер в возрасте 40 лет, что сделало его одним из немногих художников, представленных в коллекции, без прямого взаимодействия с основателем музея. Второй директор музея, Ямадзаки Томидзи, продал собственность и ценные бумаги, принадлежащие Yamazaki Art Foundation, и использовал вырученные средства для приобретения коллекции Атака, важной части работ художника.Это приобретение принесло музею прозвище «Музей Гёсу».

Опыт формирования делает вас сильнее

«Для моего деда искусство было важной частью повседневной жизни. Он обычно вешал сезонно меняющуюся подборку свитков нихонга в нише tokonoma в комнатах своего дома в японском стиле и картины маслом в комнатах в западном стиле. В детстве я любила сидеть у него на коленях и любоваться картинами в tokonoma .Когда он говорил, что достанет мне все, что я захочу, я умолял принести художественную бумагу и тратил время на рисование картин ».

Несмотря на раннюю любовь к живописи, Ямазаки говорит, что сама никогда не мечтала стать художником. Она изучала международные финансы в университете, планируя однажды присоединиться к Yamatane Securities. Но это была еще эпоха до принятия закона о равных возможностях трудоустройства, и женщинам, окончившим четырехлетние университеты, было трудно найти достойные должности в крупных компаниях.«Я решил, что хочу заниматься искусством, и начал серьезно заниматься. Я поступил в аспирантуру Токийского университета искусств ». Во время учебы Ямазаки получила то, что должно было стать формирующим советом от покойного Хираямы Икуо, известного художника нихонга , который преподавал в университете, а затем стал его деканом, который сказал ей: «Поскольку вы учитесь в университете. В университете искусств вам следует воспользоваться возможностью изучить методы и научиться рисовать нихонга самостоятельно.Это поможет вам стать исследователем и куратором, который в будущем лучше поймет художников ». Ямазаки начала изучать живопись наряду с историей искусства. «Одно из моих самых ярких воспоминаний — это время, которое я потратил на копирование некоторых фресок в храме Хурюдзи под руководством профессора Хираямы и его помощников. То, что я тогда узнал о методах и материалах, используемых в рисовании nihonga , оказалось для меня незаменимым в работе, которой я занимаюсь сегодня ».

Ямадзаки серьезно упала в тот год, когда она закончила аспирантуру, и врачи предупредили ее, что она никогда не сможет полностью использовать свои ноги.Находясь в больнице, она получила открытку от своего наставника, профессора Хираямы. «Жизнь человека подобна годичным кольцам на дереве: периоды подобных трудностей могут оказаться формирующими переживаниями, которые сделают вас сильнее. Оставайся сильным!» Она считает, что это поощрение помогло ей прожить два года на костылях.

Новое открытие японской культуры

Она заняла должность директора музея в 2007 году. Два года спустя Художественный музей Яматане, первоначально открытый в Нихонбаси в 1966 году, переехал на свое нынешнее место в Хироо. Сдержанный дизайн внешнего вида нового здания помог ему идеально вписаться в один из самых тихих районов столицы, а кафе в главном вестибюле по сей день остается популярным местом для отдыха.

Музей полностью доступен внутри. Все, от материалов, используемых в стенах и полах до освещения, предназначено для того, чтобы показать картины в наилучших возможных условиях. « Nihonga — это стиль рисования, в котором используются все натуральные материалы. Картины выполнены на шелке или бумаге васи с использованием чернил суми , гофун (белый пигмент из измельченных ракушек) и других природных минеральных пигментов.Это значит, что картины очень хрупкие и их легко повредить. Работы подвержены повреждениям при ярком освещении, поэтому нам нужно позаботиться о том, чтобы поддерживать уровень освещения, который сохранит картины в их наилучшем состоянии. Эффективно комбинируя несколько источников света, мы стараемся наилучшим образом передать характеристики и цвета картин ».


Ямазаки часто носит кимоно в общественных местах.

В последние годы популярность таких художников, как мастер периода Эдо Ито Джакучу и Каванабэ Кёсай, художник-виртуоз, работавший в середине девятнадцатого века, вызвала некоторое возрождение интереса к японской живописи.Хотя большинство из лучших художников нихонга остаются малоизвестными широкой публике, Ямазаки говорит, что есть признаки того, что ситуация начинает меняться.

«Раньше только выставки западного искусства собирали большие толпы. Но в последнее время наблюдается всплеск интереса к искусству в японском стиле — в основном благодаря новому энтузиазму таких художников, как Джакучу и Кёсай. Это побудило некоторых людей предположить, что японское искусство сегодня становится более популярным, чем западное, среди многих людей.Это может быть признаком сдвига в обществе — возможно, мы переходим из эпохи, когда люди были очарованы Западом, в эпоху, когда все больше людей начинают заново открывать для себя нашу японскую культуру. Тем не менее, нам нужно задействовать все наши ресурсы, чтобы предлагать идеи для выставок, которые будут интересовать людей любого возраста и происхождения и заставлять их посещать наш музей не один раз, а снова и снова. В частности, молодые люди часто не знакомы с нихонга . На самом деле они не сталкиваются с этим в школе, и это одна из причин, почему было трудно заинтересовать больше молодых людей. Nihonga может помочь нам лучше понять смену времен года или красоту природы — я хочу, чтобы люди думали об этом не как о какой-то отдаленной или недоступной форме изысканного искусства, а как о чем-то знакомом и близком их собственной жизни ».

Музей пробовал различные меры, чтобы побудить молодежь посещать выставки. Помимо очевидных шагов, таких как создание привлекательных товаров, организация специальных мероприятий и публикация выставок в социальных сетях, музейное кафе добавило новые пункты в меню, связанные с некоторыми произведениями искусства на каждой выставке: оригинальные кондитерские изделия wagashi , основанные на мотивах цветы, фрукты или животные, изображенные на некоторых выставленных произведениях искусства. «Даже если люди изначально тянутся к музею, чтобы попробовать особый вагаси , это тоже может стать открытием. Они могут прийти на обед или послеобеденный чай с другом и в конечном итоге влюбиться в картины, которые видят во время своего визита. . . »

На недавних выставках в музее продавались товары и wagashi , разработанные в сотрудничестве с Meiji Tokyo Renka, популярным приложением для мобильных игр и телевизионным аниме, в котором такие персонажи, как Йокояма Тайкан и Хисида Сюнсо, предстают в образе сердцеедов эпохи Мэйдзи.Связь вызвала положительный отклик среди молодежи. Один из них написал в Твиттере: «Так здорово видеть настоящие работы Тайкана и Шунсо. Ничего подобного я бы никогда не увидел нормально. Я действительно рад, что сотрудничество с Meiji Tokyo Renka вызвало у меня интерес ».


Значки разработаны в сотрудничестве с Meiji Tokyo Renka.

Сохранение старых работ и поощрение нового творчества

Наряду с этими разносторонними творческими усилиями по привлечению людей к выставкам музея, более приземленные усилия по защите произведений искусства в коллекции также являются важной частью работы Ямадзаки. Из-за того, что они сделаны с использованием минеральных пигментов и натуральной бумаги, они хрупкие и легко повреждаются. «В некотором смысле защита произведений искусства и их демонстрация — это два взаимно противоречащих аспекта моей работы, и попытка уравновесить эти два аспекта может быть чрезвычайно сложной. Я всегда стараюсь смотреть в будущее и позитивно участвовать в создании наилучших условий и работе над восстановлением поврежденных работ ».

Музей также прилагает значительные усилия для выявления и развития молодых художников.Премия Музея искусств Яматане, которая ранее действовала с 1971 по 1996 год, была возобновлена ​​в 2016 году, а премия Музея искусств Яматане Нихонга, проводимая во второй раз в 2019 году, открыта для всех в возрасте 45 лет и младше.

«Мы решили расширить критерии по лакокрасочным материалам. Вместо того, чтобы настаивать на том, чтобы художники использовали только традиционные минеральные пигменты, мы расширили требования к въезду, чтобы разрешить работы с некоторым использованием акрила и масла. Мы получили несколько фантастических работ, которые продемонстрировали удивительно разнообразный диапазон творчества и самовыражения.Мы надеемся поддержать молодых художников, проводя премию раз в три года ».

Многие работы сочетают в себе элементы традиций с чувством современного искусства. «Это, безусловно, правда, — признает Ямазаки, — что в некоторых недавних работах трудно провести четкую грань между нихонга и живописью в западном стиле, по крайней мере, на поверхности. Многие из самых сильных работ, основанные на традициях нихонга , были довольно современными по стилю и выражению.На протяжении всей истории искусства традиции всегда обновлялись, и рождались новые формы выражения, соответствующие новой эпохе. Но я не думаю, что традиции теряются. Было бы лучше сказать, что создается новый стиль nihonga ».

Повышение международного профиля

нихонга

Помимо поддержки молодого поколения художников, которые будут нести нихонга в будущее, Ямадзаки также надеется, что картины из коллекции музея увидят и оценят иностранные посетители.

«Я надеюсь, что больше людей из-за пределов Японии посетят музей и познакомятся с выразительной силой нихонга через нашу коллекцию. Красота формы достигается благодаря натуральным материалам, использованным в картинах: минеральным пигментам, бумаге, шелку. Трудно уловить, что делает nihonga таким особенным, с помощью печатных репродукций. В картинах используется клей nikawa для связывания пигментов с бумагой и шелком. Это придает изображению слегка зернистую зернистую текстуру.Я очень надеюсь, что во время своих путешествий в музей будет приезжать больше иностранных посетителей, которые воспользуются возможностью испытать уникальные качества нихонга собственными глазами ».

В музее уже было проведено несколько выставок, призванных обеспечить доступную точку входа для иностранных посетителей. Например, в 2014 году выставка Kawaii в японском искусстве фокусировалась на концепции «культуры kawaii», которая затем начала привлекать внимание за рубежом, и использовала «kawaii» в качестве ключевого термина для представления произведений, относящихся к периоду Муромати (1333 г. ) –1568) до наших дней.Текущая выставка « Читая нихонгу сквозь цвет: синий Kaii и Gens ō’s Red » посвящена пигментам, используемым для производства нихонга . Многие из минералов, используемых для создания пигментов, также демонстрируются в попытке заинтересовать посетителей материалами, которые делают этот стиль живописи уникальным.


Хигасияма Каи, Тоши куру (Конец года), 1968. (Цвет на бумаге. Художественный музей Яматане).


Окуда Генсо, Ойрасе: Аки (Ущелье Ойрасе: осень), 1983.(Цвет на бумаге, Художественный музей Яматане.)

Ямадзаки говорит, что музей планирует больше, чем когда-либо, сосредоточить внимание на предоставлении информации иностранным посетителям из-за границы в преддверии Олимпийских и Паралимпийских игр в Токио в 2020 году. в одном из основных туристических мест, таких как Уэно или Асакуса, и в настоящее время к нам, вероятно, приезжают только пять или около того зарубежных посетителей в день. Я надеюсь, что больше посетителей найдут время, пока они в Токио, не только для того, чтобы посетить места, куда все ходят, но и для того, чтобы испытать этот отчетливо японский стиль живописи, который процветал здесь последние 160 лет и который пока еще не легко увидеть за пределами Японии.

Как директор музея, основанного ее дедом в третьем поколении, Ямадзаки знает, что ей понадобятся все ее таланты и креативность, поскольку она стремится познакомить новую аудиторию с уникальной привлекательностью живописи нихонга .

(Опубликовано 22 ноября 2019 г. на японском языке на основе интервью Итакура Кими из Nippon.com. Фотография к заголовку: в вестибюле Художественного музея Яматане в Хироо, Токио. Все фотографии сделаны Мивой Нориаки, кроме фото Ямадзаки Таэко в кимоно.)

Справочник по формам традиционного японского искусства

Продажа различных лаковых изделий | © Брайан Джеффри Беггерли / Flickr

Традиционные японские формы искусства веками были источником восхищения и вдохновения не только в Японии, но и во всем мире. Отчасти потому, что, помимо прочего, их незамысловатую красоту может оценить практически каждый. От искусства икебаны до изящной чайной церемонии — вот наш путеводитель по традиционным формам японского искусства.

Каллиграфия — одно из самых уважаемых японских искусств. Наряду с иероглифами , или японскими иероглифами, каллиграфия была импортирована из Китая в период Хэйан более тысячи лет назад. Есть много разных стилей каллиграфии. sosho, или стиль руки травы, обычно используется для художественной каллиграфии и поэтического письма. Эти изящно связанные символы и слоги иногда могут казаться почти неразборчивыми для изучающего японский язык, но тем не менее их красоту можно оценить.

Занятия каллиграфией | © Питер Гриффин / Public Domain Pictures

Хотя в Японии много флористов, собирающих разноцветные букеты, не все из них будут практиковать более традиционный вид искусства — икебана . Икебана обычно более упрощена, чем современная цветочная композиция, и подчеркиваются различные части растения, а не только красочные цветы. Гармония цветов, текстуры, формы и баланса растений и ветвей является ключевым моментом.Но икебана — это, прежде всего, форма творческого самовыражения и ценится за это качество.

Икенана в «морибане» или «косом стиле» | © Tim Buss / Flickr

Ukiyo-e означает «изображения парящего мира» и относится к предмету печати. «Плавающий мир» — это мир мимолетных удовольствий, и объектами укиё-э часто, но не всегда, были красивые женщины или куртизанки и гейши из развлекательных заведений.В 17 веке укиё-э были обычным явлением в купеческих домах среднего класса в качестве украшений. Укиё-э — один из самых ярких и уникальных стилей японского искусства. Хотя сегодня это вид искусства не практикуется, его влияние можно увидеть в таких современных формах искусства, как татуировка и дизайн одежды.

Ксилография Утагавы Тоёкуни в период Эдо | Ксилография Утагавы Тоёкуни периода Эдо

Японская лакированная посуда известна своей красотой и долговечностью. Лак использовался в Японии на протяжении тысячелетий для защиты и сохранения естественной красоты дерева. Благодаря современному использованию пластмасс и металлов, искусство изготовления изысканной лаковой посуды или гребня легко оценить. Найдите традиционные лакированные изделия в магазинах товаров для дома.

Продажа различных лаковых изделий | © Brian Jeffery Beggerly / Flickr

Чайная церемония выросла из гостеприимства японских дворян периода Хэйан, которые любили подавать чай своим высокопоставленным гостям.В конце концов, родился совершенно новый способ оценить любимый напиток со своим уникальным набором правил и этикета. Увидеть очень формальную японскую чайную церемонию или, еще лучше, принять участие в одной из них, несомненно, станет незабываемым событием, и в большинстве японских городов будут регулярно проводиться мероприятия, чтобы посетители могли их испытать.

Майко готовится к официальной чайной церемонии | © Jody McIntyre / Flickr

До появления современной парфюмерии и ароматических спреев благовония играли жизненно важную роль в высших слоях общества Японии. Дворяне периода Хэйан ароматизировали свою одежду, аксессуары и волосы индивидуальными ароматами, и эти ароматы сами по себе были формой общения. Часть кодо включает «игры сравнения благовоний» или кумико. Игроки по очереди оценивают аромат благовоний и угадывают ингредиенты внутри. Кудо в наши дни не практикуется широко, даже в особых культурных мероприятиях, из-за высокой стоимости материалов.

Сжигание благовоний | © Джей Мантри / Pixabay

В Японии существует множество видов традиционного танца.Двумя из основных являются Но и Кабуки . Но — это музыкальная драма, которая существует уже более пятисот лет. Его можно узнать по обычно скудным сценическим эффектам, уделяя все внимание исполнителям в масках, которые обычно воспроизводят древнюю легенду или аналогичные сказки. С другой стороны, танцевальная драма Kabuki отличается тщательно продуманным макияжем, костюмом и чрезмерными эмоциями. Оба типа до сих пор широко практикуются в таких местах, как театр Кабуки-дза в Токио.

В Лондоне идет спектакль кабуки | © GanMed64 / Flickr

Токийский университет искусств

В студии техники и материалов для рисования маслом студенты обращаются к таким темам, как «В чем суть масляных картин?» и «Как возникли и развивались масляные картины» с точки зрения материалов и методов рисования, и, основываясь на результатах исследований по этим темам, они участвуют в создании масляных картин как средства самовыражения. Студенты также изучают материалы и методы масляной живописи с помощью различных заданий, включая создание собственных холстов, грунтовок и палитр, с конечной целью создания успешных современных работ на масляной основе.

Студенты изучают реальные условия темперной живописи в раннем итальянском Возрождении, последовательно воспроизводя холсты, грунтовки и палитры классической западной темперной и масляной живописи, а также изучают литературу по материалам и техникам масляной живописи, а также на практике. обучение репродукции. Обучение фотографии включает в себя методы фотографирования, увеличения, проявления и печати для копирования собственных (в основном двумерных) работ учащихся и человеческих объектов. На основе результатов этих исследований студенты готовят отчеты, в которых фотографии и текст сочетаются в качестве презентаций своей собственной работы, и участвуют в частых обсуждениях с преподавателями и другими студентами.

Исследования и исследования на протяжении многих лет были сосредоточены на многочисленных выдающихся японских картинах, написанных маслом, относящихся к раннему периоду Мэйдзи, которые в настоящее время находятся в коллекции Художественного музея университета. Сосредоточившись на многослойной структуре картин и различных материалов, включая холсты, грунтовки, палитры и лак, студенты и исследователи тщательно описали состояние каждой работы с помощью текста и фотографий.Эта работа архивируется в цифровом виде и хранится в базе данных.

В аспирантуру обучается множество студентов, интересующихся не только масляной живописью, но и разнообразными, сложными работами, такими как трехмерные работы, изображения и инсталляции, выходящие за рамки жанра масляной живописи. Студенты во всех этих областях разделяют общий подход к углублению своих знаний о классике и изучению нового искусства с помощью таких работ. По замыслу, программа предлагает образовательную и исследовательскую структуру, в которой каждый студент может направить свои исследования, чтобы понять сущность масляных картин в традиционной академической среде.

В докторской программе комплексное интегрированное групповое руководство предоставляется на более продвинутых уровнях преподавателями начальных и вспомогательных школ как по творческой работе, так и по теории, чтобы помочь студентам получить докторские степени. Руководство также направлено на предоставление студентам навыков, необходимых для представления собственной творческой и исследовательской деятельности в обществе и для превращения в специалистов, способных сделать карьеру в искусстве на международной арене.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.