Японская живопись
Древняя Япония
Живопись в Японии появилась в самый древней период истории страны. Простые рисунки из палочек и геометрические композиции встречаются на гончарных изделиях периода Йомон (Jomon) и на бронзовых колоколах дотаку периода Яёй (Yayoi) (300г. до н.э. — 300г. н.э.). Настенная живопись с геометрическими и образными композициями были найдены во множестве склепов периода Кофун (Kofun) (300-700гг. н.э.).
С принятием китайской письменности (канджи), китайской модели государственного управления буддизма в период Асука, в Японию пришли множество картин из Китая, начали появляться местные произведения в таком же стиле. Можно выделить следующие исторические периоды японской живописи:
Период Нара (Nara)
С распространением в Японии буддизма в VI-VII вв. начало процветать изображение религиозных образов на стенах храмов, возведенных представителями правящих классов. Однако период Нара гораздо ярче характеризуется искусством ваяния скульптур, а не живописью.
Самые ранние дошедшие до наших дней произведения живописи этого периода включают в себя картины на стенах храма Хоруи-Жи (Horyu-ji) в городе Икаруга (Ikaruga) префектуры Нара, изображающие эпизоды из жизни Будды, Бодхисаттв и некоторых других божеств. По стилю они напоминают китайские картины времен династии Су (Sui) или позднего периода Шестнадцати королевств. Однако к середине периода Нара стали популярны изображения в стиле династии Танг (Tang). Они включают в себя настенные рисунки в гробнице Такамацузука, относящиеся к 700г. нашей эры. Этот стиль стал основой жанра Кара-и, который оставался популярным в начале периода Хэян. Так как большинство картин периода Нара религиозны, художники были в основном анонимны. Большая коллекция произведений искусства периода Нара находится в хранилище Шосойн (Shosoin), которым раньше владел Тодай-жи (Todai-ji), теперь же оно контролируется Агентством императорского двора (Imperial Household Agency).
Периоды Хэйан (Heian) и Камакура (Kamakura)
С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala).
Бесчисленные версии изображения Мандалы, особенно Мандалы Алмазного мира и Мандалы Сокрытого мира, были созданы на свертках и на стенах храмов. Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto).
С постоянным развитием буддизма в Японии в направлении нового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храме Уджи (Uji) в Киото.
Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото. С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala).
Бесчисленные версии изображения Мандалы, особенно Мандалы Алмазного мира и Мандалы Сокрытого мира, были созданы на свертках и на стенах храмов. Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto).С постоянным развитием буддизма в Японии в направлении нового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храме Уджи (Uji) в Киото. Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото.
К середине периода Хэйан, китайский стиль живописи кара-и потерял связь с ямато-и, который изначально использовался для росписи скользящих дверей и складных ширм.
Однако позднее ямато-и стал использоваться и по-другому (особенно в конце периода Хэйан), например, на свитках эмакимоно (emakimono). Эмакимоно включали в себя иллюстрированные художественные произведения (например, Генджи Моногатари (Genji Monogatari)), исторические хроники (например, Бэн Дайнагон Экотоба (Ban Dainagon Ekotoba)) и религиозные записи. Художники и-маки (E-maki) разработали системы условных рисунков, которые визуально передавали эмоциональное содержание каждой сцены. Произведение Генджи Моногатари разделено на небольшие эпизоды, тогда как более яркое Бан Дайногон Экотоба использует продолжительную и обширную иллюстрацию, изображающую персонажей в движении, нарисованную быстрыми штрихами кисти, неяркими, ноконтрастными цветами. «Осада дворца Санджо» (Siege of the Sanj? Palace) — еще один знаменитый пример этого стиля.
И-маки также являются одними из самых ранних и великолепных примеров стилей живописи отоко-и (otoko-e, мужские картины) и онна-и (onna-e, женские картины).
Между этими стилями существует множество значительных отличий, вызванных разницей эстетических предпочтений полов. Но, пожалуй, самыми заметными являются отличия в тематиках. Стиль онна-и, представленный в свитке «Сказание о Генджи», обычно изображает жизнь при дворе, чаще всего жизнь придворных дам, и романтические сюжеты. Стиль отоко-и, наоборот, обычно использовался для изображения исторических событий, чаще всего битв.
Эти стили продолжали существовать и в период Камакура (Kamakura, 1180-1333). И-маки различных видов продолжали создавать; однако, период Камакура гораздо ярче характеризуется искусством ваяния скульптур, а не живописью.
Так как большинство произведений живописи периодов Хэйан и Камакура религиозны, художники чаще всего были анонимны.
Период Муромачи (Muromachi)
Развитие монастырей дзен в Камакуре и Киото в XIV веке оказало основное влияние на изобразительное искусство. Сьюбокуга (Suibokuga), строгий одноцветный стиль живописи, использующий чернила, появившийся в эпоху династий Сунг (Sung) и Юань (Yuan) в Китае, в значительной степени заменил собой многоцветные иллюстрации в свитках предыдущего периода, хотя многоцветная портретная живопись сохранилась, в основном в форме картин «чинзо» (chinso) монахов Дзен.
Типичным примером такой живописи является изображение священником-художником Као (Kao) легендарного монаха Кенсу (Kensu, в кит. — Хсен-цу (Hsien-tzu)) в момент, когда он достиг просветления. Такие картины делались быстрыми штрихами кисти и были минимально детализированы.
Картина «Ловля сома на тыквенную семечку» (Catching a Catfish with a Gourd), написанная священником-художником Джосетсу (Josetsu), которая находится в храме Тайзо-ин (Taizo-in) в районе Миошин-Джи (Myoshin-ji) в Киото, отмечает собой поворотный момент в живописи периода Муромачи. На переднем плане изображен человек на берегу ручья, держащий маленькую тыквенную семечку и смотрящий на большого скользкого сома. Средняя часть пейзажа окутана туманом, а на заднем плане нарисованы горы, находящиеся в отдалении. Считается, что «новый стиль» живописи, появившийся в Японии около 1413 года, характеризуется изображением широких пространств, что было характерно для китайской живописи того периода.
К концу XIV века одноцветные изображения пейзажей (сансьюга, sansuiga) получили одобрение правящей семьи Ашикага (Ashikaga), и стали предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно отходя от китайских корней и приобретая японские особенности.
Наиболее известные живописцы периода Муромачи — священники-художники Шубун (Shubun) и Сесшу (Sesshu). Шубун, монах монастыря Шококу-джи (Shokoku-ji) в Киото, написал картину «Чтение в бамбуковой роще» (Reading in a Bamboo Grove), реалистичный пейзаж с глубоким удалением в пространстве. Сесшу, в отличие от большинства художников того периода, имел возможность побывать в Китае и изучить китайскую живопись на ее родине. Одна из лучших его картин — «Длинный свиток» (The Long Handscroll), изображающая четыре времени года на одном большом пейзаже.
В конце периода Муромачи чернильная живопись выбралась за пределы монастырей Дзен в художественный мир: живописцы школ Кано (Kano) и Ами (Ami) переняли стиль и тематики, но внесли больше пластики декоративных эффектов; в таком виде стиль существует в наше время.
Известные японские художники периода Муромачи:
Моккеи (Mokkei) (приблизительно 1250 год)
Мокуан Рейен (Mokuan Reien) (1345)
Као Нинга (Kao Ninga) (начало XIV века)
Минчо (Mincho) (1352-1431)
Джосетсу (Josetsu) (1405-1423)
Теншо Шубун (Tensho Shubun) (1460)
Сесшу Тойо (Sesshu Toyo) (1420-1506)
Кано Масанобу (Kano Masanobu) (1434-1530)
Кано Матонобу (Kano Motonobu) (1476-1559)
Период Азучи-Момояма (Azuchi-Momoyama)
В отличие от предыдущего периода Муромачи, период Азучи-Момояма характеризуется появлением великолепного многоцветного стиля, широко использовавшего золотую и серебряную фольгу, и очень масштабными работами. Школа Кано (Kano) получила покровительство Оды Нобунаги (Oda Nobunaga), Тойотоми Хидеёши (Toyotomi Hideyoshi), Токугавы Иеясу (Tokugawa Ieyasu) и их последователей, её размер и престиж сильно выросли. Кано Эйтоку (Kano Eitoku) разработал способ изображения грандиозных пейзажей на скользящих дверях, огораживающих комнаты.
Эти огромные ширмы и настенные рисунки должны были украшать дома и дворцы военной знати. То же назначение сохранялось у них и в последующем периоде Эдо (Edo), когда сёгунат Токугава (Tokugawa) продолжил продвигать работы школы Кано как официально санкционированный вид изобразительного искусства для сёгуна, феодалов (daimyo) и императорского двора.
Однако, в период Азучи-Момояма существовали и развивались художники и течения в живописи, не относящиеся к школе Кано; они перенимали китайские тематики и применяли их с использованием японских традиций. Одной из важных групп художников была школа Тоса (Tosa), которая использовала традиции ямато-и и была известна, в основном, благодаря работам небольших масштабов и иллюстрациям к литературной классике в книгах или эмаки (emaki).
Известные японские художники периода Азучи-Момояма:
Кано Эйтоку (Kano Eitoku) (1543-1590)
Кано Санраку (Kano Sanraku) (1559-1663)
Кано Таню (Kano Tanyu) (1602-1674)
Хасегава Тохаку (Hasegawa Tohaku) (1539-1610)
Кайхо Юшо (Kaiho Yusho) (1533-1615)
Период Эдо (Edo)
Многие ученые, изучающие историю изобразительного искусства, считают период Эдо продолжением периода Азучи-Момояма.
Конечно же, в начале периода Эдо многие из предыдущих тенденций живописи оставались популярными; однако, появились и новые тенденции.
Одна из значительных школ, появившихся в начале периода Эдо — кола Римпа (Rimpa), которая использовала классические сюжеты, но представляли их в смелом и ярком формате. Художник Сотатсу (S?tatsu) развивал декоративный стиль живописи, воссоздавая сюжеты классической литературы, используя блестяще раскрашенных персонажей и картины природы, противопоставленные фону из позолоты. Спустя век, художник Корин (Korin) переработал стиль Сотатсу и создал великолепные картины в своем собственном стиле. >
Другой важный жанр, появившийся в период Азучи-Момояма, но достигший пика своего развития в начале периода Эдо — Намбан (Namban), который изображал экзотичных иностранцев и использовал экзотичный иностранный стиль изобразительного искусства. Центром этого жанра стал портовый город Нагасаки (Nagasaki), который, после введения сёгунатом Токугавы политики изоляции, стал единственным японским портом, получившим разрешение вести торговлю с иностранными государствами; Нагасаки стал единственным путем проникновения китайских и европейских влияний на искусство в Японию.
Примеры этого жанра включают в себя работы школы Нагасаки, а также работы школы Маруяма-Шиджо (Maruyama-Shijo), объединившей китайские и европейские влияния с традиционными японскими элементами.
Третья важная тенденция периода Эдо — подъем жанра Бунджинга (Bunjinga, иллюстрации к литературным произведениям), также известного как школа Нанга (Nanga, Южная школа живописи). Сначала этот жанр был имитацией работ китайских художников-любителей времен династии Юань, чьи работы и техники пришли в Японию в середине XVIII века. Позднее, художники, работающие в стиле бунджинга, видоизменили как техники, так и сюжеты этого жанра, создав смесь японского и китайского стилей. В этом стиле работали такие художники, как Ике но Таига (Ike no Taiga), Урагами Гиокудо (Uragami Gyokudo), Йоса Бусон (Yosa Buson), Таномура Чикуден (Tanomura Chikuden), Тани Бунчо (Tani Buncho) и Ямамото Баитсу (Yamamoto Baiitsu).
Из-за строгой финансовой и социальной политики сёгуната Токогава дорогие произведения этих жанров и стилей были лимитированы для высших слоев общества и недоступны, даже запрещены для низших классов.
Простолюдины разработали альтернативный вид живописи — фузокуга (fuzokuga), в котором изображались сцены простой, повседневной жизни обычных людей. Популярными были изображения театра кабуки, проституток и пейзажи. В XVI веке эти картины положили начало развитию гравюр на дереве для оттиска, или укиёи (ukiyoe), которые в середине и в конце периода Эдо были основными носителями письменной информации.
Известные японские художники периода Эдо:
Тауарайя Сотатсу (Tawaraya S?tatsu, 1643)
Огата Корин (Ogata Korin, 1658-1716)
Маруяма Окио (Maruyama Okyo, 1733-1795)
Матсумура Гошун (Matsumura Goshun, 1752-1811)
Ито Якучу (Ito Jakuchu, 1716-1800)
Джион Нинкий (Gion Nankai, 1677-1751)
Сакаки Хьякусен (Sakaki Hyakusen, 1697-1752)
Янагисава Киен (Yanagisawa Kien, 1704-1758)
Ике но Таига (Ike no Taiga, 1723-1776)
Йоса Бусон (Yosa Buson, 1716-1783)
Урагами Гиукудо (Uragami Gyokudo, 1745-1820)
Окада Бейсанджин (Okada Beisanjin, 1744-1820)
Катсушика Хокусай (Katsushika Hokusai, 1760-1849)
Тани Бунчо (Tani Buncho, 1763-1840)
Таномура Чикуден (Tanomura Chikuden, 1777-1835)
Ямамото Баитсу (Yamamoto Baiitsu, 1783-1856)
Ватанабе Казан (Watanabe Kazan, 1793-1841)
Шибата Зешин (Shibata Zeshin, 1807-1891)
Томиока Тессаи (Tomioka Tessai, 1836-1924)
Период Мейджи (Meiji)
В период Мейджи, в Японии произошли огромные политические и социальные изменения в рамках кампании по вестернизации и модернизации, начатой новым правительством.
Этот период ознаменовался разделением изобразительного искусства Японии на конкурирующие западные и традиционные стили.
Западный стиль живописи (Йога, Y?ga) официально поддерживался правительством: подающих надежды молодых художников посылали учиться за границу, иностранные художники нанимались, чтобы проводить занятия в японских школах.
Однако после начальной популярности западного стиля, маятник качнулся в другую сторону, и, ведомое критиком Окурой Какузо (Okakura Kakuzo) и преподавателем Эрнестом Феноллоса (Ernest Fenollosa), возродилось признание традиционных японских стилей. В 1880 году западный стиль был запрещен к показу на официальных выставках, его сильно критиковали. Поддерживаемый Окакурой и Феноллосой, стиль Нинонга (Nihonga) развивался под влиянием европейских движения периода до Рафаэля и европейского романтизма.
Художники, работающие в стиле Йога, образовали Мейджи Биджусукаи (Meiji Bijutsukai, Общество изобразительного искусства Мейджи), чтобы проводить свои собственные выставки и вновь пробудить интерес к западной живописи.
В 1907 году, с созданием под эгидой министерства образования выставки Бантен (Bunten), обе конкурирующие группы нашли молчаливое признание и начали сосуществовать и даже объединяться.
Известные японские художники периода Мейджи (Meiji):
Харада Наоджиро (Harada Naojiro, 1863-1899)
Ямамото Хосуи (Yamamoto Hosui, 1850-1906)
Асай Чу (Asai Chu, 1856-1907)
Кано Хогай (Kano Hogai, 1828-1888)
Хашимото Гахо (Hashimoto Gaho, 1835-1908)
Курода Сейки (Kuroda Seiki, 1866-1924)
Вада Эйсаку (Wada Eisaku, 1874-1959)
Окада Сабуросуке (Okada Saburosuke, 1869-1939)
Сакасамото Ханджиро (Sakamoto Hanjiro, 1882-1962)
Аоки Шигеру (Aoki Shigeru, 1882-1911)
Фуджишима Такежи (Fujishima Takeji, 1867-1943)
Хишида Шунсо (Hishida Shunso, 1874-1911)
Каваи Гёкудо (Kawai Gyokudo, 1873-1957)
Мёда Сейсон (Maeda Seison, 1885-1977)
Шимомура Канзан (Shimomura Kanzan, 1873-1930)
Такеучи Сейхо (Takeuchi Seiho, 1864-1942)
Томиока Тессай (Tomioka Tessai, 1837-1924)
Уемура Шоен (Uemura Shoen, 1875-1949)
Ёкояма Тайкан (Yokoyama Taikan, 1868-1958)
Период Тайшо (Taisho)
В период Тайшо европейские стили доминировали над традиционными.
В этот период в Японию после долгого пребывания в Европе вернулись многие художники (включая Аришиму Икуму (Arishima Ikuma)), принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Работы Камиля Писарро (Camille Pissarro), Поля Сезанна (Paul Cezanne) и Пьера Августа Ренуара (Pierre Auguste Renoir) повлияли на живопись в начале периода Тайшо. Однако художники, работавшие в европейских стилях, в период Тайшо тяготели и к эклектицизму, кроме того, существовало множество иных направлений в живописи. К ним относится и Сообшество Карандаша (Fusain Society, Fyuzankai), которое тяготело к постимпрессионизму, особенно фовизму. В 1914 году Никакаи (Nikakai, Общество Второго Дивизиона) создали выставку в оппозицию финансируемой правительством выставке Бантен.
На традиционную японскую живопись периода Тайшо лишь слегка повлияли соперничающие европейские движения, такие как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм.
Занимателен тот факт, что к концу периода Тайшо начал возрождаться стиль Нихонга (Nihonga), перенявший некоторые черты постимпрессионизма.
второе поколение художников Никонга образовало Академию японского изобразительного искусства (Japan Fine Arts Academy, Nihon Bijutsuin), чтобы составить конкуренцию финансируемому правительством Бантен, и хотя они продолжали использовать традиции ямато-и, использование западных способов изображения перспективы и западных представлений о пространстве и освещении постепенно уменьшало разницу между нихонгой и йогой.
Известные японские художники периода Тайшо:
Кишида Рюзей (Kishida Ryusei, 1891-1929)
Ёрозу Тетсугоро (Yorozu Tetsugoro, 1885-1927)
Ёкояма Тайкан (Yokoyama Taikan, 1868-1958)
Шимомура Канзан (Shimomura Kanzan, 1873-1930)
Хишида Шунсо (Hishida Shunso, 1874-1911)
Мёда Сейсон (Maeda Seison, 1885-1977)
Имамура Широ (Imamura Shiro, 1880-1916)
Томита Кейсен (Tomita Keisen, 1879-1936)
Наями Гойшу (Hayami Gyoshu, 1894-1935)
Кавабата Рюшу (Kawabata Ryushi, 1885-1966)
Цучида Хакусен (Tsuchida Hakusen, 1887-1936)
Мураками Кугаку (Murakami Kagaku, 1888-1939)
Кабураки Киёката (Kaburaki Kiyokata, 1878-1972 )
Такехиса Юмеджи (Takehisa Yumeji, 1884-1934 )
Уемура Шоко (Uemura Shoko, 1902-2001 )
Период Шоуа (Showa)
Главными японскими живописцами этого периода были Ясуи Сотару (Yasui Sotaro) и Умехара Рязабуру (Umehara Ryuzaburo), которые привнесли в традиционные японские стили понятия чистой и абстрактной живописи, таким образом сделав японскую живопись более содержательной.
Этот курс продолжили Леонард Фоуджита (Leonard Foujita) и Общество Ника, добавив элементы сюрреализма. Для продолжения работы в этом направлении, в 1931 году была сформирована Независимая ассоциация искусств (Independent Art Association, Dokuritsu Bijutsu Kyokai).
Во время Второй мировой войны контроль и цензура со стороны правительства означали, что допускались только патриотические сюжеты. В пропаганду правительства было вовлечено множество художников, и критическими обзорами их работ дело не ограничивалось.
После войны, в 1947 году была создана спонсируемая правительством Японская академия искусств (Japan Art Academy, Nihon Geijutsuin), включающая отделы как по нихонге, так и по йоге. Финансирование правительством выставок прекратилось, но появились частные выставки, такие как Ниттен (Nitten), которые были даже обширнее. Хотя Ниттен изначально являлась выставкой Японской академии искусств, с 1958 года ею заведовала отдельная частная корпорация. Участие в Ниттен фактически стало предпосылкой к принятию в Японскую Академию искусств, что, в свою очередь, являлось предпосылкой к получению Ордена Культуры.
Известные японские художники периода Шоуа:
Ясуи Сотаро (Yasui Sotaro, 1881-1955)
Умехара Рюзабуро (Umehara Ryuzaburo, 1888-1986)
Леонард Фоуджита (Leonard Foujita, 1886-1968)
Ясуда Юкихико (Yasuda Yukihiko, 1884-1978)
Кобаяши Кокей (Kobayashi Kokei, 1883-1957)
Каи Хигашияма (Kaii Higashiyama, 1908-1999)
Огура Юки (Ogura Yuki, 1895-2000)
Современный период
После Второй мировой войны художники, каллиграфы и гравировщики процветали в больших городах, особенно в Токио, их мысли занимало устройство современной городской жизни, отраженное в мерцающем свете, неоновых цветах и буйных скоростях их произведений. Все «учения» живописи Нью-Йорка и Парижа были приняты с широко раскрытыми объятиями. После абстракционизма 1960-х, 1970-е застали возвращение к реализму под влиянием таких течений, как «оп» и «поп», которые воплотились в 1980-х в великолепных работах Шиохары Ушио (Shinohara Ushio).
Множество достойных художников-авангардистов работали в Японии и за границей, выигрывали международные награды.
Эти художники считали, что в их работах не было «ничего японского», и причисляли себя к интернациональной школе. В конце 1970-х, поиск японских качеств и национального стиля заставил многих художников пересмотреть свою идеологию и отказаться от того, что многие считали пустыми формулами Запада. Живопись в современном стиле начала искать выгоду в использовании традиционных японских жанров, механизмов и сюжетов. Некоторые художники, работавшие в стиле моно-ха, перешли к живописи, чтобы вернуть обратно традиционные японские особенности в расположении пространства, гармонии цвета и лиризме.
Живопись в традиционном стиле (нихонга) продолжала оставаться модной, обновляя техники изображения, при этом сохраняя свойственные им особенности. Некоторые художники, работающие в этом стиле, все еще рисовали на шелке или бумаге, используя традиционные цвета и чернила, другие использовали новые материалы, например, акрил. Практиковались и многие старые школы, особенно периода Токугава. Например, декоративный натурализм школы римпа (rimpa), для которого характерны великолепные чистые цвета и подтеки краски, был отражен в работах многих художников после войны и в картинах Хикосаки Наоёши (Hikosaka Naoyoshi) в 1980-х.
Реализм школы Маруямы Окио (Maruyama ?kyo) и каллиграфический и спонтанный Японский стиль также практиковались в восьмидесятых. Иногда все эти школы, как и более древние, такие как чернильная живопись школы Кано, использовались современными художниками в традиционном стиле и в современной манере. В 1970-х многие художники, работавшие в традиционном стиле, получали награды и призы в результате роста популярности японских стилей. Кроме того, в 1980-х современные художники других национальностей также переходили к японскому стилю, отворачиваясь от европейских школ. Все шло к объединению Востока и Запада. Некотопые художники уже преодолели это расстояние, подобно знаменитому живописцу Шиноде Токо (Shinoda Toko). Ее оригинальные картини в абстрактном стиле, выполненные чернилами суми, были навеяны традиционной каллиграфией, но реализованы как современные выражения абстракционизма.
В настоящее время в Японии существует множество художников, которых вдохновляет субкультура аниме и другие аспекты молодежной культуры.
Один из самых известных и популярных — Такаши Муроками (Takashi Murakami), вместе со своими коллегами по студии Каикаи Кики (Kaikai Kiki). Его картины изображают послевоенное общество Японии и выражают его отношение к нему и на вид кажутся безобидными. Он рисует аниме и картины в похожих стилях, но также делает скульптуры и картины в более традиционных стилях, намеренно стирая грани между коммерческой и эстетической живописью.
Источник: http://www.wm-painting.ru
Техника японской живописи суми-э: познание сущности
Философии техники суми-э противоречивая и гармоничная, она выражает естественную красоту и элегантность.
Философия суми-э
Диаграмма Тай-Чи показывает идеально сбалансированное взаимодействие двух динамически противоположных сил Вселенной, точкой обозначена интеграция.
Техника реализовывает эти принципы жизнеспособности природы в своем дизайне и исполнении. Баланс и интеграция этих сил и вечное взаимодействие Инь-Янь являются основной целью суми-э.
Искусство рисования кистью направлено на изображение духовного начала, а не всего лишь облика предмета. Создавая картину, художник должен проникнуться «душой» предмета. Суми-э стремится к изображению его «души», это живопись на языке души.
В рисовании кистью очень важно терпение. Художник должен приложить большие усилия, чтоб достигнуть баланса, ритма и гармонии, развивая для этого терпение, самодисциплину и концентрацию.
Главная задача художника рисующего кистью – одновременно проявить такие качества как жизнеспособность и сдержанность. При этом он должен постоянно стремиться стать лучше, так как его характер и личность отражаются на работе.
Инструменты суми-э
Инструменты, которые необходимы мастеру рисования кистью, называются «четыре сокровища». Это туш(суми), тушечница (судзури), кисть(фудэ) и бумага(ками).
Чернила по сути еще не готовы, это сажа сожженной сосны и лампы черного цвета в сочетании с клеем и камфорой, которые сформированы в брусок.
Чернильный брусок погружают в воду или землю, рисуя восьмерку либо круговыми движениями, постоянно в одном и том же направлении на поверхности тушечницы до образования густого чернила. Вся эта процедура занимает около 25 минут, и это время для медитации. Во время приготовления чернила художник сосредотачивается и мысленно готовится рисовать. Разум художника должен стать безмятежным и отражаться в картине, мазках кисти, которые он наносит, и на предмете.
Для этой техники необходимы специальные кисти, сделанные на Востоке, они считаются самыми важными инструментами художника, потому что успех картины зависит от мастерства живописи. Несмотря на то, что есть сотни различных видов кистей, состоящих из шерсти нескольких животных, выделяют три основных категории: жесткая кисть для рисования, мягкая кисть для нанесения краски и сочетание двух кистей.
Для рисования используется бумага ручной работы, которую называют рисовой бумагой, но делается она в основном из бамбуковой целлюлозы.
Существует много разновидностей этой бумаги, но лучше всего использовать проклеенную бумагу с менее абсорбирующей поверхностью, именно она подходит лучше всего для нанесения мазков. Наиболее распространенной является мягкая белая впитывающая бумага Xuan.
Технология суми-э
Рисование чернилами берет свои корни еще от элегантной каллиграфии Китая. Мазки, необходимые для написания цифры 1, становятся стволом и ветвями бамбукового дерева. Если вы внимательно посмотрите на китайское слово «лошадь», то увидите ноги, хвост и гриву.
В живописи используются те же основные мазки кисти, что и в каллиграфии, более того они считаются смежными видами искусства. Основные методы рисования кистью лучше всего изучать, практикуя каллиграфию, это позволяет художнику сосредоточиться на мазках кисти, не заботясь о цвете и композиции. Необходимо, чтобы мастера рисования кистью достаточно знали каллиграфию и могли подписать имена и добавить характерные особенности описательной или поэтической каллиграфии их работам.
Художник должен научиться свободно использовать чернила, контролируя при этом мазки кисти. Цель состоит в том, чтобы уловить сущность Ци, духовное начало и жизнь предмета в живописи, пробуждая поэзию природы.
В рисовании кисть удерживается перпендикулярно бумаге, практически под прямым углом к руке, и ее необходимо крепко держать на нужном расстоянии между большим, указательным и средним пальцами. Во время рисования пальцы остаются почти неподвижными, при этом двигается только кисть. Для художников, изучающих западные традиции, это кажется неуклюжим, мягко говоря. Как сказал один мудрый учитель: «Даже если держать кисть таким образом совершенно неудобно, ты привыкнешь к этому». Никакого сочувствия! И, между прочим, он был прав, со временем (а длилось это долго) это уже казалось ему естественным.
Источник: Ссылка
Поделиться статьей:
Методы выражения / Картины в японском стиле Нихонга
Ключевые слова для поиска
Другие меню
- Как заказать
- Часто задаваемые вопросы
- Доставка
- Глоссарий
Существует очень тесная связь между материалами для рисования и техникой.
В картинах в японском стиле («нихонга») можно искусно подбирать разные материалы и техники в зависимости от тематики картин.
Контурная техника (коуроку)
«Куроку» — это техника, в которой обводится форма нарисованного объекта. Техника нанесения цвета на внутреннюю часть контура называется «коуроку-тенсай». Наряду с техникой «моккоцу» она стала одной из наиболее представительных техник, используемых в «качо-га» (рисунки цветов и птиц).
Моккоцу
«Моккоцу» — это техника, при которой объект выражается штриховкой чернил «суми» или цветом, а не контурами («коппоу»). цветов и птиц).
Техника нанесения капель (тарашикоми)
«Тарашикоми» — это техника высокого уровня, используемая в живописи в японском стиле для достижения естественного размытия за счет использования разницы удельного веса пигментов.
Бесконтурное рисование (цукетате)
«Цукэтате» — разновидность техники моккоцу, в которой объем и энергия мазка используются для выражения объекта.
Это затенение выполняется суми и краской. В этом стиле живописи не используются черновые рисунки или наброски.
Градация (бокаши)
«Бокаши» — это техника рисования, при которой к уже нанесенной краске добавляется вода для выразительного затенения.
Рисование линии волос (кегаки)
«Кегаки» — это техника рисования тонких линий для выражения волос, особенно вокруг линии роста волос, боковых прядей, бровей и усов. Это слово также используется для обозначения самих таких линий. Рисунок линии волос также используется для меха животных. Линии темной и светлой тушью суми могут быть нанесены друг на друга или линии могут быть окрашены в соответствующий цвет. Используется тонкая кисть «mensou». Рисунок линии волос придает мягкое и пушистое выражение.
Туман и облака
Туман и облака, отражающие влажный климат Японии, играют важную роль в композиции картин. В живописи гор и ручьев («сансуи-га») можно передать перспективу или выразить высоту гор, нарисовав туман и облака.
Они также нарисованы с интервалами, чтобы показать смену сцены или течение времени.
Плавающие чернила (суми-нагаси или мраморность)
Плавающие чернила — это метод распыления плавающих чернил путем нанесения смолы на поверхность воды и печати на бумаге. Аналогичный эффект можно получить с помощью акварели. Они также нарисованы с интервалами, чтобы показать смену сцены или течение времени.
Свяжитесь с нами
Пожалуйста, заполните форму ниже и отправьте запрос.
Ваша конфиденциальность важна для нас. Мы стремимся защитить вашу личную жизнь.
(или нажмите ESC, или щелкните наложение)
Сообщение генерального директора
Наши чувства к Какэдзику
С древних времен японцы придавали большое значение эстетическим чувствам. В результате
своеобразная культура, не встречающаяся в других странах, расцвела, и многие аспекты современной японской культурыкультура происходит от него. Части японской культуры были представлены людям в других странах недавно,
, поэтому число людей из других стран, интересующихся японской культурой, увеличивается.
Однако эстетические чувства японцев, лежащие в основе японской культуры, взращивались
на протяжении долгой истории, причудливо переплетая
различные элементы, такие как климат, географические особенности,
религия, обычаи и так далее. Поэтому они очень трудны для понимания не только людям из других
стран, но даже для японцев. Я думаю, что лучший инструмент, который по понятным причинам передает эти сложные чувства, — это «какедзику».
Какэдзику (висячий свиток; произведение каллиграфии или картина, которую
вешают в нише или на стене) – это традиционное японское искусство. Не будет преувеличением сказать, что картины — это то, что
выражает эстетические чувства во все времена и в любом месте. Какэдзику — это искусство, выражающее эстетические чувства японцев. Какэдзику уже давно используется на традиционных японских мероприятиях, в повседневной жизни и так далее с 9 века.
японцев тесно связаны. Мы можем увидеть японские ценности через какэдзику.
Какэдзику — это культурная традиция, которой японцы должны гордиться. Тем не менее, многие люди
в других странах мало что знают об этом, потому что его не так много демонстрировали. Вот почему я
решил попробовать представить его. Мир какэдзику очень интересен и красив. Мы хотим не только
Японский, но и многие люди из других стран знают и наслаждаются этим. Я надеюсь, что многие люди когда-нибудь полюбят какэдзику.
Части японской культуры были представлены людям в других странах недавно, 
0069 древние времена. В результате в Японии существуют различные обычаи какэдзику; kakejiku и жизнь (или нажмите ESC или нажмите на оверлей)
Профиль компании
Наименование Art Nomura
Президент Tatsuji Nomura
Основанный 1973
Установлен1992
2″ align=»right» noshade=»noshade»/>Адрес7-23 BABURI, TARUMII-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBE-KOBERU-KOBE-KOBE-KOBE.
Capital10 миллионов иен
URLhttp://nomurakakejiku.com
Наш бизнес
Арт Номура — арт-дилер, который производит какэдзику (висячие свитки). Мы монтируем много картин и каллиграфических работ в какэдзику на моей фабрике. Kakejiku — наш основной продукт. Мы также перемонтируем и ремонтируем старые или поврежденные какэдзику. Мы делимся традиционным японским искусством какэдзику с людьми во всем мире.
(или нажмите ESC или нажмите на наложение)
Карта доступа
Карта доступа
С древних времен японцы придавали большое значение эстетическим чувствам.
, не встречающаяся в других странах, и многие аспекты современной японской культуры
произошли от нее. Части японской культуры были представлены людям в других странах недавно,
, поэтому число людей из других стран, интересующихся японской культурой, увеличивается.Тем не менее, японские эстетические чувства, которые являются основой японской культуры, были взращены
через долгую историю, причудливо переплетая различные элементы, такие как климат, географические особенности,
религия, обычаи и так далее. Поэтому они очень трудны для понимания не только жителям других
стран, но даже японцам. Я думаю, что лучший инструмент, который по понятным причинам передает эти сложные чувства, — это «какедзику».
Какэдзику (висячий свиток; произведение каллиграфии или картина, которую
вешают в нише или на стене) – это традиционное японское искусство. Не будет преувеличением сказать, что картины — это то, что
выражают эстетические чувства во все времена и в любом месте.
древних времен. В результате в Японии существуют различные обычаи какэдзику; kakejiku и жизнь
японцев тесно связаны. Мы можем увидеть японские ценности через какэдзику.
Какэдзику — это культурная традиция, которой японцы должны гордиться. Однако многие люди
в других странах мало что о нем знают, потому что его не так много демонстрировали. Вот почему я
решил попробовать представить его. Мир какэдзику очень интересен и красив. Мы хотим, чтобы не только
японцев, но и многие люди из других стран знали и наслаждались этим. Я надеюсь, что многие люди когда-нибудь полюбят какэдзику.
В результате расцвела своеобразная культура 
Какэдзику — это искусство, выражающее эстетические чувства японцев. Какэдзику уже давно используется в традиционных японских мероприятиях, повседневной жизни и так далее с (или нажмите ESC или нажмите на оверлей)
Все, что вам нужно знать о японской живописи тушью
на Сёдзо Сато | АРТ© 2010 Сёдзо Сато
Японская тушь, или суми-э , является воплощением японской эстетики.
Сёдзо Сато — известный мастер дзен-искусства, обладатель Ордена Священного Сокровища и автор книги Суми-э: Искусство японской живописи тушью . Его практичное и прекрасно иллюстрированное руководство по суми-э направлено на то, чтобы «взять ученика за руку и направить его или ее».
Чтобы помочь вам начать свое собственное путешествие в суми-э, Сато-сенсей делится здесь своим опытом с полезными предложениями, советами и техниками. Все бесценные советы, которые вам нужны, чтобы освоить увлекательный мир суми-э, можно найти в книге «Искусство японской живописи тушью», доступной на Amazon .
1. Что такое суми-э?
2. Откуда взялась Суми-э?
3. Что нужно, чтобы начать рисовать суми-э?
4. Как держать кисть?5. Как покрасить бамбук?
6. Как рисовать пейзажи?
7.
Как рисовать цветы?
1. Что такое суми-э?
© 2010 Сёдзо Сато
Суми-э обычно описывается как искусство, выполненное в монохромном режиме с использованием чернил суми и бумаги ручной работы: Суми-э означает черная тушь ( суми 墨 = черная тушь, e 絵 = живопись).
2. Откуда взялась Суми-э?
© 2010 Сёдзо Сато
На протяжении долгой истории Китая работа ученых включала расшифровку документов и написание литературы. Эти джентльмены-писатели привыкли использовать кисть и чернила на бумаге, и особенно во времена династии Южная Сун многие начали добавлять к своим стихам упрощенные изображения. 
Дзен-буддийские монахи из Китая представили этот стиль искусства тушью в Японии в четырнадцатом веке, где со временем число мазков сократилось и упростилось, и часто они сочетались с поэзией, чтобы создать стиль суми-э, который мы знаем сегодня. В центре внимания искусства живописи тушью с самого начала было качество линии ; это то, что захватывает форму.
3. Что нужно, чтобы начать рисовать суми-э?
© 2010 Сёдзо Сато
Изучающий суми-э должен знать различные типы кистей и их конструкцию. Если вы купите эти недорогие щетки массового производства, вы разочаруетесь, потому что кисть не будет работать должным образом. Разочарованный человек, который в конце концов отказывается от тренировок. По этой причине даже новичок должен начать с качественной (и более дорогой) кисти суми-э в качестве инвестиции.
— Как ухаживать за кистью суми-э?
Каждый раз после использования кисти тщательно смывайте все чернила.
Никогда не используйте горячую или теплую воду. Кисти суми-э обычно изготавливаются из животного клея, который очень похож на желатин и со временем растворяется в воде. Если кисть для суми-э оставить в воде на некоторое время, щетинки выпадут.
Особое внимание следует уделить мытью основания щетины, иначе чернила высохнут вокруг волосков у основания, и кисть снова не образует острие. Чтобы смыть чернила, нажмите, сожмите и осторожно поверните несколько раз, затем удалите влагу бумажным полотенцем.
Японская бумага в основном производится из кодзо (разновидность шелковицы) и гампи . Гампи считается устойчивым к насекомым. Он также является самым прочным с точки зрения времени, в течение которого он прослужит, поэтому он является одним из самых популярных типов. Чернила не растекаются по этой гладкой белой бумаге, поэтому она считается лучшей бумагой для каллиграфии и рисования.
Важно учитывать толщину бумаги, а также то, как вы планируете демонстрировать свои работы суми-э.
Если работа будет выставлена в традиционной манере, то есть в виде висящего свитка, она будет достаточно туго свернута для хранения, а потому должна быть выполнена на тонкой бумаге.
Вы можете узнать больше о японской бумаге по телефону Что такое бумага васи? Все, что вам нужно знать .
— Как выбрать чернила Sumi-e?
Афоризм гласит: «Суми черный, и все же он не черный», что означает, что черные чернила на картине предполагают многое, включая весь спектр цветов. Серьезный художник суми-э должен исследовать и экспериментировать с этими оттенками и использовать чернила суми, которые обеспечивают наилучшие результаты для его или ее творческого самовыражения.
Уголь для чернил суми поступает из трех источников. Рапсовое масло при сгорании образует настолько мелкую сажу, что имеет глубокий черный цвет. Сосновый сок при сжигании образует сажу, обладающую свойством прозрачности, а цвет чернил при разбавлении колеблется от светло-черного до голубовато-серого.
Индустриальные масла используются для производства недорогих суми, имеющих коричневый оттенок.
4. Как держать кисть суми-э?
Щетка используется по-разному для разных целей. Художники и литераторы Китая на протяжении веков разработали систему эффективного обращения с кистью, и эта же система используется и сегодня. В каллиграфии кисть нужно держать строго перпендикулярно бумаге.
5. Как покрасить суми-э бамбук?
© 2010 Сёдзо Сато
Многие западные ученики японской живописи суми-э никогда не видели живого бамбука, тем более бамбука, растущего в рощах! Но используя только три удара, это относительно легкий предмет для начинающих суми-э. №
Чтобы создать широкий бамбуковый стебель, сгладьте кончики щетинок стандартной кисти суми-э, нанеся темные чернила по бокам, чтобы создать эффект бликов и теней. В пустых пространствах между отдельными штрихами вы добавите маленькие линии от ширины к ширине, чтобы завершить стыки.
© 2010 Сёдзо Сато
Что касается листьев, потренируйтесь использовать запястье и кончики пальцев, чтобы нижняя часть листа заострилась в точной форме. Когда вы научитесь рисовать бамбуковые листья группами. Начните с центрального листа, затем добавьте левый и правый листы
Распространенной ошибкой при рисовании ветки является соединение каждого листа с веткой. Вместо этого нарисуйте листья с пространством между ними и веткой, чтобы вы не были ограничены, если хотите расширить свою композицию.
После окрашивания передних листьев более темными чернилами, закрасьте фоновые листья более светлыми чернилами.
Помните, что ваше творение не предназначено для подробного ботанического изучения бамбука. Это суми-э, использующее искусство внушения.
6. Как рисовать пейзажи суми-э?
© 2010 Сёдзо Сато
Эти мягкие горные вершины созданы с помощью техники боккоцу без использования контуров.
Для этого окуните кисть в воду и добавьте в середину более светлые чернила, а на кончик – более темные. Держите кисть под углом 45 градусов к бумаге и медленно двигайтесь от вершины горы к правому нижнему углу. Вымойте кисть, затем нанесите более светлые чернила, чтобы закончить левую сторону козырька.
© 2010 Сёдзо Сато
Художники, работающие маслом, акрилом и акварелью, используют цветовые комбинации и контракты для общения. Вместо этого художники суми-э должны полагаться на текстуры и тон, чтобы создать свое выражение в монохроме. Таким образом, художники в этой среде должны постоянно осознавать, как их контрастный мазок, от мягкого до жесткого, может передать мощное выражение.
7. Как рисовать цветы?
© 2010 Сёдзо Сато
«Суми черная, но не черная» — важное соображение при рисовании цветов. Стандартные чернила при разбавлении дают коричневый оттенок – не очень подходят для радужки.
Одним из преимуществ использования высококачественных чернил является то, что они продаются с маркировкой их особых тонов. Это означает, что когда используются очень темные чернила, они передают ощущение, в данном случае, фиолетового.
Эта картина использует тараши коми техника, при которой чернила или вода капают на влажные участки картины. Для этого вы должны точно знать, куда двигать кистью. Поэтому необходимо заранее сделать набросок картины очень светлым углем. Затем контур формы рисуется водными или светлыми чернилами, чтобы создать и закрепить края этой формы. Затем внутреннюю поверхность окрашивают светлой тушью. Наконец, более темные чернила наносятся на влажную поверхность вашей формы и направляются к нужным областям.
© 2010 Сёдзо Сато
Сначала подумайте о своей композиции. Для этой состаренной цветущей сливы используется динамичный каллиграфический штрих, чтобы выделить состарившуюся, но живую ветвь.
Когда ветка фонового дерева была сформирована, на большей ветке переднего плана осталось место для соцветия.
Чтобы по-настоящему развить свои навыки в японской живописи тушью, вы можете воспользоваться всеми советами и сопровождающими видеороликами Сато-сэнсэя — от базового оборудования до самых продвинутых техник рисования — в его простом и всеобъемлющем руководстве, Суми-э: Искусство японской живописи тушью .
Об издательстве Tuttle: Ведущее издательство книг о культуре, искусстве, кухне, языках и литературе Азии. Узнайте больше на tuttlepublishing.com.
JO SELECTS предлагает полезные советы и подлинные рекомендации для высококачественного аутентичного японского искусства и дизайна. Мы знаем, как сложно искать японских художников, ремесленников и дизайнеров в огромном Интернете, поэтому мы придумали этот путеводитель по образу жизни, чтобы выделить самые вдохновляющие японские произведения искусства и дизайны для ваших повседневных нужд.