Натюрморт из трех предметов акварелью: бытовой натюрморт из трёх предметов красивые фотографии: 14 тыс изображений найдено в Яндекс.Картинках

Содержание

Задание для дистанционного обучения ( с 12.05. — 22.05.2020 г.)

Дополнительные предпрофессиональные образовательные программы преподаватель Красноперова Е.А. 


( 1 класс)
Рисунок:
  Натюрморт из 2-х предметов быта простой формы и контрастных по тону. Предметы расположены ниже уровня глаз (копия, интернет). (с 12.05.- 22.05.2020 г.)
Задачи: Изучение техники и манеры исполнения, точная передача.
Пример:


Живопись: Этюды овощей и фруктов. Формат А4, 3-4 предмета, акварель . ( с 12.05.- 22.05.2020 г.)
Задачи: Передача оттенков локального цвета, светотени.
Пример:

Композиция станковая: Композиция на тему «75-летие Победы в ВОв». Формат А4, А3, (на выбор). ( с 12.05.- 22.05.2020 г.)
Задачи: Выбор центра композиции, равновесие основных элементов с учетом не раздробленности целостности. Возможность создания динамичной или статичной композиции.


Пример:

Цветоведение: «Цветовые ассоциации». Нарисовать две цветовые ассоциации. Например: температурная, вкусовая, сезонная, весовая (на выбор). ( с 12.05.- 22.05.2020 г.)
Задачи: Выполнить комбинаторику психологических воздействий цвета.
Пример:

ДПИ: «Эскиз в цвете» — в натуральную величину по формату доски. ( с 12.05.- 22.05.2020 г.)
Задачи: Передать правильные пропорции узора и элементов.
Пример:

СВЯЗЬ С ПРЕПОДАВАТЕЛЕМ Красноперовой Еленой Анатольевной
контактный телефон: 8-913-218-27-88

 

Дополнительные предпрофессиональные образовательные программы (преподаватель Гуменюк Р.Л.)


(2 класс)

Рисунок: Постановка из предметов кухонной утвари или предметов домашнего обихода. Три предмета: ваза, кружка, овощи, фрукты и т. д.  Формат А3, карандаш. (с 12.05. – 22.05.2020 г.)

Задачи: Композиционное размещение, прорисовка конструкции, тональная проработка формы предметов.
Пример:

Живопись: Натюрморт из трех предметов различных по материальности
(металл, стекло, дерево). Формат А3, акварель. ( с 12.05. – 22.05.2020 г.)
Задачи: Правильное расположение предметов в листе, определение различных тональных и цветовых отношений, достижение ясности локального цвета при богатстве цветовых оттенков.
Пример:

Композиция: 
Стилизация изображения животных с использованием гелевой ручки. Формат А3. (с 12.05. – 22.05.2020 г.)
Задачи: Создать орнаментальную композицию с изображением зверей, птиц, животных на основе зооморфных мотивов.
Пример:


ДПИ: 
Выполнение узора в полосе с использованием элементов растительного мира. Формат А4, гуашь. (с 12.05. – 22.05.2020 г.)
Задачи: Умение применять упрощенный (стилизованный) образ элементов животного и растительного мира с использованием вертикальной или горизонтальной полосы.

 Пример:

СВЯЗЬ С ПРЕПОДАВАТЕЛЕМ Гуменюк Радионом Леонидовичем по
e-mail:[email protected]

(4 класс)
Рисунок: Натюрморт из предметов быта и драпировки со складками.
Формат А3, карандаш. ( с 12.05.- 22.05.2020 г.)
Задачи: Грамотная компоновка натюрморта в листе. Построение предметов с учетом перспективных сокращений, выявление объема и пространственного расположения.
Пример:

Живопись: Натюрморт из четырех предметов, четких по свету и различных по форме и материалу со складками. Формат А3, акварель.
(с 12.05. – 22.05.2020 г.)
Задачи: Компоновка рисунка в листе, последовательное – поэтапное ведение рисунка в цвете, грамотное сочетание цветовых отношений, лепка формы предметов, передача световоздушной среды.
Пример:

Композиция: Выполнение экзаменационной композиции к теме иллюстрация литературного произведения. Формат А2, акварель, смешанная техника. (с 12.05. – 22.05.2020 г.)

Задачи: Выявление характера персонажа, психологического образа, добиваться выразительности и цветовой гармонии.
Пример:

ДПИ: Продолжение выполнение эскиза для «Батика», по возможности выполнить в материале. Тема «Космос». Формат А3. (с 12.05. – 22.05.2020 г.)
Задачи: Уметь создавать и представлять мир космоса через свое внутреннее понимание.
Пример:

СВЯЗЬ С ПРЕПОДАВАТЕЛЕМ Гуменюк Радионом Леонидовичем по
e-mail:[email protected]

 

Дополнительные предпрофессиональные образовательные программы (преподаватель Тимофеев В.М.)

(3 класс)
Рисунок: Постановка из 3-х предметов быта комбинированной формы различных по тону (настольная лампа, ваза, самовар + чашка, кухонные приборы (мясорубка). Формат А3, карандаш. (с 12.05 – 22.05.2020 г.)

Задачи: Закрепление всего материала за 3 класс. Грамотная компоновка в листе. Построение предметов с учетом перспективных сокращений выявление объема с учетом освещения (боковое, верхнее).
Пример:

Живопись: Натюрморт из 3-х предметов кухонной утвари различных по материалам, но в светлой тональности (стекло, металл, дерево). Формат А3, акварель. (с 12.05 – 22.05.2020 г.)
Задачи: Последовательная лепка формы цветом с учетом освещенности. Поиск пластического решения. Ритмическое построение цветовых пятен.
Пример:

Композиция: Исполнение диптиха (триптиха) на историческую тему.
Формат А3, акварель, гуашь, карандаш, тушь, перо. (с 12.05 – 22.05.2020 г.)
Задачи: Совмещение разновременных событий, совмещение переднего и заднего планов совмещение групп и людей в разных ракурсах. Укрепление навыков отбора материала для развития композиции.
Пример:

ДПИ: Стилизация животных, насекомых, растений. Выполнение композиции на свободную тему с элементами стилизации. (с 12.05 – 22.05.2020 г.)

Задачи: Умение использовать модульную и стилизационную технику.
Пример:

СВЯЗЬ С ПРЕПОДАВАТЕЛЕМ Тимофеевым Вениамином Михайловичем
e-mail: [email protected]
контактный телефон: 8-963-508-44-59


(4 класс)

Рисунок: Натюрморт из предметов быта и драпировки со складками. Формат А3, карандаш. (12.05 – 22.05.2020 г.)
Задачи: Грамотная компоновка в листе. Построение предметов с учетом перспективных сокращений. Выявление объемов с учетом освещения.
Пример:

 

Живопись: Этюд фигуры человека в спокойной позе (за столом, за чтением и т. д.). Формат А3, акварель. ( с 12.05. – 22.05.2020 г.)
Задачи: Развитие навыков и умения изображения человека. Решение формы при помощи нюансов цвета.

Пример:

Композиция: Создание творческой композиции по мотивам произведений зарубежных классиков. Формат А3, акварель, гуашь, смешанная техника. (с 12.05 – 22.05.2020 г.)
Задачи: Выявление образов персонажей в соответствии с темой.
Пример:

ДПИ: Выполнение  картона для «Батика», по возможности выполнение в материале. Формат А3. (с 12.05 – 22.05.2020 г.)
Задачи: Уметь воплощать создаваемые образы в различных материалах и техниках.

Пример:

СВЯЗЬ С ПРЕПОДАВАТЕЛЕМ Тимофеевым Вениамином Михайловичем
e-mail: [email protected]
контактный телефон: 8-963-508-44-59

 

 

Дополнительные предпрофессиональные образовательные программы преподаватель Вахтина О. А.

(4 класс)
Рисунок
: Линейно-конструктивный рисунок. Натюрморт из 3-х предметов быта и драпировки со складками (легкий тон). Формат А3, графитный карандаш. (с 12.05.-22.05. 2020 г.)

Задачи: 
            — Закрепление ранее изученного материала.
            — Точное построение формы предметов.
            — Умение пользоваться графическими средствами.
Пример:

Живопись: Гармония по насыщенности и светлоте. Этюд натюрморта с живыми цветами. Формат А3, акварель. (с 12.05.-22.05.2020 г.)
Задачи: 
            — Выделение смыслового центра.
            — Ритмичное построение цветовых пятен.
            — Поиск интересного, живописного, пластического решения.
Пример:

Композиция: Завершение экзаменационной композиции. (с 12.05.-22.05.2020 г.)
Задачи: 
            — Закрепление понятий «целостность», «движения», «пространство», «композиционная схема».
            — Умение выявлять характер персонажа, психологию образа, добиться выразительности композиции.
Пример:

ДПИ: «Батик» — работа в материале. (с 12.05.-22.05.2020 г.)
Пример:

СВЯЗЬ С ПРЕПОДАВАТЕЛЕМ Вахтиной Ольгой Александровной
контактный телефон: 8-903-995-39-53


(5 класс)
Рисунок
: Тематический натюрморт. «Мир старых вещей». Формат А3, графитный карандаш. (с 12.05.-22.05.2020 г.)
Задачи: 
— Поиск композиции.
— Последовательность ведения работы.
— Выразительное решение композиции и ее эмоционального состояния.
Пример:

Живопись: «Фигура человека» (этюд). Формат А3, акварель.
(с 12.05.-22.05.2020 г.)
Задачи: 
— Выявление характерных особенностей фигуры модели.
— Выполнение фигуры человека в контражуре.
Пример:

Композиция: Завершение итоговой композиции. (с 12.05.-22.05.2020 г.)
Задачи:
— Умение создать композицию с учетом законов композиции.
— Выполнение грамотно организованной, техники законченной многофигурной композиции.

Пример:


СВЯЗЬ С ПРЕПОДАВАТЕЛЕМ Вахтиной Ольгой Александровной

контактный телефон: 8-903-995-39-53

 

Дополнительные предпрофессиональные образовательные программы преподаватель Резатдинова Р.И.


(с 1 – 4 класс)

Рисунок:

Тема: «Наброски фигуры человека».(5 набросков) Формат А4,техника графика (карандаш, гелевая ручка, уголь).  (с 12.05 – 22.05.2020 г.)

Живопись:

Тема:
 «Наброски фигуры человека в цвете». Формат А4, акварель, гуашь, постель. (с 12.05 – 22. 05.2020 г.)

(5 класс)
Рисунок:
 Продолжить выполнение  дипломных и контрольных работ.
Живопись: Продолжить выполнение  дипломных и контрольных работ.
Композиция прикладная: Продолжить выполнение  дипломных и контрольных работ.


СВЯЗЬ С ПРЕПОДАВАТЕЛЕМ Резатдиновой Риммой Ивановной
контактный телефон: 8-960-961-01-38

Натюрморт с предметами из стекла.

Цели - изучение способов выявления пространственных отношений в живописи, формирование представлений о колорите, роли тональных и тепло-холодных отношений, явлений контраста и нюанса в живописном решении натюрморта.

Задачи - закрепление представлений о цветовой гамме живописной работы, знаний о воздушной перспективе, плановости натюрморта, тональности, навыков передачи материальности прозрачных предметов. Передач тоном и цветов нюансов родственных по гамме цветов на примере натюрморта.

Материалы:

  • ватман;
  • бумага для акварели;
  • простой карандаш;
    - акварельные краски;
    - беличьи и колонковые кисти;
  • палитра;
    - банка для воды

Этапы работы над натюрмортом. Акварельная живопись.

1 этап. Выполнение зарисовок и эскизов с целью композиционного решения натюрморта на листе. Илл.1.

  • Формирование навыков грамотной и осознанной компоновки натюрморта.
  • Выбор точки зрения относительно натуры и формата с использованием видоискателя. С различных точек зрения натюрморт выглядит по-разному: изменяется композиционный центр, доминирующее направление (вертикальное, горизонтальное, диагональное), т. е. появляется новый композиционный строй, новый образ натюрморта.
  • Выполнение кратковременного цветного этюда и этюда на общий тон (гризайль), что позволит сосредоточить внимание только на тональной передаче, научит чувствовать тональную шкалу и определять самое светлое и темное в натуре, подчинять градации тона этим двум полюсам.

2 этап. Композиционное решение и построение предметов натюрморта в выбранном формате листа. Илл. 2.

  • Построение пространственного изображения натюрморта, учитывая пропорции, конструкцию, взаимосвязь композиционного расположения в листе всех предметов и сравнительный анализ их формы.

3 этап. Детальная прорисовка формы каждого предмета. Илл.3.

  • Взаимосвязь светотеневого решения натюрморта и его композиционного расположения в листе, как следствие того, что под композицией листа понимается не только расположение очертаний предметов, а также сочетание и расположение пятен света, тени и полутонов.

4 этап. Перерисовка натюрморта на просвет на акварельную бумагу. Илл.4.

  • Линии рисунка должны быть легкими с определением мест бликов, границ полутона и тени, но не путем штриховки, которая может просвечивать сквозь акварельный красочный слой.

5 этап. Первая прокладка цветом. Илл.5

  • Обобщенно прописать локальным цветом всю поверхность листа, прокладывая цветовые отношения отдельных плоскостей, не забывая, что в акварели нет белой краски, поэтому белизна листа является самым светлым тоном в работе.

6 этап. Тщательная прорисовка конкретных деталей. Илл.6.

  • Передача фактуры предметов с выявлением их объемной формы и планов на которых они расположены.
  • Огромное значение имеет кладка мазка, от широкого свободного до точки. Он должен передавать не только цвет и направление формы, но и быть выразительным, точно характеризовать особенности изображаемого материала, пластику формы, подчеркивать композицию всего натюрморта. На стекле рефлексы четкие, хорошо видны. Надо почувствовать меру живописного обобщения стекла и очень тонко увидеть цветовые и тональные нюансы предмета.
  • Чтобы передать пространство надо по мере удаления предметов в глубину снижать яркость цвета и тоновой контраст относительно первого плана.

7этап. Завершение работы. Илл.7.

  • После просыхания этюда с помощью следующего слоя насыщается цвет теней, уточняются оттенки полутонов, конкретизируется работа над формами постановки. Завершается работа приведением всех деталей постановки к близкому натуре цветовому и тональному состоянию, акцентированием основных, наиболее интересных и характерных качеств постановки и обобщением второстепенных.

Самоанализ уроков по теме: «Гармония по общему цветовому тону. Нюанс». Аудиторные занятия - 9 часов, самостоятельная работа – З часа.

Возраст учеников 2 класса от 11 до 13 лет. С самого начала обучения в группе сложились очень доброжелательные отношения и часто проявляются в неподдельном интересе к процессу работы друг друга. Ученики всегда внимательно слушают объяснения учителя и старательно выполняют все этапы работы.

Впервые ученикам второго класса художественной школы на уроках живописи был предложен натюрморт, в который включены предметы из стекла.

В предыдущих заданиях учащиеся знакомились с характерными особенностями поверхности предметов из других материалов (дерево, керамика, металл) и учились передавать фактуру этих предметов. Стеклянные предметы не имеют ярко выраженных градаций светотени. На их форме в основном блики и рефлексы. Ученики внимательно изучали визуальные свойства прозрачных предметов. Первое впечатление от натуры вызвало у них удивление и множество вопросов, на которые совместно находили ответы в процессе общего обсуждения, детальных пояснений преподавателя и внимательного изучения натюрморта.

На первом этапе работы ребята искали интересную точку зрения и композиционный центр при помощи видоискателя. Делали зарисовки, эскизы. Выбирали из них удачные и неудачные, принимали решение о том, каков будет формат работы. Выполнение этой части задания заняло 2 часа и выразилось в большом листе графических, тональных и живописных поисков.

Рисунок натюрморта сначала выполнялся на ватмане, так как недостаточный опыт учеников не позволяет чисто, не повреждая бумаги передать построение предметов. В дальнейшем, с приобретением опыта, следует научиться выполнять рисунок сразу на акварельной бумаге легкими тонкими линиями. Приступив к работе акварельными красками, ребята уделили много внимания поиску цвета на палитре. Обобщенно прописали локальным цветом всю поверхность листа, не забывая, что белизна листа является самым

светлым тоном в работе. На следующих этапах возникли сложности: ребята не всегда учитывали влияние цвета первого слоя на цвет следующего, наносили более трех слоев цвета, что приводило к появлению различных пятен и в целом к загрязнению живописи. Приходилось учиться исправлять ошибки, отмывая чистой водой лишний слой краски и писать это место заново. Законченные работы выглядят свежо и живо, краски прозрачны даже в самых темных местах.

Считаю, что учащиеся достойно справились с заданием, выполнив его на «хорошо» и «отлично», уложились в 9 учебных часов. Дети с большим интересом включались в работу и получали много положительных эмоций и новых знаний.

В процессе работы над натюрмортом, были изучены акварельные работы следующих выдающихся художников: М. Врубеля, П. Крылова, А. Фонвизина, П. Соколова.

Дети получили задания на дом выполнять краткосрочные этюды с простых стеклянных предметов на формате А4.

Только путем постоянной практики в живописи с натуры развивается чувствительность глаза к многообразию светлотных и цветовых градаций, что позволяет художнику превращать цвет, заключенный в краске в выразительное средство живописи. В процессе натурного изображения в памяти накапливается запас впечатлений, который проявляется в творческой практике как опыт зрительного восприятия.

Выполненное задание является для учащихся важным звеном в дальнейшем изучении акварельной живописи.


1. В.Л. Барышников «Живопись. Теоретические основы и практические рекомендации к заданиям базового курса дисциплины «Живопись». Москва 2010

2. П.П. Ревякин «Техника акварельной живописи» Москва 1959

3. К.Г. Зайцев «Современная архитектурная графика» Москва 1970

4. К.Г. Зайцев «Графика и архитектурное творчество» Москва 1979

5. И. Иттен «Искусство цвета» Москва 2008

6. Х. Харрисон «Энциклопедия акварельных техник» Москва 2005

7. Х. Харрисон «Полный курс. Рисунок и живопись. Материалы. Техника. Методы» Москва 2009

8. С.Смит «Акварель. Полный курс» Москва 1998

9. Х.М. Паррамон и Г. Фрескет «Как писать акварелью» Санкт-Петербург 1995

10. О. Иванова, Е. Аллахвердова «Акварель. Практические советы» Москва 2006

11. Э. Крошоу «Акварель» Москва 2004

12. C. Reid “Watercolour secrets” New York 20

Живопись натюрморта

Живопись натюрморта

 

Учебной программой по живописи предусмотрено выполнение учебных заданий в жанре натюрморта. В зависимости  от поставленных целей и задач, задания делятся на длительные и кратковременные этюды (См. табл. 3). Последние, в свою очередь, способствуют более активному и целенаправленному освоению материала.

Задача длительного этюда – глубокое и всестороннее изучение натуры, характера ее форм, движения, пропорций, линейно-конструктивного построения колористических особенностей, освещения и т. д. В отличие от быстрого кратковременного этюда в длительном этюде идет поиск наиболее выразительных средств и приемов исполнения, отбор характерных качеств натуры.

Кратковременный этюд – это быстро выполненное изображение, в самых общих чертах характеризующее живописно-пластические качества натуры. В кратковременном этюде в первую очередь ставится задача передать такие свойства натуры, как пропорции, движение, форму, тонально-цветовое различие предметов, общий пластический и цветовой характер постановки.

В процессе работы над изображением этюда натюрморта студенту приходится решать ряд задач – от  выбора точки зрения и размещения предметов на плоскости до выявления их характеристики цветом с учетом освещения и среды. Чтобы грамотно выполнить этюд, необходимо определить последовательность в работе от начальной стадии изображения этюда до его завершения через промежуточные этапы, каждый из которых дает студенту возможность сознательно вести этюд на каждой его стадии.

При выполнении этюда натюрморта количество  этапов определяется сложностью натурной постановки, однако основными этапами принято считать следующие:

1) композиционное размещение изображения всей группы и отдельных предметов на плоскости листа;

2) линейно-конструктивное решение формы  с учетом их пропорций, движения и пространственного положения;

3) определение общего цветового тона; передача общих больших тоновых и цветовых отношений, пропорциональных натуре;

4) моделировка объемной формы предметов, выявление градаций светотени и их живописная проработка с учетом воздушной перспективы;

5) обобщающий этап работы над завершением этюда; выявление главного и второстепенного в цветовом строе этюда; подчинение всех частей изображения целому.

В основу первого этапа должен быть положен наиболее удачный предварительно выполненный эскиз.

Прежде, чем приступить к выполнению учебного задания, проводится своего рода подготовительная работа. С натуры выполняются наброски (форэскизы) карандашом и в цвете. В этих набросках определяется общая композиционная схема натюрморта.

В учебной натюрмортной постановке, организованной с дидактической целью, рисующему предлагается решить несколь­ко задач; передать с помощью светотеневых и цветовых отно­шений цельность группы предметов, их объём и освещённость.

Вся композиционная работа сосредотачивается на воп­росах размещения натюрморта в пределах картинной плос­кости. В зависимости от характера натюрмортной группы – её высоты и ширины, глубины пространства, степени контрастности предметов по величине и цвету – рисующий оп­ределяет формат и размер плоскости, положение компози­ционного центра, находит тональное или цветовое решение. Сюжетный центр выбирается с таким расчетом, чтобы он, притягивая к себе всё остальное, выполнял функцию своего рода камертона для предметов, находящихся вне компози­ционного центра. Он может выделяться, заявлять о себе по законам контраста форм, тона, цвета, и т.д., но не вырывать­ся из целостности изображения натюрморта как совокупно­сти взаимосвязанных предметов.

Работу над натюрмортом рекомендуется начинать не с выбора формата, а с изображения целой группы соподчинён­ных предметов. После того, как в первых набросках будет про­слежена их взаимосвязь, определяется формат.

К тонкости поиска формата относится выяснение вели­чины свободных мест слева и справа, сверху и снизу от груп­пы предметов. Это важно для определения композиционного центра. Количество свободного места вокруг основной груп­пы предметов во многом зависит от их положения в простран­ственных планах. Практика показывает, что наиболее выгод­но помещать основную группу на втором плане.

Далее встаёт вопрос, непосредственно связанный с зако­номерностями равновесия композиции. Композиционный центр в большинстве случаев не совпадает с геометрическим центром. Размещение композиционного центра в некотором отдалении от геометрического даёт изображению ход в глу­бину пространства.

При смещении композиционного центра в ту или иную сторону равновесие достигается введением в натюрморт вто­ростепенных предметов, деталей, которые имеют соответству­ющую шкалу цветовых и тоновых контрастов.

Итак, уравновешенность картинной плоскости натюрмор­та связана с определением смыслового композиционного цен­тра, размещением второстепенных частей, с поиском цвето­вых и тональных контрастов.

Второй этап работы начинается с линейно-конструктивного построения отдельных предметов, с одновременным уточнением пропорций и характера форм. Особое внимание должно быть уделено положению каждого предмета в пространстве с учетом перспективного сокращения поверхностей, образующих объем. С этой целью следует выполнить «сквозную» прорисовку оснований предметов, что позволит правильно определить положение на горизонтальной плоскости одного предмета относительно другого и тем самым распределить их по планам в глубину.

Удачное решение натюрмортной композиции во многом зависит от избранной зрительной позиции. От уровня зрения сильно зависит степень видимости горизонтальной плоско­сти. Более открытая горизонтальная плоскость увеличивает протяжённость пространства, позволяет яснее увидеть пла­нировку предметов в пространстве, почувствовать ритм в сочетании элементов, составляющих натюрморт. 

Третий этап работы над этюдом натюрморта связан с определением общего цветового тона, выявлением большой формы при помощи тонально-цветовых отношений как между предметами, так и фоном. Дальнейшая разработка композиции предполагает нахож­дение более точных тональных и цветовых отношений, уси­ление выразительности композиционного центра при сохра­нении цельности натюрморта.

Определение и уточнение  общего состояния тонально-цветовых отношений, предметов по светлоте, цветовому тону и насыщенности является важнейшим условием гармоничной настройки тонально-цветовой гаммы в этюде.

Выразительность изображения неразрывно связана с проявлением закона контрастов. Действие контрастов –  то­нальных и цветовых, контрастов форм и размеров – в полной мере относится и к жанру натюрморта. В этой связи при изображении натюрморта контрасты необходимо внимательно про­анализировать в натурной постановке.

Изображая натюрморт, всегда нужно помнить о компози­ционном центре, о том, что нельзя допускать равнозначных по напряжению тоновых или цветовых пятен, так как это ведёт к дробности и потере композиционной цельности картины.

В начале обучения, когда трудно взять правильный цвет и в тоне, и в светлоте, и в насыщенности сразу, лучший способ работы – это последовательная и внимательная проработка натюрморта от слабо насыщенных цветов к постепенному насыщению изображения сочными цветовыми отношениями. Надо помнить при этом особенности поведения отдельных красок в их последующих смесях с другими красками, так как в некоторых случаях невозможно изменить положенный от­тенок посредством дополнительных многослойных наложений.

Живопись акварелью построена на том техническом при­еме, что сначала на бумагу наносят светлые тона красок, ос­тавляя блики не закрытыми, затем постепенно изображение наполняется более насыщенными цветами. Это важно для того, чтобы, добиваясь нужного цветового тона, продуманно делать первоначальные прокладки, с таким расчетом, чтобы последующие наслоения давали нужные цветовые сочетания.

Не надо наслаивать большое количество краски, а старать­ся выполнять этюд в два-три слоя. Утеря прозрачности вмес­те с тем ведет к нарушению яркости и сочности тона. Белый цвет бумаги выполняет роль основы, которая просвечивает через поверхностный слой краски, придает ему особую про­зрачность и звучность.

Достоинство акварельной живописи состоит в прозрач­ности, свежести красочного слоя. В силу своей подвижности она позволяет применять различные приёмы – вливать один мазок в другой, делать широкие заливки больших плоскостей, прорабатывать мелкие детали.

Четвертый этап  работы  над этюдом предусматривает моделировку объемной формы предметов с выявлением градаций светотени и материальных качеств всех элементов натюрморта. Моделирование предметов, лепка их формы проводятся с учетом тонового и цветового состояния освещенности и вместе с тем зависит от степени контрастов теплых и холодных оттенков, взаимных рефлексов.

Прорабатывая отдельные предметы или детали, не следует доводить их до полной завершенности сразу, надо все время вести их сравнение как между собой, так и с натурой, следя за тонально-цветовыми отношениями. В ходе детальной проработки этюда натюрморта может оказаться, что отдельные части будут как бы переделаны, благодаря чему этюд воспринимается дробно. Пестрота в этюде может быть и за счет нарушения тонально-цветовых отношений между предметами первого и последующих планов. Поэтому завершающий пятый этап работы над этюдом натюрморта должен быть направлен на установление целостности изображения, которое достигается, с одной стороны, обобщением как второстепенных деталей, так и предметов, находящихся на заднем плане,  с другой – конкретизацией предметов первого плана. Если отдельные красочные пятна выпадают из цветового строя, «вырываются» вперед или «проваливаются» в глубину, то их слегка перекрывают недостающим по силе цветом.

Усиление или ослабление общего цветового тона в акварельной живописи требует особой осторожности в прокладке завершающих красочных слоев.

Наиболее важным приемом обобщения этюда является уменьшение чрезмерной резкости границ цветовых пятен изображения. Для этого необходимо иметь чистую кисть и воду. При ослаблении общего тона акварельного этюда кисть периодически смачивают водой и пользуются ею так, чтобы в местах резких границ и чрезмерно жестких контуров нажим был более значительным, чем на других участках живописной поверхности.

На завершающем этапе этюда приемы усиления и ослабления общего тона в акварельной живописи могут успешно использоваться только тогда, когда одновременно учитывается главный центр композиции. Именно подчинение деталей целому и выявление основной группы предметов с образно- смысловым содержанием дают возможность решить учебные задачи  в этюде.

Качество учебной работы в начальном периоде обучения следует видеть в том, насколько удалось в натюрморте передать освещение, объемную форму предметов, материальность, общее тоновое и цветовое решение натуры.

При выполнении заданий необходимо учитывать их целевую и методическую направленность, выбирать простые по объемам, не пёстрые по окраске предметы с явно выраженной материальностью. Каждая постановка должна нести определенные учебные задачи. Усложнение задачи заключается не в увеличении количества предметов и складок на драпировках, а в усложнении целевой методической установки. Между предметами натюрморта должна прослеживаться органичная живописно-пластическая и смысловая связь.

Размер основных программных заданий должен составлять не менее 1/2 листа бумаги. Предварительные этюды, упражнения и т. д., выполняются на листах формата 1/4, 1/8, 1/16. 

Натюрморт из гипсовых геометрических тел

Постановка, состоящая из группы геометрических тел (не более 3 предметов) на фоне однотонной драпировки с 1 – 2 крупными складками (Илл. 1а).

Учебные задачи: освоение техники заливки по сухой поверхности бумаги, решение больших светотональных отношений, передача объема тел с помощью светотеневых градаций.

Освещение естественное (верхнее боковое). Формат 1/2 листа бумаги. Материал – акварель.

Натюрморт выполняется в технике гризайль. В акварели работа выполняется одной краской – черной или сепией. Цель задания – одним цветом передать светотеневую характерис­тику объемных тел, различных по своей конструкции (куба, шара, цилиндра, пирамиды и т.д.). Из перечисленных тел надо составить группу и осветить ее контрастным светом. Фон со­ставляет нейтральная серая драпировка. Это задание – свое­образный переход от рисунка к живописи.

Кроме строго перспективного построения геометричес­ких тел и всей группы в целом, здесь необходимо проанали­зировать и передать состояние светотени, провести проработку формы с учетом особенностей материала. Особенностью освещенных и теневых частей является то, что они не одинако­вы в различных своих частях. Освещенные поверхности вос­принимаются зрителем наиболее светлыми на границе с тене­выми частями в силу краевого контраста. В свою очередь, те­невые поверхности – не глухие; благодаря способности белого материала (гипса) отражать большое количество света.

Проработанное тоном изображение должно представлять собой цельную, сгармонированную по светотени группу, где не должно быть ни одинаковых светлых или темных пятен, ни глухих, резких теней, ни сбитых пространственных планов.

На начальной стадии делается перспективное построе­ние группы геометрических тел. Внимательно надо передать пространственное расположение тел, согласовать их основа­ния друг с другом. Работу красками следует строго подчинить намеченному рисунку. Необходимо вначале прокрыть все те­невые части, а также положить падающие тени лёгкой про­зрачной краской. Все освещенные части остаются не закры­тыми. Прописав легко полутени и фон, уточняют отношения между фоном, тенями и светом. В дальнейшем, сохраняя эти отношения, прорабатывают светотень. В проработке рефлек­сов, надо следить за тем, чтобы они светились и не выходили за пределы теневой тональности.

В paботe над общим состоянием находят самую освещен­ную часть натюрморта и самую темную и разрабатывают светотень, соотнося каждую деталь с этими двумя тональностя­ми. Очень важно на этой стадии подчинить все мелкие про­работки единому; целостному решению натюрморта.

 

Натюрморт из предметов быта, простых по форме 

Данный натюрморт является продолжением предыдущего задания. Составляется он из двух-трех цветных предметов на нейтральном фоне и выполняется в технике гризайль (Илл. 1б).

Цель задания – одним цветом передать объемную форму окрашен­ных в различные цвета предметов. Если в предыдущем зада­нии однородный белый материал гипса давал четкую свето­тень, то здесь восприятие формы и раскрытие тоновых отношений значительно усложнено наличием цветовой окраски. Задача значительно усложняется, если в постановку входят резко контрастные предметы: темные и светлые, матовые и глянцевые. Влияние цвета на светотень происходит в зави­симости от его способности отражать световые лучи. Обра­щенная к свету поверхность темного предмета будет отражать больше световых лучей, чем теневая часть белого предмета, и поэтому в изображении теневая часть светлого предмета бу­дет темнее, нежели световая часть тёмного предмета.

Подбор предметов для данной постановки надо делать та­ким образом, чтобы светосила окрашенных предметов не была одинаковой. Приступая к проработке формы, надо хорошо про­думать все составные части постановки, уяснить характер ос­вещения, определить, какие предметы являются наиболее тем­ными, где сосредоточено наибольшее количество света, как со­относятся между собой световые части темных предметов и теневые части светлых предметов, сила собственных и пада­ющих теней. От правильной сравнительной оценки всех этих свойств в изображении зависит конечный результат работы.

В практике обучения существуют такие понятия, как «боль­шой свет», «большая форма», «большая тень». Эти специаль­ные понятия выражают определенное состояние изображе­ния. Суть их заключается в целостном восприятии натуры, а, следовательно, и в целостном отражении этого восприятия в живописном произведении. Правильная выдержанность этюда в тоне придает изображению цельность, особую художественную выразительность, а знание закономерностей построения формы одним цветом создаёт хоро­шую основу для работы над живописью всей палитрой красок.

 

Натюрморт из предметов быта в цвете 

Этюды постановки из предметов домашнего обихода с преобладанием холодных и теплых оттенков в условиях естественного освещения (Илл. 2 (а, б, в, г)).

Учебные задачи: используя ограниченный набор красок (основные цвета  – красный, синий, желтый; ограничение цветовой палитры) передать общее состояние цветовой среды и теплохолодности.

Освещение естественное (верхнее боковое). Формат 1/2  листа бумаги. Материал – акварель.

Познание техники живописи – это изучение законов пост­роения реалистической формы цветом. В предыдущих задани­ях были рассмотрены особенности построения формы одним цветом, в данном задании на примере аналогичного натюр­морта предстоит передать цветовую характеристику натуры.

Чтобы добиться лучших результатов и избежать общей ошибки, которую допускают начинающие, – пестроты и при­митивной раскраски, – следует ограничить себя небольшим набором красок. Для начала берутся три основные краски: крас­ная, синяя, желтая (в масляной живописи добавляются бели­ла и черная). Этих красок вполне достаточно, чтобы соста­вить нужные смеси. Ограниченная палитра создает условия, при которых необходимо искать нужные цвета посредством смешивания, а не брать их готовыми на палитре. Кроме того, в процессе этого упражнения студент должен развить ясное понимание того, что подлинная живопись состоит не в том, чтобы сделать изображение многокрасочным, а в том, чтобы в одном цвете увидеть множество оттенков, его составляю­щих, уметь находить эти оттенки на палитре и гармонически сочетать в изображении.

Большую трудность в первых заданиях составляет про­блема получения сложных, составных цветов. Здесь важно определить не только цветовой тон предметов постановки, фона, но и их светлоту и насыщенность. Для этого, пробуя на палитре смеси, надо смотреть на натуру и сравнивать иско­мый цвет с другими находящимися в постановке цветами, добиваясь верности цветовых отношений в изображении. Нахождение локального цвета предмета ещё не решит всей сложности стоящих перед студентом задач. Надо увидеть от­тенки этого цвета в световой части, в полутоне, в теневой части. Только верное сопоставление этих оттенков создает полное представление о цветовой характеристике предмета.

Каждый цвет изображаемых предметов надо рассматривать как составной цвет, полученный из множества оттенков, появляющихся в результате воздействия световых лучей. Свет, падающий из окна, придаёт освещенным частям холоднова­тый оттенок. Сама освещенная поверхность по мере перехода от света к тени имеет целый ряд тонких градаций – перехо­дов. Наиболее открытый предметный цвет будет присутство­вать в полутоне. Вся теневая часть вместе с рефлексами, па­дающими тенями будет значительно теплее световой части. Чем определеннее будет выражена теплохолодность в работе, тем энергичнее и выразительнее будет живопись.

Большое значение в работе имеет соблюдение методичес­кой последовательности. В начале следует определить общее световое и цветовое состояние постановки, выявить по нату­ре и раскрыть на плоскости основные отношения. Делать это надо легко и свободно, не забивая поверхность бумаги. Уже на начальной стадии следует приучаться прописывать большие плоскости большими кистями, используя лессировочные и корпусные свойства красок. Хорошо сгармонированная  по цвету живопись должна передавать не только цвет и форму предмета, но и его материал, освещение, то есть создавать целостный образ натуры.

 

Натюрморт из предметов быта, близких по цвету 

Этюд постановки из предметов домашнего обихода, близких по цвету, но различных по цветовой насыщенности. Предметы, составляющие натюрморт, должны быть различны по материалу, форме и размерам (Илл. 3 (а, б)).

Учебные задачи: организация общей цветовой среды, поиски и передача цветовых рефлексов и их различий в зависимости от цвета фона и предметов.

Освещение естественное (верхнее боковое). Формат 1/2 листа бумаги. Материал – акварель.

Оценка и восприятие цвета более доступно неискушенному зрителю, когда перед ним контрастные пары: красный  и зеленый, синий и желтый, темный и светлый.

 Значительно сложнее дело обстоит с восприятием двух или нескольких цветов, близких по своему цветовому тону (желтый и охристый, синий и голубой и т. д.). Конечно, сгармонировать два контрастных цвета значительно сложнее, так как по своей природе они противоположные.

Развитие способности восприятия цвета и его оттенков, умение находить отличие одного цвета от другого в ряду одной группы  цветов   (теплой или холодной) – одна из главных задач в решении этого задания.

Приступая к выполнению задания, надо, прежде всего, разобраться в цветовом строе постановки. Для этого делается несколько этюдов  с целью уяснения цветовых отношений. Сравнивая светосилу каждого предмета с фоном и другими предметами, можно найти их место в постановке. Сравнение близких цветов между собой выявит их разницу  и позволит более точно передать их оттенки. Верно взятые отношения дают возможность найти каждому из них своё место в изображе­нии и создать единую цветовую гамму.

Одним из вариантов постановки на сближенные цвета могут быть натюрморты из таких предметов, которые и по светосиле, и по цветовой тональности будут близкими. Допу­стим, все элементы светлые. Их отличает лишь разница цве­товых оттенков. Задача в этом случае будет значительно слож­нее, так как эти цвета не имеют ярко выраженной цветности и тональности. Тональный строй постановки потребует тон­ких проработок формы и пространства. А поскольку живость и свежесть живописи во многом зависят от контрастного со­поставления цветов, то и следует эти контрасты искать по­средством тёплых и холодных оттенков.

 

Натюрморт из предметов быта, контрастных по цвету 

Натюрморт должен быть составлен из предметов различных по материалу, форме, размерам и контрастных по цвету на нейтральном фоне (Илл. 4 (а, б, в, г)).

Учебные задачи: изучение цветового контраста, оптических свойств противоположных пар цветов, их равновесие и взаимодействие. Восприятие локального цвета на свету, в полутени и тени.

Освещение естественное (верхнее боковое). Формат 1/2 листа бумаги. Материал – акварель.

Составляя натюрморт из контрастных по цвету предме­тов, надо учитывать их взаимное влияние друг на друга. Не следует их чередовать между собой, что сделает постановку пёстрой, лишённой пластической цельности. Не рекоменду­ется также на первых порах вводить в учебную постановку несколько контрастных цветов: синих, желтых, красных, зеле­ных.  Лучше, если натюрморт будет логическим продолжением предыдущей постановки. Основу её будут составлять предметы однородного цвета, а в нее включены один-два контра­стных цветовых пятна. Контрастную ситуацию может создать фон, состоящий из цветной драпировки.

Учебные задачи данного натюрморта - установить гар­моничную связь между контрастными по цветовой характе­ристике формами, изучить рефлексную связь между ними.

Восприятие цвета – процесс сложный и не всегда легко усваиваемый. Контрастное взаимодействие можно создать не только посредством сопоставления двух взаимно дополни­тельных цветов, но и вводя в постановку теплохолодные от­ношения. При составлении натюрморта надо поступать так, чтобы один или группа цветов одного тона (тёплого или хо­лодного) была основной, ведущей как по количеству предме­тов, так и по пространственному размещению; другая часть должна составлять к нему как бы дополнение и самим пятном и расположением создавать равновесие.

Для наиболее полного раскрытия возможностей контра­стных сочетаний в живописи натюрморта следует разнооб­разить постановки и по характеру освещения. Интересные решения дают постановки против света (контражур) или ос­вещенные прямым светом (по свету), когда взаимодействие контрастирующих цветов выступает в чистом виде. В этом случае требуется более тонкая гармонизация цвета, точное определение тоновых отношений.

В изображении натюрморта важен не сам предмет, а его связь с окружением, когда сила и красота цветового пятна целиком зависят от среды, в которой он находится. Отсюда можно сделать основополагающий для методики работы над живописью вывод: чтобы верно и живо взять какой-либо цвет, надо написать его окружение.

 

Натюрморт из белых (светлых) предметов 

Этюды постановки из белых (светлых) бытовых предметов на фоне цветной драпировки с небольшим количеством складок (Илл. 5 (а, б, в)).

Учебные задачи: восприятие больших светотональных и цветовых отношений в условиях определенной среды Передача локального цвета на свету, в полутени, тени; поиски цветовых рефлексов.

Освещение естественное (верхнее боковое). Формат 1/2; 1/4 листа бумаги. Материал – акварель, гуашь.

Написание белой ткани, гипсового орнамента, белой фар­форовой вазы представляет собой непростую задачу. Поверх­ность белого предмета особенно чувствительна к влиянию ис­точника света, она богата массой цветовых оттенков. Разоб­раться в обилии рефлексов, выделить и создать на их основе доминирующий цвет можно, только подчиняя всё их много­образие общему цветовому состоянию изображения, «где все цвета имеют прочную тоновую связь друг с другом. Доста­точно нарушить эту связь, взять неверный тон в свету или в тени, как всё изображение станет пёстрым, «развалится» Ра­боты начинающих, как правило, отличаются неуверенностью. Белый предмет пишется белилами, или оставляется нетро­нутой поверхность бумаги. Изображение моделируется лишь в теневых частях. Другая крайность – излишняя цветистость натюрмортов.

В процессе живописного решения белых предметов сле­дует наполнять изображение цветом, придавая ему тот или иной оттенок, искать и передавать тонкие, гармоничные от­ношения, но делать это надо с учетом общего тона постанов­ки, подчиняя ему каждый отдельный цвет.

Ввод в постановку белых (светлых) предметов имеет и другое важ­ное значение: они создают четкие тоновые контрасты, благо­даря чему живопись приобретает большую тоновую опреде­лённость. Соседство с белым выгодно подчёркивает тон и цвет предметов.

В учебную постановку могут быть включены не один, а два или более белых предметов. В этом случае важно найти разницу между ними, выявить материал, из которого они сде­ланы. Каждый из них будет иметь свой тон, свою поверхность, а, следовательно, и различную цветовую характеристику. Ус­ложненным вариантом натюрморта с белыми предметами является постановка с гипсовой головой (Илл. 5 (г, д, е, ж)). 

 

Натюрморт в интерьере 

Этюд натюрморта из крупных предметов с частью интерьера. В постановке могут использоваться: угол мастерской с частью окна, предметы домашнего обихода, предметы искусства (например: подрамники, этюдники, гипсовые слепки и т. д. (Илл. 6 (а, б, в, г)).

Учебные задачи: передача глубокого пространства в условиях естественного рассеянного освещения. Объемно-пространственная лепка формы цветом.

Освещение естественное, рассеянное. Формат 1/2 листа бумаги. Материал – акварель, гуашь.

Учебный натюрморт в интерьере должен носить вполне естественный характер – быть частью реального пространства. При составлении натюрморта можно использовать готовый мотив – стул с лежащими на нем предметами в учебной мастерской, стол с частью интерьера, мольберты с принадлежно­стями для живописи и т. д. Особенностью таких постановок является то, что они включают окружающее их пространство. Группа предметов по своим масштабам, по живописно-пространственному решению входит составной частью пространства и решается как часть целого. Этим определяется трактовка цвета, объема. Натюрморт решается более цельно, без детальной проработки мелких частей. Вся группа предметов должна быть объединена общим цветовым тоном и увязана с окружающим пространством, как бы погружена в него. Жи­вописная трактовка формы и пространства приближается к целостному решению. В таких постановках полезно разнооб­разить задачи, ставить натюрморт в различных условиях ос­вещения: у окна, у открытой двери, в коридоре и т. д.

В выборе мотива и в решении перспективного построе­ния части интерьера необходимо проявлять чувство меры, чтобы избежать сухости линейных построений и жёсткости в проработке деталей. Всё это потребует применения получен­ных ранее знаний и творческого отношения к работе. Умение грамотно писать натюрморт в интерьере существенно облегчит в дальнейшем работу над композицией с глубоким про­странством, приобщит к картинному видению натуры.

 

Натюрморт на пленэре 

Несложный этюд натюрморта из объектов природы (овощи, фрукты, цветы и т. д.) на пространственном фоне при солнечном освещении. Этюд в один-два сеанса (Илл. 7).

Учебные задачи: изучение технических возможностей и приемов акварельной живописи в условиях пленэра; выявление в натюрморте рефлексов от неба при солнечном освещении.

Материал – акварель. Формат 1/2; 1/4 листа бумаги.

Работа на открытом воздухе (на пленэре) значительно расширяет колористические возможности живописи. Обилие света, большое количество рефлексов, определённость цвето­вых отношений – все это способствует углубленному изуче­нию законов живописи, развитию художественного вкуса.

Условия работы на пленэре отличны от условий занятий в мастерской. В мастерской, как правило, освещение односто­роннее, на воздухе свет рассеянный, создающий активную световую среду, где цвет обогащается массой живых и подвижных рефлексов. В результате обилия света теневые части предметов и падающие тени видятся цветно и прозрачно, что придаёт особую привлекательность живописному этюду. Кро­ме того, разнообразные состояния освещения – солнечное, пасмурное, вечернее – создают необычайно богатые возмож­ности для изучения цветовых отношений, колорита.

Отметим особенности солнечного освещения. Сильный поток световых лучей, как правило, высветляет цвет, делает его малонасыщенным. Вместе с тем к свету основного источника присоединяется ещё определенное дополнительное освещение от неба. Сложное двойное освещение сообщает характерный оттенок поверхности предмета, где наряду с тёплыми тонами соседствуют холодные. К особенностям солнечного освещения следует отнести также чётко выраженную холодность собственных и падающих теней. Разбор таких оттенков, возникающих в результате сложного влияния на окраску предмета освещения и рефлексов от окружения, создающих особую, присущую только живописи на воздухе лёгкость, прозрачность, и составляет одну из главных задач живописи на пленэре.

Живопись на открытом воздухе связана с состоянием по­годы и временем дня, когда пишется натюрморт. В зависимос­ти от этих условий меняется и колористический строй этюда. В солнечный день – живопись контрастная, с резкими тенями, в пасмурный день или в тени, напротив, форма предметов становится смягчённой, свет рассеянным, а цвет насыщенным.

Живопись на пленэре требует соблюдения некоторых за­кономерностей. Прежде всего, работая на воздухе, надо учиты­вать влияние рефлексов неба и обилие солнечного света, кото­рый сильно высветляет краски на палитре. Это касается и пасмурного дня. Для защиты от солнца необходимо выбирать удобное место в тени. Натюрморт надо писать быстро, энер­гично, как правило, в течение непродолжительного времени. Случается, что интересный натюрморт не удается сделать за один сеанс. Его необходимо продолжить в следующий раз, но для этого надо выбрать такой же день и писать в те же часы.

Натюрморт. Методика работы акварелью способом лессировки

Муниципальное автономное учреждение

Дополнительного образования детей

Детская школа искусств им. П. И. Чайковского

художественное отделение

Методическая разработка

занятия по живописи

(для четвертого класса)

на тему:

Методика работы акварелью способом лессировки

Разработала: преподаватель художественного отделения ДШИ

Савгиря С. Н

Ноябрьск, 2018

Содержание

Введение……………………………………………………………………3

Глава I. Акварель. Из истории акварельной живописи…….5

Глава II. Живопись натюрморта………………………………..8

2.1. Учебный натюрморт…………………………………………….8

2.2. Методика работы акварелью способом лессировки………9

2.3. Методика выполнения натюрморта…………………………11

Глава III. Методические рекомендации по проведению занятий по живописи в четвертом классе……………………15

Заключение………………………………………………………..17

Список использованной литературы………………………….18

Приложение ………………………………………………………19

Введение

Переводы понятия «натюрморт» с французского, немецкого, английского дают ключевые представления о содержании этого жанра – мертвая натура, тихая или неподвижная жизнь. В станковой живописи и графике это изображение окружающих человека вещей с определенным логическим смыслом и композиционной организацией в единую группу. Изображение это диктуется конкретным выбором предметов, осмысленным подбором и расположением группы, а также, как правило, воплощением предметов в том или ином бытовом пространстве.

Характер постановки для художника, работающего в жанре натюрморта, определяется вниманием и любовью к миру обыденного, желанием через вещь рассказать о жизни ее обладателя, стремлением найти в заурядном предмете возможности для широких пластических поисков, разнообразных композиционных действий, декоративных и фактурных проб.

По сути, натюрморт – это откровение, это как автопортрет, опосредованно и своеобразно отраженный в сокровенных предметах, - глубоко личное, интимное высказывание художника. Все начинается с обычной, часто ученической постановки. Но и в ней, несмотря на определенную наивность и беспомощность предметного набора, начинает проступать тайна человеческого бытия, хотя бы какой-то очень характерный штришок конкретного времени.

Живопись говорит с нами языком линий и красок. Живопись – условна, у нее свои законы. Мир, который окружает нас, пространственный, а холст – плоский. Натюрморт тем и ценен для художника, что «обращает живопись к самой себе», предоставляя множество возможностей для занятий формальными живописными исканиями.

Натюрморт имеет основополагающее значение в учебно-воспитательной работе с учащимися. Неподвижный, легко и целиком обозримый с небольшого расстояния, сравнительно в постоянных условиях освещения мастерской или другого помещения, натюрморт очень удобен для занятий живописью.

В четвертом классе учащиеся, как и ранее, работают над натюрмортами, продолжая изучать законы цветоведения, решая разнообразные задачи учебных постановок.

Основными задачами обучения в четвертом классе является:

-Продолжать формировать навыки работы кистью.

-Расширить понятие о цвете, смешении красок, цветовых отношениях, цветовом единстве, гармонии.

- Формировать умение лепить форму предмета цветом.

- Формировать умения и навыки в работе с акварелью (методом «алла прима» и лессировкой).

- Развивать навыки работы гуашью.

- Учить видеть цветовое богатство окружающего мира, связь цвета и формы изображаемого предмета.

- Вырабатывать умение анализировать и сравнивать форму, цвет изображаемых предметов с натурой.

- Воспитывать эмоциональное отношение к работе.

Глава I. Акварель. Из истории развития акварельной живописи

Слово «акварель» произошло от латинского аква – вода. Акварель – это живопись разведенными на воде прозрачными красками. Акварелью называют также и произведение, выполненное акварельными красками.

Акварель наносится на бумагу не густым слоем, а жидко разбавленная водой. Частично впитываясь в размягченную водой основу, она разливается по ее увлажненной поверхности. После высыхания воды на бумаге остается тонкий слой краски. Световые лучи, проходя через этот слой и отражаясь от белой бумаги, как бы освещают цвет изнутри. Вследствие этого качество цвета в акварели зависит от прозрачности или относительной укрывистости красок, толщины и многократности перекрытий красочного слоя. Важное значение имеют пропорции, в которых взята вода и краска, а также тон и цвет бумаги. В акварели весьма важно сохранить цвет чистым, а красочный слой тонким, прозрачным и прочным. Многократные переписки одного и того же места, густые, толстые наслоения краски ведут к потере достоинств акварели: теряется светоносность бумаги, акварель становится «глухой», тяжеловесной или попросту грязной.

Акварель занимает в изобразительном искусстве особое место, потому что ею можно создавать и живописные, и графические произведения - в зависимости от задач художника.

Акварель – очень древняя техника. Равным образом мы находим акварельную живопись в античном мире – в Греции и Риме, и не только в столицах, но даже в отдаленных колониях и провинциях. Из греческого круга живописи нам известны «акварельные» вазы, особо богато представленные в погребениях Пантикапеи (Керчь). Но в данном случае термин «акварельные» дан весьма условно. Во-первых, их техника далеко не у всех одинакова, во-вторых, нет сомнения, что некоторые из них были подвергнуты дополнительному обжигу, что с понятием акварели никак не вяжется. Но при всем этом живопись на вазах по своим тонам, по легкости покрытия, по манере наложения краски кистью, по фактуре мазка удивительно похожа на акварель. О наличии в древнем античном мире начатков акварели определенно подтверждается писателем Плинием (I в. н. э.), который говорит о сортах камедей и об их пользе для врачей и художников.

Позднее акварель сопровождает книжное искусство, являясь основным средством в украшении рукописей, часто с портретами владельцев, т. е. с миниатюрами.

Вплоть до XV века акварель играла вспомогательную роль: ее применяли при докраске, подцвечивании гравюр и рисунков.

Подлинная, т. е. прозрачная акварель начала широко применяться в начале XV века. Замечательные акварели создавал крупнейший художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер. Это были главным образом пейзажи, в которых он предвосхитил достижения акварелистов, живших несколькими столетиями позже. Акварели Дюрера поражают свежестью, чистотой, ясностью красок.

Расцвет акварели в странах Европы приходится на XVIII век. Поскольку акварель незаменима в передаче стремительно меняющихся состояний природы, эффектов освещения, сильных и ярких впечатлений, неудивительно, что она стала излюбленной техникой эпохи романтизма. Самым знаменитым мастером акварели в Англии был Уильям Тернер, открывший огромные возможности этой техники в создании романтических образов природы. Художник обычно работал на влажном листе бумаги, что позволяло одним мазкам переходить в другие тонкими переливами.

В России в первой половине XIX века подлинный взлет акварельной живописи связан с именем Карла Брюллова. Художник применял разнообразную технику: писал сразу в один слой, клал краску в два-три слоя по сухой поверхности бумаги, тонкой кистью многократно прописывал детали.

Выдающимся акварелистом был Александр Иванов. В его работах исключительно точный и уверенный рисунок сочетается с ясными, насыщенными красками.

В середине XIX века многие русские художники обращаются к бытовому жанру, используя для этого и акварельную технику. Среди них ведущее место принадлежит Павлу Федотову, обладавшему исключительной остротой видения, способностью запоминать и воспроизводить быстро меняющуюся мимику лица, движения человека. Все творчество этого художника пронизано неизменным стремлением к правде.

Прекрасные акварели создавали И. Крамской, В. Поленов, В. Серов, великолепно владел этой техникой И. Репин.

Особое место в истории русской акварели занимают работы Василия Сурикова. Его акварели многокрасочны, темпераментны по исполнению, жизнерадостны, полнозвучны. В них много поэзии, широты, размаха. Суриковские акварели обусловили расцвет этого вида живописи в искусстве многих художников следующих поколений.

Достижения выдающихся русских мастеров акварели стали основой для развития этого вида живописи в более позднее время.

Виртуозно владела акварелью А. Остроумова-Лебедева; с удивительным мастерством создал свои многочисленные акварели С. Герасимов; большой известностью пользуются акварели А. Дейнеки – выдающегося мастера отечественной живописи. Признанным талантом акварельной живописи заслуженно считается А. Фонвизин. Его работы отличаются тонкой и нежной цветовой гаммой, в которой преобладают розово-перламутровые тона. Кистью А. Фонвизин владел с артистичностью. Он писал по влажной поверхности бумаги, очень сочно, смело, легко.

Акварель обладает широкими возможностями в передаче тончайших тонально-цветовых оттенков натуры, особенно атмосферных явлений. Передача пространственности планов, трепетности воздушной среды, состояния освещенности, материальности предметов и т. п. – все это доступно профессионально подготовленному акварелисту.

Глава II. Живопись натюрморта

2.1. Учебный натюрморт

Мир вещей неотъемлем от человека, его деятельности. Повсюду нас окружают вещи, среди которых мы живем.

В художественных произведениях предметы не только дополняют и помогают раскрыть тот или иной образ, но и несут самостоятельную и художественную нагрузку. Художники с древнейших времен изображали людей, предметы, обстановку, животных, птиц, цветы. Они старались, чтобы предметы, к которым прикоснулась рука мастера, были не только функциональны, но и эстетичны. В разное время и в разных странах тема натюрморта всегда была одним из излюбленных жанров в творчестве художников.

Натюрморт интересен и ценен для художника тем, что «обращает живопись к самой себе», ее вечным ценностям и проблемам. Для художника это лаборатория эксперимента, она представляет ему множество возможностей для занятий формальными живописными исканиями.

Натюрморт имеет основополагающее значение в учебно-воспитательной работе с учащимися. Неподвижный, легко и целиком обозримый с небольшого расстояния, сравнительно в постоянных условиях освещения мастерской или другого помещения, натюрморт очень удобен для занятий живописью.

Одно из условий удачной работы – привлекательность натуры. Эмоциональная сторона играет важнейшую роль в учебе, вызывает творческое отношение к процессу рисования. Скучное задание быстро утомляет учащегося, у него появляется желание поскорее и как попало завершить работу. Поэтому процесс постановки натюрморта требует от педагога творческой фантазии, а также определенных знаний в этой области.

Есть общие правила постановки натюрморта. Предметы должны иметь смысловую связь. Композиционный центр всегда хорошо выражен (обычно он находится на втором плане). Часто учебная постановка организуется по принципу подчинения какой-нибудь геометрической форме, чтобы предметы вписывались в треугольник, прямоугольник, квадрат, круг, овал. Композицию можно развернуть по горизонтали, вертикали, по диагонали, причем натюрморт лучше смотрится по возрастающей слева направо – как мы привыкли читать. Зрительное поле человека ограничено некоторой овальной формой, предметы скомпонуются в натюрморте, если войдут в этот овал. При постановке натюрморта необходимо чувствовать гармонию, искать уравновешенность масс, внутреннюю связь предметов, драпировок и цвета. При этом надо иметь в виду не только сами предметы, но и промежутки между ними, часть окружающего пространства.

Натюрморты дают богатую живописную тему, предметы в них находятся в определенном тесном колористическом общении, и этим наглядно объясняются законы композиции, взаимодействия цвета, влияние света, воспитывается чувство формы, материальности, красоты предметов. Проходят испытание упорство и профессиональная взыскательность художника, ведь в натюрморте, когда все предметы находятся рядом и хорошо видны со всеми подробностями, решить задачу цельности изображения особенно трудно. Ни в одном другом жанре живопись не выступает в полной своей красе так, как в натюрморте. Он универсален и незаменим, как лучшая модель для обучения.

2.2. Методика работы акварелью способом лессировки

Существует много приемов письма акварелью, но наиболее распространенные среди них многослойный, в один слой по сухой поверхности (алла прима) и в один слой по влажной поверхности.

Лессировка – способ многослойного нанесения акварельных красок – широко используется при длительной, многосеансной работе над натюрмортом, портретом, интерьером. Этот метод ведения живописного процесса является ведущим в обучении акварели на первоначальном этапе.

Способ лессировочного письма часто употребляется в живописи теневых мест, затемненных интерьеров, удаленных планов. Если однослойная краска выдвигает предмет на передний план, то многослойная лессировка тонкими прозрачными красками удаляет предмет в воздушную среду или погружает его в тень. Лессировка также позволяет добиться полнозвучных, насыщенных цветов. Если ставится задача добиться интенсивности цвета, например, в изображении бархата, бронзы, золота и других насыщенных по краскам предметов, лучше всего использовать лессировки.

Сущность приема лессировочного письма заключается в последовательном нанесении прозрачных слоев краски один на другой. В результате таких перекрытий можно получить самые разнообразные цветовые оттенки. Иногда цвета этих слоев сливаются в один красочный тон; иногда нижние слои, просвечивая сквозь верхний, дают более интенсивный и сложный по своим характеристикам цветовой оттенок. Если, например, просохший слой прозрачной желтой краски пролессировать красной, то полученный оранжевый цвет по своим качествам будет отличаться от чистого оранжевого, а также и от цвета, полученного путем смешения тех же красок и положенного в один слой.

Работая таким методом, следует придерживаться некоторых правил. Сначала лучше прокладывать теплые и интенсивные тона, а затем холодные и малонасыщенные. Теплый тон в первой прописке хорошо чувствуется и оказывает влияние на гармонию красок в законченной работе. Малонасыщенными и холодными цветами целесообразно писать на конечных стадиях работы и преимущественно в верхних красочных слоях. Чаще всего это делается для обогащения или сдерживания ярких низлежащих красок. Положенные вначале, они отнимают свет у основы, и при последующем наложении другого тона краски выглядят тусклыми, грязными.

Обратимся к приложению. Выполним эксперимент: провести черной тушью полосы, после их высыхания проложить сверху интересующую нас акварельную краску и выяснить, какие цвета прозрачные, т.е. лессировочные, а какие нет. Вследствие проделанной работы выясняется, что прозрачных красок в нашем пользовании не так много (золотисто-желтая, кармин, голубая, изумрудная), а в большинстве своем это полупрозрачные и кроющие краски. Такое «открытие» позволяет нам более грамотно, предвосхищая результат, вести живописную работу лессировками

Первые прописки следует начинать с наиболее прозрачных лессировочных красок. Они лучше просвечивают, прочнее соединяются с бумагой и меньше размываются при последующих наложениях краски. Крупнозернистые (непрозрачные) краски, которые не допускают многократных последующих перекрытий, нужно наносить в последнюю очередь. Красочный слой в акварели, построенный от наиболее прозрачных к менее прозрачным краскам, прочнее, интереснее по фактуре.

Последовательность прокладки красок зависит от тоновых и цветовых отношений предметов натурной постановки. Наиболее темные и насыщенные по цвету оттенки прокладываются в первую очередь. При этом работу лучше начинать с наиболее крупных цветовых пятен постановки, имеющих значение для общего цветового строя произведения. Вначале краски прокладываются хотя и несколько слабыми по тону и цвету, но верными по отношению друг к другу. Однако, чтобы цвет не потерял своей интенсивности, краски нельзя наносить очень бледными. Одно место работы желательно перекрывать краской не более трех раз. От многократного размачивания бумага становится рыхлой, поглощает световые лучи, а акварель теряет прозрачность цвета, получается бледной, невыразительной, с грубыми ошибками в тоне. Повторное усиление тоновых и цветовых отношений осуществляется по просохшей краске. Последующие прописки обычно преследуют цели лепки объемной формы, определение полутонов, наиболее густых теней, рефлексов, передачи деталей, приведения изображения к целостности и единству.

Для работы с натуры нет готовых рецептов и правил, пригодных на все случаи, поэтому надо стараться объяснять себе те явления, которые происходят с изменением света, состояния природы. На одной интуиции грамотной работы не написать - нужны знания! Но невозможно научиться рисовать, если знание теории останется теорией. Живописный опыт – единственный и самый верный путь к познанию Искусства.

2.3. Методика выполнения натюрморта

Какими бы ясными ни казались задачи натюрморта и удачным место для работы, приступать сразу к выполнению на бумаге не следует. Вначале надо сделать внимательный анализ натуры, понять ее пластический, цветовой и эмоциональный строй, условия и характер освещения, акцентировать внимание на наиболее характерных и интересных ее качествах. Осознание сущности поставленных задач создает предпосылки для их творческого решения.

Рассмотрим предлагаемый натюрморт. Данная постановка выстроена на родственных цветах, в розово-карминовой гамме; наличие искусственного освещения придает натюрморту теплый колорит. Композиционный и смысловой центр – керамический кувшин. Ягоды, лежащие на белой драпировке, своеобразной салфетке, сахарница, расположенная возле кувшина – все это намекает ученику-фантазеру о вкусном морсе, который хранит в себе главный предмет натюрморта – «статный, важный» кувшин. Рассмотрим натюрморт в тональной последовательности. Самым светлым в постановке является, несомненно, белая драпировка, на втором месте идет розовый фон, затем – клубника, после – сахарница, драпировка цвета красного краплака, ягоды смородины, наконец, кувшин.

Перейдем непосредственно к процессу рисования. Рисунок под акварель необходимо сделать предельно грамотно, тонко отточенным карандашом средней мягкости. Мягкий карандаш оставляет на бумаге много жирного графита. Смешиваясь с водой, он дает трудноудалимую грязь. Грифель повышенной твердости оставляет на бумаге продавленную бороздку, в которую заливается краска.

Закончив подготовительный рисунок, промыть бумагу чистой водой. Это освободит поверхность листа от лишнего графитного порошка и возможного загрязнения.

Этап 1. Решение цвето-тоновых отношений предметов натюрморта

В первой прописке намечаются тонально-цветовые отношения крупных предметов, имеющих решающее значение для колористического построения: фон, драпировка на дальнем плане и на столе, керамический кувшин, металлическая сахарница, ягоды. В цветовом решении фона, стола, драпировок, предметов передаются различия по тону, цвету, теплохолодности. Намечается широкий свет, полутон, тень, рефлекс на каждом предмете в соответствии с характером формы, освещением и удалением предметов. Прописка фона, драпировок, клубники выполняется широкими заливками с мягкими переходами одного цвета в другой; кувшина и сахарницы – по типу мозаичных пятен, но согласованных по размеру, цвету, тону с формой предмета.

Этап 2. Детальная проработка предметов натюрморта

На следующей стадии работы над натюрмортом найденные отношения уточняются, активно моделируется форма предметов. На освещенных местах мазки краски кладутся энергично, форма, детали лепятся четко. Такая фактурная обработка и более тщательная прописка предмета «выдвигает» его вперед. В тени же, напротив, все пишем обобщеннее, с мягкими переходами, без резких контрастов тона, цвета.

Нельзя писать предметы обособленно, т.е. доводить проработку одного из них до определенной законченности, оставляя в то же время незаписанными фон или соседние предметы. Следует внимательно относиться к изменению собственного цвета предметов под влиянием условий освещения, а также цветовой рефлексной взаимосвязи. Так, в нашем натюрморте под влиянием фона коричневый, цвета марса коричневого и сепии, кувшин приобрел множество карминовых оттенков. Трудность работы заключается в том, чтобы, реагируя на окружающие предметы цвета, не увлечься игрой рефлексов, дабы не потерять истинный цвет предметов. Другими словами, необходимо следить за тем, чтобы рефлексы не разрушали форму и локальный цвет предметов.

Этап 3. Тонально-цветовое обобщение натюрморта

Особого внимания требует живопись первого плана натюрморта (рис.3). Первый план надо четко строить в пластическом отношении, внимательно лепить цветом форму, выявлять освещенность, чтобы он служил активным вводом в композицию, воспринимался устойчиво, материально «поддерживал» предметы последующих планов. В нашем случае задача, с одной стороны, упрощается тем, что на первом плане лежит белая, а значит уже активная по тону, драпировка; с другой стороны – сложность заключается в том, чтобы так вписать драпировку в натюрморт, да бы она не вырывалась из общего строя. Работать над белой тканью в натюрморте следует начинать в последнюю очередь, когда все предметы и окружение практически написаны. В акварели белым цветом служит бумага, и если поспешить записать белую драпировку, когда не найдены все цветовые и тоновые отношения окружения, можно перетемнить ее, и тогда белизну вернуть будет невозможно. Поэтому мягкими, нежными, постепенными лессировками «сажаем» белую ткань в картинную плоскость только после того, как будет прописано окружение.

Работая над формой, деталями, не следует упускать из виду общий тон натуры. Надо все время согласовывать с ним живопись отдельных предметов и деталей. Иначе возможны ошибки в колористическом решении натюрморта, ведущие к потере цельности изображения.

На завершающей стадии работы необходимо вновь вернуться к уточнению общего тонально-цветового и пластического решения натюрморта и подчинить ему частности – проверить, нет ли излишне ярких или резких пятен, контрастов, разрушающих цельность, или, напротив, не потеряны ли звучность, насыщенность цвета, контрастность деталей, что снижает выразительность работы.

От общего к частному и от частного к обогащенному деталями общему – таков путь поиска наибольшей выразительности этюда, выявления предметных характеристик: формы, материальности, цветовой и тональной гармонии, освещенности, пространства, живописно-пластической цельности изображения.

Глава III. Методические рекомендации по проведению занятий по живописи в четвертом классе

Рассматривая весь процесс обучения в школе, можно заметить, что умения и навыки накапливаются постепенно, от простых к более сложным, и развитие происходит как бы по спирали: аналогичные по своей сути задачи решаются на разных уровнях сложности. Усложняются учебные постановки, повышаются требования к их композиционному, техническому, колористическому и объемно-пространственному решению.

Уровень подготовки учащихся, как правило, не одинаков. Чтобы не тормозить развитие одних и не сделать задания слишком трудными для других, для группы необходимо ставить несколько постановок разной сложности.

Учебный год в четвертом классе обычно начинается с задания интересного и приятного для всех ребят – этюды живых цветов без вазы на светлом нейтральном фоне. Для натуры лучше брать крупные цветы с ярко выраженной чашечкой цветка. Чтобы они не получились плоскими, особое внимание необходимо обратить на освещение каждого цветка. Крупные массы свяжутся с тоном, если к ним добавить мелкие травинки и листья.

После летних каникул учащиеся быстрее входят в форму, если им дана возможность «расписаться» на коротких, привлекательных постановках только из фруктов и овощей. Это может быть большой ломоть тыквы или арбуза, перцы, помидоры, яблоки, поставленные на листе цветной бумаги. Такие задания носят этюдный характер. Цель – хорошо продумать последовательность ведения этюда, цветовые и тональные отношения, обобщенно вылепить форму предмета, рассматривая ее как площадки, различно повернутые к свету. Необходимо приучить учащихся «лепить форму» раздельными мазками, как бы ощупывая ее в пространстве, добиваться плавного перехода от одного цветового оттенка к другому. Следует также постараться максимально использовать технические возможности акварели, применяя в таких заданиях приемы письма лессировками, метод «алла прима», по-сырому.

Необходимо ставить натюрморты: светлые предметы на темном фоне и наоборот. Сложность таких постановок состоит в нахождении общей тональности натюрморта, таким образом, чтобы вписать предметы в окружение, которые органично «вошли» бы в живопись.

Длительные задания надо чередовать с короткими этюдами в один сеанс. В качестве поощрения учащимся разрешается делать этюды понравившихся им натюрмортов, поставленных для старших классов. Это своеобразный стимул, но необходимо кратко объяснить особенности и пути преодоления трудностей.

Как и в предыдущих курсах, ставим натюрморты в теплой и холодной цветовой гамме, усложняя постановки вводом близких по цвету предметов. Здесь учащимся надо быть предельно внимательными, сравнивать относительную меру теплохолодности на каждом предмете, чтобы натюрморты не получились вялыми, неживописными, написанными одними теплыми или холодными красками.

Следующий этап – натюрморт из предметов быта, различных по материалу. Цель задания – найти живописный язык для изображения стекла, дерева, металла, ткани, усвоить технические приемы. Например, стекло надо писать мазками сочными, звонкими, передающими все разнообразие гладкой, блестящей поверхности. Дерево же пишется шире, мягче, мазок втекает без контрастов, рефлексы тонкие, едва заметные.

Огромное значение в живописи имеет кладка мазка, от широкого, свободного, - до точки. Он должен передавать не только цвет и направление формы, но и быть выразительным, точно характеризовать особенности изображаемого материала, пластику формы, подчеркивать композицию всего натюрморта.

В четвертом классе ставятся задачи цветового равновесия: это может быть декоративный натюрморт, выполненный гуашью, с ограничением цветовой палитры. Решаются задачи композиционные, фактурные (орнамент, узор), задача равновесия цвета.

Завершает год контрольное задание, обобщающее знания, умения и навыки, полученные за год. Это может быть натюрморт из предметов быта, различных по материалу.

Итак, в четвертом классе продолжаем изучать основы профессиональной живописной грамоты. Развиваем умения и навыки в передаче цветовых отношений, светотени, пространства, гаммы и колорита. Синтез этих задач является самым необходимым и важным условием полноценного изображения.

Вопросы связи рисунка и цвета, передача объема, материала должны рассматриваться на занятиях в совокупности, в постоянном и прямом взаимодействии.

Готовых рецептов живописи нет. Чем изобретательнее художник, чем шире он использует возможности материала, чем изощреннее его техника в передаче разнообразных эффектов натуры, тем лучше, живописнее, интереснее его работы. Бесспорно, главная задача педагога передать знания, умения и навыки, которыми он владеет, своим ученикам.

Заключение

Итак, найти свою тему, свои интонации, раскрыть пластические возможности и выразительные средства в натюрморте – важная, первостепенная задача. Признавая особые тематические пристрастия каждого художника, надо отметить, что в течение всей его творческой биографии порой резко меняются не только темы и образы, но и стилистические формы натюрмортных композиций. Но чтобы свободно и артистично переходить от фрагментарной натурной постановки к большому интерьерному полотну с разными планами и пространственными членениями, чтобы от реалистической композиции следовать к кубистической, от «наивной» - к сложно-символической, от повествовательно-перечислительной – к аллегорической и фантастической, необходимо соблюдать определенную последовательность движения от простых задач к сложным, от штудий – к самоценному художественному образу, от конкретных постановок – к картинному обобщенному сюжету.

Часто замысел натюрморта перерастает в картину. Как на заре развития этого жанра натюрморт мысленно вычленялся из общей ткани картины или мозаики, так в современном искусстве из сиюминутного намерения свободной постановки неожиданно рождается картинный сюжет. Этот успех возможен благодаря композиционному мастерству автора, находящего глубокую взаимосвязь предметов, тончайшую организацию форм, линий, пятен и ритмов, слагающих емкий художественный образ, выражающий не только видимый предметный мир, но горячий жизненный пульс, миропонимание, творческое кредо художника.

Бывает, тот или иной известный мастер может вообще не проявиться как автор натюрмортов, не сделать никаких видимых успехов в этом жанре. Но в его картинах можно обнаружить десятки совершенных предметных воплощений – под стать натюрмортной классике. Так что натюрморт – не только штудийный, прибавляющий мастерства жанр, не только камерное, в какой-то мере замкнутое искусство, но и важный компонент больших композиционных произведений. Поэтому с самых первых своих постановок юный художник должен понимать и эстетическую ответственность, и, может быть, историческую ценность своих работ. Ведь о конкретном времени красноречивее самых подробных описаний говорят натюрморты художников – подобно черепкам, утвари, посуде, добытыми археологами в тщательных раскопках и исследованиях.

Список использованной литературы

  1. Ганжало Т.А. Натюрморт.- М.: Юный художник, 2003.

  1. Марков П. Об акварели или живописи водяными красками. – М.: Московская государственная специализированная школа акварели С. Андрияки с музейно-выставочным комплексом, 2003. – 192 с.

  1. Яшухин А.П. Живопись: Учеб. пособие для учащихся пед. уч-щ по спец. №2003 «Преподавание черчения и изобразит. искусства». – М.: Просвещение, 1985.

  1. Живопись: Кн. для учащихся / Сост. Л. А. Шитов, В. Н. Ларионов.- М.: Просвещение, АО «Учебная литература», 1995.

  1. Натюрморт: от постановки к картине // Юный художник. 2004. №8.- с. 32-35.

  1. О чем рассказывает натюрморт // Юный художник. 1997. №11-12.- с. 24-27.

  1. Пишем акварелью // Юный художник. 2004. №9.- с.38-41.

  1. Пишем натюрморт // Юный художник. 2004. №12.- с.38-41.

Приложение

19


Методическая разработка урока по предмету «живопись». Натюрморт из трех предметов в технике акварель, прием "алла прима"

Тема: изучение техники акварель, прием «алла прима» «по-сырому».

Цель урока: написать несложный натюрморт из трех предметов, помещенных в сильную цветовую среду в технике акварель, используя прием «алла прима».

Задачи: композиционное построение натюрморта в листе, постановка предметов на плоскость на разные уровни, выделение главного, определение пропорций предметов, построение предметов; работа в цвете, передача основной цветовой характеристики предметов и их взаимосвязь со средой, передача материальности предметов по средствам цвета; роль бликов, определение общего колорита работы, выявление цветовых гармоний; совершенствование навыков и умений работы акварелью в технике акварель, прием «алла прима».

Средства: лист формата А2, акварель, кисти, губка, палитра, емкость с водой.

Дидактические материалы: наглядные методические пособия поэтапной работы над натюрмортом, и примеры работ углем выполненные преподавателем.

План урока:

  1. Организация. Проверка готовности учащихся к уроку - 1 мин.
  2. Объяснение нового материала. Акцентирование внимания на цели и задачах урока. Педагогический рисунок - 10 мин.
  3. Практическая работа учащихся - 25 мин.
  4. Подведение итогов урока(просмотр-анализ работ) - 4 мин.

Ход урока

Приветствие. Учащиеся рассаживаются. Проверка готовности к уроку: наличие необходимых материалов и проверка правильной посадки учащихся.

Цель урока: написать натюрморт из трех предметов, помещенных в сильную цветовую среду в технике акварель, используя прием «алла прима».

Для выполнения цели необходимо выполнить несколько задач. К ним относятся: композиционное построение натюрморта в листе, постановка предметов на плоскость на разные уровни, выделение главного, определение пропорций предметов, построение предметов; работа в цвете, передача основной цветовой характеристики предметов и их взаимосвязь со средой, передача материальности предметов по средствам цвета; роль бликов, определение общего колорита работы, выявление цветовых гармоний; совершенствование навыков и умений работы акварелью в технике акварель, прием «алла прима».

Выясним, что значит прием «алла прима».

«Алла прима» (от итал. Ala prima - «в один присест») - это живопись по-сырому, написанная быстро, в один сеанс, при которой создаются неповторимые эффекты разводов, переливов и перетеканий краски.

Достоинства приема «алла прима»

Попадая на влажную поверхность бумаги, краска растекается по ней неповторимым образом, делая картину легкой, воздушной, прозрачной, дышащей. Не случайно, работу, выполненную в такой технике, практически нельзя скопировать, так как каждый мазок по мокрому листу уникален и неповторим. Можно добиться удивительных переливов и переходов между тончайшими оттенками. Алла прима позволяет сохранить максимальную свежесть и сочность красочных звучаний.

Кроме этого, дополнительным преимуществом данного приема будет определенная экономия времени. Как правило, работа пишется «на одном дыхании», пока лист влажный, хотя, при необходимости, можно дополнительно намочить бумагу в процессе творчества.

При письме рекомендуется составлять смеси из двух, максимум из трех цветов. Лишняя краска, как правило, ведет к замутнению, к потере свежести, яркости.

Сложности техники акварель, прием «алла прима» «по-сырому».

Достоинство и одновременно сложность в том, что изображение, мгновенно возникающее на бумаге и причудливо расплывающееся под действием движения воды, впоследствии невозможно подвергнуть никакому изменению.

Еще одним неудобством можно назвать ограниченные временные рамки. Изображение пишется практически без остановки и, как правило, «в одно касание», т.е. кисть по возможности касается отдельной части бумаги лишь один-два раза, более не возвращаясь к ней. Это позволяет сохранить абсолютную прозрачность, легкость акварели, избежать грязи в работе.

Далее преподаватель делает быстрый рисунок с объяснением.

Лист смачивается с двух сторон губкой или опускается в воду, пока он не наберет влагу, затем кладется на ровную горизонтальную поверхность. Легким движением бумага расправляется, выдавливаются воздушные пузыри и лишняя вода.

Теперь возьмем нейтральный цвет и наметим тонкой кистью плоскость стола и расположение предметов на нем, главное помнить, что все предметы находятся на разных уровнях, т.е. какой-то из предметов находится ближе, а какой-то дальше. Чтобы с самого начала не допустить ошибку, вспомним основные правила композиции в листе. Создавая композицию, необходимо позаботиться о том, что будет главным в картине и как выделить это главное, тоесть композиционный центр, который часто также называют «смысловым центром» или «зрительным центром» картины. Композиционный центр может быть смещен.

Наметим предметы целиком с учетом их пропорций. Если получается, что один предмет сильно перекрывает другой, тогда можно сдвинуть один из предметов в своем рисунке. Ритм драпировок может быть задан линиями, пятнами света и тени, пятнами цвета. Когда все предметы закомпонованы, можно переходить к технике письма.

Прежде чем писать, надо понять и разобраться в характере цветовых отношений натуры. Все это должно быть изучено и установлено до на­чала работы, так как акварель плохо поддается исправлению.

Работая акварелью, надо стараться вначале не закрашивать те части рисунка, которые должны в конечном результате выглядеть светлыми. Глядя на наш натюрморт, нетрудно убедиться, что самыми светлыми местами в этой постановке будут блики.

В процессе писания работы в технике "по сырому" будут встречаться затруднения следующего характера: линии будут растекаться, а цвет красок после высыхания станет бледнее. Поэтому стоит начинать работу таким методом лучше с самых ярких или темных мест, взяв тон и цвет в полную силу. После этого можно переходить к более светлым местам, одновременно сравнивая все предметы между собой. Главное помнить что холодный предмет лучше читается на теплом, а теплый на холодном. По этому же принципу светлый объект лучше заметен, выразительнее на темном фоне и, наоборот, темный - на светлом. Например в картине Валентина Александровича Серова «Девочка с персиками» можно хорошо рассмотреть, что смуглое лицо девочки выделяется темным пятном на фоне светлого окна.

Когда найдено и написано самое темное место в натюрморте, подбираем к нему близлежащий тон драпировок и предметов. Основную светотень прописываем наиболее близкими к натуре тонами и "привязываем" тень, падающую от предметов. Теперь можно применить метод сравнения. Например, тон одного предмета в тени, можно сравнить с тоном другого предмета, а его можно сравнить с падающей тенью от предметов. Сравнивая их по цветовой окраске, силе тона, можно заметить что они объединены гармонией цветового единства. Весь секрет живописи в тенях и в полутонах. Свет только дополняет общий колорит работы. Великий Рембрандт, знаменитый голландский художник, понимая значение теней и полутонов в живописи, уделял особенное внимание их проработке. В этом секрет его колорита.

Тень в данном случае является ослабленным светом, рефлектирующим на предметы от стен помещения. Если невидимые в натюрморте окружающие его стены будут синими, то все тени окрасятся в холодный синеватый цвет. Прописываем остальные предметы натюрморта.

Изображая предмет, необходимо чувствовать его форму, объем и кистью как бы следовать за поверхностью этой формы. Следовательно, форма, направление, и характер мазка живописи зависят от формы предмета и характера его поверхности.

Внимание должно быть обращено также на явление воздушной перспективы. В данном натюрморте предметы расположены на различ­ных расстояниях друг от друга. Между предметами переднего и заднего планов имеется слой воздуха, который смягчает яркость окраски дальних предметов. Ближайшие предметы поэтому кажутся ярче, рисунок их определеннее и отчетливее по сравнению с дальними. Вот почему ближайшие к нам фрукты изображаются в более определенных контурах и красках, чем расположенные на втором плане. Контуры дальних предметов не должны быть сильно четкими, за счет этого будет достигнуто впечатление пространства: одни предметы лежат ближе к нам, другие дальше. Если не смягчить краски задних предметов, то последние будут «выпирать» на передний план. Влияние воздушной перспективы при изображении натюрморта не всегда легко подметить в натуре. Тем не менее, надо знать о нем и уметь «удалять» на рисунке один предмет и «приближать» другой.

Особое внимание следует уделить переднему плану, его детализации и прорисовке. По рисунку этот натюрморт не представляет особых трудностей для изображения, но по живописной задаче сложен, потому что передача материальности предметов требует большой точности в соблюдении цветовых отношений. Все тончайшие цветовые взаимоотношения должны быть подмечены и переданы в изображении. Помимо световых и цветовых градаций, на каждом предмете необходимо передать их отношения к фону и плоскости, на которой они находятся. После того как проработаны детали, необходимо все обобщить и привести в единство.

Практическая работа

Учащиеся приступают к выполнению задания. Преподаватель осуществляет контроль за работой учащихся, оказывает индивидуальную помощь.

Подведение итогов урока (просмотр-анализ работ)

Проводится обсуждение, анализ выполненных работ. Учащиеся демонстрируют свои рисунки. Преподаватель дает пожелания и рекомендации учащимся относительно композиции, цветотонального решения и техники исполнения натюрморта.

В результате пройденного урока учащимися должны быть освоены следующие навыки: приемы работы в технике «алла прима», выразительные возможности акварели; освоение терминологии предмета «живопись»; формирование навыков передачи объема и формы цветом, передачи их материальности, фактуры; выявление планов, на которых расположены предметы; умение видеть и передавать цветовые отношения в условиях пространственно-воздушной среды; умение изображать объекты предметного мира, пространство; навыки последовательного ведения живописной работы.

Список использованной литературы

  1. "О живописи", Б.В. Иогансон; издание второе, государственное издательство "Искусство", Москва 1960.
  2. "Рисунок, живопись, композиция. Хрестоматия", Н.Н.Ростовцев, С.В.Игнатьев, Е.В.Шорохов; издательство "Просвещение", Москва 1989.
  3. "Школа изобразительного искусства в десяти выпусках", выпуск I, издательство "Искусство", издание второе, исправленное и дополненное, Москва 1964.
  4. "Школа изобразительного искусства в девяти выпусках", выпуск IV, издательство академии художеств СССР, Москва 1962.
  5. "Методика работы над натюрмортом", А.С. Пучков, А В. Триселев; издательство " Просвещение", Москва 1982.
  6. "Методика преподавания изобразительного искусства в школе", Н.Н.Ростовцев; издание второе, дополненное и переработанное, Издательство "Просвещение", Москва 1980.

Натюрморты. Рассказывает художник Дина Цыпина

Меня зовут Цыпина Дина. Я художник. Закончила МГАХИ им. Сурикова. Член монументальной секции Московского Союза Художников. Сейчас я активно преподаю детям и взрослым, сама работаю в различных техниках: живописных, графических и монументальных. Сама участвую в выставках и приучаю своих учеников к участию в выставках.

Я часто пишу натюрморты. Наверное, эта тема помогает больше раскрыть настроение. Кроме того, для натюрморта не требуется дополнительных ресурсов, таких, как модель или этюды с пленера.

Натюрморт для меня не просто набор предметов. На самом деле, предметы сами по себе не так важны. Важно, что художник хочет сказать, рисуя этот натюрморт. Для меня живопись неразрывно связана с моим внутренним настроением, погодой, временем года, теми мыслями, которые меня наполняет в данный момент. И тогда я не пишу дневник, я пишу натюрморт, как некое послание миру.

Перед тем, как начать, надо сформулировать свое настроение словами. Например, солнечная погода, безмятежность, счастье. Или же, наоборот, сумрачные ноябрьские дни, ожидание снега, увядание. Каждое из этих состояний подсказывает цветовую палитру для передачи состояния. И так появляется основной посыл натюрморта. Меня мало волнуют реальные цвета фона в жизни, очень часто за натюрмортом находится стена, целая комната или сад, но реальность не должна диктовать свои условия. Мы не рабы натуры. Художник создает произведение, прежде всего, руководствуясь собственным порывом. Картина – это всегда сознательное высказывание художника, где ни фон, ни выбор предметов не случайны.

Для меня фон в натюрморте – это еще и воздух. Воздух в картине – это всё. Воздух создает пространство, объем, жизнь. На самом деле, цвета самих предметов мне важны только в начале работы над картиной. Я стараюсь им подражать. На предметы надо не просто смотреть, но надо изучить их пластику со всех сторон. Главное в живописи, это работа с тоном. И тут, на помощь снова приходит цвет фона, ведь, именно он участвует в формировании теней, как падающих, так и самих предметов. Художник создает в картине среду, в которую погружены предметы натюрморта.

Я очень люблю рисовать летом акварелью прямо на улице. Свет на улице изменчив, и рисовать надо очень быстро, чтоб схватить состояние. Зато сколько воздуха потом в этих летних акварелях. Они, как варенье из летних ягод, сохраняют аромат цветов, солнце и подвижное небо.

Творческий процесс очень подвижен. Бывает, что работа над картиной приводит тебя к новому пониманию начальной идеи, и тогда творчество ведет тебя к новым целям. Это момент непредсказуемости прекрасен, он открывает новые пути. Вдохновение приходит во время работы. И картина отличается от задуманного первого варианта. Не надо фиксироваться на одной начальной идее. Я предпочитаю получать удовольствие и свободно наслаждаться цветами своей красочной палитры. Ведь живопись – это всегда живое состояние души художника.

Автор Цыпина Дина - @dinatsypina

Как нарисовать карандашом натюрморт из бытовых предметов

« Символика цвета | Главная | Северный Ренессанс »

Автор: admin | 25 Июл 2015

Натурная постановка: Натюрморт из 3-4 бытовых предметов. Освещение верхнее боковое.

Цель: овладение навыками передачи светотенью
объемной формы бытовых предметов и передачи единства предметов в группе

 

 

Методические рекомендации к выполнению работы:

Это длительный рисунок — штудия, который выполняется с соблюдением этапов длительного рисунка и с использованием соответствующих инструментов и материалов.

«Натюрморт» — от французского nature morte означает «мертвая натура». В художественном творчестве натюрморт является одним из самостоятельных жанров, в котором воплощаются в образную форму различные окружающие нас предметы и вещи. Его эстетическая значимость определяется не только мастерством передачи материальности и фактуры предметов, но и красотой их, характером форм, выражающих определенные эмоциональные настроения.

В учебных постановках чаще всего ставятся чисто учебные задачи, направленные, как правило, на усвоение элементарной грамоты рисунка и приемов перспективно-конструктивного построения изображения группы предметов, выявления объемных форм светотенью и, главное, на обучение целостному видению группы предметов в их тоновом и композиционном единстве. Изображение натюрморта в учебном задании, по существу, является базой для перехода к серьезному изучению основных положений реалистического рисунка.

В процессе работы над рисунком вы приобретаете специальные практические навыки, развиваете глазомер, учитесь воспринимать пропорции, улавливаете тончайшие светотональные градации и вырабатываете необходимое качество для рисовальщика – способность видеть предметы цельно.

В предыдущем задании мы рассматривали изображение группы предметов, состоящих из простых геометрических тел, поэтому общее представление об изображении группы предметов в натюрморте у нас имеется. Переходя к изображению натюрморта, вам следует знать, что отличие от предыдущего задания состоит в сложности самих предметов и вещей, входящих в постановку. Это, прежде всего, сложные разнохарактерные формы предметов или объектов, имеющих различную окраску и фактуру материала (стекло, керамика, гипс, металл, бумага, цветы, фрукты).

Как нарисовать карандашом натюрморт из бытовых предметов? Для начала следует освоить рисунок простого натюрморта, составленный из двух бытовых и одного гипсового предметов. В простой натюрморт желательно включать такие предметы, которые по форме были бы близки к геометрическим телам или их сочетаниям. Такие предметы дают возможность легче разобраться в их строении. Размеры предметов должны отличаться друг от друга, а их количество не должно превышать трех-четырех. При этом следует избегать чрезмерной разницы в размерах. Светлые и темные предметы, с учетом их цветовых сочетаний, должны быть сопоставлены контрастно. Это подчеркивает особенность каждой формы – материальность, фактуру, размеры и разнообразие оттенков, что придает выразительность постановке и во многом облегчает решение поставленной задачи.

Зрительный центр

При подборе предметов для составления натюрморта нужно учитывать следующее: все они должны быть подобраны сообразно смысловому значению и увязаны между собой, т. е. объединены тематически и близки по своему практическому назначению. Случайных предметов в постановке быть не должно. Тематические натюрморты в учебном задании способствуют развитию не только технических навыков, но и столь необходимых вам в будущем творческих способностей. В постановке натюрморта следует выделить главный предмет, который наиболее значим как по смыслу, так и по форме и цвету. Остальные предметы должны подбираться согласно смысловому значению основного предмета.

Предметы в натюрморте должны быть хорошо освещены, поэтому необходимо продумать, как лучше это сделать. Если предметы осветить спереди, то они будут едва заметны из-за отсутствия на их поверхностях теней. При заднем освещении предметы превращаются в сплошные контурные очертания. Наиболее выгодное положение предметов достигается при некотором верхнебоковом освещении, когда предметы выглядят достаточно объемными.

Совмещение композиционного центра (главный предмет) со зрительным

При размещении изображения группы предметов на плоскости листа бумаги важно выдержать масштаб группы предметов по отношению к свободному полю на формате листа бумаги так, чтобы предметам не было тесно или слишком свободно. Лист бумаги следует располагать в соответствии с характером группировки предметов. Размещая группу предметов на плоскости листа бумаги, одновременно следует верно определить композиционный и зрительный центры.

Следует отметить, что в действительности зрительный центр не всегда совпадает с композиционным. Это во многом зависит от характера объекта изображения. Под зрительным центром следует понимать центр картинной плоскости, а под композиционным – какой-либо основной главный предмет, вокруг которого располагаются второстепенные или вспомогательные предметы. В зависимости от характера объекта изображения композиционный и зрительный центры должны быть либо на незначительном расстоянии друг от друга, либо совмещаться.

Последовательность рисования натюрморта. Компоновка

Это дает возможность в изображении подчинить второстепенные детали главному предмету и тем самым придать изображению композиционную целостность. Для решения данной задачи в изображении необходимо правильно выбрать точку зрения пространственных положений предметов относительно друг друга, так как при разных точках зрения главный предмет будет перемещаться относительно близлежащих то вправо, то влево или окажется по их центру. Для оптимального решения композиционной задачи в изображении следует для начала внимательно рассмотреть натурную постановку с разных сторон, а не довольствоваться случайно выбранным «свободным местом» для его изображения. Выбрав для себя определенную точку зрения (место), следует подумать о ракурсе (линии горизонта). Поверхность стола, на которой располагаются предметы постановки, должна хорошо просматриваться, так как она входит в компоновку, а изображенные предметы должны вызывать ощущение устойчивости.

Последовательность рисования натюрморта. Определение пропорций

При соблюдении всех этих условий в самой постановке предметов и их изображении натюрморт получает наибольшую выразительность, а вы легче улавливаете характерные особенности предметов. Этим значительно облегчается решение учебной задачи.

Рисование натюрморта дает вам возможность творчески использовать ранее полученные знания правил перспективы, навыки конструктивного построения предметов на плоскости, приобретенные умения выявлять объемные формы светотенью и передавать фактуру предметов. Изображение натюрморта во многом усложняет необходимость передачи пространственной среды фона тоном. Это является важным условием увязки предметов между собой на общем фоне и приведения рисунка к тоновой, композиционной целостности и гармоническому единству.

Последовательность рисования натюрморта. Линейно-конструктивное построение

Приступая к изображению натюрморта, необходимо строго соблюдать методический принцип последовательности ведения рисунка (от общего к частному и от частного к общему), без чего трудно понять основной смысл изображения. Нарушение этого принципа в работе над рисунком значительно усложняет усвоение учебного материала, поэтому начинающему художнику весьма важно закреплять отдельные этапы. По мере усвоения учебного материала по изображению простых натюрмортов и постепенного усложнения задач можно будет переходить к более сложным натюрмортам, с включением в них драпировок.

В заключение следует напомнить, что основные приемы и правила перспективного построения, пропорций, законов светотени и тоновых отношений, задачи и процесс самого изображения остаются прежними, как им в предыдущих заданиях по изображению группы предметов, состоящих из простых геометрических тел.

Последовательность рисования натюрморта. Тональное решение

Выполнение этого длительного задания необходимо чередовать с рисунками-набросками, рисунками-зарисовками, рисунками по памяти, по представлению и по воображению, копировать работы известных рисовальщиков, используя все многообразие материалов рисунка.

Читать далее Как нарисовать карандашом гипсовый орнамент

Темы: Рисунок. Задания | Ваш отзыв »

Отзывы

Магнолия Натюрморт. Реалистичная акварель. Пошаговая инструкция

Мэтью Берд, «Натюрморт с магнолией», бумага, акварель, 30 x 22 дюйма.

Посмотрите, как поэтапно реализуется акварельный натюрморт с листьями, кристаллами и некоторыми неожиданными трудностями.

МЭТЬЮ БИРД

Один из аспектов натюрморта, который мне больше всего нравится, - это изучение текстур, с которыми я не сталкиваюсь в своих фигуративных работах. В случае с «Натюрморт с магнолией» меня интересовал конденсат, образовавшийся на серебряной чашке, не только потому, что он идеально передает закаливающую способность ледяного мятного джулепа, но и потому, что это была новая текстура для меня, и еще одна. который я бы использовал, чтобы построить всю картину.

Рисование прозрачной акварелью означает отсутствие белой или непрозрачной краски. Любые белые пятна на окончательной окраске - это белый цвет бумаги, тщательно сохраненный калькой, скотчем и маскирующей жидкостью. Первый шаг - это очень подробный рисунок, который служит дорожной картой. Для этой картины, когда рисунок был завершен, я замаскировал все, чтобы я мог установить очень темный фон и мраморный стол.

Задник был окрашен берлинской лазурью, затем от 4 до 5 слоев специальной черной смеси (минеральный фиолетовый, берлинская лазурь и перманентный малиновый ализарин).После полного высыхания каждого слоя я снова смачиваю бумагу большой кистью Hake и добавляю еще темной краски, мокрой в мокрую, позволяя немного синему подмалевку просвечивать в правом верхнем углу для контраста.

Деревянный стол под мраморной столешницей был в глубокой тени и в основном черный, но он должен был быть другого черного цвета, чем фон. Этому способствовал теплый подмалевок перманентного ализаринового малинового цвета.

Подмалевок

Решайте сложные задачи первыми

Как правило, я стараюсь сначала решать самые сложные элементы, поэтому, если я ошибаюсь, у меня не будет слишком много времени.В данном случае это была морозная чашка для джулепа, которую я никогда раньше не рисовал. Я прорезал в кальке отверстие, где буду работать. Остальная часть картины оставалась закрытой, чтобы защитить эти области от брызг и брызг. Конденсат на чашке, листьях мяты и холмик со льдом были сохранены с помощью маскирующей жидкости.

Статья по теме> Современный реализм: момент с Тони Куранаджем

Матовое серебро окрашивали мокрым по мокрому через несколько слоев до получения правильных значений.Цвета были взяты из «помоя» в центре моей палитры, различные теплые и холодные оттенки серого. Затем маскировка была удалена, и каждая капля воды была нарисована влажной на сухой бумаге, так что края были четкими и четко очерченными.

Затем я обратился к листьям и цветкам магнолии, работая задом наперед.

Рисование листьев акварелью

Первым шагом для каждого листа была тщательная маскировка жилок (1), а затем подмалевок серого цвета Пейна для придания формы и ценности (2).Постоянно наносились слои зеленого и светло-красного цветов. Когда он полностью высох, маска была снята (3). Эти листья находятся в тени и должны быть намного темнее, поэтому добавляются дополнительные слои, чтобы отодвинуть их (4).

Как я подхожу к рисованию кристаллов акварелью

И наконец, самое главное - хрустальный графин. Кристалл сложно рисовать по ряду причин. Как и любой стеклянный объект, он полупрозрачный, поэтому вы можете видеть то, что находится позади, а также отражать предметы вокруг него.Но кристалл также преломляет свет, как призма, создавая интересные цвета и узоры.

Прежде чем рисовать, важно изучить и понять то, что вы на самом деле видите, а не то, что, по вашему мнению, должно быть. Я рисовал кристалл много раз и не думал, что это будет сильно отличаться, но я не заметил, как чашка для джулепа со всеми каплями воды отражалась в стекле. Это добавило еще один уровень сложности, и если бы я полностью осознал это с самого начала, я, вероятно, не стал бы делать это в последний раз.

Я делаю легкие пометки твердым карандашом, чтобы помочь мне организовать формы и понять поверхность. Опять же, я сохраняю белые участки маскирующей жидкостью, а самые темные участки заштриховываю карандашом. Я считаю полезным понять крайние пределы шкалы ценностей, а затем работать между ними (1). Я рисую сверху вниз, работая мокрым по мокрому для гладких участков стекла, требующих тонких переходов (2), и мокрым по сухому для жестких краев (3,4).

Финальные настройки

Мне нравится оставлять картину на несколько дней и возвращаться к ней свежим взглядом.Я постоянно вношу изменения, обычно чтобы затемнить значения, и нахожу мелочи, которые я упустил на этом пути.

Перечень материалов

Бумага:
300 фунтов Fabriano Artistico Extra White Cold Press

Кисти:
Кисть для хека 2 дюйма или 3 дюйма;
Escoda малые, средние и большие патроны.
Старая жесткая синтетическая кисть для растушевки и подтяжки.

Акварель Художественного качества, большинство пигментов для этой картины принадлежало Дэниелу Смиту:
Кадмий желтый средний
Светло-красный (Winsor & Newton)
Минерально-фиолетовый (Гольбейн)
Перманентный ализарин малиновый
Прусский синий
Хукерс-зеленый
Хинакридон Burnt Orange
Хинакридон Алый жженый
Сиена жженая
Умбра жженая
Умбра жженая
Серая Пэйна

Другие материалы:
Малярная лента и жидкость
Легкая калька

Дополнительные реалистичные акварельные натюрморты Мэтью Берда:

Мэтью Берд, «Бранзино для двоих», бумага, акварель, 30 x 22 дюйма.(76 x x 56 см) Мэтью Берд, «Наследственный натюрморт», акварель на бумаге, 28 x 22 дюйма (71 x 56 см) Мэтью Берд, «Гранаты», акварель на бумаге, 26 x 22 дюйма (66 x 56) см) Мэтью Берд, «Весна», бумага, акварель, 30 x 22 дюйма (76 x 56 см) Мэтью Берд, «Весна священная», акварель, бумага, 29,5 x 41 дюйм (75 x 104 см) Мэтью Птица, «Венера и Бард», акварель на бумаге, 28 x 22 дюйма (71 x 56 см) Мэтью Берд, «Зима», акварель на бумаге, 28 x 22 дюйма (71 x 56 см)

Художник
Мэтью Берд является подписанным членом множества организаций, в том числе Национального общества акварелистов, и его отмеченные наградами акварельные картины выставлялись на выставках жюри в Соединенных Штатах, а также в Канаде, Китае, Греции, Гонконге и других странах. и Италия.Его работы находятся в постоянной музейной коллекции, а также в многочисленных частных коллекциях.

Веб-сайт | Instagram | Facebook | Twitter

Этот натюрморт впервые был опубликован в 2019 году

Акварель: Ячиё Бек: не просто еще один натюрморт

Используя самую необычную форму контраста, Ячиё Бек нашел способ создавать натюрморты с ярко выраженным индивидуальным колоритом.

Дженнифер Кинг

Послеобеденные яблоки
2005 г., акварель, 18 х 28.
Собрание художника.

Если бы одна из ее картин выглядела так, как если бы ее мог нарисовать любой компетентный художник, Yachiyo Beck просто не удовлетворился бы. Она хочет, чтобы ее акварельные натюрморты были самобытными, уникальным выражением того, кем она является как художница и женщина. Она хочет, чтобы ее картины заставляли зрителей сесть и принять к сведению. Вот почему она черпала вдохновение в своих личных интересах, вкусах и жизненном опыте при создании собственного образа.

Этот взгляд одновременно драматичный и безмятежный. Как будто ее картины привлекают ваше внимание только для того, чтобы побудить вас остановиться и сделать глубокий расслабляющий вдох. Ячио (художница использует свое имя профессионально) объясняет, что она создает ощущение умиротворения, давая своим объектам много места и используя гармонию сочных, землистых цветов, добавляя волнения за счет здоровой дозы ценностного контраста.

Но, пожалуй, самым поразительным аспектом ее работы является то, как она использует одну из самых необычных форм контраста: «Я всегда восхищался почти фотографическим реализмом в объектах, но мне нравятся абстрактные, текстурированные, декоративные настройки. ," она сказала.Этот удивительный брак поражает зрителей виртуозностью Ячио, напоминая им, что ее работы действительно представляют собой картины, а не просто фотографические изображения.

Яблоки, Деко I
2006, акварель, 22 х 30.
Собрание художника.

В творчестве художника прослеживается множество различных влияний. Она родилась и выросла в Японии и постоянно проявляла творческий подход и артистизм во всех сферах жизни.«В азиатских странах искусство повсюду», - говорит она. «Все в нашей культуре - это украшение и создание красивых вещей. В детстве я изучал искусство, рисование и каллиграфию в школе, что способствовало развитию моей чувствительности к цвету и линиям ». Первая карьера Ячио в качестве модели высокой моды усилила ее талант к драматизму и талант к творческой подаче. Позже потеря первого сына привела к ее желанию обрести покой и поделиться им с другими.

Как и многие художники, Ячиё сталкивается с некоторыми проблемами в процессе рисования, но она не позволяет им остановить ее ни на минуту.Одним из препятствий является то, что в ее нынешнем доме у нее нет специальной студии для создания натюрмортов. Другой заключается в том, что ее трудоемкий процесс требует усилий по крайней мере на неделю на одну картину, что затрудняет сохранение свежих фруктов и овощей во время рисования. Как бы она ни хотела работать по жизни, вместо этого она работает с эталонными фотографиями.

Редис с вазой
2006, акварель, 7½ x 11.
Коллекция Эли Сарафа.

Ячиё обычно ставит свои фрукты и другие предметы на улице под естественным солнечным светом, прежде чем их фотографировать. Она обнаружила, что раннее утро или поздний вечер - лучшее время, поскольку угол наклона света подчеркивает объем ее объектов, отбрасывает длинные тени и создает самые интересные формы. «Я никогда не работала в студии, но все равно предпочитаю естественный свет», - говорит она. «Солнечный свет подчеркивает цвет объектов и отбрасывает тени, а также заставляет цвета отражаться друг от друга.”

Однако на данный момент она не слишком беспокоится о создании идеальной аранжировки для натюрморта. «Я снимаю много фотографий, а затем расставляю объекты по эскизам, чтобы создать хороший дизайн», - говорит Ячио. «В частности, я думаю о положительных и отрицательных формах, о формах на фоне, даже о промежутках между объектами. Например, когда я помещаю один объект перед другим, я иногда накладываю их совсем немного, чтобы вы могли видеть крошечное треугольное пространство между их нижними краями.Это дает объектам пространство для дыхания и не дает картине выглядеть загроможденной. Это также отличный способ добавить темный или светлый акцент в фоновый цвет ".

Груши, Деко I
2006, акварель, 22 x 30.
Коллекция Маргарет
Виерсема и Дэвид Хорн.

Помимо рисования композиций по эскизам, еще одним секретом успеха художницы является ее практика создания небольших предварительных картин.«Эта белая поверхность может пугать, и если я перейду прямо к большому размеру, я чувствую, что должна быть очень осторожной и работать медленно», - отмечает она. «Но если я прорабатываю свои дизайнерские идеи, цветовые сочетания и композиции в небольших исследованиях, я могу рисовать уверенно и творчески, не беспокоясь об ошибках».

Имея в руках фотографии, рисунки и наброски, Ячиё готова начать большую картину. Обычно она рисует контуры объектов светлым графитом, а затем использует недорогие кисти, чтобы нанести маскирующую жидкость на эти объекты.Это дает ей возможность свободно рисовать фон большим количеством краски и воды или, как она говорит, «рок-н-ролл». Она старается использовать отдельную большую плоскость для каждого цвета фона, чтобы смеси красок оставались чистыми при их нанесении. Она предпочитает использовать бумагу холодного отжима весом 200 фунтов, потому что ее не нужно растягивать. Как работающая мать маленького ребенка, Ячиё любит рисовать всякий раз, когда появляется свободное время.

Хурма послеобеденная
2006, акварель,
22 х 30.Коллекция Брайана
и Нэнси Кеннеди.

Фон очень важен. «Если я собираюсь добавить несколько сложных декоративных рамок, как в серии Deco, я хочу, чтобы фон за фруктами был абсолютно гладким, чтобы не отвлекать», - объясняет она. «Но без рамки я добавляю элемент абстракции к простому фону с помощью мазков и пометок». Помимо качества текстуры, цвета и значения фона также являются ключевыми качествами в ее отчетливо драматическом облике, поэтому Yachiyo обычно применяет до пяти слоев для создания очень темных, насыщенных, нежных цветов.Иногда она даже может использовать черный цвет, как дань традиционной японской живописи тушью и кистью суми-э.

Идеи художника об абстрактных фонах и границах часто приходят к ней в процессе экспериментов. Например, с хурмы после полудня (см. Демонстрацию) Ячио говорит, что ей пришла в голову идея добавить маленькие прямоугольные графические элементы в качестве уникального способа разбить большое пространство фона, но при рисовании своего предварительного эскиза она просто не мог заставить концепцию работать.В полном отчаянии она схватила кисть, заполненную темной краской, и провела ею по мокрой странице. К ее большому удивлению, пятнистый результат оказался просто мягким, но интригующим эффектом, который ей нужен, чтобы связать все изображение воедино.

Помидоры с миской
2006, акварель, 71/2 x 11.
Коллекция Мистер и миссис Джон Дукар.

После нанесения множества глазурей на фон для создания насыщенного, глубокого цвета, позволяя каждому слою полностью высохнуть между нанесениями, Yachiyo удаляет маскирующую жидкость.Затем она повторно наносит небольшие мазки маскирующей жидкости, чтобы сохранить блики, снова позволяя себе работать более свободно. Когда жидкость высыхает, она начинает наносить слои цветов на объекты, развивая реалистичную трехмерную форму и усиливая ощущение света. «Мне нравятся кисти с кошачьим языком, чтобы рисовать некоторые участки», - добавляет она. «Заостренная форма отлично подходит для точности, и они содержат много краски».

Независимо от того, над какой частью картины она работает, на протяжении всего процесса Ячио осознает целое, поэтому она всегда оставляет главный объект напоследок.«Я хочу сначала увидеть, как получатся фон и другие объекты, а затем я раскрашиваю основной фрукт в ответ на них», - объясняет она. «Остальная часть картины подскажет мне, что делать, чтобы выделить главный объект».

Гранаты, Деко I
2006, акварель, 22 х 30.
Собрание художника.

Чтобы это произошло, часто требуется возвращаться и уточнять фон и окружающие области, когда основные объекты готовы.Например, она может усилить контраст значения, затемняя фон и передний план около самых светлых областей основных объектов, или затемняя затененные стороны объектов и отбрасывая тени для контраста с более светлыми областями фона. Края - это еще один способ акцентировать внимание на фокусной области, в частности, делая края основного объекта более четкими, одновременно смягчая края второстепенных объектов и формы фона.

После того, как она внесла эти корректировки и привела в порядок детали, например удалила маскирующую жидкость и смягчила края сохранившихся бликов, Ячиё любит отложить картину на несколько дней.Обычно она ставит его где-нибудь, чтобы можно было многократно смотреть на него в течение дня. «Когда я сосредоточен на картине, легко упустить мелкие проблемы, потому что я слишком близок к работе», - говорит она. «Со временем я начинаю видеть, как нужно внести поправки - форму, которую можно улучшить, или области, где цвет или значение могут быть лучше сбалансированы. Когда я больше не вижу, что нужно исправить, я доволен, и картина готова ".

Ячиё владеет мастерской техникой, а ее личный стиль зрелым, хотя она рисует всего около 10 лет.Когда ее первый сын умер от рака, она вернула свою детскую любовь к искусству как к способу найти утешение и исцеление. Теперь, по ее словам, ее любимая часть в живописи - это эмоции, стоящие за самим творческим актом. «Когда я работаю, я хожу в особое место, где не думаю ни о чем другом». Она добавляет: «Это чувство умиротворения, которое, я надеюсь, испытывают мои зрители, когда они замечают безмятежность моих акварелей».

О художнике
Проработав 16 лет в японской индустрии моды в качестве модели, а затем менеджера модельного агентства, Ячиё Бек ушел на пенсию и переехал в США.После поселения в Орегоне она изучала акварельную живопись у своего друга и наставника ЛаВонн Тарбокс-Крон. Вскоре она начала выставляться в Обществе акварелистов Орегона и других организациях, благодаря чему получила несколько важных наград. Переехав в район Лос-Анджелеса два года назад, Ячиё присоединилась к Национальному акварельному обществу, получив статус подписного члена в 2006 году. В 2007 году она примет участие в Фестивале искусств и Фестивале Art-A-Fair в Лагуне. Бич, Калифорния.

Нравится то, что вы читаете? Станьте подписчиком
Акварель сегодня!

3 ключа к реалистичным акварельным натюрмортам

Вы когда-нибудь смотрели на красивый, яркий и реалистичный акварельный натюрморт и задавались вопросом, с чего начать? Что ж, не смотри, амбициозный художник! Сегодня мы рассмотрим три элемента, которые необходимы вам для успешного рисования потрясающего натюрморта: глубину, свет и цвет.

Однажды утром, когда я ел эту простую тарелку с ягодами на завтрак, я не мог сопротивляться солнечному свету, струящемуся через окна, и свету на ягоды.Он кричал, чтобы его раскрасили! Я сделал фото и поехал в город.

Хотя для выполнения этого урока вам не понадобится ваза с ягодами, попробуйте найти объект с большим количеством яркого света, глубокими тенями и контрастом.

Начните с наброска, а затем примените маску ко всем светлым участкам. Рисовать вокруг светлых пятен - огромная боль, поэтому маскировка абсолютно необходима. Я использовал съемную маскировочную жидкость Winsor & Newton. Не забудьте смазать щетину кисти кусковым мылом перед тем, как окунуть ее в маскирующую жидкость, и не забывайте мыть кисть и повторно наносить мыло во время маскировки.

Раскрасьте яркие цвета!

Присоединяйтесь к этому онлайн-видеокурсу, чтобы практиковать основные цветовые концепции, которые наполнят ваши картины светом, глубиной и движением! Зарегистрироваться »

Глубина

Использование нескольких промывок для углубления самых темных из темных цветов изображения добавляет глубины и объема.

После того, как ваша жидкость высохнет, ваша первая стирка «мокрый по мокрому» должна выглядеть как ягода в нижнем левом углу изображения выше.Я использовал ализарин малиновый, фиолетовый и французский ультрамарин с небольшим количеством серого пейна.

Для второй и третьей размывки средней и правой ягод я начал рисовать детали и тени более яркими цветами. Для получения нужной глубины цвета вашей картине может потребоваться несколько стирок.

Обратите внимание, что к центру он почти черный. Используйте самые сильные сочетания цветов в самых темных частях картины.

Свет

Перед тем, как перейти к следующему шагу, убедитесь, что ваша предыдущая работа полностью высохла.

Создание света в вашей картине начинается с фона и отбрасывания теней. В своей картине я быстро нарисовал размытый оттенок Hooker’s Green (с легким смешиванием Burnt Umber) и Payne’s Grey в тени чаши. Я также заряжал немного Indian Yellow местами, пока он был еще влажным, чтобы сделать цвет фона ярче. Начинается установка источника света.

Затем я обратился к чаше. Вы можете видеть выше, где я замаскировал светлые участки и отражения в чаше.

Я раскрасил чашу на две части, начиная с дна и продвигаясь внутрь. Я постоянно возвращался к своей эталонной фотографии, чтобы точно передать все мелкие цветовые нюансы и формы теней. Сделайте это привычкой, когда рисуете. Знайте свой предмет и изучайте его настолько тщательно, что он становится второй натурой.

Чтобы еще больше выделить свет в моей картине, я добавил больше серого цвета Пейна в тени чаши. Снова смочите всю область тени, а затем быстро нанесите цвет.Не забывайте о более мелких тенях на изображении: на этом этапе я также использовал круглую кисть номер 2, чтобы нарисовать тени там, где ягоды лежали внутри миски.

Ваш свет должен выделяться, когда вы размещаете тени и отражения, при этом большая часть вашего света должна быть белой на странице.

Цвет

Ближе к концу рисования начните наносить чистый цвет на светлые пятна на самых ярких объектах, чтобы действительно улучшить цвет.Делайте это столько раз, сколько хотите, чтобы получить большую глубину цвета в своей работе.

Обратите внимание, как темно у меня стало в середине чаши. Эта глубина привлекает внимание к трехмерному эффекту - не бойтесь по-настоящему работать с цветами. Я смочила фон в последний раз и немного углубила зелень и синий цвет вокруг чаши, не перегружая пигмент, но позволяя воде делать всю работу, чтобы увидеть, какие интересные формы появятся в итоге.

Затем я удалил маскирующую жидкость и смягчил более светлые пятна, взболтав страницу чистой кистью и чистой водой, а затем промокнув размягченное пятно салфеткой.Это заставит ягоды и миску сиять, а пятна от маскирующей жидкости не будут выглядеть такими резкими.

Когда вы закончите рисовать, отойдите и задайте эти три вопроса:

  • Есть ли глубина? Как это забавное фото ниже, кажется ли, что я могу сорвать сочные ягоды и съесть их? Если нет, вернитесь и настройте самые темные и самые светлые части картины.
  • Есть ли там свет? Можете ли вы определить сильный источник света и самые светлые точки, куда попадает свет?
  • Есть ли у него яркие, точные цвета? Ваши красные действительно красные? Вы блюз мутный, или они яркие?

Глубина, свет и цвет - три ключевых фактора, необходимых для создания увлекательного натюрморта, и если вы сможете запечатлеть их все в своей картине, вы успешно привлечете зрителя своим реализмом.

Раскрасьте яркие цвета!

Присоединяйтесь к этому онлайн-видеокурсу, чтобы практиковать основные цветовые концепции, которые наполнят ваши картины светом, глубиной и движением! Зарегистрироваться »

Объяснение картин и рисунков натюрморта - Искусство - это развлечение

О чем эта картина? Что ж, давайте познакомимся поближе. На картине четыре объекта: игрушечная утка, конфета в прозрачной пластиковой обертке, Тутси Поп и блестящий мрамор. Что у них общего? Что ж, наиболее очевидной общей чертой, также отраженной в названии произведения, являются преобладающие цвета: желтый и оранжевый .Это множество разных объектов, которые имеют одинаковую цветовую схему, поэтому они хорошо сочетаются друг с другом визуально.

Это все, что у них общего? Давайте рассмотрим их функцию - для чего они используются в повседневной жизни? Две конфеты и две игрушки ... Хм, эти предметы - детское веселье! Конфеты доставляют огромное удовольствие, а игрушки - большую радость ... когда ими пользуются, то есть. На этой картине они представляют собой набор объектов, неподвижно сидящих на совершенно белом фоне.Они символизируют потенциал для будущих развлечений , а также вызывают в воображении воспоминания из прошлых развлечений . В нынешнем они просто есть. Просто - это .

А что насчет этого совершенно белого фона ... что это значит? Что ж, спросите себя: что заставляет мои глаза и разум делать белый фон? В основном белый фон заставляет вас сосредоточить ваше внимание на объектах. Они почти, но не совсем парят в космосе - у них все еще есть тонкие тени, которые определяют их место в космосе.На мой взгляд, белый фон помогает этим предметам стать более знаковыми. То есть представляют собой стереотипные эмблемы детства. Они вне времени и не привязаны к определенному месту. Они могли быть где угодно. Они могут даже плыть в белом облаке вашего воображения.

Это один из способов интерпретации картины. Я мог бы сказать больше об этом, но пока этого достаточно. Однако помните, что это всего лишь одна интерпретация. Можно сказать, что это интерпретация ; что, поскольку я художник, мое слово - последнее слово, дело закрыто.Однако это не так. Искусство предназначено для совместного использования. Это форма общения, и поэтому история не заканчивается, когда кисть покидает холст. Это только начало.

Когда зритель смотрит на произведение искусства, он приносит с собой весь свой жизненный опыт, все свои уникальные воспоминания, все свои знания и понимание Вселенной на данный момент. Их разум взаимодействует с произведением искусства, пока их взгляд перемещается по произведению. То, что я испытываю, когда смотрю на определенное произведение искусства, не будет в точности таким же, как то, что испытывает кто-то другой, глядя на то же произведение.Поэтому то, что я создаю, не всегда будет интерпретироваться другими так, как я задумал. Между намерением и интерпретацией всегда есть загадочный разрыв, и в этом красота общения.

Подробнее

Узнайте, почему художник Джорджио Моранди - самый известный итальянский художник-натюрморт 20-го века! Посмотрите натюрморты Джорджо Моранди, неподвластные времени качества которых очаровывают энтузиастов искусства.

Научитесь рисовать цветы с замечательным художником-классиком-реалистом Дельмусом Фелпсом! Прочтите подробное интервью и просмотрите его захватывающие цветочные картины с розами, нарциссами, магнолиями и многим другим.

Готовы нарисовать свой натюрморт? Посмотрите этот урок фотореалистичного искусства и узнайте, как нарисовать мрамор цветным карандашом!

Грегг Херцлиб: "Хейзел Ханнелл: 'Натюрморт, 1946'"

ХЕЙЗЕЛ ХЭННЕЛЛ: ВСЕ ЕЩЕ ЖИЗНЬ, 1946


Акварель Ханнелла хорошо представляет модернистский подход
или чувствительность, характерная для ее искусства. То есть
рыхлый и выразительный способ нанесения пигмента,
, а также тонкий искажения форм, дает представление
как о художнике, так и о в избранные сюжеты натюрморта.

Хейзел Хэннелл (1895-2002) была легендарный деятель округа Портер, плодовитый художник, доживший до 106 лет. Родом из Чикаго, Ханнелл и ее муж, известный художник Вайно (AKA Vin) Ханнелл (1896-1964), переехал в Фернессвилль в районе Честертон в 1930-х годах, где они стали поклонниками дюн Индианы и активными сторонниками усилий по сохранению этого пейзаж. В 1988 году овдовевшие Ханнелл переехала в Орегон, чтобы жить и работать со своим хорошим другом, художником. Харриет Рекс Смит (р.1921), и провела там остаток своей жизни.
Художественный музей Брауэра имеет постоянный коллекция из тринадцати произведений Hannell, которые в совокупности обеспечивают обзор стили художника и различные медиа, в которых она работала. В течение конечно ее за долгую карьеру Ханнелл создавал картины маслом, акварели, ксилография
гравюр, керамические сосуды и скульптуры. Ее акварели, особенно цветочные темы, составляют работу, для которой она наиболее известна. Фрэнк и Кэрол Стардевант, ценные спонсоры Музею Брауэра и преданным коллекционерам регионального искусства, щедро передал музею в 2002 году несколько картин Хэннеллов, в том числе этот прекрасный безымянный натюрморт акварель Хейзел 1946 года.
Акварель Ханнелла хорошо передает модернист подход или чувствительность, характерные для ее искусства. Это рыхлый и выразительный способ нанесения пигмента, а также тонкий искажения форм, дает представление как о художнике, так и о избранные сюжеты натюрморта. Ханнелл как модернист предпочел не замаскировать визуальные качества акварельной среды под отрывки из краска высохла на гладкой поверхности бумаги или вступила в реакцию с другие участки влажного цвета. Каждый дюйм этой маленькой картины несет следы и следы руки и разума художника за работой, позволяя зрителям пережить ее творческий процесс. В В музее Брауэра экспонируется этот предмет с излишней матовостью и неровными краями. изображения покрыты, чтобы сосредоточить внимание зрителей на натюрмортах состав. Однако под ковриком края Лист немного большего размера со следами коричневой бумажной ленты. В наличие этой ленты следы указывают на то, что художник закрепил бумагу со всех четырех сторон, чтобы доска, чтобы она оставалась плоской, пока художник наносил акварель; бумаги обычно изгибаются довольно эстетично неприятный вид при намокании.Размышляя об этой детали лента по краям еще больше позволяет представить, как Ханнелл устанавливает это скромное группирование предметов, подготовка акварельного листа и позволяя своей жидкой среде улавливать уникальный словарный запас дух этой картины, который очаровал ее или привлек ее проницательный глаз.
При внимательном рассмотрении поверхности картины обнаруживается очень слабый графитовые линии, которые художник использовала, чтобы выложить свое расположение различные формы. Ханнелл не просто раскрашивал акварелью. однако в очерченных объектах; ее мастерство художника проявляется через ее объемное моделирование объектов чисто через цвет.Добавление оттенков на еще влажные участки бумаги позволил ей добиться мягко размытых краев теней, которые прекрасный для Посмотреть.
Предметы натюрморта отделены друг от друга тонкой белой линии, белая из которых на самом деле является белой бумагой; блики на предметах также сделаны из неокрашенной бумаги. поверхность. Вместо того, чтобы рассматривать лист просто как арену, где пигменты расположены, Ханнелл нарисовал бумагой так, чтобы белый становится участвующим цветом, а не нейтральным фоном.
Ограниченная палитра Hannell: зеленый, оранжевый, желтый, коричневый и серый цвет визуально соединяет элементы на картинке в точку, которая зрители могут легко увидеть картину абстрактно. Объекты не провозглашают свою индивидуальную природу или идентичность, но вместо этого относятся к друг друга в гармонии, как будто им суждено было прийти вместе в этой живописной, колористической обработке. Зеленая кружка каждый бит как органические по своему внешнему виду, так как плоды, листья и цветы, окружить его; возможно, эта кружка была сделана вручную и покрыта глазурью, сама художница создала как неосознанную реакцию на единообразие и безличное совершенство стольких производимых функциональных сосуды. Как и другие предметы натюрморта, он словно манит руку к держите его, и
оценит его тактильные награды, принесенные зрителю внимание визуальными текстурами, возникающими из метода Ханнелла применяя рисовать и позволять ему говорить на его собственном языке, на его собственном необработанном языке.
Я хотел бы поделиться личным опытом в этом точка, чтобы закрыть мое эссе. Когда я узнал о кончине Ханнелла, я дал голос к некоторым мыслям, проходящим в моей голове. Никто меня не слышал, но я полагаю, я был побужден говорить вслух силой моих чувств."Хейзел", Я сказал: "Мне никогда не приходилось встречаться с вами, но я благодарю вас за ваш пример. Почти до конца своей долгой жизни ты оставался с участием Это. Вы продолжали работать, продолжали Видеть, и вы вдохновляете меня делать в то же самое. "Я намеренно написал слово" Видеть "здесь с большой буквы. потому что я имею в виду, что это слово охватывает и глаза, и сердце. А в конце концов, проницательность позволяет художнику дотянуться до времени и поделитесь своими наблюдениями о кружке, цветке и трех фруктах это останется вечно свежим, как живая поверхность этого маленького акварель в коллекции музея Брауэра.


© Грегг Хертцлиб

Живопись | Введение в концепции искусства

Покраска - это нанесение пигментов на опорную поверхность, которая создает изображение, дизайн или украшение. В искусстве термин «живопись» описывает как действие, так и результат. Большинство картин создается с помощью пигмента в жидкой форме и наносится кистью. Исключения составляют песочные рисунки навахо и тибетские мандалы, в которых используются порошковые пигменты.Живопись как среда существует тысячи лет и, наряду с рисунком и скульптурой, является одним из старейших средств творчества. В той или иной форме он используется культурами по всему миру.

Три самых узнаваемых образа в истории западного искусства - это картины: картина Леонардо да Винчи Мона Лиза , Эдвард Мунк Крик и Винсент Ван Гог Звездная ночь . Эти три произведения искусства являются примерами того, как живопись может выходить за рамки простой миметической функции, то есть имитировать только то, что видно.Сила великой живописи в том, что она выходит за рамки восприятия, отражая эмоциональные, психологические и даже духовные уровни человеческого состояния.

Малярные материалы чрезвычайно универсальны, поскольку их можно наносить на множество различных поверхностей (так называемые опоры ), включая бумагу, дерево, холст, гипс, глину, лак и бетон. Поскольку краска обычно наносится в жидком или полужидком состоянии, она может впитаться в пористый материал основы, который со временем может ослабить и повредить его.Чтобы предотвратить это, основу обычно сначала покрывают грунтовкой , смесью связующего и мела, которая после высыхания создает непористый слой между основой и окрашенной поверхностью. Типичный грунт - левкас.

Существует шесть основных средств рисования, каждая из которых имеет свои индивидуальные характеристики:

  • Энкаустика
  • Темпера
  • Фреска
  • Масло
  • Акрил
  • Акварель

Все они используют следующие три основных ингредиента:

  • Пигмент
  • Папка
  • Растворитель (также называемый «носитель»)

Пигменты - это гранулированные твердые вещества, включенные в краску для придания цвета.Связующее вещество фактически является пленкообразующим компонентом краски. Связующее удерживает пигмент до тех пор, пока он не будет распределен по поверхности. Растворитель контролирует поток и нанесение краски. Его смешивают с краской, обычно с помощью кисти, чтобы разбавить ее до надлежащей вязкости или или толщины перед нанесением на поверхность. Как только растворитель испарится с поверхности, на ней фиксируется оставшаяся краска. Растворители варьируются от воды до продуктов на масляной основе, таких как льняное масло и уайт-спирит.

Давайте посмотрим на каждый из шести основных средств рисования:

1. Краска Encaustic смешивает сухой пигмент с нагретым связующим из пчелиного воска. Затем смесь наносится щеткой или распределяется по опорной поверхности. Повторный нагрев позволяет дольше манипулировать краской. Энкаустика восходит к первому веку нашей эры и широко использовалась в портретах погребальных мумий из Фаюма в Египте. К характеристикам энкаустической живописи относятся яркие, резонирующие цвета и чрезвычайно долговечные картины.Из-за связующего пчелиного воска, когда энкаустик охлаждается, он образует жесткую пленку на поверхности картины. Современные электрические и газовые инструменты позволяют длительное время нагревать и покрасить.

Ниже приведен пример энкаустической живописи Хосе Марии Кано.

Хосе Мария Кано, деталь картины, выполненная в энкаустике, 2010 г.

2. Краска Tempera сочетает пигмент со связующим на основе яичного желтка, затем разбавляется и разбавляется водой. Как и энкаустика, темпера использовалась на протяжении тысячелетий.Быстро сохнет, образуя стойкое матовое покрытие. Картины темперой традиционно наносятся последовательными тонкими слоями, называемыми глазури, кропотливо создаваемыми с использованием сети поперечно заштрихованных линий. Благодаря этой технике темперные картины известны своей детальностью.

Дуччо, Мадонна Креволе, ок. 1280. Темпера на борту Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Изображение находится в общественном достоянии

В раннем христианстве темпера широко использовалась для написания изображений религиозных икон.Итальянский художник до Возрождения Дуччо (ок. 1255 - 1318), один из самых влиятельных художников того времени, использовал темперную краску в создании Мадонны Креволе (вверху). Вы можете увидеть резкость линий и форм на этой хорошо сохранившейся работе, а также детали, которые он передает в оттенках лица и кожи Мадонны (см. Детали ниже).

Дуччо, Мадонна Креволе (фрагмент), ок. 1280. Темпера на доске. Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Изображение находится в общественном достоянии

Современные художники до сих пор используют темпера как средство.Американский художник Эндрю Уайет (1917–2009) использовал темпера для создания «Мира Кристины» - шедевра деталей, композиции и таинственности.

3. Роспись Fresco используется исключительно на оштукатуренных стенах и потолках. Фреска использовалась в течение тысяч лет, но больше всего ассоциируется с ее использованием в христианских изображениях в эпоху Возрождения в Европе.

Есть две формы фрески: Buon , или «мокрая», и secco , что означает «сухая».

Техника фрески Buon заключается в рисовании пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки.Пигмент наносится на влажную штукатурку и впитывается ею; Через несколько часов штукатурка высыхает и вступает в реакцию с воздухом: именно эта химическая реакция фиксирует частицы пигмента в штукатурке. Из-за химического состава штукатурки связующее не требуется. Буон фреска более устойчива, потому что пигмент сам становится частью стены.

« Данте и Божественная комедия 1465 года» Доменико ди Микелино (см. Ниже) - превосходный образец buon fresco. Цвета и детали сохранены в высохшей штукатурке стены.Микелино показывает итальянского писателя и поэта Данте Алегиери, стоящего с развернутой в левой руке копией «Божественной комедии » , указывая на иллюстрацию к рассказу, изображенному вокруг него. Художник показывает нам четыре различных царства, связанных с повествованием: царство смертных справа, изображающее Флоренцию, Италия; небесное царство, обозначенное ступенчатой ​​горой в левом центре - вы можете увидеть ангела, приветствующего спасенные души, когда они входят с подножия горы; царство проклятых слева - с сатаной, окруженной пламенем, приветствующим их внизу картины; и царство космоса, охватывающее всю сцену.

Доменико ди Микелино, Божественная комедия Данте, 1465, buon fresco, Дуомо, Флоренция, Италия. Это изображение находится в общественном достоянии

Фреска Secco - это нанесение изображения на поверхность стены из сухой штукатурки. Для этой среды требуется связующее, поскольку пигмент не смешивается с влажной штукатуркой. Яичная темпера - это наиболее распространенное связующее, используемое для этой цели. Также было обычным делом использовать фрески secco поверх фресок buon fresco, чтобы исправить повреждения или внести небольшие изменения в оригинал.

Картина Леонардо да Винчи Тайная вечеря (внизу) была выполнена с использованием фрески секко. Поскольку это было нарисовано на сухой оштукатуренной стене , пигменты присутствуют только на поверхности, а не на части стены, как на настоящей фреске. Как вы заметите на картине да Винчи, краска в результате тускнеет и отслаивается.

Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1495–1498, сухая фреска на гипсе. Церковь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан. Это изображение находится в общественном достоянии

4.Краска Oil - самая универсальная из всех малярных средств. В нем используется пигмент, смешанный со связующим льняным маслом. Льняное масло также можно использовать в качестве транспортного средства вместе с уайт-спиритом или скипидаром. Считалось, что масляная живопись возникла в Европе в пятнадцатом веке, но недавние исследования фресок, найденных в пещерах Афганистана, показывают, что масляные краски использовались там еще в седьмом веке.

Некоторые из качеств масляной краски включают широкий выбор пигментов, ее способность разбавлять и наносить почти прозрачные глазури, а также использовать прямо из тюбика (без использования транспортного средства), создавая толстые слои. называется impasto (вы можете видеть это во многих работах Винсента Ван Гога).Одним из недостатков использования импасто является то, что со временем основная масса краски может расколоться, оставляя сети трещин вдоль самых толстых частей картины. Поскольку масляная краска сохнет медленнее, чем другие материалы, ее можно смешивать с опорной поверхностью с тщательной детальностью. Это увеличенное рабочее время также позволяет вносить корректировки и изменения, не соскребая участки засохшей краски.

В натюрморте Яна Брейгеля Старшего, написанном маслом, можно увидеть многие из упомянутых выше качеств.Богатство самой краски проявляется как в резонансном свете, так и в чернильно-темных тонах работы. Обработка краски позволяет создавать множество различных эффектов, от мягкости лепестков цветов до отражения в вазе и множества визуальных текстур между ними.

Картина Ричарда Дибенкорна Cityscape # 1 1963 года показывает, как художник использует масляную краску более плавно и выразительно. Он разбавляет среду, чтобы добиться качества и жестов, отражающих солнечную, свежую атмосферу калифорнийского утра.Дибенкорн использовал слои масляной краски, один поверх другого, чтобы просвечивать нижняя картина и плоское, более геометрическое пространство, стирающее грань между реализмом и абстракцией.

Ян Брейгель Старший, Цветы в вазе, 1599. Дерево, масло. Художественно-исторический музей, Вена, Германия. Используется в соответствии с лицензией документации GNU

Картины Джорджии О’Киф, написанные маслом, демонстрируют диапазон обработки от мягкого и строгого до очень детализированного и вызывающего воспоминания. Вы редко видите ее мазки, но она хорошо владеет масляной краской.

Художники-абстрактные экспрессионисты раздвинули границы возможностей масляной краски. Их внимание было сосредоточено на акте живописи, а также на предмете. Действительно, для многих из них не было различия между ними. Работы Виллема де Кунинга оставляют запись о том, как масляную краску чистили кистью, капали, соскребали и стирали в безумной творческой деятельности. Эта идея остается актуальной в картинах Селии Браун.

5. Акриловая краска была разработана в 1950-х годах и стала альтернативой маслам.Пигмент суспендирован в связующем эмульсии акрилового полимера и использует воду в качестве носителя. Акриловый полимер имеет такие же характеристики, как резина или пластик. Акриловые краски обеспечивают консистенцию, цвет и стойкость масел без затрат, беспорядка и проблем токсичности, связанных с использованием тяжелых растворителей для их смешивания. Одно из основных отличий - относительно быстрое время высыхания акриловых красок. Они растворимы в воде, но после высыхания становятся непроницаемыми для воды или других растворителей. Кроме того, акриловые краски прилипают ко многим различным поверхностям и отличаются высокой прочностью.Акрил не трескается и не желтеет со временем.

Американский художник Роберт Колескотт (1925–2009) использовал акрил в больших картинах. Он использует тонкие слои подмалевка, тряпки, высококонтрастные цвета и роскошные поверхности, чтобы выявить весь спектр эффектов, которые предлагает акрил.

6. Акварель - самый чувствительный из живописных материалов. Он реагирует на легчайшие прикосновения художника и в мгновение ока может превратиться в беспорядок. Существует два типа акварельных материалов: прозрачный, и непрозрачный , .Прозрачная акварель действует в обратном отношении к другим средствам рисования. Он традиционно наносится на бумажную основу и зависит от белизны бумаги, чтобы отражать свет обратно через нанесенный цвет (см. Ниже), тогда как непрозрачные краски (включая непрозрачные акварельные краски) отражают свет от кожи самой краски. Акварель состоит из пигмента и связующего гуммиарабика, водорастворимого соединения, полученного из сока акации. Легко растворяется в воде.

Изображение Кристофера Гилдо.Используется здесь с разрешения.

Акварельные картины создают ощущение непосредственности. Носитель чрезвычайно портативен и отлично подходит для картин небольшого формата. Техника прозрачной акварели включает использование краски , , размывки, , ; область цвета, нанесенная кистью и разбавленная водой, чтобы позволить ей растечься по бумаге. Мокрый по мокрому Покраска позволяет цветам перетекать и плавно переходить друг в друга, создавая плавные переходы между ними. Сухая кисть При рисовании используется мало воды и позволяет кисти проходить по верхним выступам бумаги, что приводит к прерывистым линиям цвета и большому количеству визуальной текстуры.

Примеры техники акварельной живописи: слева размывка. Справа - эффекты сухой кисти. Изображение Кристофера Гилдо. Используется здесь с разрешения.

Бруклинский мост Джона Марина (1912 г.) демонстрирует широкое использование стирки. Он делает массивный мост почти невидимым, за исключением опорных башен с обеих сторон картины. Даже линия горизонта Манхэттена окутана туманными абстрактными формами, созданными размытыми цветами.

Мальчик в красном жилете французского художника Поля Сезанна создает форму через нюансы цветов и тонов.То, как акварель накладывается на бумагу, отражает чувствительность и взвешенность, характерные для картин Сезанна.

Поль Сезанн, Мальчик в красном жилете, ок. 1890. Бумага, акварель. Это изображение находится под лицензией GNU Free Documentation License

.

Акварели Эндрю Уайета изображают пейзаж земными тонами и локализованным цветом, часто с драматическими участками белой бумаги, оставленными нетронутыми. Brandywine Valley - хороший тому пример.

Непрозрачная акварель, также называемая гуашью , отличается от прозрачной акварели тем, что частицы больше, соотношение пигмента к воде намного выше, а также присутствует дополнительный инертный белый пигмент, такой как мел.Из-за этого краска гуашь дает более сильный цвет, чем прозрачная акварель, хотя при высыхании она имеет тенденцию к более светлому тону, чем при нанесении. Как прозрачная акварель, засохшая гуашь снова станет растворимой в воде.

Гуашь - это также средство традиционной живописи других культур. «Зал советуется с волхвами», часть иллюминированной рукописи из Ирана шестнадцатого века, использует яркие цвета гуаши вместе с чернилами, серебром и золотом, чтобы создать яркую композицию, полную замысловатых узоров и контрастов.Чернила используются для создания лирических каллиграфических отрывков вверху и внизу произведения.

Прочие средства рисования , используемые художниками, включают следующее:

Эмаль краски образуют твердую корку, как правило, с высокоглянцевым покрытием. В них используются тяжелые растворители, и они чрезвычайно долговечны.

Порошковое покрытие Краски отличаются от обычных красок тем, что они не требуют растворителя для удержания пигментных и связующих частей в суспензии. Их наносят на поверхность в виде порошка, а затем отверждают под действием тепла, чтобы сформировать плотную кожу, более прочную, чем у большинства других красок.Порошковые покрытия в основном наносятся на металлические поверхности.

Эпоксидные краски представляют собой полимеры, созданные путем смешивания пигмента с двумя различными химическими веществами: смолой и отвердителем. Химическая реакция между ними создает тепло, которое связывает их вместе. Эпоксидные краски, такие как порошковые покрытия и эмаль, чрезвычайно долговечны как в помещениях, так и на открытом воздухе.

Эти промышленные краски также могут быть использованы в окраске вывесок, в морской среде и в окраске самолетов.

Джанет Фиш - Художники - DC Moore Gallery

За последние пятьдесят лет Джанет Фиш использовала свои объятия перемен и веру в основную взаимосвязь вещей, чтобы подпитывать свою замечательную практику рисования.Она философствует, что перестать меняться - значит умереть, и это убеждение движет ее бесконечными формальными экспериментами и владением множеством жанров. Изменение присутствует и в каждой картине. Объекты, которые служат каркасом для цвета и света в ее творчестве, изобилуют своим изменчивым состоянием. Долгая концептуальная, формальная и иконографическая история жанра натюрморта подтверждает наш собственный опыт. Хотя художник работает против идеи запечатлеть мгновение фотографии, она сохраняет настроение, качество света и ощущение места, к которому мы можем постоянно возвращаться.

В 1963 году Джанет Фиш получила степень магистра иностранных дел в Йельском университете, где среди ее сокурсников были Чак Клоуз, Рэкстроу Даунс, Нэнси Грейвс, Роберт Мангольд, Сильвия Плимак Мангольд и Ричард Серра, сплоченная группа, которая сформировала сильную, амбициозную и конкурентоспособную когорту. которые побуждали друг друга развивать и защищать свою работу. После окончания школы Фиш переехал в Нью-Йорк. Ее картины конца 60-х - начала 70-х годов, исследования прозрачных объектов, начинают всю жизнь заниматься природой и веществом света.С самого начала Фиш сосредотачивалась на обычных предметах, настаивая на том, что ее предмет - очки, фрукты, покрытые целлофаном из супермаркета, или контейнеры, заполненные жидкостью, - не важны. Для Рыбы сюжет или сюжетная линия имеют наименьшее значение, поскольку ее значение определяется тоном, жестом, цветом, светом и масштабом.

Работы Фиша находятся в коллекциях многих учреждений, включая галерею Олбрайт-Нокс, Буффало; Американская академия и Институт искусств и литературы, Нью-Йорк; Художественный институт Чикаго; Кливлендский художественный музей; Далласский музей изящных искусств; Метрополитен-музей, Нью-Йорк; Музей изящных искусств, Бостонский музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен.


.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *