Японская техника рисования акварелью: Что такое Gansai? | artlab.club

Содержание

Что такое Gansai? | artlab.club

Начнем с того, что азиатская и восточная живопись сильно отличаются. Мы привыкли к акрилу, маслу, акварели, беличьим кистям, хлопковой бумаге и даже не подозреваем, что можно рисовать как-то иначе. В то же время азиатские художники рисуют на рисовой бумаге минеральными красками создавая, в силу особенности материалов, настоящие шедевры. Этот пост я пишу с целью немного раскрыть особенности азиатского рисования и дать понимание особенностей незнакомых для большинства материалов. Ну и материал к тому же очень редкий и необычный для нас.

Итак, что же такое Gansai (顔 彩). На японском это означает акварель, но не такую, к которой мы привыкли. Обратите внимание на иероглифы в написании — Gansai 顔 彩 западная же, прозрачная акварель пишется обычно так — 水彩. Почему же такая разница, ведь материал-то один.

Многие легко могут сказать состав акварели — пигменты и гуммиарабик (плюс еще некоторые добавки). Эти краски разработаны специально для акварельной плотной бумаги (хлопка или целлюлозы), и используют ее особенности по полной.

Японские краски имеют другой состав. Зачастую это примерно следующая формула: пигмент + гуммиарабик + сахарный сироп + клей + крахмал + пчелиный воск + сахар или глицерин. Когда пигмент и связующее смешиваются вместе, их сушат прямо в кюветах. Те, что в больших квадратных и прямоугольных кюветках называются gansai 顔 彩, а те, что в круглых кюветках, называются теппацу 鉄 鉢 (посмотрите палитру Finetech). Краски также могут быть сформированы в виде акварельной пастели / карандаша, которая называется bouenogu 棒 絵 具, такая краска обычно не бывает в тубах.


Объясняется такой мудреный состав бумагой, на которой рисуют в Японии и вообще в Азии. Это тонкие листы из рисовой соломы с добавлением коры других деревьев, называемые рисовой бумагой. Если она не имеет пропитки, то краска легко растекается по волокнам и это напоминает рисование по сырому. Желатиновая пропитка с квасцами не позволяет краскам растекаться по бумаге и дает широкие возможности для детальных многослойных работ, например в технике гунби.

У японских красок есть два разных типа пигмента — Iwaenogu 岩 絵 具 или Suiengou 水 干 絵 具
Iwaenogu — натуральные минеральные дорогие пигменты, добываемые вручную. Gansai как правило использует пигменты suiengou 水 干 絵 具. Suiengou изготовлен из мелкотертых пигментов или красителей в сочетании с мелом, сделанным из моллюсков или очищенной глины. Пигменты немного дешевле, чем iwaenogu, хотя они по-прежнему высокого качества. Подобно iwaenogu, suienogu продается в порошке, и связующее может добавляться в них непосредственно перед покраской. Поскольку gansai представляет собой готовую краску, смешанную в правильном соотношении и уже высушеную в кюветке, ее гораздо удобнее использовать, чем iwaenogu.

Когда краски Gansai смачиваются, они становятся ярче, чем западная акварель. Кроме того, связующее Gansai может придать краске блеск. Gansai более непрозрачные, чем обычная акварель. Помните, что эти краски были разработаны для работы на японской бумаге. Прозрачная акварель не очень приспособлена для нее, а дополнительная непрозрачность Gansai помогает краскам меньше впитываться и быть ярче. Яркость еще нужна для того, чтобы иметь возможность рисовать в один слой — тоже характерная особенность восточной живописи.

Адгезия связующего в gansai слабее по сравнению с другими японскими красками. В результате gansai, как правило, гораздо быстрее сохнет, чем большинство обычной акварели.

Цвета традиционных японских наборов gansai часто отличаются от привычной палитры. Эти краски были созданы для японской живописи, которая исходит из другой традиции, чем европейская живопись. Японские цвета также основаны на цветах, которые можно увидеть в природе, поэтому в них много зелени, голубых и красных цветов. Посмотрите традиционную японскую палитру — там очень натуральная палитра.

Как правило краски gansai имеют большие кюветы, связанные с большим размером японских и китайских кистей. Из таких кюветок проще набирать краску, не портя кисть.

Краски gansai часто не смешиваются между собой или дают мутную смесь. Поэтому вы не найдете палитры к коробке с такими красками. Это опять же следует из стиля рисования и подразумевается, что нужно просто варьировать насыщенность краски из кюветы или набирать одновременно несколько цветов на кисть из разных кювет.

Часто нам или европейцам сложно понять что это за краски и почему они не похожи на акварель, почему у них такая упаковка и почему они плохо смешиваются. Объясняется это другим стилем живописи — например часто краски не смешиваются, а просто одновременно набираются на кисть два цвета. Однако могу сказать, что gansai, хорошо работает в иллюстрации и декоративных работах даже на обычной акварельной бумаге, эти краски любят комбинировать с гуашью и хоть их и не используют как изначально предназначено, результат на выходе получается очень интересным.

Рисуем сакуру поэтапно в технике суми-э

Художник и преподаватель Римма КАРАЧАН продемонстрировала на примере цветка сакуры японскую технику рисования суми-э.

Текст: Мария Завадская
Фото: Мария Сонгаль

Рисовать сакуру вы можете в классическом черно-белом варианте тушью, либо создать яркий вариант, используя акварель или цветную тушь для цветочков.

Необходимые инструменты и материалы:

  • Тушь черная китайская для каллиграфии,
  • Акварель или цветная тушь,
  • Кисть для каллиграфии или кисть колонок,
  • Тонкая кисть,
  • Вода,
  • Бумага акварельная/рисовая,
  • Салфетки,
  • Палитра (плитка, тарелка),
  • Пиала для туши.

Процесс рисования

1. Начинаем рисовать с цветков. Набираем на кисть для каллиграфии нужный розовый тон и делаем пару мазков, напоминающих капли, этот мазок называется «бамбук». Направление движения кисти – от середины цветка. Кисть держим вертикально, но слегка наклонив. Ставим кисть на бумагу и слегка надавливаем, ведем от себя и поднимаем вверх, как бы черпая. Затем рисуем аналогичный мазок рядом, но таким образом, чтобы хвостик второго мазка совпал с первым. Вот у нас получился первый лепесток.

2. Рисуем три более длинных мазка и два мазка, напоминающие точечки (пресс-мазок) – это будут лепестки, которые смотрят на нас.

3. Рядом рисуем полностью открытый цветок, состоящий из пяти лепестков и пары бутонов. Бутон рисуется двумя мазками, как бы запятыми. Таким образом мы можем нарисовать множество цветов.

4. Промываем кисть и на палитре разводим два тона: светло-серый и черный, набираем на кисть серый тон, а кончик окунаем в черный.

Важно! Рисуем веточку так, будто она растет, то есть по направлению роста. Держа кисть строго вертикально, стараемся делать это медленно, чтобы она дрожала от биения сердца и у нас получались волнистые рваные края, напоминающие кору дерева. Ведь ветки сакуры неровные, а наша задача – реалистично передать ее образ.

5. От толстой ветки идут более мелкие, мы пропускаем места, где нарисовали цветочки. К бутонам дорисовываем листики из трех маленьких капелек.

6. Тонкой кистью прорисовываем внутреннюю часть цветов. Кружок, тычинки и пестики рисуем от середины цветка легкими и быстрыми мазками, чтобы линия получилась ровной.

Линии нужно нарисовать по кругу нашего внутреннего круга. Когда нарисовали пестики, на верхней части тычинок точками обозначаем пыльники. Так же рисуем колючки на ветках и ставим по краям веточек точки, которые имитируют шершавость.

Все! Наша сакура готова!

 

Related

Традиционная акварель Китая и Японии | AnanasArt

Добрый день, уважаемые читатели!
Совершим небольшой экскурс по странам, которые были первыми в использовании акварельной краски. К таким странам, традиционно, относят Китай и Японию. Итак, начнем.

Традиционно, Китайская акварель носит в себе символичный и можно сказать иносказательный характер. Изначально акварельными красками рисовали на бумаге (в том числе и рисовой), но постепенно в искусстве акварельной живописи начали использоваться и другие материалы. Рассвет акварельных красок в Китае пришелся на 8 век н.э., в период правления династии Тан.

Большинство из известнейших китайских художников служили при императоре в качестве секретарей. К сожалению, само понимание акварельной живописи на тот период времени не существовало. Но известно что существовала техника водяной живописи, которая по техникам и картинам напоминает акварель в современном ее понимании. Изображая различные объекты природы — пейзажи, животных и другие, художники зачастую делали дополнительные надписи на картинах.

Около 2000 лет назад, согласно историческим источникам, в Китае впервые появилась так называемая мягкая бумага. Особенность этой бумаги заключается в том, что она не позволяет наносить краску многослойным способом. Работа по такой бумаге заключается в том, что цветовое пятно, которое наносится на бумагу должно быть уже достаточно ярко и насыщенно, а мелкие детали прорисовываются дополнительно кончиком кисти или пером. Со временем, качество бумаги улучшалось, но традиция рисования на ней осталась прежней.

Одним из классических материалов китайской акварели — тушь. Как и в древние времена, акварельная тушь, изготавливается по старым рецептам вручную, разница лишь в том что раньше она хранилась в виде пластинок, которые необходимо было растирать на камне и добавлять воду.

Современную же акварельную тушь можно найти в виде небольших брикетов. Благодаря своему составу, который китайские мастера держат в секрете, тушь легко впитывается в бумагу или шелк и после высыхания уже не смывается.

Особенность китайской живописи, в том числе и акварельной — это раскрытие большого через малое. Созерцание природы и желание передать увиденное великолепие — главное желание китайских художников времен правления династии Тан. В каждой картине можно увидеть отношение художника к мирозданию. Но, с каждым рисунком каждого художника, за объектами закреплялись определенные символы. Так, пионы стали обозначать богатство, хризантемы — осень, а сосны, соответственно, долголетие. Еще одна особенность китайских художников — раскрытие большого через малое. Художники передают нам не только правдивые жизненные явления в окружающем мире (и в природе в целом), но и стараются передать неуловимый миг движения мироздания.

Школа китайской акварели, была создана под влиянием богатейшей китайской культуры, усилиями нескольких поколений художников. Эта школа акварельной живописи имеет свой неповторимый почерк, национальный колорит и самобытность, которая сквозь века проносит в себе дух времен.

В 4-6 веках н.э., в период правления династии Кофун и Асука, во время преемственности страной восходящего солнца буддизма и китайских традиций, в страну было завезено множество произведений искусства. После чего, в Японии, начало бурно развиваться живопись по аналогии с китайским стилем. В это же время в страну и пришла акварель. В последствии, живопись в Японии нашла свой отклик в религиозном направлении. Не протяжении 14-15 веков, традиционным картинами в акварельной технике, выполненные японскими художниками были монохромные пейзажи, которые украшали дворцы военной элиты и аристократов. Такими выдающимися художниками того периода были Китидзан Минтё, Дзёсэцу и Сэйссю Тойо. В 14-16 веках в Японии начал развиваться стиль рисования под названием «суми-э».

Традиционно, в Японии, как и в Китае, образованные древние жители мужского пола увлекались росписью тушью и японской живописью акварелью. Примерно в 7 веке нашей эры, японские монахи привезли эту технику рисования из Китая. Суми-э (или в Китае «сайбокуга») — стиль изображения, который очень близок к акварели. Но, существенным его отличием является использование только двух цветов — черный и серый. При рисовании в этой технике главными являются тени. Это они позволяют передать глубину рисунка, а интенсивность нанесения краски и сила нажатия мазков передают эмоциональную окраску картины. Все это передается только благодаря туши. Поэтому стиль Суми-э — это монохромная живопись тушью.

Традиционно, эта техника использовалась японскими монахами-буддистами для познания дзена. Примерно в 16 веке н.э., начало появляться множество художников этого направления, большинство из которых были самурайского происхождения. В пейзажах этого периода японская акварель уже становится вполне самостоятельной, но до сих пор несет в себе отпечаток своего китайского происхождения.

Ориентация на образцы китайской живописи во все времена была свойственна японской монохромной живописи. Но, благодаря своей удивительной способности к интерпретации, японские художники привнесли в этот стиль свое неповторимое и уникальное видение.

Впитав в себя дух и мистику буддизма, суми-э воплотила в себе основные мотивы этой религии. Как, несколько произнесенных слов, проведенных в многих часах медитации в Дзен, так и простые линии, написанные черной тушью могут представлять в себе сложную модель мироздания. Образы, воспроизведенные в этой технике, художник хранит в своих воспоминаниях, поэтому этот стиль акварельной живописи передает суть вещей, а не их прямое изображение.

Надеюсь вам был интересен этот небольшой экскурс в тему акварельной живописи. Если Вам было интересно, советую также почитать Техники акварельной живописи, послойная техника акварельной живописи, свет в акварели, дополнительные методы для работы с акварелью или же окунуться в мир современных художников-акварелистов, которые рисуют гиперреалистичные картины в этой технике.

Спасибо большое за внимание!
Подписывайтесь на канал, для меня это важно! 🙂

Японская акварельная живопись: неповторимое суми-э

В Японии в старину среди образованных мужчин было очень популярно увлечение росписью черной тушью, эта форма изобразительного искусства стала одной из ранних ипостасей живописи в культуре Восточной Азии. Такая японская акварельная живопись предполагала использование кистей и туши в разных количествах, в зависимости от специфики изображения. Роспись черной тушью была рапрстранена в Китае, Корее и Японии, где данную технику называли шибокуга или суми-э.

Суми-э – стиль очень близкий к акварели, но его главной отличительной особенностью от всех других техник является использование исключительно черного и серого цветов. В суми-э очень важную роль играет игра тени, тональности и интенсивности цвета, а также плотность и глубина мазков, которая регулируется смесью туши с водой.

Искусство суми-э требует особого терпения, усидчивости и кропотливого труда, за несколько лет обучения ученик лишь постигает основы этой изобразительной техники, а гораздо большее время уходит на оттачивание навыка и поиск новых творческих решений и идей. Контроль толщины мазка, филигранная работа кистью – все это требует настоящего мастерства, так как настоящий мастер суми-э должен уметь в одном мазке заключить сразу несколько уровней насыщенности тона одного цвета.

Немного из истории суми-э

История живописи суми-э насчитывает боле двух тысяч лет, корни идейной традиции этого жанра уходят глубоко в философию дзен-буддизма; именно буддийские монахи были одними из первых художников, практиковавших технику росписи черной тушью. Ежедневные многочасовые медитации прекрасно сочетались с занятиями искусством, которое также требовало ясности ума, простого набора инструментов и высокой концентрации.

Обучению суми-э в монастырях и храмах предшествовал особый курс медитаций, призванный пробудить творческие способности художника и максимально настроить его на процесс рисования. По достижении наивысшего созерцательного состояния ученики начинали готовиться к творческому процессу, готовили тушь, воду, кисти, а также шелк или рисовую бумагу в качестве холста.

Овладеть искусством вариации тона и насыщенности мазков можно было лишь при полной отдаче процессу творчества, а создание изображения в подобной технике требовало настоящего мастерства и кропотливой работы, более тонкой и трудной, нежели в работе с ярким цветом.

Суми-э в определенной степени стало отражением кодекса поведения самурая или Бушидо. Перед битвой самурай должен был полностью отрешиться от окружающего мира, успокоиться и сфокусироваться на внутреннем своем состоянии, все эти качества в обязательном порядке должен был взрастить в себе мастер суми-э, чтобы в его движениях не было страха, а лишь уверенность и легкость.

Инструменты и материалы

В японской традиции суми-э предполагает монохромную живопись с использованием только черного цвета туши. Основная идея этого жанра заключается в постижении сути предмета, а не лишь его внешней формы, именно философскую суть предмета мастер пытается передать с помощью немногочисленных простых и точных движений кисти.

В каждом мазке заключен особый смысл, его направление и тональность должны пробуждать эмоции зрителя, при этом смотрящий на живописное изображение человек должен видеть не только красоту картины, но и чувствовать особую гармонию окружающего пространства.

Для создания изображения в суми-э используются несмываемая тушь, поэтому рисунок крайне сложно подкорректировать или изменить в процессе создания. Здесь очень важна точность и легкость руки.

Выбор кисти для суми-э играет исключительную роль. На кисть наносится тушь, а точнее комбинация нескольких оттенков, каждый из которых занимает свое место на поверхности кисти. Рисунок наносится штрихами, легко, на одном дыхании, без лишних деталей и элементов. Тушь должна обладать соответствующей консистенцией, искусство регулировать насыщенность и плотность туши приходит с годами, но у настоящего мастера помимо опыта обязательно присутствует талант и особая интуиция, которую ничем нельзя измерить и заменить.

Игра тени – одна из основных характеристик идеального мазка в суми-э. Талантливый мастер в одном штрихе способен удивительным образом варьировать тональность цвета от светлого к самому темного тону, при этом сохраняя чистоту цвета и твердость штриха.

Для нанесения изображения в суми-э используется специальная рисовая бумага васи. Васи – это натуральный материал из волокон риса, бумажной шелковицы и других растений, характерных для флоры Японии. Васи представлена в разных типах впитываемости, отвечающих специфике штриха.

Важность кисти

В суми-э используются кисти из высококачественных натуральных материалов. Ручка кисти изготовлена из бамбука, а щетина составлена из волос разных животных. В кистях используется щетина кролика, волка, лошади, оленей и барсуков. Каждый тип ворса по-разному реагирует на присутствие туши.

Кисть для суми-э выглядит очень просто, но на самом деле это очень тонкий и элегантный инструмент. Ядро кисти составляют более жесткие и толстые волоски, а их внешняя оболочка составлена из более тонких и мягких волосков.

Суми-э не предполагает карандашных набросков, все штрихи первичны и окончательны одновременно, рукой мастера руководит чувство и эмоция, и все это обязательно почувствует зритель, которому близок данный жанр японской живописи. Основная тематика суми-э – природа во всех ее проявлениях: цветы, животные, птицы. Внешне изображения суми-э достаточно лаконичны, но в них заключена особая философия, простота линий идеально отвечает идее дзен, где в емкой фразе может быть заключен смысл долгого духовного искания.

 

Статьи по теме

Японский художник изображает кошек, собак и других животных, используя для этого акварельные цветочные композиции.

У каждого художника есть свой стиль, в котором он предпочитает создавать своё искусство, что и делает их уникальными. Для художников также важно, какие материалы и цвета они будут использовать, чтобы полностью соответствовать своему стилю.

Художник из Японии Хироки Такеда (Hiroki Takeda) известен своими красочными акварельными картинами, на которых часто изображены разные милые животные, составленные из цветочных мотивов. Его стиль живописи очень уникален и легко узнаваем, и ниже мы предлагаем вам взглянуть на некоторые работы мастера, в которых органично переплетаются элементы флоры и фауны.

Хироки Такеда — художник-акварелист, Instagram которого уже насчитывает более 25 тысяч подписчиков. Искусство, которое вы можете найти на его странице, — это в основном животные, которые нарисованы с использованием цветочных мотивов и элементов растений.

В настоящее время Хироки работает с компанией TRiCERA, глобальным арт-рынком, который помогает объединять людей в Японии и за рубежом, продавая оригинальные картины.

Оказывается, мама художника любила цветы и зелень, поэтому с юных лет его всегда окружала такая среда и в саду, и в помещении. Поэтому, когда дело дошло до выбора, что и как рисовать, он сделал свой выбор в пользу природы и того, что его окружает.  

«Занимаясь поиском оригинальных произведений искусства, я знал, что в качестве мотивов хочу рисовать изображения с цветами и растениями. Когда я просматривал фотографии животных, их волосы мне напоминали листья, а чешуя игуан — цветочную композицию. Тогда я почувствовал, что может быть какая-то уникальная экспрессия, которую я могу применить к своим картинам», — рассказал Хироки.

Также картины японца привлекают тем, что они сделаны акварелью, которой не так-то просто манипулировать, но, очевидно, это того стоит, поскольку получающиеся у него конечные результаты выглядят действительно потрясающе.

Хироки рассказал, что уроки акварели у него были в университете, именно там он и влюбился в этот материал. 

«Я был потрясён тем, насколько красиво рисовал акварелью преподаватель, которого я там встретил. Я узнал о красоте акварели как о художественной среде, и он научил меня этому», — говорит он.

Конечно, каждый художник развивается, ищет новые способы совершенствоваться или даже осмеливается бросать вызов самому себе. Хироки думает, что его стиль рисования всё равно будет развиваться, даже если он этого не будет хотеть. 

«Меня никогда не устраивает моя экспрессия, и я могу себе лишь представлять, что моё мировоззрение только начинает развиваться.»

Произведения искусства Хироки действительно очень детализированы, а его цветовые переходы плавны. И чтобы всё это выглядело так, как выглядит, на одну картину формата А4 мастер обычно тратит около 5 часов. При этом он всегда использует одни и те же цвета, бумагу и кисти.

В качестве «моделей», если так можно называть животных, он использует купленные в Интернете высококачественные фотографии, сделанные профессионалами. Он использует снимки в качестве образца, наделяя увиденное своим деталями.

Когда художника спросили, каковы его планы на будущее, он ответил, что у него есть несколько целей: 

«Я хотел бы создать такое пространство, что-то вроде «Фабрики» Энди Уорхола, где поклонники могли бы в любое время познакомиться с моими работами. Я хочу создать мир, полный цветов, при этом не только двухмерных работ, но также трехмёрных работ, а также видеоработ и т.д….»

Суми-э

Супермама

Рег.
22.01.2006
Сообщ.
46

Супермама

Рег.
22.01.2006
Сообщ.
46

на фотохостинг →
«C 8 Марта!» Возможно многих пугает отсутствие рисовой бумаги,но вместо можно воспользоваться Акварельной! Вместо китайской туши— гуашь или обычная тушь,кисточки-художественные с острым кончиком! Вот результат на фотохостинг →
«суми-э.Пейзаж.

на фотохостинг →
«орхидеи. на фотохостинг →
суми-э.Орхидеи.АУ! Где все? Никто не рисует?!Вот еще пара работ \может кто-то начнет рисовать\

Я рисую, правда показать пока нечего . Я в процессе обучения этой технике
Очень красивые работы

Супермама, какие потрясающие работы!
И я тоже пару лет назад рисовала. Потрясающая техника. Я всю жизнь мечтала рисовать, но не склалось.
Потом, когда уже стала взрослым человеком поняла, что живопись мне уже никогда не освоить. Муж купил мне книгу по технике суми-е с пошаговыми инструкциями и рекомендациями. Я попробовала. И тут произошло чудо — я стала рисовать, это была настоящая живопись. Прямо с первых же работ. Самое удивительное, что всем так нравилось, что мои даже самые первые примитивные пробы родственники-друзья разбирали просто «на ура», чему я сама очень удивлялась. Естественно, что мои работы были не такие роскошные и красивые, как твои. Я не художник, так любитель, профессия моя и многочисленные образования никак не связаны ни с живописью, ни с искусством.
Правда, потом я это дело бросила. Муж периодически мечтает, что я опять за суми-е возьмусь.
Как хорошо, что ты открыла эту тему. Надо общаться.

Ура! Ура! Я не одна! А то складывается впечатление,что я в пустыне!! Результат рисунков суми-э очень схож с энкаустикой.Думаю, как объединить их. Пробуйте, рисуйте , чем больше рисуете,тем лучше понимаете что и как рисовать. И конечно Рисуйте так, как нравится вам! Это мой девиз и название моего сайта! Удачи! последние работы выложу позже—болею

все, я почти здорова.Новые рисунки на главной стр моего сайта.Выложу только одну для поднятия настроения! на фотохостинг →
«весна»

Очень красивые рисунки! не подскажите где почитать поучиться? заинтересовала техника. с акварелью вообще мало работала, больше акрил да гуашь, но думаю никогда не поздно начать)

Вот выдержки из моего дневника КАК Я ОСВАИВАЛА СУМИ-Э Суми-э ты мое суми-э Решила освоить новую технику рисунка суми-э. Прочитала кучу популярной литературы, посмотрела видеоуроки и в бой! На первый взгляд все просто: бумага, краска, кисточка. Суми-э – одна из самых быстрых техник рисования. Но у меня только одна попытка нарисовать листик, стволик… И тут началось!! Горы бумаги в корзине! Невозможность сосредоточиться (ведь домашние тоже хотят есть) – забудем про медитацию. Один неточный мазок и все заново. Вот первый вариант (акварельная бумага, тушь, кисточка — хорошая, но не китайская). Рисунок Пейзаж – плод ночных мук и экспериментов. Наутро решила купить все, как полагается – рисовую бумагу, кисточки, тушь (специальную), черную гуашь – на всякий случай. Да , мой первый джентльменский набор отличался от китайского, как трактор от Мерседеса!
Рисовая бумага — это смесь кальки с бумажными салфетками, т.е. когда она сухая – это калька, но как только попадает вода (краска) – она ее впитывает. Кисточки, когда сухие – жесткие. При намокании – сохраняют форму и задерживают в себе больше воды, чем обычные. Тушь еще не опробовала. Вот рисунок Моя деревня — все по правилам. А дальше сплошной эксперимент Орхидеи на глянцевой бумаге! Панды на рисовой,но рисовала я гуашью и акварелью! Не бойтесь придумывать и экспериментировать! Рисование-это просто творчество,где все можно!! На своем сайте я стараюсь выложить уроки, которые может повторить любой желающий рисовать.

Супермама, ты/вы профессионал. Работы у вас/тебя просто потрясающие, с настроением. Спасибо.

Хочу поделиться, как я с суми-е познакомилась.
Мне просто муж купил книгу про суми-е. Она обычная, для нас, таких, типа меня, типа домохозяек. Там рассказывается чем рисовать, на чем. Правда, я для своих шЕдЕвров рисовую бумагу не покупала.
И еще там поэтапно рассказывается как нарисовать бамбук, креветку, камни, цветок орхидеи, цветок хризантемы. Я все попробовала (не решаюсь сказать научилась ) нарисовать. Понравилось очень. Стала даже не элементы в картины объединять. Неожиданно для меня самой получалось хорошо. Главное, что не как детский рисунок, не статично, а очень даже живо, тепло. Техника такая интересная.
Я потом еще одну книгу себе купила, посложнее.

А потом… Как-то все это дело забросила.

Я хочу сказать, что бояться е надо. Техника потрясающая, очень благодарная. Результат появляется сразу, сразу очень красиво, а это стимулирует. Хочется еще и еще рисовать
Да и приятное это занятие, спокойное, умиротворяющее.

illyuziya, обязательно пробуй, не бойся. Я уверена и понравится, и картины будут тоже получаться.

Vol-Na Спасибо за одобрение!\можно на ты\ Вместо рис бумаги можно использовать самую дешевую- серую. Гуашь лучше, чем тушь.А с акварелью надо быть очень аккуратным— она растекается.Начинать с бамбука не советую его хорошо нарисовать очень сложно!! ! Начните с деревьев\бонсай\ для этого надо только книгу по цветоводству или рис дерева! Удачи в рисовании!

Я купила сухую китайскую тушь-палочку (не помню название). Правда, только черную. Растирала ее. Богатые она дает оттенки и переходы серого и черного.
А для цвета хотела купить такие же цветные китайские палочки тушевые . Но что-то не склалось не помню, какой цветной краской рисовала, была какая-то дома.

Вообще такие вот китайские тушевые палочки можно было на 4 этаже Детского Мира (в Москве), где продавались товары для художников. А еще они продаются в китайском павильоне на ВДНХ. Там же есть и наборы в коробочке — палочка-тушь, камень для ее растирания, баночка для воды, кисточки, даже мраморная заготовка для персональной печати. Там они недорого стоят. Есть наборы побольше, есть поменьше.
Для меня самой большой проблемой была не бумага (я тренировалась и делала «первые шаги» на обычной офисной для принтера, пачка большая, 1000 листов) и не краска. А кисти. Еще и в моих книжках было написано, какие они должны быть. Намучалась я, когда их выбирала и покупала.

Отсутствие хороших кисточек НЕ должно быть препятствием к творчеству!!! Кисточки можно взять и обыкновенные, главное с острым концом.А бумагу -сделать самим!!! Процесс не самый легкий,но результат того стоит! Если будут вопросы с удовольствие.м отвечу . на фотохостинг →
«Сирень»

Это не суми-э,но рис на рисовой бумаге простенький рисуночек для поднятия настроения!!! на фотохостинг →
«Скромный ангел»

рисование для детей — РОСТОВСКИЙ ЦЕНТР ПОМОЩИ ДЕТЯМ № 7

Как нарисовать картину в технике монотипии? | Культура

Любите рисовать? Тогда освоение новой техники доставит удовольствие и вам, и вашим детям. По своему характеру эта нетрадиционная художественная техника скорее напоминает игру… Но результаты вполне впечатляют.

Для того, чтобы нарисовать картину в технике монотипии нам понадобятся краски (гуашь, масло или акрил), вода, бумага и лист стекла или пластика. Желательно прозрачного, иначе вы потеряетесь в цветах: окрашенные поверхности не дают возможности точно ориентироваться в оттенках.

Итак, на куске стекла вы рисуете будущий пейзаж или букет цветов или что на ум пришло в этот момент. Желательно работать быстро, чтобы краска не успела высохнуть. Акварель здесь не подойдет — слишком быстро сохнет и эффект дает жесткий, зато другие материалы, применяемые в этой технике, с успехом достигают эффекта «акварельности». Кисти лучше выбирать более жесткие, чтобы краску хорошо держали и меньше скользили. Можно работать и другими инструментами (разными фигурными шпателями и подручными подходящими средствами), главное, чтобы картинка получилась. Хорошо подойдут акриловые краски
Фото: pixabay. com

Когда картина готова, то стекло переворачиваем и прижимаем плотно к поверхности бумажного листа. Или можно наоборот, на расписанную поверхность наложить белый лист и, осторожно прижимая руками, отпечатать на нем задуманное.

Вот и все — монотипия готова! Только когда будете рисовать, не забывайте о принципе зеркальности, в противном случае вместо надписей и разумных сюжетных построений может получиться абракадабра.

Хорошо для картин, сделанных с помощью оттиска, использовать акриловую краску. Её сочные цвета практически не теряют яркости при отпечатках, а консистенция позволяет создавать экспериментальные необыкновенные цветосочетания. Щедро нанося краску на стекло, главное — не переборщить с толщиной слоя, иначе причудливые лепестки превратятся при отпечатывании в непонятной формы кляксы.

Многие современные художники редко прибегают, или вообще не прибегают, к этой технике рисования, поскольку она весьма трудоемка. Но, заметим, экономична: краски для отпечатка нужно не так уж много, а белила в монотипии вообще не используются — белый цвет получается за счет удаления краски. Монотипия

Фото: Источник

Монотипия — это техника создания только одного — уникального — отпечатка. С греческого этот термин так и переводится: «моно» — один, «типос» — отпечаток. Можно, конечно, снять несколько отпечатков с одной заготовки на стекле. Но это в любом случае они будут разные — по яркости и сочности, и даже, возможно, по форме.

Практичные американские художники превратили монотипию в безотходное производство: оставшиеся на стекле краски (а это та же картина на стекле!) оформляют в рамочку и продают как самостоятельное произведение искусства.

Художники очень редко используют монотипию в чистом виде. Как правило, она применяется как часть смешанной техники. В отпечатанном на листе бумаги сочетании форм и красок художник угадывает близкие ему образы и дорисовывает то, что видит, уже на бумаге с помощью кисти.

Например, известный питерский художник-монотипист Лилия Цыбизова обожает с помощью этой техники рисовать цветы. И такие картины по-настоящему выигрывают: лепестки получаются как живые — нежные, тонкие, полупрозрачные. И в целом воздушность картин придает им душевность и какую-то ностальгическую нотку: отпечаток — это как фотоснимок. Ведь остановленное мгновенье неповторимо. И монотипия как-то особенно остро дает это почувствовать. Монотипия

Фото: Источник

А для непрофессионального художника такая техника — один из новых способов выразить сиюминутные эмоции и настроения (работать нужно очень быстро — краска сохнет), да и просто получить удовольствие от собственных художественных способностей и непредсказуемости поведения краски на стекле. Кстати, стекло и разный пластик по-разному отдают краску, в итоге одни и те же усилия дают разный результат. В этой технике хорошо работать с детьми. Ошибся? Не беда — все поправимо. Вытер стекло и нарисовал заново. Здорово, правда?

Монотипия для детей | МОРЕ творческих идей для детей

Монотипия (от греч. «моно» — один и «typos» — отпечаток, оттиск, касание, образ…) – это техника рисования с помощью уникального отпечатка, при которой гладкую поверхность или лист бумаги покрывают краской, а потом делают с нее отпечаток на листе. Отпечаток получается только один и создать две абсолютно одинаковых работы невозможно.

После этого полученные изображения либо оставляют в первоначальном виде, либо придумывают, на что они похожи, и дорисовывают недостающие детали. Поэтому это занятие развивает у детей воображение, фантазию и творческие способности.

Сейчас монотипия стала настолько популярной, что иногда в детских садах знакомить детей с рисованием начинают именно с этой техники.

Краски для монотипии можно использовать разные.

Акварель и гуашь лучше всего подходят для детского творчества. Если акварель не разводить слишком сильно водой и использовать акварельную бумагу, получится очень красиво. Еще один плюс акварели – она легко смывается 😉 Гуашь непрозрачна, из нее получаются красивые разводы. Акриловые краски очень быстро сохнут, что для создания отпечатков неудобно, и плохо смываются. Масляные краски подходят, в основном, профессионалам.

Наносить их тоже можно разными способами: валиками, шпателями (в том числе фигурными), кисточками и даже пальчиками юного художника 🙂

Как сделать монотипию

Существуют разные способы. Например, профессиональные, когда изображение наносится масляными или типографскими красками, разведенными бензином или специальными растворителями, или оттиск получают с помощью оффортного или литографского станка. Я расскажу о способах, доступных для детского творчества.

   1. Нарисовать что-нибудь красками (можно одним цветом, можно использовать несколько цветов) на листе плотной бумаги или на гладкой поверхности (на стекле, пластмассовой или пластиковой пластине, кафельной плитке, глянцевом картоне, пленке), а затем быстро, пока краска не успела высохнуть, приложить другой лист бумаги и прогладить его рукой или валиком, чтобы получился отпечаток.

   2. Согнуть лист бумаги пополам, внутри что-нибудь нарисовать красками на одной половине листа, затем лист сложить и прогладить рукой, чтобы получить симметричный отпечаток.

Интересное изображение получится, если рисовать не на гладкой, а на фактурной поверхности: ватмане, чертежной бумаге и т. д. А отпечаток сделать на обычной бумаге.

Фактурную поверхность можно сделать самим, если смять большой лист бумаги, нанести на него краску, и сделать им отпечаток. Посмотреть удивительную сказочную монотипию со множеством интересных деталей, сделанную этим способом, можно в блоге «Творим вместе с детьми».

Необычность монотипии в ее непредсказуемости, которая и вносит в это занятие ощущение ожидания чуда! Эта техника «простой живописи» (т.е. простейшего способа рисования), мне достаточно часто встречалась среди нетрадиционных способов рисования, предлагаемых детям, начиная с младшего дошкольного возраста.

Но я отнеслась к нему как-то равнодушно и даже не представляла, что это занятие настолько понравится Рите и увлечет ее!

Мы с Ритой вначале рисовали на прозрачной пленке (ее еще называют файлом или мультифорой) и делали с нее отпечатки на бумагу. Вернее, вначале один рисунок с отпечатком сделала я – показала Рите, как это делается (этот рисунок я фотографировать не стала — все-таки задание для детей), после этого все изображения она делала сама.

Монотипия «Пейзаж», в которой Рита дорисовала необходимые детали, и монотипия «Извержение вулкана», в которой дорисовка не требовалась.

На части отпечатка с пятнами, который Рита делала просто так, без особого сюжета, в одном пятне она разглядела волка, которого мы с ней обвели по контуру. Язык ему Рита перекрасила из зеленого в красный, соседние зеленые пятна стали деревьями, лишнее мы обрезали. Получилась монотипия «Волк в лесу».

Специально для меня Рита рисовала на пленке цветы в вазе. Полученый отпечаток я помогла ей обвести, вот что получилось.

А затем Рита рисовала бабочек на половинках согнутых листочков бумаги.

Мы их вырезали и приклеили на рисунок с цветами. Получилось сочетание сразу 3-х техник: рисунок фломастером, монотипия и аппликация.

Всего доброго! Только для читателей сайта «MORE творческих идей для детей» (https://moreidey.ru). Юлия Шерстюк

Всего доброго! Если материалы сайта были Вам полезны, пожалуйста, поделитесь ссылкой на них в соцсетях — Вы очень поможете развитию сайта.

Размещение материалов сайта (изображений и текста) на других ресурсах без письменного разрешения автора запрещено и преследуется по закону.

Монотипия для детей. Мастер-класс c картинками

Как часто Вы бываете в гостях? А вот я в последнее время хожу в гости практически ежедневно. С тех пор, как я начала вести свой блог о творчестве мамы, у меня появился интерес к подобным сайтам и блогам, которые создают такие же обычные женщины и мамы, как и я сама.

Вот и получается, что я бываю в гостях очень часто. И это не только доставляет мне огромное удовольствие, но еще и пользу приносит. Ведь домой я всегда возвращаюсь с подарками – новыми идеями для творчества.

Побывав на днях у автора сайта «Кладовочка моих увлечений» Натальи Кузьминой, я увидела живописные работы в технике монотипии. Яркие картинки так запали в душу, что я решила попробовать свои силы в этом виде творчества, а мой постоянный ассистент с радостью согласился мне в этом помочь.

Оговорюсь сразу, наши картинки в технике монотипии будут весьма креативным, так как в силу ряда причин мы с дочкой позволили себе отступить от классической технологии. Поэтому для начала я вкратце расскажу

Как правильно сделать монотипию с ребенком дошкольного возраста

1. На плоскую гладкую поверхность (стекло или пластик) толстым слоем наносятся пятна краски. Для детских рисунков в технике монотипии лучше всего использовать гуашь. Пятна могут быть совершенно хаотичными.

2. После нанесения краска сбрызгивается водой. Сверху прикладывается лист бумаги (желательно использовать плотную бумагу для акварели, которая не так быстро пропитывается влагой).

3. Лист бумаги прокатывается резиновым валиком или простукивается кулачком, чтобы краски смешались между собой.

4. После чего необходимо резким движением стянуть лист за уголки. Можно прокрутить лист бумаги в каком-нибудь направлении, чтобы получить более интересные разводы краски, но делать это нужно одним четким движением.

5. Сделанный таким образом оттиск просушивается.

6. А дальше начинается самое интересное: ребенку предстоит определить, на что похож полученный оттиск.

Существует и более простой способ создания монотипии:

1. Плотный лист бумаги складывается пополам.

2. На одну половинку листа наносятся пятна краски.

3. Рисунок сбрызгивается водой.

4. Бумага складывается, и делается оттиск по технологии, описанной выше.

5. Когда лист бумаги разворачивается, на второй половинке листа получается оттиск в зеркальном отражении.

Чаще всего оттиски, выполненные таким способом детьми дошкольного возраста, получаются похожими на волшебных сказочных бабочек. Но если Вы не будете сдерживать полет фантазии своего ребенка, то наверняка будете удивлены тем, какие причудливые ассоциации вызывает у него картинка в технике монотипии.

А теперь, мы с дочкой покажем Вам свой небольшой

Мастер-класс по монотипии для детей

Работа предстоит творческая, поэтому мы заранее застелили пол большой клеенкой и подготовили:

• бумагу для акварели

• кисточку

• пальчиковые краски

• пластмассовый планшет для лепки

• стакан с водой

Вы обратили внимание на то, что кисточка у нас совершенно необычная? Вместо ворса на конце у нее прикреплено некое подобие звезды из тонкого поролона. Эту кисть дочке презентовали в магазине товаров для творчества, где мы покупали материалы для нашего мастер-класса по рисованию пальчиковыми красками.

Я никогда раньше не встречала подобной кисточки. Даже в интернете мне не удалось найти ничего подобного. Так что мы решили опробовать ее для изготовления картинки в технике монотипии.

Для рисования мы решили использовать пальчиковые краски, которые по сути своей являются той же гуашью.

Ну, и наконец, наше главное отступление от традиционной техники создания монотипии состоит в том, что дочка наотрез отказалась что-либо рисовать на пластмассовом планшете. Я не стала оспаривать ее весомый довод о том, что эта дощечка предназначена только для лепки. Поэтому пятна решено было наносить непосредственно на лист бумаги для акварели.

Итак, наносим краску разных цветов на бумагу.

Глядя на то, как моя дочь увлеченно покрывает поверхность альбомного листа разноцветными пятнами, я решила не ограничивать ее творческий порыв. И в результате мы получаем художественное полотно, вполне способное соперничать в яркости и буйстве красок с бразильским карнавалом

Далее сбрызгиваем лист с рисунком чистой водой, при помощи хорошо промытой от красок кисти.

Накрываем наш рисунок пластмассовым планшетом

и изо всех сил стучим кулачком по планшету.

Чтобы хоть отчасти соблюсти технологию выполнения монотипии, переворачиваем наше «художество» альбомным листом вверх и стягиваем лист с планшета, аккуратно держа его за уголки.

Даем краскам высохнуть.

Стоит ли говорить о том, что фантазии на тему того, что изображено на оттиске в технике монотипии – это самая увлекательная часть всей работы?! Когда все члены семьи с недоуменным видом вертят в руках пеструю картинку, пытаясь угадать, на что это похоже, и лишь маленький ребенок в хаосе ярких пятен видит то, чего не видит никто другой!

В конце концов, на семейном совете все сошлись во мнении, что на рисунке изображена плывущая в густых зарослях морских водорослей черепаха.

А чтобы это было видно не только нам, но и всем желающим, пришлось вооружиться универсальным серебряным контуром и нанести точечный рисунок, проявляющий очертания нашей черепахи.

При отсутствии специального контура очертания угаданной фигуры можно подчеркнуть, нанеся точечный рисунок при помощи зубочистки или бамбуковой шпажки, как это было показано в мастер-классе по прямому и обратному декупажу бутылки.

А поскольку на пластмассовом планшете осталось еще немного краски, мы сделали еще один оттиск. На этот раз, как положено по классической технике монотипии.

Если Вы детально рассмотрите полученную картинку, то поймете, почему оттиск в монотипии желательно делать именно с гладкой поверхности на бумагу, а не наоборот, как это сделали мы с дочкой. Такой оттиск имеет более богатую фактуру, так как пластик или стекло в отличие от бумажного листа не впитывают влагу и краску.

И снова мы всей семьей весело гадали, что же получилось изобразить на этот раз. Но дочка безапелляционно заявила, что это хамелеон Паскаль.

Бьюсь об заклад, Вам бы и в голову не пришло, что на этой картинке в технике монотипии прячется хамелеон!

Все дело в том, что совсем недавно мы с дочкой читали книгу по диснеевскому мультфильму «Рапунцель», и забавный хамелеон Паскаль, маленький друг принцессы Рапунцель, так понравился дочери, что пришлось даже показать ей несколько видеороликов с YouTube о хамелеонах.

Видимо, пестрая картинка в технике монотипии сразу напомнила дочери хамелеона, причудливо меняющего свою окраску.

Не знаю, насколько хорошо мне удалось изобразить хамелеона при помощи серебряного контура. 

Фантазируйте вместе с HobbyMama!

Консультация для педагогов ДОУ и родителей на тему: Нетрадиционное рисование в технике «Монотипия» | Консультация по рисованию:

                                               НЕТРАДИЦИОННОЕ  РИСОВАНИЕ  В  ДЕТСКОМ  САДУ

                                                                              ТЕХНИКА  «МОНОТИПИЯ»

    Классические техники рисования труднодоступны для дошкольников. На помощь приходит монотипия – техника рисования, название которой можно перевести как «один отпечаток». Ею прекрасно овладевают даже малыши, не имеющие никакой подготовки. Метод улучшает навыки работы с красками, развивает воображение и фантазию.

Самый распространенный вид творчества для малышей – рисование. Некоторые методики, такие как, например, рисование пальчиками, доступны для детей с шестимесячного возраста. Детям постарше можно осваивать монотипию, с ней прекрасно справляются 4–5-летние ребята, посещающие среднюю группу в детском саду. В этом возрасте они осознанно дополняют рисунки, создают осмысленные сюжеты. Чем более разнообразными нетрадиционными техниками рисования овладевает ребёнок, тем более творческой натурой он вырастет.
Рисование помогает ребенку: развивать мелкую моторику, мышление, речь; успокаивать нервную систему, приводить в порядок эмоции; вырабатывать усидчивость, настойчивость, дисциплинированность; понимать форму и цвет предметов; получать новые навыки.

Творчество развивает воображение, учит ребенка изобретать что-то новое, смотреть на привычные предметы с разных сторон.

                                    ТЕХНИКА «МОНОТИПИЯ»

Это нетрадиционное направление живописи – отличный способ самовыражения и проявления индивидуальности для дошкольника. Простая техника позволяет создавать оригинальные картинки.

Суть техники — монотипия: рисунок наносят на гладкую поверхность, переносят его на чистый лист бумаги, надавливают руками или валиком. Получается оттиск, напоминающий очертания облаков, холмов, ветвей деревьев, водорослей. Разная густота красок создает разный эффект. Интересный результат дает использование фактурной бумаги для рисунка с последующим переносом на гладкий лист. Полученный отпечаток всегда будет неповторимым и уникальным, при желании его дополняют деталями, получая знакомый предмет.

                                  МАТЕРИАЛЫ ДЛЯ РАБОТЫ

   Выбор материалов для рисования методом монотипии очень широк, он ограничен только вашей фантазией.

Вам  понадобятся:

-Плотная бумага, картон, пластик, плитка, стекло или металлическая пластина.

  Главное, чтобы материал не пропускал влагу.

-Краски для детей – гуашь, пальчиковые краски, акварель.

  Обращайте внимание на безопасность и срок годности.

-Инструменты – кисти разной степени жесткости, ватные палочки, валики, тампоны из поролона.

  Неплохой инструмент – руки юного художника. Материалы для картины – бумага, фанера, картон, плотная ткань.

 

   Создать отпечаток можно просто руками или использовать подручные материалы – валики, скалки.

                      ТЕХНИКА СОЗДАНИЯ РИСУНКА

    Для детского творчества доступно несколько интересных способов. Вот, пожалуй, самый простой: На плотную поверхность нанесите пятна краски – можно нанести их в хаотическом порядке. Количество красок и цвет целиком зависят от воли юного мастера. Если краски густые, сбрызните лист водой. Накройте листом плотной бумаги, прижмите резиновым валиком или руками, чтобы краски перемешались. Приподнимите бумажный лист за уголки, резким движением снимите его. Просушите. А дальше попробуйте вместе с ребенком отгадать, на что похож полученный рисунок. Если использовать белую, голубую, серебристую краски, можно получить заснеженный лес, запорошенные деревья, волшебный зимний пейзаж. Добавьте несколько звездочек и луну на небосвод – зима готова!

                       

       ВАРИАНТЫ РАБОТ

Рассмотрим некоторые рисунки, которые хорошо получаются в технике монотипия.


Источник: https://razvivashka.online/tvorchestvo/monotipiya-…

   «БАБОЧКА»

Для изображения бабочки используйте самые яркие краски: Сложите лист бумаги пополам, четко обозначив центральную линию. Разверните. На одной половине листа яркими красками нанесите несколько пятен – это будет крылышко. Быстро, пока краска не высохла, темной гуашью обведите контур крыла. Сложите лист пополам, придавите, раскройте его. На второй половине листа отпечаталось второе крыло. Тонкой кистью прорисуйте мелкие детали – усики, брюшко, голову бабочки.  Бабочка готова. Рисунок несложный, но дает детям возможность раскрыть свой творческий потенциал.

«ВАЗА С ЦВЕТАМИ» 

Чтобы сделать натюрморт в технике монотипия, приготовьте лист акварельной бумаги, набор гуаши, емкость с водой, круглую и плоскую кисти, лист линолеума или картона такого же формата.
Творческий процесс: С помощью плоской широкой кисти закрасьте белой гуашью весь лист. Тонкой кистью нанесите полосы гуашью пастельных тонов. Наберите на широкую кисть белую краску, разотрите цветные линии. Получится неоднородный фон с мягкими переходами цвета. Подсушите гуашь, подберите краски для цветов в вазе. Цветы можно располагать по кругу, в форме веера, овала, дуги. Центральная часть композиции – цветы. Их высота должна быть в 1,5–2 раза больше высоты вазы. Нанесите синюю краску на выбранное для вазы место, а затем для цветов – ультрамарин, светлый и темный фиолетовый, ярко-розовый, белый. Наложите влажный лист, разровняйте, удалите. Учтите, если вы будете снимать лист снизу вверх, подтеки краски будут направлены вверх, если удалять лист сверху вниз, подтеки краски, соответственно, будут направлены вниз. От этого зависит, как будут выглядеть ваши цветы. Осталось окончательно оформить вазу, добавить несколько зеленых листочков, придумать название натюрморту.

 

УДАЧНОГО ВАМ ТВОРЧЕСТВА!

ИСТОЧНИК:https://razvivashka.online/tvorchestvo/monotipiya-tehnika-risovaniya

Бабочка монотипия техника рисования для детей поэтапно

Монотипия техника рисования – один из видов нетрадиционного творчества. Ее используют как дошкольники, так и художники-профессионалы. При чем, дети особенно любят этот вид искусства. Ведь это легко и весело, каждая работа уникальна, а создать ее очень просто. Техника не требуют специальных навыков и подготовки, зато дает возможность каждому выразить себя. Монотипия бабочка — легкий и красивый рисунок, который понравится и детям и взрослым.

Что такое монотипия?

Монотипия  (Monotype)— это графическая техника рисования, название которой в переводе означает — «один отпечаток». При работе рисунок наносится на ровную поверхность, а затем отпечатывается на чистом листе. Особенность техники в уникальности получаемых изображений. Сколько бы ни наносилась отпечатков, каждый новый будет неповторимым и уникальным.

После того как отпечаток перенесен на бумагу, его дополняют деталями и украшениями. Полученное пятно может стать чем угодно, и рыбой, и цветком, и облаком, крылом бабочки или пачкой балерины. Все зависит от того какими деталями его дополнить. Художник ограничен только своей фантазией.

Данная техника очень нравится маленьким детям, она не требует подготовки, прекрасно развивает фантазию и пространственное мышление. Также широк выбор красок: акварель, гуашь, акриловые, масляные или пальчиковые краски. Кстати, последние — совершенно безвредны, их можно использовать даже детям до двух лет.

Важно! В детском творчестве единственное ограничение – безопасность. Ни в коем случае нельзя использовать малышам токсичные краски и вредные растворители!

Польза монотипии для детей

Монотипия техника рисования очень простая, дети легко осваивают ее. В то же время она очень хорошо развивает цветовосприятие и воображение.

Всем известно, что маленькие дети любят пачкаться. Часто они с удовольствием измазывают себя и все вокруг. Вход идет все: пластилин, краски, варенье и т.д. Этот процесс доставляют им неимоверную радость, развивает воображение, успокаивает. Ребенок расслабляется, получает ощущение безопасности. А это, в свою очередь, помогает раскрытию талантов и лучших качеств.

Почему бы не использовать эту склонность малыша в созидательном русле? Монотипия – это именно тот вид творчества, который поможет в этом.

Что получает ребенок на занятиях:

  • Развитие воображения и творческих способностей.
  • Снятие эмоционального напряжения и стресса.
  • Радость и удовольствие.
  • Аннулирование страхов и тревог.
  • Развитие мелкой моторики.

Монотипия активно используется в арт-терапии при работе с детьми дошкольного и младшего школьного возраста.

Как проходит занятие монотипия бабочка, что потребуется?

Перед тем как приступить к работе обязательно следует показать малышу принципы данной техники. В качестве примера педагог делает показательный рисунок и на примере объясняет ребенку. как проходит работа. После чего следует позволить малышу погрузиться в творческий процесс, делать все на свое усмотрение.

Внимание! Рисование в технике монотипия не имеет жестких рамок и ограничений. Не стоит вмешиваться в процесс тогда, когда это не нужно.

Что понадобится для работы:

  1. Альбомная бумага или ватман
  2. В качестве дополнительных материалов можно использовать любые гладкие поверхности: картон, доска для рисования, стекло, пластик, сухие листья деревьев

Какие используют краски:

  • Гуашевые
  • Масляные
  • Акриловые
  • Пальчиковые

В качестве кистей подойдут:

  • Ватные палочки
  • Щетки
  • Губки
  • Кисти для рисования жесткие
  • Собственные пальчики.

Рисунок также можно украсить элементами декора. Для декорирования используют:

  • Пайетки
  • Глиттер (разноцветные блестки)
  • Мелкие стразы и бусинки
  • Яркие наклейки
  • Глиттерные ручки (разноцветные гелевые ручки с добавлением блесток)

Также понадобиться клей ПВА и стакан с водой.

Справка. Для монотипии лучше всего подойдет акриловая краска. Она наиболее яркая и не теряет цветовых свойств при создании отпечатков. Также подойдут гуашевые краски, это менее затратный вариант.

Урок рисования монотипия бабочка поэтапно

Этап № 1 Начало работы
  1. Дети с помощью педагога раскладывают принадлежности, преподаватель рассказывает малышам о предстоящей работе.
  2. Ведущий показывает на примере, как аккуратно согнуть лист бумаги и нарисовать крыло бабочки. Крыло рисуется с одной стороны листа, таким образом, чтобы тельце бабочки было на сгибе. Вторая половина листа остается чистой.
  3. Педагог предлагает ребенку повторить показанные действия.
Этап № 2 Побор цветовой гаммы, закрашивание
  1. Преподаватель может подсказать ребенку, какие цвета хорошо сочетаются между собой, а каких сочетаний лучше избегать.
  2. На собственном примере ведущий показывает, как можно закрасить крылышко.
  3. Следует обратить внимание на то, что краски нужно брать много и она должна быть довольно жидкой, чтобы хорошо получился отпечаток.
Этап № 3 Создание отпечатка
  1. Когда все крыло заполнено краской, лист быстро сворачивают и аккуратно похлопывают по нему ладошкой.
  2. При необходимости педагог помогает ребенку, сделать работу более аккуратно.
  3. Теперь можно развернуть лист и оценить работу. У бабочки — два крыла!
Этап № 4 Дорисовка деталей
  1. На данном этапе педагог и ребенок дорисовывают тельце бабочки и дополняют рисунок другими деталями (прожилки, пятнышки, узоры).
  2. Что бы работа получилась более яркой, дополнительные детали лучше нарисовать темным цветом. Должен создаваться контраст между отпечатком и дополнительными элементами. Преподавателю желательно объяснить ребенку этот нюанс.

В остальном лучший советчик — фантазия малыша.

Этап № 5 Декорирование

Дети особенно любят эту часть работы и предаются ей с особым энтузиазмом.

Как украсить бабочку:

  1. Аккуратно обмакните мокрую кисточку в клей ПВА и нарисуйте необходимую деталь, затем быстро посыпьте блестками (глиттером). Остатки аккуратно смахните, их можно использовать повторно.
  2. Пайетки приклеиваются по одной с помощью клея ПВА.
  3. Глиттерная ручка особенно удобна при декорировании, можно быстро прорисовать нужный элемент. При этом он будет ярким и блестящим. Обычно используют несколько ручек разных цветов.
  4. Для декорирования также подойдут небольшие наклейки, самоклеящиеся стразы и бусины.
  5. Лучше всего сочетать в работе несколько разных украшений.

По окончании занятия преподаватель обязательно должен поблагодарить детей за участие и похвалить за проделанную работу.

Монотипия техника рисования бабочки, видео

В видеоролике наглядно показано как нарисовать бабочку в технике монотипия

Галерея рисунков в технике монотипия

Ниже представленны рисунки сделанные в технике монотипия:

 

 

Заключение

Прелесть монотипии в ее необычности и простоте. Монотипия техника рисования всегда непредсказуема и несет в себе элемент чуда. Ни один рисунок не похож на другой, и никогда не известен результат. Именно за это монотипию так любят дети. Ведь здесь не надо ни учиться, ни стараться, требования минимальны, результаты – неповторимы, а удовольствие — гарантировано.

 

Статью прочитали: 11 067

Микс монотипии и кляксографии!

Ноя 02, 2017

in Мастер-классы по рисованию by Марина Трушникова

Микс монотипии и кляксографии!

В качестве практик, помогающих раскрепостить свою руку и воображение, я предлагаю использовать техники монотипии и кляксографии.


Монотипия – это одна из разновидностей графических печатных техник. Её отличие состоит в том, что она позволяет создать только один уникальный отпечаток.

Кляксография – превращение пятен-клякс в нужные реальные и фантастические образы.


В этой публикации я покажу вам, как создавалась моя картина “Прощание с детством” из цикла “Сны деревьев”.

Что вам понадобится для монотипии:
  • Приготовьте акварель и несколько листов бумаги. Вам понадобится большое количество бумаги для проб, поэтому листы можно нарезать на небольшие форматы – А5 или А6.
  • Для монотипии нужно стекло или любая другая гладкая поверхность – пластик, плёнка. Я использовала стекло от фоторамы, в которую в дальнейшем планировала оформить картинку.
  • Для кляксографии нужна соломинка для коктейля или любая другая подобная полая трубочка.

Микс монотипии и кляксографии: ход работы

1. На стекло наносим капли краски.

Разная степень их густоты/жидкости даст различные эффекты, поэтому попробуйте разную степень разведения акварели водой.

2. Покрываем стекло листом бумаги и хорошо его прижимаем.

Чтобы получились эффекты веточек, снимать бумагу нужно, поднимая её за верхний край, где вершина дерева.

Сделайте несколько оттисков, прежде чем найдёте нужную консистенцию акварели для достижения эффекта.

Не отчаивайтесь, если получается нечто невразумительное.

Даже простенькие оттиски впоследствии могут дать вам  интересную картинку. Например, такую:

 

 

 

 

 


Монотипия ценна своей непредсказуемостью, спонтанностью заливок.

Она дает пищу нашему воображению и заставляет отойти от стереотипных приёмов работы с красками.

Ну, а кроме того, в монотипии появляются такие красивые эффекты, которых просто не сделаешь кистью.


Пока оттиски сохнут, попрактикуемся в раздувании пятен.

Для этого нужно капнуть на лист бумаги жидко разведенную краску и дуть на неё под углом, водя соломинку из стороны в сторону.


3. Когда монотипии подсохнут и выровняются, а вы поймёте, что можете контролировать процесс раздувания клякс, начинайте рисовать деревья.

Ставьте каплю краски в основание будущего дерева и выдувайте ему ствол и ветви. Рекомендую это делать разными оттенками цветов, чтобы пейзаж приобрел глубину и живописность.


Читать в контексте:


4. В завершении нарисуйте элементы, которые придадут  картине больше образности. Это могут быть трава и цветы, птички и бабочки, люди и животные. Дайте волю своей фантазии!

Буду рада, если приведенная техника вам понравится, и вы разделите со мной свои впечатления о результате.

Техника монотипии гуашью и акварелью

Довольно скучно повторять себя, используя одну и ту же бумагу, инструменты и материалы для работы. Достаточно изменить хотя бы один из этих вариантов, как все начинает казаться намного интересней.

Я открыла монотипию с гуашью путем ошибок при печати в типографии. Мой учитель рекомендовал мне добавить немного гуммиарабика или моющего средства в гуашь (экологически чистого, во избежание повреждений химическими веществами). Вы можете использовать его для печати. Мне это понравилось.

Монопринт и гуашь

Изначально, я рисовала от руки на акриловом листе и печатала на дешевой грязновато-белой бумаге. Недостаток гуаши в том, что она сохнет намного быстрее, чем специальные краски для печати. При работе с большой поверхностью, часть изображения, высыхала прежде, чем я дорисовывала изображение до конца.

Я экспериментировала с быстрым перекрашиванием сухих участков и затем печатала. Предварительно замачивая и промокая бумагу. Также я распыляла воду из тонкого диффузора на поверхности окрашенного акрилового листа. Все эти методы дали разные результаты.

Лучший способ для монотипии с гуашью

Шмели. Рисунок был создан методом закрашивания быстро сохнущих участков перед печатью. Лист бумаги аккуратно кладется на нарисованное изображение и хорошо прижимается рукой. Можно проверить рисунок, как он получился на бумаге, на секунду отсоединив уголок с одной стороны.

Вы не можете предвидеть, что у вас получиться в итоге. Как правило, изображение имеет лишь частичное сходство с нарисованным на акриле рисунком. Появляются все виды текстур, изломанные области и плеши с неоднородными пятнами.

Что добавить в монопринт?

Следующий вопрос, который может у вас возникнуть: Как доработать полученное изображение? Иногда, нужно хорошо подумать, чтобы картина «ожила» и у нее появилась индивидуальность. Или наоборот, добавив некоторые улучшения, изображение становится безликим. Иногда все, что требуется, — добавить крошечные штрихи акварелью или карандашом. Как с картиной Шмели и Настурции.

Иногда, нужно больше: например, возвращаясь к картине выше, нарисованной белой гуашью, определить некоторые формы. Это одно из преимуществ работы с непрозрачной краской. Если вы рисуете, особенно акварелью одна из самых больших проблем это понимание, когда нужно остановиться. Принимать решение стало легче с опытом. Но все-таки каждую картину нужно тщательно обдумать.

Я чувствовала, что картине «Начало Осени» (выше) нужно больше точности.

Цветы персикарии с различными травами. Я затемнила у двух цветков головки и свободно нарисовала отдельные цветы и стебли травы с помощью ретушной кисти. Затем добавив листья акварелью Daniel Smith, создала различные текстуры.

Ретушная кисть для меня фаворит. Это прекрасный податливый инструмент для рисования. Она идеально подходит для очертания и прорисовывания тонких стебельков и листочков, а также для прорисовки жилок на крыльях пчел. Я добавила шмелей последними, чтобы дать картине сюжет и повествование. Нарисованные пчелы такого размера могут выглядеть немного неуклюже, но вместо этого они изображены непосредственными, легкими и с минимумом деталей.

Использование акварели

Мои напечатанные работы такие как Огород Осень (выше) показывает другой подход к монотипии, который меняет весь процесс используемых границ в печати. Первое, что я делаю, я рисую очень размытые цветные участки акварелью на бумаге, позволяя цветам сливаться. Такая техника называется «мокрое по–мокрому».

После сушки я рисую сверху по технике монотипия. Способ избежать высыхание гуаши это печать маленькие участки за один раз, например тачка, затем лейка и так далее. При этом убедившись, что стекло или акриловый лист сухие и чистые перед каждым печатаньем.

Если я чувствую, что мою картину нужно доработать, я прибегаю с нескольким мазкам кисти, листьев и стеблей. Небольшое подрисовывание акварелью создает общую композицию и обеспечивает хороший фон для печати.

Я бы рекомендовала монотипию, если вы застряли в обыденном, чувствуете, что повторяетесь или хотите экспериментировать с техникой. Это создает возможность беседовать с изображением, реагируя на каждом этапе быстрее, чем пытаться навязать ожидаемую идею на бумаге. Ну и конечно техника монотипии отлично подойдет для детей.

Автор: Kate Osborne

 

Поделиться статьей:

 

Начать монотипную печать

Иногда вам нужно встряхнуть вещи своими карандашными рисунками и отпустить импульс сделать слишком много. Один из моих любимых способов сделать это — создать рисунки переноса, также известные как монотипии трассировки. С помощью этой техники печати вы можете превратить обычный набросок в нечто почти ностальгическое, с песчаной текстурой и ярким контрастом.

В процессе монотипии создается один отпечаток с возможностью второго варианта этого отпечатка, но не более того.Таким образом, во многих отношениях он похож на единичный рисунок и может быть использован для изготовления одноразовых отпечатков, например, винтажных плакатов.

Положив лист бумаги на пластину с чернилами, вы можете создать рисунок, а при нажатии карандаша чернила передаются как отпечаток. Я предпочитаю рисовать прямо на бумаге без наброска, позволяя из-за отсутствия подстраховки сосредоточить мое внимание на каждой линии и отметке, которую я делаю. Всегда приятно видеть результаты, когда бумага снимается с пластины!

О другой традиционной технике печати см. В нашей публикации о печати на линолеуме.

01. Создайте ровный слой чернил.

Чернила должны быть подходящей толщины.

С помощью брайера раскатайте небольшое количество масляной краски или чернил для травления так, чтобы они равномерно покрывали площадь листа оргстекла. или металлическая пластина для травления. Чтобы добиться нужного количества краски на поверхности, потребуется немного поэкспериментировать, так как разные материалы различаются по консистенции. Плотный слой будет растекаться при печати, подавляя любые детали или тонкости. Для этого отпечатка я раскатал количество масляной краски толщиной примерно 10 пикселей или четверть доллара США, чуть меньше 2 мм.

02. Подготовка бумаги

Влажная бумага обеспечивает равномерное покрытие чернил

С помощью пульверизатора с водой аккуратно распылите переднюю часть бумаги для печати. Не замачивайте бумагу, вы хотите создать тонкий туман. Промокните поверхность бумажным полотенцем, чтобы удалить лишнюю воду. Влажная поверхность поможет вам добиться равномерного покрытия, особенно если вы используете более плотную бумагу. На более тонкой бумаге, такой как японская рисовая бумага, лучше печатать в сухом виде. Осторожно поместите влажную сторону бумаги на окрашенное оргстекло, стараясь никуда не надавить.

03. Начните рисовать.

Будьте осторожны, не кладите руку на чернила!

Рисуйте прямо на обратной стороне бумаги для печати. В качестве альтернативы можно разместить готовый рисунок или даже фотографию и обвести его. Везде, где на бумагу оказывается давление, чернила переносятся, поэтому не кладите руку на поверхность во время работы. Различное давление также влияет на количество передаваемого тона.

Создавайте более мягкие края и градиенты, потирая поверхность пальцами, переходя к ногтю или карандашу для получения более четких краев и линий.Вы можете использовать штриховку или каракули для композиционного интереса. Осторожно приподнимите край бумаги и проверьте, как развивается перевод, при необходимости добавив отметок.

04. Дать высохнуть.

Момент истины …

Когда рисунок будет готов, полностью снимите бумагу с оргстекла и дайте ей высохнуть. Остатки чернил на пластине являются негативной версией рисунка и могут использоваться для создания второго отпечатка. Для этого поместите еще один лист влажной бумаги на оргстекло и потрите поверхность бумаги деревянной ложкой, чтобы перенести оставшиеся чернила.

Эта статья была первоначально опубликована в журнале Paint & Draw .

Статьи по теме:

Что такое монотипия? | Гильдия монотипий Новой Англии

Термины монотипия и монопечать обозначают два разных процесса, используемых для создания уникальных, единственных в своем роде отпечатков.

Уникальный оттиск — это единственный в своем роде перенос нанесенного чернилами или раскрашенного изображения с поверхности / подложки на бумагу или другую принимающую поверхность, который невозможно точно воспроизвести.Чернила или краска могут переноситься вручную или с помощью травильного пресса. Если на поверхности остается достаточно чернил или остатков краски, иногда получается второй, более светлый отпечаток, называемый «призраком». Уникальные принты отличаются от изданных, в которых каждый отпечаток в издании идентичен. Уникальные оттиски могут обозначаться словами «монотипия» или «монопринт» или символом «1/1».

МОНОТИП — это картина / рисунок / нанесение краски на поверхность / основу, которая переносится на бумагу или другую принимающую поверхность.Монотипия не может быть повторена, так как она позволяет использовать только одно извлечение исходных элементов изображения, возможно, с последующим призрачным отпечатком.

MONOPRINT содержит несколько линий или изображений, которые могут повторяться от одного слепка к другому, например, вытравленные линии, линогравюра или литография, однако художник также меняет чернила, композицию и другие элементы для создания отпечатка, который не повторяется.

Как монотипы, так и монотипы часто проходят через печатную машину несколько раз, чтобы добавить к отпечатку дополнительные чернила и изображения, создавая красивые слои формы, цвета, текстуры и линий — а иногда методы монотипии и монопечати объединяются в одном отпечатке .

Существует три основных метода монотипирования:

  • Аддитивный метод или метод светового поля, при котором художник рисует изображение на пластине с помощью кистей и валиков;
  • Метод вычитания или темного поля, при котором художник покрывает всю пластину пигментом, а затем удаляет часть пигмента с помощью кистей, тряпок, палочек или других инструментов для создания изображения; и
  • Комбинация двух техник, при которой художник работает взад-вперед, добавляя и удаляя пигмент с пластины по мере проявления изображения.

Инструменты и материалы, используемые для создания монотипий и монопринтов, практически безграничны: от кистей до пляжной травы, от ватных наконечников до кончиков пальцев, от мастихин до деревянных ложек. Отпечатки иногда улучшаются с помощью материалов для коллажей или обрабатываются прямым рисунком или рисунком на печатной поверхности. Иногда используются трафареты, созданные из таких вещей, как листья, ткань или даже резиновые прокладки, чтобы добавить форму и текстуру. Технические возможности безграничны, а результаты в сочетании с индивидуальным видением художника весьма разнообразны и захватывают!

Искусство монопринта


Монопринт, также известный как самый живописный метод из всех техник гравюры, по сути, представляет собой печатную картину.Особенность этого метода в том, что нет двух одинаковых отпечатков; хотя изображения могут быть похожими, редактирование невозможно.
Привлекательность монопринта заключается в уникальной полупрозрачности, которая создает качество света, очень отличающееся от картины на бумаге или оттиска, и красота этого медиа также в его спонтанности и в сочетании средств печати, живописи и рисунка.
Если цель состоит в том, чтобы создать одно нарисованное изображение, зачем делать монотипию вместо картины?
Конечно, делать это изображение уникальным отпечатком казалось бы бессмысленным.Однако монопринты сочетают в себе спонтанность печатных красок и бумаги, создавая поверхность, непохожую на любое другое искусство.

Монопринты и монотипы
Хотя эти два термина используются как синонимы, между одним и другим существует большая разница.

Монотипия , по сути, ОДНА в своем роде: моно — латинское слово, означающее ОДИН, а тип — добрый. Следовательно, монотипия — это одно печатное изображение, не имеющее какой-либо матрицы.С другой стороны, монопринт имеет некоторую форму базовой матрицы.
Процесс создания монотипии или монотипии такой же, но при выполнении монотипии художник работает на чистой и неотрисованной пластине; однако в случае монопринтов всегда присутствует узор или часть изображения, которые постоянно повторяются в каждом отпечатке. Художники часто используют гравированные пластины или какой-либо узор, такой как кружево, листья, ткань или даже резиновые прокладки, чтобы добавить текстуры. В этом случае, имея повторяющийся узор, мы получаем монопринт.

Монопринты и монотипы создаются путем ручного добавления (аддитивный метод) или удаления (субтрактивный метод) чернил с формы, которая затем печатается с помощью печатного станка. В монотипиях можно достичь многих эффектов, которые невозможны с помощью любой другой техники.
В методе вычитания вы покрываете поверхность (металлическую или пластиковую пластину) полностью цветом (обычно травлением или литографическими чернилами), затем вы удаляете чернила частично или полностью, чтобы обнажить области создаваемого изображения. Этот процесс можно выполнить с помощью щеток, зубочисток, ватных тампонов, поролона, пальцев, тряпок и т. Д. При использовании метода добавления вы начинаете с чистой пластины и наносите чернила или акварельный носитель различными способами, кроме травления. чернила — довольно неуправляемое вещество, трудно добиться желаемого эффекта. Если чернила нанесены слишком густыми, они растекутся под давлением при печати, образуя пятно. Если он слишком тонкий, он вообще не появится.
Когда изображение на пластине закончено, оно пропускается через травильный пресс с влажной тряпичной бумагой, чтобы сформировать уникальный в своем роде отпечаток.Почти все чернила переносятся на бумагу, поэтому невозможно сделать более одного отпечатка, отсюда и префикс монохромный. Однако, когда на пластине остается приличное количество чернил, можно нанести еще один отпечаток, даже не добавляя чернил: это называется фантомным изображением исходного отпечатка, поскольку он намного светлее первого, но имеет свои недостатки. уникальный персонаж.
Перед очисткой пластины также можно добавить чернила или акварель на фантомное изображение, оставшееся на пластине. В этом случае ваше второе изображение, которое в основном основано на предыдущем, будет монографическим, а не монотипным, поскольку его матрица будет цветом, оставшимся от предыдущего отпечатка.
Технически вы могли бы создать серию работ, которые можно было бы редактировать — это будет Varied Edition, поэтому оно будет иметь номер EV 1/10, EV 2/10 и т. Д.

Простой офорт, трансформированный в монопринт

Используя уже вытравленную пластину, художник сначала нанес толстый слой чернил по всей поверхности отпечатка, затем с помощью кистей, ватных тампонов, губок и ткани художник работал поверх изображения, вытирая или добавляя чернила.


Основное травление, напечатанное перед нанесением дополнительной краски кистью

Окончательная печать
Рапсодия, 2001 г.
© Коллин Корради
Этот материал защищен авторским правом

Существует три основных метода изготовления монотипии:
  • Добавка или метод светового поля, при котором изображение окрашивается путем добавления или наращивания пигмента на пластине.
  • Метод вычитания , или метод темного поля, при котором вся пластина покрывается тонким слоем пигмента, которым художник затем обрабатывает свое изображение, удаляя часть пигмента кистями, тряпками, палками или другими инструментами.
  • Третий метод — комбинация из двух.

монопринты : нажмите здесь, чтобы узнать больше о технике

Монотипная печать в искусстве — пошаговое руководство для начинающих

Монотипия — это процесс печати, при котором обычно получается только один отпечаток. Другие процессы печати намеренно нацелены на воспроизведение оригинала, но с монотипией каждый отпечаток действительно уникален.

Печатная форма вашего монотипия может состоять из разных материалов.Обычно стеклянная пластина подходящего размера — отличный способ нанести свой дизайн, а затем распечатать его с пластины на бумаге.

Материалы, необходимые для этого урока

Создание монотипии не составляет большого труда. Необходимые средства на оборудование вполне доступны, если у вас их еще нет дома.

Для первых экспериментов не обязательно использовать специальные чернила для печати, но рано или поздно стоит подумать об их приобретении.

  • Маленькая стеклянная панель в качестве печатного блока : Стекло в рамках для картин, которые больше не нужны, идеально подходят для этой цели. Панно из акрилового стекла также подойдет.
  • Малярный валик : Вам понадобится небольшой малярный валик, чтобы полностью соединить печатную форму с печатной формой.
  • Материал для печати : Абсорбирующая бескислотная бумага для рисования — лучший выбор для впитывания толстого слоя чернил. Бумага должна быть больше стеклянной пластины, чтобы вы могли обрезать ее до нужного размера.
  • Предпочтительно печатные краски : Альтернативно масляные или акриловые краски
  • Кисти

Монотипная печать Пошаговое руководство

Нанесение монотипного рисунка на стекло

Когда вы соберете все свои материалы ты готов к работе.Нанесение краски аналогично нанесению обычной живописи. Однако акварелисты не работают с этим методом, потому что они слишком текучие и недостаточно покрывают поверхность.

Нарисуйте свой мотив как можно точнее на стеклянной пластине. Конечно, вы можете использовать шаблон или дать волю своему воображению.

Если вы используете акриловую краску и краска наносится довольно медленно, вам следует подумать об использовании акриловой среды, чтобы замедлить время высыхания.

Масляная краска и печатная краска, с другой стороны, имеют более длительное время высыхания, поэтому у вас не будет проблем с этими видами красок.

Будьте осторожны вначале с очень сложной структурой вашего мотива. Если вы не используете чернила для печати, тонкие аспекты вашего изображения могут быть потеряны во время печати.

Выравнивание материала для печати

Помните: Материал для печати — это объект, на котором вы хотите напечатать изображение. Лучше всего использовать очень впитывающую бумагу для рисования.

Когда вы довольны нарисованным изображением, можно начинать печать до того, как краска начнет высыхать. В зависимости от объекта вы можете перед печатью обрезать бумагу, чтобы она точно соответствовала размеру стеклянной пластины.Вы также можете оставить бумагу немного большего размера, чтобы после печати оставалось больше места со всех сторон.

Оставьте стеклянную пластину изображением к себе и выровняйте материал для печати по центру. Лучше всего ориентироваться на дно стекла, пока не найдете положение бумаги, в котором изображение будет по центру. Затем медленно опустите бумагу, убедившись, что она равномерно расположена по краям.

После первого контакта с чернилами не перемещайте бумагу вперед и назад.Иначе рискуете размазать свою красивую картинку.

Печать и прокатка изображения

После того, как бумага для рисования размещена на стекле, не перемещайте бумагу по горизонтали. Ее следует только прижимать вертикально к стеклу, чтобы краска могла быть нанесена на всю поверхность и впиталась бумагой. Затем используйте малярный валик, чтобы как следует прижать бумагу к изображению.

Возьмите тонкий малярный валик (без краски, конечно) или подобный катящийся предмет и с силой прокатайте им по обратной стороне бумаги.Таким образом, вы плотно прижимаете все части процесса печати друг к другу, чтобы обеспечить равномерное давление.

Помните, что ваше ручное давление с помощью малярного валика имитирует печатный станок, который прижимает приемник чернил к дозатору чернил с большим давлением.

Выявление результата вашей монотипной печати

Когда вы достаточно плотно прижали бумагу и стекло и уверены, что чернила перешли на бумагу, вы можете осторожно поднять ее.

Получить идеальный отпечаток не так просто, как может показаться. Для этого требуются правильная бумага, чернила и количество чернил для всего дизайна. Слишком много чернил может исказить дизайн при нажатии на бумагу, слишком мало чернил и вы рискуете получить однородную печать.

С опытом вы найдете нужное количество чернил для точного использования монотипной печати и правильного изображения выбранного вами мотива.

Отдельные линии и полосы цвета следует рисовать немного более деликатно, чем при обычной окраске, так как при монотипной печати они становятся толще.

Зачем печатать монотипию, а не рисовать прямо на бумаге?

Если вы получаете только один пригодный для использования отпечаток с печатной формы, почему бы не нарисовать ее мотив на бумаге прямо сейчас. Действительный момент! Оба метода создают уникальные изделия — оригиналы, но результат разный.

Если вы удалите печатный носитель с печатной формы, связующие эффекты цвета создают на изображении непредсказуемые структуры, которые делают печать особенной. Эта составляющая случайности довольно нетипична для печати.Если вы поместите основу для печати на пластину, распрямите ее и немного прижмите, конечный результат будет искажен, что может сильно отличаться от изображения, которое вы хотите напечатать.

Продвинутые методы монотипной печати

По общему признанию, это руководство было разработано для начинающих. Если вы хотите немного поработать технику печати, вам следует подумать о покупке печатной краски. Его можно распределить по большой площади печатной формы, а затем покрыть другими тканями или окрашенными формами, которые оставят свои следы на отпечатке.

В этом видео художница объясняет монотипию, в которой она помещает марлю и нарисованный трафарет на черную грунтованную поверхность, чтобы напечатать этот мотив:

Подпишитесь на нашу рассылку новостей

Получайте уведомления об эксклюзивных предложениях каждые неделя!

Отпечатки монотипий по трассировке (также называемые монотипными оттисками с переносом чертежей)

Буй доброты

Спасибо за все ваши щедрые ответы на мой последний пост. Сообщество художников и блоггеров никогда не перестает проявлять доброту после тревожных событий или трудных времен, и я невероятно благодарен этому виртуальному, ощутимо хорошему сообществу.Вы устанавливаете планку вежливости и поощрения, и я сделаю все возможное, чтобы достичь этого водяного знака, чтобы заплатить за это вперед.

Посещаемость фестиваля искусств снизилась — как со стороны художников, так и со стороны посетителей, а некоторые организаторы фестиваля вообще закрыли свои магазины.

Фестивали вымершего искусства

Более десяти лет я бывал с покровителями, друзьями и семьей на предстоящих фестивалях искусства здесь, в Южной Калифорнии. По состоянию на эту весну, несколько фестивалей искусства прошли путь многих галерей, и их бросили в тень.

Если вы были на фестивале Thousand Oaks Artwalk в июне или на фестивале искусств Thousand Oaks в сентябре, нам придется потусоваться в другом месте, потому что они уже закрылись. Чтобы сбалансировать отсутствие этих двух площадок, я скоро начну распродажу в моем магазине Etsy Shop.

Следите за новостями, чтобы узнать подробности в следующих публикациях.

Trace Monotype без печати: печатная краска накатывается на гладкую поверхность. Бумага для печати накладывается на чернила, и художник наносит различные отметки на обратную сторону бумаги, чтобы уловить схематичные, прекрасные чернильные линии на лицевой стороне, и вуаля: след монотипии!

Подлый художественный промысел

Я тайком занимался искусством, когда мог, даже за счет других вещей в моем списке дел.(Шшш, никому не говори.) Я рисую за кухонной стойкой, пока ем салат, делаю заметки об арт-проектах, отвечая на электронные письма, и выкладываю рисунки для будущих акварелей на диване, пока мы с мужем отдыхаем вместе после ужина.

Недавно я сделал эту монотипию следа, и она была прикреплена к моей арт-доске в студии и шептала мне, чтобы я закончил ее.

Поскольку эталонная фотография моей свекрови была сделана в конце 1950-х, желание поработать над монотипией на этой неделе было сильным. Я нанесла первые мазки акварели на бумагу, когда звонила по телефону, а вечером добавила тонкие линии цветного карандаша к ее волосам на диване. Смотрите кадры незавершенного производства ниже.

В чем разница между монотипией и монопринтом?

Если вы будете искать вдохновляющие изображения, связанные с монотипиями следов, вы обнаружите, что люди используют слова монотипия и монотипия как синонимы, даже если они не одно и то же. Разграничивать не обязательно, потому что в Интернете полно обоих терминов, случайным образом относящихся к этим (и другим) методам печати.Но если хотите знать…

В эстампе монотипия безликая. На поверхности отсутствует текстура (например, гравированные линии), которые влияют на характеристики печати. Все изображения в монотипиях зависят от того, как художник манипулирует пигментами, в результате чего получается один отличительный принт. Монотипия делается только из пигмента, манипулируя руками и / или инструментами художников.

На поверхности пластины нет повторяющихся элементов, которые были бы видны, если бы вы нанесли на пластину чернила и сняли еще один отпечаток.Слово моно относится к одному; вы получите одну монотипию с пластины, если сделаете с нее чернила и распечатаете.

Монопринт относится к пластине с выгравированными линиями, приклеенными материалами или текстурой, которая является частью поверхности пластины и поэтому может повторяться на каждом отпечатке.

Варианты возникают, когда художник красит пластину краской разными цветами и делает дополнительные отметки, но когда они вытягивают отпечаток, текстуры, составляющие часть пластины, будут видны с каждым вариантом монопринта.

То же самое верно, если используются трафареты или листья и органический материал вдавливаются в пигменты. Это повторяющиеся производители знаков, поэтому в результате получается монопринт.

Итак, теперь вы в курсе. 🙂 #artpartycocktailchatter Если вы хотите увидеть больше примеров и ресурсов по монотипии, посетите этот пост.

Монотипия чернильного следа на бумаге тутового козо — упрощенное нанесение маркировки — это «подмалевок», инсценированный как переход к другим материалам.

Коробка потенциала

Я храню в коробке в своей студии высокую стопку монотипных репродукций, датированных 2005 годом, в ожидании их приключений с другими носителями.Это тайник, полный возможностей, обещающий веселые вечеринки и развлечения.

Иногда особенности дополнительных пигментов продиктованы бумагой, на которой был напечатан монотип (пример: на бумаге Arches 88 нет жидких пигментов, так как она не имеет проклейки и т. Д.).

Этот намек на акварель (хотя бумага кодзо не имеет проклейки, поэтому пигменты будут перемещаться и перетекать друг в друга) и цветной карандаш. Она сказала, что хочет мягко наносить влажные и сухие пигменты поверх дымчатых линейных чернил.К вашим услугам, моя дорогая. 🙂

После того, как тушь высохнет, добавьте акварельную глазурь (не слишком влажную), чтобы создать контраст между фоном и ее лицом на тонкой, но прочной тутовой бумаге.

Не забывайте о материалах

Mulberry paper, также известная как kozo, очень легкая, иногда прозрачная бумага для печати, которая к тому же очень прочная. Обычно он изготавливается без проклейки (крахмала или желатина) из самых внутренних волокон тутового дерева, и он веками использовался в гравюре.

Шелковица продается в виде простых листов или с декоративными органическими элементами, встроенными в волокна, как эта бумага кодзо с листьями бамбука.

Рисовать водными материалами на обычной бумаге — все равно что рисовать на бумажном полотенце. Пигменты поглощают и перемещаются волей-неволей во всех направлениях, а цвет опускается на обратную сторону бумаги.

Вам лучше контролировать извилины акварели на бумаге нестандартного размера с помощью тонкой сухой глазури, более похожей на вязкость масла или чернил для гравюры.

Я медленно работал над этим монотипом следа, осторожно нанося пигмент и ожидая, пока каждое нанесение растечется и высохнет, прежде чем добавлять новые слои.

После полного высыхания отпечатка: усиление деталей и увеличение насыщенности и текстуры с помощью цветных карандашей на монотипии, поддерживаемой столиком на диване.

Что такое монотипия следа?

Если вы новичок в методе трассировки монотипии, вот одно из трех обучающих видео с моего демонстрационного канала на YouTube (ниже).Этот метод также называется монотипическим переносом чертежа. #somanywords

Если вы ищете расходные материалы, в каждом видео есть раздел «Показать еще», щелкнув по нему, вы откроете список со ссылками на все товары, которые вам понадобятся, чтобы сделать один из этих монотипов на кухонном столе.

Для изготовления монотипии следа не нужен пресс.

Монотипия следа также используется на ткани и в смешанной технике. Вот 25-минутное обучающее видео, в котором демонстрируется печать с листа оргстекла на вручную обработанной ткани (тот же процесс работает на бумаге) с использованием основных материалов и без пресса.

Лаура Кемшалл красноречиво и обнадеживает в своей демонстрации, так что взгляните на нее и приготовьте свои художественные принадлежности для послеобеденной печати, сидя на подушках за журнальным столиком!

Спасибо, что заглянули сегодня, и желаю творческой недели. Увидимся в следующем посте!

Белинда

Художественная цитата

Чтобы жить творческой жизнью, мы должны избавиться от страха ошибиться.

Джозеф Чилтон Пирс
Имбирное оперение 8 × 8 Trace Monotype акварелью и цветным карандашом (доступно здесь.)

Сохранить на потом и поделиться!

Trace Monotype Портрет с акварелью — он же Drawing Transfer Monotype

Что такое монотипия следа?

Монотипия следа — это форма гравюры, основанная на рисовании на листе бумаги, лежащем на покрытой чернилами пластине, поэтому контакт с чернилами на обратной стороне вашего рисунка является отпечатком.

Монотипия следа, или монотипия переноса рисунка, очень доступна, потому что здесь нет инструментов или резьбы (как в ксилографии или гравюре).

Даже если вы плохо рисуете, вы можете просто обвести свои линии, как следует из названия.

В качестве бонуса для создания монотипии следа не требуется печатная машина, и существует множество способов добавить другие материалы для улучшения монотипии следа с помощью цвета.

Методы отслеживания монотипии

Вот фотографии одного из подходов к этому замечательному процессу создания гравюры:

Пошаговый метод создания монотипии следа

Равномерно накатав печатную краску с помощью брейера на гладкую пластину (вы можете использовать в качестве пластины металл, стекло, чертежную пленку или акрил), я кладу тонкий лист бумаги для печати (вы можете использовать 90-фунтовый чехол Arches или BFK Rives Lightweight). ) поверх влажных чернил и аккуратно нарисуйте на бумаге начала моего изображения техническим карандашом.

Если ваши чернила очень рыхлые или влажные и блестящие, вы можете сначала промокнуть их листом газетной бумаги. Положите газетную бумагу (или старую страницу телефонного справочника) на тарелку с чернилами и погладьте ее нежно, как будто вы разглаживаете складку на простыне. Будьте осторожны, но тщательно, чтобы вся поверхность тарелки была промокнута с одинаковым давлением. Выбросьте газетную бумагу.

Теперь положите бумагу для печати на тонкую, менее влажную поверхность чернил и нарисуйте свой рисунок. Давление при рисовании собирает чернила на обратной стороне бумаги, когда ваш карандаш надавливает на титульный лист.

Используя технический карандаш, нарисуйте графический рисунок на тонкой бумаге, который проталкивает лицевую сторону бумаги во влажные чернила на пластине.

Для этой части процесса рисования полезно использовать небольшой кусок нескользящего материала под тарелкой, чтобы она не соскользнула, и мостик для рисования, чтобы ваша рука не проталкивала бумагу в пигмент и не оставляла синяков чернил. на ваше искусство.

Вы также можете использовать кусок малярной ленты, чтобы удерживать верхнюю часть бумаги для печати на месте, как петлю, чтобы вы могли заглядывать под нее во время рисования, чтобы убедиться, что вы собираете чернила.

Если ваши чернила кажутся слишком тяжелыми, а ваша легкая бумага погружается во влажный пигмент твердой пластинчатой ​​массой, обязательно используйте эту технику промокания: положите на чернила обрывок газетной бумаги, погладьте его очень слегка и равномерно рукой, а затем снимите его, чтобы удалить немного верхнего слоя чернил со всей пластины. Это все равно, что стереть лишнюю помаду салфеткой. ?

Затем положите новый лист бумаги для печати поверх только что разбавленных чернил и нарисуйте (или начертите) свой рисунок.Если вы проводите обводку, положите эталонную фотографию поверх бумаги для печати, крепко удерживая сэндвич пластина-бумага-фотография одной рукой, проведите линии прямо на фотографии.

Вытягивание отпечатка: аккуратно снимите бумагу с окрашенной пластины, чтобы увидеть монотипию следа на обратной стороне вашей бумаги. При контакте с влажными чернилами на бумаге будут оставаться дымчатые пятна, в зависимости от зуба бумаги, вязкости чернил и инструмента, которым вы пользуетесь для рисования. Контрподтверждение монотипии следа, показанного выше, до добавления акварели.Обратите внимание на прекрасный эффект сфумато, когда бумага соприкасается с чернилами.

утроить ваши результаты

Два дополнительных преимущества использования этого процесса печати могут привести к еще большему количеству искусства за один творческий сеанс. После того, как вы снимете монотипию следа с накрашенной пластины, вы увидите карту своего рисунка, нанесенную чернилами (см. Ниже).

Эти чернильные бороздки — прекрасная отправная точка для создания монотипии темного поля с этой пластины. См. Видеоинструкцию по этому процессу здесь.

Гравюра «Все в зеленом» выше оставила чернильную пластину с прекрасным началом для монотипии темного поля чернилами.

Но подождите, это еще не все!

Помимо монотипии следа, снятой с пластины, и монотипии темного поля, созданной с помощью оставшихся чернил на пластине, вы также можете печатать со своего отпечатка! Я знаю — сумасшедший ! ? Но оставайся со мной; Монотипия следа, которую вы только что сняли с пластины, имеет рисунок мокрыми чернилами на одной стороне бумаги.

Вы можете положить влажную сторону вниз на свежий лист бумаги для печати и либо протереть рукой (удерживая оба листа вместе с эффектом супергероя), либо прокатить их через пресс, чтобы сделать * еще один * монотипный рисунок, печатать в обратном порядке, начиная с первого! Круто, правда? Уу-у-у! См. ниже.

Это родственный отпечаток или контрпроверка: создание еще одного монотипного следа с первого, пока чернила еще влажные, путем прижатия чернильной стороной к свежему листу бумаги для печати.

Отбросив некоторые знания о гравюре!

Итак, теперь у нас с вами есть монотипия следа с вашего самого первого снятия чернильной пластины!

И монотипия темного поля из оставшихся чернил на той же пластине.

И есть еще один монотипный отпечаток, снятый с еще влажной поверхности первого монотипа следа, , который также называют родственным отпечатком или контрпробой !

#somanyartwords ??‍?

Трое по цене одного! Помпоны, конфетти и ликующие толпы! Взявшись за руки, мы делаем ирландскую джигу по комнате!

Нанесение прозрачной краски на родственную монотипию следа печати в этом прекрасном процессе создания гравюры. Еще одно контрдоказательство — монотипия следа извлекается из только что родившейся монотипии следа, пока чернила еще не высохли на первом отпечатке. Столько искусства, с которым можно поиграть! После высыхания туши можно добавить акварель, цветной карандаш, пастель, гуашь, мелки caran d’ache.Возможности — арт-вечеринка! Монотипия All in Green 5 × 4,5 дюйма с акварелью (продано)

Советы по созданию монотипов

Итак, теперь, когда вы знаете, как создавать гравюры, давайте сделаем что-нибудь! Вот несколько советов:

  1. Для начала сделайте свой дизайн относительно простым, с большим пространством между линиями. Выбирайте изображение, в котором не много деталей, пока не разберетесь с расходными материалами.
  2. Результаты будут сильно различаться в зависимости от вашего выбора чернил, толщины, которую вы раскатываете на пластине, веса и зубца бумаги, вашего инструмента для рисования и влажности окружающей среды.
  3. Чтобы избежать разочарования, рассмотрите свои первые несколько отпечатков ЭКСПЕРИМЕНТАМИ, а не прицеливаясь прямо в ворота для ШЕДЕВРА. Если вы хотите узнать больше о монотипиях в целом, вот плейлист из моего учебника по монотипии и демонстрационного канала на YouTube.

Не стесняйтесь оставлять вопросы в комментариях на канале или здесь, в блоге. И вы можете подписаться на канал здесь или на блог здесь, чтобы не пропустить предстоящие учебные материалы.

Удачной печати, увидимся в следующем посте!

Белинда

Еще один монотипный рисунок, сделанный прямо со стола из оргстекла в моей студии с остатками чернил из другого проекта.
П.С. Откуда взялось это название?

Все в зеленом, моя любовь ехала верхом
на большом золотом коне
в серебряный рассвет.

и е Каммингс

Художественная цитата

Я считаю искусство клеем, культурным и социальным клеем. Это один из способов показать нам, во что мы верим и что мы празднуем; это послужило укреплению наших отношений друг с другом.

Эрик Фишл
Посетите этот эффективный онлайн-курс « Как назвать свое искусство» , в котором представлены три метода создания названия для вашего искусства.И получите скидку только для вас. 🙂

Сохранить на потом и поделиться!

Чем монопринт отличается от монотипа

Достаточно пройти на 15th Street Galley, чтобы увидеть, что мы одновременно и галерея современного искусства, и служба создания картин и картин. Помимо масляных и акриловых картин, в галерее представлены многие виды работ на бумаге, в том числе литографии, гравюры на дереве, коллажи, монотипии и монопринты. Большинство коллекционеров, как опытных, так и только начинающих, обладают общим пониманием этих средств массовой информации.

Ну кроме последних 2: монотипов и монопринтов . Различия между ними часто сбивают с толку коллекционеров произведений искусства и, честно говоря, даже некоторых арт-дилеров. Это один из наиболее часто задаваемых вопросов: в чем разница между монографией и монотипией ?

Итак, начнем:

Гравюра 101: монотипия или монография

Во-первых, следует отметить, что на протяжении всей истории два термина, монопринт и монотипия, использовались как синонимы.Но не более того.

В сегодняшнем постмодернистском мире, где иногда кажется, что вещи отходят от определенных правил, термины монопринт и монотипия фактически стали более конкретными и стали относиться к 2 различным, хотя и схожим типам гравюр.

Начнем с их сходства. Наиболее очевидным является то, что и монотип, и монопринт включают перенос чернил с гладкой неабсорбирующей поверхности, например, из металла, стекла или поликарбоната, на бумагу, холст или другую поверхность, выбранную художником.Еще одно сходство заключается в том, что оба включают использование пресса, часто с металлическим роликом, оказывающим давление на обратную сторону бумаги, который переносит чернила с пластины на бумагу или холст. На этом сходство заканчивается.

Монотипии

Давайте сначала определим каждый отпечаток, глядя на монотипию. Монотипия на самом деле очень простая среда, для которой требуется только нанести пигменты или чернила на гладкую основу. Табличка для монотипии — это чистая гладкая поверхность, на которой нет стойких отметин и надрезов.

Изобразите картину на гладком акриле. Это изображение на гладкой поверхности создается нанесением чернил. Его можно наносить кистью, валиком, мазью или наносить любым способом, который подходит художнику. Художник может дополнительно манипулировать чернилами до того, как лист бумаги будет нанесен поверх изображения. Эта пластина с нанесенной на нее бумагой затем пропускается через пресс. Создана уникальная, единственная в своем роде работа на бумаге.

Итак, вот вопрос, который нам часто задают в этот момент объяснения: почему художник не избегает всей этой ерунды, связанной с тарелкой и прессом, и просто рисует прямо на бумаге?

Проще говоря, наш ответ таков: монотипия может иметь замечательную прозрачность в сочетании с многослойностью, которую вряд ли можно получить от картины на бумаге.Также многие художники-монотиписты, с которыми мы работаем, сказали нам, что им нравится элемент неожиданности, который приходит с поднятием бумаги с тарелки после того, как она прошла через пресс. Никогда нельзя сказать наверняка, как будет выглядеть отпечаток. Иногда они, конечно, могут быть разочарованы, но, как элегантно выразился один из наших художников, бывают и «счастливые случайности». Нумерация монотипов обычно оставляется на усмотрение художника. Некоторые решили пронумеровать их 1/1, в то время как другие художники предпочитают вообще избегать какой-либо нумерации.

Монопринты

Монопринт, в отличие от монотипа, входит в серию, поэтому не является полностью уникальным. Монопринт начинается с травленой пластины, в отличие от гладкой пластины монотипа. Изображение на этой гравированной пластине является основным изображением всех монографий в серии. Это константа, общая для каждого отпечатка в серии. Художник добавляет различные пигменты и рисунки на единообразное изображение каждого вытянутого отпечатка. Монопринты часто рассматриваются как вариации на одну тему.Тема, конечно же, — это устойчивое вытравленное изображение, которое есть на всех принтах. Вариации бесконечны. В каждом принте есть что-то уникальное. Серия монопринтов имеет ограниченное количество экземпляров, и каждая пронумерована.

Итак, вот и наше исчерпывающее объяснение различий и сходств между монотипами и монопринтами. Мы могли бы быть более техническими, но цель этого блога — предоставить вам очень простое объяснение.

Японская живопись кистью: методы и история

История и значение японской живописи кистью

Традиция рисования суми-э или кистью пришла в Японию из Китая, где она развивалась во времена династии Тан (618-907). Практика использования кисти для нанесения отдельных осознанных мазков восходит к духовности и дзен-буддизму. В суми-э есть глубокий символизм. Белый (фон или бумага, на которой нарисовано изображение) напоминает Вселенную, а черный (чернильные линии) — материальные формы, существующие внутри нее.

По мере расширения китайской культуры искусство распространилось из Китая в Корею, а затем из Кореи в Японию в середине 14 века. В Японии в период Муромати (1338 — 1573) праздновали суми-э, и художники прославились своими работами, в том числе Сесю Тойо.

Пример японской кисти Сесю Тойо, около 1450 г.

Сохранение сущности

Суми-э — это линия и форма.Это красиво, просто и элегантно. Цель не в том, чтобы детально и точно передать предмет. Скорее, это изображение, отражающее сущность или душу объекта. Чтобы создать образ суми-э, художник должен быть вдумчивым и внимательным. После того, как линия была нанесена на бумагу, она необратима и не может быть отменена. Если художник ошибается, надо начинать заново.

Прежде чем мы обсудим, как рисовать японской кистью, давайте рассмотрим четыре важных инструмента. Первый — это сузури или чернильный камень.На поверхности чернильного камня есть неглубокое отверстие, в котором создаются чернила.

Второй инструмент — это суми, или чернильная палочка. Он сделан из углерода (из сгоревшего растительного материала), который спрессован в твердую, сухую форму. Чернильный стик притирается к чернильному камню для получения порошка. Для правильного измельчения чернил требуется время, потому что чем мельче измельченный материал, тем лучше качество чернил. Затем к этому измельченному сухому материалу добавляют воду, чтобы сделать чернила.

Инструменты, используемые в суми-э, включая чернильный камень, чернильную палочку и кисть.

Третий инструмент — fude или кисть.Кисти суми-э обычно изготавливаются вручную и бывают трех видов. К ним относятся кисти из коричневых волос таких животных, как ласки, из белых козьих волос и из смеси белых и коричневых волос. Каждый вид кисти создает разные типы мазков. Например, у нежных каштановых волос есть заостренный кончик для создания тонких линий.

Четвертый инструмент — ками или бумага. Суми-э делается на бумаге из натуральных материалов, таких как рис, спинка тутового дерева или тканая шелковая ткань.

Техники японской живописи кистью

Чтобы сделать суми-э, художник использует один аккуратно нанесенный мазок для каждой отметки. Чтобы создать тонкую линию, они держат кисть вертикально и тянут ее по бумаге, не оказывая давления. Чтобы нанести более толстый мазок или линию разной толщины, они держат кисть одинаково, но меняют давление, когда проводят ее по бумаге. При изменении давления меняется толщина линии. Чтобы сделать толстую блочную линию, они заполняют кисть чернилами, затем держат ее на бумаге под углом 45 градусов и протягивают ее боком по бумаге.

Картина суми-э Гочику Накамура (1827-1913)

Художники годами совершенствуют свои мазки и понимают, как тонкие изменения положения и давления могут создавать различные эффекты на бумаге.

Теперь, когда вы знаете о суми-э или японской живописи кистью, возможно, вы захотите попробовать создать собственное красивое изображение.

Краткое содержание урока

Японская живопись кистью или суми-э — это метод создания искусства с использованием кистей и туши.Это древний вид искусства, пришедший в Японию из Китая через Корею в 14 веке. По своей простоте и сосредоточенности он связан с дзен-буддизмом.

Sumi-e — это монохроматический , что означает, что он использует только родственные тона одного цвета или оттенка. В суми-э есть четыре важных инструмента, в том числе сузури или чернильный камень; суми или чернильный карандаш; fude или щетка из нескольких видов натуральных волосков; и ками или бумага.Художник использует разные виды продуманных мазков. Они могут создавать тонкие линии и толстые блочные заштрихованные участки, варьируя положение и нажим кисти.

Рисование японских цветов за 5 минут

Это идеальное время для вдохновения, поэтому давайте создадим акварельную картину с изображением японского вишневого дерева (также известного как сакура), используя простые акварельные техники! Это довольно просто; это займет не более 5 минут вашего времени.Просто следуйте инструкциям ниже!

Используемые материалы:

  • Альбом для рисования (размер 12 ″ x 16 ″)
  • Подушечка для акварели холодного отжима (140 фунтов, размер 12 ″ x 16 ″)
  • 2B Карандаш
  • Фен
  • Рулон туалетной бумаги

Краски (акварели художников Гольбейна)
  • Crimson Lake
  • Jaune Brilliant # 2
  • Кадмий желтый лимонный
  • Павлиновый синий
  • Умбра жженая
  • Prussian Blue
  • Cobalt Green
  • Brilliant Orange
  • 3 Индиго

    Кисти

    • Кисть круглая (№12)
    • Круглая кисть (№ 8)

    Шаг 1: Нарисуйте свое вишневое дерево

    Попрактикуйтесь в рисовании общей формы и тонов дерева, определив, куда падает свет и где будут отбрасываться тени. . В этом уроке наш художник, г-н Шибасаки, создает несколько фигур, чтобы проиллюстрировать затенение самого дерева, а также «дыры», где есть промежутки в листьях, чтобы сделать картину более реалистичной.

    Также он рекомендует не делать набросок слишком точным.Он начинает с работы с упрощенным деревом, а затем для настоящей живописи рисует реальную форму колючего дерева с неровными отверстиями. Точно так же, когда вы хорошо поймете, откуда исходит свет и где добавить отверстия, вы можете перейти от практики в своем блокноте к рисованию более детального дерева в акварельном блокноте.


    Шаг 2: Нарисуйте первый слой ваших японских цветов

    Используя круглую кисть (№ 12), начните с очень легких мазков разбавленной смеси Crimson Lake и Jaune Brilliant # 2.И при рисовании свободно, используйте технику мокрого по сухому (то есть влажную краску на сухой поверхности), чтобы нарисовать верхнюю часть дерева, избегая бликов.

    Для средней и нижней части дерева закрасьте более плотным слоем тех же цветов. А затем добавьте в смесь немного синего павлина и расставьте точки в нескольких областях, чтобы получить средние тона.

    Повторите тот же процесс, но снова сделайте это с более густой смывкой краски. Это придаст вам более темный фиолетовый оттенок. Вы также можете попробовать разбрызгать краску по направлению к центру для более естественного эффекта.


    Шаг 3. Дайте первому слою высохнуть

    Дайте высохнуть первому слою краски или, если вам не терпится, используйте фен. Помните, что цвета, которые вы использовали в картине с деревом, будут выглядеть светлее, когда она высохнет.


    Шаг 4: Нанесите больше цветов на ваши цветы сакуры

    Создайте ту же смесь цветов, затем сделайте несколько слоев и брызг. Для этого убедитесь, что вы добавили в краску ровно столько воды и что бумага полностью высохла, чтобы не активировать первый слой и не смешивать его с текущим.Затем аккуратно ударьте краской по центру елки. Вы также можете добавить в краску немного желтого лимона кадмия для разнообразия, слегка промокнув для более мягкого ощущения.

    Этот второй слой придаст вашей картине дерева дополнительное измерение и определенно поможет сделать ваше дерево более естественным.


    Шаг 5: Подчеркните тона теней на изображении дерева

    Смешав больше красной и синей краски, вы получите более глубокий оттенок фиолетового. Вы можете использовать это, чтобы закрасить нижнюю правую часть дерева, где меньше всего света.Добавление и усиление этих теневых тонов очень важно, поскольку они придадут объем вашей акварельной картине. Используйте легкие мазки и снова постукивайте, чтобы создать слои из этих простых акварельных техник!


    Шаг 6: Установите японское дерево на фоне голубого неба


    Когда цветочная часть вашего дерева готова, вы можете рисовать в небе, которое служит фоном для вашей картины дерева. Используя технику мокрого по сухому, нарисуйте синий фон Павлин.С помощью синего цвета «обрежьте» форму дерева. Но помните, что вам не обязательно следовать оригинальному эскизу дерева! Помните, что ранее мы использовали несколько простых акварельных техник, чтобы создать плавное и мягкое на вид дерево сакуры, поэтому помните об этом, когда будете рисовать небо, чтобы сохранить плавность и естественность всей картины.


    Шаг 7: Добавьте ветви и ствол

    Заполните «дыры» в дереве тем же синим цветом, что и небо, примерно по своему эскизу, как считаете нужным.Вы можете быстро высушить их феном, прежде чем добавлять сверху небольшие веточки.

    Чтобы раскрасить эти ветки, выберите нет. 8 круглой кистью и добавьте жженую умбру к ранее использованной краске Peacock Blue. Затем «нарисуйте» свои ветви и ствол дерева, убедившись, что ветви расходятся наружу от основного ствола. Для текстуры или в случае избытка краски используйте край рулона туалетной бумаги и снимите часть краски со ствола.

    Чтобы подчеркнуть здесь теневые тона, добавьте берлинскую лазурь к коричневой смеси и добавьте ее к теневым участкам ствола и ветвей.Опять же, не обязательно слишком точно повторять ваш набросок.


    Шаг 8: Заземлите его, используя несколько простых техник акварели

    Для грунта используйте яркие цвета Кадмий желтый лимон и зеленый кобальт, чтобы наложить несколько мазков, используя как мокрый по сухому, так и мокрый -влажная техника. Совет профессионала: для более мягкого смешивания идеально подходит нанесение влажной краски на влажную поверхность — так называемая техника «мокрое по мокрому»! Затем смешайте Jaune Brilliant # 2, Brilliant Orange и Crimson Lake и слегка нанесите получившийся цвет на землю, чтобы изобразить упавшие на землю лепестки сакуры.Наконец, добавьте легкий оттенок разбавленного индиго, чтобы проиллюстрировать тень дерева.

    Готово! С помощью всего лишь пары простых акварельных техник вы сможете запечатлеть неземную красоту весны в Японии, или даже в Канаде или США! Спасибо, что поделились с нами этим видео, мистер Шибасаки.

    Если вы хотите просмотреть видеоверсию этого руководства, просто нажмите на ссылку ниже. Не забудьте включить субтитры!

    Японский дедушка-художник стал неожиданным хитом YouTube с уроками акварели

    «Дедушка» на YouTube, размещающий видеоролики в основном о технике акварельной живописи, становится маловероятным успехом у зрителей как в Японии, так и за рубежом.

    Самое популярное видео художника Харумичи Шибасаки собрало более 5 миллионов просмотров, а по состоянию на 22 сентября у него было более 28,4 миллиона просмотров и около 679 000 подписчиков. Итак, я посетил его студию в префектуре Тиба, к востоку от Токио, чтобы спросить о его недавней известности.

    Первое, что сказал 73-летний парень при встрече со мной, было: «Я Шибасаки», что повторяется в начале всех его видео. Среди бесчисленных предметов искусства в его студии, спрятанной среди лесов и полей, было оборудование для видеопроизводства, включая зеркальную камеру с одной линзой, светодиодные фонари и компьютер.«Я почти всегда снимаю видео сам», — пояснил он.

    Ютубер и художник Харумичи Сибасаки в своей художественной студии в префектуре Тиба 4 сентября 2020 г. (Mainichi / Kaho Kitayama)

    Сибасаки родился в префектуре Тиба, к востоку от Токио, в 1947 году. После окончания факультета искусств в университете Вако он преподавал масляную и акварельную живопись в заочной художественной школе и на три месяца жил в Соединенных Штатах. 2001 для дальнейшего развития своих навыков.Сибасаки также проводит персональные выставки один или два раза в год в торговом районе Гиндза.

    «К счастью, количество постоянных клиентов постепенно увеличивалось, и меня приглашали приехать и преподавать в разных местах», — сказал он.

    Он стал ютубером после того, как в 2016 году его 47-летний сын, работающий в ИТ-фирме, спросил его: «Разве вы не хотите, чтобы люди со всего мира смотрели на ваши работы?» До этого YouTube не имел отношения к Шибасаки.Однако он принял решение после того, как подумал: «У меня есть ноу-хау, основанное на всех моих годах преподавания. Я не только хочу, чтобы люди смотрели на мои работы, я хочу передать радость рисования». Он открыл свой канал «Акварель Шибасаки» в марте 2017 года.

    Большинство видео Сибасаки длится от 5 до 15 минут и учит зрителей, как рисовать природные пейзажи и другие сцены акварелью. Видео также углубляются в мельчайшие детали техники. Например, в видео о рисовании деревьев Шибасаки говорит зрителям «распустить кисть веером» и ткнуть холст, чтобы изобразить разные виды листьев.

    Некоторые из работ, которые ютубер и художник Харумичи Шибасаки завершили во время съемок своих видеороликов, можно увидеть в префектуре Тиба 4 сентября 2020 г. (Mainichi / Kaho Kitayama)

    Ютубер сказал мне: «Новички испытывают разочарование из-за того, что не могут нарисовать знакомые предметы, которые кажутся легкими. Я надеюсь помочь им преодолеть этот этап».

    Шибасаки также щепетильно относится к своим методам записи.Показывая крупным планом свою работу во время рисования, чтобы объяснить свой процесс, Шибасаки держит свой смартфон рядом с лицом, «чтобы обеспечить зрителям реалистичный вид на уровне глаз» и предотвратить искажение перспективы, вызванное широкоугольными объективами.

    Но поскольку он снимает свою работу одним кадром, то иногда допускает ошибки. Шибасаки криво улыбнулся и сказал: «Иногда я становлюсь слишком сосредоточенным и не замечаю, что забыл нажать кнопку записи, пока не закончу работу.Тогда мне придется начинать все сначала «.

    У живописи нет границ, поэтому его зрительская база — это люди со всего мира и всех возрастных групп. Вскоре после того, как Шибасаки начал размещать посты на YouTube, он увидел рост своей зарубежной аудитории, многие из которых просили английские субтитры. «Большинство людей, задающих подробные вопросы, — иностранцы», — пояснил он. И поэтому Шибасаки немедленно попросил переводчика поставить на все его видео английские субтитры.

    Чтобы познакомить зрителей с сельской жизнью и традиционными событиями в Японии, художник также старается подбирать различные сюжеты для своих картин.Согласно данным о годовой аудитории, предоставленным владельцам каналов YouTube, по состоянию на 12 сентября 22,4% зрителей Сибасаки были в возрасте от 18 до 24 лет, а 19,9% — в группе от 25 до 34 лет. Хотя многие из его зрителей — молодые люди, 18% его зрителей в возрасте 65 лет и старше. Кроме того, 51,4% его зрителей — японцы, а другая половина — из США, Индии, Великобритании и других стран.

    «После того, как я начал YouTube, круг людей, которые приходили на мои персональные выставки, изменился», — сказал он мне с улыбкой.Раньше большинство посетителей были пожилые женщины, проживающие в Токио, но теперь он видит людей из самой северной префектуры Хоккайдо, юго-западного острова Кюсю и даже иностранцев. Через двери его выставок прошли и семьи с детьми, и молодежь.

    Сибасаки также публикует сообщения в популярном приложении TikTok с января и собрал около 30 000 подписчиков.

    Помня о тех, у кого нет расходных материалов для акварели, а также о людях, у которых есть больше свободного времени в помещении из-за пандемии коронавируса, Шибасаки начал новые сегменты на своем канале, включая публикацию большего количества видеороликов, знакомящих с простыми методами рисования карандашом.

    Когда он попросил зрителей использовать хэштег «#shibastayhome» с фотографиями их картин в Instagram и других социальных сетях, почти сразу же было опубликовано несколько сотен снимков.

    «Я счастлив, потому что мой девиз — получать удовольствие от рисования, предоставлять простые для понимания (инструкции) и работать со всеми», — прокомментировал Шибасаки. Художник говорит, что у него есть еще очень много вещей, которые он хочет снять. «Есть поговорка, что искусство — это долго, а жизнь коротка. Я планирую делать то, что хочу делать сейчас.Я надеюсь, что смогу передать другим, что один из таких методов — это рисование ».

    (Японский оригинал Кахо Китаяма, Photo Group)

    Акварельные иллюстрации с японским влиянием (Флор Канеширо). Онлайн-курс

    Суми-э — это техника монохромного рисования, основанная на использовании китайской туши. Возникнув из Китая, он был завезен в Японию в середине четырнадцатого века. Флор Канеширо, аргентинский иллюстратор с окинавскими корнями, специализируется на этой технике, и ее рисунки выставлялись в Аргентине, Японии, Китае, Перу и США.Она также сотрудничала с такими издателями, как Quipu, Periplo Ediciones и Winged Words.

    В этом курсе Флор научит вас всему, что вам нужно знать о Суми-э; как создавать свои собственные иллюстрации, сочетая основные понятия акварели с мазками в японском стиле.

    Вы начнете с знакомства с Флор, ее окинавскими корнями и профессиональной карьерой иллюстратора. Она также покажет вам некоторые из своих референсов — от иллюстраторов до режиссеров.

    Вы познакомитесь с историей Суми-э, посмотрите на некоторые простые композиции этого стиля в качестве примеров, а затем ознакомитесь с материалами и инструментами, которые вы будете использовать.

    Вы сделаете свои первые мазки, выполнив несколько упражнений с акварелью, чтобы поэкспериментировать, научившись работать с цветами и пробелами в композиции.

    Вы начнете знакомиться с японской стороной акварели, изучая базовые стили мазка с учетом давления, скорости и направления.Изучив Четыре джентльмена суми-э — бамбук, орхидея, хризантема и слива — вы будете практиковать ее основные корни.

    Вы начнете создание своей иллюстрации с создания справочного файла, который затем будете использовать в качестве источника вдохновения при создании иллюстрации.

    Вы будете создавать свои первые наброски с учетом того, что ваша иллюстрация должна рассказывать историю. Вы перейдете от наброска к акварельной бумаге, рисуя выбранную композицию мягкими мазками, чтобы обеспечить большую свободу при нанесении цвета.

    После того, как вы решили, какую бумагу и какие цвета использовать, пора приступать к работе. Вы начнете с рисования самых основных элементов с высокими значениями тональной окраски, затем фона и элементов на переднем плане, используя более насыщенные цвета. Наконец, вы нарисуете персонажей своей иллюстрации, пытаясь создать контраст между ними и фоном, используя тонкую кисть, чтобы очертить те части, которые вы хотите выделить.

    После высыхания вы отсканируете свое произведение, чтобы оцифровать его и перенести в Adobe Photoshop.Вы ознакомитесь с основными инструментами программы, которые пригодятся для редактирования вашего произведения. Вы очистите иллюстрацию и улучшите ее цвета, чтобы получить хорошее цифровое воспроизведение, приближенное к исходной версии.

    Перед окончанием курса Флор даст вам несколько советов, которые она за годы собрала у других иллюстраторов, аниматоров, художников, издателей и друзей.

    Вы создадите иллюстрацию, рассказывающую историю, применив то, что вы узнали в курсе акварели и японских мазков кисти.

    Для иллюстраторов, дизайнеров и всех, кто интересуется рисунком, иллюстрацией и акварелью.

    Предварительные знания не требуются.

    Что касается малярных материалов, вам понадобятся: бумага для набросков, карандаши HB, 2B и 5B, ластик, точилка для карандашей, бумага для акварели 250–300 г, акварель в тюбике или сковороде, размер 0, 2, 8 и 14 мягкие круглые кисти для акварели. , керамический или пластиковый шпатель, впитывающие салфетки, водяной спрей, малярную ленту и воду.

    Для оцифровки ваших фигур вам понадобится компьютер с Adobe Photoshop и сканер.

    Акварельный цветочный нейл-арт в японском стиле. Техника

    .

    Дома в Токио и Ванкувере Жасмин Осима является сертифицированным мастером маникюра Японии. После обучения в Иокогаме она намеревалась познакомить мир с японским нейл-артом и создала Neiru, веб-сайт по нейл-арту, на котором проводятся онлайн-семинары, чтобы обучать подписавшихся участников новейшим японским тенденциям, техникам и стилям. По ее словам, с помощью виртуальных классов Осима помогает мастерам маникюра создавать свои собственные уникальные дизайны.Выполните следующие действия, чтобы узнать, как выполнить цветок акварелью.

    1. Когда на ноготь уже нанесено базовое покрытие гель-лаком, нанесите белый гель-лак в качестве основного цвета и полимеризуйте в течение 30 секунд под светодиодной подсветкой. Нанесите второй слой и закрепите. Нанесите верхнее покрытие и вылечите. Протрите ноготь спиртом и аккуратно подпилите поверхность пилкой для ногтей с зернистостью 180.


    2. Нанесите розовую, зеленую, синюю и фиолетовую акриловую краску на палитру для смешивания.Добавьте пару капель воды к каждому цвету, чтобы разбавить его.

    3. Остроконечной кистью для рисования нарисуйте лепестки, капнув разбавленной розовой акриловой краской в ​​форме лепестка. Старайтесь не ставить идеальные точки, чтобы не получить идеально круглую форму.

    4. Протрите кисть и убедитесь, что она немного высохла, и нанесите ее на каплю розовой акриловой краски, чтобы она впитала лишнюю воду и оставила эффект акварели.

    5.Повторите шаги третий и четвертый, чтобы создать остальную часть цветка со всеми цветами вашей палитры.


    6. Добавьте размер к дизайну, добавив падающие лепестки, повторяя шаги три и четыре.


    7. Используйте кисть для подводки и гель-лак с золотым блеском и нанесите его по центру ногтя и в любом другом месте, где есть открытое пространство. Излечивать.


    8. Нанесите верхнее покрытие гель-лака и поместите его в центр цветка, а сверху поместите кристалл.Излечивать. Покройте весь ноготь верхним слоем для дополнительного блеска. Излечивать.


    Чтобы узнать больше о шагах Осима, посетите www.neiru.me.

    Вам также может понравиться:

    Изучите японские техники нейл-арта — бесплатно

    Для запросов на перепечатку и лицензирование этой статьи щелкните здесь.

    советов по искусству от ArtSupply.com Картина водой

    Суминагаси, что буквально означает «плавающие чернила», — это древняя японская техника рисования на воде. Затем чернила или краска переносят на бумагу или другой впитывающий материал и дают высохнуть. Эту технику часто называют «мраморность», также как и эбру. В наши дни вы можете использовать чернила, акрил, масло и даже лак для ногтей с этой техникой рисования, чтобы создавать действительно интересные и неожиданные результаты!

    Настройка для этой техники довольно проста.Вам понадобятся следующие предметы:
    — акриловая краска или другая масляная краска среднего размера
    — емкость для воды, достаточно большая, чтобы в нее поместилась бумага
    — стилус или другой острый инструмент для манипуляции с краской

    Шаг первый: нанесение краски
    Чем больше масляная краска в вашей среде, тем меньше она будет растекаться и рассеиваться на поверхности воды. Вы можете добавить воду в краску перед тем, как поместить ее на поверхность воды, чтобы сделать ее более восприимчивой к динамике жидкости — например, к растеканию по поверхности.Самый простой способ нанести краску — это контролируемая техника разбрызгивания: наполните кисть краской или чернилами и зависните над поверхностью воды. Осторожно постучите по щетке другой рукой, чтобы капли чернил растеклись по поверхности. Вы также можете использовать острый инструмент (или другой конец кисти), чтобы нанести краску в определенные области: окуните инструмент в краску, а затем окуните покрытый краской кончик в воду.

    Шаг второй: манипулируйте поверхностью воды
    Это самая интересная часть.Самая распространенная техника манипуляции обычно называется «перетаскивание». Вы можете использовать тот же острый инструмент сверху. Поместите кончик инструмента в лужу с краской и слегка перетащите его. Это создаст «точку» в ванне с краской. Повторите эту технику, и вы начнете видеть, как можно «рисовать» краской на поверхности воды.

    Шаг третий: перенесите краску на бумагу
    После того, как ваш водный состав будет готов, вы можете перенести работу на бумагу. Впитывающая бумага, как и акварельная бумага, лучше всего подходит для наиболее точного переноса.Равномерно поместите бумагу поверх воды и дайте краске впитаться. Аккуратно потрите обратную сторону бумаги, чтобы убедиться, что она касается поверхности везде, где есть краска. Чтобы удалить бумагу, осторожно приподнимите один угол и проверьте, впиталась ли краска. Затем осторожно протяните бумагу по краю поддона для воды, чтобы удалить излишки воды, и повесьте бумагу, чтобы она высохла. Вуаля!

    Подсказка: Очистите водную поверхность от излишков краски, используя газетную бумагу, чтобы впитать все, что осталось.Тогда вы снова готовы к игре!


    Техника рисования | Акварель

    Акварельная живопись — одна из старейших техник, известных человечеству, и для ее освоения требуется большое мастерство. В блоге на этой неделе рассказывается о происхождении акварели, о том, как ее использование стало популярным во всем мире. и о некоторых великих мастерах, на которых стоит обратить внимание.

    Происхождение в Японии и Китае

    Это было средство, используемое художниками Китая и Японии с третьего века нашей эры , если не раньше, и, похоже, появилось в Индии и Персии примерно пять веков спустя, когда правители Туркестана начали нанимать китайских художников, от которых техника распространилась дальше на запад и юг.Интересно, что некоторые из самых ранних акварелей Китая имеют близость к темпераменту средиземноморских цивилизаций , хотя впоследствии китайцы предпочли чистую акварель непрозрачным формам, связанным с темперой. Подобно тому, как кисти, используемые европейскими художниками, были сделаны из соболя или свиного волоса, в зависимости от желаемого качества работы, так и китайцы использовали эти материалы в своих кистях, но с той заметной разницей, что последние были бесконечно тоньше, чем требовалось. чрезвычайно нежный характер их манеры письма.Таким образом, китайские художники и каллиграфы достигли необычайного диапазона стилей, от самых изысканных, почти микроскопических стилей до грубых, энергичных форм .

    Адаптируемая среда

    Еще одно важное различие между китайской и западной живописью состояло в том, что китайцы в первую очередь интересовались дизайном , тогда как цвет всегда имел второстепенное значение. Универсальность акварели соответствовала материалам, на которых они были выполнены.В то время как западные художники полагались на деревянные панели и холсты, китайцы с самого начала предпочитали бумагу и шелковые панели . Самые ранние образцы бумаги были относительно грубыми и изготавливались из коры определенных деревьев. Позже появился тип бумаги из шелковых волокон, а позже все еще была очень жесткая, твердая рисовая бумага. Затем листы шелка были приклеены к слоям бумаги, и это, по-видимому, оказалось наиболее подходящим материалом, поскольку он оставался более или менее постоянным на протяжении многих столетий.В основном использовались черные чернила, хотя также использовались глубокие оттенки сепии, но под влиянием буддизма были введены роскошных цветов , а также обильное использование сусального золота . Поэтическое внушение, а не изображение было лозунгом китайских акварельных композиций в династии Сун. Интерес к пейзажу также развился и стал доминирующей чертой более позднего китайского искусства. Цвета теперь были более приглушенными и использовались экономно. Достигнув вершины совершенства около 1000 г. н.э., китайская акварель оставалась относительно статичной на протяжении веков, а ручные свитки и гобелены, выполненные в этой среде, продолжались с небольшими стилистическими различиями, пока влияние западного искусства не начало давать о себе знать. в конце девятнадцатого века.

    Распространение китайского стиля

    Техника акварельной живописи распространилась в Японии в середине шестого века и примерно до 850 года нашей эры рабски следовала китайским узорам и техникам; но затем начал развиваться отчетливо японский стиль, чему способствовало создание ряда школ . С пятнадцатого до конца семнадцатого веков произошло возрождение китайского стиля, когда возник новый популярный стиль. Постепенно это уступило место более натуралистическому стилю , на который в некоторой степени повлияли идеи, привезенные из Европы Portuguese , а затем Dutch , но с учетом специфических параметров японской акварельной живописи.Расцвет японской акварели пришелся на конец семнадцатого века, когда была основана художественная школа, основанная Хисигава
    Моронобу (1646–1713). Пейзажи, портреты актеров театра Кабуки, гейш и придворные сцены , составляющие Укиё-э («картины парящего мира»), составили большую часть акварельной живописи и вдохновили на создание блочных принтов. раскрашенный вручную. Примерно с 1875 года западные влияния в акварельной живописи можно обнаружить в более широком использовании светотени и линейной перспективы , а также в большей концентрации на точном воспроизведении формы, что ранее имело второстепенное значение.

    Расширение и улучшение

    Персы научились технике акварели у китайских художников, которые привезли свое ремесло в Туркестан, но от этого раннего периода, похоже, сохранилось очень мало. Даже акварельные миниатюры периода монгольских нашествий встречаются очень редко. В Герат , однако, в четырнадцатом веке была основана великая школа искусства, на основе которой были разработаны изысканно украшенные драгоценностями рукописи, которые достигли своего пика совершенства во времена императоров Великих Моголов и сопровождали их на юг, в Индию .В период с шестнадцатого по восемнадцатый века индийское акварельное искусство расширилось, включив мелкие фрески, выполненные на бумаге с использованием техник фрески и темпера , а также чистых цветов. Развивались различные методы обработки или глянцевания поверхности бумаги, главным образом для улучшения внешнего вида портретов.

    Акварельная живопись развивалась в Европе в средние века и широко применялась в монастырях, и других религиозных организациях.Подавляющее большинство этих миниатюрных картин было выполнено на пергаменте, редко как отдельные работы и обычно составляло украшение рукописных книг . Ответвлением этого была разработка портретной миниатюры, выполненной на гладкой карточке или небольших пластинах из слоновой кости, причем акварель была предпочтительным средством.

    Великие художники

    Акварельные наброски и предварительные карикатуры, как известно, были созданы некоторыми из величайших мастеров, от Питера Пауля Рубенса (1577–1640) и Рембрандта (1606–69) до Альбрехта Дюрера (1471–1528) и Оноре. Домье (1808–79), но акварель как самостоятельная форма искусства по-настоящему приобрела известность только во второй половине восемнадцатого века.То, что начиналось как любительское развлечение, получило гораздо более высокий статус в руках таких художников, как Пол Сэндби (1725–1809), Сэмюэл Скотт (1710–72) и Томас Малтон (1748–1804). Последний производит несколько замечательных изображений архитектурных сюжетов. Расцвет английской акварели пришелся на период с 1780 по 1850 год, и на свет появилось несколько первоклассных пейзажистов, таких как Джон Роберт Козенс (1752–97), Питер де Винт (1784–1849), Джон Селл Котман (1782). –1842), Томас Гиртин (1775–1802) и Корнелиус Варлей (1781–1873).Но самым известным художником, который, можно сказать, сделал акварель своим собственным средством, был J.M.W. Turner (1775–1851), и было бы верно сказать, что его исследование техники этой среды значительно улучшило его работу с маслом. Диапазон его акварелей невероятен и раскрывает Тернера как смелого и творческого новатора. Во второй половине девятнадцатого века и двадцатом веке акварель была важным аспектом британского искусства в руках таких художников, как сэр Уильям Орпен (1878–1931), Сэмюэл Палмер (1805–81), Джулиан Эштон (1851–1942) и многие другие.Также не следует забывать, что акварель широко использовалась прерафаэлитами и их преемниками, особенно сэр Эдвард Бёрн-Джонс (1833–98), чьи картины, выполненные в этой среде, отличаются изысканным ювелирным качеством.

    Если вы только начинаете осваивать свои творческие способности, в конце месяца выходит наша книга How to Paint Made Easy , которая может дать вам несколько отличных советов и уловок, чтобы начать создавать красивые картины.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.