Современный портрет в живописи: ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 17 (1). Современный портрет.

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 17 (1). Современный портрет.

«Портрет как жанровая категория скорее мертв, чем жив.
Но, если рассматривать все актуальные практики сегодня,
и если есть некие живые проявления портретного жанра,
то это скорее жизнь после смерти.»  Марат Гельман.
Заканчивая тему живописного портрета, я перехожу к самому трудному для меня периоду, так как только пытаюсь научиться пониманию современной живописи, далеко не все мне нравится, далеко не все я воспринимаю, но я стараюсь разобраться, не отвергая, не критикуя, а только изучая, о чем прошу и тех, кто будет это читать и смотреть. В конце ХХ века в период позднего постмодернизма отношение художников и зрителей к портрету сильно поменялось. Мало кто требует сегодня от портрета сходства с оригиналом, зритель воспринимает любое изображение «как симулякр, знак товара, власти, политики, моды, поп-культуры и так далее» (М.Гельман).

Стилевое разнообразие в современной галерее портретов поражает воображение – от классического реализма до абстракционизма, от экспрессионизма до нео-поп-арта, от сюрреализма до биомеханической живописи, от импрессионизма до «искусства ради искусства»… Только в этой своей статье я сделала подборку портретов, написанных в 16 разных направлениях живописи. Начнем с корифеев, работавших в стиле поп-арт, одним из самых знаменитых идолов которого был Энди Уорхолл (1928-1987).

Особенностью его творчества было применение трафаретной печати для создания своих картин. Портреты, выполненные им, представляли яркий идеализированный образ без недостатков и изъянов, в чистых сочных тонах, часто в нескольких расположенных вряд экземплярах разного цвета. Эти ярко раскрашенные портреты становились «иконами» нового времени и иногда даже превосходили по популярности самих личностей, изображенных на них, но чаще личности эти уже имели мировую известность.

На «Фабрике», так он назвал свою огромную студию в Нью-Йорке, за день при участии помощников создавалось множество десятков одинаковых работ, определить авторство каждой из них было не всегда возможно. Позже
эта студия превратилась еще и в прибежище разных маргиналов, трансвеститов, наркоманов, проституток, Уорхолл позволял своей «пастве», своим «детям» заниматься там чем угодно, помимо «штамповки» картин.

Подробнее о его жизни, привычках, страсти к коллекционированию всего и вся, экзальтированной эпатажности и одновременно врожденной застенчивости, жизни «на виду» и в то же время в глубоком душевном одиночестве, можно подробнее прочитать тут: https://artchive.ru/artists/8723~Endi_Uorkhol
Следующий художник этого направления Алекс Кац (1927),

родился в Бруклине, последние 40 лет своей долгой творческой жизни пишет исключительно портреты, настаивая на том, что его картины «также реалистичны, как картины Рембрандта». В отличие от Уорхолла он не использует трафаретную технологию, а пишет кистью и красками, делает множество эскизов, и только потом переносит все на большой холст, покрывая его плоскости локальным чистым цветом и ясными четкими линиями.

Сам художник называет свои картины «содержательными и агрессивными», на самом же деле он постоянно стремится к соблюдению некоего внутреннего баланса между традицией и провокацией, и это приносит ему успех на выставках и аукционах (рекорд – 666000 $ на Christie’s). Ему сегодня 91 год, но он продолжает быть востребованным. (Прочитать о нем подробнее и посмотреть картины можно на его личном сайте тут: http://www.alexkatz.com/)
Английский художник, график и фотограф Дэвид Хокни (1937)

большую часть своей жизни прожил в США, в Калифорнии, видный представитель поп-арта, выдвинувший с физиком Ч.М. Фалько гипотезу о влиянии оптических приборов на реалистическую технику изображения в классическом европейском искусстве. Даже уже в преклонном возрасте художник продолжает оставаться экспериментатором, осваивая электронные гаджеты и мультимедийные экраны, называя работу художника главной любовью всей своей жизни, постоянно экспериментируя с разными техниками, путешествуя по всему миру и не отказывая себе, тем не менее, в жизненных радостях.

У него было и есть в жизни все: творчество, мировая слава, свобода, большая любовь с Питером Шлезингером, кутежи и сумасбродства, инсульт в 2012 году, почти полная потеря слуха, но он продолжает работать в своей студии по 6 часов в день, уверяя, что чувствует себя за работой тридцатилетним. (Если кого-то заинтересует его творчество: https://artchive.ru/artists/4449~Devid_Khokni)
    Одним из направлений в современной живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть образ, сохранив его схожесть с объектом в реальности, является фигуративная живопись — широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления, одно из которых — «фигуративизм» — делает упор на изображении фигуры человека или животного. Ярким представителем этого направления был английский художник еврейско-немецкого происхождения, внук Зизмунда Фрейда — Люсьен Фрейд (1922-2011)

Его образ, характер, биография, личная жизнь, поведение очень интересны и неоднозначны, (обо всем этом можно прочитать подробно тут: https://artchive.ru/artists/10456~Ljusen_Frejd), а в творчестве для него не существовало авторитетов и правил, он был по природе своей бунтарем, писал, что хотел (много обнаженной натуры) и как хотел. Некоторые критики причисляют его к направлению натурализма, для которого характерно изображение людей, не скрывающее их недостатков.

Например, этот портрет вызвал большое недовольство королевского двора. Большую часть его творчества занимали изображения обнаженных, главным образом, женских тел. Из-за того, что художник не скрывал недостатков фигуры, а иногда даже казалось, что нарочито их подчеркивал, некоторые считали его женоненавистником, хотя в жизни он пользовался колоссальным успехом у женщин, не знал им счета, и только признанных детей у него было 14.

Сегодня Люсьен Фрейд – один из самых дорогих современных художников, в 2008 году одна из его «обнаженных» была продана за 33,6 млн. долларов.
Американская художница Мишель Мюррей (1962), также представитель фигуративного направления в живописи,

росла в семье потомственных художников, сначала занималась коммерческим искусством, и только в возрасте 40 лет начала рисовать маслом, и главными любимыми персонажами ее картин являются женщины и дети.

Художница стремится отразить на полотне с помощью движения света и богатства цвета красоту момента, приподнятое состояние души изображаемых, величие и великолепие каждого момента в жизни человека.
Совершенно другим предстает перед нами творчество австрийского художника Эрнста Фукса (1930-2015),

сумевшего соединить классический реализм с сюрреализмом и другими радикальными направлениями в новом, созданном им самим стиле, названном «фантастический реализм». У него был необычайно широкий диапазон творчества, включавший не только многие жанры живописи, но и другие виды искусства — архитектуру, скульптуру, литературу, музыку…

Чрезвычайно интересны не только творчество художника, но и история его жизни, еврея по отцу и католика с 12 лет (по вынужденному для спасения жизни крещению — его мать была католичкой), его духовные поиски и интерес к средневековью, иудейской и христианской философии и религии, к мистике, его знакомство с великими Кокто, Сартром, де Кирико, особенно с Сальвадором Дали. Обо всем этом желающие могут прочитать тут: https://artchive.ru/artists/8005~Ernst_Fuks
О творчестве швейцарского художника Ганса Рудольфа Гигера (1940-2014), потрясающем воображение, пугающем, отталкивающем и одновременно притягивающем, я почти ничего не знала, так как не люблю научную (или псевдонаучную) фантастику, фильмы ужасов и поэтому не смотрела фильм «Чужой»,

получивший Оскара и принесший известность художнику. Автор сценария этого фильма, Дан O’Бэннон, рассказывал: ««Его картины произвели на меня глубокое впечатление. Я никогда раньше не видел ничего более жуткого и в то же время прекрасного, чем его работы.» Гигер, представитель фантастического реализма, основатель «биомеханического» искусства, с детства увлекался всем темным и таинственным, страдал ночными кошмарами, которые преследовали его всю жизнь, и которые он переносил (часто с помощью аэрографа) на бумагу и холст. Одна из самых впечатляющих его художественных работ, сборник иллюстраций «Некрономикон», вызывающих такие же смешанные чувства, как и его личность, и отсылающих к творчеству Босха.
(Ли Тоблер была подругой Гигера около девяти лет, пока в 27 лет не совершила самоубийство) Живопись для Гигера была еще и способом справиться с собственными кошмарами. А вот самого его поджидала совершенно прозаическая смерть: в собственном доме упал с лестницы и разбился насмерть. (Те, кого интересует творчество Гигера, могут прочитать о нем, например, тут: http://paranormal-blog. ru/gans-rudolf-giger/
 Продолжение разговора о современном портрете в следующих постах. В конце рассказа будет музыкальный видеофильм.

10 современных художников, известных всему миру

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски  – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях.

Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет.  В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

 Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио  определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов  – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

  

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Смотрите также:

Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова

Основы рисования: Инвентарь начинающего художника

Как начать рисовать чернилами

Виды портретов

Автор: Канарка Канта

Дата: 08 December 2020

Изначально портрет появился в изобразительном искусстве в эпоху Возрождения. Суть техники заключалось в передаче художником индивидуальности изображаемого человека или группы людей. Постепенно с развитием технологий и цифровых методов портрет плавно переместился в искусство фотографии.

Какие бывают портреты

На данный момент времени живопись и фотография в портретном жанре имеют огромное количество разновидностей. Главными пунктами для классификации являются эмоциональность героя, количество изображаемых людей. Особенно важно было правильно подбирать цветовую гамму.

Интересно, что портреты были изобретены с функцией замещения человека. Если важная персона изображена на картине, то значит, она присутствует в этой комнате, наравне с живыми людьми. Этим приемом пользовались императоры, которые не могли успеть сразу в несколько мест. Так, их портреты всегда висели в парламенте и в залах заседания суда.

Наиболее известными видами портретов считаются:

• • Парадный;
• • Камерный;
• • Костюмированный;
• • Коллективный;
• • Миниатюрный;
• • Исторический;
• • Портрет-прогулка;
• • Семейный;
• • Религиозный портрет;
• • Автопортрет.

Чтобы понять в чем их различия рассмотрим каждый вид портретов по отдельности, уделяя внимание характерным чертам, деталям изображения человека.

Особенности парадного портрета

Один из самых величественных типов портрета. Он был доступен только для высоко поставленных чинов, статусных людей, императоров, императриц, монархов или графов. Главная функция изображения заключалась в видимом возвышении человека, намеренном пафосе.

Обстановка должна быть пышной, богатой и роскошной, но не отвлекать от значимой фигуры. Человек размещается строго по центру в полный рост. При этом расположение может быть сидя или стоя. Одежда подчеркивает стилевое направление эпохи, обязательно присутствует атрибутика власти. Важно выдерживать цветовую гамму. Эмоциональное состояние спокойное, уравновешенное.

Характерные черты камерного вида

В отличие от парадного, камерный портрет должен был передавать не статус человека, а его духовное, эмоциональное состояние. В них самое главное – это личность, а не регалии.

Исторически сформировались каноны написания. Темный фон создавал атмосферу таинственности и помогал выделить человека, при этом мы не найдем картин, изображающих фигуру в полный рост, так как выбирался крупный кадр, где можно рассмотреть глаза. Одежда скромная, но элегантная. В этой простоте есть и лоск, и совершенство.

Костюмированный портрет

Этот вид позволяет представить личность в различных обличиях от русского народного одеяния до торжественного парадного. Главный акцент создается на стилизацию образа, на характерные атрибуты.

Коллективный

При изображении более чем двух персон можно считать, что это коллективный тип. Здесь важно правильно составить композицию, чтобы все изображаемые люди исполняли определенную роль. К одной из главных разновидностей коллективного портрета является семейный. Главными героями является семья. Художник или фотограф должен подметить особенности семейного или бытового уклада и создать максимально идеальную обстановку для реализации задуманного.

Миниатюрный

Это небольшая картинка с изображением лица человека. Размеры составляют от 10 до 20 сантиметров, именно поэтому называется миниатюрным. Его легко брать с собой в дорогу. Прекрасно подходит в качестве подарка.

Исторический

Представляет наиболее обширный вариант для творчества. Разнообразные эпохи с их стилистическими чертами. Для мужчин – это изображение на вздыбленном коне. Для женщин – это роскошные креналиновые платья. Часто изображается на фоне исторических событий, что создает подлинную обстановку.

Портрет-прогулка

Главной особенностью является запечатление человека на лоне природы, где окружающая обстановка описывает состояние души человека. Подобная живопись была характерна для эпохи рококо. Оттенки обычно светлые, пастельные и нежные.

Религиозный портрет

Пишется по канонам, обычно использовался для изображения монахов, святых. Был популярен в эпоху Возрождения. Цветовая гамма спокойная или нейтральная. Выражение лица умиротворенное, воодушевленное.

Автопортрет

Техника изображения человека самим собой называется автопортретом. Человек смотрелся в зеркало и пытался зарисовать собственные очертания. Обычно люди старались запечатлеть свое лицо, реже создавались рисунки в полный рост. Не существовало определенных канонов рисунка, поэтому творец мог проявлять собственную фантазию. Часто художники просто делали зарисовки карандашом. В современном мире фотографии, автопортретами можно назвать классическое селфи.

Виды портретов в современной фотографии

Благодаря разнообразным программам для обработки все перечисленные виды портретов обычная фотография может легко превратиться в настоящий шедевр. В дальнейшем она может быть распечатана на холсте. Подобный декор станет интересным и необычным украшением в доме. Помните, что подбирать стиль картины необходимо исходя из интерьера комнаты. Если ваша квартира демонстрирует черты изящной классики, то можно задуматься о парадном или камерном стиле, где главенствует эпоха 17-19 веков.

Красивый качественный потрет в фотографии – это настоящее искусство, которое будет радовать вас и ваших близких.

Читайте также:

Картины в стиле Кубизм

ТОП-6 самых известных картин

PORTRAIT NOW! Современная портретная живопись. Выставка. Санкт-Петербург 2013 — Музей современного искусства Эрарта

Международный конкурс имени пивовара Я.К. Якобсена. Современная портретная живопись скандинавских стран и России

Более 400 работ зарегистрированы Российскими участниками международного конкурса PORTRAIT NOW! им. пивовара Якоба Кристиана Якобсена.

Регистрация на международный конкурс портретов завершилась 3 января 2013 года для участников из всех стран. За время проведения регистрации наши соотечественники зарегистрировали для участия в конкурсе более 400 работ. Среди них есть портреты, выполненные из паркетной доски, скотча и других материалов, а также инсталляции и витражи.

С 1 февраля по 17 марта с работами российских участников PORTRAIT NOW! смогут познакомиться все желающие в музее современного искусства Эрарта в Санкт-Петербурге. На выставке в музее Эрарта можно будет увидеть многообразие современных форм портрета. Здесь и традиционная реалистическая, и авангардная живопись, и фотография — как студийная, так и уличная, и скульптура, и объекты, и даже видео-арт. Конкурс Portrait Now! является открытым и демократичным, и поэтому выставляться и бороться за победу могут все — и профессиональные художники, и новички. Это делает выставки конкурса по-настоящему интересными и неожиданными. Жюри ценит не только мастерство исполнения, но и новаторство, и конечно, умение автора раскрыть характер своей модели. Ведь конечная задача всего конкурса Portrait Now! — показать современного человека, со всеми его достоинствами и недостатками, устремлениями и проблемами.

Международное жюри* конкурса отберет двадцать авторов, чьи творения составят конкуренцию европейским художникам в борьбе за призы IV международного конкурса портретов PORTRAIT NOW! (PORTRÆT NU!) — Brewer J.C. Jacobsen’s Portrait Award, премия имени пивовара Я. К. Якобсена в музее Фредериксборг в Копенгагене в мае 2013 года. Победители конкурса получат призы: первая премия — 85.000 датских крон, вторая премия — 35.000 датских крон, третья премия — 20.000 датских крон, четвертая премия (приз зрительских симпатий) — 10.000 датских крон. Объявлены победители российского этапа конкурса PORTRAIT NOW! будут 14 марта.

Помимо знакомства с творчеством современных художников, каждый посетитель выставки сможет принять участие в голосовании на выбор обладателя специального приза, учреждённого пивоваренной компанией «Балтика» для участников конкурса Portrait now! — поездки в столицу Дании Копенгаген, с посещением известнейших музеев и галерей искусств. Там победитель сможет увидеть собрания произведений искусства со всей Европы и познакомиться с творчеством великих европейских мастеров.

*Состав жюри IV международного конкурса портретов PORTRAIT NOW! (PORTRÆT NU!) — Brewer J.C. Jacobsen’s Portrait Award, премия имени пивовара Я. К. Якобсена

Метте Скоугард, директор Национального музея истории Фредериксборг, Дания
Сёрен Ментз, куратор выставки Национального музея истории Фредериксборг, Дания
Петер Михаель Хорнунг, критик-искусствовед, газета “Politiken”, Дания
Сара Хоугейт, куратор, Национальная портретная галерея, Лондон, Англия
Елизавета Павловна Ренне, старший научный сотрудник, хранитель английской и скандинавской живописи Государственного Эрмитажа, Санкт-Петербург, Россия
Михаил Овчинников, директор Музея и галерей современного искусства «Эрарта», Санкт-Петербург, Россия

IV международный конкурс портретов PORTRAIT NOW! (PORTRÆT NU!) — Brewer J.C. Jacobsen’s Portrait Award, премия имени пивовара Я. К. Якобсена стартовал 1 ноября 2011 года. В этом году к участию были приглашены художники из России. Партнёрами конкурса в России являются ОАО «Пивоваренная компания «Балтика» (Carlsberg Group) и Музей и галереи современного искусства «Эрарта». Основатель компании Carlsberg — Якоб Кристиан Якобсен был известным меценатом и оказывал серьёзную поддержку развитию науки и искусства. В частности, он выделял средства на реставрацию замка Фредериксборг и создание в нём музея. Для «Балтики», как части Carlsberg Group, поддержка конкурса — один из аспектов социальной ответственности, направленной на развитие российской культуры и искусства.

В отличие от аналогичных конкурсов, проводимых в других странах, к участию в PORTRAIT NOW! принимаются не только живописные портреты. На конкурс допускаются все ныне существующие художественные техники: фотография, видео-арт, веб-арт, инсталляция. Единственное ограничение — это время создания произведения: в конкурсе принимают участие только современные портреты, исполненные в течение последних трёх лет.

План дальнейшего проведения конкурса:

31 января — 17 марта 2013 года: начало заседаний жюри, отбор 20 российских работ Конец марта – начало июня 2013 года: отобранные российские работы направляются в замок Фредериксборг и, наряду с работами скандинавских художников, принимают участие в конкурсе на право участия в выставке PORTRAIT NOW!

Особенности современного портрета в живописи Михаила Юсупова

«Изобразительное искусство стоит на пороге возрождения в совершенно головокружительном качестве.»

К. Худяков « Живопись высокого разрешения»

Портретное искусство зародилось в те незапамятные времена, когда человек впервые осознал себя человеком, впервые увидел свое отражение в воде, впервые заметил красоту другого. Уголь и красная охра прародителей обогатились другими, более разнообразными материалами. Менялись эпохи, и каждая хранит свои методы и техники, у каждой – свои идолы и идеалы, свое прочтение. Античные бюсты и минойские дамы, фаюмские портреты и лики икон, Ренессанс и барокко, портреты Ван Гога и Пикассо, Магритта и Уорхола, цифровая живопись, голографические изображения… Лики и лица — зеркала эпох, сближающие временные пласты, помогающие нам увидеть внешнюю и внутреннюю жизнь человеческого рода в развитии и осознать, почувствовать в них себя.

В портретах Михаила Юсупова преломляется наше, реальное время. И не только потому, что в огромной галерее его персонажей собраны ключевые фигуры нашей эпохи — Стив Джобс и Брюс Ли, Путин и Мэрилин Монро, Джон Леннон и Карл Лагерфельд, Высоцкий и Обама. Это не только и не столько хронография гламурных «селебрити» нашего времени, но своего рода репортаж «без комментариев» тех моментов огромной эпохи, которые непременно возникают в памяти при взгляде на этих людей. Поэтому их лица представлены не в интерьере, а лишь окружены аурой изменчивого, зернистого фона, проступая из черного вакуума виртуальной ночи.

Михаил Юсупов «Синяя борода», В. Путин

Михаил Юсупов «Обама»

Сам автор, исследуя психологию героев, словно обволакивает их фиолетовыми, голубыми, сизыми оттенками во времени и пространстве. По его словам, он акцентирует внимание зрителя на том, что эти персоны, развивая себя, давали миру что-то новое и важное.

«Ведь оттенки синего цвета – это оттенки ауры индиго, они в какой-то степени являются определяющими критериями в моем мироощущении этих персонажей моих полотен» (М. Юсупов).

Михаил Юсупов «Джобс»

Михаил Юсупов «Монро»

Этот подход к цвету созвучен современным теориям «биополярной живописи», где создается «планарное», многослойное изображение, отражающее тонкие тела субъекта, т. е. своеобразное цветовое отображение «людских душ» в контексте биолокации. (Пример – творчество Б. Кулагина с его беспредметными композициями «внутреннего» океана человека).

Творящий в этом направлении художник-оператор «отображает ауру тонкого тела с целью гармонизации с внешним миром и восстанавливающий чувства добра, любви и справедливости», (что и является высшей целью любого искусства), но при 100% биолокационной связи с субъектом он должен максимально воздерживаться в мыслях от собственного отношения к субъекту.

Михаил Юсупов «Леннон»

В портретной галерее Юсупова его субъективное отношение к персонажам проявляется достаточно четко. Прежде всего в самом выборе личностей, которые изображены графично, плотно скомпанованы, с фотографической точностью, словно в момент случайной фотовспышки. Однако пронзительный взгляд и едва заметная динамика жестов и выражений лиц даже в статичных фигурах, расположение «мысле-форм», изменчивая тональность цветовых пятен отражает и личность самого автора, который стремится выразить наиболее характерные качества, харизму этих людей, вызывающих у него, а затем и у зрителя уважение и восхищение ими.

Михаил Юсупов «Чичваркин»

Трагическая красная аура вокруг светлых кудрей прекрасной Мэрилин, красный лобстер на голове экстравагантного Чичваркина, красная майка «23» и мяч Джордана, набухшие кровью перчатки Мухаммеда Али, алые губы «роковых» женщин и легендарные очки Леннона и Лагерфельда, выделенные красным — это мощные акценты, характерные знаки-символы этих фигур, узнаваемые во всем мире.

Михаил Юсупов «Карл Лагерфельд»

Зыбкая, пульсирующая фактура фона и лиц с отсветами этого фона, созданная пуантилистическими мазками, словно воспроизводит современное телеизображение, подчеркивая медийность героев.

Любопытно, что сизо-голубой оттенок синего, так любимый Михаилом Юсуповым, и сформировавший, по его признанию, его фирменный стиль, еще в 19 веке, задолго до эпохи телевизоров назывался цветом «электрик», под цвет электрического разряда молнии, а еще ранее – «королевским синим». Цвет был назван метафорически, в силу того, что он интенсивный и живой. Дети «голубого экрана», мы автоматически воспринимаем этот цвет как знак «Смотреть на экран!». Не будем забывать, что это не только цвет ультрафиолетового излучения, но и цвет ясного небосвода, дарованного Создателем.

Трансформация форм и расширение границ изоискусства XX века, помноженные на digital-технологии ХХI-го века, привели к новому изобразительному языку, следуя логике всей истории изобразительного искусства, начиная от мозаичных изображений древности, церковных витражей, старинных гобеленов.

Пуантиллисты Сёра и Синьяк, а за ними и Ван Гог экспериментировали, изучая особенности восприятия мозаичного изображения глазом человека, оптические эффекты точек, создающие цветовые соединения. Передача колебаний воздушной среды создает живое, дышащее, многомерное изображение – как и цифровое «разрешение» на экранах и мониторах. Задача пуантиллистов была в том, чтобы передать энергию окружающего мира. Позднее эти принципы были трансформированы в поп-арте.

Михаил Юсупов «Джордан»

Первые «пикселизированные» картины появились еще в 60-70х годах прошлого века (творчество Х. Уильямса и других художников.) Мастер японской точечной живописи и лидер мирового поп-арта Яёй Кусама боготворила точку.

«Точка имеет форму солнца, которое является символом энергии всего мира и нашей живой жизни, а также форму луны, более спокойной…» (Я. Кусама).

Это вИдение Юсупова-художника представляет как бы составную клетку бесконечной реки энергоинформационного потока, напрямую связанного с космосом. Стиль его можно назвать одним из новых направлений постимпрессионизма ХI столетия, сочетающий элементы культуры постмодернизма с виртуальными компьютерными технологиями. Он перекликается с методами современных авторов, например, с великолепными мозаичными портретами Бруно Цербони, работающего как в традиционных, так и в цифровых форматах. И это закономерно, ведь новое искусство, как правило, возникает на стыке с традиционным и в плотном симбиозе с ним.

Кто знает, какие новые изобразительные возможности скрываются в крошечных цветовых пятнах-ячейках!

Миллионы лет назад Творец создал «фасеточный» глаз стрекозы и некоторых других насекомых – зрение, состоящее из множества микрообъективов, принципы которого открыли сегодня широкие перспективы в оптико-электронных системах, в компьютерной живописи «высокого разрешения».

Михаил Юсупов «Брюс Ли»

Что касается цели и образного наполнения работ – в стиле и творческом почерке Юсупова угадываются характер и «персональные преференции» самого автора. Ему интересна роль личности в новейшей истории, участие в формирование мировых культурных ценностей. Но автор далек от художественного воплощения своих героев в традициях « парадного портрета».

Главным отличием является то, что при точной передаче визуального сходства автор избегает их возвеличивания, создания характерного пышного интерьера вокруг.

Их подчеркнутая «документальность» и лаконичность исполнения способствует концентрации зрителя на выразительности их внутренней сути, их знаковую весомость как политических деятелей, фигур шоу-бизнеса и кино, а также неизвестных зрителю людей, оставивших след в жизни художника.

Михаил Юсупов «М. Али»

Предмет его изображения – это люди, занимающие активную жизненную позицию и вносящие своим трудом, борьбой и талантом определенный вклад в развитие той или иной сферы общественной жизни, а через нее в исторический процесс в целом. В этом социально-философская составляющая его портретов.

Кроме галереи людей, Михаил Юсупов обращается к анималистическим изображениям — как правило, это животные – воплощения красоты и силы, например орел или лев, выступающий из таинственного полумрака.

Михаил Юсупов «Орел»

Михаил Юсупов «Лев»

Также удаются художнику монохромные жанровые картины в стиле «фэнтези», близкие к сюрреалистическому или гиперреалистическому вИдению. («Айсберг» и др. работы) Они также представляют несомненный интерес, открывая новые грани таланта этого художника.

Михаил Юсупов «Айсберг»

• Автор: Эльвира Каримова, искусствовед, сотрудник журнала «Рампа», Уфа.
• Инстаграм Михаила Юсупова: usupovart

Советская живопись — история советского искусства

Культура советского и постсоветского периода является ярким крупномасштабным витком русского наследия. События 1917 года стали отчётной точкой в развитии нового уклада жизни, формировании нового мышления. Настроения общества к.XIX- н.XX вв. вылились в Октябрьскую революцию, переломный момент в истории страны. Теперь её ждало новое будущее со своими идеалами и целями. Искусство, которое в некотором смысле является зеркалом эпохи, стало и орудием для воплощения в жизнь догматов нового режима. В отличие от других видов художественного творчества, живопись, формирующаяся и формирующая мысль человека, самым аккуратным и непосредственным образом проникала в сознание людей. С другой стороны живописное искусство меньше всего подчинялось пропагандистской функции и отражало переживания народа, его мечты и прежде всего дух времени.
 

Русский авангард

Новое искусство не избегало в абсолютной мере старых традиций. Живопись, в первые послереволюционные годы, впитала влияния футуристов и авангарда в целом. Авангард со своим презрением к традициям прошлого, что так близко было к разрушительным идеям революции, нашёл себе приверженцев в лице молодых художников. Параллельно с этими течениями в изобразительном искусстве развивались реалистические тенденции, жизнь которым дал критический реализм XIX в. Эта биполярность, назревшая в момент смены эпох, сделала жизнь художника того времени особо напряжённой. Два пути, которые наметились в послереволюционной живописи хоть и являлись противоположностями, тем не менее, мы можем наблюдать влияние авангарда на творчество художников реалистического направления. Сам реализм в те годы был разнохарактерным. Работы этого стиля имеют символический, агитационный и даже романтический облик. Совершенно точно передаёт в символической форме грандиозную перемену в жизни страны произведение Б.М. Кустодиева — “Большевик” и, наполненная патетическим трагизмом и неудержимым ликованием “Новая планета” К.Ф. Юона.

Большевик. Кустодиев. 1920

К.Ф. Юон. Новая планета. 1921

Живопись П.Н. Филонова с его особым творческим методом – “аналитическим реализмом ” — являет собой сплав двух контрастных художественных течений, который мы можем увидеть на примере цикла c агитационным наименованием и значением “Ввод в мировой расцвет”.

П.Н. Филонов Корабли из цикла Ввод в мировой расцвет. 1919 ГТГ

Беспрекословность общечеловеческих ценностей, непоколебимых даже в такое смутное время выражает образ прекрасной “Петроградской мадонны” (офиц. название “1918 год в Петрограде”) К.С. Петрова-Водкина.

1918 год в Петрограде (или Петроградская мадонна). К.С. Петров-Водкин. 1920 ГТГ

Позитивным отношением к революционным событиям заражает светлое и наполненное солнечной, воздушной атмосферой творчество пейзажиста А.А. Рылова. Пейзаж “Закат”, в котором художник выразил предчувствие пожара революции, который разгорится от возрастающего пламени судного костра над минувшей эпохой, представляет один из воодушевляющих символов этого времени.

Закат. А.А. Рылов. 1917

Вместе с символическими образами, организующими подъём народного духа и увлекающими за собой, подобно одержимости, существовало и направление в реалистической живописи, с тягой к конкретной передаче действительности.
По сей день произведения этого периода хранят искру мятежа, способную заявить о себе внутри каждого из нас. Многие работы, не наделённые такими качествами или противоречащие им, уничтожались или были забыты, и никогда не представятся нашему взору.
Авангард навсегда оставляет свой отпечаток в реалистической живописи, но наступает период интенсивного развития направления реализма.

 

Время художественных объединений

1920-е годы – время создания нового мира на развалинах, которые оставила Гражданская война. Для искусства – это период, в который в полную силу развернули свою деятельность различные творческие объединения. Их принципы отчасти сформированы ранними художественными группировками. Ассоциация художников революции  (1922 — АХРР, 1928 –АХР), лично выполняла заказы государства. Под лозунгом «героического реализма» художники, входившие в её состав, документально запечатлевали в своих произведениях жизнь и быт человека — детища революции, в различных жанрах живописи. Главными представителями АХРР были И.И. Бродский, впитавший реалистические влияния И.Е. Репина, работавший в историко-революционном жанре и создавший целую серию работ с изображением В.И. Ленина, Е.М. Чепцов — мастер бытового жанра, М.Б. Греков, писавший батальные сцены в довольно импрессионистической марене. Все эти мастера были основателями жанров, в которых выполняли большинство своих работ. Среди них выделяется полотно «Ленин в Смольном», в котором И.И. Бродский в  наиболее непосредственной и искренней форме передал образ вождя.

Ленин в Смольном. И.И. Бродский. 1930

В картине «Заседание членской ячейки» Е.И. Чепцов очень достоверно, без надуманности изображает события происходившие в жизни народа.

Великолепный радостный, шумный образ, наполненный бурным движением и праздником победы создаёт М.Б. Греков в композиции «Трубачи Первой конной армии».

Трубачи Первой конной армии. М. Греков. 1934

Идею нового человека, нового образа человека выражают тенденции наметившиеся в жанре портрета, яркими мастерами которого были C.В. Малютин и Г.Г. Ряжский.  В портрете писателя-бойца Дмитрия Фурманова С.В. Малютин показывает человека старого мира, сумевшего вписаться в новый мир. Заявляет о себе новая тенденция, зародившаяся в творчестве Н.А. Касаткина и получившая развитие в высшей мере в женских образах Г.Г. Ряжского — «Делегатка», «Председательница», в которых стирается личностное начало и устанавливается тип человека, сотворённого новым миром.
Совершенно точное впечатление складывается о развитии пейзажного жанра при виде работы передового пейзажиста Б.Н. Яковлева — «Транспорт налаживается».

Б.Н. Яковлев Транспорт налаживается. 1923

В этом жанре изображается обновляющаяся страна,  нормализация всех сфер жизни. В эти годы на передний план выходит индустриальный пейзаж, образы которого становятся символами созидания.
Общество художников станковистов (1925) — следующее художественное объединение в этот период. Здесь художник стремился передать дух современности, тип нового человека прибегая к более отстранённой передаче образов за счёт минимального числа выразительных средств. В работах «Остовцев» часто демонстрируется тема спорта. Их живопись наполнена динамикой и экспрессией, что видно в работах А.А. Дейнеки «Оборона Петрограда», Ю.П. Пименова «Футбол» и др.

Оборона Петрограда. А. Дейнека. 1928

За основу своего художественного творчества члены ещё одного известного объединения — «Четыре искусства» — избрали выразительность образа, за счёт лаконичной и конструктивной формы, а также особое отношение к его колористической насыщенности. Самым запоминающимся представителем объединения является К.С. Петров-Водкин и одна из самых выдающихся его работ этого периода — «Смерть комиссара», которая посредством особого живописного языка раскрывает глубокий символический образ, символ борьбы за лучшую жизнь.

Смерть комиссара. К. Петров-Водкин. 1928

Из состава «Четырёх искусств» выделяется и П.В. Кузнецов, работами, посвящёнными Востоку.
Последним крупным художественным объединением этого периода представляется Общество московских художников (1928), отличающееся от остальных манерой энергичной лепки объёмов, вниманием к светотени и пластической выразительности формы. Почти все представители являлись членами «Бубнового вольта» — приверженцами футуризма — что сильно сказалось на их творчестве. Показательными стали работы П.П. Кончаловского, который работал в разных жанрах. Например, портреты его жены О.В. Кончаловской передают специфику не только авторской руки, но и живописи всего объединения.

 

Расцвет соцреализма, романтический реализм в советской живописи

Постановлением «О перестройке литературно-художественных организаций» 23 апреля 1932 года были распущены все художественные объединения и создан Союз художников СССР. Творчество попалось в зловещие путы жёсткой идеологизации. Нарушилась свобода самовыражения художника — основа творческого процесса. Несмотря на такой надлом, продолжали свою деятельность художники ранее объединённые в сообщества, но ведущее значение в живописной среде заняли новые фигуры.
Б. В. Иогансон испытал влияние И.Е. Репина и В.И. Сурикова, в его полотнах виден композиционный поиск и интересные возможности в колористическом решении, но картины автора отмечены излишним сатирическим отношением, неподходящим в столь натуралистической манере, что мы можем наблюдать на примере картины «На старом уральском заводе».

Б.П. Иогансен. На старом уральском заводе. 1937

А.А. Дейнека не остаётся в стороне от «официальной» линии искусства. Он всё так же верен своим художественным принципам. Теперь он продолжает работать в жанровой тематике, к тому же пишет портреты и пейзажи. Картина «Будущие лётчики» хорошо показывает его живопись в этот период: романтичная, лёгкая.

Будущие лётчики. А. Дейнека. 1938

Большое количество работ художник создаёт на спортивную тему. От этого периода остались его акварели, написанные после 1935 года.

Живопись 1930-х годов представляет выдуманный мир, иллюзию светлой и праздничной жизни. Легче всего художнику было оставаться искренним в жанре пейзажа. Развивается жанр натюрморта.
Интенсивному развитию  подвержен и портрет. П.П. Кончаловский пишет серию деятелей культуры («В. Софроницкий за роялем»). Работы М.В. Нестерова, впитавшие в себя влияние живописи В.А. Серова, показывают человека, как создателя, суть жизни которого — творческий поиск. Такими мы видим портреты скульптора И.Д. Шадра и хирурга С.С. Юдина.

Портрет скульптора И.Д. Шадра. М.В. Нестеров. 1934

П.Д. Корин продолжает портретную традицию предыдущего художника, но его живописная манера состоит в передаче жёсткости формы, более остром, экспрессивном силуэте и суровом колорите. В целом, большое значение в портрете играет тема творческой интеллигенции.
 

Художник на войне

С приходом Великой Отечественной войны, художники начинают принимать активное участие в военных действиях. Из-за непосредственного единения с событиями, в ранние годы появляются произведения, суть которых — фиксация происходящего, «живописная зарисовка». Часто таким картинам не доставало глубины, но в их передаче выражалось совсем искреннее отношение художника, высота нравственной патетики. К относительному расцвету приходит жанр портрета. Художники, видя и испытывая на себе разрушительное влияние войны, восхищаются её героями — людьми из народа, стойкими и благородными духом, проявлявшими наивысшие гуманистические качества.  Такие тенденции вылились в парадные портреты: «Портрет маршала Г.К. Жукова» кисти П.Д. Корина, жизнерадостные лица с полотен П.П. Кончаловского. Важное значение имеют портреты интеллигенции М.С. Сарьяна, созданные в годы войны — это образ академика «И.А. Орбели», писательницы «М.С. Шагинян» и др.

Портрет академика И.А. Орбели. М.С. Сарьян. 1943

С 1940 по 1945 годы также развивается пейзаж и бытовой жанр, которые объединил в своём творчестве А.А. Пластов. «Фашист пролетел» передаёт трагичность жизни этого периода.

Фашист пролетел. А.А. Пластов. 1942

Психологизм пейзажа здесь ещё больше наполняет произведение грустью и молчанием человеческой души, только вой преданного друга прорезает ветер смятения. В конечном итоге значение пейзажа переосмысляется и и начинает олицетворять суровый образ военного времени.
Отдельно выделяются сюжетные картины, например, «Мать партизана» С.В. Герасимова, которой характерен отказ от героизации образа.

Мать партизана. С.В. Герасимов. 1943

Историческая живопись своевременно создаёт образы национальных героев прошлого. Одним из таких непоколебимых и, внушающих уверенность, образов является «Александр Невский» П.Д. Корина, олицетворяющий непокорённый гордый дух народа. В этом жанре к концу войны намечается тенденция наигранной драматургии.

 

Тема войны в живописи 

В живописи послевоенного времени сер. 1940 — кон. 1950-х в живописи ведущие позиции занимает тема войны, как нравственного и физического испытания, из которого советский человек вышел победителем. Развивается историко-революционный, исторический жанры. Основной темой бытового жанра становится мирный труд, о котором мечтали долгие военные годы. Полотна этого жанра пронизаны жизнерадостностью и счастьем. Художественный язык бытового жанра становится повествовательным и тяготеет к жизнеподобию. В последние годы этого периода пейзаж тоже претерпевает изменения. В нём возрождается жизнь края, вновь укрепляется связь между человеком и природой, появляется атмосфера умиротворённости. Любовь к природе воспевается и в натюрморте. Интересное развитие получает портрет в творчестве разных художников, для которого характерна передача индивидуального. Одними из выдающихся произведений этого периода стали: «Письмо с фронта» А.И. Лактионова, произведение, подобное окну в лучезарный мир;

Письмо с фронта. А.И. Лактионов. 1947

композиция «Отдых после боя», в которой Ю.М. Непринцев добивается такой же жизненности образа, как и А.И. Лактионов;

Отдых после боя. Ю.М. Непринцев. 1951

работа А.А. Мыльникова «На мирных полях», радостно ликующая о прекращении войны и о воссоединении человека и труда;

На мирных полях. А.А. Мыльников. 1953 

самобытный пейзажный образ  Г.Г. Нисского — «Над снегами» и др.

Г.Г. Нисский. Над снегами. 1964

 

Суровый стиль на смену соцреализму

Искусство 1960-1980-х гг. является новым этапом. Идёт разработка нового «сурового стиля», задача которого состояла в воссоздании действительности без всего того, что лишает произведение глубины и выразительности и губительно влияет на творческие проявления. Ему были присущи лаконичность и обобщение художественного образа. Художниками этого стиля воспевалось героическое начало суровых трудовых будней, которое создавалось особым эмоциональным строем картины. «Суровый стиль» был определённым шагом к демократизации общества. Главным жанром, к котором работали приверженцы стиля стал портрет, также развивается групповой портрет, бытовой жанр, исторический и историко-революционный жанр. Яркими представителями этого периода в контексте развития «сурового стиля» стал В.Е. Попков, писавший множество автопортретов-картин, В.И. Иванов сторонник группового портрета, Г.М. Коржев, создававший исторические полотна. Раскрытие сути «сурового стиля» можно увидеть в картине «Геологи» П.Ф. Никонова, «Полярники» А.А. и П.А. Смолиных, «Шинели отца» В.Е. Попкова. В жанре пейзажа появляется интерес к северной природе.

Геологи. П.Ф. Никонов. 1962

Полярники. Братья Смолины. 1961

 

Символизм эпохи застоя

В 1970-1980-х гг. формируется новое поколение художников, искусство которых повлияло в какой-то степени на искусство сегодняшнего дня. Им характерен символический язык, театральная зрелищность. Их живопись достаточно артистична и виртуозна. Главными представителями этого поколения являются Т.Г. Назаренко («Пугачёв»),

Пугачёв. Т.Г. Назаренко.1980

излюбленной темой которой стал праздник и маскарад, А.Г. Ситников, который использует метафору и притчу, как форму пластического языка, Н.И. Нестерова, создательница неоднозначных полотен («Тайная вечеря»), И.Л. Лубенников, Н.Н. Смирнов.

Тайная вечеря. Н.И. Нестерова. 1989

Таким образом, это время предстаёт в своём разностилье и разноплановости завершающим, формирующим звеном сегодняшнего изобразительного искусства.

 

Постсоветское искусство

Нашей эпохе открыто огромное богатство живописного наследия предыдущих поколений. Современного художника не ограничивают практически никакие рамки, которые были определяющими, а подчас и враждебными для развития изобразительного искусства. Некоторая часть современных художников старается придерживаться принципов советской реалистической школы, кто-то находит себя в других стилях и направлениях. Очень популярны тенденции концептуального искусства, неоднозначно воспринимаемого обществом. Широта художественно-выразительных средств и идеалов, которые предоставило нам прошлое, должна быть переосмыслена и послужить основой для новых творческих путей и создания нового образа.  

 

Наши мастер-классы по истории искусства

Наша Галерея современного искусства не только предлагает большой выбор советского искусства, и постсоветской живописи, но и проводит регулярные лекции и мастер-классы по истории современного искусства.

Вы можете записаться на мастер класс, оставить пожелания по мастер классу, на который Вы бы хотели попасть, заполнив предложенную ниже форму. Мы обязательно прочитаем для Вас интересную лекцию на выбранную Вами тему.

Ждем Вас в нашем ЛЕКТОРИУМЕ!

Посмотреть расписание лекций и мастер-классов>>>>

Портретная живопись — HiSoUR История культуры

Портретная живопись — жанр в живописи, где цель состоит в том, чтобы изобразить человека. Термин «портретная живопись» также может описывать фактический окрашенный портрет. Портретники могут создавать свою работу по поручению, для государственных и частных лиц, или они могут быть вдохновлены восхищением или любовью к этому предмету. Портреты часто являются важными государственными и семейными рекордами, а также воспоминаниями.

Исторически портретные картины в основном увековечивали память богатых и влиятельных. Со временем, однако, стало более обычным для меценатов среднего класса поручать портреты своих семей и коллег. Сегодня портретные картины по-прежнему заказываются правительствами, корпорациями, группами, клубами и отдельными лицами. В дополнение к живописи портреты могут быть сделаны и в других средах, таких как травление, литография, фотография, видео и цифровые медиа.

История:
Древний мир
Корни портрета, вероятно, встречаются в доисторические времена, хотя некоторые из этих работ сохранились сегодня. В искусстве древних цивилизаций Плодородного Полумесяца, особенно в Египет , изобилуют изображения правителей и богов. Тем не менее, большинство из них было выполнено с высокой степенью стилизации, и большинство в профиле, обычно на камне, металле, глине, штукатурке или кристалле. Египетская портретная живопись относила мало внимания к подобию, по крайней мере, до периода Эхнатона в 14 веке до нашей эры. Портретная живопись знаменитостей в Китай вероятно, восходит к более чем 1000 г. до н.э., хотя никто не выживает с этого возраста. Существующие китайские портреты восходят к 1000 году нашей эры

Из литературных данных мы знаем, что древнегреческая живопись включала портретную живопись, часто очень точную, если поверить в писателей, но никаких нарисованных примеров не осталось. Скульптурные главы правителей и знаменитых личностей, таких как Сократ, выживают в некотором количестве и, как и индивидуальные бюсты эллинистических правителей на монетах, показывают, что греческая портретная живопись может достичь хорошего подобия, а сюжеты были изображены с относительно небольшой лестью — портреты Сократа показывают, почему он имел репутацию быть уродливым. Преемники Александра Великого начали практиковать добавление своей головы (как обожествленной фигуры) к своим монетам и вскоре использовали свои собственные.

Римская портрета приняла традиции портретирования как этрусков, так и греков, и разработала очень сильную традицию, связанную с их религиозным использованием портретов предков, а также римской политики. Опять же, несколько окрашенных пережитков, в портретах Фаюма, Могила Алины и Северан Тондо, все из Египта под римским правлением, явно провинциальные постановки, которые отражают греческий, а не римский стиль, но у нас есть множество скульптурных головок, в том числе много индивидуальные портреты из могил среднего класса и тысячи типов портретов монеты.

Средний возраст
Большинство ранних средневековых портретов были портретами доноров, первоначально в основном из римских мозаик и освещаемых рукописей, примером для которых был автопортрет писателя, мистика, ученого, иллюминатора и музыканта Хильдегара из Бингена (1152 г.). Как и в случае с современными монетами, было мало попыток подойти. Памятники каменной гробницы распространились в романский период. Между 1350-1400 годами светские фигуры стали появляться на фресках и панельных рисунках, например, в Карла IV мастера Теодори, получивших верность, а портреты снова стали ясными подобиями. В конце века первые портреты моряков современных людей, окрашенные на небольшие деревянные панели, появились в Бургундия и Франция, сначала как профили, затем в других представлениях. Уилтон Диптих ок. 1400 — один из двух сохранившихся панельных портретов Ричарда II Англия , самый ранний английский король, для которого у нас есть современные примеры. Ведущими раннелетними мастерами портрета были Ян ван Эйк, Роберт Кампин и Роджер ван дер Вейден. Портреты доноров стали проявляться как присутствующие или участвовали в основных священных сценах, и в более частных придворных сюжетах предметы даже казались значительными фигурами, такими как Дева Мария.

Ренессанс
Ренессанс стал поворотным моментом в истории портрета. Частично из интереса к естественному миру и отчасти из интереса к классическим культурам Древней Греции и Рима портреты — как расписанные, так и скульптурные — играли важную роль в обществе эпохи Возрождения и ценились как объекты, а также как изображения земного успеха и положение дел. Живопись в целом достигла нового уровня баланса, гармонии и проницательности, а величайшие художники (Леонардо, Микеланджело и Рафаэль) считались «гениями», значительно превышающими статус торговца уважаемым слугам двора и церкви.

В течение этого плодородного периода развилось много инноваций в различных формах портрета. Началась традиция портретной миниатюры, которая оставалась популярной до эпохи фотографии, развиваясь из навыков живописцев миниатюр в освещенных рукописях. Портреты, вдохновленные древними медальонами, были особенно популярны в Италия между 1450 и 1500 годами. Медали с их двусторонними изображениями также вдохновили недолговечную моду на двухсторонние картины в раннем ренессансе. Классическая скульптура, такая как «Аполлон Бельведер», также влияла на выбор поз, используемых портретистами эпохи Возрождения, которые продолжали использовать на протяжении веков.

Северные европейские художники вели путь в реалистических портретах светских сюжетов. Больший реализм и детализация северных художников в течение 15-го века объяснялись отчасти более тонкими мазками и эффектами, возможными с масляными красками, в то время как итальянские и испанские художники все еще пользовались температурой. Среди первых мастеров по разработке нефтяной техники был Ян ван Эйк. Масляные краски могут создавать больше текстур и сортов толщины, и их можно наносить более эффективно, с добавлением более толстых слоев друг к другу (известные художникам как «жир поверх мяса»). Кроме того, масляные краски сушатся медленнее, что позволяет художнику легко вносить изменения, например, изменять детали лица. Антонелло да Мессина был одним из первых итальянцев, которые воспользовались нефтью. Обучено Бельгия , он поселился в Венеция около 1475 года, и оказал большое влияние на Джованни Беллини и северную итальянскую школу. В течение 16-го века нефть как средство распространения популярности Европа , позволяя более роскошные визуализации одежды и ювелирных изделий. Также, влияя на качество изображений, был переход от дерева к холсту, начиная с Италия в начале XVI века и Северная Европа в следующем столетии. Холст устойчив к растрескиванию лучше, чем древесина, лучше держит пигменты и нуждается в меньшей подготовке, но изначально он был намного реже дерева.

Вначале северные европейцы отказались от профиля и начали выпускать портреты реалистичного объема и перспективы. в Нидерланды , Ян ван Эйк был ведущим портретистом. Брак Арнольфини (1434, Национальная галерея, Лондон ) является ориентиром западного искусства, ранним примером полноразмерного портрета пара, великолепно окрашенного в богатые цвета и изысканные детали. Но не менее важно, это демонстрирует недавно разработанную технику масляной живописи, начатую ван Эйком, которая произвела революцию в искусстве и распространилась по всему Европа ,

Ведущие немецкие художники портрета, включая Лукаса Кранаха, Альбрехта Дюрера и Ганса Гольбейна Младшего, которые все осваивали технику масляной живописи. Кранах был одним из первых художников, которые рисовали полноразмерные комиссии в натуральную величину, популярную с тех пор. В то время, Англия не имели портретистов первого ранга, а художники, такие как Гольбейн, пользовались спросом у английских покровителей. Его картина сэра Томаса Мора (1527), его первого важного покровителя в Англия , имеет почти реализм фотографии. Гольбейн сделал большой успех в росписи королевской семьи, включая Генриха VIII. Дюрер был выдающимся рисовальщиком и одним из первых крупных художников, который сделал последовательность автопортретов, в том числе роспись на полном листе. Он также разместил свою фигурку автопортрета (как зрителя) в нескольких своих религиозных картинах. Дюрер начал заниматься автопортретами в возрасте тринадцати лет. Позже Рембрандт усилит эту традицию.

В Италия , Мазаччо возглавил модернизацию фрески, приняв более реалистичную перспективу. Филиппо Липпи проложил путь в развитии более острых контуров и извилистых линий, а его ученик Рафаэль расширил реализм в Италия на гораздо более высокий уровень в последующие десятилетия с его монументальными настенными росписями. За это время обручальный портрет стал популярным, особая специальность Лоренцо Лотто. В раннем Ренессансе портретные картины были обычно маленькими и иногда покрывались защитными крышками, шарнирами или скользящими.

В эпоху Возрождения флорентийское и миланское дворянство, в частности, хотели получить более реалистичные представления о себе. Задача создания убедительных полных и трехквартальных представлений стимулировала эксперименты и инновации. Сандро Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Доменико Гирландайо, Лоренцо ди Credi и Леонардо да Винчи и другие художники соответственно расширили свою технику, добавив портретную традицию для религиозных и классических предметов. Леонардо и Писанелло были одними из первых итальянских художников, которые добавили аллегорические символы в свои светские портреты.

Одним из самых известных портретов в западном мире является картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза», названная в честь Лизы дель Джокондо, члена семьи Герардини Флоренция а также Тоскана и жена богатого флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо. Знаменитая «улыбка Моны Лизы» — отличный пример применения тонкой асимметрии к лицу. В своих блокнотах Леонардо советует о качествах света в портретной живописи:

Очень высокая степень изящества в свете и тени добавляется к лицам тех, кто сидит в дверях темных тем, где глаза наблюдателя видят затененную часть лица, скрытую тенями комнаты, и посмотрите на освещенную часть лица с большим блеском, который дает воздух. Благодаря этому увеличению теней и огней лицо получает больший рельеф.

Леонардо был учеником Верроккио. Став членом Гильдии Художников, он начал принимать независимые комиссии. Благодаря его широким интересам и в соответствии с его научным умом, его выходы из рисунков и предварительных исследований огромны, хотя его законченный художественный выпуск относительно невелик. Его другие памятные портреты включали в себя имена дворянских женщин Гиневра де Бэнчи и Сесилии Галлерани.

Портреты портретов Рафаэля гораздо более многочисленны, чем у Леонардо, и они показывают большее разнообразие позов, освещения и техники. Великое достижение Рафаэля, а не создание революционных нововведений, заключалось в укреплении и совершенствовании эволюционирующих течений искусства эпохи Возрождения. Он был особенно опытным в групповом портрете. Его шедевр Школа из Афины является одной из передовых групповых фресок, в которых изображены сходства Леонардо, Микеланджело, Браманте и самого Рафаэля под видом древних философов. Это был не первый групповой портрет художников. Десятилетия раньше Паоло Учелло рисовал групповой портрет, в том числе Джотто, Донателло, Антонио Манетти и Брунеллески. Когда он поднялся в известность, Рафаэль стал любимым портретистом пап. В то время как многие художники эпохи Возрождения охотно принимали портретные комиссии, несколько художников отказались от них, особенно среди соперников Рафаэля Микеланджело, которые вместо этого взяли на себя огромные комиссии Сикстинской капеллы.

В Венеция около 1500 лет, Джентиле Беллини и Джованни Беллини доминировали в портретной живописи. Они получили высшие комиссии от ведущих должностных лиц государства. Портрет Долли Лоредан Беллини считается одним из лучших портретов эпохи Возрождения и умело демонстрирует мастерство художника в новых методах масляной живописи. Беллини также является одним из первых художников в Европа подписать их работу, хотя он редко встречался с ними. Позже в 16-м веке Тициана взяла на себя ту же роль, в частности, расширив разнообразие позы и заседания его королевских подданных. Тициан был, пожалуй, первым великим детским портретистом. После того, как Тициан поддался чуме, Тинторетто и Веронезе стали ведущими венецианскими художниками, помогая переходу на итальянский маньеризм. Маньеристы внесли множество исключительных портретов, которые подчеркивали материальное богатство и элегантно сложные позы, как в работах Агноло Бронзино и Якопо да Понтормо. Бронзино сделал свою известность, изображая семью Медичи. Его смелый портрет Козимо-и-Медичи показывает строгий правитель в доспехах, с настороженным взглядом глядя на его крайний правый, в резком контрасте с большинством королевских картин, которые показывают своих ситтеров как доброкачественных государей. Эль Греко, обученный Венеция в течение двенадцати лет, пошел в более экстремальном направлении после его прибытия в Испания , подчеркивая его «внутреннее видение» няни до степени уменьшения реальности внешнего вида. Одним из лучших портретистов Италии 16-го века был Софонисба Ангуиссола из Кремоны, который влил свои индивидуальные и групповые портреты с новыми уровнями сложности.

Портреты в суде Франция началось, когда фламандский художник Жан Клоу написал свое богатое сходство с Фрэнсисом I Франция около 1525 года. Король Фрэнсис был большим покровителем художников и жадным коллекционером произведений искусства, который пригласил Леонардо да Винчи жить во Франции в его более поздние годы. Мона Лиза осталась в Франция после смерти Леонардо.

Барокко и рококо
Во времена барокко и рококо (17 и 18 веков, соответственно) портреты стали еще более важными документами о статусе и положении. В обществе, в котором все чаще доминируют светские лидеры в мощных судах, образы красиво одетых фигур были средством подтверждения авторитета важных людей. Фламандские художники сэра Энтони ван Дейка и Питера Пауля Рубенса преуспели в этом типе портретов, в то время как Ян Вермеер выпускал портреты в основном из среднего класса, работали и играли в помещении. Портрет Рубенса самого себя и его первой жены (1609 г.) в их свадебном наряде — виртуозный пример портрета пары. Рубенс слава расширилась за пределы его искусства — он был придворным, дипломатом, коллекционером и успешным бизнесменом. Его студия была одной из самых обширных в то время, в дополнение к портретной живописи, в которой работали специалисты по натюрмортам, пейзажу, животным и жанровым сценам. Ван Дейк тренировался там два года. Чарльз I из Англии сначала нанял Рубенса, затем импортировал ван Дейка в качестве своего придворного живописца, рыцарь и даровавший ему придворный статус. Ван Дейк не только адаптировал методы производства Рубенса и деловые навыки, но и свои элегантные манеры и внешний вид. Как было записано: «Он всегда великолепно одевался, располагал многочисленным и галантным снаряжением и держал в своей квартире такой благородный стол, что несколько князей не посещали больше или лучше служили». В Франция , Гиацинт Риго доминировал во многом таким же образом, как замечательный летописец королевской власти, рисуя портреты пяти французских королей.

Одним из нововведений искусства эпохи Возрождения стало улучшение выражения выражений лица, сопровождающих разные эмоции. В частности, голландский художник Рембрандт исследовал множество выражений человеческого лица, особенно в качестве одного из главных автопортреалистов (из которых он нарисовал более 60 лет своей жизни). Этот интерес к человеческому лицу также способствовал созданию первых карикатур, зачисленных в Академию Карраччи под руководством живописцев семьи Карраччи в конце 16 века в Болонье, Италия (см. Аннибале Карраччи).

Групповые портреты были выпущены в большом количестве во время барочного периода, особенно в Нидерланды , В отличие от остальной Европы, голландские художники не получали комиссий от Кальвинист церковь который запретил такие образы или из аристократии, которая практически не существовала. Вместо этого комиссии поступали от гражданских и коммерческих ассоциаций. Голландский художник Франс Галс использовал жидкие кисти яркого цвета, чтобы оживить его групповые портреты, в том числе гражданские охранники, к которым он принадлежал. Рембрандт сильно выиграл от таких комиссий и от общей оценки искусства буржуазных клиентов, которые поддерживали портретную живопись, а также живопись натюрмортов и пейзажей. Кроме того, первые значительные рынки искусства и дилера процветали в Голландия в то время.

С большим спросом Рембрандт смог поэкспериментировать с нетрадиционным составом и техникой, такими как светотень. Он продемонстрировал эти нововведения, впервые разработанные итальянскими мастерами, такими как Караваджо, особенно в его знаменитом Ночном Дозоре (1642). Урок анатомии доктора Тюльпа (1632) — еще один прекрасный пример мастерства Рембрандта в групповой живописи, в котором он купает труп в ярком свете, чтобы привлечь внимание к центру картины, в то время как одежда и фон сливаются в черное, делая лица хирурга и учеников выдающиеся. Это также первая картина, которую Рембрандт подписал со своим полным именем.

В Испания , Диего Веласкес написал Лас Менинас (1656), один из самых известных и загадочных групповых портретов всех времен. Он увековечивает память художника и детей испанской королевской семьи, и, по-видимому, сиделки — королевская пара, которые видны только как отражения в зеркале. Начав в основном жанрового живописца, Веласкес быстро поднялся до известности как придворный художник Филиппа IV, преуспевающий в искусстве портрета, особенно в расширении сложности групповых портретов.

Художники рококо, которые особенно интересовались богатым и сложным орнаментом, были мастерами изысканного портрета. Их внимание к деталям платья и текстуры повысило эффективность портретов как заветов к мирскому богатству, о чем свидетельствуют знаменитые портреты Франсуа Буше мадам де Помпадур, одетые в вздымающиеся шелковые платья.

Первыми крупными отечественными портретистами британской школы были английские художники Томас Гейнсборо и сэр Джошуа Рейнольдс, которые также специализировались на одежде своих сюжетов привлекательным образом. Голубой мальчик Гейнсборо — один из самых известных и признанных портретов всех времен, написанных очень длинными кистями и тонким масляным цветом для достижения мерцающего эффекта синего костюма. Гейнсборо был также отмечен за его сложные настройки фона для его подданных.

У двух британских художников были противоположные мнения об использовании помощников. Рейнольдс регулярно нанимает их (иногда делает только 20 процентов самой картины), в то время как Гейнсборо редко делал это. Иногда клиент извлекал залог от художника, как и сэр Ричард Ньюдегат из портретиста Питера Лили (преемник ван Дейка в Англия ), который обещал, что портрет будет «с самого начала, когда вы закончите своими руками». В отличие от точности, применяемой фламандскими мастерами, Рейнольдс подытожил свой подход к портрету, заявив, что «благодать и, как мы можем добавить, подобие, состоит больше в том, чтобы воспринимать общий воздух, чем в наблюдении за точным подобием каждой особенности «. Кроме того, Англия был Уильям Хогарт, который осмелился использовать традиционные методы, введя в свои портреты оттенки юмора. Его «Автопортрет с мопсом» явно более юмористический подход к его питомцу, чем самонадеянная живопись.

В 18 веке женщины-художники приобрели новое значение, особенно в области портретной живописи. Известными художниками-женщинами являются французский художник Элизабет Виге-Лебрен, итальянский художник-пастель Розальба Карриера и швейцарский художник Анжелика Кауфман. Также в течение этого века, до изобретения фотографии, миниатюрные портреты, написанные с невероятной точностью и часто заключенные в золотые или эмалированные медальоны, были высоко оценены.

в Соединенные Штаты , Джон Синглтон Копли, учившийся в утонченной британской манере, стал ведущим художником полноразмерных и миниатюрных портретов, особенно с его гиперреалистичными фотографиями Самуэля Адамса и Пола Ревера. Копли также известен своими усилиями по объединению портретной живописи с академически более почитаемым искусством истории живописи, в котором он пытался своими портретами знаменитых военнослужащих. Не менее известным был Гилберт Стюарт, который написал более 1000 портретов и был особенно известен своей портретной портретией президента. Стюарт написал более 100 реплик Джорджа Вашингтона. Стюарт работал быстро и использовал более мягкие, менее подробные мазки кисти, чем Копли, чтобы уловить суть своих подданных. Иногда он делал несколько версий для клиента, позволяя ситтеру выбирать своих любимых. Считая, что его розовые оттенки скулы, Стюарт писал: «Плоть не похожа ни на какую другую субстанцию ​​под небом, она имеет все веселье магазина шелкового мерцателя без его блеска блеска и всей мягкости старого красного дерева без его печали». Другими выдающимися американскими портретистами колониальной эпохи были Джон Смиберт, Томас Салли, Ральф Эрл, Джон Трамбулл, Бенджамин Уэст, Роберт Феке, Джеймс Пил, Чарльз Уиллсон Пил и Рембрандт Пил.

19 век
В конце 18-го и начале 19-го века неоклассические художники продолжили традицию изображать предметы в последних моделях, которые к тому времени для женщин означали прозрачные платья из древнегреческих и римских стилей одежды. Художники использовали направленный свет для определения текстуры и простой округлости лиц и конечностей. Французские художники Жак-Луис Дэвид и Жан-Огюст-Доминик Энгр продемонстрировали виртуозность в этой технике рисования, а также острый взгляд на характер. Ингрес, ученик Давида, примечателен своими портретами, в которых зеркало окрашено за предметом, чтобы имитировать вид сзади объекта. Его портрет Наполеона на его императорском троне — это экскурсия по королевской портретной живописи. (см. Галерею ниже)

Романтические художники, которые работали в первой половине XIX века, рисовали портреты вдохновляющих лидеров, красивых женщин и волнующихся предметов, используя живые мазки кисти и драматическое, иногда капризное освещение. Французские художники Эжен Делакруа и Теодора Жерико рисовали особенно прекрасные портреты этого типа, особенно лихие всадники. Заметный пример художника романтического периода в Польша , который практиковал портрет верховой езды, был Петр Михаловский (1800-1855). Также стоит упомянуть серию портретов психических пациентов Герико (1822-1824). Испанский художник Франсиско де Гойа написал некоторые из самых поисковых и провокационных образов того периода, включая La maja desnuda (1797-1800), а также знаменитые портреты суда Карла IV.

Художники-реалисты XIX века, такие как Густав Курбе, создали объективные портреты, изображающие людей низшего и среднего класса. Демонстрируя свой романтизм, Курбе написал несколько автопортретов, демонстрирующих себя в разных настроениях и выражениях. Другие французские реалисты включают Honoré Daumier, который произвел много карикатур на своих современников. Анри де Тулуз-Лотрек запечатлел некоторых известных исполнителей театра, в том числе Джейн Аврил, захватив их в движение. Французский художник Эдуард Мане, был важным переходным художником, чья работа колеблется между реализмом и импрессионизмом. Он был портретистом выдающейся проницательности и техники, а его картина Стефана Малларме была хорошим примером его переходного стиля. Его современник Эдгар Дега был в основном реалистом, а его картина «Портрет семьи Беллелли» — это проницательный образ несчастливой семьи и один из его лучших портретов.

В Америка , Томас Икинс воцарился в качестве главного художника-портретиста, воплотив реализм на новый уровень откровенности, особенно с его двумя портретами хирургов на работе, а также с атлетами и музыкантами в действии. Во многих портретах, таких как «Портрет миссис Эдит Маон», Икинс смело передает нелестные эмоции печали и меланхолии.

Реалисты в основном сменили импрессионистов к 1870-м годам. Отчасти из-за их скудных доходов многие из импрессионистов полагались на семью и друзей, чтобы моделировать их, и они рисовали интимные группы и отдельные фигуры как на открытом воздухе, так и в освещенных интерьерах. Отмеченные для их мерцающих поверхностей и богатых красок краски, портреты импрессионистов часто обезоруживают интимную и привлекательную. Французские художники Клод Моне и Пьер-Огюст Ренуар создали некоторые из самых популярных изображений отдельных ситтеров и групп. Американский художник Мэри Кассатт, который обучался и работал в Франция , популярен даже сегодня за ее привлекательные картины матерей и детей, как и Ренуар. Поль Гоген и Винсент Ван Гог, оба постимпрессионисты, расписывали портреты людей, которых они знали, кружась в цвете, но не обязательно льстив. Они одинаково, если не больше, празднуются своими мощными автопортретами.

Джон Сингер Сарджент также повлиял на изменение века, но он отверг откровенный импрессионизм и пост-импрессионизм. Он был самым успешным художником-портретистом своей эпохи, используя в основном реалистичную технику, часто излучаемую блестящим использованием цвета. Он был в равной степени увлечен индивидуальными и групповыми портретами, особенно семей с высшим классом. Сарджент родился в Флоренция , Италия американским родителям. Он учился в Италия а также Германия , И в Париж , Сарджент считается последним крупным экспонентом британской портретной традиции, начиная с ван Дейка. Другой выдающийся американский портретист, который обучался за границей, был Уильям Мерритт Чейз. Американский художник-художник Сесилия Бо, названный «женщиной Сарджент», родился отцом Франции, учился за границей и добился успеха на родине, придерживаясь традиционных методов. Другим портретистом по сравнению с Сарджентом за его пышную технику был парижский художник из Италии Джованни Болдини, друг Дега и Уистлера.

Американский музыкант-интернационалист Джеймс Эбботт МакНил Уистлер был хорошо связан с европейскими художниками, а также написал несколько необычных портретов, наиболее известный его «Композиция в сером и черном, мать художника» (1871), также известная как «мать Уистлера». Даже с его портретами, как и с его тональными пейзажами, Уистлер хотел, чтобы его зрители сосредоточились на гармоничном расположении формы и цвета в своих картинах. Уистлер использовал приглушенную палитру для создания своих предполагаемых эффектов, подчеркивая цветовой баланс и мягкие тона. Как он сказал, «поскольку музыка — это поэзия звука, так рисуется поэзия зрения, и предмет не имеет ничего общего с гармонией звука или цвета». Форма и цвет также были центральными в портретах Сезанна, а еще более экстремальный цвет и техника кисти доминируют над портретами Андре Дерена и Анри Матисса.

Развитие фотографии в XIX веке оказало значительное влияние на портретную живопись, вытеснив более раннюю камеру-обскуру, которая ранее использовалась в качестве помощи в живописи. Многие модернисты стекались в студию фотографии, чтобы сделать свои портреты, в том числе Бодлера, который, хотя он провозгласил фотографию «врагом искусства», оказался привлекательным для откровенности и могущества фотографии. Предоставляя дешевую альтернативу, фотография вытеснила большую часть самого низкого уровня портретной живописи. Некоторые художники-реалисты, такие как Томас Икинс и Эдгар Дега, с энтузиазмом относились к фотосъемке и обнаружили, что это полезная помощь композиции. Из импрессионистов в портрете художники-портреты нашли множество способов переосмыслить портрет, чтобы эффективно конкурировать с фотографией. Сарджент и Уистлер были среди тех, кто стимулировал расширить свою технику, чтобы создать эффекты, которые камера не могла захватить.

20 век
Другие художники начала XX века также расширили репертуар портрета в новых направлениях. Фовист-художник Анри Матисс создал мощные портреты, используя неестественные, даже яркие цвета для оттенков кожи. Сезанн полагался на очень упрощенные формы в своих портретах, избегая деталей, подчеркивая при этом сопоставления цветов. Уникальный стиль австрийского Густава Климта применил к его незабываемым портретам византийские мотивы и золотую краску. Его ученик Оскар Кокошка был важным портретистом венского высшего класса. Пролонгированный испанский художник Пабло Пикассо написал много портретов, в том числе несколько кубистических изображений своих любовниц, в которых подобие предмета сильно искажено, чтобы достичь эмоционального высказывания, выходящего за рамки обычной карикатуры. Выдающейся женщиной-портретистом рубежа 20-го века, связанной с французским импрессионизмом, была Ольга Бознаньска (1865-1940). Художники-экспрессионисты представили одни из самых навязчивых и неотразимых психологических исследований, когда-либо созданных. Немецкие художники, такие как Отто Дикс и Макс Бекманн, выпустили заметные примеры экспрессионистской портретной живописи. Бекманн был плодовитым автопортретистом, производящим по меньшей мере двадцать семь. Амедео Модильяни написал много портретов в своем вытянутом стиле, который обесценил «внутреннего человека» в пользу строгого изучения формы и цвета. Чтобы помочь в этом, он снял подчеркнутые нормальные глаза и брови до черных прорезей и простых арки.

Британское искусство представляли виртгисты, которые нарисовали некоторые заметные портреты в начале 20-го века. Художник Dada Фрэнсис Пикабия выполнил множество портретов своим уникальным способом. Кроме того, портреты Тамары де Лемпицки успешно захватили эпоху Ар-деко с ее обтекаемыми кривыми, богатыми цветами и острыми углами. В Америка , Роберт Анри и Джордж Беллоуз были прекрасными портретистами 1920-х и 1930-х годов американской реалистической школы. Макс Эрнст привел пример современного коллегиального портрета с его картиной 1922 года «Все друзья вместе».

Значительный вклад в развитие портретной живописи 1930-2000 годов внесли российские художники, в основном работающие в традициях реалистической и образной живописи. Среди них следует назвать Исаак Бродский, Николай Фехин, Абрам Архипов и другие.

Портретное производство в Европе (за исключением Россия ) и Северные и Южная Америка как правило, уменьшились в 1940-х и 1950-х годах, что стало следствием растущего интереса к абстракции и нефигуристическому искусству. Единственным исключением, однако, был Эндрю Уайет, который превратился в ведущего американского реалистического портретиста. С Уайтом реализм, хотя и явный, вторичен по отношению к тональным качествам и настроению его картин. Это точно продемонстрировано его знаковой серией картин, известных как картины «Хельга», самая большая группа портретов одного человека от любого крупного художника (247 исследований его соседки Хельги Тестерфор, одетые и обнаженные, в разной обстановке, написанные во время период 1971-1985 гг.).

К 1960-м и 1970-м годам возрождалась портретная живопись. Английские художники, такие как Люциан Фрейд (внук Зигмунда Фрейда) и Фрэнсис Бэкон, создали мощные картины. Портреты Бэкона отличаются своим кошмарным качеством. В мае 2008 года портрет Фрейда 1995 года Supervisor Sleeping был продан на аукционе Christie’s in Нью-Йорк за 33,6 миллиона долларов, установив мировой рекорд для продажи картины живописец. Многие современные американские художники, такие как Энди Уорхол, Алекс Кац и Чак Клоуз, сделали человеческое лицо фокусом своей работы. Примером может служить картина Уорхола Мэрилин Монро. Особенностью замка были огромные, сверхреалистичные «голова» портретов на стенах, основанные на фотографических изображениях. Джейми Уайет продолжает реалистичную традицию своего отца Андрея, создавая знаменитые портреты, сюжеты которых варьируются от президентов до свиней.

Поделиться ссылкой:

• Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
• Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

современных портретных картин, ставших мгновенными иконами

Вы когда-нибудь задумывались о некоторых всемирно известных портретах, сделанных ранее в истории, и о том, как они стали тем, чем являются сегодня? Что делает портрет таким популярным и широко распространенным, что он выходит на за пределы картины и становится иконой? И что в конечном итоге означает , чтобы сделать портрет ? Его нельзя просто свести к самому очевидному факту — изображению другого человека. Это гораздо больше.Вероятно, самые удачные портреты — это те, которые помогают нам осознать, что и человек на картине, и тот, кто стоит за ней, — это люди, созданные из плоти и крови и полные настоящих эмоций. В живописи это, возможно, даже более очевидно, чем в фотографии, поскольку время, которое художник проводит со своей «натурщицей», драгоценно, поскольку позволяет художнику познакомиться с моделью. Тем не менее, для того, чтобы портрет стал культовым , нужно всего лишь немного или , чтобы завершить картину . Конечно, дело не только в технике — Мона Лиза — не единственная картина из творчества да Винчи, демонстрирующая его выдающиеся способности. Речь также не идет о явной красоте модели, хотя она оказывается весьма полезной. После того, как мы взглянем на этот список некоторых современных примеров картин, которые стали знаковыми в кратчайшие сроки, мы поймем, что в основном связь между портретистом и натурщиком делает картину знаковой, а также выбор предмет. Если человек еще не является иконой, он должен быть иконой в глазах художника — , а в некоторых случаях это означает, что художник собирается сделать автопортрет.

Джонатан Йео — Фрэнк Андервуд

Если портрет Джонатана Йео выглядит так, как будто на нем изображен Кевин Спейси, вы, должно быть, не смотрели популярный сериал Netflix Карточный домик (пока). Но поскольку я считаю, что все здесь знают (и любят) сериал, я уверен, вы понимаете, что на картине изображен не актер, а его персонаж — Фрэнк Андервуд .Какая замечательная вещь! Кто бы мог знать, что картина, неодушевленная статичная среда, способна так убедительно передать вымышленного персонажа, которого играет реальный человек? Вероятно, это благодаря Йео, который является опытным художником, а также Спейси, поскольку он, очевидно, потрясающий актер.

Бэнкси — Кейт

Это еще один портрет, который просто не мог провалиться (хотя это и не картина в классическом понимании). Он представляет собой одну из самых популярных художественных муз со времен Мэрилин Монро, в том смысле, в котором сама Монро была представлена ​​несколькими десятилетиями ранее возмутительно известным поп-артистом Энди Уорхолом.И все это делает один из самых популярных людей в мире. После первоначального трафарета, сделанного в 2005 году, было сделано большое количество принтов, каждый из которых представлял любимую британскую топ-модель Кейт Мосс, изображенную в различных психоделических оттенках. Вы можете только представить, сколько стоит эта вещь в настоящее время, но если вы хотите проверить, вы всегда можете перейти на страницу аукциона Бэнкси.

Обязательно ознакомьтесь с работами Бэнкси на нашей торговой площадке!

Люсьен Фрейд — Сон наблюдателя за пособиями

Люсьен Фрейд сделал множество культовых портретов, даже Кейт Мосс, во время ее беременности в 2002 году, которые, несомненно, были бы в этом списке, если бы не было еще более известной картины Фрейда — Benefits Supervisor Спальный с 1995 года.На картине изображен руководитель центра занятости Сью Тайли, которая в то время весила около 127 килограммов. Ее познакомила с Фрейдом австралийская исполнительница Ли Бауэри, которая также была моделью Фрейда. Очарование Фрейда телом Тили совершенно очевидно, но это еще лучше понять, если выразить его собственными словами: « Это плоть без мускулов, и она приобрела другую структуру, неся такую ​​несущую вещь ».

Кехинде Вили — Наполеон ведет армию через Альпы

Современная версия картины Наполеон ведет армию через Альпы стала чрезвычайно популярной в основном из-за ссылки на уже существующую картину, написанную влиятельным французским художником-неоклассиком Жаком-Луи Давидом в 1801 году.Интерпретация Наполеона Кехинде Уайли выполнена в его узнаваемой манере — Уайли перекрывает повторяющиеся орнаментальные элементы фона с фигурами молодых темнокожих мужчин, одетых в повседневную одежду. Уайли обычно подходит к людям на улице и просит их поработать для него моделью, и так случилось и в этот раз. Референтную картину выбрала модель.

Герхард Рихтер — Элла

Герхард Рихтер долгое время занимается искусством, и время показало, что его картины не соответствуют какому-либо определенному стилю, но, тем не менее, они уникальны.Он прошел через множество этапов, постоянно экспериментируя с разными техниками. Элла, написанная в 2007 году, представляет собой широко известный портрет дочери ; напоминает о его интересе к фотографии и о том, как живопись и фотография иногда могут переплетаться, передавая визуальные эффекты друг другу. Из-за этого размытого эффекта, присутствующего на некоторых из его картин, Рихтера называют создателем так называемого «фотографического импрессионизма».

Jenny Saville — обратная сторона

Автопортреты могут оказаться весьма культовыми, и Дженни Сэвилл неоднократно демонстрировала этот принцип.Хотя она наиболее известна своими неясными обнаженными фигурами, одна из ее самых известных картин — Reverse , автопортрет, на котором не показано ее тело, но он каким-то образом полон странной эротической энергии. Обнаженное плечо, выражение лица и кажущаяся возбужденной кожа предполагают, что что-то происходит, возможно, что-то сексуальное, но мы просто не знаем. Reverse — один из тех интимных портретов , которые просто не позволяют оторвать глаз от них, а когда вы в конце концов это сделаете, они надолго останутся в вашей памяти.

Тони Беван — Автопортрет

Итак, теперь, когда мы говорим о автопортретах, сделанных в недавнем прошлом, самое время упомянуть еще одного британского художника. Неотразимо напоминающий Фрэнсиса Бэкона, но все же очень уникальный по его выражению лица — Тони Беван сделал ряд знаковых портретов, и большинство из них — его автопортреты. Представленный здесь пример — один из его самых ранних автопортретов, выполненных таким образом (и самая «старая» картина в нашем списке), сделанная в 1992 году.Но это был только предшественник серии портретов, которые он продолжает делать подобным образом и сегодня. Портреты Бевана не реалистичны, но в них есть что-то до боли реальное. Возможно, это искренние эмоции, которые каким-то образом проходят.

Реджинальд Грей — Трейси Эмин

Художники изображают других художников неизвестно когда, и в этом, безусловно, есть что-то особенно захватывающее. К тому же это неплохой способ сделать картину вдвое знаковой.Ирландский художник Реджинальд Грей изобразил нескольких своих коллег (среди них всегда интересный Фрэнсис Бэкон и французская актриса Жюльет Бинош), но одна из его самых популярных картин была написана в 2007 году, и это портрет Трейси Эмин. Работа, очевидно, была хорошо воспринята Эмином, и теперь она размещена на ее странице в Википедии.

Ишбель Майерскоу — Хелен Миррен

Из-за темного фона портрет кажется немного вырезанным. Это делается либо намеренно, чтобы поставить знаменитую актрису в центр внимания, либо интуитивно, с определенным чувством уважения к актрисе, выдавая себя за «себя».Картина Ишбель Майерскоу — одна из самых известных ее картин того периода, но это одна из немногих, в которых мы вообще не чувствуем никаких эмоций. Мы даже можем сравнить изображение Миррен Майерско с портретом Андервуда Йео, чтобы показать разницу между портретом актрисы и портретом персонажа.

Виктория Рассел — Фиона Шоу

Викторию Рассел можно назвать мастерицей передачи эмоций, возможно, своего рода медиумом.Портреты, которые она делает, полны эмоций, обычно изображают женщин в нижнем белье, окруженных простынями и постельным бельем, что наводит на мысль об очень интимной атмосфере. Трудно представить себе культового человека, знаменитость в такой атмосфере, но Рассел сделал это в 2001 году, когда она сделала новаторский портрет Фионы Шоу. Опять же, это еще один подход к сложной теме изображения актрисы, но Рассел делает это бесстрашно, со своей собственной точки зрения, представляя Шоу сильной фигурой, даже в нижнем белье.

Все изображения использованы только в иллюстративных целях.

Известных художников-портретистов, создавших современную портретную живопись

С самого зарождения человечества портретная живопись была важной частью его истории. Художники-портретисты всего мира должны были увековечить и задокументировать нашу эволюцию и бытие, будь то стены пещер, деревянные доски или холсты. Создание портретов всегда было таким же важным, как рисование пейзажей или исторических пейзажей, но известные художники-портретисты, такие как Рембрандт и Леонардо, внесли большой вклад в создание этого одного из самых замечательных жанров в живописи и искусстве в целом.До появления фотографии именно художники и скульпторы отвечали за создание максимально точных изображений людей, превращая портреты в предмет престижа, силы и изысканности. На протяжении разных периодов портретная живопись развивалась рука об руку с цивилизацией, переходя от религиозных и библейских тем к изображениям благородных семей, простых людей и, конечно же, автопортретов, а художники портретной живописи продолжали развивать методы и методы работы на этом пути.

Современные художники-портретисты

В первой половине XIX века портретная живопись попала под влияние новой художественной среды, популярность которой неуклонно росла и обеспечивала художников-портретистов и их моделей наиболее «честным» и реалистичным изображением, которое невозможно получить при рисовании на холсте. . Camera Obscura уже использовалась художниками в качестве вспомогательного средства, но тот факт, что фотография теперь могла делать все это сама по себе, привел к кризису в этой технике. Более того, новый век представил авангардные движения, которые все стремились убежать от любых форм фигуративного и изобразительного искусства, давая жанру совершенно новую реальность, с которой нужно иметь дело.Тем не менее, известные художники-портретисты от Ван Гога до Мэри Кассат, Пикассо, Климта, Шиле и Лемпицки включили живопись людей в свои собственные практики, тем самым вдохновляя поколения творцов, работающих в этой области сегодня. Итак, кто сегодня самые известные современные художники-портретисты?

Прокрутите вниз, чтобы увидеть список самых известных сегодня художников-портретистов!

Совет редакции: Ателье портретной живописи

Когда старые мастера открыли масляную живопись и разработали и усовершенствовали техники, которые остаются непревзойденными даже сегодня, искусство портретной живописи достигло своего апогея.Расцвет непредставительного искусства в середине двадцатого века вытеснил эти почтенные навыки, особенно в академических художественных кругах. К счастью для начинающих художников сегодня, которые хотят изучить методы, которые позволили старым мастерам достичь яркого цвета и тонких оттенков, столь характерных для их работ, эти знания были сохранены в сотнях небольших традиционных ателье живописи, которые по-старому упорно продолжали это делать. стране и по всей планете. Богато иллюстрированная работами выдающихся мастеров, а также некоторых из ведущих художников-портретистов, Portrait Painting Atelier — первая книга за многие годы, которая так всесторонне освещает концепции и методы традиционной портретной живописи.

Jenny Saville — Artist Brut (больше нет)

Входящая в группу молодых британских художников Чарльза Саатчи, Дженни Сэвилл сделала себе имя в искусстве, используя запоминающиеся портреты несовершенного, почти гротескного обнаженного человеческого тела во всей его красе и плоти. Ее картины бросали вызов красоте беспрецедентным образом и представляли ошеломленным зрителям новые идеи эстетики, которые дышат преувеличением, искажением и даже насилием, как неизбежными частями нашей реальности. В последнее время, однако, Дженни Сэвилл использовала более красивые темы и декорации для своих портретов, поскольку ее обнаженные женские фигуры, а иногда и дети, стали более чувственными и менее ироничными, хотя художница никоим образом не выносит суждений и по-прежнему стремится бороться с объективизацией изображения. женщины на картинах художников-мужчин.

Кехинде Вили — Картина мировой сцены

Если есть известный художник-портретист, который успешно смешал традиционные картины с современными взглядами и темами, это должен быть Кехинде Вили . Американский художник создает полотна, вдохновленные старыми мастерами, такими как Рубенс и Жак-Луи Давид, за исключением того, что его модели — молодые чернокожие мужчины, которые позируют перед красочными узорами — и не только с любыми узорами, но и с текстилем и декоративными мотивами разных культур. , такие как вырезки из иудаики из бумаги и интерьеры Марты Стюарт.Искусство Кехинде Уайли затрагивает проблемы, связанные с расовой идентичностью, и широко распространенные стереотипы относительно афроамериканцев по всей планете, как отдельных лиц, так и группы. Его текущая серия работ под названием The World Stage представляет модели из самых разных городских условий, окрашенные в великолепной и безупречной манере.

Ринеке Дейкстра — Сохранение честности

Видеомейкер и фотограф из Нидерландов, Ринеке Дейкстра известна своей обширной портретной фотографией, которую она создает с начала 1990-х годов.На этих крупномасштабных цветных фотографиях изображены молодые люди, как правило, подростковые, на основе голландской живописи 17-го века как по масштабу, так и по эстетике. В частности, в своей серии Beaches , снятой между 1992 и 1996 годами, она фотографировала подростков в купальных костюмах на пляжах повсюду, и это было началом необычного путешествия. Ринеке Дейкстра развивает особые отношения со своими объектами, заставляя их раскрывать скрытые стороны своей личности, заставляя их чувствовать себя комфортно перед камерой.Ее работы, как одного из ведущих современных художников-портретистов, часто считают современным взглядом на документальное видение немецкого фотографа Августа Зандера.

Джонатан Йео — художник знаменитостей

Когда дело доходит до Джонатана Йео , его искусство во многих отношениях необычно. Во-первых, он рисует знаменитостей, политиков и других влиятельных фигур современности, в век цифровой фотографии. Во-вторых, это не просто произведения искусства, написанные краской на холсте; он скорее использует вырезанные изображения из порнографических журналов, чтобы делать реалистичные портреты-коллажи.Он приобрел известность после создания коллажа Джорджа Буша, полностью сделанного из таких картин (забавный факт: его якобы убедил сделать это Бэнкси), и он был одним из самых популярных и известных художников-портретистов среди известных художников-портретистов. поскольку. Как и его вышеупомянутая коллега Дженни Сэвилл, Джонатан Йео часто изображает концепции пластической и косметической хирургии как одну из все еще ортодоксальных тем в нашем обществе.

Чак Клоуз — Посмотрите внимательнее

Вы знаете, что мы говорим здесь о легенде, если говорим, что Chuck Close заново изобрел живопись и установил новые стандарты портретной живописи в целом.Издалека его работы могут выглядеть как обычные изображения человеческого лица, но, подойдя поближе, мы обнаруживаем, что они состоят из отдельных цветных квадратов или фотографий, аккуратно размещенных, чтобы сделать картину более крупной. Эти картины имеют еще одну ценность, так как Чак Клоуз страдает неспособностью узнавать лица, а поскольку он был парализован в 1988 году из-за редкого коллапса позвоночной артерии, он рисовал из инвалидной коляски, используя приспособление для удержания кисти, привязанное к его предплечью и запястью. . В последнее время он также работает с гравюрами и гобеленами размером с стену на основе поляроидов, на некоторых из которых изображены его коллеги-художники, такие как Рой Лихтенштейн и Лукас Самарас.

Другие работы Чака Клоуса!

Фрэнсис Бэкон — Портретист отчаяния

«Я очень сильно чувствую, что художник должен питаться своими страстями и отчаянием. Эти вещи меняют художника к лучшему, к лучшему или к худшему. Это должно его изменить. Чувства отчаяния и несчастья более полезны для художника, чем чувство удовлетворенности, потому что отчаяние и несчастье растягивают всю вашу чувствительность ». Это слова Фрэнсиса Бэкона , которые, возможно, лучше всего описывают грубые, искаженные, мучительные портреты и автопортреты, которые он надел миру в течение плодотворной 60-летней творческой карьеры.Фрэнсис Бэкон тоже был вдохновлен традициями старых мастеров, хотя это, возможно, не сразу ясно в его уникальном подходе к фигурации — возьмите одну из его самых известных серий, Screaming Popes , которая была основана на портрете Папы Диего Веласкеса. Innocent X из ок. 1650.

Синди Шерман — Мастер маскировки

Ее собственная модель, фотограф, визажист и дизайнер костюмов, Синди Шерман создала свои собственные истории и миры, переворачивая клише 20-го века с ног на голову.Ее невероятные, полные визуальные преобразования хорошо задокументированы в ее бесконечной серии автопортретов, исследующих роль женщины в современном обществе и то, как ее притесняют и искажают. На сегодняшний день ее самая известная работа — это кадров из фильмов без названия , снятых между 1977 и 1980 годами, в которых фотограф воссоздает воображаемые сцены из фильма и вызывает стереотипы о главной женской роли. Синди Шерман, одна из самых известных художников-портретистов и наиболее успешных женщин-творцов, продолжает заново изобретать себя и концепции самооценки даже сегодня.

Нан Голдин — Портреты из метро

Около тридцати трех лет назад Нан Голдин начала работу над своей знаменитой фотографической серией The Ballad of Sexual Dependency , сырым, смелым изображением друзей, любовников, знакомых и себя, живущих в скрытых слоях Нижнего Востока. Боковая сторона. Универсальные, но глубоко личные, более 700 из этих изображений раскрывают шокирующие истины через пронзительную визуальную поэзию, настолько непосредственную и прямую, насколько это возможно.Книга Нан ​​Голдин — это свидетельство наркотиков, секса и разоренной молодежи в неспокойное десятилетие, отчасти автобиография, визуальный дневник, появившийся до сегодняшней одержимости документированием собственной жизни с помощью смартфонов. Очаровательная рассказчица, она использовала свою камеру, чтобы запечатлеть потерянную невинность целого поколения, к которой мы все еще можем относиться по сей день.

Люсьен Фрейд — Изображение Психеи

Используя свои непоколебимые наблюдения за анатомией и психологией, Люсьен Фрейд рисовал только людей, которые были ему близки: друзей, членов семьи, жен, госпож и себя самого.Более шести десятилетий его узнаваемый стиль оставался неизменным, основанный на интенсивных отношениях, которые он имел со своими обычно обнаженными моделями, которые возникли в результате печально известных долгих сеансов сидения (возможно, он унаследовал любовь к психоаналитической практике от своего деда, Зигмунда Фрейда) . Люсьен Фрейд, один из самых выдающихся представителей образного реализма в Великобритании и за ее пределами, сумел уйти от авангардных влияний поп-арта и концептуального искусства, оставаясь условным, но при этом поразительно дотошным и последовательным.Его автопортреты также многочисленны, поскольку он одержимо рисовал себя до последнего вздоха.

JR — Фотограф

Как настоящий художник-граффити и фотограф, JR размещает свои огромные макеты на зданиях, домах, улицах и других городских элементах, чтобы привлечь внимание общества. Его работы можно найти почти повсюду, как часть того, что ему нравится называть «крупнейшей художественной галереей в мире», и из-за уникальности его идей и методов работы JR имеет такой же большой успех, как и его проекты.От изображений, объединяющих израильтян и палестинцев, расположенных по обе стороны разделительного барьера, до Women Are Heroes , которые освещают тяжелое положение женщин в конфликтах, и знаменитого проекта Inside Out , который включает портреты членов разных общин, все из эти инициативы были очень влиятельными и продолжают приобретать множество последователей и поклонников.

Все изображения использованы только в иллюстративных целях.

Современные портреты в фотографии

Обзор

Как и другие традиционные художественные жанры, портретная живопись радикально изменилась с появлением современного искусства.До 1800-х годов портреты обычно изображали внешнее сходство натурщика; они также указывали на его положение в обществе через одежду, обстановку или выбор окружающих предметов. Однако, начиная с конца девятнадцатого века, многие художники отвергали поверхностные впечатления. Они утверждали, что для раскрытия характера человека необходимо показать обычно невидимые элементы, такие как настроение или душевное состояние. Более того, художники хотели обратиться к неестественному пространству искусства — плоским холстам, отдельным кускам дерева или камня — так же, как и к естественному пространству натурщика.С 1890-х годов неестественные цвета, искаженные физические особенности и абстрактные или нереалистичные декорации стали отличительными чертами портретной живописи в современной живописи и скульптуре.

Фотографы также трансформировали сферу портретной живописи, начав вскоре после изобретения этого материала в 1839 году. Небольшие недорогие фотографии, такие как тинтайп или cartes-de-visite , удовлетворяли широко распространенное стремление к индивидуальному подобию, расширяясь. клиентура портретов от богатой элиты до представителей среднего класса.Также люди не были заинтересованы в том, чтобы видеть или владеть только своим собственным портретом. Такие студии, как фирма Альберта С. Саутворта и Джозии Дж. Хоуза, основанная в Бостоне в 1843 году, или парижский салон, открытый в 1850-х годах Надаром (Гаспар-Феликс Турнахон), соперничали за фотографирование известных натурщиков, чьи портреты затем продавались. или воспроизведены в печати для массового распространения. Широкое распространение этих портретов создало совершенно современный феномен славы, придавая изображениям политиков, актеров и даже богемных интеллектуалов, таких как поэт и критик Шарль Бодлер, статус иконы.

В начале двадцатого века амбициозные фотографы черпали вдохновение как в передовом авангардном искусстве, так и в коммерческой портретной фотографии.

Ката Калман , венгр, 1909-1978 гг., Эрнё Вайс, 23-летний фабричный рабочий, Будапешт, , 1932 г., серебряно-желатиновая печать, Постоянный фонд покровителей, 2004 г. 72,4

Портретных картин на 1stDibs

Элегантный и утонченный декоративный штрих в любом жилом помещении, портретных картин оставались популярными на протяжении многих лет и широко любимы произведений искусства для демонстрации во многих домах сегодня.

Портретные картины, по крайней мере, такие же старые, как древний Египет, где реалистичные, реалистичные изображения недавно умерших — широко известные как « портреты мумий » — были написаны на деревянных панелях и прикреплены к мумиям в рамках погребальной традиции.

На протяжении веков художники использовали портретную живопись как средство выражения благородства, социального статуса и авторитета объекта. В Renaissance Europe портреты дарили в качестве подарков, и художнику-портретисту, возможно, было поручено помочь отметить важное событие, такое как свадьба или продвижение на высокий пост.До появления фотографии photography , которая в конечном итоге заменила рисованные портреты как более быстрый и эффективный способ запечатлеть сущность человека, объекту портрета приходилось сидеть часами, пока художник не закончил. В частности, в 18 веке , если художник, заказавший портрет, боролся с тем, как должным образом запечатлеть и запечатлеть сходство объекта, иногда портретная картина не была завершена в течение года.

Является ли это частью подхода в стиле галереи к вашей гостиной или столовой стен или просто вдохновением, когда вы разрабатываете захватывающую цветовую схему в вашем доме, портретная живопись — это вневременной декоративный объект для любого интерьера.Пейзаж или скульптура может дать вам представление об определенном регионе мира или другой культуре, которое вы можете узнать только через искусство. Точно так же, когда вы находите время, чтобы узнать о предмете портретной картины, которую вы приносите в свой дом — историю натурщика, отношения между натурщиком и художником, если таковые существуют, историю того, как появился портрет, — это Работа может стать очень личной в дополнение к своему месту в качестве объекта для художественного уголка вашей квартиры или дома.

На 1stDibs посетите обширную коллекцию известных портретных картин или работ начинающих художников. Выполните поиск по средам, чтобы найти подходящие портретные картины для вашего дома: масляная краска , краска синтетическая смола и другие. Вы также можете найти портретные картины в различных стилях, включая современный , импрессионист и Поп-арт , или выполните поиск по художнику, чтобы найти уникальные работы, созданные такими художниками, как Mark Beard , Steve Kaufman и Montse. Valdés .

Современные современные портреты — художница Агне Кисонайте

Портрет Агне Кисонайте

Мне всегда нравились современные портреты — они представляют собой замечательное эстетическое воплощение чего-то действительно важного — истинной природы человека. Создание уникального произведения искусства всегда увлекательно — и когда вы вдыхаете новую жизнь во что-то, казалось бы, статичное, нет лучшего ощущения, чем это.

Для современных современных портретов я беру индивидуальные заказы.Портретное искусство можно создать по фотографии или в живой обстановке. Все современные художники-портретисты согласны с тем, что когда человек сидит прямо перед вами, вам легче соединиться и лучше понять его внутреннюю сущность. Но у портретов по фотографиям есть и свои преимущества — это удобный способ для клиентов, требующий гораздо меньше времени и подготовки. Кроме того, вы можете выбрать понравившуюся картинку!

Портрет в современном искусстве

В эпоху новых технологий скептики говорят, что портретное искусство скоро полностью исчезнет.Когда нас переполняют селфи, и изображение привлекает наше внимание только на долю секунды, прежде чем мы прокручиваем вниз до другого, у кого есть время для чего-то столь же олдскульного, как портреты?

Однако в последние годы спрос на портреты стал расти — и довольно значительно. Кажется, что со временем люди устают от поверхностных развлечений и начинают тосковать по чему-то более содержательному.

Согласитесь, портреты — дело тяжелое.В классическом портрете художник должен быть невероятно точным в каждой линии, форме и тени. Современные портреты — которые больше подходят мне — отличаются друг от друга, так как не обязательно должны быть предельно точными. Есть более абстрактные и продолжающиеся эксперименты. Мне очень нравится современная портретная живопись, которая дает художнику достаточно простора для интерпретации и большей свободы в применении цвета и текстуры, игре с формами и светом.

Многие думают, что портреты — это прежде всего технические детали.Но это только верхушка айсберга. Для профессионального художника цель всегда остается неизменной — запечатлеть сущность человека и выразить его самые яркие черты. Смотреть на свой портрет — это не то же самое, что смотреть на фотографию или отражение в зеркале — качественный портрет — это всегда что-то более глубокое и долговечное.

Вот почему я часто говорю, что рисование портретов настолько аналитично и интуитивно понятно, насколько это возможно в работе художника.

Винсент Ван Гог — Автопортрет в образе художника

Амстердам, Музей Ван Гога, Онгекенд.Verhalen rond 10 jaar aanwinsten. , 5 февраля 2021 г. — 12 сентября 2021 г.

Амстердам, Музей Ван Гога, На картинке. Kunstenaarsportretten , 21 февраля 2020 г. — 30 августа 2020 г.

Амстердам, Музей Ван Гога, Ван Гог и Япония , 24 марта 2018 г. — 24 июня 2018 г.

Киото, Национальный музей современного искусства (Киото), Ван Гог и Япония , 20 января 2018 — 4 марта 2018

Токио, Токийский музей Метрополитен, Ван Гог и Япония , 24 октября 2017 г. — 8 января 2018 г.

Саппоро, Музей современного искусства Хоккайдо, Ван Гог и Япония , 26 августа 2017 г. — 15 октября 2017 г.

Амстердам, Музей Ван Гога, De waanzin nabij.Van Gogh en zijn ziekte , 15 июля 2016 г. — 25 сентября 2016 г.

Амстердам, Музей Ван Гога, Мунк: Ван Гог , 24 сентября 2015 г. — 17 января 2016 г.

Музей Мунка, Ван Гог + Мунк , 9 мая 2015 г. — 6 сентября 2015 г.

Париж, Музей Орсе, Ван Гог / Арто. Le suicidé de la société , 11 марта 2014 г. — 6 июля 2014 г.

Амстердам, Музей Ван Гога, Van Gogh aan het werk , 1 мая 2013 г. — 13 января 2014 г.

Амстердам, Эрмитаж Амстердам, Винсент.Музей Хета Ван Гога в Эрмитаже, Амстердам, , 29 сентября 2012 г. — 25 апреля 2013 г.

Генуя, Palazzo Ducale (Генуя), Van Gogh e il viaggio di Gauguin , 12 ноября 2011 г. — 30 апреля 2012 г.

Барселона, Музей Пикассо, Деворар Парис. Пикассо 1900-1907 , 1 июля 2011 г. — 16 октября 2011 г.

Лондон, Королевская академия художеств, Настоящий Ван Гог: художник и его письма , 23 января 2010 г. — 18 апреля 2010 г., no.68

Париж, Большой дворец, Picasso et les maîtres , 8 октября 2008 г. — 2 февраля 2009 г.

Нью-Йорк, Neue Galerie, Ван Гог и экспрессионизм , 23 марта 2007 г. — 7 июля 2007 г., нет. zonder nr.

Амстердам, Музей Ван Гога, Van Gogh en het Expressionisme , 24 ноября 2006 г. — 4 марта 2007 г.

Нагоя, Художественный музей префектуры Айти, Ван Гог в контексте , 26 июля 2005 г. — 25 сентября 2005 г., нет.59

Осака, Национальный художественный музей, Ван Гог в контексте , 31 мая 2005 г. — 18 июля 2005 г., нет. 59

Токио, Национальный музей современного искусства (Токио), Ван Гог в контексте , 23 марта 2005 г. — 22 мая 2005 г., нет. 59

Амстердам, Музей Ван Гога, De keuze van Vincent. Музей Ван Гога Imaginaire , 14 февраля 2003 г. — 15 июня 2003 г.

Амстердам, Музей Ван Гога, Ван Гог ан Гоген.Het atelier van het zuiden , 9 февраля 2002 г. — 2 июня 2002 г., № 54

Чикагский институт искусств, Ван Гог и Гоген. Студия Юга , 22 сентября 2001 г. — 13 января 2002 г., № 54

Музей изящных искусств Бостона, Ван Гог. Лицом к лицу , 2 июля 2000 г. — 24 сентября 2000 г.

Лос-Анджелес, Музей искусств округа Лос-Анджелес, Ван Гога Ван Гоги. Шедевры из музея Ван Гога, Амстердам, , 17 января 1999 г. — 16 мая 1999 г., вып.39

Вашингтон, Национальная галерея искусств, Ван Гога Ван Гоги. Шедевры из музея Ван Гога, Амстердам, , 4 октября 1998 г. — 3 января 1999 г., вып. 39

Hamburger Kunsthalle, Ван Гог. Die Pariser Selbstbildnisse , 17 марта 1995 г. — 28 мая 1995 г., нет. zonder nr.

Амстердам, Музей Ван Гога, Parijse zelfportretten van Vincent van Gogh , 10 июня 1994 г. — 9 октября 1994 г.

Амстердам, Музей Ван Гога, Винсент Ван Гог en de moderne kunst 1890-1914 , 16 ноября 1990 — 18 февраля 1991, no.14

Амстердам, Музей Ван Гога, Винсент Ван Гог. Schilderijen , 30 марта 1990 г. — 29 июля 1990 г., нет. 34

Париж, Музей Орсе, Ван Гог в Париже , 2 февраля 1988 г. — 15 мая 1988 г., no. 68

Берн, Художественный музей Берна, Винсент Ван Гог. Коллекция Национального музея Винсента Ван Гога в Амстердаме , 25 января 1973 — 15 апреля 1973, нет. 17

Страсбург, Музей современного искусства Страсбург, Винсент Ван Гог.Коллекция Национального музея Винсента Ван Гога в Амстердаме , 22 октября 1972 — 15 января 1973, нет. 17

Бордо, Музей изящных искусств (Бордо), Винсент Ван Гог. Коллекция Национального музея Винсента Ван Гога в Амстердаме , 21 апреля 1972 — 20 июня 1972, нет. 16

Париж, Оранжерея Тюильри, Винсент Ван Гог. Коллекция Национального музея Винсента Ван Гога в Амстердаме , 21 декабря 1971 г. — 10 апреля 1972 г.

Нью-Йорк, Бруклинский художественный музей, Винсент Ван Гог.Живопись и графика, , 14 февраля 1971 г. — 4 апреля 1971 г., № 24

M.H. Мемориальный музей де Янга, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 11 декабря 1970 г. — 31 января 1971 г., № 24

Балтимор, Художественный музей Балтимора, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 11 октября 1970 г. — 29 ноября 1970 г., № 24

Филадельфия (Пенсильвания), Художественный музей Филадельфии, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 28 февраля 1970 г. — 5 апреля 1970 г., №24

Сент-Луис, Городской художественный музей Сент-Луиса, Винсент Ван Гог. Живопись и графика , 20 декабря 1969 — 1 февраля 1970, нет. 24

Лос-Анджелес, Музей искусств округа Лос-Анджелес, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 14 октября 1969 — 1 декабря 1969, вып. 24

Лондон, Галерея Хейворда, Винсент Ван Гог. Живопись и графика Фонда Винсента Ван Гога, Амстердам, , 23 октября 1968 г. — 12 января 1969 г., вып.99

Вольфсбург, Штадтхалле Вольфсбург, Винсент Ван Гог. Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen , 18 февраля 1967 г. — 2 апреля 1967 г., нет. 38

Гетеборг, Музей Гетеборга, Винсент Ван Гог. Målningar, akvareller, teckningar , 30 декабря 1965 г. — 20 февраля 1966 г., нет. 27

Стокгольм, Moderna Museet, Винсент Ван Гог. Målningar, akvareller, teckningar , 23 октября 1965 г. — 19 декабря 1965 г., нет. 27

Museum voor Schone Kunsten (Gent), Vincent van Gogh.Schilderijen, aquarellen, tekeningen , 19 февраля 1965 — 28 марта 1965, no. 12

Шарлеруа, Дворец изящных искусств (Шарлеруа), Винсент Ван Гог. Schilderijen, aquarellen, tekeningen , 9 января 1965 — 9 февраля 1965, no. 12

Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 2 апреля 1964 — 28 июня 1964, № 22

Вашингтон, Вашингтонская галерея современного искусства, Винсент Ван Гог.Живопись, акварель и рисунок , 2 февраля 1964 — 19 марта 1964, вып. 22

Хумлебек, Музей современного искусства Луизианы, Винсент Ван Гог. Malerier og tegninger , 24 октября 1963 г. — 15 декабря 1963 г., нет. 22

Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, 150 jaar Nederlandse Kunst. Schilderijen, beelden, tekeningen, grafiek 1813-1963 , 6 июля 1963 — 29 сентября 1963, no. 101

Канзас-Сити, Галерея искусств Уильяма Рокхилла Нельсона и Музей изящных искусств Мэри Аткинс, Винсент Ван Гог.Живопись, акварель и рисунок , 7 февраля 1963 — 26 марта 1963, № 31

Детройтский институт искусств, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 11 декабря 1962 г. — 29 января 1963 г., № 31

Питтсбург (Пенсильвания), Институт Карнеги, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 18 октября 1962 г. — 4 ноября 1962 г., № 31

Музей изящных искусств Бостона, Винсент Ван Гог.Живопись, акварель и рисунок , 22 марта 1962 г. — 29 апреля 1962 г., № 31

Буффало (Нью-Йорк), Художественная галерея Олбрайт, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок, , 30 января 1962 — 11 марта 1962, № 31

Кливленд, Музей искусств Кливленда, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 5 декабря 1961 — 14 января 1962, № 31

Балтимор, Художественный музей Балтимора, Винсент Ван Гог.Живопись, акварель и рисунок , 18 октября 1961 г. — 26 ноября 1961 г., вып. 31

Торонто, Художественная галерея Торонто, Винсент Ван Гог. Картины-рисунки / Tableaux-Dessins , 10 февраля 1961 — 12 марта 1961, № 35

Виннипег, Художественная галерея Виннипега, Винсент Ван Гог. Картины-рисунки / Tableaux-Dessins , 29 декабря 1960 — 31 января 1961, № 35

Оттава, Национальная галерея Канады, Винсент Ван Гог.Картины-рисунки / Tableaux-Dessins , 17 ноября 1960 — 18 декабря 1960, № 35

Монреаль, Монреальский музей изящных искусств, Винсент Ван Гог. Картины-рисунки / Tableaux-Dessins , 6 октября 1960 г. — 6 ноября 1960 г., № 35

Центральный музей, Винсент Ван Гог schilderijen en tekeningen, verzameling Ir. В.В. Ван Гог , 18 декабря 1959 — 1 февраля 1960, нет. 27

Сиэтл, Художественный музей Сиэтла, Винсент Ван Гог.Живопись и графика, , 7 марта 1959 — 19 апреля 1959, № 29

Портленд (Орегон), Портлендский художественный музей (Орегон), Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 28 января 1959 — 1 марта 1959, № 29

Лос-Анджелес, Музей искусств округа Лос-Анджелес, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 10 декабря 1958 — 18 января 1959, № 29

M.H. Мемориальный музей де Янга, Винсент Ван Гог. Живопись и графика , 6 октября 1958 — 30 ноября 1958, №29

Монс, Museum voor Schoone Kunsten, Винсент Ван Гог (1853-1890). Son art et ses amis , 22 марта 1958 г. — 5 мая 1958 г., нет. 18

Museum De Waag, Schilderijen van Vincent van Gogh , 31 января 1958 — 20 февраля 1958, no. 13

Schiedam, Stedelijk Museum Schiedam, Vincent van Gogh , 21 декабря 1957 — 27 января 1958, no. 15

Museum De Lakenhal, Винсент Ван Гог , 9 ноября 1957 — 16 декабря 1957, no.15

Марсель, Musée Cantini, Винсент Ван Гог , 12 марта 1957 — 28 апреля 1957, no. 36

Бреда, Cultureel Centrum De Beyerd, Винсент Ван Гог , 2 февраля 1957 — 24 февраля 1957, no. 42

Ньюкасл-апон-Тайн, Художественная галерея Laing, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, в основном из собрания Ир. В.В. Ван Гог , 11 февраля 1956 — 24 марта 1956, нет. 33

Манчестер (Англия), Художественная галерея Манчестер Сити, Винсент Ван Гог.Живопись и графика, в основном из собрания Ир. В.В. Ван Гог , 17 декабря 1955 — 4 февраля 1956, нет. 33

Ливерпуль, Художественная галерея Уокера, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, в основном из собрания Ир. В.В. Ван Гог , 29 октября 1955 — 10 декабря 1955, нет. 33

Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Винсент Ван Гог , 24 июня 1955 — 1 сентября 1955, no. 113a

Antwerp, Zaal Comité voor Artistieke Werking, Vincent van Gogh , 7 мая 1955-19 июня 1955, no.208

Нью-Йорк, Wildenstein & Company, Выставка займов Винсента Ван Гога , 24 марта 1955 г. — 30 апреля 1955 г., нет. 25

Берн, Художественный музей Берна, Винсент Ван Гог , 27 ноября 1954 — 30 января 1955, no. 37

Kunsthaus Zürich, Винсент Ван Гог , 9 октября 1954 — 21 ноября 1954, no. 27

Толедо (Огайо), Художественный музей Толедо, Винсент Ван Гог 1853-1890 , 7 марта 1954 — 30 апреля 1954, нет.64

Филадельфия (Пенсильвания), Художественный музей Филадельфии, Винсент Ван Гог 1853-1890 , 2 января 1954 — 28 февраля 1954, нет. 64

Сент-Луис, Городской художественный музей Сент-Луиса, Винсент Ван Гог 1853-1890 , 17 октября 1953 — 13 декабря 1953, no. 64

Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Eeuwfeest Vincent van Gogh , 23 июля 1953 — 20 сентября 1953, no. 65

Kröller-Müller Museum, Eeuwfeest Vincent van Gogh , 24 мая 1953-19 июля 1953, no.65

Гаага, Gemeentemuseum Den Haag, Винсент Ван Гог , 30 марта 1953 — 17 мая 1953, нет. 96

Эйндховен, Van Abbemuseum, Винсент Ван Гог , 22 марта 1952 — 4 мая 1952, no. 34

Rijksmuseum Twenthe, Винсент Ван Гог , 20 февраля 1952 — 16 марта 1952, no. 34

Alkmaar, Stedelijk Museum Alkmaar, Tentoonstelling schilderijen van Vincent van Gogh , 1 декабря 1951 — 1 января 1952, no.10

Арль, Musée Réattu, Vincent van Gogh en Provence , 5 мая 1951 — 27 мая 1951, no. 26

Гренобль, Музей Гренобля, Винсент Ван Гог , 30 марта 1951 — 2 мая 1951, no. 26

Nijmegen, Waaggebouw, Tentoonstelling schilderijen van Vincent van Gogh , 3 марта 1951 — 27 ноября 1951, no. 10

Лион, Лионский музей, Винсент Ван Гог , 5 февраля 1951 — 27 марта 1951, no.26

Raadhuis Hilversum, Tentoonstelling Vincent van Gogh , 7 октября 1950 г. — 5 ноября 1950 г., no. 14

Чикагский институт искусств, Живопись и графика Винсента Ван Гога. Специальная ссудная выставка , 1 февраля 1950 г. — 16 апреля 1950 г., нет. 61

Нью-Йорк, Метрополитен-музей, Картины и рисунки Винсента Ван Гога. Специальная ссудная выставка , 21 октября 1949 г. — 15 января 1950 г., № 61

Гаага, Gemeentemuseum Den Haag, Винсент Ван Гог.Коллекционирование ir. В.В. Ван Гог , 12 октября 1948 — 10 января 1949, нет. 106

Kunstnernes Hus, Винсент Ван Гог , 24 апреля 1948 — 15 мая 1948, no. 22

Берген (Норвегия), Kunstforening, Винсент Ван Гог , 23 марта 1948 — 18 апреля 1948, no. 22

Городская художественная галерея, Винсент Ван Гог 1853-1890. Выставка живописи и рисунка , 21 февраля 1948 — 14 марта 1948, № 31

Городская художественная галерея, Винсент Ван Гог 1853-1890.Выставка живописи и рисунка , 24 января 1948 — 14 февраля 1948, № 31

Лондон, Галерея Тейт, Винсент Ван Гог 1853-1890. Выставка живописи и рисунка , 10 декабря 1947 — 14 января 1948, № 31

Гронинген, Museum van Oudheden, Винсент Ван Гог , 18 октября 1947 — 16 ноября 1947, no. 43

Musée Rath, 172 произведения Винсента Ван Гога (1852-1890) , 22 марта 1947 — 20 апреля 1947, no.77

Париж, Musée de l’Orangerie, Винсент Ван Гог , 24 января 1947 — 15 марта 1947, no. 77

Монс, Museum voor Schoone Kunsten, Винсент Ван Гог , 27 декабря 1946 — 1 января 1947, no. 75

Брюссель, Paleis voor Schoone Kunsten, Винсент Ван Гог , 9 ноября 1946 — 19 декабря 1946, no. 75

Museum voor Schoone Kunsten, Винсент Ван Гог , 12 октября 1946 г. — 3 ноября 1946 г., no.75

Копенгаген, Шарлоттенборг, Винсент Ван Гог. Udstilling af malerier og tegninger , 22 июня 1946 — 14 июля 1946, no. 43

Мальмё, Музей Мальмё, Винсент Ван Гог. Utställning anordnad till förmån för svenska hollandshjälpen , 29 мая 1946 — 16 июня 1946, no. 41

Гетеборг, Музей Гетеборга, Винсент Ван Гог. Utställning anordnad till förmån för svenska hollandshjälpen , 3 мая 1946 г. — 26 мая 1946 г., no.41

Стокгольм, Национальный музей (Стокгольм), Винсент Ван Гог. Utställning anordnad till förmån för svenska hollandshjälpen , 8 марта 1946 — 28 апреля 1946, no. 41

Heerlen, Raadhuis Heerlen, Vincent van Gogh , 8 февраля 1946 — 24 февраля 1946, no. 40

Bonnefantenmuseum, Винсент Ван Гог , 12 января 1946 — 28 января 1946, нет. 40

Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Винсент Ван Гог , 14 сентября 1945 — 1 декабря 1945, no.zonder nr.

Копенгаген, Шарлоттенборг, Винсент Ван Гог. Malerier, tegninger, akvareller , 1 января 1938 — 1 января 1938, no. 25

Kunstnernes Hus, Винсент Ван Гог. Malerier, tegninger, akvareller , 3 декабря 1937 — 24 декабря 1937, no. 15

Париж, Les nouveaux musées, Quai de Tokio, La vie et l’oeuvre de Van Gogh , 1 июня 1937 — 1 октября 1937, no. 5

Калифорния Дворец Почетного легиона, Винсент Ван Гог , 28 апреля 1936 — 24 мая 1936, нет.38

Кливленд, Музей искусств Кливленда, Винсент Ван Гог , 25 марта 1936 — 19 апреля 1936, нет. 38

Музей изящных искусств Бостона, Винсент Ван Гог , 19 февраля 1936 — 15 марта 1936, нет. 38

Филадельфия (Пенсильвания), Художественный музей Филадельфии, Винсент Ван Гог , 11 января 1936 — 10 февраля 1936, нет. 38

Нью-Йорк, Музей современного искусства (Нью-Йорк), Винсент Ван Гог , 5 ноября 1935 — 5 января 1936, нет.38

Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Vincent van Gogh. Werken uit de verzameling van Ir. В.В. Ван Гог, in bruikleen afgestaan ​​aan de Gemeente Amsterdam , 14 февраля 1931 — 1 января 1931, no. 58

Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Vincent van Gogh en zijn tijdgenooten , 6 сентября 1930 — 2 ноября 1930, no. 64

Амстердам, Maatschappij Arti et Amicitiae, Tentoonstelling Nederlandsche portretkunst , 1 декабря 1929 — 1 декабря 1929, no.30

Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Vincent van Gogh tentoonstelling ter gelegenheid van het internationale jeugdfeest der S.J.I. , 15 мая 1926 г. — 15 июня 1926 г., нет. 41

Venice, Instelling onbekend, Biennale, XV Expossizione Internazionale d’Arte della città di Venezia , 1 апреля 1926 — 1 октября 1926, no. 23

Париж, Лувр, Выставка Голландия. Tableaux, aquarelles et dessins anciens et modernes , 1 апреля 1921 — 1 мая 1921, no.163

Galerie Commeter, В. Ван Гог , 1 сентября 1914 — 1 сентября 1914

Кельн, Kölner Kunstverein, V. van Gogh , 1 июля 1914 — 1 августа 1914

Berlin, Kunstsalon Paul Cassirer, Vincent van Gogh 30. März 1853–29. Juli 1890. Zehnte Ausstellung , 1 июня 1914 — 5 июля 1914, no. 39

Antwerp, Zaal Comité voor Artistieke Werking, L’art contemporain. Салон 1914 / Kunst van Heden.Tentoonstelling 1914 , 7 марта 1914 г. — 5 апреля 1914 г., нет. 67

Лондон, галереи Grafton, Мане и постимпрессионисты , 8 ноября 1910 г. — 15 января 1911 г.

Berlin, Kunstsalon Paul Cassirer, Titel onbekend , 9 мая 1909 — 1 мая 1909

Berlin, Kunstsalon Paul Cassirer, Titel onbekend , 1 октября 1908 — 1 октября 1908

Амстердам, Kunsthandel C.M. Ван Гог, Винсент Ван Гог tentoonstelling , 3 сентября 1908 — 24 сентября 1908, no.26

Гаага, Kunsthandel C.M. Ван Гог, Винсент Ван Гог tentoonstelling , 1 июля 1908 — 1 августа 1908

Франкфурт-на-Майне, Frankfurter Kunstverein, V. van Gogh Ausstellung , 14 июня 1908 — 28 июня 1908, no. 32

Берлин, Художественный салон Пауля Кассирера, VII. Ausstellung , 5 марта 1908 — 22 марта 1908, нет. 14

Париж, Galerie Bernheim-Jeune, Cent tableaux de Vincent van Gogh , 6 января 1908 — 1 февраля 1908, no.29

Роттердам, Rotterdamsche Kunstkring, Keuze-tentoonstelling van Nederlandsche portretkunst der laatste vijftig jaren (schilderijen en waterverfteekeningen) , 16 марта 1907 — 14 апреля 1907, no. 11

Leidsche Kunstvereeniging, Tentoonstelling van Schilderijen Door Vincent van Gogh , 7 октября 1905 — 16 октября 1905, no. 27

Vereeniging Voor de Kunst, Tentoonstelling van Schilderijen Door Vincent Van Gogh , 9 сентября 1905 г. — 2 октября 1905 г., no.27

Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Tentoonstelling Vincent van Gogh , 15 июля 1905 — 1 сентября 1905, no. 89

Архив современной портретной миниатюры — REBECCA LUNCAN

Дети художников, Миниатюрный портрет

Тим Марсден говорил, что моя собака Бастер заставила его завести собаку. Его дочь Олвин, изображенная на миниатюрном портрете этого месяца, — из тех детей, от которых хочется иметь ребенка, как в противоположность контролю над рождаемостью.

Когда я впервые встретил Марсденов в галерее SOIL в Сиэтле, Олвин все еще сидел в коляске. Мы с Тимом подружились и вскоре разработали план создания Artnight. Мы встречались, как часы, чтобы творить искусство, каждый четверг вечером в течение 14 лет, и Artnight разрослась до более чем дюжины художников.

Трудно в полной мере выразить, насколько значимым для меня было то время — работать в студии, полной художников, вдохновленных целеустремленными людьми, творившими повсюду вокруг. Мне посчастливилось наблюдать, как художники взрослеют, развивают темы в своих работах и ​​совершенствуют свое мастерство.

С тех пор, как много лет назад я переехал на север, Артнайт — моя самая большая потеря. Это так сложно написать. До сих пор я не осознавал, как сильно скучаю по своему другу. Хотя эта серия рассказов о художниках, вдохновляющих меня принять вызов отцовства, из всех участвующих художников никто не вдохновил меня больше, чем Тим.

Я люблю проводить время с Тимом и Сэнди. Они теплая и любящая пара, и быть рядом с ними просто здорово. Тим не любит ничего больше, чем рассказывать смешные истории комнате, полной людей, а Сэнди — натурал Тима.Но никто не смешит Тима больше, чем Сэнди.

Каждый раз, когда Artnight собирались в студии Тима, Олвин присоединялась к группе, чтобы работать над своими собственными проектами. Даже тогда Олвин был для меня немного взрослым. Я говорю не о своих друзьях Тиме и Сэнди и их дочери, а о моих друзьях Тиме, Сэнди и Олвине. И вдруг мой маленький Олвин вырос и идет в институт. Я не знаю, как Тим и Сэнди справляются с этим.

Олвин уверена в себе, упряма и знает свой ум. Еще она веселая, проницательная и теплая.За эти годы я нарисовал всю семью (включая их покойного пса Ниппи), и это моя вторая картина Олвина. Все мои картины Марсденов смотрите в моем предыдущем посте.

Олвин и Тим играют с художником, НЛО Кристиана Френча (фото Christian French)

Олвин и Тим играют с художником НЛО Кристиана Френча.

От Тима:

После рождения Олвина и Сэнди, и я работали неполный рабочий день (я работал немного меньше, чем неполный рабочий день, скорее, нечасто), пока Сэнди не вернулась к более типичному графику.Мы оба счастливы, что сделали. Лучше всего проводить время с ребенком прямо сейчас, и я уверен, что это помогло укрепить связь, которую мы все чувствуем как семья. В то время я снимал студию у Two Bells, небольшого магазина прямо на 4-й авеню. Олвин находился в манеже, который мы установили в студии, и мы тратили немало времени на прогулку, выполняя поручения и просто чрезмерно возбуждаясь, пока Сэнди не вернется домой. Студия тоже была рядом с квартирой, так что все было в пределах досягаемости.Помимо довольно короткого пребывания в студии на фабрике под мостом в Западном Сиэтле, мне всегда посчастливилось иметь свою студию дома. Хотя такая ситуация имеет несколько ограничений, плюсы намного перевешивают минусы. Это также означает, что искусство существует все время, и я уверен, что во многом это повлияло на отношение Олвин к искусству, а также на то, как она ориентируется в мире.

Присутствие Олвина редко, если вообще когда-либо, мешало творчеству.Не было ни цензуры для молодых невинных глаз, ни политики закрытых дверей, и ее всегда поощряли работать над ее собственными проектами или давать мне руку натяжения холста, а также другие студийные практики. Необходимость работать на другой работе мешала ей гораздо больше, чем наличие ребенка. На самом деле Художественный музей был довольно хорошим местом для работы, когда Олвин была моложе, и иногда она присоединялась ко мне на складе и записывала инвентарные номера произведений в коллекции. Олвин сохранила сильные воспоминания о музейном хранилище вплоть до того, что ее больше не приветствовали.

Как если бы вас воспитывали волки, вы не боитесь волков, так же как и художников и их потомков. Олвин не боится искусства и не боится его. Она видит в этом то, что есть, исследование нашего мира с помощью множества различных средств — некоторые более чем успешные, чем другие, выполняемые людьми, насколько это возможно. Бородавки и все такое, мы все просто люди … производящие всякие штуки.

Выставка «Рассказы» в Studio E Gallery (Фото: Джеймс Арзенте)

Тим Марсден был практикующим художником более 30 лет.В то время он выставлял свои работы на международном уровне, но после переезда из Европы в 1997 году он жил в Сиэтле. Изначально получив образование художника, работа Марсдена расширилась, чтобы охватить ряд различных средств массовой информации, включая, помимо прочего, скульптуру, рисунок и анимацию. (фильм). Интерес Марсдена к повествованию оказал большое влияние на его работу, и он использует повествование разными способами, чтобы исследовать слабости и абсурды, которым подвержены люди.

Его последняя выставка под названием «Рассказы» представляла собой инсталляцию, состоящую из нескольких отдельных частей (каждая из которых состоит из нескольких отдельных частей), чтобы создать общую композицию в выставочном пространстве.Художественные влияния слишком многочисленны, чтобы упоминать их, хотя Гойя, Тернер и немецкие экспрессионисты — вездесущие призраки на празднике.