Декорации рисунки: Декорации в театре рисунки для детского садика и для школы

Содержание

Театр Гонзаги — Государственный музей-усадьба «Архангельское»

Здание театра и декорации создал итальянский художник Пьетро ди Готтардо Гонзага (1751–1831) по заказу владельца усадьбы князя Николая Борисовича Юсупова (1751–1831). Театр в Архангельском входит в число немногих существующих в мире старинных театров, не затронутых позднейшими реконструкциями. До наших дней дошли не только элементы убранства зрительного зала и театральной машинерии, но и подлинные декорации Гонзаги, не сохранившиеся более ни в одном из европейских театров.

В 1817 году в Москве намечались торжества по случаю пятилетия победы над Наполеоном с участием императора Александра I. К предстоящему празднеству Юсупов задумал устроить в усадьбе театральный зал. 

Князь Юсупов принял решение полностью перестроить здание манежа в западной части пейзажного парка на основе принципиально нового проекта Гонзаги.

Фасад и план Театра. 1-я пол. XIX в.

Неизвестный художник. Рисунок с декорации П.Гонзаги «Тюрьма». 1-я пол. XIX в.

Неизвестный художник. Рисунок с декорации П.Гонзаги «Мраморная галерея». 1-я пол. XIX в.

П.Гонзага (?). Поперечный и продольный разрез театра в Архангельском. 2-я пол. 1810- гг.
Государственный центральный театральный музей им.А.А.Бахрушина.

П.Гонзага. Проект плана театра в Архангельском.

Театр возводился из дерева на каменном основании артелью плотников Осипа Иванова. Для установки сценических механизмов из Москвы пригласили театрального машиниста Петра Иванова. В январе 1818 года, согласно историческим документам, в усадьбу в сопровождении архитектора Мельникова приехали «два итальянца и театральный механик». Заманчиво предположить, что этими итальянцами были Пьетро Гонзага и его сын Паоло. 

К середине 1818 года театр в Архангельском приобрел тот облик, который можно видеть и сегодня.

  • Театр в Архангельском. 1890-е гг.

Планшет сцены с ярко выраженным уклоном имел все необходимые приспособления для смены декораций и различных сценических эффектов. Четверть объема здания отведена под артистические. Театр был пригоден для спектаклей любого рода – драматических, оперных, балетных, но прежде всего в Архангельском планировалось показывать спектакли декораций.

Спектакли декораций, заключавшиеся в смене на сцене театра различных по настроению иллюзорных архитектурно-пространственных картин, иногда под музыку, но без участия актеров, были известны в Западной Европе в XVII–XVIII столетиях. Автором такого представления становился театральный живописец, значимость его искусства была сопоставима с ролью драматурга, композитора, балетмейстера. Благодаря его мастерству рождалась, по выражению Гонзаги, «музыка для глаз».

Для усадебного театра Гонзага написал занавес, который как бы продолжал архитектуру зрительного зала, и несколько перемен декораций. Достоверно подтверждено создание десяти декораций, при этом некоторые современники полагали, что их было двенадцать или более. До наших дней сохранились четыре – «Храм», «Таверна», «Тюрьма», «Мраморная галерея», а также живописный занавес. Первоначальный облик почти всего ансамбля декораций Гонзаги воссоздают акварели, выполненные в 1820-х годах художниками, работавшими в усадьбе. 

Вид зрительного зала

Вид зрительного зала

В театре сохранилась часть машинерии, использовавшейся во время смены декораций. 

Полностью представить задуманный сюрприз Юсупову не удалось. По словам присутствовавших, в театре декорации сменили только три раза, что вызвало недовольство Александра I. 

Позднее наследники князя Юсупова перевезли значительную часть художественных ценностей усадьбы Архангельское в Петербург.

  • И.Е.Крачковский. Программа спектакля в театре 1 июня 1896 г.

В конце XIX века в дни празднеств в Архангельском на подмостки усадебного театра выходили известные артисты. Заметным событием стали торжества 1896 года в честь Николая II: в большой музыкальной программе участвовали оперные знаменитости – шведская примадонна Сигрид Арнольдсон и итальянский певец Анджело Мазини. Наряду с концертными номерами была представлена опера Фелисьена Давида «Лалла Рук» на сюжет восточной поэмы Томаса Мура, но декорации Гонзаги не использовались – историки театра считали их в этот период утраченными.

Экскурсия в театр Гонзаги по предварительной записи. Возможно проведение сборных экскурсий в выходные и праздничные дни(при наличии свободного экскурсовода)

Рисунки К.Скорынина | izi.TRAVEL

К. А. Скорынин родился 18 марта 1918 года в семье кузнеца-жестянщика А. А. Скорынина. Его отец одно время работал служащим на заводе, писал декорации для театра, расписывал ритуальные знамёна; потом работал в союзе кузнецов – жестянщиков: изготавливал поделки из жести, бидоны, керосиновые лампы.

Мать, Александра Николаевна, была домохозяйкой. Константин был младшим, восьмым ребёнком, в семье. Учился в опорной (начальной) школе, 2-х классном училище, закончил семилетку; рабочую специальность приобрёл в ФЗУ, а оттуда в 1935 году пошёл на завод. Сначала работал слесарем, позже был переведён в технологический отдел на должность чертёжника. В 1936 году вступил в комсомол. В 1937 году К. А. поступил учиться в Пермский индустриальный рабфак, который успешно закончил в 1940 году, и тогда же был призван в Красную армию.

Участвовал в Великой Отечественной войне в качестве командира миномётного взвода, роты, начальника штаба батальона. Был награждён орденами Красного знамени, Отечественной войны I и IIстепени, медалями. После демобилизации в 1946г. вернулся на родину. Работал художником, мастером инструментального цеха, пропагандистом, зав. отделом в райкоме партии, второй секретарь райкома, зам. редактора районной газеты «Ленинское знамя», зам. председателя райисполкома. С 1965г.

до выхода на пенсию по возрасту он работал на мехзаводе начальником отдела кадров и парторгом завода, а с 1971 года освобождённым председателем заводского комитета профсоюзов.

Усилиями Константина Александровича был создан музей механического завода, отразивший в многочисленных экспонатах историю предприятия. Работал в созданном им музее с 1978г. по 2000г. Основные темы краеведческих исследований К. А. Скорынина – история Очёрского механического завода, его развитие, лучшие люди завода. Он автор обширного буклета «Очёрский механический завод – ровесник Октября». По его инициативе напротив проходной завода был установлен памятник рабочим завода, погибшим в Великой Отечественной войне.

В 2013 – 2014 гг. картины К.А. Скорынина выставлялись в Музее Советского наива на выставке «Октябрь всегда был красным».

 

10 театральных художников Серебряного века

В XIX — начале ХХ века художники часто не только писали картины, но и оформляли театральные сцены. Многие из них работали для Русских сезонов Сергея Дягилева и создавали декорации для Московской частной оперы Саввы Мамонтова, Большого и Мариинского театров. Портал «Культура.РФ» рассказывает о десяти живописцах, проявивших себя в качестве художников-постановщиков.

Мстислав Добужинский

Мстислав Добужинский. Голубая гостиная. Эскиз декорации к первому акту «Месяца в деревне» Ивана Тургенева. 1909. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Мстислав Добужинский. Эскиз костюма Комуса к комедии Брюйе и Палапра «Адвокат Патлен». 1915. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Мстислав Добужинский. Улица в городе. Эскиз декорации к пьесе Петра Потемкина «Петрушка». 1908. Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

Свои первые театральные работы Мстислав Добужинский выполнил по заказу МХАТа. Одним из самых удачных стало оформление спектакля по тургеневской пьесе «Месяц в деревне». О своей работе над этой постановкой художник вспоминал так: «С Константином Сергеевичем, несмотря на порядочную разницу лет, у меня сразу возникло большое душевное сближение. Он меня мало стеснял и умел необыкновенно уютно беседовать. Задача, которая стояла передо мною в «Месяце в деревне», была гораздо глубже и больше, чем просто создать «красивую рамку» пьесы. Я вошел в совершенно новую и исключительную атмосферу работы, и то, что открывал мне Станиславский, было огромной для меня школой».

Также во МХАТе он оформил спектакли «Николай Ставрогин» по Достоевскому, тургеневские «Где тонко, там и рвется», «Нахлебника» и «Провинциалку». Последней мхатовской работой художника стала еще одна постановка Достоевского — «Село Степанчиково». К этому времени между Станиславским и Добужинским накопились творческие разногласия, из-за чего они перестали сотрудничать. Несмотря на это, художник всегда тепло вспоминал Станиславского.

В эмиграции Добужинский много работал в Каунасском театре — там он поставил десять опер, среди них — «Пиковая дама», «Паяцы», «Борис Годунов», а также лучший, по мнению критиков, его спектакль — «Дон Жуан». Добужинский также подготовил декорации для балета Михаила Фокина «Русский солдат», вместе с Михаилом Чеховым работал над лондонской постановкой «Бесов». В США, куда он переехал в конце жизни, ему удалось оформить спектакль «Бал-маскарад» Джузеппе Верди в Метрополитен-опере и «Воццек» Альбана Берга в Нью-Йоркской опере совместно Федором Комиссаржевским.

Константин Коровин

Константин Коровин. Лес. Эскиз декорации к опере Николая Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже». 1918. Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

Константин Коровин. Дворец Клеопатры, египетский зал. Эскиз декораций для оперы-балета Николая Римского-Корсакова «Млада». 1916. Частное собрание

Константин Коровин. Танец. Эскиз декорации для постановки балета Цезаря Пуни «Конек-Горбунок» на сцене Мариинского театра в Петербурге. 1912. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства, Санкт-Петербург

Первые шаги в качестве художника-сценографа Константин Коровин сделал в частной опере Саввы Мамонтова. Там в 1885 году он оформил «Виндзорских проказниц» Отто Николаи. В следующие 15 лет Коровин работал в театре Мамонтова над десятком постановок — среди них «Аида», «Самсон и Далила» и «Хованщина». О его декорациях к опере «Лакме» Лео Делиба критики писали: «Все три декорации «Лакме» художника Коровина вполне прекрасны — от них точно веет тропическим зноем Индии. Костюмы сделаны со вкусом, более того — они оригинальны».

А здесь смотрите морские пейзажи Коровина

В дальнейшем Коровин работал в Большом театре, там он оформил «Русалку» и «Золотого петушка», а для Мариинского театра подготовил декорации к «Демону» Рубинштейна. Как писал художник: «Краски, аккорды цветов, форм — эту задачу я и поставил себе в декоративной живописи театра балета и оперы». Несмотря на сорокалетний опыт и более сотни поставленных спектаклей, в эмиграции Коровин-декоратор первое время не был востребован. Но с открытием Русской оперы в Париже художник вернулся к любимой профессии и создал декорации к «Князю Игорю».

Александр Головин

Александр Головин. Траурный зал. Эскиз декорации к драме Михаила Лермонтова «Маскарад». 1917. Государственный центральный театральный музей имени А. А. Бахрушина, Москва

Александр Головин. Золотой зал. Эскиз декорации к балету Петра Чайковского «Лебединое озеро». 1901. Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

Александр Головин. Коронация. Эскиз декорации пролога к опере Модеста Мусоргского «Борис Годунов». 1908. Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

В Большой театр Александр Головин попал по рекомендации Василия Поленова — здесь он создал декорации для опер «Ледяной дом» Арсения Корещенко и «Псковитянка» Николая Римского-Корсакова. Художник вспоминал: «Я не любил начинать с начала, то есть с первой картины и переходить затем ко второй, третьей и т. д., а начинал либо с конца, с последней картины, либо с середины. Так, при постановке «Ледяного дома» я начал с картины рассвета над цыганским табором.

Трудность работы заключалась в том, что все приходилось мне делать самому: я никогда не умел рассказывать, что именно мне нужно, чего я добиваюсь, и всегда предпочитал сделать работу сам, а не поручать ее помощникам».

Работал Головин и для «Русских сезонов» Дягилева в Париже — он оформил оперу «Борис Годунов» Модеста Мусоргского и балет «Жар-птица» Игоря Стравинского. Готовил постановки и для Мариинского театра: всего он оформил там 15 спектаклей. Вместе с Всеволодом Мейерхольдом Головин поставил «Орфея и Эвридику», «Электру» и «Каменного гостя». Мейерхольд писал: «Два имени никогда не исчезнут из моей памяти: Головин и покойный Николай Сапунов, это те, кому, как и мне, приоткрыты были потайные двери в страну чудес». Последней совместной работой Мейерхольда и Головина стал лермонтовский «Маскарад». Головин для этого спектакля написал около четырех тысяч рисунков и эскизов декораций, тканей и реквизита. После революции их творческий союз распался. В 1925 году во МХАТе Головин оформил «Женитьбу Фигаро», а также «Отелло» — этот спектакль для художника стал последним.

Василий Поленов

Василий Поленов. Кладбище среди кипарисов. Эскиз к опере Кристофа Глюка «Орфей и Эвридика». 1897. Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

Василий Поленов. Зал в волшебном замке. Эскиз декорации. 1883. Государственный историко-художественный и литературный Музей-заповедник «Абрамцево», Московская область

Василий Поленов. Атриум. Эскиз декорации. 1879. Государственный историко-художественный и литературный Музей-заповедник «Абрамцево», Московская область

Среди известных постановок Василия Поленова — оформление сказки «Алая роза» по пьесе Саввы Мамонтова и декорации к «Орфею и Эвридике» Кристофа Глюка, выполненные для Частной оперы Саввы Мамонтова. Также он оформил «Орлеанскую деву» Петра Чайковского. Но Поленов не только работал в чужих театрах, но и организовал свой собственный. Вместе с детьми он показывал спектакли для учеников сельской школы, расположенной рядом с его усадьбой. После революции в театре стали играть уже крестьянские ребята. Вот как описывал это художник: «У нас тут среди крестьян образовалось два театральных кружка…. Между исполнителями или артистами, как мы их называем, есть очень талантливые и одухотворенные. Дочери заняты режиссерством, костюмами, гримом, но и сами участвуют, а я пишу декорации, устраиваю сцену и делаю бутафорию».

Лев Бакст

Лев Бакст. Эскиз декорации к балету «Шехеразада» на музыку Николая Римского-Корсакова. 1910. Частное собрание

Лев Бакст. Эскиз костюма Клеопатры для Иды Рубинштейн к балету «Клеопатра» на музыку Антона Аренского. 1909. Частное собрание

Лев Бакст. Эскиз декорации к балету «Дафнис и Хлоя». 1912. Частное собрание

История и главные имена Русских сезонов — по ссылке

Одной из первых театральных работ Льва Бакста был балет «Фея кукол» Йозефа Байера, поставленный в 1900 году. Бакст много работал для Эрмитажного и Александринского театров. Позже он сотрудничал с Русскими сезонами Сергея Дягилева, благодаря которым его узнали в Европе. Бакст декорировал балеты «Клеопатра», «Шехерезада», «Карнавал» и другие. Особенно художнику удавались античные и восточные произведения. Как театральный художник Бакст достиг особенного мастерства в создании костюмов. Модели, придуманные Бакстом, не только нашли свое место на сцене, но и серьезно повлияли на мировую моду того времени. Бакст так описывал свой творческий метод: «В каждом цвете существуют оттенки, выражающие иногда искренность и целомудрие, иногда чувственность и даже зверство, иногда гордость, иногда отчаяние. Это может быть… передано публике… Именно это я пытался сделать в «Шахерезаде». На печальный зеленый я кладу синий, полный отчаяния… Есть красные тона торжественные и красные, которые убивают… Художник, умеющий извлекать пользу из этих свойств, подобен дирижеру…»

Николай Рерих

Николай Рерих. Псков. Эскиз к опере «Псковитянка» Николая Римского-Корсакова. 1922. Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Николай Рерих. Старейшины в медвежьих шкурах. Эскиз к балету «Весна священная» Игоря Стравинского. 1944. Музей Николая Рериха, Нью-Йорк, США

Николай Рерих. Великая жертва. Эскиз к балету «Весна священная» Игоря Стравинского. 1910. Саратовский художественный музей имени А.Н. Радищева, Саратов

Читайте подробнее о жизни и творчестве Дягилева

Первый театральный опыт Рериха пришелся на 1907 год: создатели «Старинного театра» в Петербурге Николай Евреинов и Николай Дризен поручили ему оформить спектакль «Три волхва». Критики дружно ругали постановку, но, однако, хвалили декорации. Позже по заказу Дягилева Рерих оформил для Русских сезонов «Князя Игоря» и «Псковитянку» (совместно с художниками Александром Головиным и Константином Юоном). Как писал режиссер Александр Санин Рериху: «ты в этой вещи будешь «велик». Если бы ты не существовал, тебя надо было бы для «Игоря» выдумать и родить». С восхищением о театральных работах художника писала и парижская пресса: «Я не имею чести лично знать Рериха… Сужу о нем только по декорациям в Шатле и нахожу их чудесными… Все, что я видел в Шатле, переносит меня в музеи, на всем видно глубочайшее изучение истории, и во всем этом нет обыденщины, банальности и нудной условности, к которым так привыкла наша театральная публика…» Еще одной работой Николая Рериха для Дягилева стал балет Игоря Стравинского «Весна священная», о которой композитор вспоминал: «Я занялся работой с Рерихом, и через несколько дней план сценического действия и названия танцев были придуманы. Пока мы жили там, Рерих сделал также эскизы своих знаменитых задников, половецких по духу, и эскизы костюмов по подлинным образцам из коллекции княгини».

Виктор Васнецов

Виктор Васнецов. Эскиз декорации к опере Николая Римского-Корсакова «Снегурочка». 1885. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Виктор Васнецов. Пролог. Эскиз декорации к опере Николая Римского-Корсакова «Снегурочка». 1881. Государственный историко-художественный и литературный музей-заповедник «Абрамцево», Московская область

Виктор Васнецов. Эскиз декорации к опере Модеста Мусоргского «Борис Годунов». 1898. Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

Виктор Васнецов для театральной сцены работал мало, однако его эскизы к «Снегурочке» Александра Островского стали новаторскими в отечественной сценографии. Сначала Васнецов оформил домашний спектакль в усадьбе Саввы Мамонтова Абрамцево. К слову, Васнецов не только исполнил декорации, но и сыграл роль Деда Мороза; Илья Репин был боярином Бермятой, а сам Савва Мамонтов — царем Берендеем. Через три года Виктор Васнецов повторил оформление «Снегурочки», но уже для Московской частной оперы Саввы Мамонтова. Художник вдохновлялся древнерусским зодчеством и народными ремеслами. Вот как писал об этой постановке критик Владимир Стасов: «Васнецов сочинил все костюмы и декорации — в том числе «Палату Берендееву». Это — истинные chef-d’oeuvre (шедевры) театрально-национального творчества. Никогда еще ничья фантазия, сколько я способен судить, не заходила так далеко и так глубоко в воссоздании архитектурных форм и орнаментистики Древней Руси, сказочной, легендарной, былинной. Все, что осталось у нас в отрывках бытовых от древней русской жизни, в вышивках, лубочных рисунках, пряниках, деревянной древней резьбе, — все это соединилось здесь в чудную, несравненную картину. Для любования и изучения не только художников, но и всех развертываются здесь широкие, далекие горизонты».

Иван Билибин

Иван Билибин. Палаты Дадона. Эскиз декорации к опере Николая Римского-Корсакова «Золотой петушок». 1909. Собрание архивов по искусству и истории, Берлин, Германия

Иван Билибин. Малый Китеж на Волгe. Эскиз декорации ко второму действию оперы Николая Римского-Корсакова «Сказаниe о невидимом градe Китежe и девe Февронии». 1934. Частное собрание

Иван Билибин. Шатер шамаханской царицы. Эскиз декорации к опере Николая Римского-Корсакова «Золотой петушок». 1909. Собрание архивов по искусству и истории, Берлин, Германия

Иван Билибин известен в первую очередь своими книжными иллюстрациями к русским сказкам и былинам. Но проявил он себя и как театральный художник. Среди его работ — балетная сюита «Русские пляски». Об эскизах костюмов к этой постановке он писал: «Был ли красив этот костюм? Он был великолепен. Бывает красота движения и красота покоя. Взять хотя бы наш русский танец. Мужчина пляшет, как бес, охватывая головокружительные по быстроте коленца, лишь бы сломить величавое спокойствие центра танца — женщины, а она почти стоит на месте, в своем красивом наряде покоя, лишь слегка поводя плечами».

Он оформлял «Фуэнте Овехуну» Лопе де Вега для Старинного театра, «Золотого петушка» Николая Римского-Корсакова и «Аскольдову могилу» Алексея Верстовского для частного московского Оперного театра Зимина, «Руслана и Людмилу» Михаила Глинки и «Садко» Николая Римского-Корсакова — для театра Народного дома в Петербурге. Как и другие художники начала XX века, Билибин работал для Русских сезонов в Париже — участвовал в оформлении оперы «Борис Годунов» и танцевальной сюиты «Пир». В эмиграции Билибин декорировал постановки русских опер «Царская невеста», «Князь Игорь», «Борис Годунов» в Театре Елисейских Полей и оформлял балет «Жар-птица» Игоря Стравинского в театре Колон в Буэнос-Айресе.

Александр Бенуа

Александр Бенуа. Ярмарка. Эскиз декорации для «Петрушки» Игоря Стравинского. 1911. Музей Большого Академического Театра России, Москва

Александр Бенуа. Эскиз декорации к спектаклю «Праматерь». 1908. Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

Александр Бенуа. Эскиз декорации второго действия к постановке пьесы Александра Дюма-сына «Дама с камелиями». 1923. Частное собрание

Первой театральной работой Александра Бенуа стало оформление одноактной оперы «Месть Амура» в Эрмитажном театре в 1900 году. Через два года он уже работал над грандиозной оперой «Гибель богов» Вагнера на сцене Мариинского театра, а затем — над балетом «Павильон Армиды» Черепнина, к которому он к тому же написал либретто. Игорь Грабарь писал о художнике: «У Бенуа много страстей, но из них самая большая — страсть к искусству, а в области искусства, пожалуй, к театру… Он самый театральный человек, какого я в жизни встречал, не менее театральный, чем сам Станиславский, чем Мейерхольд…»

О семье Бенуа и других художественных династиях

В Европе Бенуа прославился благодаря участию в Русских сезонах Дягилева: он оформил балеты «Сильфиды», «Жизель», «Соловей». Но лучше всего ему удались декорации к балету Стравинского «Петрушка», к которому он также написал либретто. Бенуа много работал и со Станиславским в МХТ — он оформлял пьесы Мольера «Мнимый больной» и «Тартюф», «Хозяйку гостиницы» Гольдони. Станиславский так вспоминал художника: «Бенуа оказался очаровательным. Он слушает, охотно идет на всякие пробы и переделки и, видно, хочет понять секреты сцены. Он прекрасный режиссер-психолог и великолепно и сразу схватил все наши приемы и увлекся ими. Очень трудолюбив. Словом — он театральный человек». В эмиграции Бенуа работал в парижском театре «Гранд-опера», где создал декорации к «Поцелую феи» Игоря Стравинского.

Сергей Судейкин

Сергей Судейкин. Парк перед замком. Эскиз декорации к «Лебединому Озеру» Петра Чайковского. 1911. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Сергей Судейкин. Эскиз декорации к оперетте «Забава дев» Михаила Кузьмина. 1911. Национальный музей «Киевская картинная галерея», Киев, Украина

Сергей Судейкин. У Олимпии. Эскиз декорации к «Сказкам Гофмана» Жака Оффенбаха. 1915. Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

Первые работы Сергея Судейкина в театре, как и у многих художников его времени, стали возможны благодаря сотрудничеству с Саввой Мамонтовым. В театре-студии на Поварской он оформлял «Смерть Тентажиля» Метерлинка. Впоследствии он работал и над другой пьесой Метерлинка — «Сестра Беатриса», о которой Александр Блок писал: «Точно эти случайные зрители почувствовали «веяние чуда», которым расцвела сцена, мы узнали высокое волнение, волнение о любви, о крыльях, о радости будущего».

В Новом Драматическом театре Судейкин сделал декорации для «Цезаря и Клеопатры» под началом Федора Комиссаржевского. В Малом театре он оформил балеты «Лебединое озеро», «Привал кавалерии» и «Тщетная предосторожность». Дягилев привлек Судейкина к оформлению «Послеполуденного отдыха Фавна» Клода Дебюсси и «Весны священной» Игоря Стравинского, а также «Трагедии Саломеи» Флорана Шмидта. В эмиграции Судейкин был сценографом кабаре «Летучая мышь» в Париже и работал в «Метрополитен-опере» в Нью-Йорке.

Автор: Лидия Утёмова

Неизвестный Станиславский. Материалы к постановкам, мотивы декораций, эскизы костюмов, гримы

Бывают на свете чудеса, неожиданные находки, открытия.

В режиссерской библиотеке К.С. Станиславского, в которой представлены книги по истории культуры, каталоги, отдельные иллюстрации в переплетах, альбомы с изобразительным материалом по определенной эпохе или стране, были найдены альбомы с эскизами и планировками декораций, зарисовками костюмов и предметов бутафории, рисунками с натуры и поисками гримов. Эти работы открывают внутреннюю лабораторию создания спектакля, показывают кропотливую работу великого режиссера.

Благодаря этой находке и появился альбом «Неизвестный Станиславский. Материалы к постановкам, мотивы декораций, эскизы костюмов, гримы»».

Рисунки К.С. Станиславского, опубликованные в полном объеме в этой книге, издаются впервые и адресованы широкому кругу читателей.

Альбом не только открывает еще одну грань таланта Станиславского, но и дает возможность познакомиться с процессом подготовки спектаклей выдающегося режиссера, реформатора русского театра.

Вступительная статья рассказывает об истоках театрального дара Станиславского и одновременно рисует портрет этого во всех отношениях незаурядного человека.

А ещё эта книга знаменательна тем, что при её издании впервые в России применена новейшая технология фрезерования картона, которая позволяет твердому переплёту стать удивительно пластичным и гибким.

Награды и премии

2019 год: альбом М.Бубновой «Неизвестный Станиславский. Материалы к постановкам, мотивы декораций, эскизы костюмов, гримы» стал Лауреатом конкурса АСКИ «Лучшие книги года – 2018» в номинации «Лучшее издание по искусству, фото-издание»

2019 год: Лауреат конкурса «Книга года 2019» в номинации «Искусство книгопечатания»

2019 год: Лауреат конкурса «Образ книги 2019» в номинации «Лучший дизайн книги»

2020 год: Лауреат премии Москвы в номинации «Просветительская деятельность»

2020 год: Лауреат премии Станиславского в номинации «Театроведение»


Видеообзоры

Радио «Орфей», передача «Тавор в мажоре»: о книге «Неизвестный Станиславский» рассказывает директор музея МХТ Марфа Бубнова. Эфир от 6.03.2020

Выставка Ивана Билибина: Художественный сказитель русского духа

Реставрационный центр имени И.Э.Грабаря открыл выставку, посвященную 145-летию Ивана Яковлевича Билибина.

Это хороший повод вспомнить о судьбе и творческом наследии художника, которого все мы знаем с детства. Знаменитые иллюстрации к русским сказкам, декорации к балетам Дягилева, обширная коллекция этнографического костюма – всё это Билибин.

Жизнь Ивана Яковлевича была такой же контрастной и яркой, как и его сказочные иллюстрации. Судьба получилась как странствие с четко прочерченными основными остановками – Россия, Каир, Париж, СССР. Дворянин, ученик самого Ильи Репина, Билибин остро схватывал самую суть русской сущности, и твердо, уверенно переносил ее на бумагу. Прозвище «Иван – железная рука» было дано ему именно за безошибочно  четкую линию в любых графических сюжетах.

Художник участвовал в этнографических экспедициях, изучал народную одежду, местные орнаменты. Этим он закрепил свой необычный стиль рисунка и следовал ему всю жизнь. Билибин создавал эскизы костюмов и театральные декорации к балетным постановкам, в том числе и к прославленным «Русским сезонам» Сергея Дягилева. Он входил в объединение художников «Мир искусства», был востребованным книжным иллюстратором, выполнял коммерческие заказы на изготовление плакатов, афиш, открыток, почтовых марок. Билибин иллюстрировал целую серию сказок, создав в них русский образ не только для своих соотечественников, но и для всего мира. Вспомним, например, эмоциональные и колоритные рисунки к «Коньку-горбунку» Петра Ершова или к «Руслану и Людмиле» Александра Пушкина.

Устроенность и профессиональная востребованность сменились эмигрантскими муками, когда в 1920 году на пароходе «Саратов» он приехал в Каир. Мастерство помогло выжить – Иван Билибин выполнял интерьерные росписи на виллах богатых египтян, делал эскизы икон и храмовых росписей. Со временем удалось перебраться в Париж, найти новых почитателей, вновь заняться любимой книжной иллюстрацией. В 1936 году художник возвращается в СССР, работает преподавателем в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры (ныне Санкт-Петербургской академии художеств имени Ильи Репина). А в феврале 1942 года, отказавшись от эвакуации, умирает в блокадном Ленинграде.

Центр Грабаря в год 145-летия со дня рождения Ивана Билибина посвятил выставку творческому наследию художника. И это не случайно. На протяжении нескольких лет сотрудники центра изучали и реставрировали экспонаты авторства Билибина из собрания Ивангородского музея. И сегодня 40 вещей из этого музея представлено в экспозиции Центра Грабаря. Это эскизы к театральным постановкам, графика, народные костюмы, привезенные Билибиным из экспедиций по Русскому Северу.

Дмитрий Сергеев, генеральный директор реставрационного центра, презентовал выставку такими словами: «Мне кажется, каждый человек в России хоть раз в жизни открывал книгу с иллюстрациями Ивана Яковлевича Билибина. Высшее достижение Ивана Яковлевича заключается в том, что он через свои удивительные рисунки к русским сказкам сумел в наших душах сформировать правильную матрицу добра и зла, представления о мире, понимания любви как высшего проявления человеческой доброты».  

В интервью «Культуромании» Елена Проханова, заведующая отделом по научно-методической работе и выставочной деятельности Центра Грабаря, рассказала об уникальности дарования Ивана Яковлевича:

— От Ивана Билибина мы всегда ждем сказочных картинок, а здесь, на выставке, понимаешь, что он более многогранный человек.

— Да, мы все привыкли с детства, что Билибин – это в первую очередь художник наших сказок. Но по образованию он юрист, и вначале он работал именно по этой специальности. Также он был прекрасным фотографом, коллекционером и собирателем народных костюмов. Здесь присутствует небольшая часть его коллекции. Он также и преподаватель, знаток геральдики. Ведь не все знают, что двуглавый орел на монетах Банка России имеет авторство Ивана Яковлевича. Билибин – замечательный театральный художник-декоратор. В сентябре 1941 года по приглашению Сергея Эйзенштейна он должен был стать художником по костюмам к фильму «Иван Грозный». Но, к сожалению, началась война, проект перенесли. А в 1942 году Ивана Яковлевича не стало.

О том, какой это был одаренный человек, мало кто знает. И мы надеемся, наша выставка восполнит этот пробел.

— Почему появилась выставка именно с этими экспонатами?

— Мы работали с собранием Ивангородского музея. Там находится большая коллекция его работ и работ его последней жены Александры Щекатихиной-Потоцкой. В экспозиции музея есть мемориальные вещи Билибина: рабочий стол, палитры, краски. Пожалуй, это самый приграничный музей России – за зданием практически сразу начинается Мост Дружбы, соединяющий город с эстонской Нарвой.

К нам в Центр Грабаря для реставрации привезли этнографическую коллекцию и коллекцию графики Билибина. Так мы познакомились с этим художником. И в течение года в двух мастерских – реставрации ткани и реставрации графики – была проведена большая кропотливая работа.

— Часто ли Центр Грабаря принимает на реставрацию этнографические вещи? Много ли в России таких собраний?

— Мы посчитали – около 350 музеев по всей стране имеют свои этнографические коллекции. Мы работаем даже с теми музеями, которые имеют свои реставрационные мастерские. Потому что можем делать самые сложные вещи.

— Как вы считаете, сегодня этнографическое направление нуждается в популяризации?

— Оно, безусловно, очень интересное. На предпоказе для блогеров мы увидели, как пришедшие молодые люди оказались потрясены этнографической одеждой. Конечно, это надо сохранять, делать открытым для общества.

— По итогам просмотра задаешься вопросом: Билибин больше художник, коллекционер, педагог?

— Мне кажется, он реализовался во всем, за что брался.По 1925 год он жил в Каире, где проявил себя как иконописец, расписывая храмы. А потом уехал в Париж, где занимался книжной графикой. Финансовые запасы позволили ему иметь и квартиру, и хорошую мастерскую. Там он полностью состоялся как художник. И французские издатели даже советовали ему сменить фамилию на более привычную для Франции. А потом он пишет письмо Исааку Бродскому, директору Академии художеств имени Ильи Репина. Возвращается в советскую страну, начинает работать преподавателем в знаменитой «Репинке» на кафедре книжной графики. И вновь занимается театральными декорациями. Кстати, коллекция народного костюма Билибина стала ядром Российского этнографического музея в Петербурге. Вот такой это был удивительный человек.

Любовь Мартынова

Выставка «Сказ об Иване Билибине» открыта во Всероссийском художественном научно-реставрационном центре имени академика И.Э.Грабаря до 15 октября. Билеты продаются онлайн.

Фото предоставлено организаторами выставки

театральный костюм и декорации. Иван Билибин




театральный костюм
Иван Яковлевич Билибин (1876-1942), увлеченный русской стариной, подробно и тщательно изучал народный костюм. В начале века он совершил поездку по Архангельской, Вологодской и Олонецкой губерниям, где зарисовывал и фотографировал памятники деревянного зодчества и предметы домашнего обихода. Привезенные Билибиным из северных деревень сарафаны и душегреи, шитые золотом и серебром, расписанные ковши и прялки, резные ларцы и солоницы, набойки и вышивки легли в основу коллекции будущего Музея этнографии. О народном творчестве Билибин написал ряд статей — «Народное творчество Севера», «Остатки искусства в русской деревни». Национальному костюму была посвящена статья «Несколько слов о русской одежде в 16-17 веках», написанная в 1909 году.

Свое глубокое знание русского костюма Билибин блестяще проявил, иллюстрируя народные сказки и создавая эскизы к театральным постановкам. Работа над театральным костюмом проходила две стадии, сначала художник делал набросочный рисунок, носящий скорее утилитарный характер. Затем он приступал к главному эскизу, в котором был особенно внимателен к деталям, подчеркивая крой одежды. Обычно рисунок сопровождался многочисленными графическими и словесными комментариями, где Билибин давал подробные указания портному и бутафору, в специальных схемах он показывал, как меняется костюм при движении, какие детали видны из партера, а какие с верхних ярусов. В 1910 году И.Я. Билибин также тщательно исполнил два парных эскиза «Девица» и «Молодец», предназначенных для балетной сюиты «Русские пляски», в которой блистали известные танцовщики Анна Павлова и Михаил Мордкин.


Молодец. Эскиз костюма для балетной сюиты «Русские пляски». 1910
ФГУК «Саратовский государственный художественный музей имени А.Н. Радищева»

На эскизе мужского костюма перед нами предстает молодой человек со светлыми волосами и голубыми глазами. Его наряд состоит из традиционных для праздничного русского костюма составляющих. Шелковый персикового цвета зипун и зеленый суконный кафтан расшиты золотистой тесьмой и жемчугом. Главным украшением всего мужского костюма являются яркий кушак с кистями и круглая шапка, отделанная мехом и драгоценными каменьями. Столь пышный и богатый наряд мог принадлежать только знатному молодцу.


Девица. Эскиз костюма для балетной сюиты «Русские пляски». 1910
ФГУК «Саратовский государственный художественный музей имени А.Н. Радищева»

На эскизе женского костюма перед нами предстает молодая девушка с голубыми глазами и светлыми волосами. Она одета в белую вышитую сорочку с широкими рукавами, которые сужаются к запястьям, на плечи девицы наброшена бордовая косынка. Поверх сорочки надет традиционный русский сарафан красного цвета, украшенный золотистой тесьмой и длинным рядом пуговиц. Самым главным украшением костюма является пышный головной убор — кокошник, которому автор посвятил большую часть комментариев, помещенных на полях листа. Высокое очелье кокошника расшито жемчужными кольцами, стразами, тесьмой и шелком и украшено жемчужными подвесками — поднизями. Подобный наряд напоминает о народном костюме северных областей России.

Эскизы к «Русским пляскам» написаны в сдержанной манере, не свойственной для Билибина, он использует жесткий контур и локальные цвета. Персонажи выглядят статичными с медленными жестами и едва заметными поворотами голов, что подчеркивает обстоятельность и неторопливость русского национального характера. Билибин в своей статье о русском костюме с восхищением писал: «Был ли красив этот костюм? Он был великолепен. Бывает красота движения и красота покоя. Взять хотя бы наш русский танец. Мужчина пляшет, как бес, охватывая головокружительные по быстроте коленца, лишь бы сломить величавое спокойствие центра танца — женщины, а она почти стоит на месте, в своем красивом наряде покоя, лишь слегка поводя плечами».





И. Я. Билибин. Эскиз костюма Командора к драме Лопе де Веги «Фуэнте Овехуна». Старинный театр. 1911


Иван Билибин
Эскиз костюма князя Владимира к опере А. Бородина «КнязьИгорь». 1934


Билибин И.Я. — Эскиз костюма Пленницы к опере «Борис Годунов» М.Мусоргского. 1930


Билибин И.Я. — Эскиз костюма Польского слуги к опере «Борис Годунов» М.Мусоргского. 1930.
Ист. «Театральная мозаика». Альбом-каталог в галерее «На Ленивке». 2007.

театральные декорации
Наибольшую известность Билибин приобрел как художник русских сказок. Так случилось, что именно иллюстрации к сказкам оказались самыми растиражированными и знаменитыми работами художника. По заказу Экспедиции заготовления государственных бумаг Билибин иллюстрировал сюжеты таких сказкок, как «Иван-царевич, Жар-птица и Серый волк», «;Василиса Прекрасная» , «Перышко Финиста Ясна Сокола», «Царевна-Лягушка», «Марья Моревна», «Сестрица Аленушка и братец Иванушка». Он также создал графические серии по русским былинам: «Вольга и Микула», «Добрыня Никитич», «Илья Муромец», иллюстрации к «Сказке о царе Салтане» и «Сказке о Золотом петушке» А.С. Пушкина. Все эти работы способствовали тому, что за ним утвердилась слава первого на Руси художника книги. Много позднее, характеризуя творческую манеру художника, известный искусствовед и книговед Алексей Сидоров писал: «Билибин с самого начала усвоил себе особую плоскостную систему рисунка и всей композиции, в основе своей его работы, скорее всего, по примеру северных, норвежских или финских художников, содержат мотивы русской народной вышивки и резьбы по дереву».

Художник разработал в технике рисунка тушью, подцвеченного акварелью, особый «билибинский стиль» книжного дизайна, продолжающий традиции древнерусского орнамента. «Билибинский стиль», с его образами и выразительными средствами, сформировался в начале 20 века, неотделим от искусства того времени. Стремление художников «Мира искусства» к возрождению высокой культуры прошлого, к созданию на ее основе нового «большого стиля» обогатило искусство яркими образами и выразительными средствами, способствовало развитию его «нестанковых» видов, долгое время считавшихся второстепенными, в частности театральной декорации и оформления книги. Еще в абрамцевском кружке русские художники стали обращаться к произведениям народного и древнерусского искусства. Книга и театр оказались теми областями, где можно было достичь наибольшего синтеза современных и традиционных форм в искусстве.



Билибин И.Я. – У дворца Дадона.
Эскиз декорации к опере Н.А.Римского-Корсакова “Золотой петушок”.
Опера Зимина. 1909. Ист. Пожарская М.Н.
“Русское театрально-декорационное искусство конца XIX



Билибин И.Я. – Декорации и костюмы для спектакля “Действо о Теофиле” Рютбефа.
Старинный театр. 1907.
Фото. Ист. Пожарская М.Н.
“Русское театрально-декорационное искусство конца XIX – начала

В 1904 г. Билибин впервые обратился к сценографии, оформив для Национального театра в Праге оперу «Снегурочка» Н.А. Римского-Корсакова. Позже художник исполнил эскизы декораций и костюмов к спектаклям «Действо о Теофиле» Рютбефа (1907), «Фуэнте Овехуна» Лопе де Вега и «Чистилище св. Патрика» П. Кальдерона (1911) – для Старинного театра, «Честь и месть» Ф.К. Сологуба (1908) – для театра «Лукоморье», к операм «Золотой петушок» Н.А. Римского-Корсакова (1908-1909) и «Аскольдова могила» А.Н. Верстовского (1912-1913) – для московского Оперного театра С.И. Зимина, «Руслан и Людмила» М.И. Глинки (1913) и «Садко» Н.А. Римского-Корсакова (1914) – для театра Народного дома в Петербурге. В 1908-1909 гг. он участвовал в оформлении оперы «Борис Годунов» М.П. Мусоргского и танцевальной сюиты «Пир» для антрепризы С.П. Дягилева в Париже. В 1907 году Билибин выставил в Париже и Лондоне целый ряд иллюстраций к русским народным сказкам и былинам, затем участвовал в выставках в Праге, Вене, Венеции, в 1910 году – на международной выставке.

В 1927-1931 гг. Билибин работал над эскизами костюмов и декораций для спектаклей русских оперных сезонов в Театре Елисейских полей: «Сказка о царе Салтане» (1929) и «Царская невеста» (1930) Н.А. Римского-Корсакова, «Князь Игорь» А.П. Бородина (1930), «Борис Годунов» М.П. Мусоргского(1931). В 1931 г. он оформил балет «Жар-птица» И.Ф. Стравинского в постановке М.М. Фокина для театра Colon в Буэнос-Айресе.

Справочная информация
Анна Павловна Павлова (1881-1931) — одна из величайших балерин 20 в. Родилась в Петербурге 31 января (12 февраля) 1881, в 1891 поступила в Петербургское театральное училище. Сразу после выпуска (1899) дебютировала на сцене Мариинского театра. Ее талант быстро получил признание, она стала солисткой, а в 1906 была переведена в высший разряд — примы-балерины. В том же году Павлова связала свою жизнь с бароном В.Э.Дандре. За пределы России Павлова впервые выезжала на гастроли в 1907 и 1908, выступая в разных городах Северной Европы. Она участвовала в спектаклях дягилевского «Русского балета» в 1909 в Париже и в 1911 в Лондоне, а в США появилась в первый раз с собственной труппой на сцене «Метрополитен-опера» (1910).Последнее выступление Павловой в России состоялось в 1913, затем она обосновалась в Англии и гастролировала с собственной труппой по всей Европе, а также в Северной и Южной Америке, Индии, Индонезии, в странах Востока, в Африке, Австралии и Новой Зеландии. Мордкин Михаил Михайлович (1880-1944) — артист балета, балетмейстер, педагог. В 1900-1918 танцевал в Большом театре. Участник Русских сезонов. В 1910-1911 гастролировал с А. П. Павловой и собственной труппой в США и Великобритании. С 1924 жил и работал в США, где в 1926 создал труппу (с 1927 «Балет Мордкина»). В репертуаре многих трупп мира идет балет «Тщетная предосторожность» П. Гертеля в его постановке.

Зипун — мужская наплечная одежда типа куртки, короткая, облегающая фигуру, с неширокими рукавами. Его надевали поверх рубахи под кафтан. Вероятно, в боярском костюме этого периода зипун играл роль современного жилета.

Кафтан — верхнее, долгополое мужское платье разного покроя: запашное, с косым воротом, чапан, сермяга, суконник, армяк; обычно кафтан шьется не из домотканины, а из синего сукна; он бывает круглый, с борами, кучерской, немецкий или разрезной сзади, короткий или полукафтан, сибирка, прямой или кафтанчик, казачий, казакин.

источник 1
источник 2
источник 3
источник 4
источник 5
источник 6
источник 7
источник 8
источник 9
источник 10

Часть 37. В.Ф. Рындин о театре музыкальном и драматическом, создании декораций и костюмов

История театрального костюма с Анной Пахомовой

 

Об авторе

Пахомова Анна Валериевна – профессор Московской художественно-промышленной академии им. С.Г.Строганова, кандидат культурологии, постоянная ведущая рубрики «Мода и мы» в журнале «Studio Д`Антураж», сотрудничает с журналами «Ателье» и «Индустрия моды», дизайн-эксперт Союза дизайнеров Москвы, член Международного художественного фонда, член Международной ассоциации писателей и публицистов.

Сохранившиеся суждения мастеров – художников, музыкантов, писателей, всегда необыкновенно весомы, глубоко личностны и тем самым интересны как специалистам, так и людям, интересующимся культурой в ее разных аспектах. В своей книге «Художник и театр» Вадим Рындин пишет, что она (книга) не мемуары, тем не менее, поскольку это книга размышлений и воспоминаний, в ней есть много и от этого эпистолярного жанра. Книга необыкновенно интересна, автор затрагивает ряд актуальных, тогда и сегодня тем, касающихся театра.

Художник вспоминал, что когда он работал над эскизами костюмов, а в Большом театре нередко приходится к одному спектаклю делать по сто костюмов, то иногда невольно можно впасть в шаблон. Выбрав какой-то художественный приём, выразительный с точки зрения визуальной подачи,  и пользуясь им многократно, неизбежно можно впасть  в ремесленничества, поскольку это уже не уникальные каждый по-своему эскизы, а тиражирование. Такое нам – зрителям нередко приходится наблюдать в работах современных художников. Так называемый «авторский почерк», из-за него-то порой кажется, что одни и те же декорации кочуют из спектакля в спектакль. Рындин считал, что надо непрерывно искать новые средства выражения, новые приемы, чтобы автору – художнику было интересно самому работать, — тогда эскизы будут произведением искусства.


«Икар». Эскиз декорации. Пастель

Художник работал в самых разных техниках и различными материалами. В определенной степени выбор материалов часто напрямую зависел и от предпочтений режиссера. Например, работая с Таировым, было заведено оформление решать в макетах и тут требовалось соблюдать в эскизах точность, а ее можно было добиться только посредством четкого рисунка, поскольку так макетчику легче было вырезать. Проработав в такой технике много лет, Рындин вернулся к живописному исполнению эскизов в гуаши, но заметил, что его эскизы выглядят сухо, скупо в цвете. Поэтому он обращается  к масляной живописи. «Почему я выбрал масло? Потому что оно располагает к иной манере выражения, потому что сама техника дает самые широкие возможности для свободной живописности. Очень трудно даже нарочно сделать эскиз маслом сухо – это ведь не графика»[1]. Он подробно рассказывает в своей книге о работе самыми разными материалами, для него это очень важно: «Зачем я так подробно рассказываю? Для того чтобы подчеркнуть, что все в работе художника театра – даже тот материал, который он избирает для своих эскизов, — связано с  образом спектакля, с его накалом, с его мыслями и эмоциями»[2]. Мастер уверен, что материал менять необходимо, иначе однообразие засасывает и появляется самое страшное для художника – равнодушие.

Духовный мир создающего произведения искусства человека сложен и необычайно интересен. То, как он мыслит, чувствует, выстраивает концепцию произведения – это всегда остается вне поля нашего внимания, а между тем, каждое движение души отражено в его работе. От того, какой материал и колорит он выберет в большой мере зависит конечный результат. «Почему сегодня я больше люблю искать образ спектакля в эскизах, а не в макетах? Потому что сейчас я считаю, что художник не только должен создать обстановку места действия, но он должен вместе с героем пьесы и поплакать и посмеяться, а эмоциональность переживаний, конечно, тоньше и легче передать в эскизах. <…> Рука художника недалека от сердца, и потому то, что он переживает, эхом отдается в эскизе. Кисть художника, как смычок скрипача, удары которого должны глубоко трогать зрителя»[3].


«Фальстаф». Эскиз декорации. Акварель


«Фальстаф». В доме. Эскиз декорации II действия. Акварель


«Фальстаф». Эскизы костюмов. Акварель, тушь

Условность находит всякий раз индивидуальное истолкование в зависимости от особенностей художника. Однако характер условности диктуется не только талантом художника и режиссера, но также жанром произведения. Рындин был уверен, что нагляднее всего эта жанровая специфика обнаруживается, когда художник приходит в музыкальный театр. Сразу видно, как в зависимости от жанра изменяются характер сценической условности, задачи и цели. В оформлении драматического спектакля (особенно бытового) художник создает среду, здесь он исходит, прежде всего, от литературного материала, если в слове черпает пищу для своего воображения, то в музыкальном театре определяющим работу художника становится музыка. «Услышать музыку, почувствовать ее глубину, зримо воплотить партитуру в своих декорациях – такова задача художника музыкального театра»[4]. Рындин убежден, что в оперном спектакле художник должен сказать зрителю все сразу, в момент открытия занавеса. Первое впечатление, чувство, вызванное увиденным на сцене, создает эмоциональный настрой на все время спектакля. Опера и балет требуют предельно лаконичных, сразу доходящих, ярких и смело обобщенных решений. Такие решения художнику помогает найти музыка. «Музыка вообще значительно ближе к искусствам изобразительным, нежели к слову. Она особенно близка к живописи. Художнику, как всем творцам музыкального спектакля, необходим музыкальный слух. Слух художника – это умение проникнуть в музыку и зажить ее образами, найти колористическое решение, соответствующее характеру музыки. Неслучайно я говорю о колорите: вне живописи трудно найти решение музыкального спектакля. Причем живопись художника в опере – живопись особого рода, динамическая»[5].

Вадим Федорович писал в своей книге, что эскиз – квинтэссенция того, что художник хочет осуществить, сказать на сцене, поэтому особенно важно с самого начала работы над эскизом помнить о костюме. В связи с понятием динамической живописи надо сказать, что на музыкальной сцене костюм играет огромную роль в смысле решения колористических задач. «Понимание костюма, как мазка в общей гармонии красок, всегда отличало работу художников, которыми гордится наша музыкальная сцена. Кто не помнит алого цвета стрелецких кафтанов в первой картине «Хаванщины»!»[6].


«Маскарад» М. Лермонтова. Эскизы декораций



«Маскарад» М. Лермонтова. Эскизы костюмов. Акварель

Так же как в декорациях прежде всего колорит определяет их образность, так и в костюмах оперного спектакля основное – их колористическое решение. Художник много раз подчеркивает, важность обобщающего взгляда — «работая над эскизом, видеть каждый костюм в его соотношении с другими костюмами и с декорациями».

О том, как важна «музыкальность декораций» в музыкальных спектаклях в книге Рындина есть много интересных наблюдений и выводов. В частности отмечает и восхищается работами своих коллег по цеху: «Музыкальность декораций проявилась в творчестве замечательного художника советской музыкальной сцены С. Вирсаладзе.<…>тонким колористическим дарованием отмечены его работы – оформление опер Моцарта «Дон Жуан», Верди «Сицилийская вечерня» и Россини «Сивильский цирюльник».

Художник много путешествовал. Специально ездил в творческие командировки, чтобы лучше прочувствовать культуру, колорит народа и эпохи, когда это требовалось для постановок. Так, готовясь к постановке оперы Эркеля «Банк Бан» он побывал в Венгрии. Как позднее он сам утверждал, что только после этой поездки до конца понял смысл этой подлинно народной оперы, действительно ощутил красоту романских замков, «воспринял удивительное своеобразие народного костюма, но музыка – прежде всего, знание материалов по эпохе, конечно, необходимо художнику. Причем, знание не пособий, а живое знание времени – его поэзии, музыки (а не только музыки своего спектакля), изобразительного искусства – обогащает художника…»[7]


«Абессалом и Этери» З. Палиашвили. Эскизы костюмов. Гуашь, акварель

Подобным же методом действует художник и в 1939 году, когда работал над оформлением оперы «Абессалом и Этери», обращаясь к искусству эпохи Руставели он поехал в Грузию и там при участии профессора Джавахишвили изучал памятники той эпохи, отбирая наиболее «типические детали и мотивы архитектуры и скульптуры, переосмысливая все это, исходя из музыки Палиашвили стремился создать действительную атмосферу древней Грузии, помочь своим решением пространства построить интересные мизансцены, подчеркнуть пластику движений исполнителей костюмами сдержанной серо-синей гаммы»[8]. Рындин заменил обычно вводимые в этот спектакль одежды XVIII века на костюмы, подобные тем, что он увидел в Грузии на древних фресках и миниатюрах.

Источниками вдохновения могут служить объекты архитектуры, артефакты, фольклор и т.д. Постановка «Травиаты» которую Рындин делал совместно с Борисом Покровским имела необыкновенный успех. Художник пишет, что этот успех был благодаря полному творческому согласию режиссер – художник – дирижер «нам было интересно работать друг с другом». «Мы увидели эпоху «не исторически точно», так как перенесли действие из 50-х годов XIX века в 70-е – время, во многом сильно отличное от середины столетия». Обратившись к 70-м гг. они не только не отошли от смысла романа Дюма, не только не искажали музыки Верди, но, напротив, постарались наполнить эту оперу драматизмом и поэзией.

Рындин вспоминал, что ему пришлось многое пересмотреть и передумать, работая над оформлением «Травиаты». В тот момент его особенно интересовали Мане и Ренуар, Сислей и Клод Моне. Это вовсе не означает, то он пытался подражать их манере живописи в своих декорациях и костюмах – нет, просто «в картинах французских импрессионистов я еще раз увидел и почувствовал Париж – его туманные бульвары с цепочками фонарей, тающие в сумерках очертания его соборов, его шумные кафе, опрокинутые в серебристую Сену отблески рассвета, блеск солнца на зелени его окрестностей… Вот это непосредственное ощущение Парижа, Франции  я и стремился перенести на сцену». 





«Фауст» Ш. Гуно. Эскизы костюмов. Акварель, тушь

А когда  художник работал с Симоновым над новой постановкой оперы Гуно «Фауст», он вдохновлялся живописью Босха для решения сцены, предшествующей Вальпургиевой ночи, или гравюрами Дюрера и народными немецкими картинками для создания костюмов.



«Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии». Эскизы костюмов скоморохов (вверху) и татар (внизу). Акварель.

А в поисках изобразительного воплощения оперы Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» в основном опирался на знание русской иконописи. Художник пишет, что «сама тема и сюжет оперы подсказали решение декораций в виде оклада иконы».

У каждого художника, как бы широк ни был его диапазон, всегда есть своя любимая тема. Для Вадима Рындина такой темой на прояжении всего его творческого пути был Шекспир. «Меня всегда привлекает вечная глубина его тем, сила его языка, страстная непримиримость трагедий, щедрый жизнелюбивый юмор. Я всегда любил Шекспира…»[9]. «Шекспир – пробный камень для художника театра. Здесь как нигде обнаруживаются не только его вкус, чувство стиля, профессиональное мастерство, но и его человеческая содержательность. Именно здесь становится ясным, есть ли художнику что сказать или он принадлежит к числу ремесленников, не имеющих никакого отношения к великой драматургии Шекспира»[10]. Художник рассуждает о том, что Шекспир не терпит холодной стилизации или натурализма. Единственная настоящая реальность в приложении к Шекспиру – образная, полная смысла условность. «Он зовет на поиски больших, широких обобщений, к лаконизму, к максимальной «отжатости» всего лишнего. Конечно, чем больше отбрасываешь, тем меньше остается. Но ведь в том малом, что остается, сконцентрировано самое существенное»[11]


«Гамлет». Эскиз декорации II действия


«Гамлет». Гамлет. Король. Эскиз костюмов. Гуашь, акварель, карандаш


«Гамлет». Гильденстен. Эскиз костюма. Гуашь, акварель, карандаш

Рындин создал ряд спектаклей по произведениям Шекспира – это «Гамлет», «Укрощение строптивой», «Ромео и Джульетта», «Отелло». И во всех этих его работах чувствуется тот самый художественный подход, о котором говорится выше. Все – костюмы и декорации продуманы и проработаны детально, каждый элемент насыщен определенным смыслом. Об этих спектаклях Вадим Федорович пишет, что они имеют определенную тему. Совсем иначе он говорит о «Зимней сказке», поставленной в Московском Художественном академическом театре Союза ССР им. М.Горького (МХАТ) в 1958 году. «Зимняя сказка» — вот одна из самых трудный пьес, говорит Рындин, и далее: « Мне казалось, что в поисках главной темой, определяющей все решения, должна стать тема времени. Время, Судьба – вот главные действующие лица спектакля.<…> Мне хотелось принести на сцену дыхание Мироздания, живущее в этой пьесе»[12], — да, художник не боялся ставить себе в прямом смысле космические творческие задачи. Далее он пишет, что не совсем доволен результатом, хотя я думаю, что спектакль, судя по костюмам и декорациям, был хорош, просто не всегда в силах человеческих «принести на сцену дыхание Мироздания»…

Вадим Федорович Рындин – мастер, не побоюсь громкого определения, планетарного масштаба. Думаю о тех, кто творит ныне и затрудняюсь назвать кого-либо, кто мог бы занять с ним одну ступень. Осмелюсь надеяться,  что удалось заинтересовать уважаемого читателя этой интереснейшей персоной нашего театра, нашего искусства, нашей культуры. Возможно многие проявят интерес и постараются узнать гораздо больше, чем сказано о великом мастере в этой статье.


Эскизы костюмов цирковых клоунов

Закончить же  хочу не очень-то серьезно и совсем без пафоса. Рындин признавался в том, что любил шекспировский юмор, так пусть и рассказ о нем будет завершаться несколькими курьезами из его практики. Как-то раз, после большого перерыва художник пришел на «Травиату» и спектакля не узнал. Помните, выше говорилось о том, что работая над этой оперой, он с режиссером взяли за стилевую основу 70-е гг. XIX века, когда увлекся Эдуардом Мане и Ренуаром? Им тогда казалось, что образы, навеянные живописью этих мастеров, придадут спектаклю своеобразный колорит. И что же он увидел? Все дамы убрали турнюры[13], по-видимому, им показалось, что это портит фигуры. «Я так и не смог найти «зачинщика» этого заговора». В той же «Травиате», когда Виолетта приходит на бал и встречается там с любимым человеком, происходит трагедийная сцена. Рындин, имея ввиду красный фон дивана, одел актрису в синее платье с серебряными кружевами. Но певица, не посчитавшись с решением художника, надела черное платье, решив, что оно лучше скроет ее полноту.

Работая в Большом театре, Вадим Фёдорович даже добился приказа за подписью директора, запрещающего без письменного разрешения художника менять цвет или форму костюма. Приказ этот был разослан по всем мастерским и инстанциям и все равно готовый костюм часто отличался от эскиза. Так, в балете «Паганини», где все было согласовано, костюмы задуманы лаконично и каждая деталь тщательно продумана. В сцене бала танцовщицы одеты в прозрачные капроновые юбки, на руках высокие черные перчатки, на шеях черные бархотки. На первом же спектакле балерины из этих бархоток сделали себе непонятной формы треугольники на грудь, а некоторые вообще надели на шею украшения. Художник спросил: «Почему так получилось?». Ему ответили, что так будет лучше. Рындин резюмирует: «Однако я считаю, что художник не имеет права складывать оружие и должен воспитывать актера, стремиться научить его понять действительную роль костюма в ансамбле спектакля»[14].

Читайте далее о работе в театре художников русского авангарда…


[1] Вадим Рындин. Художник и театр. М., 1966. С.63

[2] Там же. С.64

[3] С.66

[4] С.77

[5] С. 79

[6] С.80

[7] С.85

[8] С.86

[9] С. 124

[10] С.124

[11] С. 125

[12] С.136

[13] Турнюр – валик или маленькая подушечка, подкладываемая под юбку на уровне поясницы.

[14] С. 151

25 лучших идей рисования ночного пейзажа + шпаргалка

Вы найдете множество идей для создания красивых ночных пейзажей. Хотите распечатать шпаргалку с 25 лучшими идеями рисования ночного пейзажа? Просто прокрутите вниз, чтобы получить шпаргалку и распечатать ее бесплатно.

Вам нужны идеи для рисования ночных пейзажей? Как начинающему художнику полезно иметь ссылки, которые помогут вам рисовать. Наличие под рукой списка идей отлично подходит для практики и совершенствования своих художественных навыков.

Я получаю комиссию за покупки, сделанные по некоторым ссылкам в этом посте . Никаких дополнительных затрат с вашей стороны. Смотрите мое полное раскрытие здесь .

Что такое рисование пейзажа?

Пейзажный рисунок — это рисунок, на котором изображен живописный вид. Это может быть отдельный рисунок или рисунок, представляющий собой сочетание достопримечательностей, природы и перспективы.

Объект пейзажного рисунка может быть любым из следующих:

  • Пейзаж
  • Горизонт города
  • Закат на заднем плане
  • Приморский
  • Горы
  • Озера
  • Реки
  • Памятники
  • Парки
  • Луга
  • Холмы
  • Леса
  • Долины
  • Деревня
  • у рисунков и картин всегда будут живописные виды.

    На самом деле, слово «пейзаж» пришло из голландского языка. Голландское слово для обозначения ландшафта — «landchap», что означает площадь земли, на которую человек может смотреть одновременно, изображение, показывающее вид на сельскую местность или общий вид ландшафта.

    Источник: dictionary.cambridge.org

    2 наиболее распространенных типа рисунков пейзажей

    Скорее всего, вы выберете один из двух типов рисунков пейзажей. В зависимости от ваших художественных предпочтений вы можете выбрать одну из следующих двух художественных тем:

    Рисунок 3 основных элемента хорошего пейзажа

    Чтобы нарисовать эффектный пейзажный рисунок, вы должны включить следующие три элемента.

    • Природа или достопримечательности
    • Свет и тени
    • Перспектива

    Чем лучше вы освоите эти три элемента, тем лучше будет рисунок вашего пейзажа.

    Должен ли я черпать из воображения или по образцу?

    Ответ на этот вопрос не прост. Когда мы были маленькими детьми, мы все начинали с рисования из воображения. Затем мы перешли к отслеживанию картинок из наших любимых сборников рассказов и рисованию героев мультфильмов.В конце концов, по мере продвижения мы попытались использовать эталонные изображения.

    Чтобы улучшить свои художественные навыки, если у вас мало опыта работы с предметом, лучше рисовать по эталонному изображению. Таким образом, вы легко сможете увидеть перспективу пейзажа.

    Посмотрев на ориентиры по сравнению с другими предметами на эталонной фотографии, вы сможете лучше понять, где разместить каждый предмет.

    Когда вы полагаетесь только на свое воображение, перспектива, скорее всего, будет неправильной.Ваше воображение заставит вас поверить в то, что определенные линии должны быть прямыми и симметричными, хотя в природе это не так.

    Это может сработать для абстрактного рисунка пейзажа, но не для реалистичного рисунка пейзажа.

    Природа имеет неправильные линии и изгибы. Так что реалистичный рисунок природы должен это отражать.

    Если вы решили создать реалистичный рисунок пейзажа, лучше использовать эталонное изображение, чтобы запечатлеть эти естественные линии и кривые.

    В конце концов, нет одного варианта лучше другого. Необходимо использовать комбинацию рисунка из воображения и рисунка по ссылке.

    Как у вас получается хорошо рисовать фон и декорации?

    Как и в любом другом деле, в котором вы хотите научиться хорошо рисовать, нужна практика, чтобы научиться рисовать фон и декорации.

    Мой совет — начинать с коротких ежедневных упражнений. Упражнения — это упражнения по расписанию, которые вы выполняете для улучшения навыков.

    Выберите один из элементов из приведенного ниже списка идей для рисования ночных пейзажей и практикуйтесь в рисовании рисунка каждый день.

    Выделяйте 25 минут каждый день на выполнение одного художественного упражнения. Некоторые эксперты советуют практиковаться от одного до двух часов в день. Но я считаю, что когда вы только начинаете, это может показаться пугающим.

    Последнее, что вам нужно, — это переутомиться, что может привести к тому, что вы захотите бросить курить, прежде чем вы увидите какой-либо реальный прогресс.

    Давайте взглянем на список идей для рисования, которые вы можете попробовать, и материалы для рисования, которые вам понадобятся.

    25 идей рисования ночного пейзажа

    Париж Эйфелева башня

    Ледяные отмели в Скоугафосе, Исландия

    Величественное северное сияние в Исландии

    Ночной пейзаж японской улицы с цветущей вишней

    Watertower Place, Чикаго, Иллинойс

    Лондонский глаз, Лондон

    Галатская башня в Стамбуле

    Гора, Ночной пейзаж

    Зимний ночной пейзаж с горной рекой

    Гавань в штате Мэн

    Церковь Голубой Звездной Ночи

    Аврора на севере Аляски

    Полная луна на вершине горы

    Осенняя луна урожая

    Каменные арки в пустыне ночью

    Национальный памятник «Природные мосты» в штате Юта

    Гром в ночном небе

    Ночной горизонт Нью-Йорка

    Разноцветный салют ночью

    Силуэт деревьев на горе ночью

    Вид с воздуха с самолета во время ночного полета

    Город у моря ночью

    Эмпайр Стейт Билдинг ночью

    Заснеженное поле ночью

    Лодки у озера ночью

    Фото: www.amazon.com

    Фото: www.amazon.com

    Фото: www.amazon.com

    Фото: www.amazon.com

    Список идей рисования ночных пейзажей

    1. Башня Галата в Стамбуле
    2. Ледяные отмели в Скоугафосе Исландия
    3. Величественное северное сияние в Исландии
    4. Японская улица Ночной пейзаж с цветущей вишней
    5. Уотертауэр-Плейс, Чикаго, Иллинойс
    6. Лондонский глаз, Лондон
    7. Париж Эйфелева башня
    8. Гора , Ночной пейзаж
    9. Зимний ночной пейзаж с горной рекой
    10. Гавань в штате Мэн
    11. Церковь Голубой Звездной ночи
    12. Аврора на севере Аляски
    13. Полная луна на вершине горы
    14. Урожай луны осенью
    15. Каменные арки в пустыне на ночь
    16. Национальный памятник «Мосты природы» в штате Юта
    17. Ночное небо поражено громом
    18. Ночной горизонт Нью-Йорка
    19. Разноцветный фейерверк ночью
    20. Силуэт деревьев на горе ночью
    21. Вид с воздуха с самолета во время ночной полет
    22. Город у моря ночью
    23. Empire sta здание ночью
    24. Заснеженное поле ночью
    25. Лодки у озера ночью

    На связанной доске Pinterest «Ночные пейзажи» вы найдете изображения ночного фона и пейзажа, которые можно использовать для создания своих собственных рисунков.

    Нажмите кнопку, чтобы следовать за доской. Таким образом, у вас будет постоянный запас красивых изображений для практики.

    Поделиться — это забота!

    Пейзаж лунной ночи легко рисовать с цветом

    Сегодня «DRAWINGinfo» преподает Лунный свет легкий рисунок ночного пейзажа с акварельной живописью для начинающих учиться масло пастель ночной рисунок природы легко шаг за шагом.

    ЧТО ВЫ УЗНАЕТЕ ИЗ ЭТОЙ ЗАПИСИ СЕГОДНЯ?

    НЕОБХОДИМЫЕ ВЕЩИ.
    ПОШАГОВОЕ РИСУНОК.
    С ЦВЕТНЫМ РИСУНОМ.
    ✔TWO (2) ВИДЫ ЧЕРТЕЖЕЙ .

    👉 Карандашный рисунок лунной ночи с простым контуром

    👉 Цветной рисунок пейзажа лунной ночи легкий шаг за шагом с цветом

    Когда вы начинаете рисовать пейзаж в лунную ночь цвет, который вам нужен был ниже:

    1.Рисование белого альбома для рисования.
    2. Рисование карандашом.
    3. Цветной карандаш.
    4. Карандаш для рисования.
    5. Ластик для карандашей.
    6. Точилка для карандашей.

    7. Пастельный цвет.

    Лунный ночной пейзаж рисовать легко, шаг за шагом с цветом:

    night-scenery-drawing-easy

    STEP 1


    STEP 2 ШАГ 4 ШАГ 5
    STEP 6
    STEP 7 STEP 8

    STEP 9



    easy ночной рисунок

    Мое мнение:

    Как я уже говорил, Лунная ночь рисование пейзажа легко с акварельной живописью шаг за шагом поверьте мне, масляная пастель ночь рисование природы легко цвет для детей очень просто.Вы будете практиковать это много раз. И попробуйте использовать разные цвета. Вы увидите, что стали мастером. Спасибо.

    Купить Картины Природы и Пейзажи в Интернете по низкой цене

    Независимо от ваших интересов и предпочтений, каждый уголок в сознании ищет сюрреалистический вид на природу. Конечно, вы можете насладиться безмятежностью природы во время прогулки по лесу или посещения озера. Вы также можете поставить цветочные горшки у окна или у кровати, но без окружающей природы жизнь была бы скучной и бездуховной.Еще одна известная альтернатива, чтобы приблизить ощущение природы, — это картины с природой.

    Картины природы написаны на протяжении веков выдающимися художниками со всего мира. Красоту, которую он изображает, и идеи, которые он воплощает, можно увидеть в великолепных картинах. Природа была важной темой картин с давних времен и продолжает оставаться. Красота природного ландшафта неоспорима, а художественные стили могут возвысить его славу.

    Gallerist представил обширную коллекцию картин с природой, чтобы передать вам сущность природы, которую вы так долго стремились.От безмятежных лесов до безмятежных морских пейзажей и от огромных гор до радужного неба — у нас есть картины, которые отражают сущность каждой частички природы. Откройте для себя оттенки природы, которые мы должны подарить вам с помощью этих чудесных шедевров.

    Раскрывающаяся слава природы, представленная в лучшей коллекции Gallerist, ждет вас. Природа принадлежит каждому существу во вселенной; поэтому мы обслуживаем картины по разным ценам, чтобы вам не пришлось отрывать руки и желания возвращаться.Выберите лучшую картину из широкого спектра материалов, таких как акриловые краски, керамика, ткань, цвет чернил, уголь, растворимый батик, цвет эмали, натуральный цвет, масляные краски, пастельные тона, дерево, стекло и мрамор среди других.

    Не только это, в Gallerist доступны картины, выполненные на различных поверхностях, такие как лист Fabriano, холст, лист слоновой кости, плотная бумага, рисовый лист, акварельная бумага эпохи Возрождения, ткань, шелк, оргалит, бумага Canson, бразильская бумага, акварель Brustro. бумага, лист, масляный лист и бумага для картриджей, среди прочего.Откройте для себя оттенки природы, представляющие оттенки жизни, с помощью этой обширной коллекции картин природы, которая у нас есть.

    Украсьте свой дом или офис заманчивыми шедеврами, созданными с большой точностью и воплощением образцовых мыслей. Каждая картина, которую вы получите от нас, усилит харизму ваших стен и приблизит вас к природе, изображая ее спокойствие и уединение. Просмотрите нашу коллекцию и получите лучшее.

    35 идей для красивого карандаша Easy Anime

    Они подходят для поздравительных открыток и блогов.Узнайте, как нарисовать глаза аниме за 10 шагов. Давайте начнем с того, как нарисовать женские глаза аниме.


    Аниме Рисунки Карандашом Девушки и Ди Класс Сделайте карандашный набросок ваших любимых рисунков персонажей Рисунки аниме Рисование тел аниме

    Эти модели содержат множество деталей, которые просвечивают сквозь угольные оттенки, придавая вам выразительный стиль и дополнительный характер.

    35 идей для красивого карандаша легкого аниме . Как рисовать разные выражения лица.Наброски изображений животных на сайте Paintingvalley Com Explore. Такие как png jpg анимированные гифки pic art логотип черный и белый прозрачный.

    Чем чернее и жирнее карандаш, тем мягче будет грифель. Легкий милый рисунок конуса мороженого. Посмотрите больше идей о рисовании льва, рисунках животных, львах.

    По сюжету он и еще трое парней — наемные убийцы, карающие ужасных преступников. Получите доступ к эксклюзивному контенту и опыту на крупнейшей в мире платформе членства для художников и авторов.35 простых идей для рисования. Изображения любви. Карандашные рисунки. Сделайте карандашные наброски. Для начинающих в Paintingvalleycom. Карандашный рисунок. Красивая картинка. Простой и легкий. Карандашный рисунок. Изображения в 2019 Эскизы Легкий рисунок карандашом для начинающих Девушка с зонтиком Пошаговый рисунок карандашом Легко.

    Посмотреть еще идеи о эскизах, рисунках, рисунках, рисунках.Нарисуйте эскиз головы человека, чтобы создать основу для волос. 11 сентября 2020 г .— Изучите рисунок льва на доске Эмили Жиру, за которым следят 322 человека на Pinterest.

    Простой рисунок ястреба. Легкие карандашные рисунки животных Jacteusaquillo Lamagdalena Co. На этой странице у нас также есть множество доступных изображений.

    УДИВИТЕЛЬНЫЕ РЕМЕСЛЕНИЯ, ЧТОБЫ УПРОСТИТЬ ВАШУ ЖИЗНЬ. Посмотрите, сколько крутых идей мы подготовили для вас на этот раз. Плененный ангел карандашный рисунок. В дальнейшем это поможет вам с аниме-персонажами и другими более сложными картинками.

    21 июля 2020 г. — Изучите доску марианских островов Глаза аниме — рисунок, за которым следят 486 человек в Pinterest. Легкие милые рисунки русалок. Девушка рисует легко.

    Даже самые простые черно-белые карандашные наброски выглядят супер выразительно. Легкий рисунок храма хатшепсут. 28 февраля 2021 г. — Изучите наброски карандашом на доске Харики Карнатис, за которыми последовали 404 человека в Pinterest.

    Ему нужно отомстить за своих мертвых родителей и спасти свою сестру, лежащую в коме. Легкое милое платье с красивым рисунком.Карандашные рисунки придадут вид ручной работы, который понравится для многих проектов.

    Легкий милый рисунок ловец снов. Легкий милый легкий рисунок лица медведя. Но Ран преследует совершенно другую цель.

    Узнайте больше о рисовании глаз в аниме. Идеи Easy Sketch Fo. Легкий милый рисунок рыбок для детей.

    Для мелких деталей используйте карандаши H. Как рисовать мангу. Станьте покровителем Асии Ладовской уже сегодня.

    Фудзимия Ран Ран Фудзимия Фудзимия Беги, парень с окаменелым лицом — один из главных персонажей Вайса Кройца.Легко милый легкий каракули искусство цветное. Рисунок лица железного человека легкий шлем.

    Классные мультяшные карандашные рисунки с помощью простых рисунков и. Нарисуйте волосы простыми изгибами или штрихами, доходящими до плеч. Легкое сердце трогательно грустные идеи рисования.

    Pennywise The Dancing Clown Персонаж из «Оно» превратился в персонажа аниме. Лучше всего искать легкий карандаш. Добавьте детали для лица.

    Начните со только что заточенных карандашей. Практикуйтесь в этом, рисуя простые трехмерные объекты, такие как кубы и цилиндры, под разными углами.Arte Sketchbook A Level Art Art Hoe Art Рисунки Эскизы Карандашные рисунки Карандашное искусство Красивое искусство Эстетическое искусство Живопись Рисование.

    Обведите пером и сотрите ненужные линии. Легкое сердце с рисунком баннера. Легкий милый рисунок девушки лисы.

    Если вы ищете простые рисунки для рисования карандашом, вы попали в нужное место. Нарисуйте детали волос, используя короткие прямые, а также кривые линии. Вы найдете невероятно полезные проекты для своего дома.

    Легкое рисование диплома средней школы. Это трудно переоценить. Легкий милый рисунок пряничный домик.

    Нарисуйте аниме поэтапно. Карандашом Easy Animal Sketch Drawing Fish Sketch Animal. Простой справочник по рисованию человеческого черепа.

    Карандаш для рисования пейзажа Красивый рисунок пейзажа Карандашные рисунки природы Красивые карандашные рисунки Легкие цветочные рисунки Пейзаж Карандашные рисунки Затенение Карандаш для рисования. 2 апреля 2021 г. — Изучите эскиз аниме на доске Сити Ханиса в Pinterest.Рисование контура легко человеческого тела.

    У нас есть коллекция изображений о простых рисунках карандашом, легко, включая изображения, фотографии, обои и многое другое. Легкий рисунок плавучего дома для детей. Легкие милые идеи рисования карандашными художественными изображениями.

    Легкая толстовка с рисунками крипипаста. Использование ссылок улучшит ваше искусство. Смотрите больше идей об аниме рисунках аниме аниме эскиз.

    Для текстуры и растушевки используйте карандаши B. Научитесь рисовать аниме. Легкий красивый рисунок аниме.


    Jungkook S: красивый вид сбоку Bangtan Bts Btsart Bangtanboys Btsfanart Fanart Draw Concept Art Tutorial Art Inspiration Painting


    Аниме Мальчик с банданой Аниме Мальчик Эскиз Аниме Рисунки Мальчик Аниме Рисунки


    Связанные изображения Справочные чертежи Основа для чертежей


    Аниме Наушники Мальчик Карандашный набросок Аниме Арт Аниме Арт Аниме Аниме Арт Красивое Аниме Арт Аниме Мальчик с наушниками


    Трансмиграция очаровательного маленького хозяина Трансмиграция очаровательного маленького хозяина Аниме Рисунки Мальчик Мальчик Рисование Аниме Мальчик Эскиз


    Stardust Wink 35 Прочитать Stardust Wink 35 Online Page 24 Аниме Сёдзё Манга Манга


    61 Новая тенденция и потрясающий стиль рисования манги и аниме Страница 52 Стили рисования аниме Милый мальчик Рисование Легкие рисунки манги


    Рисунок животного на булавке


    Ореки Хоутароу из Хёки Может быть, он один из самых крутых парней из аниме, которых я знаю, когда дело доходит до аналитического мышления Что Ча думает Иллюстрация Хёка Лукисан


    Когда Сехуну 35 лет, Баку в 2020 году Стили мультфильмов Учебные пособия по рисованию аниме Рисунки из аниме Эскизы


    Anime Boy Sketch At Paintingvalley Com Исследуйте коллекцию аниме Anime Boy Sketch Anime Face Drawing Anime Drawings Boy


    13 Аниме Эскиз Карандаш Дизайн Персонажа Тронг 2020 Рисование Нгх Тхуэт Вề Мак Фонг Мо Чт


    Как рисовать аниме глаза мальчика Скарг Черно-белый карандашный набросок Аниме рисунки Как рисовать аниме глаза рисунки


    Easy Drawing Of Boy Face Drawing Artisan Аниме Мальчик Эскиз Аниме Рисование Лица Аниме Рисунки Мальчик


    Mi Piace 3 258 Комментарии 20 Hutachan Hutachan96 Su Instagram Pencil Photoshop Art Drawi Как рисовать волосы Крутые рисунки Карандашные рисунки девушек


    Супер Рисование Любовь Аниме Красивые 35 Идеи Аниме Рисунки Мальчики Рисунки Художественные Рисунки


    Pin By Pedro On Sketch Drawing Рисунки Обои для рабочего стола Art Drawing Sketches


    Идеи для рисования булавками D

    черепаха — Черепаха графика — Python 3.9.7 документация

    Введение

    Графика с черепахой — популярный способ познакомить детей с программированием. Это было часть оригинального языка программирования Logo, разработанного Wally Feurzeig, Сеймур Паперт и Синтия Соломон в 1967 году.

    Представьте роботизированную черепаху, начинающуюся в точке (0, 0) в плоскости x-y. После импортной черепахи дайте ей команда turtle.forward (15) , и она перемещается (на экране!) на 15 пикселей в направление, в которое он смотрит, рисуя линию по мере движения.Дайте ему команду turtle.right (25) , и он поворачивается на месте на 25 градусов по часовой стрелке.

    Комбинируя вместе эти и подобные команды, замысловатые формы и изображения легко нарисовать.

    Модуль turtle является расширенной реализацией одноименного модуль из стандартного дистрибутива Python до версии Python 2.5.

    Он пытается сохранить достоинства старого модуля черепахи и быть (почти) 100% совместим с ним. Это означает, в первую очередь, чтобы обучение программист для интерактивного использования всех команд, классов и методов при использовании модуль из IDLE запускается с переключателем -n .

    Модуль черепахи предоставляет графические примитивы черепахи как в объектно-ориентированной и процедурно-ориентированные способы. Поскольку он использует tkinter для базового graphics, ему нужна версия Python, установленная с поддержкой Tk.

    Объектно-ориентированный интерфейс использует по существу два + два класса:

    1. Класс TurtleScreen определяет графические окна как игровую площадку для рисунок черепахи. Его конструктору требуется tkinter.Canvas или ScrolledCanvas в качестве аргумента.Его следует использовать, когда черепаха используется как часть некоторого приложения.

      Функция Screen () возвращает одноэлементный объект TurtleScreen подкласс. Эту функцию следует использовать, когда turtle используется как автономный инструмент для создания графики. Как одноэлементный объект, наследование от его класса невозможно.

      Все методы TurtleScreen / Screen также существуют как функции, т.е. как часть процедурно-ориентированный интерфейс.

    2. RawTurtle (псевдоним: RawPen ) определяет объекты Turtle, которые рисуют на TurtleScreen .Его конструктору нужен Canvas, ScrolledCanvas или TurtleScreen в качестве аргумента, чтобы объекты RawTurtle знали, где рисовать.

      Производный от RawTurtle является подклассом Turtle (псевдоним: Pen ), который использует экземпляр Screen , который автоматически создано, если еще не создано.

      Все методы RawTurtle / Turtle также существуют как функции, т.е. процедурно-ориентированный интерфейс.

    Процедурный интерфейс предоставляет функции, производные от методов классов Screen и Turtle .У них такие же имена, как и у соответствующие методы. Экранный объект создается автоматически всякий раз, когда вызывается функция, производная от метода Screen. (Безымянный) объект черепаха автоматически создается всякий раз, когда любая из функций, производных от метода Turtle называется.

    Чтобы использовать несколько черепах на экране, нужно использовать объектно-ориентированный интерфейс.

    Примечание

    В следующей документации приводится список аргументов для функций. У методов, конечно, есть дополнительный первый аргумент self , который здесь опущено.

    Справка и настройка

    Как пользоваться справкой

    Общедоступные методы классов Screen и Turtle подробно документированы. через строки документации. Таким образом, их можно использовать в качестве онлайн-справки через справку Python. Объектов:

    • При использовании IDLE всплывающие подсказки показывают подписи и первые строки docstrings введенных в вызовы функций / методов.

    • При вызове help () для методов или функций отображаются строки документации:

       >>> help (Screen.bgcolor)
      Справка по методу bgcolor в модуле turtle:
      
      bgcolor (self, * args) несвязанный метод turtle.Screen
          Установите или верните цвет фона TurtleScreen.
      
          Аргументы (если указаны): цветная строка или три числа.
          в диапазоне 0..colormode или тройке таких чисел.
      
      
            >>> screen.bgcolor ("оранжевый")
            >>> screen.bgcolor ()
            "апельсин"
            >>> screen.bgcolor (0.5,0,0.5)
            >>> screen.bgcolor ()
            «# 800080»
      
      >>> help (Turtle.penup)
      Справка по методу penup в модуле turtle:
      
      penup (self) несвязанная черепаха.Черепаший метод
          Потяните ручку вверх - при движении нет рисования.
      
          Псевдонимы: penup | пу | вверх
      
          Нет аргументов
      
          >>> turtle.penup ()
       
    • Строки документации функций, производных от методов, имеют измененный форма:

       >>> справка (bgcolor)
      Справка по функции bgcolor в модуле turtle:
      
      bgcolor (* аргументы)
          Установите или верните цвет фона TurtleScreen.
      
          Аргументы (если указаны): цветная строка или три числа.
          в диапазоне 0..colormode или тройке таких чисел.Пример::
      
            >>> bgcolor ("оранжевый")
            >>> bgcolor ()
            "апельсин"
            >>> bgcolor (0,5,0,0,5)
            >>> bgcolor ()
            «# 800080»
      
      >>> помощь (penup)
      Справка по функции penup в модуле turtle:
      
      penup ()
          Потяните ручку вверх - при движении нет рисования.
      
          Псевдонимы: penup | пу | вверх
      
          Нет аргументов
      
          Пример:
          >>> penup ()
       

    Эти измененные строки документации создаются автоматически вместе с функцией определения, полученные из методов во время импорта.

    Перевод строк документации на разные языки

    Есть утилита для создания словаря, ключами которого являются названия методов. и значениями которых являются строки документации общедоступных методов классов Экран и черепаха.

    черепаха. write_docstringdict ( filename = «turtle_docstringdict» )
    Параметры

    filename — строка, используемая как имя файла

    Создать и записать docstring-словарь в скрипт Python с заданным имя файла.Эта функция должна вызываться явно (она не используется классы графики черепахи). Словарь строк документации будет записан в Скрипт Python имя_файла .py . Он предназначен для использования в качестве шаблона для перевода строк документации на разные языки.

    Если вы (или ваши ученики) хотите использовать turtle с онлайн-справкой в ​​своем на родном языке, вам необходимо перевести строки документации и сохранить полученный файл, например, turtle_docstringdict_german.py .

    Если у вас есть соответствующая запись в файле turtle.cfg , этот словарь будет прочитан во время импорта и заменит исходные строки документации на английском языке.

    На момент написания этой статьи есть словари на немецком и на немецком языках. Итальянский. (Запросы, пожалуйста, на [email protected])

    Как настроить экран и черепахи

    Встроенная конфигурация по умолчанию имитирует внешний вид и поведение старый модуль черепахи, чтобы сохранить максимально возможную совместимость с ним.

    Если вы хотите использовать другую конфигурацию, которая лучше отражает функции этого модуля или какой лучше подходит для ваших нужд, например для использования в классе, вы можете подготовить файл конфигурации turtle.cfg , который будет прочитан при импорте время и измените конфигурацию в соответствии с ее настройками.

    Встроенная конфигурация соответствует следующему turtle.cfg:

     ширина = 0,5
    высота = 0,75
    leftright = Нет
    topbottom = Нет
    canvwidth = 400
    canvheight = 300
    режим = стандартный
    colormode = 1.0
    задержка = 10
    undobuffersize = 1000
    shape = classic
    pencolor = черный
    fillcolor = черный
    resizemode = размер без размера
    visible = True
    language = english
    exampleturtle = черепаха
    examplescreen = экран
    title = Графика с черепахой Python
    using_IDLE = Ложь
     

    Краткое описание выбранных записей:

    • Первые четыре строки соответствуют аргументам Screen.setup () метод.

    • Строки 5 и 6 соответствуют аргументам метода Экран.screenize () .

    • форма может быть любой встроенной формы, например, стрела, черепаха и т. Д. Подробнее info try help (shape) .

    • Если вы не хотите использовать цвет заливки (т.е. сделать черепаху прозрачной), у вас есть для записи fillcolor = "" (но все непустые строки не должны иметь кавычек в cfg-файл).

    • Если вы хотите отразить черепаху ее состояние, вы должны использовать resizemode = авто .

    • Если вы установите, например, language = итальянский the docstringdict turtle_docstringdict_italian.py будет загружен во время импорта (если присутствует на пути импорта, например в том же каталоге, что и черепаха .

    • Записи exampleturtle и examplescreen определяют имена этих объекты в том виде, в котором они встречаются в строках документации. Преобразование строки документации метода в строки документации функции удаляют эти имена из строки документации.

    • using_IDLE : Установите значение True , если вы регулярно работаете с IDLE и его -n переключатель («нет подпроцесса»). Это предотвратит вход exitonclick () в mainloop.

    В каталоге, где находится turtle , может быть файл turtle.cfg хранится и дополнительный в текущем рабочем каталоге. Последний будет переопределить настройки первого.

    Каталог Lib / turtledemo содержит черепаху .cfg файл. Вы можете изучить его как пример и увидеть его эффекты при запуске демонстраций (желательно не из демо-просмотрщика).

    Пакет turtledemo включает набор демонстрационных скриптов. Эти скрипты можно запускать и просматривать с помощью прилагаемой демонстрационной программы просмотра следующим образом:

    Кроме того, вы можете запускать демонстрационные сценарии по отдельности. Например,

     python -m turtledemo.bytedesign
     

    Каталог пакетов turtledemo содержит:

    • Программа просмотра демо __main__.py , который можно использовать для просмотра исходного кода скриптов и запускать их одновременно.

    • Несколько скриптов, демонстрирующих различные функции turtle модуль. Доступ к примерам можно получить через меню «Примеры». Они также могут работать автономно.

    • Файл turtle.cfg , который служит примером того, как писать и использовать такие файлы.

    Демонстрационные скрипты:

    Имя

    Описание

    Характеристики

    bytedesign

    сложный классический черепаха графический узор

    трассировщик () , задержка, обновление ()

    хаос

    графики динамики Verhulst, показывает, что компьютер вычисления могут генерировать результаты иногда против ожидания здравого смысла

    мировые координаты

    часы

    аналоговые часы, показывающие время вашего компьютера

    черепахи как часы руки, онтаймер

    смеситель цветов

    эксперимент с r, g, b

    ондраг ()

    лес

    3 дерева в ширину

    рандомизация

    фрактальные кривые

    Кривые Гильберта и Коха

    рекурсия

    линденмайер

    этноматематика (индийские коламы)

    L-система

    minimal_hanoi

    Ханойские башни

    Прямоугольные черепахи как диски Ханоя (форма, размер)

    ним

    играть в классическую игру ним с тремя кучками палочек против компьютера.

    черепахи как нимбы, управляемое событием (мышь, клавиатура)

    краска

    супер минималистичный программа для рисования

    onclick ()

    мир

    элементарный

    черепаха: внешний вид и анимация

    пенроуз

    апериодическая мозаика с воздушные змеи и дротики

    штамп ()

    planet_and_moon

    моделирование гравитационная система

    сложные формы, Vec2D

    round_dance

    танцующие черепахи вращаются попарно в противоположном направление

    сложные формы, клон размер, наклон, get_shapepoly, обновление

    sorting_animate

    наглядная демонстрация разные методы сортировки

    простое выравнивание, рандомизация

    дерево

    a (графический) ширина первое дерево (с использованием генераторов)

    клон ()

    два полотна

    простой дизайн

    черепахи на двоих холсты

    Википедия

    шаблон из википедии статья о графике черепах

    клон () , отменить ()

    иньян

    другой элементарный пример

    круг ()

    Удачи!

    «Новый» рисунок Ван Гога будет выставлен в музее Амстердама

    Этюд для рисунка голландского мастера Винсента Ван Гога «Изношенный», датированный нояб.1882 г. впервые выставляется на всеобщее обозрение в музее Ван Гога в Амстердаме, Нидерланды, в четверг, 16 сентября 2021 г. (AP Photo / Peter Dejong) Питер Деджонг AP АМСТЕРДАМ

    Рисунок, недавно приписываемый Винсенту Ван Гогу, который никогда ранее не выставлялся публично, будет выставлен в Амстердамском музее, носящем имя голландского мастера.

    «Новый» Ван Гог, «Этюд« Изношенный »», датированный ноябрем 1882 года, является частью голландской частной коллекции и был известен лишь немногим людям, в том числе нескольким из Музея Ван Гога.

    Владелец, который остается анонимным, попросил музей определить, принадлежит ли неподписанный рисунок Ван Гога.

    От стиля до использованных материалов — толстого столярного карандаша и грубой акварельной бумаги — он соответствует гаагским рисункам Ван Гога, сказал в четверг старший научный сотрудник Тейо Мидендорп.

    Есть даже следы повреждений на спине, которые связывают его с тем, как Ван Гог использовал пачку крахмала для прикрепления листов бумаги к чертежным доскам.

    «Очень редко новая работа приписывается Ван Гогу», — говорится в заявлении директора музея Эмили Горденкер.«Мы гордимся тем, что можем поделиться этим ранним рисунком и его историей с нашими посетителями».

    Это относится к тому периоду в карьере художника, когда он работал над совершенствованием своих навыков рисования людей и портретов, рисуя их. Снова и снова.

    В музее уже есть почти идентичный рисунок «Изношенный».

    «Было совершенно ясно, что они связаны», — сказал Медендорп.

    Исследование передано музею и будет экспонироваться с пятницы по январь.2.

    На нем изображен пожилой, лысеющий мужчина, сгорбившись вперед, сидит на деревянном стуле, обхватив лысеющую голову руками. Даже брюки модели, похоже, соответствуют английскому названию — на правой штанине хорошо видна нашивка.

    Это очень далеко от ярких масляных картин с вазами с подсолнухами и французскими пейзажами, которые в конечном итоге превратили измученного Ван Гога — после его смерти в 1890 году — в одного из самых известных художников мира, чьи работы собрали астрономические цены на аукционах. .

    Вместо этого он показывает, как молодой художник, практикующий свое ремесло в Гааге в 1882 году, столкнулся с неприятной правдой.

    «Он обнаружил, что ему не хватает способности рисовать людей. Итак, он уже рисовал их, но ему нравилось рисовать, — сказал Медендорп. — Поэтому, чтобы иметь возможность рисовать людей, он вернулся к чертежной доске ».

    Ван Гог, который, как известно, полагался на щедрость своего брата Тео на протяжении всей своей жизни, дал рисункам английское название, чтобы немного повысить узнаваемость своего имени и, возможно, даже получить работу в иллюстрированном журнале.

    «В его уме у него была идея, что в конце концов он достигнет большего, чем Голландия, как художник», — сказал Медендорп.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *