Предметы художника: Предметы для рисования — Магазин для художников «Канцтовары «ПАЛИТРА»

Содержание

Какие предметы нужно сдавать на художника?

Особенности поступления на творческие специальности, какие предметы нужно сдавать на художника, доступные форматы обучения и где лучше получить диплом.

Творческие специальности пользуются не меньшей популярностью, чем точные науки. Поступить на актерский, музыкальный или художественный факультет сложнее. Требуется теоретическая подготовка по основным дисциплинам, талант и портфолио собственных работ. Приветствуется участие в конкурсах и творческих проектах городского, регионального или мирового уровня. Университет Синергия предоставляет возможность получения профессии аниматора и иллюстратора после 9,11 класса. Обучение проводится в очной, вечерней, выходной форме или дистанционно. Перед подачей заявления, необходимо узнать, какие предметы нужно сдавать на художника?

Художник-аниматор — специальность, позволяющая реализовать творческий потенциал и получить высокооплачиваемую работу. Должностные компетенции основываются на базовых знаниях. Дипломированные специалисты могут выбрать одну из профильных сфер деятельности и работать:

Моушен-дизайнерами — создавать экшн-анимации для рекламных проектов и сайтов;
Художниками по спецэффектам — оформлять видеоряд и художественные фильмы;
Геймдевами — разрабатывать визуал для компьютерных игр;
2D и 3D графическими дизайнерами — создавать модели вещей и пространства;
Мультипликаторами — рисовать анимационные фильмы для детей и взрослых.

Поступление после 9 класса

Школьники, окончившие 9 классов, получают средне-специальное образование по профессии. Творческая часть вступительных испытаний состоит в сдаче профильных предметов:

Рисунок в одной из техник;
Живопись;
Составление композиции.

Заранее нужно узнать, какие предметы сдавать на художника при ОГЭ. В большинстве художественных училищ учитываются оценки по русскому и литературе, но зачисление происходит по среднему баллу и творческому экзамену.

Поступление после 11 класса

В Синергии выпускники 11 классов получают специальность художник-аниматор. Длительность очного обучение на первой ступени 4 года, очно-заочно или дистанционно 4,5 года.

Чтобы успешно пройти поступление, следует заранее определиться со специальностью и решить, какие экзамены нужно сдавать на художника.

Зачисление проводится на конкурсной основе, с учетом баллов ЕГЭ по русскому, обществознанию и литературе. Художественная деятельность одна из профессий, не учитывающая оценку по базовой математике.

Преимущества и недостатки профессии

Плюсы:

Возможность совмещать хобби и работу.
Нет привязки к рабочему месту. Художник может творить дома или в собственной мастерской и зарабатывать больше офисного служащего.

Минусы:

Требуется строгая самоорганизация, самостоятельное составление рабочего графика, для соблюдения сроков сдачи проектов.
Художник постоянно повышает квалификацию, изучает тренды, модернизирует портфолио.

Поступление на творческую специальность требует подготовки к сдаче экзаменов, без теоретической базы невозможно изучение предметов по профессии.

10 художников, работающих с предметами быта — Look At Me

Не один десяток современных художников доказал своим творчеством, что любой предмет может стать арт-объектом. В своих работах вместо красок и глины они используют нетрадиционные материалы, многие из которых обычно используются в быту. Кто-то по воле случая пришел к своему материалу, кто-то намеренно решил вдохнуть жизнь в безликие предметы, а кто-то постоянно экспериментирует с инструментами и материалами, выбирая их в зависимости от задуманного проекта. Look At Me сделал подборку из десяти художников и скульпторов, взявших в свои руки кастрюли, виниловые пластинки, рентгеновские снимки и велосипеды.

Джин Шин

Для корейской художницы Джин Шин выбранные ею материалы являются прежде всего символами идентичности и общности людей. Она создает свои работы из нескольких сотен или даже тысяч идентичных предметов: компьютерных клавиш, пустых винных бутылок, спортивных трофеев, — которые Джин часто получает в дар как от отдельных лиц, так и от целых групп людей: «Эти скромные останки, часто забытые и больше не используемые, хранят тем не менее следы их прошлых жизней». Например, скульптура «Звуковая волна», сделанная в 2007 году из расплавленных виниловых пластинок, ярко иллюстрирует быструю смену форматов — как волны технического прогресса сметают на своем пути старые технологии и устройства.

Ай Вэйвэй

Китайский художник-диссидент Ай Вэйвэй часто для создания своих скульптур и инсталляций выбирает самые повседневные предметы и наделяет их новыми смыслами. Так, с помощью пригвожденных к стене тысячи велосипедов в инсталляции «Велосипеды навсегда» художник делится своим видением современного китайского общества, которое сейчас меняется быстрыми темпами.

А работа, сделанная из 360 школьных портфелей в виде 17-метровой змеи, посвящена всем погибшим в результате сычуаньского землетрясения 2008 года. С помощью нее художник хочет обратить внимание общественности на коррумпированность местных властей, которые не позаботились о должном уровне состояния зданий на случай чрезвычайных происшествий. Это стало причиной смерти тысяч детей, чего можно было бы избежать.

Том Деинингер

В руках талантливого американского художника Тома Деинингера мусор превращается в творческий материал, с помощью которого он создает свои удивительные произведения искусства: «Я люблю работать с различными материалами. В этом и есть веселье. Особенно мне нравится, что я могу наделить всем известный предмет новыми функциями, чем ему были предопределены изначально. Так работает эволюция». Из тысячи деталей — от болтов и гаек до пустых бутылок и солнечных очков — Том складывает целые картины и создает скульптуры.

Лишь при близком рассмотрении становится ясно, из чего они сделаны на самом деле. Так, «пушистого» белого кролика он целиком сделал из сигаретных фильтров.

Субодх Гупта

Один из самых известных индийских художников и скульпторов современности Субодх Гупта чаще всего использует кухонную утварь из нержавеющей стали в качестве основного материала для своих работ. Он считает, что, хотя его произведения касаются прежде всего Индии и ее народа, они будут понятны всем, так как язык искусства универсален. Художник неслучайно выбрал этот материал: «Я ворую идолы. Я совершаю кражи из драматической жизни индусов. И из их кухонь — эти горшки можно сравнить с украденными божествами, вывезенными из нашей страны. Кухни индусов так же важны, как и молитвенные комнаты». Кроме того, с помощью посуды Субодх затрагивает острую для страны проблему голода. Одними из его самых известных произведений считаются скульптура «Очень голодный бог» в форме огромного черепа и «Линия контроля» — в форме атомного гриба.

Батист Дебомбур

Молодой французский художник Батист Дебомбур использует различные инструменты для реализации своих творческих идей. Он может разрубить топором деревянную мебель и разбить зеркало, с тем чтобы потом склеить обратно. Его цель — обратить внимание публики на самые обычные предметы и сделать их более личными, особенными: «Все мои работы в той или иной степени связаны с тематикой человеческих отношений — мои ошибки, наши сомнения, наши желания и наши представления о реальности. Мои работы построены на исследовании психологии наших взаимоотношений с предметами и поиске особого мира — между придуманной и существующей реальностью». Отдельно стоит сказать о серии работ Aggravure, в которой Батист открылся как художник с новой стороны. Из десятков и даже сотен тысяч металлических скоб он создает

настенные инсталляции в стиле ренессанса.

Вим Делвой

Бельгийский художник и дизайнер Вим Делвой прежде всего известен публике своей китайской арт-фермой, на которой он делает татуировки свиньям: «В татуировках меня привлекает конфликт между завершенностью и бесконечностью. Большинство классических сюжетов татуировок тематически относятся к прошлому: кресты, кровоточащие сердца, Иисус. Мне нравится напряжение между этими категориями». Этот проект Вима вызвал большей резонанс в обществе и привел к негодованию защитников животных. Бельгийский художник всегда выбирает нестандартные материалы для своих работ. В его руках рентгеновские снимки становятся церковными витражами, машинные шины и техника — резными, а бензиновые канистры — расписанными красками.

Якоб Дальгрен

Шведский скульптор и художник-минималист Якоб Дальгрен создает не просто инсталляции из нетрадиционных материалов — ручной пилы, дартса, напольных весов и консервных банок, — но и дает зрителю возможность поучаствовать в художественном процессе. Он делает многие свои проекты интерактивными, тем самым отодвигая образ художника на второй план. Например, каждый может встать на весы в инсталляции «Рай — это место на Земле» или кинуть дротик в доску для дартса в инсталляции «Я, мир, вещи, жизнь». Как и многие современные художники, в своих работах Якоб затрагивает такие темы, как личность и общество, индивидуальность и свобода передвижения.

Эрика Айрис Симмонс

Однажды американская художница Эрика Айрис Симмонс aka Iris5 увидела катушки со старыми пленками, напомнившие ей кудрявые волосы музыканта Джимми Хендрикса. Она задумалась, сохранился ли его призрак в кассетах. После этого Эрика Айрис сделала портрет Хендрикса, что положило начало целой серии работ «Привидение в устройстве», где она воссоздала заново образы людей, уже ставших легендами, — Одри Хепберн, Мерилин Монро, Джона Леннона и Майкла Джексона. А с недавних пор художница активно экспериментирует с бумагой, создавая целые портреты из аккуратно вырезанных текстов — например, для портрета писателя Оскара Уайльда — или нотных листов — для музыканта Людвига ван Бетховена.

Дженнифер Маэстри

Южноафриканская художница Дженнифер Маэстри выбрала карандаш как основной инструмент для своего творчества абсолютно случайно.

Но она не использует его для традиционных целей — рисования. Однажды ей захотелось иметь красивую серебряную коробочку для своих украшений в форме ежика, но поскольку она никогда не работала с металлами, то решила использовать подручные материалы. Первыми под руку попались цветные карандаши. С тех самых пор Дженнифер не перестает создавать «колючие» скульптуры — цветы, животных и разнообразных сказочных существ, позволяющих разыграться воображению.

Эрвин Вурм

На работы известного австрийского художника, скульптора, фотографа и режиссера Эрвина Вурма нельзя смотреть без улыбки или удивления, хотя сам он их считает циничными, нежели веселыми. За многие годы своего творчества он успел коснуться самых различных тем, которые были ему интересны в тот или иной период его жизни. Эрвин создавал «толстые» дома и машины, насмехаясь над утвердившимися в обществе стереотипами и стандартами по фигуре, придумывал одноминутные скульптуры, подкрепляя свою идею о том, что не нужны куски стали и мрамора или профессиональное образование, чтобы создавать скульптуры.

Главное — желание и фантазия.

Набор художника (145 предметов)

Дети очень любят заниматься творчеством, поскольку это – очень увлекательное и полезное времяпрепровождение. Набор для рисования в кейсе станет прекрасным подарком для любого малыша.

Набор художника с масляными красками в кейсе 145 предметов позволит ребенку гармонично развиваться. Подобное занятие положительно влияет на его креативность, фантазию и мелкую моторику, а следовательно – и на речевое развитие.

Качественный металлический кейс с красками – это набор, в котором есть все, что понадобится для творчества. Здесь 145 предметов, которыми малыш сможет пользоваться в свое удовольствие. Ребенок сможет рисовать карандашами и красками, сочетая различные оттенки и создавая уникальные шедевры на бумаге.

Преимуществ у такого набора очень много:

это – лучший подарок для ребенка любого возраста, поскольку этот вид деятельности нравится даже взрослым детям;
выполнен кейс в стильном дизайне, поэтому он обязательно найдет место на полке в комнате малыша;
полочки выдвигаются, что позволит ребенку быстро достать необходимый ему предмет;
каждый компонент, который входит в набор, безопасен для здоровья и организма малыша;
в наборе присутствует много предметов: от масляных красок и карандашей до кисточек;
кейс выполнен из высокопрочного металла, поэтому случайные падения не станут причиной его деформации;
упаковка достаточно компактная, что позволит Вам хранить ее в любом месте в помещении;
упаковка презентабельна, такой набор станет чудесным подарком юному дарованию;
Внутренняя часть выполнена из бархатистой ткани
набор положительно влияет на развитие ребенка, ведь он создан для творчества и полета фантазии.

Вы можете купить набор художника в кейсе прямо сейчас, чтобы подарить малышу на любой праздник. Это – уникальная возможность развивать его таланты рисования, наслаждаясь совместным времяпрепровождением. В наборе есть все, что понадобится юному художнику для получения удовольствия и пользы.

Все предметы, которые входят в его состав, упакованы в прочный и надежный металлический кейс. Он не деформируется вследствие случайных падений и воздействия прочих негативных факторов. Металлический кейс компактен, поэтому аккуратный чемоданчик можно положить в любое место, чтобы заняться творчеством. Также его легко переносить.

В составе красок и прочих элементов нет компонентов, которые могли бы негативно отразиться на состоянии здоровья ребенка. Даже если он случайно возьмет краску в рот, его самочувствие не пострадает. Вы можете спокойно оставлять его наедине с творчеством, не переживая об его безопасности.

Заказывайте этот набор художника прямо сейчас на нашем сайте. Совершив такое приобретение, Вы получите немало полезных предметов для развития малыша. С ними свободное время будет пролетать незаметно, поскольку ребенок всегда найдет, чем заняться на досуге.

Комплектация набора:

Масляные краски: 24 шт.

Пастель: 24 шт.

Фломастеры: 33 шт.

Цветные карандаши: 28 шт.

Простые карандаши: 2 шт.

Акварельные краски: 24 шт.

Замешанный ластик

Ластик

Кисти: 4 шт.

Контейнеры для красок: 2 шт.

Точилка

Характеристики:

Размеры кейса: 34 см. * 29 см. * 9 см.

Вес 2.3 кг.

Материал изготовления: металл и пластик.

#МебельвИскусстве — живописные интерьеры и предметы мебели в произведениях великих художников

На своих страничках в социальных сетях мы ведем специальную рубрику под хэштэгом #МебельвИскусстве, где рассказываем о произведениях искусства разных направлений, на которых так или иначе изображены предметы мебели. Интерьеры, представленные на картинах, часто таят в себе скрытые смыслы и аллегории, они призваны выявить идею художника, объяснить характер персонажей, рассказать нам об особенностях быта. Изображение мебели в работах художников нередко наполнено глубокой символикой и олицетворяет переживания автора.

1. Ян Вермеер — «Мастерская художника» (1667)

Сложно устроенное замкнутое пространство, наполненное почти осязаемыми предметами, — любимая тема живописца Яна Вермеера. Стул на переднем плане, наборный пол из шиферных и мраморных плит, поверхность стола, человеческие фигуры среди мебели, расставленной в продуманном беспорядке, — все это есть в целом ряде его работ. Источник света скрыт за тяжелым тканым занавесом. Вермеер превращает световые блики в мелкие брызги, напоминающие жемчужины. Особенно эффектно смотрится этот прием на складках занавеса, великолепной люстре с двуглавым орлом и шляпках гвоздей, украсивших громоздкий стул на первом плане.

Стул, выдвинутый вперед к зрителю, приглашает расположиться на этой сцене с тщательно подобранными декорациями, но так, чтобы не нарушить сосредоточенного покоя художника и модели.

Здесь изображен голландский интерьер, в котором выделяются некоторые особенности, являющиеся «ключами» к пониманию замысла художника. Так, занавес на переднем плане как бы говорит о постановочности, условности сцены, а маска, лежащая на столе, добавляет театральности.

2. Говард Ходжкин — «Комната с креслом» (1969)

Прославившись своими динамичными цветовыми решениями, Говард Ходжкин создает одновременно метафорические и абстрактные произведения, которые он сам описывал как «картины, отражающие эмоциональные состояния».

Эта работа была создана в период, когда художник переходил к более мягким, подвижным техникам нанесения краски. Блеклые формы наводят на мысль о каком-то месте, воспоминании, глубоком размышлении о привычках человека, почти неосязаемых.

По словам автора, эта картина встает на защиту воспоминаний, подчеркивая их зыбкость и побуждая достать из глубин сознания собственные переживания, предаться ностальгии.

Зрители задаются вопросом, что же предстало перед их глазами: то ли реальный узор цветов и форм, то ли комната с креслом, плинтусом, окном и яркой стеной, то ли образ человеческого присутствия и привычек.

3. Винсент Ван Гог — «Кресло Гогена» и «Стул Винсента с трубкой» (1888)

«Кресло Гогена» — картина известного нидерландского художника Винсента Ван Гога. Она была написана в ноябре 1888 года в Арле. Ван Гог хотел показать, что именно такие пустые стулья часто служат персонификацией владельцев. Примерно в то же время он написал ещё картину «Стул Винсента с трубкой», которая считается дополнением к картине «Кресло Гогена». Символически Ван Гог желал передать через эти полотна то, насколько у двух художников были разные характеры.

Обе картины изображают мотив отсутствия, ярко отражающий ту жизненную ситуацию, в которой оказался Ван Гог. Стул Ван Гога из недорогого дерева, на нем лежат трубка и маленький мешочек для табака, его скромность контрастирует с искусно сделанным стулом Гогена, со свечой и книгой на сиденьи, которые могут означать честолюбие. На этих полотнах Винсент Ван Гог представил стул и кресло как место человека. Неживое как символ живого, но ушедшего.

4. Роберт Раушенберг — «Кровать» (1956)

Раушенберг стоял у истоков такого явления, как стиль поп-арт. Здесь в качестве объектов искусства и их элементов использовались заурядные бытовые предметы. В рамках «комбинированных картин» художник объединял самые прозаические вещи, превращая их в объекты искусства.

Одна из самых известных «комбинированных картин» носит название «Кровать», она была создана в 1956 году. Картина представляла собой пружинный матрас художника, поставленный вертикально и основательно измазанный краской, что было характерно для абстрактного экспрессионизма.

Этот стиль был первым национальным американским течением мирового уровня, поэтому имел для местных авангардистов сакральный оттенок. Здесь же техника абстрактного экспрессионизма была употреблена с большой долей иронии при нанесении густого слоя краски на обычный матрас, внезапно оказавшийся произведением искусства.

5. Сальвадор Дали — «Лицо Мэй Уэст, использованное в качестве сюрреалистической комнаты» (1935)

Это одна из «шуточных» работ Сальвадора Дали, написанная гуашью на газетной бумаге. Софа — в форме губ американской актрисы Мэй Уэст. Форма этого дивана имела впоследствии свою отдельную историю и стала культовой в мире интерьера. Волосы выполнены в виде штор, обрамляющих дверь в комнату, глаза в виде картин, а нос — камин, на котором стоят часы.

Интересно, что вариант этой картины был перенесён в реальность. Через сорок лет образ странной комнаты с точностью воссоздал в своем театре-музее в городе Фигерас Оскар Тускетс.

6. Рене Магритт — «Пронзенное время» (1938)

В безмолвную, скудно обставленную комнату c деревянной обшивкой, из камина врывается паровоз, выдыхая дым обратно в камин. В зеркале отражаются часы и один из подсвечников (второй же не имеет отражения).

Противоречивые плоскости, неожиданные наложения и нелогичные расстановки демонстрируют взгляд автора на абсурдность и двойственность существования. Реалистичный стиль Магритта, с точными и твердыми определениями вместо мягких тональных контрастов, подчеркивает эффект игры иллюзии и реальности.

В «Пронзенном времени» прослеживается мысль о том, что каким бы реалистичным ни было изображение, оно было и навсегда останется лишь изображением.

7. Константин Коровин — «Девушка у окна» (1910)

Для творчества Коровина характерна свободная живописная манера с динамичной, пульсирующей игрой мазков, яркостью цветов и свежестью колорита. Мастер очень внимателен к эффектам освещения: мы будто чувствуем, как из окна дует свежий ветерок, а тени от листвы игриво пляшут по всей комнате.

Главная героиня картины, возможно, кого-то с нетерпением ждет, прислонившись к столу. Мы можем представить, как она сидела до этого на стуле, занимаясь рукоделием или читая французский роман. Мягкий стул с подлокотниками «приглашает» зрителя присесть и очутиться в этой комнате, пронизанной теплом и солнечным светом.

Сейчас картина «Девушка у окна» находится в постоянной экспозиции Музея русского импрессионизма в Москве.

8. Татьяна Яблонская — «Утро» (1954)

На картине показана легкая и непринужденная обстановка советских будней в обыкновенном доме. Картина Яблонской «Утро» привлекает своей естественностью и непринужденностью, движения девочки просты, но в то же время изысканы, и к ней с первого взгляда возникает огромная симпатия. «Утро» — гимн молодости, радости в предвкушении чего-то нового и удивительного.

За окном еще клубится ночной туман, сквозь распахнутые створки балконных дверей в комнату проникает прохлада, а лучи утреннего солнца ярко освещают интерьер. На круглом обеденном столе, покрытом скатертью с морским узором, разложен завтрак: кувшин с молоком, свежий хлеб и масло. Судя по убранству, можно предположить, что в квартире живут люди искусства — на висящей керамической тарелке узор повторяет тот, что изображен на кувшине.

Комната довольно просторная, но в ней лишь необходимая мебель. На добротной деревянной кровати теплое одеяло, заправленное в белоснежный пододеяльник. Форма сложена на венском стуле, а красный пионерский галстук повешен на его спинку, чтобы не помяться. Нет ни занавесок, ни портьер, на деревянных полах нет ковров. Стены скромно побелены в желтый цвет. Комнату украшает обилие света, живые вьющиеся цветы, красиво обрамляющие высокие окна.

Девочка, изображенная здесь, — это дочь художницы, а комната — квартира на улице Красноармейской, находящейся в центре Киева. Интересно, что картина «Утро» сыграла особую роль в личной жизни её главной героини. Елена во время учёбы на факультете декоративного оформления тканей познакомилась с молодым художником из Казахстана Арсеном Бейсембиновым. Будучи ещё мальчиком, он влюбился в девочку на репродукции картины «Утро», которая висела у него дома. Елена и Арсен поженились.

О профессии художника детям дошкольного возраста

Данный материал будет полезен воспитателям и родителям старших и подготовительных групп, конспект деятельности направлен на формирование у детей представления о профессии художника, ее творческом характере, поможет закрепить названия предметов и изобразительных материалов, используемых художником; побудить детей использовать разнообразные средства выразительности в процессе создания рисунка.

Вводная часть

Задачи

Образовательные

Расширить представления детей о профессии художника.
Углубить знания детей об изобразительных материалах, способах рисования.
Дать представления о том, что художники в произведениях отражают свое мироощущение, передают свои мысли и чувства.

Развивающие

Продолжить знакомство с выразительным средством живописи – цветом.
Развивать зрительное внимание, мышление.
Развивать интерес к искусству, эмоциональную отзывчивость на произведения искусства.

Воспитательные

Воспитывать интерес к творчеству художников, уважение к их труду.
Воспитывать внимание, аккуратность, целеустремлённость, творческую самореализацию.

Интеграция образовательных областей

«Познание», «Коммуникация», «Художественное творчество», «Музыка».

Оборудование и материалы

костюм художника; игровой материал «Художник и его помощники»; репродукции известных художников; репродукция В. Перова «Тройка»; игровой материал «Составь картину»; материал игры-экспериментирования «Смешивание красок»; музыка М. Мусоргского «Картинки с выставки», «волшебная кисточка»; изобразительные материалы: листы для рисования, краски, кисти по количеству детей; силуэт человечка с лицом без улыбки.

Предварительная работа

чтение книг о художниках, рассматривание художественных календарей; рассматривание альбома «Творческие профессии», беседа по содержанию просмотренного; художественно-дидактические игры «Пропавшие краски», «Угадай колорит», «Картина», фантазии детей «Если бы я был художником»; свободное рисование.

Ход занятия «Кто такой художник?»

Воспитатель (в образе художника): Здравствуйте, ребята. Угадайте, кто я?

У меня есть карандаш,
Разноцветная гуашь,
Акварель, палитра, кисть
И бумаги плотный лист,
А еще – мольберт-треножник,
Потому что я …художник.

Воспитатель: Правильно. Я художник. А чем занимается художник? (Ответы детей).

Воспитатель: Правильно, художник – это человек, который занимается изобразительным искусством, создаёт картины, художественные произведения. А давайте назовем помощников художника? (Воспитатель проводит дидактическую игру «Художник и его помощники» — приложение 1)

Воспитатель: Посмотрите, как много может рассказать художник в одной картине. (Воспитатель показывает детям репродукции известных художников).

Воспитатель: Нравятся ли вам эти картины? О чем рассказывают художники на своих картинах? (Ответы детей).

Воспитатель: Нас окружает большой и удивительный мир. Природа, предметы, люди. И художники хотят, чтобы все видели окружающую нас красоту. А еще художники передают в своих картинах радость или горе других людей, чтобы мы с вами помогали тем, кому нужна наша помощь. (Работа с картиной В. Перова «Тройка»).

Какие чувства вызывает картина?
Радостно или грустно вам на нее смотреть?
Что самое главное в картине?
Опишите лица детей.
Что хотел сказать художник В. Перов своим произведением?

Воспитатель: А давайте мы с вами тоже создадим свое произведение! Подумаем, что будет главным и как нам расположить остальные предметы так, чтобы получилась настоящая картина. (Воспитатель проводит дидактическую игру «Составь картину» — приложение 1)

Воспитатель: Ребята, как вы думаете, трудно быть художником? (Ответы детей).

Воспитатель: Да, чтобы создать свои произведения художники много путешествуют, наблюдают, фантазируют. Только потом они рисуют то, что им особенно понравилось. Очень часто у художника не остается времени на отдых и развлечения. Но мы с вами знаем, что о своем здоровье нужно заботиться. Если ты устал, нужно немножко отдохнуть. Предлагаю сделать зарядку. (Физкультминутка).

Всегда я стать художником мечтала, (Жест мечтания, подперев голову рукой.)
Поэтому я всюду рисовала. (Рисование в воздухе рукой, вытянутой вверх. )
Ручкой на листе вот так (Рисование в воздухе рукой, на уровне груди.)
Кистью на холсте вот так (Рисование в воздухе рукой, вытянутой вперед.)

Карандашиком на парте (Рисование в воздухе рукой, на уровне груди.)
И мелками на асфальте. (Рисование в воздухе рукой, на уровне пола.)
Сапогами на снегу, (Рисование ногой по полу.)
Коньками я черчу на льду. (Черчение по полу ногой.)
На песочке прутиком, (Черчение в воздухе воображаемым прутиком на полу.)
На дощечке гвоздиком. (Черчение в воздухе воображаемым гвоздиком.)

Воспитатель: Чтобы картина получилась по-настоящему красивой, художник, как настоящий волшебник подбирает краски, смешивает их. Давайте мы тоже попробуем смешать краски и получить новые оттенки. Но делать мы это будем не на палитре, а в волшебных баночках. (Воспитатель проводит экспериментирование «Смешивание красок»).

Воспитатель: Но чтобы нарисовать картину, одного умения смешивать краски не достаточно. Художник должен уметь всматриваться в окружающий мир, прислушиваться, чтобы все замечать и красиво рисовать. Тогда из линий, точек и пятен получится настоящее волшебство. Смотрите, что может получиться из обычных линий, точек и пятен. (Воспитатель показывает и объясняет рисование от пятна, линии, точки).

Воспитатель: А сейчас я дотронусь до каждого из вас своей кисточкой и превращу в настоящих художников. (Воспитатель дотрагивается до каждого ребенка кисточкой, называя его имя).

Воспитатель: Теперь, вы, как настоящие художники можете нарисовать свои чудеса. Возьмите свои материалы и превратите фигуры на ваших листах во что-нибудь сказочное и необычное. А когда вы закончите свою работу, мы все вместе попробуем угадать, что у вас получилось. (Звучит музыка. Дети самостоятельно рисуют, воспитатель помогает наводящими вопросами детям, испытывающим затруднения.).

Воспитатель: Вы проделали большую и сложную работу. А понравилось вам или нет, сейчас мы узнаем. Если вам было интересно, нарисуйте у моего человечка радостную улыбку, а если нет, грустную. (Дети выполняют задание).

Воспитатель: Теперь вы знаете, чтобы научиться рисовать картины, нужно видеть все красивое, что нас окружает, и радоваться этому.

Приложение 1

Картотека дидактических игр к занятию по художественному творчеству «Кто такой художник?»

Дидактическая игра «Художник и его помощники»

Задача: закрепить знания детей о профессии художник и его рабочих инструментах.

Игровое правило: Дети выбирают из набора разнородных предметов только предметы изобразительного творчества, необходимые художнику для создания картины.

Игровые действия: Дети поочередно называют предмет изобразительного творчества, педагог его выбирает из общего зрительного ряда и кладет в «корзину» художника.

Игровой материал: «корзина» художника, зрительный ряд: бумага для рисования, гуашь, пастель, краски, кисти, карандаш простой, карандаши цветные, палитра, тряпочка, кукла, машинка, пластилин и др.

Ход игры: Воспитатель раскладывает перед детьми разнородные предметы. Детям предлагается выбрать только те предметы, которые являются орудиями труда художника. Дети по очереди называют предмет изобразительного творчества и его назначение, педагог убирает его в «корзину» художника.

Дидактическая игра: «Составь картину»

Задача: упражнять детей в составлении композиции с многоплановым содержанием, выделении главного размером, объединении предметов общей темой.

Игровое правило: Дети выбирают из зрительного ряда картинки и составляют картину.

Игровые действия: Дети называют предметы, объединенные общей темой, указывают их композиционное расположение. Педагог размещает предметы на полотне (фланелеграфе).

Игровой материал: фланелеграф, предметные картинки.

Ход игры: Дети называют главный предмет, педагог размещает его в центре полотна (фланелеграфа). Дети объясняют, почему этот предмет выступает в роли главного, указывают на его большой размер. Затем дети выбирают и называют остальные предметы, которые можно объединить общей темой, и указывают их композиционное положение, закрепляют ориентационно-пространственные понятия (слева, справа, вверху, внизу, посередине и др.). Педагог «составляет картину» на фланелеграфе.

Игра-экспериментирование «Смешивание красок»

Задача: Продолжать закреплять и обогащать представление детей о цветах и оттенках, окружающих предметов и объектов природы.

Игровое правило: В баночках с водой смешиваются краски разных цветов для получения их оттенков.

Игровые действия: Дети называют краски для смешивания, педагог смешивает их в баночках с водой.

Игровой материал: краска разных цветов, баночки с водой, палочка для размешивания краски в воде.

Ход игры: Детям предлагается получить разные оттенки цветов. Дети называют по две краски, которые нужно смешать, чтобы получить новый цвет или оттенок. Педагог смешивает краски, показывает детям результат. Дети называют получившийся цвет или оттенок. Можно использовать другой вариант игры, когда педагог спрашивает какие цвета нужно смешать, чтобы получить тот или иной цвет или оттенок.

Автор: Коротина Ирина Павловна
Должность: воспитатель
Место работы: МБДОУ «Детский сад №50»
Месторасположение: г. Ачинск, Красноярский край.

Чем манит любителей искусства музей Марка Шагала в Витебске — Российская газета

Каждый раз, когда над сумеречным витебским небом загораются осенние звезды, старожилы уникального белорусского города советуют внимательней всматриваться в фантазийные силуэты, которые напоминают им сюжеты бессмертных картин своего земляка — Марка Шагала. Или, не теряя времени, предлагают заглянуть в музей прославленного авангардиста, который отмечает в эти дни свое тридцатилетие. Он включает в себя мемориальный дом-музей и арт-центр. В фондах этого уникального достояния мирового искусства сегодня насчитывается более восьми тысяч экспонатов.

Кстати, и сам художник, утверждают искусствоведы, жил в мире образов, которые не укладывались в привычные масштабы явлений. И даже если вам не приходилось любоваться витражами в церквях Цюриха и Майнца, рассматривать роспись плафона в парижском «Гранд-опера», руку витебского художника ни с чем не спутать.

Во-первых, поясняют знатоки его творчества, произведения Шагала обладают особой музыкальной экспрессией, поражают виртуозным владением светом. В этом легко убедиться, например, пройдя по анфиладе арт-музея художника, который расположен неподалеку от памятника маэстро. Глядя на него всегда восхищаешься точно переданной в скульптуре сущностью его творчества: музыкант в живописи, играющий на струнах души.

В Доме-музее Марка Шагала. Фото: Руслан Кривобок / РИА Новости

Правда, бытует легенда, что родители Марка мечтали увидеть наследника приказчиком в конторской лавке, но он выбрал для себя иную судьбу, став художником с мировым именем, когда ему не исполнилось и тридцати лет. И как ранее уже сообщал «СОЮЗ», в музейных запасниках бережливого провинциального города удалось собрать около трехсот оригинальных графических работ, включая офорты и акватинты белорусского самородка.

Среди них есть и иллюстрации к поэме Гоголя «Мертвые души», серии цветных литографий на тему «Библия» и цикла «Двенадцать колен Израиля». Гордостью музея считаются и более ста произведений графики европейских мастеров. Без сомнения, весомый вклад в собрание музейной коллекции внесли внучки Шагала Белла Мейер и Мейрет Мейер. Половина нынешнего собрания музея — это их дар, пояснили хранители музея.

Фото: Иван Руднев/РИА Новости

Возможность увидеть большую часть современной экспозиции, уточнили они, ценители искусства получили и благодаря немецкому коллекционеру Генриху Манделю, который свой первый дар сделал еще в 1993 году. Истинный альтруист передал в дар более 1500 книг, около 400 журналов, посвященных творчеству Шагала или проиллюстрированных им, более ста оригинальных графических работ. Кроме того, он пополнил фонды музея оригиналами графических работ Хуана Миро, Пауля Клее, Фернана Леже и других европейских художников.

Вот уже три десятка лет пополнение фондов музея работами Шагала и художников-авангардистов минувшего столетия стало ежегодной традицией. Обрести солидный авторитет музею помогли и жители немецкого города-побратима Витебска — Нинбурга. Они создали общественное объединение и собирали средства, на которые покупали работы Шагала, книги, и все это передавали в дар Витебску. Благодаря их спонсорской помощи быстро завершилась и реставрация дома-музея.

Марк Шагал. «Над Витебском». !914 год. Фото: EPA / ANATOLY MALTSEV

Экспозиция дома-музея, констатируют искусствоведы, собиралась из подлинных антикварных экспонатов той эпохи, делились своей кропотливой работой организаторы проекта. Им очень важно было попасть в социальный уровень жизни семьи, и его создатели приобретали у антикваров вещи, которые могли быть в доме Шагала. А некоторые предметы — муляжи, за основу изготовления которых взяты рисунки художника, сделанные в этом доме.

Нет никаких сомнений в том, что в памяти белорусского народа навсегда останется и поэтическое послание живописца к родным Пенатам, опубликованное 15 февраля 1944 года в Нью-Йорке, куда он перебрался из Франции, спасаясь от фашизма. Есть в его обращении к героическому городу и такие строки: «Я счастлив и горжусь тобой, твоим героизмом, что ты явил и являешь страшнейшему врагу мира, я горжусь твоими людьми, их творчеством и великим смыслом жизни, которую ты построил».

Фото: Андрей Александров / РИА Новости

Хотите знать больше о Союзном государстве? Подписывайтесь на наши новости в социальных сетях.

11 классных принадлежностей для рисования, о которых вы никогда не слышали, но должны попробовать

Фото: Stock Photos from Halfpoint / Shutterstock
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Если вы творческий человек, нет ничего лучше, чем пробовать новые художественные принадлежности. Всегда приятно получить свежий тюбик акриловой краски или набор карандашей для рисования, но знаете ли вы, что есть инструменты и материалы, которые не видны? Они новаторские и обязательно помогут в вашем искусстве и дизайне, но, как правило, у них есть культ.

Мы выбрали одни из лучших художественных принадлежностей, о которых вы никогда не слышали. Часто в них есть что-то необычное, и инструменты могут помочь решить проблемы, с которыми вы сталкиваетесь в своей практике. Например, вы любите акварельные краски, но хотели бы ими рисовать? Вы можете сделать это акварельными мелками. Ваша рука устает от кропотливого вырезания из бумаги? Нож с указательным пальцем может помочь. А если вы заметили, что вам нужно уменьшить (или увеличить) масштаб своего рисования, есть аналоговый инструмент, который поможет вам в этом — математика не требуется.

Ознакомьтесь с нашей подборкой ниже.

Хотите попробовать новые инструменты? Вот 11 классных принадлежностей для рисования, о существовании которых вы даже не подозревали.

Набор акварельных блесток

Пауль Рубенс | 49,99 долл. США

Эти блестящие акварели Пауля Рубенса предварительно смешаны с переливающейся средой, что создает особый эффект мерцания. Используйте этот портативный 24-цветный набор, чтобы добавить немного блеска в свои проекты рисования.

Пустой комикс

B Берн | 5 долларов.99

Вы всегда хотели попробовать нарисовать комикс, но не знали, с чего начать? Что ж, этот пустой комикс сделал за вас тяжелую работу. Внутри журнала 120 страниц семипанельных шаблонов макетов. Выберите один, чтобы, наконец, начать набрасывать свою историю!

Акварельные мелки

Caran d’Ache | 21,64 $ за набор из 15 шт.

Акварельные мелки — это красочный пигмент, сжатый в карандаш для рисования, который дает вам лучшее из обоих миров.Чтобы использовать их, нарисуйте на бумаге, как цветным карандашом или пастелью. Затем с помощью кисти добавьте воды, чтобы активировать краску и растушевать цвет.

Краски Pebeo

Pebeo | 28,34 $ за набор из 12 шт.

Краски

Pebeo не похожи ни на один пигмент, который вы использовали ранее. Их уникальные формулы на масляной основе меняют цвет и текстуру прямо на ваших глазах! Набор Discovery включает в себя множество их красок, но Fantasy Prisme и Moon — два из наших фаворитов. При заливке и сочетании с двумя или более цветами эффекты соты и мраморность.Благодаря этому они отлично подходят для декоративной или абстрактной живописи.

Пуансоны для бумаги

Fiskars | 6,49 долл. США +

Если вы энтузиаст скрапбукинга или создаете коллаж, удары руками помогут быстро получить однородную форму бумаги. Эти инструменты варьируются от простых до сложных форм и могут использоваться так же, как и обычный дырокол.

Uni-posca Маркер для рисования

Uni-Posca | 25 долларов. 17 для набора из 8

Как акварельные мелки, маркеры Uni-posca позволяют создавать эффекты, похожие на краску, без беспорядка. Непрозрачные маркеры могут работать на различных поверхностях (например, на стекле, пластике, металле и дереве) и не растекаются по странице, когда вы рисуете на бумаге.

Мастихин для спецэффектов

Wonderfulwu | $ 19,99

Если вы любите рисовать мастихином или использовать его для вырезания из глины, вот небольшая хитрость.Этот набор из девяти специальных эффектов палитры ножей бывает разной формы, что позволяет вам манипулировать своим носителем для создания узоров и захватывающих текстур.

Ручки для водяных кистей

Принадлежности MozArt | 8,99 долл. США

Заполните этот набор кистей водой, чтобы использовать его в акварельной живописи. Каждая посуда имеет различную форму и размер нейлонового наконечника, что дает вам массу возможностей для творчества. Некоторые из них отлично подходят для надписей от руки, в то время как другие сделают раскрашивание больших участков цветом простым.

Дозатор Acurit

Джерри Артарама | 49,69 долл. США

Вы когда-нибудь работали над чертежом, и вам нужно было увеличить его или уменьшить? Это сложнее, чем может показаться. Acruit Proportioner — это аналоговый инструмент, который позволяет вам измерить исходный рисунок, а затем перенести его в правильной пропорции на новый рисунок — никаких математических вычислений!

Указательный нож

лезвия Excel | 5 долларов.33

Традиционные ножи X-Acto плохо держатся в руке; если держать их слишком долго, это может утомить всю руку. Этот обновленный дизайн имеет овальное отверстие в ручке, которое «обнимает» ваш указательный палец во время использования. Это удобно, но также дает вам контроль при нарезке бумажного коллажа.

Кисть для стола Hedgehog

РЕДЕКЕР | 18,99 долл. США

После успешного занятия декоративно-прикладным искусством вам понадобится напарник по уборке, который поможет привести в порядок ваш стол.Кисточка для стола Hedgehog от REDECKER аккуратно удалит с вашего рабочего места стружку от ластика, пыль и другой мусор.

Статьи по теме:

Карл Лагерфельд создал элегантный сундук с художественными принадлежностями, чтобы отпраздновать любовь к рисованию

8 лучших наборов художественных маркеров для любителей раскраски и профессиональных креативщиков

13 лучших наборов акварельных красок, которые понравятся как начинающим, так и профессиональным художникам

Семь художественных принадлежностей, которые должен иметь каждый художник

Художественные принадлежности, в которые художник хочет возвращаться снова и снова — эти предметы Святого Грааля — являются очень личным выбором.Можно даже сказать, что это даже не выбор, это что-то, что происходит органично, когда вы экспериментируете и тестируете разные принадлежности: некоторые вы сразу влюбляетесь, а некоторые используете один раз, а затем они зарываются в этом едином мешанине. выдвижной ящик. Есть необходимые принадлежности, которые должны быть у всех художников.

Фото от искусного блоггера Антонеллы Авогадро

По мере того, как вы исследуете свое мастерство и открываете свои любимые среды, вы начнете пополнять коллекцию фаворитов, которые позволят вам создать множество картин и будут сопровождать вас в вашем путешествии.

Типы принадлежностей для искусства, которые вам понадобятся, зависят, прежде всего, от того, что вам нравится или которым вы хотите заниматься. Специфика будет отличаться от того, рисуете ли вы акриловыми красками, маслами, гуашью, акварелью и т. Д., Но в целом типы материалов, которые вам понадобятся, довольно схожи.

Вот общий обзор основных материалов, которые вам понадобятся.

1. Карандаши графитовые:

Независимо от того, какой носитель вы выберете, вам, скорее всего, потребуется нарисовать объект, прежде чем вы начнете рисовать.Поэтому для любого художника очень важно иметь хороший и надежный набор карандашей.

Вам не понадобится большое количество графитовых карандашей. 3 или 4 основных карандаша будет более чем достаточно. У вас должен быть 2B для общих набросков и штриховок, 6B для темных теней и 4H для светлых областей.

2. Ластик:

Также очень полезно иметь и белый ластик, и ластик с замешиванием. Мне нравятся резиновые ластики, потому что они просты в использовании и не оставляют следов.Еще одним преимуществом резиновых ластиков является то, что вы можете придавать им разные формы, чтобы стереть небольшие участки затенения, чтобы создать свет на ваших рисунках.

3. Чертежная бумага:

Вам также понадобится поверхность для рисования предварительных набросков. Мне нравятся самые недорогие альбомы для рисования, например этот от Artist’s Loft, в который входит 70 листов бумаги.

4. Окрашиваемая поверхность:

После того, как вы нарисуете свои идеи и наброски композиции для своей картины, вам нужно будет нарисовать последний кусок на поверхности, которую вы будете рисовать. Здесь вы найдете несколько разных дорог в зависимости от вашего выбора.

Если вы предпочитаете акварель, наиболее удобный выбор для акварельной бумаги — это предварительно растянутый блокнот. Как видно из названия, эти листы бумаги уже были растянуты, что избавляет вас от необходимости делать это самостоятельно и позволяет сразу же приступить к рисованию.

Для акрила у вас есть два основных варианта. Рисовать можно на холсте или акриловой бумаге.Мне нравится использовать акриловые бумажные подушечки, потому что они не занимают столько места, как холст, и нет такого давления, чтобы создать то, что я действительно хотел бы сохранить. Я чувствую себя намного свободнее экспериментировать и совершать ошибки. Тем не менее, этот выбор вращается вокруг личных предпочтений.

5. Поддон:

Любая недорогая палитра пластиковых красок подходит как для акварели, так и для акрила. Вы можете приобрести их в любом художественном магазине или даже в таких местах, как Walmart, от простых центов до пары долларов в зависимости от их размера. Их очень легко использовать и мыть.

6. Кисти:

Есть как минимум три основные кисти, которые вам понадобятся, когда вы начнете рисовать акриловыми красками:

Фундук для общей раскраски и сглаживания деталей (размер 6 отлично подходит для средних картин)
Плоская кисть (1 дюйм) для рисования фона
Маленькая кисть для подводки мелких деталей

Три самые полезные кисти для акварели:

Плоская щетка среднего или большого размера (3/4), в основном для стирки
Кисть круглая (размер 8, 10 или 14) для общей живописи
Кисть для подводки (размер 6) для мелких деталей.

7. Краска:

И последнее, но не менее важное: у нас есть краска. Вы можете начать рисовать отличные и очень интересные картины с очень ограниченной палитрой. Никогда не думайте, что вы не сможете заниматься искусством, если у вас нет огромной палитры, наполненной чрезмерным количеством цветов. На самом деле, гораздо проще, особенно новичкам, начать с небольшой палитры. В противном случае это может стать очень ошеломляющим и быстро. Это относится ко всем средам.

Итак, предпочитаете ли вы акрил, масло или акварель, основные цвета, которые позволят вам рисовать практически все, следующие:

В общем, вам понадобится как минимум один синий, один красный, один коричневый и один желтый.Для каждого оттенка можно выбрать не менее трех или четырех хороших красок. Например, ваша основная палитра может состоять из:

Фтало-синий
Фтхло-зеленый
New Gamboge (желтый)
Красный кадмий
Ализарин малиновый
Умбра жженая

Из этих цветов вы сможете смешивать большое количество новых.

Итак, вот оно. С этими основами вы более чем готовы начать создавать вдохновляющие картины и удивительно беспорядочные эксперименты!

А теперь дайте нам знать: какие художественные принадлежности вам больше всего нравятся?

Какие ваши любимые художественные принадлежности?

Какой ваш любимый предмет искусства? Это вопрос, который я недавно задал нескольким друзьям-художникам, и их ответы столь же эклектичны и поучительны, как любой мог догадаться. Я спросил, потому что думаю, что интересно услышать, какие предметы искусства больше всего ценят другие; следующий обзор, скорее всего, вдохновит вас попробовать что-то новое в своем творчестве. Ответы пришли от иллюстраторов, художников-масляных художников и художников смешанной техники, чьи работы можно охарактеризовать как все, от абстрактных до реалистических. Для меня большая честь и удовольствие поделиться ими с вами сегодня.

Наряду с их любимыми художественными принадлежностями, я также попросил некоторых ответить описанием их работ, чтобы вы могли установить связь между материалами и стилем и отождествить себя с чем-то, что вы хотели бы подражать себе, и потому что это просто интересно.🙂

Готово, ставим, раскрашиваем! Любимые принадлежности для творчества Анни Страк — ее акварельные дорожные наборы.

Annie Strack: Мои любимые принадлежности для рисования — это наборов для путешествий с акварелью. У меня есть несколько таких складных палитр, в которых хранятся емкости с акварельными красками, и я засовываю в них несколько кистей и другие необходимые для рисования предметы. Их удобно брать и рисовать где угодно и когда угодно. Маленький я храню в сумочке, поэтому я всегда готов к возможности рисовать, а большой набор я храню в машине для рисования на пленэре.Я никогда не выхожу из дома без него!
Об творчестве Энни: Я в основном художник-акварелист, специализирующийся на морских предметах. (AnnieStrackArt.com)

Сара, Лежащая (уголь и бумага для рисования, 18 × 24), Кэтрин Ракл Кэтрин любит свои карандаши Progresso, которые можно увидеть здесь в эскизе рисунка
.

Кэтрин Ракл: В последнее время я работаю с карандашами Progresso и мне они очень нравятся. В этом семестре я беру продвинутый класс рисования, что здорово, потому что у меня уже есть принадлежности для рисования (обычно я трачу целое состояние на принадлежности для своих студийных классов.) Это означало, что я мог потратиться на несколько приятных вещей. Мой профессор предложил карандаши Progresso, цветные карандаши без древесины. Я их просто обожаю. Они оооочень хорошо ощущаются в моей руке, плавно скользят по бумаге, они действительно растекаются, а пигментация красивая и насыщенная, но не слишком сильная. Работа с качественными инструментами, которые мне нравятся, действительно влияет на готовую работу, поэтому я не возражаю, что они будут лишними на несколько центов.
Об искусстве Кэтрин: Негативных образов в современном обществе становится все больше, они истощают наш разум, тело и дух.В современном обществе слишком часто смешивать честность и реальность с грубостью и жестокостью. Своими работами я стремлюсь продемонстрировать, что мир по своей сути прекрасен. Моя работа отражает чувство удивления, страсть к экспериментам с множеством медиа и любовь к миру природы. Мне нравится превращать обычные предметы в необычные, вещи, которые, кажется, возникли во сне. Мой процесс органичен, движим эстетикой, создание красоты ради красоты до тех пор, пока в конечном итоге не откроется более глубокий и богатый смысл.
Самая распространенная тема в моих работах — женщины, которые изображаются как могущественные, выходящие за рамки восприятия реальности. Они принимают форму фей, нимф, мистиков и королев. Я также часто изображаю мир природы, но не таким, какой он есть, а таким образом, который выражает присущие ему неземные, фантастические и священные качества, приглашая зрителя воссоединиться с божественным, присущим им самим.

Хотя мольберт Санта-Фе — любимый инструмент Мишель для создания произведений искусства, она говорит нам, что ее большая палитра занимает второе место: «Он дает мне возможность смешивать мои« смешанные »цвета.

Мишель Ричсон: Мои краски и кисти важны для моей работы, но они меняются в зависимости от размера моего холста или цветов, необходимых для наилучшего выражения того, над чем я работаю. Мой мольберт Santa Fe, , однако, смог вместить самую маленькую картину размером 5 x 5 дюймов с самой большой картиной размером 93 x 76 дюймов, которую я на него нанес.
В колледже у меня был недорогой трехногий мольберт, который я мог свернуть и проскользнуть под кровать. Мне всегда казалось, что я борюсь с движением, которое происходит с каждым мазком кисти, и было больно пытаться отрегулировать лоток холста с холстом на месте. Затем был более прочный мольберт с четырьмя ножками на полу, но все еще было трудно отрегулировать держатели холста с картиной на месте, и мольберт было трудно перемещать по студии. Это также ограничивало размер моей работы. Когда я принял решение рисовать постоянно, я знал, что мне нужен мольберт, который не ограничивал бы мои картины. Santa Fe был хорошим выбором, так как он позволил мне работать в больших объемах, не поднимая брезентовый лоток. Ролики облегчают перемещение, а лоток для рисования дает мне дополнительное место для хранения красок и поверхность для размещения палитры и кистей.Помимо легкого мольберта, который я использую для пленэрной живописи, Санта-Фе — единственный мольберт, которым я пользовался за 15 лет.
Об искусстве Мишель: Мое искусство — это визуальное выражение аспектов моей жизни, будь то мое окружение, места, в которых я путешествовал, или люди, которых я встретил. Я выбираю изображение, потому что композиция, освещение или игра текстур вдохновляют меня, но я также нахожу себя в поиске предметов, которые бросят мне вызов и позволят мне поиграть со своим стилем дробления и удлинения линий, чтобы создать ощущение движения.
Как только линейный набросок нанесен на холст, я попадаю в мир постоянно меняющихся цветовых сочетаний. Поскольку масляные краски сохнут медленно, у меня есть время, необходимое для изучения того, как цвет может визуально создать ощущение иллюзии, к которому я стремлюсь. На создание картины размером 24 x 36 дюймов может уйти до четырех месяцев из-за процесса проявления кристаллического эффекта путем нанесения цвета. Мои картины очаровывают меня, пока я пишу их, и я хочу, чтобы зритель испытал такое же чувство трепета и удивления, когда обнаружит, что то, что выглядит фотореалистичным на расстоянии, по мере приближения колеблется в сторону абстрактного.

Шерил говорит, что, хотя ее цветные карандаши здесь выглядят организованными, они обычно не остаются такими надолго. «Сначала я разложила карандаши, скопировала их на место, ламинировала фотокопию и вставила ее за карандаши в футляр», — говорит она. «Тогда легко увидеть, куда идет карандаш, и понять, что мне нужно сделать, чтобы я продолжал».

Cheryl Tipton Metzger: Цветные карандаши. Цветные карандаши Caran D’Ache и карандаши Prismacolors, на мой взгляд, самые лучшие. Обычно я использую цветной карандаш на наждачной бумаге UArt, а карандаши Caran D’Ache Luminance хорошо покрывают, имеют отличные цвета и служат долго.В них есть сила, которую я люблю. Они редко когда-либо ломаются, и я использую их до упора! Однако самое лучшее качество — это их светостойкость. Моя работа обычно представляет собой медленный процесс с использованием многих слоев карандаша. Кто хочет потратить 40 часов на изделие, которое просто выцветает или меняет цвет? Не я! Prismacolors тоже хороши, но я выбрал те, которые имеют низкий рейтинг светостойкости. Они гладкие и кремовые.
Об искусстве Шерил: Мой любимый предмет — что-нибудь американское.Мир постоянно меняется, и я хочу запечатлеть обычные, обычные предметы, которые настолько особенные, в том числе людей. Мои любимые предметы — старые стулья, масляные лампы, корзины ручной работы, петухи, старые табачные сараи, старые дома и семья. Цветной карандаш — мой любимый материал, потому что я помешан на контроле, и с карандашами мне намного легче разрисовывать детали. Однако это медленная среда. Я часто использую наждачную бумагу UArt, потому что она ускоряет мой процесс. (cherylmetzger.com)

Тоня Дженни недавно обнаружила, что фломастером можно рисовать даже на камнях.

Тоня Дженни: Двумя новыми фаворитами являются ручки для акриловых красок и бумажная глина. Я переключаюсь между книжным и бумажным искусством, шитьем / вышивкой, очень немного рисую и в основном занимаюсь изготовлением ювелирных изделий. Тем не менее, я вновь обрел любовь к ручкам с акриловой краской и обнаружил, что их можно использовать практически на всем, включая камни. Я также много занималась бисероплетением в течение последнего года, и я очарована точностью бисера Delica. Я очень внимателен к деталям, и я думаю, что люблю ручки для рисования и бисер именно по этой причине: я могу быть очень точным и добавлять мельчайшие детали, используя эти материалы.
Об искусстве Тони: Мне нравится творить со священным намерением, и я склонен привносить много символизма в то, что делаю; Люблю язык символов. Я также люблю оставлять свой личный след в максимально многих аспектах процесса. Если я хочу использовать трафарет, я предпочитаю вырезать его вручную. Если я хочу создать коллаж из изображения, я предпочитаю его нарисовать сам. (SacredMaker.com)

Самолеты, поезда и автомобили (пастель на UArt 800, 18 × 24) Кэти Хильдебрандт

Кэти Хильдебрандт: Мягкая пастель Терри Людвига — одна из моих любимых марок пастелей из-за их плотности, высокой пигментной массы и прямоугольной формы.Я полагаюсь на края этих пастелей, чтобы попасть в узкие места и детали. Пастельные карандаши CarbOthello отлично подходят для всех деталей, которые я рисую. Этот бренд относится к самым мягким карандашам, имеет хорошую цветовую гамму и, что очень важно, хорошо затачивается. Они также отлично подходят для легкого нанесения цвета или оттенка нежной пастели при одновременном смешивании. Пастельная бумага UArt, особенно зернистость 800, — моя любимая бумага. Он содержит множество слоев пастели и позволяет мне добиваться мелких деталей.Он также отлично подходит для тех случаев, когда я хочу сделать мокрый подмалевок. Я знаю, что могу рассчитывать на то, что эти материалы будут работать стабильно. Я люблю экспериментировать с новой пастелью и бумагой, но когда мне нужно выполнить работу в срок, я знаю, что могу рассчитывать на них, чтобы получить желаемые результаты.
Об искусстве Кэти: Я рисую пастелью современный реализм. Большинство моих работ — это натюрморты со старыми игрушками, книгами, играми и т. Д. Многие из моих работ имеют игривый оттенок и включают игрушки из моего детства.(www.kathyhildebrandt.com)

Сквозь огонь (смешанная техника на бумаге, 4 × 6) Лиза Л. Cyr

Лиза Л. Cyr: Акриловая матовая среда — мой самый любимый художественный материал. Это средство для многозадачности, которое играет важную роль в моем арсенале художественных принадлежностей. Он не только действует как герметик между слоями акрила, но также служит клеем во многих техниках коллажа и текстурирования, которые я использую в своей работе.
Об искусстве Лизы: Мои творческие, вдохновленные фантазией, смешанные медиа-работы представляют собой поэтический, ритмический синтез рисунка, живописи, коллажа и ассамбляжа, созданных для коллективного создания новой реальности с более выразительной символической аранжировкой.(www.cyrstudio.com)

Кристи Конлин: пигментные (масляные) карандаши R&F . Сейчас я работаю в двух стилях энкаустики — абстрактной (в основном, вдохновленной небесами — луна, планеты, галактики и т. Д.) И энкаустическом коллаже, в котором воск отходит на второй план по сравнению с элементами коллажа. Я работаю над сериалом и звоню по телефону Herstory . Каждое изделие украшено уникальной и оригинальной винтажной фотографией сильной женщины, а также множеством других старинных или винтажных элементов коллажа.
Об искусстве Кристи: Мне нравится много надрезать в своей работе, и работать с пигментными палочками просто весело — я нацарапываю надрезанные линии, чтобы заполнить их, а затем вытираю излишки пигмента. Я также начал использовать их для создания своих собственных цветов, смешивая маленькие кусочки пигментного карандаша с расплавленной энкаустической средой. Таким образом можно получить индивидуальные цвета, но это также экономит деньги, потому что я могу смешать белую энкаустическую краску гораздо дешевле, чем я могу ее купить. Наконец, я добавляю кусочки пигментного карандаша к расплавленной энкаустической краске, чтобы придать ей мерцание, и немного металлического блеска — мой любимый вариант — серебро.

Палитра и краски Кэролайн Оуэн Соммер, когда она перезагружается для поездки.

Carolyn Owen Sommer: Мне нравится палитра ShyArt winged , потому что она соответствует моему образу жизни. Он сделан из прочного пластика промышленного качества, и даже петли сделаны из пластика, поэтому на нем нет ржавчины, и его легко пронести через службу безопасности в аэропорту. Его складки открываются с глубокими углублениями для больших моющих средств и плоскими кастрюлями для смешивания небольших капель. Колодцы действительно вместительные и вмещают целую трубу. Он легкий, портативный и простой в уходе.Я получил свои в подарок, но я знаю, что они доступны по цене.
Об искусстве Кэролайн: Мои любимые медиа — акварель и коллаж. Иногда я балуюсь сборкой. Куда бы я ни посмотрел, я вижу искусство, поэтому самое сложное — это начать, а затем оставаться на задаче. У меня часто бывает сразу несколько работ.

Плюс!

Стив Барр: Когда я рисую карикатуры, мои любимые принадлежности для рисования — ручка и чернила , а также высококачественная бристольская доска для отделки.(Ознакомьтесь с проектом Стива, «Приглашены в помощь»)

Джуди Хурвитт: A brayer для покраски

Эрна ван Дайк: Акварель ShinHan, (www.ernavandyk.com)

Камилла Вагнер: Масляная пастель!

Дорин Реннер: Мне нравятся мои акварельные мелки Caran D’Ache . Их можно использовать как акцентные знаки на акварельных или акриловых картинах.

Кристин Айверс: пылеуловители из ПВХ, доска Black Gator и грунтовка ArtSpectrum Multimedia Primer. Моя работа — это своего рода «стилизованный реализм», потому что мне нравится работать с черными досками с грубой текстурой, которые я делаю с помощью Primer и Gator Board.(www.christineivers.com)

Джейми Маркл: Мастихин, костяная папка и акриловые чернила!

Жан Педерсон: Жидкий акрил! Мне нравится сочетание акварели и жидкого акрила. Простота глазурования и наслоения обеспечивает разнообразие вязкости тяжелой акриловой краски.

Кристин Адольф: ФОЛЬГА !

Питер Смолен: стилус Wacom

Надеюсь, вы так же вдохновились, как и я, узнав о стольких различных художественных материалах и даже стилях.Что касается моих любимых материалов, я полагаюсь на арсенал акрила, акварели, графита и чернил (не говоря уже о пряжи и нитках). Но если есть что-то, что входит в мое самое обычное искусство, то это ручка с тонким наконечником (сейчас я больше всего люблю Micron) для надписей и крошечных нарисованных деталей. Я использую его почти на каждой странице художественного журнала, использовал его на холсте (спасибо, Сандрин Пелисье!), А также на книгах и открытках ручной работы.

Сейчас отличное время, чтобы проверить художественные принадлежности, которые продаются в течение ограниченного времени в магазине North Light Shop.Расскажите нам о своем, комментируя это сообщение в блоге ниже!

Ваш в искусстве,
Cherie

10 предметов первой необходимости для начинающего художника

Я призываю вас сделать все возможное, чтобы поддержать своего начинающего художника. Один из способов сделать это — предоставить им эти десять основных принадлежностей для искусства.

Если у вас есть старший ребенок или подросток, который увлечен искусством, я призываю вас сделать все возможное, чтобы развивать и развивать эту страсть .Один из способов, которым вы можете поддержать своего начинающего художника , — предоставить ему или ей качества художественные принадлежности. Пора выйти за рамки «самых дешевых» сортов и начать снабжать их материалами более высокого качества.

Качество расходных материалов полностью влияет на качество готовой детали.

Но не отчаивайтесь! Существует множество отличных продуктов «студенческого уровня», которые стоят намного дешевле профессиональных, но их почти не хуже.😉

Как художник, я методом проб и ошибок узнал, какие расходные материалы лучше, а какие никогда больше не покупать. Итак, если вы готовы инвестировать в своего подающего надежды художника, я могу сэкономить ваше время и потраченные впустую деньги, предоставив вам список качественных принадлежностей для искусства по низким и средним ценам. (Щелкните здесь, чтобы увидеть мой Полный список товаров для творчества для вашего творческого подростка , но предупреждаю, он огромен!)

Честно говоря, я покупаю большую часть своих расходных материалов через Amazon, потому что они обычно намного дешевле, и я могу доставить большую часть своих товаров к моей двери ( бесплатно, ) в течение 2 дней через мое членство Prime .

Итак, без лишних слов, вот что я считаю…

10 предметов первой необходимости для искусства, которые должны быть у вашего начинающего художника
(1) Акриловые краски Liquitex Basics — Если ваш молодой художник использовал только акриловые краски для рукоделия, пора обновить его. Богатая кремовая текстура этих акриловых красок для школьников делает их рисованием с удовольствием. Кроме того, «Basics» выпускаются с использованием традиционных цветных пигментов художника и могут смешиваться с акриловыми красками Liquitex Profressional Grade Acrylics .
(2) Акварельные краски Winsor & Newton Cotman — Акварельные краски в стиле «пан» и «торт» могут быть довольно неприятными при попытке изучить этот сложный материал. Эти акварельные краски в тюбиках для школьников обеспечивают красивые, насыщенные оттенки, стойкость и долговечность! Обязательно возьмите с собой красивую переносную палитру , чтобы они могли взять свои краски на прогулку на природе.
(3) MyArtscape Paintbrush — Я купил МНОГО и МНОГО малярных кистей за эти годы (и сегодня купил новый набор — это болезнь)! 😉 Но это, без сомнения, моя любимая марка! Синтетическая щетина мягкая, но упругая, ах, какая роскошная! Их можно использовать как с акриловыми, так и с акварельными красками.
(4) Набор угольных карандашей General’s — это фантастический базовый набор угольных карандашей, в который входит мой любимый белый угольный карандаш , а также мой любимый разминаемый ластик ! (Мне кажется, я начинаю хлестать художественными принадлежностями. Извините.) Уголь абсолютно необходим, если ваш художник хочет выйти за рамки рисования обычными графитовыми карандашами. И не забудьте захватить этот набор пней (с замшей и шлифовальной машиной для пней) для правильной растушевки.
(5) Цветные карандаши Prismacolor Premier — это одни из самых качественных цветных карандашей, которые вы можете получить, с высококачественными пигментами, обеспечивающими более насыщенные цвета. Prismacolor также выпускает студенческий класс под названием Scholar , который вдвое дешевле этого набора с таким же количеством карандашей. Цветные карандаши Scholar тоже хорошего качества.
(6) Масляная пастель Pentel Arts — Эти пастели придают яркие оттенки и легко смешиваются с оливковым или детским маслом.Я не большой поклонник пыли и меловой пастели, поэтому эти масляные пастели идеально подходят. Кроме того, вы можете использовать их с акварельными красками для создания красивых масляных резистов.
(7) PITT Artist Pens или Micron Pens — Мне нравятся оба бренда за очертания, надписи и добавление глубины в произведение из смешанной техники. И не забудьте про гелевую ручку Uni-Ball Impact для яркого освещения!
(8) Растянутые холсты или Холсты — Ваш художник должен уметь создавать на холсте на регулярной основе Самая распространенная (и я думаю, лучшая) подложка для акриловой живописи, масляной живописи и смешанной техники искусство — холст.Вы можете получить холсты разных размеров от 2 ″ на 2 ″ до гигантских. Получите разнообразный выбор и позвольте вашему ребенку или подростку творить, пока его душа не захочет!
(9) Подушечки для акварели горячего прессования или Mixed Media Art Journal — Подушечки для акварели горячего прессования выглядят гладкими и гладкими, в то время как подушечки для холодного прессования более грубые и неровные. Я предпочитаю рисовать на более гладкой поверхности. Если вы хотите, чтобы ваш ребенок или подросток мог отправиться на прогулку на природу, то большой журнал по искусству в смешанной технике предназначен для разных сред: акварель, акрил, цветные карандаши, уголь и т. Д.
(10) Настольный мольберт — Очень важно, чтобы у вашего начинающего художника был какой-нибудь мольберт для средних и больших холстов. У меня есть несколько напольных мольбертов, но в большинстве случаев я просто использую настольный мольберт с Н-образной рамой. Он прочный, устойчивый и легко перемещается, поэтому я могу рисовать за кухонным столом, болтая с подростками, или в гостиной, когда смотрю фильм с мужем (но в основном он находится на моем студийном столе).
Конечно, есть много других замечательных принадлежностей для рисования, которые можно добавить в тайник вашего начинающего художника (нажмите здесь , чтобы просмотреть мой полный список принадлежностей для рисования), но, на мой взгляд, они являются «обязательными», если вы хотите дайте вашему ребенку или подростку всесторонний опыт работы с различными художественными средами.
Хотите БЕСПЛАТНЫЙ урок рисования, чтобы стимулировать творческие способности вашего ребенка или подростка
(или даже вас)? Просто нажмите на изображение ниже:
Хотите узнать, какие школьные принадлежности «обязательно должны иметь» другие мамы, обучающиеся на дому? Нажмите на изображение ниже:
Почему некоторые произведения искусства такие дорогие? Объяснил, что рынок произведений искусства оценивается в 63 миллиарда долларов.
На прошлой неделе скульптура Джеффа Кунса 1986 года была продана на Christie’s за 91,1 миллиона долларов, установив новый рекорд самой дорогой работы, проданной живым художником.Скульптура, большой серебристый кролик с отражением, была куплена галеристом Робертом Мнучином, бывшим партнером Goldman Sachs, основателем Mnuchin Gallery на Манхэттене и отцом министра финансов Стива Мнучина, от имени анонимного клиента.
Продажа Кунса, возможно, и стала новым рекордом, но ставки в десятки или сотни миллионов — не редкость в мире искусства. На аукционе Сотбис в Гонконге пара картин покойного китайского французского художника Цзао Ву-Ки была продана за 65,1 миллиона долларов и 11 долларов.5 миллионов в сентябре. В 2017 году на Christie’s за 450 миллионов долларов была продана давно утерянная картина Леонардо да Винчи «Salvator Mundi», которая позже стала предметом теории заговора, что сделало ее самым дорогим произведением искусства из когда-либо проданных. Согласно данным Art Basel и ежегодного отчета UBS о мировом рынке искусства, на мировом рынке искусства, который включает в себя галереи, художественные ярмарки и аукционные продажи, в 2018 году было продано 67,4 миллиарда долларов, что на 6 процентов больше, чем в предыдущем году.
Продажи, которые попадают в заголовки газет, как, например, продажа последней скульптуры Кунса, побившей все рекорды, становятся все более обычным явлением и в то же время аномалией в мире искусства.Эти продажи вызваны небольшой группой богатых коллекционеров, которые платят астрономические цены за работы еще меньшей группы художников, которые, в свою очередь, представлены небольшим количеством известных галерей. Между тем, работы большинства ныне живущих художников никогда не будут продаваться с шестизначными или семизначными цифрами, а галереи, которые их представляют, все чаще остаются позади.
Почему искусство такое дорогое?
Если коротко, то в большинстве случаев искусство — нет.
Несколько ныне живущих художников — Кунс, Дэмиен Херст, Яёи Кусама и многие другие — богаты и знамениты, но большинство из них нет и никогда не будут ими.Чтобы прорваться на рынок, художнику сначала нужно найти галерею, в которой он будет представлен, что сложнее, чем кажется. Анри Нойендорф, заместитель редактора Artnet News, сказал мне, что галеристы часто посещают выставки выпускников художественных школ, чтобы найти новые молодые таланты, которые они могут представлять. «Эти туфли — первая арена, первая точка входа для многих молодых художников», — сказал он.
MFA обходятся недешево — в 2014 году обучение в 10 самых влиятельных программах MFA стоило в среднем 38000 долларов в год, что означает, что студенту-искусствоведу придется потратить около 100000 долларов, чтобы получить степень, поэтому некоторые галеристы пытаются разнообразить свое представительство. глядя за пределы толпы художественной школы.Но мир искусства остается далеко не разнообразным, особенно в высших эшелонах. Исследование, проведенное в 2014 году коллективом художников BFAMFAPhD, показало, что 77,6 процента художников, которым удается зарабатывать на жизнь продажей своих работ, являются белыми, как и 80 процентов всех выпускников художественных школ.
Christie’s продал свое первое произведение компьютерного искусства «Портрет Эдмонда Белами» за 432 500 долларов. Художественный коллектив Obvious
Художники, которые выделяются на выпускных выставках или в другом месте, могут продолжить выставлять свои работы на групповых выставках с другими начинающими художниками.Если их работы будут хорошо продаваться, они смогут получить персональную выставку в галерее. Если из того шоу преуспевает, тогда их карьера действительно взлетает.
Работы начинающих художников обычно оцениваются в зависимости от размера и среднего размера, сказал Нойендорф. Картина большего размера обычно будет стоить от 10 000 до 15 000 долларов; работы на холсте стоят дороже, чем работы на бумаге, цена на которые выше, чем на принты. Если художник представлен известной галереей, такой как David Zwirner или Hauser & Wirth, престиж дилера может дать работам приличный скачок цены, даже если художник относительно неизвестен.Независимо от престижа художника или галереи, дилеры обычно получают 50% от продаж художников.
Но закрытие небольших галерей затрудняет жизнь начинающим художникам, не говоря уже о дилерах, которые их представляют. Согласно прошлогоднему отчету UBS и Art Basel, в 2017 году закрылось больше галерей, чем открылось. Между тем, крупные галереи открывают новые места для обслуживания все более глобального рынка, и ожидается, что дилеры со всего мира будут все чаще появляться на международных художественных ярмарках, таких как Armory Show и, да, Art Basel.
Олав Велтуис, профессор Амстердамского университета, изучающий социологию в искусстве, связывает закрытие небольших галерей с ростом числа арт-ярмарок. В колонке New York Times за 2018 год Велтуис написал, что эти ярмарки, на которых галереи часто берут плату от 50 000 до 100 000 долларов за выставочную площадь, делают невероятно трудным возвращение мелких галеристов домой с прибылью. Но поскольку ярмарки становятся предпочтительным способом для богатых коллекционеров покупать произведения искусства, у галерей нет другого выбора, кроме как участвовать.
Галереи меньшего размера, как правило, представляют начинающих художников, что ставит как дилеров, так и художников, которых они представляют, еще в одном невыгодном положении. «Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками», — сказал мне Велтуис в электронном письме. «Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ».
«Рынок искусства функционирует как большая консенсусная маркетинговая машина», — продолжил Велтуис. «Поэтому люди смотрят на сигналы качества.Эти сигналы могут быть, например, тем, что важный куратор говорит о художнике; если у [художника] есть выставки в музеях; если его работы покупают влиятельные коллекционеры. Поскольку все, по крайней мере до некоторой степени, смотрят на одни и те же сигналы, в какой-то момент они начинают соглашаться [в] о том, кто из художников является наиболее желанным ».
Другими словами, работы некоторых художников продаются за миллионы долларов, потому что в мире искусства существует консенсус, что эти работы должны продаваться за миллионы долларов.А поскольку искусство — это «рынок уникальных предметов», добавляет Велтуис, возникает ощущение дефицита, даже несмотря на то, что такие художники, как Джефф Кунс и Дэмиен Херст, выпускают работы в промышленных масштабах.
«Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками. Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ». —Олав Велтуис
Согласно отчету UBS и Art Basel, всего 0,2 процента художников имеют работы, которые продаются более чем на 10 миллионов долларов, но 32 процента из 63 с лишним миллиардов долларов продаж произведений искусства в 2017 году приходятся на произведения, проданные на сумму более 10 миллионов долларов.Анализ, проведенный Artnet в том году, показал, что только 25 процентов художников составили почти половину всех современных аукционных продаж за первые шесть месяцев 2017 года. Только трое из этих художников были женщинами.
«Это определенно хороший пример рынка, где победитель получает все, где доходы и прибыль распределяются крайне неравномерно», — сказал Велтуис. «[В принципе] это не проблема сама по себе. Однако галереям среднего сегмента рынка трудно выжить, и если многие из них закроют свои двери, это плохо для экологии мира искусства.Нам следует подумать о том, как позволить прибылям наверху стекать вниз к середине и низу ».
Кто покупает искусство? Супербогатый
Продажа «Salvator Mundi» в 2017 году возобновила дискуссии о роли денег в мире искусства — и даже породила теорию заговора # Resistance о темных деньгах и выборах в резиденцию 2016p. В интервью Financial Times в 2017 году Джорджина Адам, эксперт по арт-рынку и автор книги Темная сторона бума: эксцессы на арт-рынке в 21 веке, объяснила, как возможно, что одна картина может стоить больше денег. чем большинство людей видят в своей жизни.«В наши дни очень богатые люди имеют поразительное количество денег», — сказал Адам. Галерист, проинтервьюированный в своей книге, объяснил это следующим образом: если пара имеет собственный капитал в размере 10 миллиардов долларов и решает инвестировать 10 процентов этого капитала в искусство, это дает им 1 миллиард долларов, на которые они могут купить все картины и скульптуры, которые их душе угодно.
Сейчас коллекционеров больше, чем когда-либо прежде, и эти коллекционеры богаче, чем когда-либо. Согласно книге Адама, либерализация экономики некоторых стран, в том числе Китая, Индии и ряда стран Восточной Европы, привела к буму коллекционирования произведений искусства за пределами США и Западной Европы.Страны Персидского залива также являются горячей точкой для коллекционеров. В результате рынок превратился в то, что писательница Рэйчел Ветцлер описала как «глобальную индустрию, связанную с роскошью, модой и знаменитостями, привлекая расширенный круг сверхбогатых покупателей, которые агрессивно конкурируют за работы известных художников».
Искусство — это не просто предмет роскоши: это инвестиция или, по крайней мере, может быть. Если инвесторы вкладывают деньги с умом, то впоследствии приобретенные ими работы могут стоить намного дороже. Самый известный пример коллекционера / инвестора произведений искусства — Роберт Скалл, магнат такси из Нью-Йорка, который в 1973 году продал с аукциона предметы из своей обширной коллекции, большинство из которых было продано много раз, за то, за что Скалл их купил.Одна картина Роберта Раушенберга первоначально стоила Скаллу 900 долларов в 1958 году. Она была продана за 85 000 долларов.
Цена всего , документальный фильм о роли денег в мире искусства, выпущенный в 2018 году, посвящен драме об аукционе Скалла и ее последствиям. Историк искусства Барбара Роуз, чей отчет об аукционе для журнала New York был озаглавлен «Прибыль без чести», назвала этот аукцион «поворотным моментом» в мире искусства.
«Идея о том, что искусство выставляется на аукционе, как кусок мяса, была для меня необычной», — сказала Роуз в фильме.«Я помню, что там был Раушенберг, и он был очень возмущен, потому что художники ничего от этого не получили. … Внезапно из-за цен пришло осознание того, что можно зарабатывать деньги, покупая дешево и продавая дорого ».
Совсем недавно финансовый кризис 2008 года стал благом для богатых коллекционеров, которые сожрали работы, выставленные на аукцион их знакомыми, внезапно потерявшими деньги. Деловой руководитель-миллиардер Митчелл Рэйлз и его жена Эмили добавили в свою коллекцию «около 50 работ» в 2009 году, многие из которых они приобрели по абсурдно низким ценам, сообщило агентство Bloomberg в 2016 году.Коллекция семьи Рэйлс сейчас стоит более 1 миллиарда долларов.
«Люди, которые были активными [покупателями] в то время, очень счастливы сегодня», — сказала Bloomberg арт-консультант Сэнди Хеллер. «Эти возможности не представились бы без финансового кризиса».
Художники не обязательно получают выгоду от продажи их произведений искусства на аукционе — по крайней мере, в финансовом отношении. Джефф Кунс не получит денег от рекордной продажи одной из его скульптур на аукционе Christie’s, но предыдущий владелец работы получит, как и галерея.Как отметила искусствовед из New York Times Роберта Смит, цена молотка для скульптуры Кунса — окончательная сумма предложения — на самом деле составляла 80 миллионов долларов. Помимо этого, 11,1 миллиона долларов были вырезаны аукционным домом, поэтому скульптура была продана за 91,1 миллиона долларов.
Всего за шесть месяцев до продажи Кунса «Портрет художника (бассейн с двумя фигурами)» Дэвида Хокни был продан за 90,3 миллиона долларов, что на тот момент было самой высокой ценой, которую когда-либо платили за работу живого художника.Но, как и скульптура Кунса, цена за молоток за картину Хокни на самом деле составляла 80 миллионов долларов — по данным Times, разница в цене между двумя работами является результатом того, что Christie’s увеличил гонорары покупателям в феврале.
Высоко ценимое произведение искусства — это предмет роскоши, инвестиция и, в некоторых случаях, средство, благодаря которому сверхбогатые могут избежать уплаты налогов. До недавнего времени коллекционеры могли использовать лазейку в налоговом кодексе, известную как «подобный обмен», которая позволяла им откладывать налоги на прирост капитала с определенных продаж, если прибыль, полученная от этих продаж, была вложена в аналогичные инвестиции.
В случае продажи произведений искусства это означало, что коллекционер, который купил картину за определенную сумму, скажем, 1 миллион долларов, а затем продал ее за 5 миллионов долларов через несколько лет, не должен был платить налог на прирост капитала, если они перевели эти 4 миллиона долларов на покупку другого произведения искусства. (Республиканский законопроект о налогах устранил эту льготу для коллекционеров произведений искусства, хотя он продолжает приносить пользу застройщикам.)
Ассистент галереи рассматривает картину турецкой художницы Фахрелниссы Зейд под названием Towards a Sky , проданную за 992750 фунтов стерлингов на Sotheby’s Middle Eastern Art Week в Лондоне в апреле 2017 года. Агентство Анадолу / Getty Images
Коллекционеры также могут получать налоговые льготы, жертвуя экспонаты из своей коллекции музеям. (Вот где покупка по низкой цене и пожертвование по высокой действительно выгодно, поскольку благотворительный вычет будет учитывать текущую стоимость работы, а не сумму, которую коллекционер первоначально заплатил за нее.)
Дженнифер Блей Стокман, бывший президент Guggenheim и один из продюсеров The Price of Everything , рассказала мне, что галереи часто требуют от коллекционеров, которые покупают новые работы известных художников, чтобы в конечном итоге сделать их доступными для публики.
«Многие галереи сейчас настаивают на том, что они не будут продавать работу частному коллекционеру, если они либо купят вторую работу и не передадут ее музею, либо не пообещают, что работа в конечном итоге будет передана музею», — сказала она. Эти соглашения не имеют юридической силы, но коллекционеры, которые хотят сохранить хорошую репутацию в галереях, обычно держат свое слово.
Произведения художников не обязательно должны попадать в государственные музеи, чтобы их могла увидеть публика.За последнее десятилетие все большее число сверхбогатых коллекционеров произведений искусства открывают частные музеи, чтобы продемонстрировать приобретенные ими работы. В отличие от государственных музеев, которым мешают относительно ограниченные бюджеты на приобретение (например, бюджет Лувра на 2016 год составлял 7,3 миллиона евро), коллекционеры могут покупать практически любые работы для своих частных музеев при условии, что у них есть деньги. А поскольку эти музеи якобы открыты для публики, они имеют множество налоговых льгот.
«Богатые покупают искусство», — заявила художественный писатель Джули Баумгарднер в редакционной статье Artsy. «А супербогатые делают музеи».
Когда работы продаются за миллионы долларов, получают ли художники выгоду?
С материальной точки зрения художники получают выгоду от продаж только тогда, когда их работы продаются на первичном рынке, то есть коллекционер покупает работы в галерее или, что реже, у самого художника. Когда работа продается на аукционе, художник не получает никакой выгоды.
На протяжении десятилетий художники пытались исправить это, борясь за получение гонорара за произведения, проданные на вторичном рынке.Например, большинство писателей бессрочно получают гонорары от продажи книг. Но как только художник продает работу коллекционеру, коллекционер — и аукционный дом, если применимо — единственный, кто получает выгоду от продажи этой работы позже.
В 2011 году коалиция художников, в том числе Чак Клоуз и Лэдди Джон Дилл, подала коллективные иски против Sotheby’s, Christie’s и eBay. Ссылаясь на Закон Калифорнии о роялти за перепродажу, который дает право жителям Калифорнии, которые продают работы в любой точке страны, а также любому визуальному художнику, продающему свои работы в Калифорнии, получать 5 процентов от цены любой перепродажи своей работы, превышающей 1000 долларов, художники утверждали. что eBay и аукционные дома нарушили закон штата.Но в июле федеральный апелляционный суд встал на сторону продавцов, а не художников.
Стокман сказал мне, что даже если художники не получают прибыли от этих продаж, иногда они могут извлечь выгоду и другими способами. «Художники действительно выигрывают, когда их работы хорошо продаются на аукционах, потому что в этом случае повышаются первичные цены», — сказала она. «Однако, когда произведение продается на аукционе или на вторичном рынке, художник вообще не получает [финансовой] выгоды, и это, я знаю, очень пугает и расстраивает многих художников.”
Искусство для всех
Взятые вместе, эти факторы рисуют тревожную картину: доступ к искусству, похоже, все больше концентрируется среди сверхбогатых. По мере того как богатые становятся богаче, коллекционеры платят все более высокие цены за работы горстки ныне живущих художников, оставляя начинающих художников и галереи, которые их представляют. Тогда возникает вопрос, кто вообще может быть художником. Художественная школа стоит дорого, и получение MFA автоматически не приводит к финансовому успеху в такой конкурентной отрасли.
«Попай» Джеффа Кунса был куплен за 28 миллионов долларов миллиардером, магнатом казино Стивом Винном в 2014 году. Эммануэль Дананд / AFP / Getty Images
Есть некоторый отпор этой концентрации рынка на самом верху — или даже идее, что искусство недоступно для обычного человека. Эмили Каплан, вице-президент Christie’s по послевоенным и современным продажам, сказала мне, что дневные распродажи аукционного дома открыты для публики и часто включают работы, которые стоят намного дешевле, чем можно было бы подумать в заголовках.
«Christie’s может казаться устрашающим именем для многих, но большинство наших продаж продаются по гораздо более низким ценам, чем то, о чем сообщается в новостях», — сказал Каплан. «У нас много продаж, которые происходят в течение календарного года в разных местах, особенно в послевоенном и современном искусстве. … Работы можно продать за пару сотен долларов, за одну, две, три тысячи долларов. Это намного меньший диапазон, чем люди ожидают ».
Доступные художественные ярмарки, на которых обычно продают искусство за несколько тысяч долларов, — еще одна альтернатива для людей, которые хотят покупать произведения искусства, но не могут потратить миллионы на одну скульптуру.Ярмарка искусства Superfine, основанная в 2015 году, позиционирует себя как способ познакомить людей с искусством. Соучредители Джеймс Мийлле и Алекс Митоу говорят, что ярмарка — это реакция на завышенные цены, которые они наблюдали на элитном сегменте «изолированного» арт-рынка.
«Мы увидели разрыв на арт-рынке между художниками и галереями с потрясающими работами, которым нужно продавать их, чтобы выжить, и людьми, которые любят искусство и могут себе это позволить, но не чувствовали себя частью игры», — сказал мне Митов. в электронном письме. «Большинство сделок на рынке искусства на самом деле происходит на уровне менее 5000 долларов, и это то, что мы рекламируем: движение настоящего искусства настоящими живыми художниками, которые строят устойчивую карьеру, не обязательно выдающимися художниками-суперзвездами с рекордами продаж, которые недостижимы для средний — при равной квалификации — художник.”
Помимо проведения ярмарок в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Майами и Вашингтоне, округ Колумбия, Superfine продает свои работы через свою «электронную ярмарку». Так же, как и на более традиционных ярмарках искусства, таких как Art Basel, Superfine взимает с художников или галеристов фиксированную плату за выставочную площадь, хотя ставки Superfine намного ниже.
Несмотря на эти усилия по демократизации искусства, рынок в целом все еще находится в привилегированном положении по отношению к, ну, очень привилегированным. Меценатство всегда было хобби для очень богатых, и это не изменится в ближайшее время, но возможность смотреть на красивые вещи не должна ограничиваться теми, кто может позволить себе их покупать.
Подпишитесь на информационный бюллетень «Товары». Дважды в неделю мы будем отправлять вам лучшие истории о товарах, в которых рассказывается, что мы покупаем, почему мы это покупаем и почему это важно.
Художественные принадлежности — материалы для изобразительных и графических художников
Cowling & Wilcox Ltd. начала продавать товары для творчества в Лондоне в 1960 году и с тех пор продолжает укрепляться, предлагая высококачественные художественные изделия и материалы на протяжении почти 60 лет. По сей день мы сохраняем нашу первоначальную концепцию предоставления специализированных материалов для изобразительного искусства и графики по исключительным ценам, и мы стремимся отстаивать эту миссию по мере нашего расширения и развития в будущем.
Товары для искусства и ассортимент продукции
Благодаря знаниям и опыту, которые мы развиваем на протяжении многих лет, мы продолжим предлагать вам самые лучшие продукты на рынке по наиболее конкурентоспособной цене, включая такие художественные бренды, как Winsor & Newton, Faber-Castell, Далер Роуни, Стэдтлер, Да Винчи и многие другие.
Мы предлагаем широкий ассортимент художественных принадлежностей для всех типов клиентов и проектов. Компания Cowling & Wilcox Art Supplies — от кистей и красок до мольбертов и холста — станет универсальным магазином для всех ваших художественных нужд.Все наши продукты имеют конкурентоспособные цены, предлагая вам лучшую цену, поэтому вам не нужно делать покупки.
Поставки художников повсюду
Наши клиенты — творческие люди с удивительным объемом работы, и мы всегда рады возможности увидеть, что вы создаете с помощью наших продуктов. Независимо от того, являетесь ли вы художником-хобби или профессионалом, мы стремимся предоставить вам лучшие продукты, подходящие для вашей среды. Более того, мы гарантируем, что вы никогда не заставите себя ждать слишком долго, поскольку товары будут отправлены в течение 24 часов, а для заказов на сумму более 50 фунтов стерлингов — бесплатная доставка в Великобританию.В нашем интернет-магазине произведений искусства вы найдете фантастическое разнообразие товаров, которые могут быть с вами быстро и по доступной цене. Так что, если вы ищете товары для творчества в Интернете в Великобритании, Cowling & Wilcox предоставит вам отличный ассортимент качественной продукции от ведущих арт-брендов.
Если вы находитесь в Лондоне или на Юго-Востоке, пожалуйста, зайдите в один из наших магазинов и поздоровайтесь. Наши дружелюбные команды в магазине состоят из художников и энтузиастов искусства со всего мира, которые всегда готовы дать лучший совет и рекомендации для ваших нужд.Вы можете найти нас в Кентербери, Кент, а также по всему Лондону в Шордич, Камбервелле и Хайбери.
Почему мы занимаемся искусством | Высшее хорошее
Почему вы занимаетесь искусством? Это простой вопрос, который Greater Good задал семи художникам. Их ответы удивительны и очень разнообразны. Они упоминают создание искусства для развлечения и приключений; наводить мосты между собой и остальным человечеством; воссоединение и запись фрагментов мыслей, чувств и воспоминаний; и говорить вещи, которые они не могут выразить никаким другим способом.
Все их ответы очень личные. В другом месте на Greater Good мы исследуем возможные познавательные и эмоциональные преимущества искусства, и все же эти художники вызывают более фундаментальное преимущество: они просто делают то, для чего, как им кажется, они рождены.
Джина Гибни: Давать силу другим
Хореография Джины Гибни широко представлена в США и за рубежом. © Анджей Олейничак / Джина Гибни
Джина Гибни — художественный руководитель нью-йоркской танцевальной труппы Джины Гибни, которая была основана в 1991 году для выполнения двойной миссии: создавать и исполнять современную хореографию, опирающуюся на силу и проницательность женщин и мужчин, и обогащать и изменять жизнь с помощью программ, которые дают голос нуждающимся общинам, особенно жертвам домашнего насилия и людям, живущим с ВИЧ / СПИДом.
Рекламное объявление Икс
Meet the Greater Good Toolkit
От GGSC на вашу книжную полку: 30 научно обоснованных инструментов для благополучия.
Я занимаюсь искусством по нескольким причинам. В жизни мы испытываем такую раздробленность мыслей и чувств. Для меня создание искусства объединяет вещи.
В моей собственной работе это верно на протяжении всего процесса. Вначале разработка основного сырья для работы носит глубоко рефлексивный и информативный характер.Позже объединение этих материалов в форму — дистилляция и формирование движения, создание контекста, работа над чем-то, что кажется связным и законченным. Это невероятно мощно для меня — то, что действительно поддерживает меня.
Интересно, что основная часть моих работ похожа на каталог событий и мыслей моей жизни. Для меня работа — это почти как вести дневник. Сделать это кому-то еще — как своего рода подарок через живое выступление — это самый значимый аспект моей работы.
Танец — мощная форма искусства именно по той причине, что не нужно объяснять или комментировать себя. Одно из самых удивительных представлений, которые я когда-либо видел в своей жизни, — это женщина, пережившая насилие в семье, танцующая в крошечном конференц-зале приюта для других жертв домашнего насилия. Она не была профессиональной танцовщицей. Она была женщиной, которая столкнулась с невероятными трудностями и жила в большом количестве печали. Она создала и исполнила потрясающее соло, но охарактеризовать ее выступление как «грустное» значило бы умалить то, что мы испытали.
В этом сила танца. Вы можете что-то почувствовать и посочувствовать этому на очень глубоком уровне, и вам не нужно об этом говорить.
Джуди Датер: Я люблю выражать эмоции
Портрет Джуди Датер
Джуди Датер занимается фотографией более 40 лет и считается одним из ведущих фотографов Америки. Обладатель премии Гуггенхайма и многих других наград, ее книги включают Имоджен Каннингем: портрет , Женщины и другие видения , Тело и душа и Cycles .
Мне нравится выражать эмоции — давать другим почувствовать то, что я чувствую, когда фотографирую людей.
Сочувствие необходимо в портретной живописи. Я делал пейзажи, и я думаю, что они могут быть очень поэтичными и эмоциональными, но это отличается от непосредственности фотографирования человека. Я думаю, что фотографирование людей для меня — лучший способ показать кому-то что-то о себе — будь то человек, которого я фотографирую, или человек, на которого я смотрю, — что, возможно, они еще не знали.Может быть, это самонадеянно, но это желание. Я чувствую, что проявляю внимание к людям, когда фотографирую их, и думаю, что понимаю людей лучше, потому что пристально смотрю на них в течение 40 с лишним лет.
Пит Доктер: Создавать вещи — это весело
Пит Доктер принимал участие в некоторых из самых популярных и плодотворных анимационных фильмов Pixar Studio, включая «Историю игрушек», «Жизнь жука», «Машины» и «Уолл-И», но больше всего он известен как режиссер фильма «Монстры», удостоенного премии Оскар. , Inc.Доктер в настоящее время направляет Up, релиз которого запланирован на май 2009 года.
Я занимаюсь искусством в первую очередь потому, что мне нравится процесс. Делать вещи — это весело.
И я уверен, что существует также это универсальное желание каким-то образом соединиться с другими людьми, рассказать им о себе или своем опыте. Что я действительно ищу в проекте, так это то, что резонирует с жизнью, как я ее вижу, и говорит о нашем человеческом опыте. Возможно, это звучит довольно фальшиво, исходящее от того, кто делает мультфильмы, но я думаю, что все режиссеры в Pixar думают так же.Мы хотим развлекать людей не только в бессмысленном, эскапистском смысле (хотя, конечно, в наших фильмах тоже много такого), но и таким образом, чтобы зрители были правдивыми в отношении жизни — некие более глубокие эмоциональные переживания. что они осознают в своем собственном существовании. На первый взгляд наши фильмы об игрушках, монстрах, рыбах или роботах; на фундаментальном уровне они касаются очень универсальных вещей: нашей собственной борьбы со смертностью, потерь и определения того, кем мы являемся в этом мире.
Как кинематографисты, мы в значительной степени похожи на пещерных людей, сидящих у костра и рассказывающих истории, только для этого мы используем технологии на миллионы долларов.Рассказывая истории, мы соединяемся друг с другом. Мы говорим о себе, своих чувствах и о том, что значит быть человеком.
Или просто мультики делаем. В любом случае мы стараемся хорошо провести время, и мы надеемся, что публика тоже.
Харрелл Флетчер: Все, что называют искусством, — это искусство
Кадр из фильма «Проблема возможного искупления в 2003 году», представленного на биеннале Уитни в 2004 году в Нью-Йорке. Видео представляет собой адаптацию романа Джеймса Джойса «Улисс», снятого в Центре для пожилых людей в Парквилле в Коннектикуте, где пожилые люди читают строки с карточек. © Харелл Флетчер
Харрелл Флетчер преподает на художественном факультете Портлендского государственного университета. Он выставлялся в Музее современного искусства Сан-Франциско, Художественном музее Беркли, Парке скульптур Сократа в Нью-Йорке, а также во многих других музеях и галереях по всему миру. В 2002 году Флетчер запустил совместно с Мирандой Джули веб-сайт Learning To Love You More, который они превратили в книгу, опубликованную в 2007 году. Флетчер является лауреатом Премии Альперта 2005 года в области визуальных искусств.
Прежде чем я смогу ответить на вопрос, почему я занимаюсь искусством, нужно остановиться.
Прежде всего, что такое искусство? Я придумал определение искусства, которое, кажется, лучше всего подходит для меня: все, что кто-то называет искусством, является искусством. Это происходит из-за моей убежденности в том, что в искусстве нет ничего внутреннего. Мы не можем провести химический анализ, чтобы определить, является ли что-то искусством или нет. Вместо этого мне кажется, что называть что-то «искусством» на самом деле просто субъективный способ обозначения ценности, которая может быть эстетической, культурной, денежной и т. Д.
Если мы посмотрим на другие виды творческой деятельности, мы увидим, как различные формы могут существовать и быть действительными одновременно. Я делал то, что считаю искусством, с детства: сначала рисунки, затем фотографии, картины, видео и так далее. К тому времени, когда я поступил в аспирантуру, я уже не был так заинтересован в создании большего количества вещей, и вместо этого начал двигаться в другом направлении, которое в наши дни иногда называют «социальной практикой».
Это своего рода сбивающий с толку термин, поскольку он настолько новый и неопределенный.В широком смысле я считаю это противоположностью студийной практики — создание объектов изолированно, чтобы их можно было показать и, надеюсь, продать в контексте галереи. Большая часть мира искусства работает с этим подходом студийной практики. В социальной практике больше внимания уделяется идеям и действиям, чем объектам; это может происходить вне художественного контекста, и в работе часто присутствует аспект сотрудничества или участия.
Итак, вернемся к вопросу, зачем я занимаюсь искусством. В моем случае проекты, которые я действительно позволяю, позволяют мне встречаться с людьми, с которыми я обычно не встречаюсь, путешествовать в места, куда я обычно не ходил бы, узнавать о предметах, которые, как я не знал, мне были бы интересны, а иногда даже помогать людям маленькими способами, которые заставляют меня чувствовать себя хорошо.Мне нравится говорить, что я стремлюсь к интересной жизни, и работа, которую я делаю как художник, помогает мне в этом.
Кваме Дауэс: Среда сочувствия
© Рэйчел Элиза Гриффитс
Кваме Дауэс, доктор философии, заслуженный поэт, проживающий в Университете Южной Каролины. Он является автором 13 сборников стихов, последней из которых является «Песня Гомера», и романа «Она ушла», получившего в 2008 году премию «Наследие Херстона / Райта» как лучший первый роман.
Я пишу то, что, вероятно, является тщетной попыткой каким-то образом контролировать мир, в котором я живу, воссоздавая его в манере, которая удовлетворяет мое представление о том, как этот мир должен выглядеть и быть похожим.
Я пытаюсь передать на языке то, что я вижу и чувствую, как способ записать их красоту, силу и ужас, чтобы я мог вернуться к этим вещам и пережить их заново. Таким образом, я пытаюсь хоть как-то контролировать хаотический мир.
Я хочу каким-то образом передать свое восприятие мира — этот способ понимания, вовлечения, переживания мира — кому-нибудь еще.Я хочу, чтобы они были перенесены в мир, который я создал с помощью языка.
Итак, конечная цель моих сочинений — создать среду сочувствия, что-то, что позволило бы совершить чудо сочувствия, где люди могут, казалось бы, подниматься из самих себя, распространяться на других и жить внутри других. Это имеет огромную силу для человека. И я знаю это, потому что это то, что другие люди делают со мной, когда я их читаю.
Джеймс Штурм: Причины неважны
Джеймс Штурм — художник-карикатурист и соучредитель Центра исследований карикатуры в Уайт-Ривер-Джанкшн, штат Вермонт.Он является автором бестселлера и отмеченного наградами графического романа «Могучие качели голема», признанного журналом Time лучшим графическим романом 2000 года. В 2007 году его трилогия исторических графических романов была собрана в сборник под названием «Америка Джеймса Штурма: Бог, золото и големы».
Мне нравится вопрос «Почему ты делаешь искусство?» потому что это предполагает, что то, что я делаю, — это искусство. Лестное предположение. Этот вопрос также возвращает меня на первый год обучения в колледже, где такие вопросы, как «Что такое природа?» и «Действительно ли это волна или круг?» серьезно обсуждались (обычно поздно вечером и после того, как выкурили слишком много травки).
Двадцать пять лет спустя мне хотелось бы думать, что я стал немного более рассудительным в этом вопросе. Возможно, единственное, что я получил, — это знание, о котором я понятия не имею, и, во-вторых, причины не важны. В зависимости от моего настроения в любой день я мог приписать творчество искусству благородному побуждению соединиться с другими или понять мир, или нарциссическому механизму выживания, или желанию прославиться, или терапии, или моей религиозной дисциплине, или обеспечить чувство контроля или желание отказаться от контроля и т. д.и т. д. и т. д.
Какой бы ни была причина, существует внутреннее принуждение, и я продолжаю соблюдать этот внутренний императив. Если бы я этого не сделал, я бы почувствовал себя ужасно. Я был бы сломленным человеком. Так что независимо от того, является ли попытка заниматься искусством благородным или эгоистичным, факт остается фактом: я тем не менее буду этим заниматься. Все, что выходит за рамки этого заявления, является домыслом. Я бы боялся, что провозглашение того, зачем я занимаюсь искусством, породило бы мою собственную пропаганду.
KRS-One: Хип-хоп вне времени, вне космоса
Лоуренс Кришна Паркер, более известный под своим сценическим псевдонимом KRS-One, широко известен критиками и другими ведущими как одна из самых влиятельных фигур хип-хопа.На церемонии вручения награды Black Entertainment Television Awards в 2008 году KRS-One был удостоен награды за заслуги перед рэпом и активностью.
Я родился таким, рожден заниматься искусством, делать хип-хоп. И я думаю, что я всего лишь один из людей, у которых хватило смелости остаться со своей прирожденной идентичностью. Хип-хоп держит меня верным самому себе, сохраняет человечность.