Рисуем маслом рисуем сами: Нарисовать большую картину маслом с нуля. Почему это плохая идея? Часть 1.

— Ольга, для начала расскажите пару слов о себе.

— Я родилась в Каменске в 1984 году. Окончила двадцать вторую школу и художественную школу имени Седова, затем художественно-графический факультет Нижнетагильской Педагогической Академии.

— Когда впервые появилась мечта стать художником?

— Мечты стать непременно художником не было, я просто очень любила рисовать. Ещё в детском саду узнала, что где-то неподалеку есть «художка» и постоянно просила, чтобы меня туда записали. А главным толчком к рисованию стала детская зависть к девочке в группе. Помню, все подходили к ней и просили: «Нарисуй мне это! Нарисуй то!» А я тогда думала о том, почему это все к ней идут, ведь у неё фигня какая-то, а не рисунки, я гораздо лучше умею! (Смеётся — прим. ред.)

— Каков основной посыл вашего творчества?

— Чаще всего — обратить внимание на мир вокруг и увидеть что-то красивое, либо взглянуть внутрь себя и задуматься.

— Творчество каких художников вас вдохновляет? Назовите ваших кумиров в мире живописи.

— В одно время меня вдохновляло творчество Альфонса Мухи. Да многие художники мне нравятся, но больше впечатляют реальные люди. Например, мои преподаватели. Мне нравится смелость и непосредственность у Натальи Петренко, я балдею от творчества Иры Бабушкиной, обожаю её неповторимый символизм и цвет. На всю жизнь запомнилось то, что творила с акварелью Ольга Белохонова (когда она была заведующей кафедры живописи в «Нижнетагильской Государственной Социально-педагогической академии»), наверно от неё я взяла смелость в акварели.

Меня вдохновляет сам процесс, нежели созерцание результата.

— Как найти художнику свой фирменный стиль?

— Чтобы найти своё, необходимо много работать, много экспериментировать и чувствовать своё сердце.

— В чём особенности вашей творческой техники?

— Сложно сказать о конкретной технике, я человек настроения. Последнее время перешла на смешанные техники, одно время кайфовала от акварели, а когда-то получала удовольствие от масла. Я просто стараюсь слышать себя и делать то, что хочется.

— Помните свою самую первую картину?

— Первую картину вряд ли вспомню. Мои первые работы до сих пор хранят мои бабушка и мама. (Смеётся — прим. ред.) Помню первый портрет, первую роспись на стене, первую работу маслом в 13 лет.

— А когда пошли более серьёзные работы?

— Думаю, что это пришло после тридцати лет. Мне стали об этом говорить люди. Я просто делала то, что нравится, а иногда просто зарабатывала деньги.

— Вас поддержали в выборе творческой профессии близкие?

— Конечно! Я благодарна своей маме и бабушке за то, что не затолкали меня на завод или подобную сферу! Мне сказали: «Хочешь в творчество? Иди!» Когда оканчивала школу, думала так — «вот умею рисовать и пойду рисовать, а там видно будет!» В итоге у меня несколько творческих работ. Думаю, что это и есть счастье — иметь работу, которую любишь.

— Где получаете вдохновение?

— Вдохновение — вещь капризная и ранимая. Иногда это путешествия, иногда собственные мысли. А зачастую мне работы просто снятся и я во сне себе же говорю: «Оля! Запомни!»

Часто вдохновение приходит уже в процессе, а садишься за холст, чтобы просто абстрагироваться от мира. Вдохновение можно найти везде, если уметь искать, не правда ли?

— Поделитесь особенностями творческого процесса.

— Процесс всегда непредсказуем. Иногда вынашиваешь идею месяцами и она не даёт покоя, пока не останется на холсте. Бывало так: подскакиваешь в два часа ночи и черкаешь ручкой в своём ежедневнике, а в голове лишь одна фраза «libera mente tua», что в переводе с латыни — «освободи свой разум». Много работ снится, потом на следующий день сразу беру краски, пока в памяти всё свежо. Затем начинаю думать о том, откуда ко мне пришла эта информация. А когда работы на заказ, то не всегда с особым рвением берешься (поджимают сроки), но потом начинаешь и постепенно разгораешься в процессе!

— Какое количество времени уходит на создание творческой работы?

— По времени всегда по-разному. Бывает, делаю за день, а иногда процесс затягивается. Конечно, когда работала маслом, материал диктовал перерывы.

— Случаются творческие кризисы? Как справляетесь?

— Конечно случаются! Иногда даже хочется бросить всё! Но это длится день, два, три… месяц. А потом отходишь, вдохновляешься чем-то и вперёд! Скажу, что многое зависит от зрителя — когда получаешь обратную реакцию, не хочется останавливаться!

— Помните свою первую выставку?

— Конечно помню! Мне было всего тринадцать и я сама пыталась освоить масляные краски (дедушка-сосед отдал свои). Это были девяностые годы — я искала красивые картинки в журналах и копировала их. Вот так одну принесла на выставку в Музей имени Рериха. Она так там и осталась. (Смеётся — прим. ред.)

— Насколько востребовано ваше творчество?

— Я стала выставляться в галереях Екатеринбурга. Востребовано, я вам скажу. Приобретали работы в новую квартиру, в офис и просто «порадовать глаз». В нашем городе это не так развито, что печально. А если говорить о росписи стен, то это интересно людям всегда, ведь это придаёт некую индивидуальность интерьерам. Когда писала портреты (особенно маслом), то спрос был большой — это отличный подарок людям, у которых всё есть, например. (Смеётся — прим. ред.)

— Сложно ли организовать персональную выставку?

— Организовать не сложно, но смотря где. Если за пределами города и в серьёзной галерее, то требуются немалые вложения. Организовать персональную выставку в городе, думаю, не так сложно, всё реально. Главное — гореть желанием.

— В чём секрет успеха, на ваш взгляд? Что бы вы посоветовали начинающим художникам?

— Однозначного ответа нет, но моё мнение таково — каждая работа найдет своего зрителя! Не надо под него подстраиваться! Творите так, как говорит вам сердце, а зритель откликнется! Но я всегда за эстетику. Творческие работы должны быть приятны глазу.

— Вы чем-то ещё увлечены помимо творчества?

— Увлечений за жизнь было много. Я даже не могу сказать то было больше работой или творчеством. Начиная от фетра и бисера, заканчивая скрапбукингом и флористикой. Кстати, я с восемнадцати лет работаю периодически ещё и с живыми цветами! Потому что это красиво и мне нравится. А в прошлом году я увлеклась игрой на джембе (это такой африканский барабан).

Ох, много чего ещё хочется попробовать и освоить! Наверно, я сумасшедшая. (Смеётся — прим. ред.)

— Если не секрет, поделитесь творческими планами.

— Мечтаю о персональной выставке в Екатеринбурге и Баку, планирую освоить игру на дарбуке и глюкофоне. Есть мечта выйти на сцену (но в качестве кого, пусть останется секретом).

— Где наши читатели смогут полюбоваться вашими работами?

— Меня легко найти в соцсетях, я всегда открыта для сотрудничества и диалога.

— Ваш девиз по жизни.

— Если всё начинается через Ж…, значит потом всё будет зашибись!

Почему аукционы проводят повторные экспертизы картин русского импрессиониста Константина Коровина — Искусство — 28 января — 43756719216

Картины Константина Коровина долгое время не пользовались популярностью в советской России: их называли «буйными и незрелыми», а широкие фактурные мазки – «дерзкими и грубыми». Зато сейчас живопись русского импрессиониста оценена по достоинству, он один из самых продаваемых русских художников на мировых аукционах. За последних два десятка лет с молотка ушло более 900 его живописных работ на общую сумму 89,5 млн долларов. Правда, нередко продажи полотен живописца сопровождались скандалами и разборками по поводу их подлинности. Почему так — далее, в нашем обзоре.

Константин Коровин (1861–1939) — выдающийся русский живописец-импрессионист рубежа XIX–XX столетий, проявивший себя во многих видах искусства: архитектуре, театре, живописи, декоративно-прикладном искусстве. Его немногочисленные проекты выставочных павильонов оказали заметное влияние на развитие стиля модерн в русской архитектуре. Коровин был одним из лучших сценографов своего времени. Однако наиболее яркую страницу он занял в истории отечественного искусства как живописец.

Русский импрессионист — Константин Коровин.

Константин Алексеевич, будучи сыном купца, имел в жизни все для безбедного существования. Однако выбрал для себя путь художника, который был устлан и лаврами, и колючим терном.

Но начинающий художник не унывал. Он вскоре нашел то, что искал в Париже, как, впрочем, и многие мастера той эпохи. Заграничная поездка и новые знакомства оказали существенное влияние на творчество художника. Он всерьез увлекся импрессионизмом, символизмом, пробовал себя в других направлениях. Его первые попытки причалить к импрессионизму уже ярко видны в «Портрете хористки», который поражал публику и глубиной цветовой палитры и атмосферностью. Именно эту картину современники называли первым вестником импрессионизма в русской живописи. По словам же самого Коровина, у импрессионистов Франции он нашел все то, за что его нещадно ругали на родине.

Художник Константин Коровин. «Портрет хористки». 1883 г.

Вернувшись в Россию Коровин активно включился в творческую и общественную жизнь: регулярно выставлял свои картины на выставках, поддерживал политзаключенных, сотрудничал с театрами, с Валентином Серовым совершил творческую поездку на Русский Север, а также преподавал в Московском училище живописи.

Однако, вскоре, грянувшая революция, сломала судьбы многим из русской интеллигенции: кто сам бежал от режима, а кого настоятельно попросили уехать из страны. Ну, а Коровину, попросившему разрешения у властей на временный выезд за границу, чтобы подлечить жену и сделать сыну-инвалиду протезы, в 1922 году удалось легально выехать из России. Думалось — на время, оказалось — навсегда.

Он ехал из Москвы с надеждой на лучшую жизнь, однако на этот раз столица Франции для художника оказалась не такой дружелюбной. Коровину была уготована несладкая жизнь эмигранта, который остался практически без средств к существованию. Его агент, который должен был доставить картины художника из Москвы в Париж, бесследно исчез вместе с картинами, оставив Коровина в полной нужде. К этому добавилось множество других проблем: сам художник постепенно начал терять зрение, состояние его больной туберкулезом жены — все больше усугублялось. Протезы для сына Алексея из-за безденежья так и не удалось сделать. И тот от безысходности несколько раз пытался свести счеты с жизнью.

Художник Константин Коровин. «В лодке». 1888 г.(Позировали для этого полотна сам Василий Поленов и Мария Якунчикова).

Но даже в таком критическом состоянии Константин Алексеевич продолжал активно трудиться. Не имея возможности заниматься живописью, он переключился на написание рассказов. Но и этого совершенно не хватало на нужды семьи. Поэтому художник занимал деньги, у кого только мог, однако деньги, присланные другом Борисом Красиным на билет обратно в Россию, Коровин хранил свято. Но вернуться на Родину Коровину было уже не суждено. Скончался художник в 1939 году в Париже в возрасте 77 лет.

Самые дорогие картины Константина Коровина

Разве мог Константин Коровин, 16 лет бедствуя и голодая в маленькой парижской квартирке в 1930-х годах, знать, что пройдет каких-нибудь 60-70 лет и цена его полотен, которые он отдавал за сущие гроши при жизни, будет исчисляться миллионами долларов. Именно сколько стоят нынче некоторые картины Коровина. В наши дни его импрессионизм высоко ценится на международных аукционах. По суммарным продажам всех его работ за период с 2000 года по начало 2021 года он занимает тринадцатую позицию в категории русских художников. Всего за этот промежуток времени было продано 909 его картин на общую сумму 89,5 млн долларов.

«Мастерская художника, Гурзуф, Крым»

Художник Константин Коровин. «Мастерская художника, Гурзуф, Крым». 1914 г. ( Продано в 2006 году за 1,3 млн. фунтов).

Первым полотном Константина Коровина, перешагнувшим миллионную отметку, была картина «Мастерская художника, Гурзуф, Крым», ушедшая с молотка в 2006 году на «Русских торгах» аукционного дома Sotheby`s за 1,3 млн. фунтов стерлингов. (1,7 млн долларов). Гурзуф был особенным местом для Константина Алексеевича. Он там отдыхал душой и телом, получал невероятное вдохновение для творчества. Именно здесь художник построил себе дачу, дав ей поэтическое название «Саламбо», и обустроил в ней мастерскую с видом на море. В ней он нередко начинал день с утренних этюдов, а завершал вечерними.

«Вид с террасы. Гурзуф». 1912

Художник Константин Коровин. «Вид с террасы. Гурзуф». 1912 г. ( Продано на Sotheby`s в 2008 году за 1,5 млн фунтов).

Рекордная цена в рейтинге художника принадлежит картине «Вид с террасы. Гурзуф». На аукционе Sotheby`s в 2008 году она ушла с молотка за 1,5 млн фунтов с учетом комиссии. (1,93 млн долларов). На переднем плане картины видим открытую террасу «Саламбо», которую украшают высокие олеандры с яркими розовыми цветами. Внизу плещет море, лаская волнами согретые крымским солнцем гурзуфские скалы.

«У окна». 1923

Художник Константин Коровин. «У окна». 1923 г. (Продано в 2008 году за 1 млн 178 фунтов).

«Натюрморт с розами и фруктами». 1917 г.

Художник Константин Коровин.«Натюрморт с розами и фруктами». 1917 г. (Продано на Christie’s в 2010 году за 937 тыс. фунтов).

«Гитарист»

Художник Константин Коровин. «Гитарист» Картон, масло. (Продано в 2011 году за 517 тыс. фунтов).

«Рыбаки в Охотино». 1916

Художник Константин Коровин. «Рыбаки в Охотино». 1916 г. (Продано в 2014 году за 722,5 тыс. фунтов).

«В саду». 1923

Одна из последних крупных продаж состоялась в 2020 году на аукционе Christie’s. В торговом доме была выставлена очередная «солнечная картина» художника под названием «В саду». Это полотно вызвало такой интерес на аукционе, что с первоначального эстимейта 200-300 тысяч цена взлетела до 1,2 млн фунтов стерлингов. Это было обусловлено тем, что эта картина еще в 1923 году была представлена художником на персональной выставке в Берлине. О художнике тогда много писали в прессе по всей Западной Европе, репродукцию же картины «В саду» печатали во многих журналах. Она была представлена как одна из самых ярких произведений живописи Коровина. Этот факт и вызвал такой ажиотаж вокруг полотна.

Художник Константин Коровин. «В саду». 1923 г.

И это лишь несколько примеров продаж картин русского импрессиониста Коровина. Напомним, более 900 работ импрессиониста уже прошло через аукционные дома и осели в музеях, частных и корпоративных коллекциях.

Подлинники и копии

А вот подытоживая вышесказанное, хотелось бы еще отметить, что торги, в особенности русским искусством, редко обходятся без казусов. В случае с Константином Коровиным это происходит чаще всего. По той причине, что экспертам бывает сложно отличить настоящие произведения мастера-импрессиониста от их копий, выполненных сыном художника — Алексеем Коровиным. В свое время он неплохо перенял манеру, чувство колорита и технику своего прославленного отца. И таким образом, пытался заработать на жизнь, когда отец полностью ослеп, и позже, когда тот умер. Особенно хорошо ему удавались цветочные натюрморты. Именно с ними зачастую и происходит путаница.

Алексей Коровин — единственный сын художника.

А свое время Коровин-младший получил художественное образование под руководством своего отца. С раннего возраста был хорошо знаком с театрально-декорационным искусством. В 1918 стал членом «Мира искусства», участвовал в выставках объединения в 1918-21 годах. В 1920 экспонировал свои работы в XIX выставке Всероссийского центрального выставочного бюро в Москве.

И все возможно сложилось бы в жизни молодого человека по-другому, если бы не трагический случай. 18-летним юношей, будучи безответно влюблённым в подругу детства Иру Шаляпину, он сделал девушке предложение, на что та ответила отказом. В отчаянии, долго не раздумывая, Алексей бросился под трамвай. В результате попытки суицида парень изрядно покалечил обе ступни. Находясь между жизнью и смертью, Алексей переносил одну операцию за другой. Однако обе изуродованные конечности в итоге пришлось ампутировать. Этот трагический случай самым негативным образом отразился на его психическом состоянии. После он неоднократно совершал попытки самоубийства. Последняя была в 1950 году во время очередной депрессии, после которой Алексей — не выжил.

Продолжение во внуках

Но и на этом история художников Коровиных не закончилась. Во Франции в наши дни живет внук Константина Алексеевича — Алексей ги Коровин, также художник. На вопросы журналистов о его знаменитом предке: «Оказал ли ваш дед на вас влияние как на художника? Учил ли он вас рисовать?», Алексей Алексеевич отвечает: «Нет, он умер, когда мне было 10 лет. Я начал рисовать, когда мне было 50. Я рисую только себя, я нигде специально не учился. Правда, отец показывал мне в детстве, как рисовать… Я рисую для удовольствия. Рисование — это мое хобби. И хотя я никогда не ставил целью продавать свои картины, продал довольно много во Франции.»

Алексей ги Коровин — внук Константина Коровина.

В январе 2020-го картины Алексея ги Коровина были впервые представлены русской публике на выставке «Воспоминания о Париже и его окрестностях» в московском Доме русского зарубежья им. А.И. Солженицына. И также, как у знаменитого деда, любимой темой произведений Алексея Коровина стал Париж и его окрестности.

Чистка и защита картин: что нужно знать — Agora Gallery

Весна витает в воздухе, и мы все думаем об уборке. Когда вы осматриваете студию своего художника или свой дом, вы можете обнаружить, что некоторые картины выглядят немного запыленными или обесцвеченными. Или вы можете быть заинтересованы в принятии превентивных мер, даже если на работе нет видимых загрязнений или повреждений. В этой статье мы расскажем, когда чистить картины, как чистить картины и как в первую очередь защитить ваши картины от загрязнения.Это руководство может быть использовано художниками или коллекционерами.

. Перед чисткой: предохранение произведений искусства от загрязнения, номер

При уходе за картинами следует знать, что может привести к скоплению грязи и повреждению. Самая важная часть чистки картин — профилактика: гораздо проще защитить картину от грязи и повреждений, чем чистить ее.

Если вы являетесь оригинальным художником работы, вы можете (и часто должны) нанести слой лака, чтобы защитить картину от пыли. При нанесении убедитесь, что на изделии или в воздухе вокруг вашего рабочего места нет пыли — вы же не хотите, чтобы эти частицы оставались на вашей картине! Лакирование защищает не только от пыли, но и уменьшает шероховатость поверхности картины, повышая насыщенность цвета.

подходят не для каждой картины, существуют разные типы для акриловых и масляных красок.Просто будьте осторожны и всегда внимательно читайте инструкции и этикетки, чтобы убедиться, что вы работаете с правильным лаком и правильно его наносите.

Очистка и защита картин: дома/в студии

Неправильное хранение и демонстрация являются распространенными причинами повреждения и загрязнения произведений искусства. Большинство красок светочувствительны, поэтому вам следует с осторожностью размещать работу перед ярким солнечным окном. Масляные картины особенно подвержены повреждениям от экстремальных температур и влажности.Учтите это, если вы храните работу в подвале или на чердаке: вы можете приобрести увлажнитель или осушитель воздуха для этих помещений.

Для особенно старых или более хрупких произведений искусства может быть полезно обрамить произведение искусства стеклянным протектором, особенно когда оно висит в сильно запыленном месте, например, выше на стене. Только будьте осторожны – не на каждую картину можно поставить защитное стекло. Мы уже написали статью о том, как оформить художественное произведение в рамку или упаковать в галерею, и ее следует прочитать перед тем, как приступить к работе.

[pullquote align=»full» cite=»» link=»» color=»» class=»» size=»»] Знаете ли вы? Курение рядом с картиной может нанести ущерб. В частности, для нелакированных картин – сажа и дым могут необратимо изменить тон произведения. Если вы или ваши гости хотите покурить, просто выйдите на улицу. Так безопаснее для вас, вашего дома и вашего искусства.[/pullquote]

Очистка и защита картин: в дороге

Неправильная упаковка может привести к различным повреждениям произведений искусства — от поверхностных до трагически необратимых. Есть бесчисленное множество факторов, которые следует учитывать при упаковке вашей работы: свернуть холст или отправить его в раме? Свернуть работу окрашенной стороной внутрь или наружу? Какие упаковочные материалы следует использовать? В каком направлении должна быть направлена ​​пузырчатая пленка?

К счастью, Agora Gallery уже ответила на эти и другие вопросы в наших двух руководствах:

1. Демистификация доставки произведений искусства: как свернуть холсты или репродукции для отправки
2. Как упаковать картины для отправки

Очистка и защита живописи: годами

Один из наиболее распространенных способов повреждения, загрязнения или обесцвечивания картины происходит от злейшего врага каждого: естественного старения. Существуют меры, которые могут быть приняты для ограничения ущерба от естественного старения, например, использование лаков и правильное хранение работы. Однако с течением времени неизбежны некоторые естественные повреждения.

Симптомы старения произведения искусства могут включать:

1. Отслаивающаяся краска
2. Обесцвечивание
3. Трещины
4. Деформация

Если вы заметили некоторые из этих признаков повреждения на своем произведении, рекомендуется отнести его к профессиональному реставратору.

Если вы любите искусство так же сильно, как и мы, и хотите получать самую свежую информацию о галерее Agora, наших выставках и наших художниках, не забудьте подписаться на нашу рассылку!

Когда чистить картины

Прежде всего, обратите внимание на стоимость предмета. Если работа представляет собой многомиллионный оригинал Мане, не рискуйте делать чистку своими руками. Идите к профессионалу. И убедитесь, что плохой мальчик застрахован!

Далее, если вы решили почистить картину самостоятельно, вам необходимо определить тип повреждения или загрязнения вашей картины. Это пыльно? Обесцвеченный? Старение? Галерея Agora рекомендует обратиться к профессионалу при появлении большинства серьезных признаков повреждения вашего произведения искусства. Особенно когда речь идет о возрастных повреждениях. Мы не рекомендуем самостоятельно устранять или восстанавливать это повреждение. Не верьте нам, советует The Smithsonian: «Очистка требует навыков реставраторов картин, которые имеют годы формального обучения и практический опыт. Даже самые осторожные попытки очистить картину неподготовленным человеком могут привести к необратимому повреждению.

Для пыли или видимых частиц, скапливающихся на поверхности вашей работы, вы можете сделать простую очистку самостоятельно, и мы предлагаем несколько способов ниже:

Это само собой разумеется. Многие химические чистящие средства являются абразивными или обладают свойствами изменения цвета. По крайней мере, они испачкают вашу картину. Они также могут изнашивать материалы. Многие чистящие средства навсегда повредят ваши работы, поэтому не рискуйте.

Картина — это не то же самое, что пол на кухне, и ее не следует чистить одним и тем же методом. Вода может изменить размер ткани картины. Он также может смыть некоторые добавки в акриловой краске.

Итак… чем можно почистить картину? Мы рекомендуем 2 проверенных метода, которые годами используются профессионалами.

Самый простой способ почистить картину — слегка смахнуть с нее пыль мягкой сухой кистью.Прежде чем браться за работу, убедитесь, что на щетине нет краски или влаги. Мягко смахните пыль и скопившуюся грязь с произведения искусства.

Некоторые музеи и историки используют слюну для очистки картин. Слюна не имеет такой же структуры, как вода и с меньшей вероятностью повредит произведение искусства, реагируя с элементами или смывая их. Если вы планируете использовать этот метод, не просто кладите луги на картину.Вместо этого вам нужно смочить ватную палочку или ватный тампон слюной и слегка провести по поверхности картины.

Примечания к этому методу:

1. Не ешьте и не пейте (кроме воды) в течение как минимум 30 минут перед выполнением этого метода. Они могут испортить вашу внутреннюю химию и повлиять на то, повредит ли ваша слюна произведение искусства!
2. Протестируйте метод на одном углу изделия, прежде чем применять его к остальным. Вы сможете увидеть эффект и определить, помогает ли он вашей конкретной картине или вредит.Сейчас самое время определить, хотите ли вы потратить время на этот метод — он может занять очень много времени, и вам нужно будет довести очистку до конца.
3. Используйте мягкий материал, например ватные палочки, чтобы нанести слюну. Все более грубое, например ткань, может быть абразивным и поцарапать изделие. Губки также могут впитать некоторые натуральные масла и химические вещества с картины.

Некоторые веб-сайты рекомендуют использовать определенные продукты питания для впитывания грязи с поверхности картины.От сырого картофеля до белого хлеба, кажется, что вы можете заменить любой обеденный продукт на какое-то обслуживание произведений искусства.

Хотя Agora Gallery никогда не тестировала этот метод, мы не рекомендуем его. Согласно исследованиям, в результате чистки живописи пищевыми продуктами обычно остаются крошки и остатки на произведениях искусства. Галереи и музеи не используют этот метод, и, если вы не готовы рисковать качеством произведения, мы не рекомендуем вам этого делать.

Если вам еще не хватило уборки этой весной, ознакомьтесь с нашей статьей «Весенняя уборка для художников», в которой мы рассмотрим способы умственной уборки и подготовки к новому сезону творчества и роста!

Хотите улучшить свою карьеру и заявить о себе в Нью-Йорке? Отправьте нам свое портфолио и получите возможность представить свои работы широкому кругу национальных и международных коллекционеров и покупателей произведений искусства. Посетите нашу страницу «Представление галереи и продвижение художников» для получения дополнительной информации.

Вам также может понравиться Экологичность: Экологически безопасные методы для художников. Посмотрите, какие материалы вы можете использовать и как сохранить и переработать, чтобы показать свою признательность за нашу планету!

Репродукция картин маслом. Сделай сам в своей студии.

Очень важно документировать и архивировать свои работы. В прошлом обычно требовался профессиональный фотограф, но в настоящее время большинство из вас может сделать это самостоятельно.Итак, здесь я объясняю, как воспроизводить картины маслом.

Нормальная камера на штативе и два одинаковых источника света — это почти все, что вам нужно. Для блестящего лака или произведения искусства, которое уже было оформлено за стеклом, потребуется дополнительный инструмент: кусок черной ткани.

Что я использую?

2 лампы.

Для освещения я использую две плоские светодиодные панели. Я размещаю их с каждой стороны картины. (стоимость: € 50,- каждый)

• Размер: 60 х 60 см.
• Цвет: 6400k.
• Вход: AC85-265v.
• Мощность: 48 Вт

Камера.

Я использую свой профессиональный фотоаппарат (Canon 5D, объектив 24-70 мм.) Он идеально подходит для воспроизведения картин маслом. Но с помощью более простого устройства, безусловно, можно получить приемлемое воспроизведение. Я всегда ставлю камеру на устойчивый штатив, чтобы изображение не смазывалось из-за движения.

Настройки камеры.

• ISO 100, чтобы получить как можно меньше шума.
• Диафрагма f/8.  
• Скорость затвора 0,60 секунды.

2 Переносные полевые мольберты для размещения световых панелей. (стоимость: 45 евро за штуку)

Черная ткань в качестве занавески. (стоимость: 20 евро)

Вешаю черную штору прямо перед камерой, параллельно картине. Прорезал отверстие на высоте камеры. Через него вставляю линзу. Я использую своего рода стандарт для этой установки, но использование веревки для стирки для подвешивания вашей черной занавески также идеально.

Лист белой бумаги.

Мне нужен небольшой лист белой бумаги рядом с картиной, чтобы позже установить баланс белого в Photoshop. (Часто фотография слишком желтая или слишком синяя. Это нужно исправить.) Для тех, кто не работает в Photoshop, это может быть лишним, но я бы добавил белую бумагу, потому что в будущем она может вам понадобиться.

Фотошоп.

Я всегда снимаю в формате RAW. Таким образом, я обладаю наибольшим объемом информации.А вот на видео сразу изображение открывается в фотошопе. (У меня нет опыта работы с другими программами для редактирования фотографий, но могут быть и аналогичные опции для улучшения изображений.)

Обычно я вношу ряд исправлений, но здесь их слишком много.

Тем не менее, двумя наиболее важными являются:

• Чтобы исправить баланс белого .
• Чтобы ретушировать пыль на изображении.

Посмотрите видео и узнайте, как все это работает.

Прочтите также этот пост.

3 шага к тому, чтобы стать лучшим художником, рисуя меньше

Вы когда-нибудь задумывались, где вы должны найти время для рисования?

Если вы пытаетесь рисовать в свободное время, это может показаться невозможным.

Вы уже изо всех сил пытаетесь найти свободное место и расставить краски, а иногда у вас даже это не получается.

Вы хотите поработать над смешиванием цветов, попробовать новый цвет краски и определенно поработать в альбоме, но у вас также есть работа, семья, друзья — обязанности, которые просто важнее.

И поэтому вы задаетесь вопросом: должны ли вы просто продолжать, делая все возможное?

Или вы можете использовать стратегию, которая не требует так много времени и дает лучшие результаты?

Я пытался найти ответ на этот вопрос:

Как вы можете вписать свое творчество в и без того занятую жизнь?

Я работал с художниками и студентами, чтобы найти другой, более эффективный подход, и я думаю, что нашел его.

Как оказалось, ответ не в том, чтобы делать больше.Делает меньше.

Шаг 1. Рисуйте только одним цветом в неделю.

Кто сказал, что каждый раз нужно заканчивать картину?
Никто, насколько я могу судить. Просто когда смотришь на художников за работой, часто кажется, что картина дается легко, происходит «счастливый случай», превращающий их ошибку в идеально сформированное облако.

Ваши несчастные случаи могут быть чем угодно, только не счастливыми, из-за чего близкие члены семьи задают худший вопрос, который только можно задать.

Что это?

Большинство из нас полагает, что успешные картины создаются в момент вдохновения, в порыве творческого гения, в полете краски, в взмахе кисти.

Но это не так, большинство профессиональных художников считаются более уважаемыми.

Если у вас мало времени, нет ничего плохого в том, чтобы начать медленно, ваше подсознание может быть даже благодарно. У большинства людей так много забот, что у них нет времени на то, чтобы создать завершенную картину в выходные, и это вызывает у вас чувство разочарования.

Сокращая и позволяя себе сделать один маленький шаг к завершенной картине, вы облегчите себе задачу продолжать рисовать.

Итак, какие цвета мне использовать?

Не существует определенного волшебного цвета, но вот совет: начните с ультрамаринового синего и белого.

Вот и все.

Создать одно хорошее изображение в одном цвете гораздо лучше, чем 100 незаконченных картин в 10 цветах. Часто творческие люди — блестящие начинающие, но не отличные финишеры. Бьюсь об заклад, у вас есть сотни потрясающих идей для картин, которые вы бы с удовольствием написали, если бы у вас было время.

Начните с одного цвета и постепенно повышайте его.

Ключевое слово «хорошо». Одна хорошо составленная, хорошо продуманная картина приносит больше пользы, чем сотни поспешных рисунков.

С помощью синего ультрамарина можно создать широкий тональный диапазон, он имеет небольшой серийный номер, поэтому не требует больших затрат и в будущем будет полезен во многих картинах.

Некоторые художники работают быстрее других, но в целом, если вы тратите меньше трех часов на одну из своих картин, вы, вероятно, двигаетесь слишком быстро. Сократите количество и сосредоточьтесь на качестве.

Само по себе это часто удваивает или утраивает время завершения, что повысит вашу уверенность и навыки художника.

Но это еще и кое-что: освобождает время для поиска.

Шаг второй: Найдите по одной картине в месяц для копирования.

Как вы, наверное, уже заметили, существуют сотни способов стать лучшим художником. В идеальном мире вы бы жили в Италии, изучая классические техники живописи и впитывая атмосферу Ренессанса.Время от времени останавливаемся на мороженое, чтобы посмотреть, как мир проходит мимо.

Есть только одна проблема: вы не живете в идеальном мире. И я тоже.

Даже если бы вы рисовали полный рабочий день с армией помощников (у Дэмиена Херста более 100 помощников, которые помогают ему рисовать его работы), вы не могли бы делать все.

Так что не пытайтесь.

Вместо этого сконцентрируйтесь на одной стратегии и хорошенько освойте ее.

Мой совет: начните с мастер-копии.

Почему копирование у мастеров — ваша лучшая стратегия

Вот почему: почти все техники рисования, которые вам нужно освоить, уже применялись раньше.

Часто это ваши любимые картины.

Чтобы рисовать, нужно учиться у лучших. Итак, выберите картину и выберите часть из нее. Не обязательно рисовать всю картину. Для начала небольшой раздел. И попробуй скопировать.

Это не будет блестяще, но вы можете быть удивлены. Даже если вы думаете, что очень хорошо знаете картину, вы никогда не увидите ее, пока вам не придется ее рисовать. Вы никогда не узнаете предмет до тех пор, пока не нарисуете его, вы должны увлечься и сконцентрироваться.

Эта картина ниже была копией, я позаимствовал ее у Джейкоба Коллинза, фантастического художника из Нью-Йорка. Я нарисовал деталь, портрет маслом головы.

Уилл Кемп, Главный кабинет – После Коллинза, холст, масло

Было ли это идеально?

Нет

Улучшил ли я свою картину?

Определенно.

Результаты?

Картина была выбрана для участия в ежегодной выставке Королевского общества художников-портретистов в галереях Молл в Лондоне.Спасибо, Джейкоб.

Чтобы композиция работала, нужно изучить хорошо составленную картину. Чтобы создать цветовую гармонию, нужно понимать, насколько приглушенными на самом деле являются некоторые цвета, даже если на первый взгляд они кажутся яркими.

На мой взгляд, гораздо проще понять, как работают великие картины, а затем использовать эти принципы рисования для создания собственных произведений.

Одна картина в неделю, даже одна картина в месяц у вас скоро будет коллекция.

Шаг третий: постепенно начните добавлять новые цвета

Как только вы начнете получать результаты, я думаю, вам будет намного проще начать экспериментировать с другими цветами.
Добавление жженой умбры для создания черного цвета и знакомство с теплыми и холодными цветами. Тогда будет легче перейти к выбору полной палитры.

Каждый больше мотивирован работать над тем, что работает.
Если вы получите хороший результат, вы будете поощрены, вам не придется сильно напрягаться, чтобы вернуться в студию (или за кухонный стол)

Вам захочется это сделать, и это делает рисование много более приятным.

И знаете что?

Когда начинаешь рисовать, а я уверен, что ты это уже заметил, время летит незаметно, ты попадаешь в точку и удивляешься про себя…

Почему бы мне не делать это чаще?

Вместо того, чтобы мечтать научиться рисовать, вы действительно сможете это сделать.

Это очень простая концепция.

Идеальна ли концепция?

№

На самом деле, у него есть один серьезный недостаток:

Возможно, вы не знаете, что рисовать дальше?

И это может быть пугающим, вы хотите нарисовать своих кошек или собак, мужа, жену или детей, но это кажется огромным скачком.

Если вы хотите начать и обрести уверенность в себе, вы можете научиться рисовать в моем онлайн-курсе «Как рисовать акриловыми красками».

Я покажу вам шаг за шагом, как я создаю картину, и вы можете следовать в своем собственном темпе, в перерывах между сбором детей, чтобы реализовать свой творческий потенциал.

Если вы хотите, чтобы в этом году вы стремились к упрощению и получению большего результата с меньшими усилиями, я думаю, вам следует подумать об этом — вам просто нужно несколько приемов, которые помогут вам начать работу.

Об авторе: Уилл Кемп является основателем Художественной школы Уилла Кемпа, имеет ненасытный аппетит к мороженому и настоятельно рекомендует мороженое из темного шоколада в Гром , Флоренция (оно огромно) Он может также научить вас рисовать.

Картина маслом с ограниченным бюджетом: как вы все еще можете себе это позволить

Вы художник и хотели бы получить несколько советов по живописи маслом с ограниченным бюджетом?

Хотите сократить расходы на масляную живопись, не жертвуя качеством конечного продукта?

Согласитесь, расходные материалы для рисования могут быть дорогими. И если вы художник, который должен финансировать расходные материалы для масляной живописи, у меня есть несколько идей, которые могут вам помочь.

Даже Пабло Пикассо оказался без денег на свое искусство, но все же сумел нарисовать .

Творчество поможет вам не только в творчестве, если вы используете его, чтобы найти способы рисовать без необходимости покупать новые материалы.

В случае Пикассо его «голубой период»  совпал с самыми бедными днями его жизни. Причина заключалась не только в подавленном состоянии ума, но, что более важно, в том, что он больше не мог позволить себе пигменты, и для рисования оставался только синий цвет.

Просто чтобы вы знали, что все ссылки на продукты в этой статье являются партнерскими ссылками Amazon. Это означает, что я получаю небольшую комиссию, если вы покупаете что-либо на Amazon, но это не требует дополнительных затрат. Не волнуйтесь, я всегда честен, открыт и беспристрастен в своих обзорах — я рекомендую только хорошие вещи — но этот партнерский доход помогает поддерживать работу сайта.

Дорогой предварительно натянутый хлопковый холст — не единственная поверхность, которую можно использовать для масляной живописи.

Если хорошо поискать, то, вероятно, можно найти множество альтернатив в вашем доме/гараже.

Дерево, фанера , твердая плита (также называемая мансонитом) и даже бумага , все они создают отличные поверхности.

Они легко грунтуются парой слоев гипса, и в зависимости от толщины могут быть самодостаточными.

Поверхности холста

Чтобы сократить расходы на традиционные поверхности холста, приобретите холст оптом в рулонах .А потом вырезать, растянуть и загрунтовать самостоятельно.

Именно так художники создавали свои холсты на протяжении сотен лет. Предварительно натянутый холст — относительно современный продукт, и большинство современных художников не осознают этого и в основном берут

их как должное.

Самостоятельно резать и натягивать холст, конечно, требует больше времени и сил. Но, в конце концов, это более полезно и сэкономит много денег в долгосрочной перспективе.

Еще одна менее дорогая поверхность холста — холст .  Вы можете купить их в наборах или по отдельности. Но в целом их стоимость очень низкая.

Деревянные поверхности

. Многие работы старых мастеров написаны по дереву. Дерево является отличной основой для масляной живописи, если оно правильно подготовлено с помощью гипса.

Тонкий кусок фанеры толщиной менее 1/2 дюйма или около того будет лучше, если на обе стороны дерева будет нанесен гипс, чтобы предотвратить коробление.

Очень тонкие, гибкие листы дерева также можно прикрепить штифтами или прижать к поверхности, чтобы она оставалась ровной в процессе покраски.

Большой лист (4 x 8 футов) тонкой фанеры или твердого картона за 12 долларов можно разрезать на множество полотен меньшего или даже большого размера, каждая из которых стоит менее 1 доллара.

Оргалит (также называемый мазонитом) представляет собой превосходную поверхность для покраски.

Оргалит обрабатывается так же, как и фанера для масляной живописи.

Просто нанесите пару слоев гипса, чтобы защитить мазонитовую доску от масляной краски.

Бумажные поверхности

Точно так же для масляной живописи можно использовать бумагу, если она достаточно толстая и предпочтительно не содержит кислоты.

Вы можете купить очень недорогую бумагу для плакатов в отдельных листах или в рулонах оптом.

Любую бумажную поверхность необходимо загрунтовать, прежде чем наносить на нее масляную краску.

Грунтовка или левкас служат в качестве грунта, препятствующего попаданию масляной краски на бумагу.Нанесите на бумагу 2 или 3 обильных слоя грунтовки и дайте высохнуть перед покраской.

Без грунтовки или гипса бумага быстро сгниет или развалится от масла, которое впитается в нее из пигментов.

Для кистей я предлагаю 2 стратегии.

Первая стратегия: если у вас есть немного больше в вашем бюджете, купите лучшие кисти, которые вы можете себе позволить , даже самые дорогие.Тогда позаботьтесь о них очень хорошо. Мойте их теплой водой с мылом после каждого использования или оставляйте в растительном масле между использованиями.

Растительное масло сохранит их в первозданном виде. Если вы будете следовать этим простым шагам со своими щетками , дорогие щетки прослужат очень долго. Это сэкономит вам деньги в долгосрочной перспективе.

Вторая стратегия — покупать самые дешевые щетки и пользоваться ими буквально до тех пор, пока они не изнашиваются или не разваливаются.

Обращайтесь с ними так же, как и с дорогими щетками, либо мойте их теплой водой с мылом, либо замачивайте в растительном масле, либо и то, и другое.Это принесет вам больше всего миль от ваших денег здесь.

Масляные краски студенческого класса помогут вам сэкономить деньги.

Они намного дешевле, чем масляные краски профессионального качества. И в некоторых случаях вы не слишком пожертвуете качеством, выбрав эти бренды.

Существует ряд производителей относительно недорогих масляных красок студенческого класса.

Но мне нравится серия Winton от Winsor Newton.

Причина, по которой мне нравится серия Winton , заключается в том, что вы по-прежнему получаете высококачественную краску по более низкой цене. Пользовалась этой маркой и всегда была довольна.

Напишите в комментариях, как вы сократили расходы на покраску.

Как очистить картину маслом от инструктора Йоханнеса Влутуиса

Обучение уходу за картинами после их высыхания является важной частью работы в студии.Масляные или акриловые картины лучше защищены, когда они покрыты лаком, что также важно для выявления впалых темных участков после высыхания среды. Но научиться чистить картину маслом — довольно простая задача и еще один способ защитить свою работу.

Как очистить запыленную картину маслом

Вот готовая дома техника, которая избавит вас от среднего скопления домашней пыли на ваших картинах маслом.

1.Сотрите всю пыль, используя чистую мягкую щетку. Не используйте бумажное полотенце, потому что маленькие кусочки будут отрываться там, где краска имеет текстуру.

2.       Купите большую ненарезанную буханку хлеба и возьмите горсть внутренней части. Прижмите хлеб к картине.

3.       Той же мягкой щеткой сотрите хлебные крошки.

Использование хлеба позволяет проникнуть в самые закоулки вашей картины, не повреждая нежную текстуру краски.

Другой вариант — использовать профессиональное чистящее средство для картин, если пыль прилипла к поверхности или на ней появились пятна.На рынке есть несколько продуктов, которые вы можете использовать.

У Winsor and Newton есть продукт под названием «Очиститель изображений для художников». «После этого вам придется удалить химикат дистиллированным скипидаром. Они рекомендуют использовать ватные диски, чтобы заранее удалить как можно больше поверхностной грязи.

Лакировка 101

Этот мини-урок заслуживает упоминания о лакировании, так как мы имеем дело с защитой и сохранением поверхности картины. Когда масляная картина высыхает, то, что вы видели в виде темных областей во время процесса мокрой живописи, теряет свою силу, создавая впечатление, что картина теряет контраст.

вернет вашу картину в прошлое к темным оттенкам, которые вы оценили в процессе рисования в реальном времени. Производители лаков рекомендуют подождать один год перед лакированием масляных картин с тяжелой текстурой и шесть месяцев для среднего нанесения масляной краски. С помощью алкидов можно резко сократить срок ожидания до нескольких недель.

Однако для многих художников это неприемлемое занятие, поскольку они не хотят, чтобы их покупатели изменили свое мнение о распродаже из-за долгого ожидания.Лично я считаю, что производители прикрывают свои базы от судебного процесса и преувеличивают период высыхания на случай, если краска треснет. Ведь картины могут вырасти в цене до миллионов долларов. Многие ведущие профессионалы игнорируют длительный период ожидания и лакируют картины гораздо раньше.

На рынке в основном представлены два вида лака: глянцевый и матовый. По какой-то странной причине у них нет промежуточного звена, которое было бы их комбинацией. Но вы можете получить полуматовый оттенок, смешав их.

Нанесение лака

Лак можно наносить кистью или распылять. Некоторые художники ждут месяц и наносят ретуширующий лак, который позволяет картине «дышать» или продолжать процесс окисления при высыхании. Но это не защитит картину так же хорошо, как финишный лак.

Еще один вариант — нанести слой Liquin на всю сухую на ощупь картину. Уинзор и Ньютон не советуют этого делать, потому что они заявляют, что вы не можете удалить Liquin, если картина должна быть восстановлена, как вы можете с помощью лака.Они также упоминают, что картина может со временем пожелтеть. Я не видел, чтобы это произошло.

Акриловые картины освобождены от всего этого, так как они сохнут гораздо быстрее и могут быть покрыты полным окончательным лаком примерно через неделю.

Познакомьтесь с Йоханнесом Влутуисом

Йоханнес научил рисовать более 18 000 студентов лично и через свою онлайн-сеть Paint Alongs for Artists Network. Последний курс «Раскрась вместе» — «Развитие мощной фокусной точки» — запишитесь на курс прямо сейчас и наслаждайтесь сеансами в прямом эфире, которые также записываются, чтобы вы могли усвоить уроки, которые Йоханнес преподает вам в удобном для вас темпе!

У Йоханнеса, преподавателя искусств, много последователей, потому что он смог простыми для понимания словами выразить сложность субъективной красоты искусства.Он чувствует, что, обучая своих учеников «почему» чего-то на картине, «как» следует по умолчанию. Он хорошо разбирается во всех техниках живописи, и художники любой техники извлекут пользу из его инструкций.

16 самых известных картин маслом, которые вы должны знать

Техника масляной живописи, определяемая процессом рисования пигментами с олифой в качестве связующего, восходит к 7 веку нашей эры и, таким образом, охватывает широкий спектр известных направлений в искусстве. Буддийские художники в Афганистане нарисовали самые ранние известные образцы картин маслом, а в Европе эта техника использовалась художниками еще в 12 веке.Многие из самых известных картин маслом, известных сегодня западному миру, были созданы европейскими художниками, в том числе старыми мастерами, в течение столетий после их буддийских предшественников.

Именно голландцы первыми применили процесс масляной живописи в Европе, примеры которого можно увидеть в ранней нидерландской живописи. Масляная живопись включала в себя довольно сложный процесс, и традиционные масла (включая льняное, маковое, ореховое и сафлоровое масло) сохли примерно 1-3 недели.Масла иногда также кипятили со смолой, в результате чего получался глянцевый лак. Как широко использовалась техника масляной живописи, к разгару Ренессанса многие известные художники по всей Европе заменили эту технику живописью темперой.

Тем не менее, ценные картины маслом по-прежнему пользуются спросом на аукционах и сегодня, а посетители музеев до сих пор смотрят на некоторые из самых известных образцов картин маслом на холсте. Так что, если вам захочется виртуального или возможного личного визита, мы собрали 16 самых популярных картин маслом, многие из которых висят в лучших музеях мира.

Год: ок. 1503-06 | Материал: Масло на панели из тополя | Местонахождение: Лувр, Париж,

(изображение с Викисклада)

Шедевр итальянского Возрождения Леонардо да Винчи, пожалуй, самый известный портрет, написанный маслом. В конце концов, его называют «самым известным, самым посещаемым, самым популярным, самым популярным и самым пародируемым произведением искусства в мире».”

Написанная маслом на панели из белого тополя Ломбардия, Мона Лиза известна запутанным выражением предмета (говорят, что это Лиза Герардини, итальянская дворянка), атмосферным иллюзионизмом и необычайно уникальной композицией, среди других характеристик. . Ученые считают, что портрет был написан между 1503 и 1506 годами, но некоторые полагают, что да Винчи все еще работал над шедевром в 1517 году.  

Поскольку картина была приобретена королем Франции Франциском I, теперь она является собственностью Франции и висит в Лувре с 1797 года.Возможно, это самая ценная картина маслом в мире, она является рекордсменом по самой высокой известной страховой оценке в истории: 100 миллионов долларов в 1962 году, что соответствует 660 миллионам долларов в 2019 году. 

Год: 1889 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Музей современного искусства (MoMA), Нью-Йорк,

(изображение с Викисклада)

Считающаяся одной из самых узнаваемых картин в западном искусстве, картина Винсента Ван Гога «Звездная ночь » представляет собой великолепную работу маслом на холсте, которая в настоящее время висит в Музее современного искусства.Написанная в 1889 году, она изображает вид художника-постимпрессиониста из его комнаты приюта (с вымышленной деревней внизу) в Сен-Реми-де-Прованс, Франция. В то время как Ван Гог создал несколько картин этого конкретного вида, Звездная ночь является единственной ночной картиной. Это считается magnum opus художника — его шедевром.

Год: 1907-1908 | Материал: Масло и лист на холсте | Местонахождение: Бельведер, Вена

(Изображение с Викисклада)

Густав Климт, австрийский художник-символист, создал Поцелуй между 1907 и 1908 годами.Ученые считали, что это был пик «золотого периода» Климта. Это мерцающее произведение было выполнено маслом на холсте, но Климт добавил сусальное золото, серебро и платину, чтобы оно сияло. На работе изображены двое обнимающихся влюбленных (отсюда ее первоначальное название Liebespaar, или влюбленные), одетые в одежды стиля модерн.

Сегодня эта знаменитая картина маслом висит в комплексе зданий в стиле барокко Бельведер в Вене, Австрия. Он считается шедевром Венского наследства (венская версия модерна) и самым известным произведением Климта.

Год: ок. 1665 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Маурицхейс, Гаага

(Изображение с Викисклада)

Голландский художник Золотого века Йоханнес Вермеер нарисовал картину «Девушка с жемчужной сережкой» , портрет маслом на холсте, около 1665 года. Хотя за последние несколько столетий у него было много названий, свое нынешнее название он получил в 20 веке после того, как сережку надели. девушка на картине (которая также носит экзотическое платье и восточный тюрбан).Сегодня произведение висит в Маурицхёйсе, художественном музее в Гааге, Нидерланды, и на протяжении всего времени было предметом литературы (включая роман Трейси Шевалье 1999 года « Девушка с жемчужной сережкой », вымышленную историю создания произведения). ).

Год: 1937 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Музей королевы Софии, Мадрид,

(Изображение с Викисклада)

Знаменитый испанский художник Пабло Пикассо написал одну из своих самых известных работ, Герника , в 1937 году во время гражданской войны в Испании. Эта черно-белая работа маслом на холсте изображает страдающих людей и животных посреди хаотического насилия. Пикассо написал его в своем доме в Париже после бомбардировки нацистской Германией и фашистской Италией Герники, города Страны Басков в Испании. Взрыв был заказан испанскими националистами того времени.

«Герника » Шокирующее изображение зверств войны на картине сделало ее тем, что искусствоведы называют одной из самых влиятельных антивоенных картин в истории, которая привлекла необходимое внимание к гражданской войне в Испании.На огромной картине высотой 11 футов 5 дюймов (3,49 метра) и шириной 25 футов 6 дюймов (7,76 метра) отчетливо видны забоданная лошадь, кричащая женщина, пламя, бык и расчленение. Сегодня картина висит в художественном музее 20-го века Museo Reina Sofía в Мадриде, Испания.

Год: 1642 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Государственный музей, Амстердам,

(Изображение с Викисклада)

Также называется Ополченческая рота округа II под командованием капитана Франса Баннинка Кока, Картина Рембрандта ван Рейна 1642 года «Ночной дозор» — одна из самых известных работ в коллекции Рейксмузеума в Амстердаме.Еще одна известная картина маслом на холсте, важная работа Золотого века Голландии. «Ночной дозор» популярен благодаря своим гигантским размерам, использованию художником тенебризма (драматическое использование света и тени) и изображению движения.

Однако, управляя солнечным светом и тенью, Рембрандт направляет зрителей к своим самым важным объектам: двум мужчинам в центре и женщине с цыпленком позади них, в центре слева.

Год: 1872 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Музей Мармоттан Моне, Париж,

(Изображение с Викисклада)

Картина французского художника-импрессиониста Клода Моне Impression, Sunrise 1872 года впервые была показана на Выставке импрессионистов в Париже в апреле 1874 года. Говорят, что это масло на холсте было тезкой импрессионистского движения. Прекрасным сочетанием оттенков серого, оранжевого и розового Моне изображает порт Гавра, свой родной город на северо-западе Франции. Сегодня Impression, Sunrise висит в Музее Мармоттан Моне в Париже, Франция.

Год: 1930 | Материал: картон, масло | Местонахождение: Художественный институт Чикаго,

(Изображение с Викисклада)

Культовая работа американского движения «регионалистов», картина Гранта Вуда «Американская готика », написанная в 1930 году во время Великой депрессии в Америке.В настоящее время часть коллекции Художественного института Чикаго, картина изображает фермера, стоящего рядом со своей дочерью (хотя ее часто ошибочно принимают за его жену). Названная «Американская готика » в честь дома на заднем плане, это одна из самых узнаваемых картин в американском искусстве 20-го века. Однако он стал известен во всем мире, его часто пародируют в американской поп-культуре. Впервые он был показан за пределами США в 2016 и 2017 годах в Музее Оранжери в Париже и Королевской академии художеств в Лондоне соответственно.

Год: 1884-86 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Художественный институт Чикаго,

(Изображение с Викисклада)

Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт — самая известная работа французского художника Жоржа Сёра. Изображая парижан, отдыхающих и болтающих в парке на берегу Сены, он прославился используемой техникой пуантилизма, техникой, которую Сера помог разработать.Пуантилизм предполагает использование маленьких цветных точек, нанесенных на узоры для формирования изображения.

La Grande Jatte была выставлена ​​весной 1886 года вместе с работами импрессионистов, и Сёра стал известен как лидер нового типа импрессионизма: неоимпрессионизма. Сегодня эта знаменитая картина маслом выставлена ​​в Художественном институте Чикаго.

Год: 1871 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Музей д’Орсе, Париж,

(Изображение с Викисклада)

Разговорное название Мать Уистлера было дано этой работе маслом на холсте, первоначально называвшейся Композиция в сером и черном No.1 Джеймса Эббота Макнила Уистлера. Действительно, предметом является Анна Макнил Уистлер, мать Уистлера, которая позировала для этого шедевра, когда жила в Лондоне со своим сыном в 1871 году. Хотя это культовое американское произведение искусства (также называемое викторианским Мона Лиза ), Мать Уистлера висит сегодня в Музее Орсе в Париже, впервые купленный французами в 1891 году. Он остается одной из самых известных картин американского художника за пределами США.

Год: 1931 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Музей современного искусства (MoMA), Нью-Йорк,

(Изображение с Викисклада)

Испанский художник Сальвадор Дали создал картину «Постоянство памяти» в 1931 году, и она быстро стала одним из самых важных произведений сюрреалистического движения.С момента своего создания они неоднократно упоминались в поп-культуре, в частности, благодаря своим наиболее узнаваемым характеристикам — «плавящимся» карманным часам. Эти мягкие, плавящиеся кусочки поддерживают теорию художника о «мягкости» и «твердости», которую он много исследовал и которая в то время занимала центральное место в его работах. В то время как некоторые считали, что Постоянство памяти изображает взгляд Дали на специальную теорию относительности Альберта Эйнштейна, по словам художника, это было «сюрреалистическое восприятие камамбера, тающего на солнце.”

Год: 1633 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Неизвестно

(Изображение с Викисклада)

Еще одна работа известного художника-масляной живописи и голландского мастера Золотого века Рембрандта, Буря на Галилейском море была создана в 1633 году. контроль над своим судном.Один ученик рвет за борт, а другой, который смотрит прямо на зрителя, держась за фуражку, — автопортрет самого Рембрандта. Только Христос показан сохраняющим чувство спокойствия.

Сцена взята из библейского рассказа о Христе, успокаивающем бурю, из четвертой главы Евангелия от Марка. Известная как единственный морской пейзаж Рембрандта, картина «Буря в Галилейском море» в последний раз висела в Музее Изабеллы Стюарт Гарднер в Бостоне, но была одной из 13 работ, украденных из музея в 1990 году.Его местонахождение сегодня остается неизвестным.

Год: 1903-04 | Материал: Масло на панели | Местонахождение: Художественный институт Чикаго,

(Изображение с Викисклада)

Одной из самых ранних и самых известных работ Пабло Пикассо является картина «Старый гитарист» , написанная маслом на панно с 1903 по 1904 год. На этой работе изображен старый, слепой, изможденный музыкант, сгорбившийся над своей гитарой на улицах Барселоны. В то время Пикассо находился под влиянием движений модернизма, импрессионизма, постимпрессионизма и символизма. Он также жил бедно, во время которого его дорогой друг также покончил жизнь самоубийством, что ознаменовало Голубой период Пикассо.

Один интересный факт об этой знаменитой картине заключается в том, что, как показал рентген, за старым гитаристом скрываются 3 разные фигуры. Сегодня зрители могут полюбоваться этим шедевром в Художественном институте Чикаго.

Год: 1889 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Дж.Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес,

(Изображение Викисклада)

Еще одна известная картина голландского художника Винсента Ван Гога, написанная маслом на холсте, — « Ирисы », написанная в мае 1889 года. Это одна из нескольких работ в серии, также созданной в приюте Сен-Поль-де-Мавсоль в Сен-Реми де Прованс. Прекрасная работа была сделана всего за год до смерти Ван Гога в 1890 году. Нарисованные им ирисы находились в больничном саду, и считалось, что на стиль этой серии повлияли японские гравюры на дереве укиё-э , как показано на многие произведения Ван Гога.Картину любят за ее мягкость и легкость, она «наполнена воздухом и жизнью», как описал брат Ван Гога Тео. Сегодня ирис выставлен в музее Дж. Пола Гетти в Лос-Анджелесе, Калифорния.

Год: 1656 | Материал: холст, масло | Местонахождение: Музей Прадо, Мадрид,

(Изображение с Викисклада)

Испанский живописец и ведущий художник Золотого века Испании Диего Веласкес написал свою культовую работу Las Meninas в 1656 году.Он наиболее известен своей сложностью, поскольку это масло на холсте ставит под сомнение реальность и иллюзию, а также отношения между зрителем и показанными предметами. Таким образом, Las Meninas является одним из наиболее анализируемых произведений западной живописи.

Хотя его значение широко оспаривается, по словам испанского историка искусства Ф. Х. Санчеса Кантона, Las Meninas показывает главный зал Королевского Алькасара в Мадриде во время правления испанского короля Филиппа IV. Изображенные фигуры — члены испанского двора — инфанта Маргарет Тереза, а также ее фрейлины, компаньонка, телохранитель, два гнома и собака.В центре, смотрящим прямо на зрителя, сам Веласкес рисует на большом холсте. Говорят, что на заднем плане находятся фигуры короля и королевы.

Сегодня Las Meninas остается одной из самых важных картин в западном искусстве и была описана как представление теологии живописи, сначала художником эпохи барокко Лукой Джордано, а затем многими другими. В настоящее время работа висит во всей своей красе в отдельной комнате Музея Прадо в Мадриде, Испания.

Год: 1490-1510 | Материал: Дубовые панели, масло | Местонахождение: Музей Прадо, Мадрид,

(Изображение с Викисклада)

Из всех работ, упомянутых выше, эта, возможно, занимает первое место, так как в ней одновременно происходит больше всего событий. Иероним Босх , ранний нидерландский художник, создал триптих маслом Сад земных наслаждений между 1490 и 1510 годами.Также висящая в Музее Прадо, эта картина маслом на трех дубовых панелях, предназначенная для чтения слева направо, изображает сцены в Эдеме, саду земных наслаждений (возможно, предупреждая своих зрителей о человеческих искушениях) и аду. Снаружи, когда панели закрыты, находится изображение того, что считается сотворением мира.

В течение многих лет Сад земных наслаждений изучался учеными и интерпретировался по-разному, на основе символических систем, включая алхимическую, еретическая, астрологическую, подсознательную и фольклорную.Произведение вдохновило многих более поздних художников цитировать или включать его элементы, в том числе Питера Брейгеля Старшего, Давида Тенирса Младшего, ранних сюрреалистов, таких как Жоан Миро и Сальвадор Дали, а позже Рене Магритта и Макса Эрнста.

Ищете больше? Просмотрите картины, выставленные на продажу на аукционе Invaluable сегодня.

Еще от In Good Taste:

Самые дорогие картины из когда-либо проданных

Известные художники-пейзажисты, которых вы должны знать

Что такое кубизм? Влияние и принципы современного движения

DIY репродукция изобразительного искусства картина маслом моей прабабушки

Этот пост создан в сотрудничестве с Pictureframes.ком, но все мнения на 100% мои собственные.

Мне очень не терпелось поделиться с вами сегодняшним проектом. У вас в семье есть картины, которые все хотели бы иметь, но, конечно, оригинал может быть только у одного человека? Если да, то этот пост для вас.

Позвольте мне объяснить немного больше. У моих родителей есть оригинальная картина маслом моей прабабушки 1913 года, которую я всегда любил (см. экскурсию по дому моих родителей, нажав ЗДЕСЬ). Вы можете увидеть его ниже, висящим в их доме.

Он был написан в Берлине художником по фамилии Хеппнер. Ее звали Маргарет (Марта) Э. Кауфманн (девичья фамилия Шлибен). Также была оригинальная подходящая картина моего прадеда, который был директором транспорта в Берлине и тем, кто представил двухэтажные автобусы. К сожалению, картину где-то выбросила невестка моей бабушки. Она так разозлилась из-за этого, и меня это тоже злит. Я бы хотел иметь его картину.

Ниже вы видите RK-Wagen (автобус), который был назван в честь моего прадеда.RK означает Роберта Кауфманна, директора ABOAG (подробнее читайте ЗДЕСЬ). Его полное имя было Карл Роберт Теодор Кауфманн (1873-1943).

Может быть, когда-нибудь кто-нибудь найдет картину моего прадеда. Никогда не знаешь, кто может читать мой блог, верно? Ха-ха, я знаю, принятие желаемого за действительное. Никто особо не обращает внимания на старые картины маслом с изображением мужчин средних лет.

Вот как он выглядел:

Следующая страница взята из книги «100 Jahre Berliner Kraftomnibusse — Die ersten 40 Jahre» (ЗДЕСЬ).

В любом случае, извините, что отвлекся…

Этот пост может содержать партнерские ссылки, с которых я буду получать комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас.
Ознакомьтесь с моей полной политикой раскрытия информации.

DIY картина маслом поделка моей прабабушки

Вернемся к картине . Может быть, у некоторых из вас в семье есть картина, которую все хотели бы иметь, и воспроизведение версии этой особенной реликвии — это способ, которым другие члены семьи также могут насладиться этим особым произведением искусства.Этот проект — идеальный способ, чтобы моя прабабушка тоже была дома.

Эта идея возникла у меня в голове некоторое время назад, но я не был уверен, как мне ее реализовать. Я начал с того, что спросил своих родителей, могут ли они попросить кого-нибудь отсканировать или сфотографировать картину, чтобы у меня был большой файл с ней для печати. Мои родители отнесли его в местную фотостудию в моем родном городе и позаботились о правильном освещении, чтобы не было бликов. Это вполне можно сделать самому, но мои родители понятия не имели, как это сделать, и меня не было рядом, чтобы сделать это самому.

Можете ли вы поверить, что на этой картине ей 40 лет? Это безумие для меня, потому что она на 4 года моложе меня сейчас.

После этого я начал искать компании, которые могли бы помочь мне воплотить в жизнь мою мечту о воспроизведении этой картины. Я нашел эту компанию на сайте pictureframes.com, потому что они предлагают печать и обрамление одновременно.

Итак, вот оно, и я также сделал для вас еще одно маленькое видео:

Материалы, необходимые для этого проекта:

• кисти разного размера (ЗДЕСЬ)
• матовый и полуглянцевый гель медиум (ЗДЕСЬ и ЗДЕСЬ)
• отсканированный или сфотографированный большой цифровой файл работы
• распечатанный холст
• рамка подходящего размера в соответствии с холстом (выбрали эту красивую рамку ЗДЕСЬ)

Инструкция:

• приобретите большой файл вашего оригинального рисунка для печати.
• Напечатайте на холсте (загрузите изображение на pictureframes. com, нажав ЗДЕСЬ).
• Выберите и закажите раму (выбирали эту красивую раму ЗДЕСЬ), и я попросила сделать полотно съемным. Некоторые из моих других любимых кадров были ЗДЕСЬ, ЗДЕСЬ и ЗДЕСЬ. Я определенно не хотел такую ​​же оправу, как у моих родителей.
• Придайте текстуру напечатанному холсту с помощью глазури/геля. Это та часть, где вам нужно использовать кисти разного размера, чтобы вы могли сопоставить мазки на оригинальной картине.

Ниже вы можете увидеть, как размер кисти соответствует пропорциям картины. Я использовал меньшие кисти для лица и самую большую кисть для фона.

Гель белый при нанесении, но после высыхания становится прозрачным. Я нанес немного его на небольшой участок внизу картины. После того, как он высох, я решил использовать смесь полуглянцевого и матового геля, чтобы придать ему вид, который есть у некоторых других моих картин. Ни один из них не является полностью матовым или полностью полуглянцевым.Все они различаются по блеску и текстуре.

Здесь вы можете увидеть, как я имитировал направления и размеры штрихов.

Дал высохнуть и вставил обратно в раму. Вуаля! И сделано.

Мне пришлось сделать несколько фотографий, где он висит над моим антикварным диваном, потому что он так хорошо сочетается, хотя это не то место, где он будет висеть постоянно.

Постоянное место моей прабабушки будет на стене рядом с кухней. Я даже подал в суд перед тем, как масштабировать и печатать, что все произведение искусства будет подходящего размера для этой стены, а не размера оригинала.Бывает, что совсем меньше, чем у моих родителей.

Я так счастлив, что все получилось, и что pictureframes.com сделал все это возможным для меня.

Так что зайдите на их веб-сайт и посмотрите, какие у них прекрасные варианты для печати ваших семейных фотографий.

Ранее я уже говорил о своем происхождении и написал о своих 4 любимых советах по исследованию предков. Также посмотрите мой проект часов с кукушкой, окрашенных в белый цвет.