Чего на свете не бывает
- Подробности
- Категория: Русская сказка
Жил-был барин, богатый-пребогатый. Не знал он, куда свои деньги девать. Ел-пил сладко, одевался нарядно, гостей у него каждый день столько было, что у иных по праздникам того не бывало. А всё у него денег не убывало, ещё прибывало.
И захотелось раз барину пошутить над мужиком-дураком, себе и гостям на потеху. Призывает он самого бедного мужика из деревни и говорит ему:
— Слушай, мужик. Дам я тебе денег целую малёнку (Малёнка — от слова “маленький”: обозначает небольшую меру), только скажи мне, чего на свете не бывает. Нынче люди до всего дошли: и на черте ездят, и по небу летают, и в Питер по проволоке лапти послать можно. Скажи же: чего на свете не бывает?
Почесал мужик затылок.
— Не знаю, — говорит, — барин, кажись, взаправду всё на свете бывает. Дай сроку до завтра — может, и вздумаю.
— Ну, пойди, подумай, — говорит барин, — а завтра приходи, ответ приноси.
Мужик до петухов не спал, всё барскую загадку отгадывал. Раздумает, так и мало ли чего на свете не бывает, а и то в ум придет: “Может, это и бывает, только я не знаю. Ну да ладно, скажу наудачу, авось чего и не бывает!”
На другой день пришёл он к барину.
— Ну что, мужик, теперь знаешь, чего на свете не бывает?
— Одного, барин, не бывает: топором никто не подпоясывается, ног за топорище не заткнёт.
Усмехнулся барин, усмехнулись гости; видят — мужик-то сер, да ум-то у него не волк съел. Надо малёнку отмеривать. Да барин не то денег пожалел, не то хотел ещё над мужиком пошутить, кто его знает, только и говорит мужику:
— Нашёл, брат, что сказать. У нас подлинно этого не делают, а в чужих землях — так сплошь и рядом. Ступай с богом до завтра. Придумаешь — ответ принеси.
Продумал мужик и другую ночь. Что ни надумает, всё надежда плохая на барские деньги. “Хитры немцы, — у них, может, всё бывает. Ну да скажу ещё что-нибудь!”
Приходит наутро к барину.
— Ну, мужик, всё ли на свете бывает?
— Не всё, барин: баба попом не бывает, красная девка обедни не служит.
Усмехнулись все, только барин опять ему денег не дал.
— Нет, — говорит, — это бывает; по неметчине (По неметчине — то есть как у немцев) и всё так. Поди, подумай последний раз. Скажешь — бери деньги, а то не прогневайся.
Плюнул с досады мужик, идучи домой, думает: “Видно, одному только не бывать, чтобы у меня деньги были!”
Всё-таки через ночь опять идёт к барину. “Наскажу, — думает, — ему всякой всячины; может, что и небывальщина будет”.
—Ну, что хорошенького скажешь? — спрашивает барин. — Не узнал ли, чего на свете не бывает?
— Всё, барин, бывает, — говорит мужик. — Думал я, что люди хоть на небо не попадают, а здесь сам побывал, теперь поверил, что и это бывает.
— Как же ты на небо попал?
— Покойница жена побывать наказывала и подводу за мной выслала: двух журавлей вразнопряжку. Повидался с ней, с ребятишками и к твоей милости воротился.
— Нет, назад я соскочил.
— Как же ты, мужичок, не убился?
— А так, что по уши в землю завяз, не жестка земля попалась.
— Из земли же как вылез?
— Хе… как! А сходил домой, принес лопату, выкопался да и вылез.
— Не видал ли ты на небе покойного барина, моего родителя?
— Как же, видел, к ручке допустить изволили.
— Ну, что он там делает? — допрашивает барин.
Мужик-то, не будь плох, догадался и говорит:
— Что покойный барин делает? Да после моих ребятишек постилки моет.
— Врёшь, мужик-дурак! — закричал барин. — Того на свете не бывает, чтобы барин у холопа нянчился! Бери деньги да не мели околесицы!
— КОНЕЦ —
Русская народная сказка в картинках. Иллюстрации.
Читательский дневник по сказке «Крошечка-Хаврошечка»
Автор: народ.
Название: «Крошечка-Хаврошечка».
Число страниц: 15.
Жанр произведения: волшебная сказка.
Главные герои: Хаврошечка, Коровушка, Одноглазка, Двуглазка и Триглазка.
Второстепенные герои: мачеха, старик, барин.
Характеристика главных героев:
Хаврошечка — бедная девушка, оставшаяся сиротой.
Трудолюбивая, хозяйственная и добрая.
Любит животных.
Преданная и честная.
Сёстры — ленивые и скупые.
Смекалистые.
Коровушка — добродушное животное.
Любила Хаврошечка и помогала ей во всём.
Пожертвовала собой.
Характеристика второстепенных героев:
Мачеха — злобная женщина.
Заваливала девочку тяжёлой работой.
Жадная и скупая.
Старик — послушный, слабовольный.
Барин — молодой, красивый.
Краткое содержание сказки «Крошечка-Хаврошечка»
Одна семья приютила у себя девушку-сиротку по имени Хаврошечка.
Только жизнь её не была сладкой. Всё время хозяйка закидывала её работой.
А у хозяйки были ещё три дочери — Одноглазка, Двуглазка, Триглазка, которые только и знали, что отдыхать и ничего не делать.
Коровушка жалела Крошечку и помогала ей.
Но мачеха послала дочерей узнать, кто помогает падчерице.
Одноглазка и Двуглазка уснули, а у Триглазки один глаз не спал и всё видел.
Корову убили, но на её костях выросла яблоня.
Барин попросил яблоко, но только Хаврошечка смогла его сорвать.
И барин женился на красивой девушке.
План сказки:
- Сирота в чужой семье.
- Трудная работа.
- Помощь коровы.
- Триглазка не спит.
- Убийство коровы.
- Яблоня.
- Непослушные яблоки.
- Молодой барин.
Детский рисунок-иллюстрация
Основная мысль сказки «Крошечка-Хаврошечка»
Главная мысль сказки заключается в том, что если творить добрые дела и быть бескорыстным, то судьба наградит счастьем, а зло всегда будет наказано.
Основная идея сказки в том, что каждый получает то, что заслужил.
Чему учит сказка
Сказка учит быть добрыми, бескорыстными и надеяться на лучшее.
Учит не сдаваться, не терять надежды, и не опускать руки.
Учит не лениться, не ябедничать и не делать плохо другим.
Учит быть трудолюбивыми, хорошо относится как к людям, так и к животным.
Краткий отзыв о сказке «Крошечка-Хаврошечка» для читательского дневника
Прочитав эту сказку, я подумала о том, что добрые и трудолюбивые люди всегда находят своё счастье.
Героиня произведения нашла хорошего мужа, потому что трудилась и никому не желала зла.
Это интересная и поучительная волшебная сказка.
В ней показано, что зависть и жестокость никогда не приведут к хорошему.
Мне понравилась скромная и милая героиня, которая стойко переносила все невзгоды.
Она заслужила счастья.
Я всем советую прочитать эту сказку и подумать о том, что каждый человек сам куёт свою судьбу.
От наших поступков и отношения к другим людям зависит, будем ли мы счастливы в этой жизни.
Пословицы к сказке
- Делай добро и жди добра.
- На добрый привет добрый и ответ.
- Доброе дело без награды не остаётся.
- Жизнь дана на добрые дела.
- Бывает добро, да не всякому дано.
Словарь неизвестных слов
- Журят — ругают.
- Смежила — закрыла.
- Покатала — почистила.
- Приказанье — указание.
Отрывок из сказки, поразивший больше всего:
— Девицы-красавицы! — говорит он. — Которая из вас мне яблочко поднесёт, та за меня замуж пойдёт.
И бросились три сестры одна перед другой к яблоне.
А яблочки-то висели низко, под руками были, а тут поднялись высоко, далеко над головами.
Сёстры хотели их сбить — листья глаза засыпают, хотели сорвать — сучки косы расплетают.
Ещё читательские дневники по русским народным сказкам:
- Сборник русских народных сказок Афанасьева
- «Баба Яга»
- «Белая уточка»
- «Василиса Прекрасная»
- «Волк и семеро козлят»
- «Волшебная водица»
- «Волшебное кольцо»
- «Гуси-лебеди»
- «Два мороза»
- «Зимовье»
- «Иванушка-дурачок»
- «Каша из топора»
- «Кощей Бессмертный»
- «Летучий корабль»
- «Финист — ясный сокол»
- «Царевна-лягушка»
- «Царевна Несмеяна»
Библиотека русских народных сказок пополняется.
Новичок: Мастера рисования | Сеть художников
Поделиться:
Изучая рисунок, может быть полезно учиться у мастеров прошлого, чтобы черпать вдохновение и находить способы решения возникающих проблем. Для тех, кто открывает для себя рисунок, есть несколько мастеров-рисовальщиков, у которых можно поучиться.
Наоми Экперигин
| Портрет мадам д’Оссонвиль работы Жана-Огюста- Доминик Энгр, ок. 1842 г., графит, 9 3/16 х 7¾. Коллекция Художественный музей Фогга в Гарвардском университете, Кембридж, Массачусетс. |
«Я считаю, что рисунок — это основа всего искусства», — говорит художница Мэри Рейли. Она не одинока в этом настроении. Многие художники считают, что навыки рисования имеют решающее значение для работы в любой среде, даже если рисование не является их основным интересом. С самого начала были художники, которые ценили рисунки как самостоятельные законченные произведения.
Эти художники еще больше подняли среду и продемонстрировали широту возможностей, доступных тем, кто хотел продолжить изучение рисования.
Жан-Огюст-Доминик Энгр
Французский художник-неоклассик Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780–1867) был прирожденным рисовальщиком. С раннего возраста его отец воспитывал его навыки рисования, и в 17 лет Энгр отправился в Париж, чтобы учиться у Жака-Луи Давида, который был официальным «царем искусства» Наполеона во время Французской революции. Несмотря на глубокое влияние художника эпохи Возрождения Рафаэля и самого одаренного художника, именно благодаря рисункам и портретам Энгра он наиболее известен.
Энгр переехал в Италию в 1808 году после того, как выиграл Гран-при Рима, высшую стипендию Франции в области искусства. Там он оттачивал свое мастерство, вдохновленный работами старых мастеров. Чтобы прокормить себя и свою жену, он принимал заказы от государства и выполнил сотни графитовых портретов для туристов, путешествующих сановников и богатых эмигрантов.
Эти небольшие портреты — «великие произведения искусства, ловящие чудом таланта, черт лица, поз, костюмов, атмосферы и характера», — писал искусствовед Стивен Лонгстрит. «Люди настоящие. Они дышат и твердо существуют на земле».
| Эскизы женщин для Турецкая баня Жан-Огюст- Доминик Энгр, ок. 1830, ручка , коричневые чернила и графит на двух соединенных листах, 6¾ x 4¾. Коллекция Лувр, Париж, Франция. |
Способность запечатлеть реальность была обусловлена его техническими навыками и знанием анатомии. Обладая таким врожденным знанием человеческой формы, художник мог правильно изобразить драпировку таким образом, чтобы повторять форму тела в каждой складке и складке. Способность художника запечатлеть сходство исходила из его преданности точности, которую он развил в рисовании. Энгр был навязчивым рисовальщиком, призывая учеников рисовать глазами, когда они не могли сделать это карандашом.
Художники всех уровней могут научиться у Энгра вниманию к деталям. Его трудовая этика вызывала восхищение, и он создавал рисунки, которые были одновременно технически приятными и эмоционально резонансными.
«Из всех мастеров, которых я изучал, мне больше всего понравились работы Энгра, — говорит Рейли. «Любимыми материалами Энгра были остроконечный графитный карандаш и гладкая белая бумага. Он считал цвет не более чем дополнением к рисунку. Для него рисунок был не просто линией. Это было выражение, внутренняя форма, композиция и моделирование». Именно эта точка зрения повлияла на современное искусство 20-го века и на поколения художников от Дега до Диннерштейна.
| Сидящая обнаженная женщина Пьер-Поль Прюдон, 22 x 15. Собрание Метрополитен Художественный музей, Нью-Йорк, |
Пьер-Поль Прюдон
Как и Энгр, Пьер-Поль Прюдон (1758–1823) был известен как живописец, но основой его творчества был рисунок. Известный в свое время своими аллегорическими и мифологическими картинами, теперь его рисунки фигур вдохновляют и ошеломляют зрителей.
Будучи студентом Дижонской академии искусств в начале 1780-х годов, Прюдон посвятил себя строгому обучению рисованию, которое считалось необходимым для всех тех, кто надеялся на успешную карьеру художника. Académies — этюды рисунков с живой модели — были способом, которым студенты оттачивали свои навыки, выполняя сотни таких рисунков к тому времени, когда они были готовы заниматься своей профессией. Процесс занял годы и отсеял ряд претендентов либо из-за отсутствия самоотверженности, либо из-за отсутствия таланта. Хотя это строгое и длительное обучение может показаться обременительным для сегодняшних студентов, эти рисунки фигур имели решающее значение для художников, многие из которых создавали эти этюды на протяжении всей своей карьеры для идей и практики.
| Академия сидящего человека Пьер-Поль Прюдон, черно-белый мел на синей бумаге, 14 9/17 x 10?. Коллекция Museé Baron Martin, Серый, Франция.  |
Прюдон был одним из таких художников, и на протяжении всей своей карьеры он больше, чем его современники, цеплялся за академии. Что, пожалуй, еще более примечательно, так это то, что Прюдон стал предпочитать эти рисунки фигур законченным картинам, даже когда его карьера продвигалась вперед. К 1788 году у художника выработался фирменный стиль фигур, нарисованных цветным мелом на тонированной бумаге. Рисунки часто строятся в несколько слоев, включая штриховку и широкие переходы тонировки и штамповки. Смешивая линии, тона и различные приемы, Прюдон открывал художникам весь спектр выразительных возможностей мела и бумаги. «Исследования Прюдона передают сильное чувство эмоций, — говорит Рейли. «Его следы кажутся свободными и свободными, но они идеально расположены». С ним соглашается художник Кеннет Проктер: «Прюд’он выполнил несколько рисунков, на которых ядро тени проходит полосой по всей длине позы, обнажая каждый нюанс мускулов — это совершенно потрясающе».
Обладая столь глубоко укоренившимися знаниями о человеческом теле, он мог сосредоточиться на своем предмете и наполнить его или ее жизнью, быстро отмечая и немедленно реагируя на свои собственные мысли, не беспокоясь об анатомии или правдоподобии.
В раннем возрасте Прюдон добавил к своему имени «Пол» в честь фламандского художника Питера Пауля Рубенса (1577–1640), который также был мастером-рисовальщиком. Прюдон разделял любовь художника к человеческой фигуре и глубокое знание анатомии, но на этом их сходство заканчивается. Рубенс был сторонником стиля барокко, известного своим акцентом на цвет, обилием деталей и динамичным движением. Прюдон, с другой стороны, убрал драматическое движение и сосредоточился на том, как свет перемещается по формам. Однако чему Прюдон научился у своего предшественника, так это важности постоянного создания новых работ, независимо от стиля. Рубенс был одним из самых плодовитых и разносторонних художников своего времени, его работы включали запрестольные образы, исторические картины, портреты и пейзажи, а также книжные иллюстрации и архитектурные проекты.
| Успение Богородицы Питера Пауля Рубенса, ок. 1612, коричневые чернила и коричневая заливка, белая краска и черный мел на коричневой бумаге , 11? х 9?. Коллекция Альбертина Музей Вена, Австрия. | Сидящая молодая женщина с поднятыми руками Питер Пауль Рубенс, 1631–1632, черный и красный мел с белым усиление, 16 x 19 11/16. Коллекция Staatliche Museen zu Берлин, Kupferstichkabinett, Берлин, Германия. |
Питер Пауль Рубенс
Кроме того, художник создал сотни рисунков, которые играли в его творчестве разнообразные второстепенные роли с самого начала его карьеры. Будучи молодым художником, он тратил большую часть своего времени на копирование шедевров; переезд в Италию в 1600 году переключил его тему на работы мастеров эпохи Возрождения. Целью рисования Тициана, Микеланджело и Рафаэля было не просто учиться.
Как отмечает художник-инструктор Джон А. Паркс: «На самом деле это была попытка разграбить иконографию и композиции, чтобы он мог собрать личную библиотеку изображений для последующего использования. В этих рисунках художник больше всего ценил не свою личную каллиграфию или качество визуализации, а просто информацию о дизайне».
Рубенс использовал эту библиотеку изображений в качестве вдохновения для больших запрестольных изображений, которые ему было поручено создать. Эти большие работы он начинал с предварительного рисунка черным или коричневым мелом, затем делал набросок маслом. После этого художник вернулся к рисованию, делая более крупные детали с живых моделей черным мелом. Этот более крупный рисунок позволил ему включить больше деталей и анатомической точности, а также придать своему предмету живость, которой гордились художники эпохи барокко.
Хотя Рубенс, вероятно, мало думал о своих рисунках, современные художники могут многое почерпнуть из его подготовительных работ.
Его рисунки обогащали его картины и помогали ему на каждом этапе процесса. Когда он, наконец, намазал холст маслом, у него было ясное видение, и он знал, как его воплотить. Благодаря рисованию Рубенс расширил свой визуальный словарный запас, что позволило ему создать сотни блестящих работ.
| Женщина с мертвым ребенком Кете Кольвиц, 1903 г., офорт. Коллекция Национальной галереи искусства , Вашингтон, округ Колумбия. |
Кете Кольвиц
Немецкая художница, гравер и скульптор Кете Кольвиц (1867–1945), возможно, более известна своим предметом, чем своим мастерством. Ее гравюры, литографии и рисунки были в основном посвящены людям из рабочего класса, которых она видела вокруг себя, и она представляла зрителям трогательные рассказы о человеческих страданиях и борьбе. Ее глубокая эмоциональная связь с предметами позволила ей создать искусство, которое до сих пор находит отклик у публики и может вдохновлять художников, которые хотят заняться личными и/или политическими темами.
«Меня поразили ранние работы Кольвиц и глубина формы, которую она получила благодаря своим обильным штрихам», — говорит художник и преподаватель Дэн Гено. «Я также оценил эмоциональную силу в ее работе. Она научила меня, что я могу пойти намного дальше, чем поверхностная форма, если загляну внутрь себя».
| Автопортрет Кете Кольвиц, 1924, литография. |
Кольвиц часто работал циклами, затрагивая тему исторических восстаний и перемен. Первой из этих серий была The Weavers, , которая состояла из трех литографий и трех офортов, основанных на инсценировке неудавшегося восстания 1842 года немецким драматургом Герхартом Гауптманом. Работы Кольвица не были буквальной иллюстрацией исторических фактов или адаптацией Гауптмана; вместо этого она сосредоточилась на страданиях, надежде и силе духа рабочих. Когда эти произведения были представлены публике в 189 г.8, художница получила широкое признание, и это до сих пор остается одним из ее самых известных проектов.
Позже последовали ее серии Крестьянская война (1902-1908) , , основанная на восстании немецких крестьян 1522-1525 годов. Ко времени создания этой серии художница считалась одним из самых важных немецких графиков своего времени.
Помимо разнообразия сюжетов, Кольвиц исследовала ряд техник гравюры в этих сериях, включая фототравление, глубокую печать и цветную литографическую печать. В это время она упростила свою работу, отказавшись от своего очень подробного реалистического подхода в пользу повествования об эмоциях. Именно эта приверженность гуманистическим темам и эмоциональная связь помогают отличить работы Кольвица.
| Портрет Игоря Стравинского Пабло Пикассо, 1920, графит, Коллекция Музея Пикассо, Париж, Франция. |
Пабло Пикассо
Пабло Пикассо (1881–1973) — художник с мировым именем, живший в неспокойное время в Европе и использовавший свое искусство для интерпретации быстрых, а порой и насильственных изменений, которые происходили место вокруг него.
Хотя художник написал сотни картин, благодаря которым он хорошо известен, его рисунки составляют основу его творчества. «Суть эволюции Пикассо как художника и иконы заключается в его мастерстве рисования — именно здесь зародились его эксперименты и визуальные прорывы», — говорит художница и педагог Лиза Динхофер. Художник с глубоким знанием основ и обширной академической подготовкой, Пикассо был в состоянии деконструировать предмет, изображая его с наименьшим количеством необходимых линий, и достигать его сути. «Для того, чтобы изобразить объект в его простейшей форме, требуются подробные знания мастера-рисовальщика», — говорит Динхофер. «Не со смягченным знаком Конте, не с перекрестной штриховкой для объема, не со слоистыми оттенками графита для моделирования области, а с прямой линией, передающей всю форму и пространство».
| Нуш Элюар Пабло Пикассо, 1938, уголь и графит на холсте. |
Линии Пикассо указывали на внутреннюю и внешнюю формы его предмета, и он мог заполнить плоскость картины, удаляя объемные детали.
Это видно на таких портретах, как Макс Джейкоб, Портрет Эрика Сати, и Хелена Рубенштейн . Глядя на его эксперименты с линиями и формами, художники могут понять, как Пикассо заставлял зрителей видеть объекты по-новому и до сих пор раздвигает наши границы. Его шедевр Guernica, , созданная в 1937 году, воплощает меняющиеся теории художника и его эксперименты с линиями. Как отмечает Динхофер: «Композиция основана исключительно на сопоставлении пространства и линии. Изображенный интерьер и пейзаж уплощены, выдвигая каждую фигуру на передний план. Результатом является непреодолимая атака… достигнутая смелыми, непрерывными линиями, вырезанными формами и сжатой картинной плоскостью».
Художники любого уровня могут посмотреть на работы Пикассо и узнать что-то новое на разных этапах своего творческого пути, так же как и сам художник менялся с течением времени. «Пикассо часто называют в первую очередь рисовальщиком, — говорит Проктер. «Его рисунки виртуозны, удивительно разнообразны по технике и сказочно, лукаво изобретательны».
Пикассо деконструировал свой предмет до голой сущности линии, показывая зрителям и художникам, что рисунок действительно является основой искусства.
Наоми Экперигин — помощник редактора American Artist.
Поделиться:
Из чего состоит мастер-чертеж
Из чего состоит мастер-чертеж?
Наша инсталляция призвана дать ответ на основной вопрос в области истории искусств. Хотя термин «мастер-рисунок» традиционно ограничивался работами, созданными самыми знаменитыми «мастерами»-художниками, такими как Рафаэль, Леонардо и Микеланджело, он стал охватывать гораздо более широкий спектр. От архитектурных исследований в стиле барокко до современных абстракций рисунки, представленные здесь, охватывают четыре века западного искусства и охватывают широкий спектр средств массовой информации. Они также призывают зрителей усомниться в своих представлениях о «великом искусстве», которое может принадлежать не известному и знакомому художнику; рисунок должен только показать мастерство в его композиции и исполнении.
Эзра Остин, Джонатан Чан, Триша Датта, Эми Хадсон, Хеджин Джанг (выпуск 2019 г.)
Искусство глазами любителя
Рисунки существуют в туманной сфере в мире искусства. Они служат интимным взглядом на творческий процесс и сами по себе могут быть примерами великого искусства. Поскольку большинство из нас посещают первый урок истории искусства, изучение рисунков дает нам возможность увидеть различные этапы художественного процесса. В этой инсталляции класс надеется пролить свет на спорный вопрос о том, что представляет собой мастер-рисунок — какова роль художественной знаменитости? Как можно сравнивать чертежи с разными функциями? Хотя мы не можем дать окончательных ответов на эти вопросы, мы стремимся исследовать аспекты этой дискуссии. Мы считаем, что каждый рисунок здесь представляет собой мастерскую работу. Некоторые произведения демонстрируют безупречное использование техники и средств, в то время как другие раскрывают реакцию художников на проблемы своего времени или демонстрируют, как художественные стили менялись на протяжении веков.
Эсин Юнусоглу, Алисия Ванг, Ханна Ваксман, Кейт Юнг Йи Ван, Кэролайн Чжао (выпуск 2019 г.)
Шедевры сквозь века
От простых набросков вдохновения до блестящих готовых композиций, рисунков, запечатлевших необработанность композиций человеческие эмоции, выражение и творчество. Эта инсталляция демонстрирует тридцать рисунков из Художественного музея Принстонского университета, которые охватывают самые разные жанры, периоды времени и художников. На протяжении всего семестра мы пытались понять достоинства, которыми должен обладать рисунок, чтобы считаться «мастерским рисунком». На самом деле, значение «мастер-рисунок» пересматривалось на протяжении веков, эволюционируя от его ассоциаций с отношениями между мастером и учеником в гильдии, мастерской и академии до того, чтобы считаться синонимом художественного мастерства. От тонкости мазка пера до великолепия цветных мазков — каждый из этих рисунков может похвастаться качествами, которые выходят за рамки обычного и заключают в себе суть того, что нужно, чтобы считаться шедевром.