Рисунок сцена в театре: Картинки сцена (30 фото) • Прикольные картинки и позитив

Актерски я в какой-то момент отчаялся. Я очень стеснялся гримасничанья, которое у нас в театре называют наигрышем, я для себя не мог этого оправдать. Но когда мы сделали грим, в нем я почувствовал себя абсолютно свободным, потому что именно такие яркие выразительные средства, открытые, сильные эмоции работают в этом театре.

Он всегда ставит свой спектакль – будь это Брехт или Шеспир, Библия или телефонная книга. Хотя, безусловно, он погружается в материал, исследует его. И в наших сказках открылось столько неожиданных поворотов! В этом смысле нам полезно было пригласить иностранного режиссера, чтобы посмотреть на знакомые вещи со стороны, незамыленным взглядом.

Но для меня как для худрука это был самый сложный выпуск спектакля. Боб Уилсон привык творить здесь и сейчас, ничего не придумывая заранее. Он мог отталкиваться даже от атмосферных явлений – если дождь за окном, получится одна сцена, если солнце – будет другое. Если у него в этот момент плохое настроение, он может часами ставить свет, а потом на третий-четвертый час, когда мы все уже сошли с ума, у него родится мысль. И мало того, по ходу он начинает переделывать декорации и костюмы. И все это требует не только денег, но и времени. Все доделывалось до последней секунды. Я никогда в жизни не выходил без прогона на зрителя – впервые это случилось сейчас. И вот это творчество в чистом разливе меня ставило в шоковую ситуацию. Но надеюсь, что стресс омолаживает. Сейчас я чувствую себя гораздо лучше, чем после премьеры. 

Дарья Мороз, актриса

Первое впечатление – это огромное эмоциональное воздействие его энергетики. Трудно объяснять, но это тот случай, когда масштаб личности и талант ощущаешь почти физически, через энергию, исходящую от человека.

Второе – это то, как он показывает, задает пластический рисунок сцены или персонажа, как подробно он работает с жестом и какой легкости и ироничности при этом требует. Свет, декорация и артист для него одинаковые технические средства. Мне кажется, он мыслит ТОЛЬКО картинками и долго, очень кропотливо пытается воссоздать на сцене рисунок своей фантазии. И его театр работает только так.

Это был самый сложный в моей жизни выпуск, физически в первую очередь: полтора месяца и десятки часов ежедневного стояния на сцене при выстраивании световой партитуры и оттачивание пластического рисунка в полном гриме и костюме — но оно того стоило. Работа с Уилсоном для меня – сбывшаяся мечта! 

Сказки Уилсона

«Здесь русский дух, здесь Рууусью пахнет» – выводит в томной джазовой манере роскошная Шамаханская царица (Сэсэг Хапсасова). Но Русью тут, простите за каламбур, как раз и не пахнет. Мы привыкли воспринимать сказки Пушкина как часть нашего национального культурного кода. У всех перед глазами стоят классические иллюстрации Билибина, Зворыкина, Куркина и Дехтярева, вписавшие пушкинское Лукоморье в мир русского фольклора – старик в лаптях, бояре в шубах и кафтанах, прекрасные царевны в кокошниках… Роберт Уилсон напомнил зрителям о «всемирной отзывчивости» нашего первого поэта, о том, что многие сюжеты были заимствованы им у братьев Гримм или из мирового фольклора. Эти сюжеты и в самом деле – архетипичны, и нет ничего специфически русского в патологической жадности старухи, неблагодарности царя Дадона или хитрости типичного трикстера Балды.

Но Боб Уилсон подверг деконструкции и эти, корневые основы волшебной сказки. Он убрал многие сюжетные повторы, столь важные для ее кумулятивной структуры, размыл финалы и вообще вычеркнул как класс мораль. «Тут во всем они признались, повинились, разрыдались» и прочие нравственно-воспитательные пассажи режиссеру оказались не интересны. Мы привыкли считать, что «Сказка о рыбаке и рыбке» учит  к чему приводят непомерные аппетиты, а у Уилсона она оказалась о том, что с милым рай и в шалаше. Да и прочие сказки режиссер попытался свести к универсальной формуле All you need is love – в начале и в финале спектакля это битловское заклинание поют на русском языке.

Но гораздо точнее постановку характеризует другой эпилог: сидя на ветвях неонового дерева аки кот ученый, легкомысленный Пушкин в рыжем парике (великолепная работа Евгения Миронова) читает стихотворение «Брожу ли я вдоль улиц шумных». И вот эта пушкинская завороженность смертью, ее холодное дыхание, которое чувствуется на губах появляющейся откуда-то из преисподней Рыбки, сверкающей не радостным солнечным золотом, а лунным мертвенным серебром, или в потусторонних интонациях и неземной грации Царевны Лебедь (обе роли прекрасно исполняет Елена Николаева), определяет в спектакле гораздо больше. Не случайно в центре композиции оказалась неоконченная сказка Пушкина о убитой мужиком медведице, и не случайно она выглядит как торжественная похоронная процессия, а читает ее вмиг постаревший, поседевший автор. И чем мрачнее и фатальнее общий тон постановки, тем ярче горят огни этого безумного кабаре, тем неистовей Рассказчик отплясывает свой рок-н-рол, а вместе с ним танцуют и поют все его герои.  

Впрочем, режиссер не настаивает на какой-то определенной трактовке. Он создает завораживающей красоты картины, которые каждый волен увидеть и понять по-своему. А может быть, увидеть и не понять. Уилсон ломает стереотипы и заставляет зрителей испытывать когнитивный диссонанс, показывая знакомые и вместе с тем совершенно незнакомые сказки, как будто их прочитали нам на японском языке. В них все время сквозит что-то близкое и узнаваемое, но в то же время кардинально переосмысленное. Вот типичные «три девицы под окном» в кокошниках – но кокошники и платья у них черные, да и окно  подозрительно супрематического вида. А трон похожего на самурая царя Салтана сделан по моде конструктивизма 20-х годов, как и покосившаяся церковь скупого Попа с горящим неоновым крестом на верхушке.

Для Уилсона важна каждая мелочь как в оформлении сцены, так и в пластической партитуре, по своей строгости похожей на балетную – каждое па и каждый жест здесь выверены до миллиметра, движения механичны, а интонации и мимика утрированы до гротеска. Для русских актеров психологической школы работа в подобной манере стала настоящим испытанием. Но тут помог сам Пушкин. Если бы Уилсон решил ставить, скажем, «Чайку», которая тоже вполне может претендовать на «наше все» (и такая идея была), ему бы пришлось испытать гораздо большее сопротивление материала и исполнителей. А сказки как жанр по природе своей не предполагают никакого реализма и натурализма. Их герои –  одномерные, почти мультипликационные персонажи, которые требуют от актера существования идеальной крэговской марионетки. И артисты Театра Наций – а помимо вышеперечисленных это Олег Савцов, Ольга Лапшина, Дарья Мороз, Анна Галинова, Александр Новин и другие – с этой задачей справились. Но как признался потом, уже за кулисами Евгений Миронов, изощренный пластический рисунок маэстро Уилсона со временем они все же постараются наполнить русским духом, то есть необходимым нашему сердцу человеческим содержанием.  

«Макбет» в Пермском театре «У Моста»

05. 01.2022

В интерпретации Пермского театра «У Моста» (режиссура и сценография – Сергей Федотов)  шекспировская трагедия «Макбет» поставлена как триллер. Однако перед зрителем разворачивается не тривиальная история коварных злодеяний и разоблачений преступника, ведь шекспировский театр – это  всегда зрелище чрезмерных страстей, гибельных душ, фатальных поступков. Вот и режиссёр Сергей Федотов обратился к шекспировскому тексту, чтобы выразить себя, свою нынешнюю боль о современном человеке, тревогу за состояние его души,  ярость по отношению к моральным судьбам мира. Режиссёр не отказывается в своём прочтении классической пьесы от непременных аксессуаров дворцового спектакля. Здесь есть и замшелые каменные стены, и сверкающие клинки, и кольчуги, и сцены битв, турниров и пиров. Вместе с тем, все детали и подробности хроникального бытия в спектакле Федотова  символически преобразованы в стилистике старинных цветных витражей средневековых соборов и разворачиваются в отдалении от зрителя, в самой глубине сценического пространства, в нарочито замедленном темпе, как бы олицетворяя собой обобщённый образ Истории. У самого же края сцены открывается в спектакле Федотова портал в оппозиционное, по отношению к Истории, сверхъестественное измерение,  где хозяйничают три шекспировские ведьмы, предсказательницы судьбы. Срединное пространство сцены, как и в трагедии Шекспира, отдано театром «У Моста» человеческой личности. Здесь перед зрителем разворачивается внутренняя трагедия нравственного падения и гибели Макбета. Сегодняшний театр вновь открывает нам Шекспира как современного драматурга, размышляющего о человеке в ситуации экзистенциального кризиса. Что такое человек? Где границы его свободы? Кто наказывает человека за его роковой выбор? Люди? Боги? Судьба? Или он сам наказывает себя? Думается, постановщиком  сознательно из сценического действия удалены эпизоды, где слуга и врач разговаривают о болезни леди Макбет – ведь там очень важные слова сказаны о том, что ей не нужен врач, а нужен священник – у неё слишком тёмные тайны на сердце – их видит только небо. В спектакле эпизоды скрепляет железная логика причинно-следственных связей. Но это логика, открывающая зрителю невидимую механику взаимосвязи чувств, мыслей и действий главных героев трагедии. Потому что каждое движение человеческой души здесь, каждое подспудное её движение, определяет не только события сюжета, но и духовную судьбу самого героя. То, что происходит сейчас, – неизбежный результат того, что задумал Макбет, сам ли, поддавшись дьявольскому искушению, или под влиянием предсказаний весталок, или под давлением уговоров леди Макбет, но только он сам, и никто другой, своими помыслами и кровавыми деяниями необратимо приближает и себя, и свою любимую жену к краю адской бездны. При этом между миром земным, профанным, и миром метафизическим, потусторонним, нет непроницаемой границы – сцена являет зрителю мир амбивалентный, мир мистерии – где прорывы потустороннего, мистики в мир человеческой повседневности происходят в средние века то и дело – и люди средневековья не были атеистами, они ощущали, что все их мысли и дела у Бога, как на ладони. И порталы всегда открыты и вверх, и вниз не случайно, и Макбет всё время приговаривает перед очередным убийством – куда, мол, попадёт король или другая будущая жертва – в Ад или в Рай. Не видят этого  ближние, но ведает Бог с высоты, и духи, населяющие тот, потусторонний мир. И сегодняшний зритель, сопереживая тому, что происходит у него на глазах, может почувствовать себя не только молчаливым соглядатаем преступлений и душевных мук Макбета и сумасшествия леди Макбет, но и соучастником разворачивающейся на сцене трагедии. Хотя как изменился мир! Насколько изменились люди? Ведь в те далёкие времена  существовал ещё Страх Божий, который человека иногда мог удержать от морального падения. А ныне что ж? Не начнем ли мы, в самом деле, налетевшую на мир пандемию, трактовать сегодня, как кару Божью, нависшую над человечеством за все грехи современной истории? Хотя, кто знает…

В качестве достоинства спектакля важно назвать актёрское мастерство (превосходная игра исполнителей главных ролей: Макбет – Владимир Ильин и леди Макбет – Мария Баландина) незаметного перехода с прозы на стих и обратно – это, как раз, то, что надо для современного восприятия Шекспира. Прозой о чем Шекспир говорит? О самом сокровенном. О жизни и смерти, о предельных истинах, основах мироздания. Значит, проза годится только для «голой правды»? Тогда эти фразы актёры произносят с приглушённой, будничной интонацией. А стихи? Ведь это особая материя! Когда вдруг Шекспир с прозы переходит на стихи – совершенно иная тональность, мелодика речи, более стремительный темп, экспрессивность стилистики, пронзительность, точное попадание актёрской интонации в смысл шекспировского текста! Там у него, у Шекспира, столько оттенков – и поэзия, и юмор, и философия, и поразительный реализм! И «мостовские»  актёры очень чутки к этим переменам, у них хороший слух на шекспировское слово. Всю прелесть и глубину шекспировского стиха  зритель  улавливает!

Достоинством спектакля является и то, что забываешь о реальном времени. Кажется, как быстро всё кончилось – коротенький спектакль – но смотришь на часы – а уже два с половиной часа прошло! Видимо, действительно, время вещь совершенно субъективная! Насыщенность спектакля событиями – реальное время как будто остановилось, сжалось, в то же время, сценическое «Хронос» не то чтобы растянулось, но сконцентрировалось и драматизировалось, сделалось объёмным. Это интересный эффект нашего зрительского восприятия. Внутри самого сценического мира – внутри рассказа, сюжета – со временем  тоже произошло некое превращение. Герои друг с другом взаимодействуют крайне напряженно – и это понятно, ведь события происходят в эпоху удельных междоусобиц – воинственное время, нервное, постоянные восстания, бунты, мятежи-предательства, измены XI-XII века. Раздробленность средневековая. Все воюют со всеми. И как это опять же созвучно с нашими непростыми временами! Динамика в их отношениях, поступках, репликах – не в смысле быстроговорения, а в смысле внутренней тревоги, напряжённого ожидания, как у Высоцкого: «Не прыгайте с финкой на спину мою из ветвей…». Потому что и не только предательства, измены, врагов и реальных убийц они опасались в своем неспокойном средневековье, но и эпидемий, внезапной смерти, наконец,  духов, колдунов и бесов, ведь миры-то проницаемы – вот-вот да и просочится в их повседневный быт какая-нибудь нечисть.

Далее, конечно, ритм! Про ритм рассуждали все, от К. Станиславского и Вс. Мейерхольда до Ю. Любимова! И Аристотель ведь про это писал! Сцены должны друг с другом контрастировать в смысле ритма – статика, динамика и так далее. Это ведь не историческая пьеса! Это Шекспир. А у него всегда пограничное существование человека – бытийная проблематика – человек перед лицом не только небес, но и преисподней. Космические силы вторгаются в нашу земную реальность,  испытывают человека – малую, слабую и малодушную тварь – на прочность, человеческую, нравственную и т.д. Это спектакль об искушении. И ритм стремительно меняется от сцен повседневных к мистическим, колдовским, от военных баталий к пирам, от психологических внутренних метаний главного героя к сценам преступлений и убийств, от сцен отчаяния и безумия к видениям, галлюцинациям, самоубийству, к сценам  душевного ужаса, запоздалых прозрений и воздаяния. Там, где герои рассуждают о войне, подавлении мятежников, где король благодарит Макбета, зритель как будто находится в едином темпоритме с персонажами спектакля. Но есть мистические сцены встречи Макбета с потусторонними силами. Ведь это он не просто увидал трех бабочек, а это фатальная встреча: эти три бестии – они ведь вестницы судьбы. Эти сцены переключают зрительское восприятие в особый ритм, тем более что ведьмы колдуют – это ведьминский ритуал, шабаш. Экстраординарность  встреч человека с силами зла акцентирована в театре с помощью технических средств, благодаря техническим средствам звучание усилено, и зритель отчетливо слышит каждое фатальное слово страшного заклинания в мастерском переводе Б. Пастернака. Этот жуткий образный ряд, магические образы, поэтические обороты, аллитерации, гипноз, суггестия стихотворной рифмы, вкрадчивое бормотание, трио ведьминских голосов в полумраке сцены над самыми головами зрителей, затаившихся в партере:  «Жаба, ёж, акулий хвост…». Это одна из ключевых сцен спектакля – космические силы, духи хаоса, бесы околдовывают Макбета, соблазняют его, хотя и так душа его уже предрасположена к преступлению. И зритель тоже чувствует это пугающее и манящее обаяние бездны. Театр вовлекает присутствующих в этот магический ритуал. Это же мистерия! А сцены с леди Макбет! Она, оказывается, тоже ведьма! Она ведь его, главного героя, тоже обольщает, околдовывает, соблазняет, гипнотизирует своими речами. И это спектакль метаморфоз, которые случаются с человеком – метаморфоза с душой Макбета – это тоже свой ритм, и он другой. С перебивом. Конвульсивный, рваный. Герой ведь мог бы и устоять – король его любит и сам хочет его продвигать вверх по карьерной лестнице к вершине власти, ведь Макбет был героем на войне и мог и дальше честно служить своему королю. Его трагедия – это трагедия нетерпения, как наши доморощенные революционеры всё спешили, не могли ждать, так и он. А в результате – небытие. Сцены его колебаний, запоздалых сокрушений – это психологические сцены. Он же после встречи с ведьмами сдвинулся рассудком, помешался да и возможно его встреча с ведьмами – тоже результат помешательства, а может, и нет. Но даже в Ветхом завете говорится, что встреча с ангелом, духом делает человека безумным, это уже не совсем нормальный, адекватный человек. Он на грани полубреда и реальности, как и всякий преступник. Недаром ему видится в воздухе кинжал с рукоятью – это же глюки! И леди Макбет тоже уже не в себе – далее сойдет с ума окончательно. И ритм их речей, и пластика движений – почти на грани болезненных конвульсий. Такой ритмический рисунок призван расшифровать их душевное смятение для зрительской аудитории. Они обезумели оба! Поначалу далековато от зрителя стоит Макбет на балконе с окровавленными кинжалами, но вот уже он эти кинжалы сует, пусть и  символически, но почти в нос партера! И зритель содрогнётся от сознания факта совершённого тройного убийства! Современного зрителя сегодня, конечно, трудно потрясти. Мы каждый день такое узнаём и слышим! В нос надо тыкать, чтобы почуяли хоть что-нибудь! Апокалипсисом запахло! Вот они традиции Театра жестокости Антонена Арто!  Далее сцены безумия леди Макбет – это выразительно сыграно актрисой! Она не просто слова по тексту произносит! Она и двигается как-то по-особому. Пластика такая у сумасшедших? У пьяных женщин? Может, у наркоманок? Интонация? Какая она у них? А виселицу… И виселицу зрителю театр прямо на край сцены выносит. Нате Вам! В традиционном театре так «Макбета» не ставят! Это чисто постмодернистский приём! Ведь каждому своё, как говориться. Если внимание поверхностного зрителя сосредоточено (любопытство праздное!) на её трупике (открыты у нее глаза или нет? – например – или ещё что похуже себе воображают), то серьезный зритель понимает, что  в этой сцене главное – речь Макбета! Её почти не замечает любопытный зритель, рассматривающий виселицу. А ведь тут кульминация философская – мысли Макбета переплетаются с трагическим прозрением самого гениального автора пьесы:

«Жизнь человеческая – тень ходячая, а
Актёр на час,
Изображающий гордыню и страданья,
Рассказанная полоумным повесть.
Она шумна и яростна,
И ничего не значит…»

Только этот философский и трагический контекст придаёт спектаклю глубокий общечеловеческий смысл, а иначе перед нами типичный современный триллер, в котором представлен заурядный убийца, банально борющийся за власть.

И, наконец, в финале, эта страшная отрубленная голова в простом холщёвом мешке. Апокалипсисом запахло! Ну, возьмите да и швырните эту страшную голову прямо в проход партера перед сценой под ноги нулевого ряда! Это будет шоковый, завершающий аккорд –  урок современному человеку – обнажение истины! Чтобы в ушах и в памяти остались напоследок не только хоровые славословия Шотландии. Однако театр этого не делает. И это ещё одно достоинство федотовской постановки Шекспира. Королевское чувство меры, позволяющее сохранить достоинство, поставить не восклицательный знак, не точку, но многоточие, в котором недоговоренность, значительность, торжественность, многоточие, концентрирующее большую духовную энергию, когда «кончается искусство, и дышит почва и судьба»…

Наталия Гашева

Дизайн сцены бакалавриата — UNCSA

Сердце и душа сцены попадает в руки сценографа. Право дизайн сцены может перенести вас в новый мир, вызвать определенное настроение, изобразить темы что ни один другой театральный элемент не может, и развлекать зрителей своей красотой, детализацией или тайна. В UNCSA вы можете стать частью одного из немногих курсов по дизайну сцен для студентов. программы в стране для театра, оперы, танца и кино, запуская вас в захватывающая карьера профессионального сценографа.Степень предлагается как отдельный трехлетний программы бакалавриата и магистратуры. Каждая программа предлагает уникальные, практические возможности и продвинутый, всеобъемлющий учебный план, который можно найти только в UNCSA.

Бакалавр изящных искусств

Первокурсники
Студенты, желающие получить степень по дизайну сцен, пройдут тщательную учебную программу, лепку дизайнеров в разносторонних артистов, которые понимают все аспекты, связанные с перформансом. Поскольку театр — это совместное искусство, цель состоит в том, чтобы художник-постановщик понимает, как все части производства работают вместе со сценой в качестве фона ко всему этому. Инструктаж в классе в начале программы поможет вам освоить базовые навыки, такие как рисование, рендеринг, черчение, построение моделей и рисование сцен. У вас также будет много возможностей для практической работы в студии. увидеть, как ваши проекты оживают.Ваши обязанности по фактическому производству будут продолжать расти по мере прохождения программы.

Третий-четвертый год
В оставшиеся годы участия в программе вы начнете проводить больше времени в студии работая как минимум над 14 реальными постановками не менее 20 часов в неделю. Ваш практичный производственный опыт будет охватывать различные театральные пространства, начиная от гибких от «черных ящиков» до масштабных пространств бродвейского типа.Ваше обучение в классе будет включают в себя более продвинутые производственные и студийные навыки, дизайн освещения и даже костюмы дизайн, помогая вам развить широкое понимание профессионального театра.

Карьера

Выпускники программы «Дизайн сцены» начинают карьеру в выбранной ими профессии.Они стали художниками-декораторами для постановок по всей стране, начиная от Бродвей, региональный театр, танцы, опера, кино, телевидение и тематические развлечения.

Связанная программа

ДИЗАЙН СЦЕНЫ ДЛЯ ВЫПУСКНИКОВ

Дизайн сцены | Колледж изящных искусств

Программа

BU Scene Design направлена ​​на развитие навыков, знаний и понимания, необходимых для того, чтобы стать ценным профессиональным театральным художником во все более разнообразных театральных сообществах, существующих сегодня на национальном и международном уровнях. Под руководством адъюнкт-профессора Джеймса Нуна, чье обучение основано на его обширной работе на Бродвее, вне Бродвея, в региональных театрах и во многих крупных оперных труппах, студенты сталкиваются с различными художественными проблемами, уделяя особое внимание тому, как дизайн может информировать, раскрывать и превращать историю в мощное и значимое театральное событие.

В качестве студента BFA или MFA Scene Design ваше обучение будет включать:

• Интенсивное обучение навыкам, необходимым для передачи своих идей, таким как черчение, рисование и раскрашивание, изготовление моделей и раскадровка.
• Подробное исследование, как историческое, так и визуальное, и анализ его значения для понимания работы, которую вы создаете.
• Развитие аналитического и критического мышления наряду с навыками сотрудничества с другими дисциплинами, связанными с созданием театра
• Обширная работа над теоретическими и практическими работами.

Программа обучения BFA

Программа обучения МИД

Сертификат мастера живописи

---

Уникальные возможности

• Возможность работать над широким спектром постановок, ежегодно представляемых в BU, включая новые пьесы, авторские произведения, оперу и музыкальный театр.
• Интенсивные совместные путешествия со студентами, изучающими другие дисциплины дизайна и производства, а также со студентами, изучающими режиссуру, перформанс и драматургию.
• Факультет дизайнеров, директоров, техников и ремесленников, которые профессионально работают в стране и за рубежом.
• Знакомство со многими прекрасными и важными театральными труппами и международными возможностями работы в районе Бостона.

---

Обзор приложений и портфолио

Кандидаты на получение диплома MFA

, пожалуйста, свяжитесь с нашим руководителем программ MFA Design & Production Марком Стэнли и ознакомьтесь с портфолио и требованиями к заявке на MFA Design, Production & Management.

Кандидаты на получение степени бакалавра

должны перейти на страницу приема в бакалавриат колледжа и следовать инструкциям по поступлению на основную программу «Дизайн и производство для первокурсников».

Претенденты на получение сертификата мастера живописи, пожалуйста, ознакомьтесь с подробностями нашей программы сертификатов мастера и свяжитесь с Дайан Фарго.

---

---

Заметки выпускников

Наши выпускники по дизайну сцен включают следующих дизайнеров и художников-декораторов:

• Эмили Уолш | США 829/Голубая кровь
• Клэр Бретшнайдер | США 829/Charge Artist, The Wiz
• Кристина Барретти-Сигал | США 829
• Джулия Торрант | США 829/Метрополитен-опера и SNL
• Лиз Шурра | Charge Artist / Daedalus Scenic Studio

---

Основной факультет

Джеймс Нун, руководитель программы, доцент
Джон Сэвидж, доцент
Дайан Фарго, лектор
Кристина Тодеско, лектор

Что такое сценография? — История и процесс — Видео и стенограмма урока

История создания декораций

Хотя актерское мастерство и театр всегда существовали в той или иной форме, истоки театра в том виде, в каком мы его знаем, и появление декораций пришли к нам из Древней Греции.Именно здесь рассказывание историй и ритуальные практики разыгрывания священных историй объединяются для развлечения публики, когда на сцене разыгрываются различные истории, а актеры демонстрируют сюжеты. Первоначально в этих пьесах участвовали только один или два актера, но со временем они добавили полный состав, сложные сюжеты и различные локации. Чтобы зрители не запутались, им нужен был способ сигнализировать о разных местах действия и легко различать актеров. Таким образом, сценография зародилась в греческом театре и рано использовалась и в римском аналоге.

В то время как в этих ранних декорациях использовалось лишь несколько нарисованных задников, итальянское Возрождение вдохнуло жизнь в сценографию, используя развитие перспективной живописи для создания глубины и различных возвышений для действия на сцене. В период барокко Джакомо Торелли разработал сменные декорации с использованием колесниц, канатов и шкивов, что позволяло создавать более сложные декорации. Интерес 19-го века к реализму стимулировал дальнейшее развитие декораций с введением различного реквизита в каждый набор и созданием бокс-сетов или трехсторонних наборов, предназначенных для имитации внутренних комнат с входами и выходами. Наконец, в 20-м веке известный сценограф Адольф Аппиа создал новый стандарт декораций, используя репрезентативный реквизит, чтобы символизировать полностью укомплектованную декорацию, не перегружая сцену. Сегодня детальный символический метод Аппиа с компьютерными проекциями добавляет реалистичности декорациям, сохраняя при этом внимание зрителей к актерам.

Художники по декорациям сегодня

Художник по декорациям начинает со сценария, изучая детали, чтобы определить различные места, необходимый реквизит и любые действия, требующие специально созданных декораций.Кроме того, художник-постановщик чувствует период времени, какие визуальные элементы лучше всего передают смысл пьесы и другие аспекты, необходимые для создания у зрителей полной иллюзии реальных персонажей в реальных местах. Затем художник-постановщик встречается с режиссером и другими ключевыми профессионалами в области дизайна, чтобы совместно обсудить видение режиссера шоу, какое оборудование будет доступно и какие навыки будут предоставлены другими. После этой первой встречи художник-постановщик создает 90 101 миниатюру 90 102 или предварительные эскизы декораций, которые будут уточняться в ходе дальнейших совместных встреч.

После того, как миниатюры готовы, художник-постановщик создает план местности или аэрофотоснимок сцены в каждой сцене, показывая, где на самом деле будут располагаться необходимые декорации и реквизит. На этом этапе менеджер по реквизиту находит и предоставляет объекты, дизайнер костюмов выявляет любые потенциальные проблемы с пространством и движением по съемочной площадке, а менеджер бригады определяет, как ограничения конструкции могут создать проблему. Когда эти детали проработаны, художники по декорациям часто создают 3D-модель каждой сцены в качестве руководства для построения и помощи режиссеру и актерам в блокировании движения во время репетиции.После того, как все стороны согласуют свои потребности, дизайнер декораций создает рабочий чертеж или подробные масштабные чертежи частей набора, включая размер, цвет, текстуру, конструкционный материал и другие детали, которые съемочная группа будет использовать для создания точной детали, предусмотренной набором. дизайнер.

Кино и телевидение

Однако, когда дело доходит до кино и телевидения, все обстоит иначе. Основное отличие сценографии для кино или телевидения от театральной сцены заключается в степени реализма.Декорации намного больше, иногда они простираются на большие расстояния, поскольку актеры путешествуют по сценарию. Художник по декорациям должен учитывать эти движущиеся кадры и декорации по пути. Они также должны отказаться от идеи символического реквизита Аппиа и создать систему, более близкую к приверженности XIX века к полному реализму с полным набором предметов.

Краткий обзор урока

Дизайн декораций играет жизненно важную роль в театре, обеспечивая богатый контекст и вовлекая зрителей прямо в сюжет пьесы.Практика построения наборов началась в Древней Греции. Итальянское Возрождение представило перспективную живопись; Реализм 19 века представил бокс-сеты или трехсторонние наборы, предназначенные для имитации внутренних комнат с входами и выходами; а в начале 20 века Адольф Аппиа упростил реалистичные декорации, ограничив использование реквизита. Сегодняшние художники-постановщики работают совместно с режиссером и другими профессионалами на протяжении всего процесса проектирования. От создания эскизов или предварительных эскизов декораций; к планам местности , которые представляют собой аэрофотоснимки сцены в каждой сцене; к рабочим чертежам , которые представляют собой подробное руководство по созданию декораций, сценографы являются неотъемлемой частью современных театральных постановок.Однако в кино и на телевидении художник по декорациям учитывает большие декорации, сцены путешествий и потребность в полностью оборудованных декорациях, имитирующих реальную жизнь.

Сценический дизайн | Кафедра театра и танца

Scenic Design, часть программы Live Design Техасского университета в Остине, включает в себя владение как традиционными, так и современными методами, применимыми ко всем формам повествовательного дизайна. Особое внимание уделяется анализу сценария и интерпретации истории и персонажей. Рисование, рендеринг, черчение и построение моделей, как на обычных, так и на цифровых носителях, являются центральными компонентами программы.

Программа «Дизайн сцены» направлена ​​на развитие артистизма учащихся, предоставляя при этом базовые знания о навыках и технологических инструментах, которые помогут будущим рассказчикам в театре, а также во множестве других творческих начинаний, включая оперу, кино, телевидение, художественные инсталляции, дизайн выставок, тематические парки и торговые площади.

Мы считаем, что дизайн сцены является областью работы и обучения, которая находится в диалоге со всеми другими дисциплинами в рамках программы выпускников Техасского университета в Остине.М.Ф.А. в театре со специализацией в живом дизайне — это трехлетний 60-часовой курс обучения, состоящий из четырех компонентов: дизайн-студия, формирование навыков, реализованные постановки и критическое мышление / письмо, кульминацией которых является уникальная диссертация собственного изобретения студента. . Два кандидата по дисциплине принимаются каждый год на программу из 30 студентов — небольшая группа в рамках большого факультета.

Щелкните изображение, чтобы просмотреть галерею для UT Live Design: Дизайн сцены .

Требования

В дополнение к требованиям Техасского университета в аспирантуре Остина мы требуем, чтобы студенты представляли портфолио работ онлайн или по почте для ознакомления. Ознакомьтесь с требованиями и начните подачу заявки сегодня.

Студенты должны иметь портативный компьютер с необходимым набором программного обеспечения и съемный USB-накопитель емкостью не менее 100 ГБ.

Возможности дизайна  

Студенты обычно помогают аспиранту в первом семестре, а затем весной им поручают производственный дизайн.Задания обычно включают один крупный проект в год с другими, более мелкими возможностями, связанными с центральным проектом (при наличии). Выпускники Scenic Design имеют полное портфолио реализованных работ в самых разных жанрах.

Участие в конференциях и стажировках 

Программа в основном завершается в кампусе, хотя мы поощряем поездки и участие в профессиональном и культурном образовании. Пражская квадриеннале, Институт театральных технологий США (USITT), возможности помощи в дизайне и обучение за границей часто были частью опыта студентов во время учебы в аспирантуре университета.Многие студенты прошли стажировку в крупных театрах, крупных оперных труппах, дизайн-студиях и телевизионных студиях. В некоторых случаях для этих возможностей университет может получить частичную финансовую поддержку.

Национальный портфель

Выпускники Техасского университета в Остине по программе Scenic Design могут принять участие в The National Design Portfolio Review в Нью-Йорке и/или Design Showcase West в Лос-Анджелесе.

Веб-сериал «Театральные люди» размышляет о четвертом сезоне

Для Мэтта Андерсона, сценариста и режиссера веб-сериала «Театральные люди», основанного на Городах-побратимах, жизнь прошла полный круг.

Десять лет назад Андерсон переехал в Лос-Анджелес, чтобы писать сценарии и продвигать их, но ни одна из них так и не получила зеленый свет.

«Наконец-то, к концу, я просто хотел что-то сделать», — сказал он. «Я просто хотел что-то сделать и довести это до конца».

Андерсон вернулся в Города-побратимы. Он купил дешевую видеокамеру, прежде чем отправиться с другом в путь, и к тому времени, когда он был дома, ему удалось собрать воедино немой фильм. Вот тогда он понял:

«Несмотря на то, что я не заработал деньги в Л.А., средства производства настолько изменились за эти семь-восемь лет, что для создания проекта уже не требовалось 20 000 долларов», — сказал он. один из величайших природных ресурсов городов-побратимов — актеры. Родился «Театральный народ».

«Наш слоган: «Это комедийный веб-сериал о драме, стоящей за драмой», — сказал он.

Дэн Хопман и Трейси Мэлони танцует, пока Сэм Лэндман играет на пианино во втором сезоне «Театральных людей». »

Любезность Театра Людей

После завершения первого сезона один из актеров упомянул сериал театральному критику Star Tribune Грейдону Ройсу за кофе.

«В тот день я вернулся в свой офис и посмотрел три, четыре или пять коротких эпизодов подряд, — вспоминал Ройс. «И да, я просто влюбился в него прямо тогда».

Выступая как человек, который регулярно посещает спектакли, Ройс сказал, что «Театральные люди» предлагают закулисный взгляд на прослушивания, репетиции и вечеринки с актерами.Развратные актеры, претенциозные режиссеры и переутомленные постановщики — все получают свое на солнце.

«В этом было настоящее очарование, что-то вроде «Мы высмеиваем себя, но относимся к этому очень серьезно», — сказал он.

Эрик Вебстер и ансамбль исполняют музыкальную версию «Побега из Шоушенка» в первом сезоне комедийного веб-сериала «Театральные люди».

Любезность Театра Людей

Ройс, унаследовавший ферму своих родителей, был настолько очарован сериалом, что предложил дом и землю для возможного использования в качестве декораций.

Мэтт Андерсон ухватился за эту возможность, и ферма стала местом действия второго сезона «Театральных людей», в котором режиссер Джейми Гамб, кажется, немного сошел с ума, ставя конкретную постановку «Кукольного дома» Ибсена.

Команда Андерсона недавно завершила третий сезон. Сериал «Театральные люди» набрал более 30 000 просмотров и участвовал в 10 различных кинофестивалях. Он выиграл в номинации «Лучший веб-сериал» на кинофестивале Open World в Торонто и был номинирован на лучший актерский ансамбль на NYC Web Fest.

Первый сезон «Театральных людей» был волонтерским проектом, сказал Андерсон, но ему удалось выплатить стипендии актерам и съемочной группе за второй и третий сезоны благодаря успешной кампании на Kickstarter. Теперь ему нужно выяснить, может ли быть четвертый сезон.

«Мы должны снова увеличить количество вещей на обоих уровнях», сказал он. «Это должно быть более амбициозно, и мы хотели бы иметь возможность платить людям немного больше. Каждый шаг должен быть немного больше и немного более профессиональным. »

Итак, снова Мэтт Андерсон ищет продюсера, который бы поддержал его идею.

Вы делаете новости MPR возможными. Индивидуальные пожертвования стоят за ясностью освещения наших репортеров по всему штату, историями, которые нас связывают, и разговорами, которые дают точки зрения. Помогите сделать так, чтобы MPR оставался ресурсом, объединяющим жителей Миннесоты.

Пожертвуйте сегодня. Подарок в размере 17 долларов имеет значение.

Сценический дизайн

DESG-GT 1100-1101   Лекция   3–6 кредитов

Инструктор(ы): Лиен

Только для студентов факультета дизайна сцены и кино.

Этот курс будет посвящен осмыслению дизайна как неотъемлемой части театрального представления. Независимо от того, управляется ли событие текстом, музыкой, физическим движением/действиями или визуальными подсказками, пространство, которое вы создаете для него, имеет алхимическую связь с этими другими элементами. Ни один из элементов сам по себе не является полным без других; именно пересечение их всех и составляет великую театральную работу. Часто успешный замысел спектакля не обязательно гармонирует с материалом, а является чем-то, против чего может выступать пьеса… Начиная с установления концептуальной точки зрения, мы рассмотрим различные стратегии создания пространственного и визуального контейнера, который поддерживает, возвышает, вибрирует или бросает вызов другим аспектам представления. Чтобы прийти к этому контейнеру, дизайнер должен приступить к ПРОЦЕССУ, который включает в себя: взаимодействие с текстом/музыкой/материалом, реагирование на него таким образом, который соответствует вашему опыту и идентичности, исследование контекста, изучение визуального и пространственного восприятия. выражения вашего ответа и превращение его в физический трехмерный мир.В этом классе мы будем работать вместе, чтобы разработать процесс, который будет личным для вас. В конце этого документа я включил ДОРОЖНУЮ КАРТУ, которая представляет собой список вопросов и тем, которые я создал в своем собственном процессе, и к которым мы будем постоянно возвращаться и задавать вопросы по мере работы над различными проектами. Это действительно отправная точка — я ожидаю, что вы будете что-то менять или добавлять по мере разработки собственных процессов. Однако мы всегда будем работать с основополагающими инструментами дизайна — моделью, планом + разрезом — как основными способами визуализации, формирования и осмысления пространства, и мы будем практиковаться в использовании этих инструментов не только в качестве презентационных материалов, но как существенное ядро ​​грязного процесса проектирования.Формат класса основан на критике; каждую неделю вы будете представлять свою работу группе, а мы с вашими коллегами будем отвечать, задавать вопросы и давать отзывы на основе того, что мы видим и слышим. По образцу дизайнерской встречи с режиссером и другими дизайнерами мы научимся давать полезную обратную связь и участвовать в разговоре не только о самой пьесе, но и о контексте — будь то культурный, политический, эмоциональный или метафорический. Иногда вы будете в паре с одноклассниками, чтобы выступать в роли резонаторов друг друга. Будут также время от времени приглашенные гости (режиссеры, драматурги, драматурги и т. д.), которые внесут в дискуссию другие точки зрения. Эти критические анализы и обсуждения направлены на то, чтобы исследовать, информировать и направлять ваше мышление и процесс каждую неделю. В дискуссии или критике мы все уязвимы для слов других участников разговора. Наша ответственность как людей и как создателей, которые вносят свой вклад в культурную экосистему, заключается в том, чтобы приложить все усилия, чтобы быть в курсе как можно большего числа культур и взглядов.Однако, поскольку буквально невозможно научиться и быть в курсе всего, самое главное — осознавать то, чего вы НЕ знаете, и быть открытым и прозрачным в этом. Мы все, включая меня, будем делать ошибки, и эта комната должна быть безопасным пространством, где мы можем выражать идеи и задавать вопросы о вещах, которых мы не знаем, с уверенностью, что другие будут терпеливы, примут и великодушны.

.