Театр сцена рисунок: Сцена театра рисунок для детского садика и для школы.

Содержание

Театр Гонзаги — Государственный музей-усадьба «Архангельское»

Здание театра и декорации создал итальянский художник Пьетро ди Готтардо Гонзага (1751–1831) по заказу владельца усадьбы князя Николая Борисовича Юсупова (1751–1831). Театр в Архангельском входит в число немногих существующих в мире старинных театров, не затронутых позднейшими реконструкциями. До наших дней дошли не только элементы убранства зрительного зала и театральной машинерии, но и подлинные декорации Гонзаги, не сохранившиеся более ни в одном из европейских театров.

В 1817 году в Москве намечались торжества по случаю пятилетия победы над Наполеоном с участием императора Александра I. К предстоящему празднеству Юсупов задумал устроить в усадьбе театральный зал.

Князь Юсупов принял решение полностью перестроить здание манежа в западной части пейзажного парка на основе принципиально нового проекта Гонзаги.

Фасад и план Театра. 1-я пол. XIX в.

Неизвестный художник. Рисунок с декорации П.Гонзаги «Тюрьма». 1-я пол. XIX в.

Неизвестный художник. Рисунок с декорации П.Гонзаги «Мраморная галерея». 1-я пол. XIX в.

П.Гонзага (?). Поперечный и продольный разрез театра в Архангельском. 2-я пол. 1810- гг.
Государственный центральный театральный музей им.А.А.Бахрушина.

П.Гонзага. Проект плана театра в Архангельском.

Театр возводился из дерева на каменном основании артелью плотников Осипа Иванова. Для установки сценических механизмов из Москвы пригласили театрального машиниста Петра Иванова. В январе 1818 года, согласно историческим документам, в усадьбу в сопровождении архитектора Мельникова приехали «два итальянца и театральный механик». Заманчиво предположить, что этими итальянцами были Пьетро Гонзага и его сын Паоло.

К середине 1818 года театр в Архангельском приобрел тот облик, который можно видеть и сегодня.
Театр в Архангельском. 1890-е гг.
Планшет сцены с ярко выраженным уклоном имел все необходимые приспособления для смены декораций и различных сценических эффектов. Четверть объема здания отведена под артистические. Театр был пригоден для спектаклей любого рода – драматических, оперных, балетных, но прежде всего в Архангельском планировалось показывать спектакли декораций.
Спектакли декораций, заключавшиеся в смене на сцене театра различных по настроению иллюзорных архитектурно-пространственных картин, иногда под музыку, но без участия актеров, были известны в Западной Европе в XVII–XVIII столетиях. Автором такого представления становился театральный живописец, значимость его искусства была сопоставима с ролью драматурга, композитора, балетмейстера. Благодаря его мастерству рождалась, по выражению Гонзаги, «музыка для глаз».

Для усадебного театра Гонзага написал занавес, который как бы продолжал архитектуру зрительного зала, и несколько перемен декораций. Достоверно подтверждено создание десяти декораций, при этом некоторые современники полагали, что их было двенадцать или более. До наших дней сохранились четыре – «Храм», «Таверна», «Тюрьма», «Мраморная галерея», а также живописный занавес. Первоначальный облик почти всего ансамбля декораций Гонзаги воссоздают акварели, выполненные в 1820-х годах художниками, работавшими в усадьбе.

Вид зрительного зала
Вид зрительного зала
В театре сохранилась часть машинерии, использовавшейся во время смены декораций.
Полностью представить задуманный сюрприз Юсупову не удалось. По словам присутствовавших, в театре декорации сменили только три раза, что вызвало недовольство Александра I.
Позднее наследники князя Юсупова перевезли значительную часть художественных ценностей усадьбы Архангельское в Петербург.
И.Е.Крачковский. Программа спектакля в театре 1 июня 1896 г.
В конце XIX века в дни празднеств в Архангельском на подмостки усадебного театра выходили известные артисты. Заметным событием стали торжества 1896 года в честь Николая II: в большой музыкальной программе участвовали оперные знаменитости – шведская примадонна Сигрид Арнольдсон и итальянский певец Анджело Мазини. Наряду с концертными номерами была представлена опера Фелисьена Давида «Лалла Рук» на сюжет восточной поэмы Томаса Мура, но декорации Гонзаги не использовались – историки театра считали их в этот период утраченными.

Экскурсия в театр Гонзаги по предварительной записи. Возможно проведение сборных экскурсий в выходные и праздничные дни(при наличии свободного экскурсовода)
Дизайн карт «Тройка» посвятили открытию новой сцены Театра Олега Табакова
Карты «Тройка» в дизайне, посвященном Театру Олега Табакова, появились в кассах на станции метро «Сухаревская». Здание театра на Малой Сухаревской площади открылось после капитального ремонта 8 декабря. Первый спектакль на обновленной сцене пройдет 14 декабря. Горожанам решили напомнить об этом с помощью необычных проездных.

На лицевой стороне тематической карты «Тройка» изображены стадии рождения бабочки: гусеница — куколка — бабочка. Под рисунком есть надпись: «Метаморфозы артиста». Также на карте разместили логотип Театра Олега Табакова.
Все о транспортной карте «Тройка»
Рисунок на карте «Тройка» передает суть профессии артиста: играя новую роль, он перевоплощается, показывая зрителю героев с разными характерами. И для того, чтобы создать на сцене уникальный образ, актеру нужно пройти путь от замысла до реализации. Этот путь отчасти похож на тот, что проходит бабочка в своем развитии.
«Коллекция тематических карт “Тройка” напомнит горожанам об открытии Театра Олега Табакова после ремонта. Приобрести карты “Тройка” к открытию новой сцены театра можно в кассах на станции метро “Сухаревская”.

Проездные билеты выпустили тиражом в одну тысячу экземпляров», — рассказала Юлия Темникова, заместитель начальника метрополитена по развитию клиентских сервисов и работе с пассажирами.
В этом году Театр Олега Табакова получил грант Правительства Москвы на модернизацию интерьеров и инженерных систем. Ремонт в здании на Малой Сухаревской площади начался в июле. В театре создали уникальное пространство — фойе зеркал, оно расположилось на территории четырех этажей.
По замыслу художественного руководителя театра Владимира Машкова, каждый этаж имеет свое название: «Подсознание», «Внимание», «Воображение» и «Чувство». В фойе установлено несколько тысяч разнообразных зеркал: например, зеркальный водопад, зеркало-трансформер, колонны из зеркал. Фасад театра украшают витражи. Освещение в фойе зеркал устроено таким образом, чтобы сотрудники могли управлять светом, например менять цвет освещения или регулировать его яркость. Это позволяет создавать нужную атмосферу в фойе. При ремонте в театре обновили инженерные коммуникации, системы вентиляции и кондиционирования.

Московский театр-студия под руководством Олега Табакова был основан в 1987 году. В театральный комплекс входят две сцены на Малой Сухаревской площади и улице Чаплыгина, художественно-производственный комбинат и театральная школа. Одну из сцен на Малой Сухаревской площади открыли в 2016 году.
Зрительный зал рассчитан на 400 мест: первые четыре ряда (около 100 мест) могут перемещаться в трюм сцены для увеличения ее размеров. Таким образом режиссеры и стенографы могут трансформировать сценическое пространство, чтобы воплощать различные креативные идеи.
Зрительный зал театра оснащен электронной системой виртуальной акустики, которая создает эффект присутствия — ощущение погружения в акустическую атмосферу места действия спектакля. Звуковую атмосферу будет поддерживать и особая акустическая геометрия помещения (отражающие поверхности, акустические козырьки и тому подобное). В театре есть репетиционный зал, площадь которого соответствует площади основной сцены, что очень удобно для постановки новых спектаклей.
Билетные кассы оборудованы компьютеризированными рабочими местами, включенными в электронную систему заказа и продажи билетов, в том числе онлайн.
Актер, режиссер и преподаватель Олег Табаков был художественным руководителем театра с момента его открытия до смерти артиста в 2018 году. Новым худруком стал ученик Табакова и актер его театра Владимир Машков. Он предложил новое название — Театр Олега Табакова.
За последние пять лет в столице отремонтировали и заново построили 71 театральное помещение. Например, с 2013 по 2017 год были введены в эксплуатацию после капитального ремонта Театр кошек Куклачева, театры «Тень» и «Экспромт». Завершилось строительство Театрально-концертного объединения под руководством Александра Градского, а также Центра культуры, искусства и досуга имени Аркадия Райкина с Театральной школой Константина Райкина. В 2014 году ввели в эксплуатацию после капитального ремонта новую сцену Театра имени Марии Ермоловой, завершили работы в зданиях Театра под руководством Армена Джигарханяна (малая сцена), филиала Театра имени Владимира Маяковского и мастерских Театра имени А.
С. Пушкина. В прошлом году подошел к концу капитальный ремонт зданий и помещений Театра на Таганке, Театра на Покровке, театра «Около дома Станиславского».
Департамент культуры также планирует завершить строительство, реконструкцию и капитальный ремонт театра «Современник», «Школы современной пьесы», Театра музыки и поэзии под руководством Елены Камбуровой, «Шалома» и других.

«Поминальная молитва» на сцене Московского театра «Ленком Марка Захарова»: возвращение легендарного спектакля
«Поминальная молитва» – спектакль-легенда перестроечного периода. Окончание афганской войны, распад СССР, волнения в республиках, хлеб и сахар по талонам. В такой тревожной атмосфере и родилась пьеса Григория Горина, написанная по рассказам Шолом-Алейхема о Тевье-молочнике (перевод Михаила Шамбадала). Парадоксально, но спустя более тридцати лет история еврейской семьи выглядит не просто современной, но и словно написанной вчера. Автором реконструкции культового спектакля выступил Александр Лазарев. Он сохранил постановку в первозданном варианте, не меняя акценты и мизансценический рисунок. Та же музыка композитора Михаила Глуза разливается по массивным декорациям Олега Шейнциса: золотые маковки церкви, высокие травы за деревянными срубами, длинные столы и парящая картонная птица. И даже белая лошадь, покорно жующая сено в сарае, на своём месте!
Источник фото: сайт театра
Но обновлённый актёрский состав видоизменяет характер спектакля – то, что не зависит от материального обрамления. Хотя на сцене немало артистов, игравших в первой версии: Сергей Степанченко выходит в роли Тевье, а вместо него урядника играет Виктор Раков, прежде исполнявший роль Менахема-Мендла (в первом составе эту роль играл Александр Абдулов). Изначально Иван Агапов был студентом Перчиком, теперь же он примерил рваный пиджак Менахема-Мендла, а Александр Сирин, исполнявший у Марка Захарова роль портного Мотла, играет роль мясника Лайзера-Волфа. Кроме Сергея Степанченко, Тевье играет сын Евгения Леонова – Андрей Леонов. Старшую дочь Цейтл – Татьяна Збруева, дочка Елены Шаниной, первой исполнительницы Цейтл.
Источник фото: сайт театра
Если Тевье в трактовке Евгения Леонова был простодушным ребёнком, которому невозможно было не сопереживать, то Сергей Степанченко играет взрослого и мудрого еврея. Актёр делает это максимально аккуратно, понимая всю ответственность перед историей спектакля! Некая ритуальность ощущается в этом переповторении роли, особое почитание и преклонение перед театром и людьми, которые отдали ленкомовской сцене всю свою жизнь. Когда в финальной сцене Сергей Степанченко и Нина Горшкова (мать Менахема) становятся на колени, все в зале понимают, о ком молятся и кого вспоминают эти актёры… Для них «Поминальная молитва» – это не просто спектакль, это признание в верности своему театру и навсегда ушедшим коллегам.
Источник фото: сайт театра
Прекрасный дуэт составили Анна Большова и Станислав Житарев. По-новому выглядят их Голда и Степан! В сцене родов дочери, актриса не копирует интонации своей предшественницы Любови Матюшиной, а играет свежо и ярко. Её Голду нельзя назвать сварливой бабой, «делающей головную боль» мужу. Она невероятно обаятельна и мягка, даже деликатна. Тонкие кисти и нежная шея придают ей особой романтичной женственности. Анна Большова сумела взглянуть на Голду по-своему и увидела за маской многодетной матери не суетливую, обременённую бытом женщину, а мудрого человека с чуткой душой. Она просит Степана приглядывать за мужем после её смерти, и тот покорно соглашается. Тут прослеживается лирическая линия взаимоотношений между ними.
Источник фото: сайт театра
Станислав Житарев делает небольшую роль значимой и магнетически интересной. Степан становится символом добра, для которого не существует разделения людей по национальной принадлежности. Для него есть только хороший и плохой человек. Интересен рисунок мясника Лейзера-Волфа в исполнении Владимира Юматова. Актёр мастерски вводит характерный еврейский акцент и делает его неотделимой частью характера своего персонажа. Звучит это не нарочито, а мелодически напевно. А когда Лейзер опрокидывает голову назад и удивлённо поднимает брови в сцене-диалоге с Тевье, перед нами – истинный делец, но, отнюдь, не лишённый доброй детскости. Такой Лейзер весьма обаятелен!
Восстановленная «Поминальная молитва» – это молебен по Марку Захарову, Григорию Горину, Евгению Леонову, Александру Абдулову, Олегу Шейнцису, Татьяне Пельтцер, Елене Фадеевой… Но несмотря на всю тяжесть ленкомовских утрат, спектакль излучает смиренный свет. Тот самый свет, который наполняет Тевье, не озлобившегося на Бога за тяжёлую судьбу, а нашедшего в себе силы возрадоваться ей. Несомненно, эта «Поминальная молитва» будет жить в театре ещё много-много сезонов, доказывая, что прошлое – вечно и бесценно, а память – наш важный ориентир в будущем.
Театр актера и куклы «Петрушка» — Сургут
Наталья Владимировна Верчук с детства впитала любовь к этому суровому северному краю, к самоотверженным людям Севера. Благодаря ей, в тяжелейшие перестроечные годы в Сургуте появился театр для детей — «Театр актёра и куклы «Петрушка». Наташа стала его первой актрисой, выстояла в самые трудные времена — становления театра, работала порой в нечеловеческих условиях, несла свет и добро детям города Сургута и ХМАО-Югры.
Честная, целеустремленная, влюбленная в свое дело, преданная и верная своему театру, Наташа уже 27 лет служит ему и в данный момент является «старейшей» актрисой нашего театра. В ее трудовой книжке одна запись – артист-кукловод «Театра актера и куклы «Петрушка». Только на время получения высшего профессионального образования в Российской академии театрального искусства (г. Москва) по специальности «Актёрское мастерство» Наталья прерывала свою актёрскую деятельность.
Наталья Владимировна — ведущая актриса театра – яркая, самобытная. За время работы проявила себя как высокопрофессиональный, добросовестный, квалифицированный специалист. Она постоянно совершенствует свое мастерство, её персонажи разнохарактерны, интересны, она всегда самоотверженно и творчески подходит к работе над каждой ролью. Ее манера игры завораживает и делает образ спектакля незабываемым. С ней легко работать, как режиссерам, потому что она все схватывает «на лету», умеет самостоятельно работать над ролью, прекрасно оживляет кукол всех систем, так и актерам, т.к. она тонко чувствует партнеров по спектаклю, органично вписывается в любой актерский состав.
Наталья Владимировна активно занята репертуаре театра. Из 52 спектаклей театра она занята в 37, в 34 — у нее главные роли.
Работы последних лет вызывают особое восхищение у критики. Главная роль Буратино в спектакле «Золотой ключик». Виртуозное владение куклой и голосом, её герой из озорного мальчишки за время спектакля превращается в целеустремлённого подростка, которому по плечу и театр создать, и защитить друзей от беды. В музыкальном спектакле «Теремок» актриса проявляет прекрасное чувство ансамбля, демонстрирует пластическую выразительность, в спектакле ей сыграны две роли: Лягушка и Лиса – характеры их диаметрально противоположны. В спектакле «Малыш и Карлсон» Наталья с заразительным озорством и достоверностью играет образ Малыша. Это по-настоящему бенефисная роль, которую актриса заслужила по праву своим трудолюбием, преданностью актерской профессии и любовью к детям. Бенефисом оказалась и работа в спектакле «Умка». Спектакль получился о настоящей дружбе, для которой не важно, ни расстояние, ни внешний облик друга, а важно единое мироощущение и мировосприятие, сближающее героев спектакля. Ведь искренность, душевность, любовь, доброта присущи и самой актрисе.
С 2014 года в театре появились спектакли для взрослых, неоднократно отмеченные на фестивалях различного уровня. Они появились, в том числе, и благодаря мастерству актрисы театра Натальи Владимировны Верчук, ведь в театре ее называют не иначе, как «Мастер».
Блистательная работа красавицы Милдред, в спектакле для взрослой публики «451 градус по Фаренгейту», показала, что Наталья еще и прекрасная драматическая актриса. Главная роль — Мюд в спектакле «Шарманка» по пьесе А. Платонова раскрыла все грани присущие этой удивительной актрисе — романтизм, лиризм, трагизм. После последнего монолога Мюд, в зале воцаряется долгая тишина, а дальше…не остается ни одного равнодушного, взрыв эмоций и восторг публики! В «Опыте прочтения пьесы «Король Лир» при дворе царя Гороха» у нее роль коварной дочери царя: обаяние, нежность, ум, жестокость, жажда власти, хитрость и коварство — и все это у актрисы в одном персонаже.
Наталья Владимировна постоянный участник городских социально значимых мероприятий: «День города», «День нефтяной и газовой промышленности», «День Победы», «День Детства», «День Молодежи», «Новый год» и т.д. Участник концертов Сургутской филармонии, Художественного музея, Библиотеки им. Пушкина, Музейного комплекса «Старый Сургут» к особо важным мероприятиям и праздникам. В 2014 г. принимала участие в открытии Российской национальной телевизионной премия за высшие достижения в области телевизионных искусств фестиваля «Тэфи», в 2019 г. открытие Года Театра в России. Участник «Елки Главы города Сургута» и «Елки Главы Сургутского района» для особо одаренных детей.
Прожившая 40 лет в Сургуте, она принимает участие в сохранении и развитии культуры коренных народов ХМАО-Югры: это участие в спектаклях «Северная сказка» и «С небом живите», в которых она с любовью передает молодому поколению сказки и притчи северных народов.
Наталья Владимировна неоднократный участник и организатор Международных, Всероссийских, Окружных и Городских театральных фестивалей, и конкурсов. Благодаря ей, сургутский театр кукол знают в городе, округе, России и за рубежом. Театр получил широкое признание общественности и профессионального театрального сообщества, достойно представляет Россию на Международных театральных фестивалях в Таджикистане, Казахстане, Белоруссии, Сербии.
Она безотказно выступает в благотворительных спектаклях для детей и концертах для людей преклонного возраста в Геронтологическом центре. Она легко находит язык с «особенными» детьми: «Зажечь синим» — работа с детьми – аутистами, спектакли проекта «Добрая сказка входит в дом», как средство реабилитации лежачих детей-инвалидов, к которым театр приезжает домой со спектаклями «Чудо-зонтик» и «Как Маша поссорилась с подушкой». Участие в благотворительных спектаклях для детей православной гимназии и коррекционных школ города, в реабилитационных центрах «Добрый волшебник», «Апрель», «На Калинке».
Наталья Верчук участник всех 8 театральных и просветительских проектов театра:«Добрая сказка входит в дом», «Театр в сердце ребенка», «Ладушки-ладушки», «Сказки со всего света», «Главные слова», «Безопасное детство», «Внеклассное чтение», «Театр идет к зрителю».
В рамках общероссийской федеральной программы «Большие гастроли».

играла спектакли «Лунный песик, Солнечный Зайчик и другие сны Чудо-зонтика» и «Госпожа Метелица» для зрителей г. Владимира, а «Аленушка и солдат», «Как Страусенок друзей искал» для курганских зрителей. Участник в обменных гастролей с театром кукол «Барабашка» (г. Нижневартовск) со спектаклями «Аленушка и солдат», «Все дело в шляпе».
Но не только дети города Сургута знают Наташу Верчук. Известна она и в столице Югры городе Ханты-Мансийске, и детям отдаленных районов округа, добраться до которых можно либо на пароме, либо на вертолете. Гастрольные туры по ХМАО-Югре с лучшими спектаклями театра надолго запомнятся как детям, так и взрослым. Об этом говорят многочисленные благодарственные письма от организаций, хвалебные записи, оставленные зрителями в «Книге отзывов».
Наталья Владимировна Верчук пользуется большим уважением, любовью коллег по театру. Член художественного совета театра. Пять лет является в театре наставником: учит молодых актеров работе с куклой, погружая их в профессию, делится секретами кукольного мастерства, знакомит их с историей и традициями театра.
Несколько лет преподает актерское мастерство и сценическую речь в театральной студии «Кулисы» в Городском культурном центре «Строитель». Делится своим мастерством с юными жителями города Сургута, желающими овладеть тайнами актерской профессии.
Член СТД России с 2017 г.
Прошла обучение:
Ежегодно повышает свою квалификацию: сертификат «Театры – особенному зрителю», удостоверение Магнитогорской государственной консерватории им. Глинки «Музыкальное и двигательное воспитание детей по системе К. Орфа», сертификат «Сценическая речь в театре кукол», сертификат «Оркестр из ничего: от игры – к концертному выступлению», сертификат «Актерское мастерство в театре кукол».
2014 г. — Мастер-класс В.Антонова «Устройство и работа с куклой – марионеткой».
2014 г., 2016 г., 2018г. — Фестиваль «Рабочая лошадка» (г. Набережные Челны), секция «Мастерство актера театра кукол».
2014 г. — Семинар-практикум по актёрскому мастерству на темы: «Партнерство и взаимоотношение на площадке», «Импровизация с предметом», «Психофизический тренинг актеров кукольников» режиссёр, театральный педагог Наталья Плеханова (Германия, г. Кёльн).
2014 г. -Мастер-класс кандидата искусствоведения, заместителя директора по научной работе Российского института истории искусств, театрального критика, заместителя председателя комиссии по делам кукол СТД РФ Некрыловой А. Ф. (г. Санкт-Петербург).
2015г., 2017г. — Мастер – класс педагога Екатеринбургского театрального института, з.а. Н.В.Гараниной «Техника вождения куклы».
2018г. — Мастер – класс педагога СПбГАТИ доцента кафедры режиссуры и актерского мастерства факультета театра кукол, член Союза Художников России А.Я. Стависского «Работа с тростевой куклой».
2017г., 2018г. — Мастер-класс по сценической речи, педагог СПбГАТИ, заслуженный деятель искусств Республики Бурятия Е.И Кириловой.
2018 г. Мастер-классе московского критика Марины Шимадиной «Современный театр для детей».
2019г. — Мастер-класс по актерскому мастерству педагога Новосибирского театрального института Э.Р. Куриленко «Метод событийно-действенного анализа текста в работе актера над ролью».
2019г. — Мастер-класс по сценической речи педагога В.Б. Богдановой – «Голосо-речевой тренинг артиста-кукловода к спектаклю».
2019 г. — Мастер-классы в рамках XXV Международного фестиваля-биенале кукольных и синтетических театров «КУКАРТ» (г. Санкт-Петербург).
2019 г. — Мастер-классы по современному искусству в рамках VI Международного фестиваля современного искусства «Параллели» (г. Курган).
2020г. — Мастер-класс по сценической речи преподавателя РАТИ Е.В. Проскуриковой «Голосо-речевой тренинг артиста-кукловода к спектаклю».
Текущий репертуар:
Спектакль «451 градус по Фаренгейту»(16+) — Милдред (главная роль).
Спектакль «Алладин и волшебный светильник»(0+) — Мама (главная роль).
Спектакль «Аленушка и Солдат»(0+) — Бабка, Голова Змея Горыныча (главная роль).
Бэби-спектакль «Бука»(0+) — Бука (главная роль).
Спектакль «Волшебный дождик»(0+) — Маслёнок маленький, Поганка 2 (главная роль).
Спектакль «Все дело в шляпе»(0+) — Пингвин, Страус, Шляпница, Собака, Обезьяна, Заяц (главная роль).
Спектакль «Ваня Датский»(6+) — Рассказчица, Ваня (главная роль).
Спектакль «Госпожа Метелица»(0+) — Метелица, Барашек (главная роль).
Спектакль «В поисках птицы Счастья»(6+) — Фея (главная роль).
Спектакль «Золотой ключик, или приключения Буратино»(0+) — Буратино (главная роль).
Спектакль «Как страусенок друзей искал»(0+) — Страусенок (главная роль).
Бэби-спектакль «Как страусенок друзей искал»(0+) — Страусенок (главная роль).
Спектакль «Кошкин дом»(0+) — Курица.
Спектакль «Кот в сапогах»(0+) — Заяц (главная роль).
Спектакль «Курочка Ряба»(0+) — Бабушка (главная роль).
Спектакль «Лиса и Дрозд(0+) — Лиса (главная роль).
Бэби-спектакль «Путешествие на Луну(»(0+),Бэби-спектакль «Путешествие на Солнце»(»(0+) — Зайчик, Мышка, Кошка (главная роль).
Спектакль «Малыш и Карлсон»(0+) — Малыш (главная роль).
Спектакль «МойДодыр»(0+) — Мама.
Бэби-спектакль «Как Маша поссорилась с подушкой»(0+) — Маша (главная роль).
Спектакль «Опыт прочтения пьесы «Король Лир» при дворе царя Гороха»(16+) — дочь Власта (главная роль).
Спектакль «Приятного аппетита, Тигренок»(0+) — Сова, Улитка, Дорога (главная роль).
Спектакль «Сказка о рыбаке и рыбке»(6+) — Бабка (главная роль).
Спектакль «Северная сказка»(0+) — Мальчик Тынен (главная роль).
Спектакль «Сказка о Емеле, царе и щучьем волшебстве»(0+) — Щука (главная роль).
Спектакль «Сказка о царе Салтане»(0+) — Царевна (главная роль).
Спектакль «Солдатский котелок»(0+) — Котелок (главная роль).
Спектакль «Теремок»(0+) — Балалайка, Лягушка, Лиса (главная роль).
Спектакль «Три поросенка»(0+) — Поросёнок Нуф-Нуф (главная роль).
Спектакль «Тук-тук, кто там?»(0+) — Козлёнок (главная роль).
Спектакль «Умка»(0+) — Медвежонок Умка, Полярник (главная роль).
Спектакль «Упрямый цыпленок»(0+) — Цыплята (главная роль).
Спектакль «Шарманка»(16+) — Мюд (главная роль).
Интерактивные спектакли:
«Сургут Супергуд» (ведущая роль).
«Пешком с мешком».
«Беспризорный перекрёсток» – Авария (главная роль).
«ОБЖигающие истории или спокойствие, только спокойствие» – Малыш (главная роль).
Спектакли, которые вышли из репертуара театра:
«25 лет на грядке» – участник кукольных номеров.
«Аленький цветочек» – Настенька (главная роль).
«Аленка и Гусенок» – Аленка (главная роль).
«Ай, да Мыцык» – Мышонок (главная роль).
«В гостях у Сказки» – Снегурочка.
«В гостях у Кузи» — Ведущая (главная роль).
«Кукольный Неформат или Весенняя Петрушка» – участник кукольных номеров.
«Дорога к Солнцу» – Девочка, Белочка.
«Дорога в Бремен» – (главная роль Кот, Атаманша).
«Ещё раз про Красную Шапочку» — (главная роль Красная Шапочка).
«Если звезды зажигаются, значит это кому-нибудь нужно» — участник кукольных номеров.
«Жирафа и Носорог» (главная роль – Жирафа).
«Зимняя сказка» (взрослый вариант) – Снеговик.
«Зимняя сказка» – Снегурочка, Митрошка (главная роль).
«Люди и куклы» – участник кукольных номеров.
«МаПа» – Девочка.
«Мой добрый папа» — Цыплёнок (главная роль).
«Маша и Медведь» – Маша (главная роль).
«Необыкновенное чудо» – Герда, Дюймовочка.
«Новогодний переполох или чудеса с похищениями» — (главная роль – Гном).
«Новогодние чудеса» – Поросенок, Баба Яга, Клоун.
«Новые приключения Колобка» – Заяц, Василиса.
«Переполох в новогоднем лесу или игра в прятки» — Гном (главная роль).
«Поросёнок Чок» — Ёжик.
«С небом живите» – Девочка, Дух зверя.
«Снежная королева» (главная роль – Герда).
«Светофор-дирижёр» – Зайчик.
«Тайна волшебной шляпы» – Тосла и Висла.
«Участие в телевизионной программе Сургутского телевидения «Засыпаночка» — Котенок (1994-1995 гг.).
«Чудо-Юдо Емельян» – Скоморох (главная роль).
«Чудеса из волшебного ящика» – Снегурочка.
«Щелкунчик» — (главная роль – Клара).
«Весенняя карусель» – Ведущая (главная роль).
«По морям, по волнам» — Моряк.
«Лесные приключения» — Ведущая (главная роль).
«Рыцарям везде дорога» — Ведущая (главная роль).
«Времена года» — Ведущая (главная роль).
«Все кувырком» — Ведущая (главная роль).
«Потешный короб» — Ведущая (главная роль).
«оШАРеть можно» — Ведущая (главная роль).
«Морское путешествие» — Ведущая (главная роль).
«Новогодний Трамвай Тралевай» — Ведущая (главная роль).
«Новогоднее путешествие» – Снегурочка.
«Прокол-шоу» — Ведущая (главная роль).
«Жили-были чудеса» – Василиса Премудрая (главная роль).
«Время чудес» – Снегурочка.
«Полет в Новый год» – Снегурочка.
«Где водятся волшебники» — Молочница.
КОНЦЕРТНЫЙ ЗАЛ
Здание Концертного залаисторически связано с Мариинским театром. В 1900 году по проекту Виктора Шретера на этом месте был построен Декорационный магазин и зал дирекции Императорских театров, перешедший в ведение Мариинского театра в 1917 году. Более ста лет в Декорационном зале создавались уникальные декорации к спектаклям, многие из которых до сих пор сохраняются в репертуаре театра. В сентябре 2003 года в здании Декорационных мастерских вспыхнул пожар, который уничтожил практически все хранившиеся там костюмы и декорации и повредил здание настолько, что, казалось, его невозможно восстановить.
В этой ситуации маэстро Гергиевым было принято решение построить на месте старого здания мастерских новый Концертный зал, полностью сохранив чудом уцелевший в огне исторический фасад. Вместе с этим с противоположной стороны, которая выходит на ул. Декабристов, сооружен новый фасад, являющийся своеобразным олицетворением архитектуры нового ХХI века. По замыслу Ксавье Фабра – автора проекта нового Концертного зала, его архитектурные особенности должны были органично сочетать элементы «века нынешнего и века минувшего».
29 ноября 2006 года в присутствии Президента Владимира Путина, министра экономического развития Германа Грефа, министра финансов Алексея Кудрина, мэра Москвы Юрия Лужкова и губернатора Петербурга Валентины Матвиенко состоялась презентация нового Концертного зала Мариинского театра.
Открытие Концертного зала стало еще одной знаменательной датой в истории российского театра. Это единственный в России театрально-концертный комплекс высочайшего уровня, построенный в соответствии с современными достижениями строительной науки и изначально предназначенный для проведения концертных программ. В отношении технологий и акустических качеств, и в этом заслуга г-на Тойоты, новый зал сравним с лучшими концертными площадками мира, такими как концертный зал в Люцерне, Саппоро и Бирмингеме, Берлинская филармония, Гевандхаус в Лейпциге или Дисней Холл в Лос Анджелесе. В новом зале предусмотрена возможность желаемой трансформации сцены, в зависимости от программы каждого данного вечера. Так, управляемость отдельными блоками планшета сцены дает возможность вариативного расположения оркестровых групп или формирование оркестровой ямы. Зал также может использоваться и для сценических представлений оперных произведений, и для балетных постановок.
На вечере по случаю открытия Концертного зала выступили как ведущие солисты Мариинского театра, так и знаменитые инструменталисты – скрипачи Вадим Репин, Максим Венгеров, пианист Ланг Ланг.
Событие это было бы невозможно, если бы не огромная поддержка, оказанная многими частными лицами и компаниями, которые поверили в этот проект и приложили серьезные усилия для его осуществления.
В апреле 2007 года Концертный зал открыл свои двери широкой публике. К этому событию Валерием Гергиевым было приурочено открытие цикла «Симфонии Малера» в исполнении симфонического оркестра Мариинского театра. Полностью этот цикл прозвучал в рамках XV Международного фестиваля искусств «Звезды белых ночей» и был посвящен столетию памятных концертов великого австрийского композитора и дирижера в Петербурге.
С лета 2007 года Концертный зал стал, наряду со сценой Мариинского театра, важнейшей площадкой фестиваля «Звезды белых ночей», а также таких фестивалей театра, как «Новые горизонты», «Масленица», «Брасс-вечера в Мариинском».
Концертный зал уже предоставил петербуржцам уникальную возможность услышать лучшие зарубежные симфонические коллективы: Лондонский, Бамбергский, Мюнхенский и Сеульский филармонические оркестры, Октет берлинского филармонического оркестра, солистов Венского филармонического оркестра, – а также известных инструменталистов, дирижеров и солистов оперы, среди которых скрипачи Вадим Репин и Николай Цнайдер, пианисты Александр Торадзе, Денис Мацуев, Борис Березовский и Петр Андершевский, дирижер и композитор Эса-Пекка Салонен, дирижеры Кристиан Тилеманн, Пааво Ярви и Риккардо Мути, певицы Анна Нетребко и Виолета Урмана, Лариса Дядькова и Вальтрауд Майер, певцы Сергей Лейферкус и Томас Хэмпсон, Рене Папе, Уиллард Уайт и Ферруччо Фурланетто и многие другие всемирно известные исполнители.
Здесь же, в Концертном зале Мариинского театра, впервые в России прозвучала опера для концертной сцены Родиона Щедрина «Очарованный странник» и состоялась первая сценическая постановка этой оперы.
Весной 2009 года началась реконструкция комплекса зданий, примыкающих к Концертному залу Мариинского театра, в котором после реконструкции будут размещены ресторан, кафе, музыкальный магазин и репетиционные помещения.
Летом 2009 года в Концертном зале был установлен орган работы французской фирмы «Альфред Керн и сын» (Страсбург), основанной в 1953 году отцом Даниэля Керна Альфредом Керном при непосредственной поддержке и участии лауреата Нобелевской премии мира доктора Альберта Швейцера. Уникальная особенность мастеров фирмы «Альфред Керн и сын» – в сочетании опыта и традиций немецкого и французского органостроения, уходящих в глубину веков. Орган в Концертном зале – первый за столетие французский инструмент в России, который отличается от органов немецких мастеров и конструктивными особенностями, и характером звучания, что позволяет полноценно исполнять в России не только немецкую, но и французскую органную музыку. Инаугурация органа состоялась 1 октября 2009 года. (Диспозиция oргана)
Выставки в Концертном зале
Фойе Концертного зала постоянно функционирует как выставочное пространство. Регулярно обновляющаяся художественная экспозиция позволяет слушателям концертов дополнить свои музыкальные впечатления живописными, познакомившись с интересными работами различных жанров и стилей. Здесь можно увидеть как творения признанных мастеров, так и детские рисунки, ставшие непосредственным откликом на оперные и балетные спектакли самых маленьких посетителей Концертного зала – участников Академии юных театралов.
Концертный зал в мировой прессе:
«Концертный зал Мариинского театра представляет собой органический сплав истории и современности. Он обладает превосходной акустикой, обеспеченной японцем Ясухисой Тойотой, и способен принять более 1000 зрителей, в том числе студенчество, для которых предусмотрены специальные места». (Il Giornale)
«Это акустическая сенсация!» (Dagens Nyheter)
«Зрительские места расположены сложным сочетанием уступов и балконов вокруг оркестра. Обтекаемые формы направляют звук, преломляя его. Акустика обеспечивает кантиленность звука, четкость духовых инструментов, звучание которых, не исчезая, растворяется в пространстве, открывающем с любой точки прекрасную видимость. Тесное сотрудничество Ясухисы Тойоты с архитектором дало удивительный результат, полный света и тепла». (Le Figaro)
«Замысловатый красный кирпичный фасад оригинального здания Концертного зала прекрасно восстановлен. Французский архитектор Ксавье Фабр проделал замечательную работу по соединению старого и нового. Акустикой зала занимался знаменитый Ясухиса Тойота, более всего известный своим залом в Лос-Анджелесе, получившим всеобщее признание. Интерьер нового зала сделан в основном из дерева. Ряды зрительских кресел расположены по всему периметру зала, но нет привычных балконов. Как заявил сам Гергиев, он хотел, чтобы зал был интимнее и, в то же время, чтобы в нем можно было исполнять Малера и Шостаковича. Тойота превосходно справился с поставленной задачей: баланс звучания изумляет!» (The New York Times)
«Концертный зал оживает от легкого движения звуковых волн, которые отражаются от потолка и стен. Кажется, что и сам зал уже превратился в инструмент – скрипку Страдивари». (Süddeutsche Zeitung)
Лев Гурыч Синичкин (1924) / Театр им. Евгения Вахтангова. Официальный сайт.
Премьера спектакля состоялась 16 декабря 1924 года. Это была первая большая работа Рубена Николаевича Симонова.
В газете «Вечерняя Москва» №289-309 за 17 декабря 1924 года вышла рецензия на спектакль: «Можно, конечно, сомневаться в целесообразности появления этого классического водевиля в репертуаре студии имени Вахтангова, но победителей не судят: спектакль получился приятный.
Этому не мало способствовали изменения в тексте и музыке «Льва Гурыча», сделанные Ник. Эрдманом и Сизовым. Они в большинстве случаев очень удачны; они необходимы были для того, чтобы выбить постановку из плана музейного «старинного спектакля» и как-то осовременить ее. Куплеты о современных театрах, пародия на революционную пьесу — все это очень потешно и уместно. Мало в этом отношении обработан 3-й и особенно 4-й акты, — и настроение в последних соответственно снизилось.
Режиссура с Симоновым во главе, по-видимому, отказалась — и совершенно правильно — от мысли сохранить присущий этому водевилю элемент «трогательности»: театр «улыбается» и над старинным комическим и над старинным трогательным…
Спектакль крепко слажен и идет хорошим темпом, — ощущение длинноты дает только 4-й акт. Много остроумной выдумки…
Почти все роли нашли в коллективе студии отличных исполнителей. Щукин (Лев Гурыч) дает чрезвычайно выпуклый рисунок заглавного образа, делая акцент на актерстве Синичкина. Легкая и мило угловатая Лиза (Варгина). Хорош и Ветринский (Басов). Трагика Напойкина очень находчиво изображает прирожденным комиком Горюнов. Менее определены фигуры Пустославцева (Балихин) и графа Зефирова (Миронов)… Из фигуранток хочется выделить «трагичку»…
Борис Эрдман, художник спектакля, показал колоритную и интересную работу — «сцена на сцене», костюмы и пр.
Спектакль, повторяю, по-вахтанговски веселый. Но Вахтангов — это не только «Турандот». Вахтангов — это и «Гадибук». И эту сторону вахтанговской «стихии» вахтанговцам надлежит культивировать. Словом, мы ждем «серьезного» спектакля, который показал бы, что в студии блюдется полная вахтанговская традиция, и чтобы молодым актерам кто-нибудь не бросил упрека: дескать, «шутить и век шутить — как вас на это станет!»…»

Театральная фотография — что это такое? Инструкция по применению — Российское фото
Участник клуба «Российское фото» и фотограф театральных постановок и концертов Георгий Безбородов является профессионалом своего дела — список запечатленных им мероприятий просто поражает, что уж говорить о непревзойденном качестве фотографий. В своем материале Георгий рассказал журналу, как ему удается снимать спектакли с самых непредсказуемых ракурсов, как стать невидимым для зрителей театра и что думают сами деятели театров о театральной фотографии.
Медитация начинается с вешалки.
Фото: Георгий Безбородов
Спектакль «Из Жизни Планет», музыкальное посвящение неснятым фильмам 60-х
На сцене: Олег Нестеров
Но даже не с той, которая в театре, а с той, что у меня дома. Сейчас расскажу.
Лучший учитель театральной фотографии — Константин Сергеевич Станиславский. Описанные в его книгах упражнения для актеров как будто сошли со страниц буддийских манускриптов — они про развитие важнейших для каждого человека навыков «записи» и передачи информации.
Хорошо, но при чем тут фотограф? Это актеры играют, а он снимает. Да, но нет: уже даже физики со своими квантовыми теориями доказали, что наблюдатель меняет наблюдаемое, а нам, гуманитариям, это известно с древнейших времен. Таким образом, фотограф — тоже участник постановки, к тому же он формирует взгляд на сцену тех, кто увидит спектакль только через его объектив.
Чему учил нас великий Станиславский? Вживаться в роль, становиться на время тем, кого играешь, но есть ли такая возможность у фотографа? Почти никогда ты не видишь спектакль или даже его сценарий до съемки, у тебя нет времени вжиться в роль героев, все приходится делать без репетиций, в реальном времени…
Фото: Георгий Безбородов
Театр поэтического перформанса «Хористки»
Спектакль «Т. Ч. К.» («Те, что коснулись…») о судьбах русских поэтов Серебряного века
На сцене: «Анана́сы в шампа́нском» («Увертю́ра») — стихотворение Игоря Северянина
Просто будь
Удобнее всего устроиться на хорошем месте, достать полосатый репортажный зум и отлично отщелкать спектакль. Для классического театра это в самый раз: как будто художник нашел хорошую точку, разложил мольберт и пишет пейзаж с натуры.
В некоторых случаях это единственный вариант (нельзя ходить по залу и т. д.), но я стараюсь его всячески избегать, так как результат будет качественный, но предсказуемый. И для современного театра, который стремится вовлекать зрителя в действо, а не просто показывать что-то вдалеке на сцене, такой способ съемки не очень подходит.
Чтобы показать иммерсивность современной постановки, приходится самому быть иммерсивным — здесь и сейчас, в потоке. Не думать, отпустить ум, слиться с действием. Тело само пусть снимает, оно помнит, как. Тело имеет свои центры сознания, которые работают иным, чем голова, образом, намного точнее и быстрее. Яркий пример: когда падает чашка, ты ее хватаешь на лету — и лишь потом осознаешь, что она падала, но ты ее поймал и ваще молодец))
Но есть одна маленькая деталь: тело должно быть достаточно свободным и текучим, чтобы иметь возможность так работать, поворачиваться, приседать или нажимать на кнопку, не отвлекая меня от «стратегического созерцания». Я же хоть и медитирую практически, но не в бессознательном состоянии, надо следить за переключением режимов съемки, сменой объективов, предугадывать, в каком углу зала вскоре будет самое интересное, и вовремя там оказаться с наилучшего ракурса.
В школе нас не учили правильно двигаться, дышать, смотреть… приходится наверстывать уже во взрослом состоянии, что требует осознанных усилий. Я работаю с телом и сознанием через традиционные русские практики — кресение (от слова «крес» — огонь) и лажение (от слова «лад»), дополняя их элементами из других традиционных культур — от тантры до ушу.

Фото: Георгий Безбородов
Испанский уличный театр Kamchatka
Иммерсивный спектакль Habitaculum
Исчезни
Важно не мешать, быть совершенно незаметным. Это самое сложное. Я вхожу в состояние «невидимости» еще заранее, выходя из дома, постепенно втягиваю все внимание внутрь, так, что люди на улице и в метро даже порой не замечают меня, налетают случайно. А я не хрупкая девушка, а довольно крупный и тяжелый объект))
Важно не ломать ритм действа: никого не смутит щелчок затвора или клацанье при смене объектива во время шумного момента, но нет ничего хуже малейшего звука в немой сцене. Да, современные камеры могут снимать вообще без звука, как, например, мой Canon R, но еще лучше внутренне влиться в ритм спектакля, тогда все движения становятся «к месту» и не нарушают рисунок постановки. Тут тоже нужна тренировка: можно, например, двигаться в толпе, предугадывая пустоты между людьми и «втекая» в них — это даст телесное ощущение вовлеченности и гармонии с происходящим вокруг. И еще предвидение: что произойдет через мгновение. Это важно: успеть поймать движение, которое уже началось, практически невозможно, но если понимаешь, что актер вот-вот встанет или даже взлетит, то успеть легко.

Фото: Георгий Безбородов
Музыкально-поэтическое шоу «Культурное вторжение»
Режиссёр: Наталья Семенова
На сцене: Даниил Страхов, Сергей Шнырёв, Ирина Пегова, Алексей Айги и Ансамбль 4’33
Будь легким, как бабочка
Перепробовав много объективов, по-прежнему остаюсь приверженцем Zeiss и снимаю в основном ими (Planar 50/1,4, Milvus 25/1,4 и 85/1,4), несмотря на отсутствие зума и автофокуса, и вот почему:
чистые и прозрачные цвета, акварельные немного, вся картинка «воздушная»

хорошо сохраняют информацию в тенях и переосвещенных областях, потом есть что в редакторе подтянуть — в театре очень часто картинка слишком для фотоаппарата контрастная

одинаково прекрасная резкость по всему кадру, никакой «каши» в углах, можно смело снимать начиная с самой открытой диафрагмы — 1,4

почти не боятся контрового света, и, тем более, бокового, если попадает софит, то или он незаметен, или выходит красиво

восхитительное фирменное боке — ну это и так все знают

Мануальная оптика заставляет каждый момент оставаться «живым»: менять точку съемки, крутить резкость, менять объективы — невозможно работать вполглаза. Для меня это принципиально важно — я как бы помещаю себя в обстоятельства, где просто вынужден быть легким и подвижным.

Фото: Георгий Безбородов
Испанский уличный театр Kamchatka
Иммерсивный спектакль Kamchatka
Сними то, не знаю что
Самое интересное, что театру фотографии больше всего нужны тогда, когда снимать еще нечего: костюмы и декорации доделываются, свет настраивается, подготовка красивой картинки в процессе, но горят афиша нового спектакля и рассылка пресс-релизов. Когда все будет готово, и на пресс-показ соберут корреспондентов, фотографий будет много, красивых и разных… А пока….
Понятно, что можно наколлажировать чего-нибудь «из старенького», но есть и другой выход — съемка в репетиционном зале. Впрочем, тут есть существенное препятствие — совершенно негодный фон: вешалки, куски декораций и прочий театральный хлам плюс ограниченное пространство. Но это же и интересно: ты вынужденно оказываешься в гуще событий, когда актеры работают со всех сторон от тебя, а ты крутишься во все стороны, выхватываешь кадры, уворачиваясь с траектории их движения. Естественно, с максимально открытой диафрагмой, чтобы не отвлекал фон. Объекты съемки проносятся с огромной скоростью на маленьком расстоянии — очень увлекательно) Поймать кадр ПОЧТИ невозможно, зато это «почти» выходит очень эмоционально.
Самая же идеальная ситуация — даже не пресс-показ, а прогон, это когда все декорации и костюмы уже есть, а зрителей, которым можно мешать, и коллег, об которых бьешься порой объективами, — нет. Одно удовольствие! Можно даже немного залезть на сцену)
Фото: Георгий Безбородов
«Му-Му», режиссёр Дмитрий Крымов
На сцене: Алексей Вертков и Мария Смольникова
Фото: Георгий Безбородов
«Му-Му», режиссёр Дмитрий Крымов
На сцене: Алексей Вертков
Я рассказал, что есть театральная фотография для меня. Естественно, снимаю я не только для собственного удовольствия, но для пользы театра, поэтому мне было интересно посмотреть «с другой стороны сцены», и я попросил театральных профессионалов рассказать, что же значит театральная фотография для них.
Сергей Шнырёв, актер театра и кино:
— В театральной фотографии важнее всего то, что называется «жизнью человеческого духа». Жизнь тела тоже важна, как и Жизнь вообще. Меньше всего интересны красивые «позерские» фото артистов. А вот если фотографу удается, хотя бы в небольшой степени, проникнуть внутрь героя, передать мысль, чувство, образ, все то, что волнует актера в конкретной роли, тогда — удача! И, возможно, взгляд фотографа откроет самому артисту что-то еще не сформулированное, новое для него самого. Тогда — это удача вдвойне.
Важно снять хороший крупный план. Ведь зритель лишен возможности совсем близко разглядеть актера, а значит, в полной мере увидеть всю гамму чувств персонажа. Выразительный жест, схваченный фотографом, также важен, ведь тело говорит о герое иногда больше, чем слова.
В отличие от кино, где актер так или иначе работает на камеру, учитывает ее присутствие, в театре он обладает особой привилегией — создавать и транслировать роль без оглядки, свободно, оставаясь лишь в рамках придуманного вместе с режиссером образа. Наверное, поэтому театральные образы актеров, дошедшие до нас в фотографиях, так значительно отличаются от их киноработ. И часто бывают выразительнее, неожиданнее, глубже.
Наталья Семёнова, режиссер, Содружество Актеров Музыкантов и… (САМи):
— Я считаю театральную фотографию самостоятельным видом искусства. Это всегда собственный взгляд фотографа на спектакль. Причем взгляд сегодня. Завтра он будет уже другим, как и спектакль. Взгляд другого художника всегда интересен, таким образом ты вступаешь в диалог, открывающий новые стороны твоей работы и тебя самого.
Дарья Шадрина, креативный продюсер:
— В идеале фотограф должен быть знаком с театром, его актерами, режиссером, художником постановки. Между ними формируется доверие, фотограф становится своим. Фотограф говорит на одном художественном языке с командой спектакля и рассказывает историю такой, как задумали ее создатели. Именно поэтому в большинстве театров есть свои фотографы — cоратники, которые много лет снимают в театре репетиции, спектакли, важные события в жизни театра. Например, спектакли Гоголь-центра лучше всех снимает Ира Полярная, а спектакли театра СТИ — Александр Иванишин.
В иммерсивном театре зрители становятся участниками действия, человеку часто нужно выйти за рамки своего обычного поведения. Для этого требуется большая смелость и открытость. Это очень хрупкий момент. При съемке иммерсивного спектакля фотографу, как нигде, важны деликатность, умение работать максимально незаметно. В моей практике сотрудничества с театром Kamchatka театр изначально четко прописал сцены и рабочие точки, в которых мог находиться фотограф (фото спектаклей Habitaculum и Kamchatka — Г. Безбородов), и сцены, где съемка была строго запрещена, они оставались местом privacy для актера и зрителя, местом для выражения очень искренних эмоций и получения нового личного опыта.
Дмитрий Казаков, PR—директор первого образовательного театра «Театр изменений» (СПб):
— Со стороны организатора мероприятий и PR-директора театра хотел добавить, что очень важно отразить не только действие на сцене, но и эмоции зрителей.
Театр сейчас становится иммерсивным, все больше режиссеров вовлекают гостей в действие спектакля, делают их полноценными участниками.
На мой взгляд, интересно было бы увидеть чувства зрителей от покупки билетов, ожидания у входа театра и перед входом в зрительный зал, во время посещения театрального буфета (в некоторых местах еще сохранился их дух) и, конечно, спектр эмоций после окончания театрального действа. Если планировать заранее, то фотограф может стать полноценным участником труппы и помочь в решении режиссерских задумок.
Хороший фотохудожник, со своим видением спектакля, всегда найдет понимание со стороны организатора.
Можно рассматривать театральную фотографию как запечатление того, что делают актеры, можно — как репортаж с места события, а можно как самостоятельный арт-проект, в котором спектакль — натура, а авторский взгляд творит с ней что-то свое, порой даже то, что и не снилось режиссеру. Но это три совершенно разных состояния в момент съемки и три совершенно разных результата. Выбирайте на вкус)
Георгий Безбородов
Об авторе
По образованию архитектор, МархИ, член СФР, советник председателя Российского экологического общества, член Русского географического общества, клуба «Российское фото», сооснователь Института органического сельского хозяйства, директор маркетингового агентства Time4brand.
Снимать начал в 14 лет камерой «Агат-18», которой обзавидовались бы все ломографисты. Потом были «Зенит», Practika, Leica, несколько Canon. Отец научил не только снимать, но проявлять, печатать и даже фотошопить вручную.
Архитектурное образование очень помогает: композиция, объем, свет, перспектива, история искусств, живопись и графика, понимание города. Работал несколько лет дизайнером, много фотошопил, процесс понимает, но тем более любит живые фотографии. Конечно, без компьютера никак, но основное волшебство — в съемке. Создает и продвигает бренды, а это теснейшее взаимопроникновение вербального и невербального, слова и образа.
Сайт автора: https://time4brand.ru/photo
(Москва, Леонтьевский переулок, д.8, стр.1), Вход свободный
Stagecraft | театр | Britannica
История
По сравнению с историей западного театра, история сценического дизайна коротка. В то время как золотой век греческого театра наступил более двух тысячелетий назад, интенсивное использование декораций в театре началось только после 1600 года, и должность художника-декоратора — человека, ответственного за внешний вид и функцию декораций и собственности. элементы театральной постановки — не стали общепринятой производственной позицией до середины 1920-х годов.Роберт Эдмонд Джонс, как правило, считается одним из первых заслуженных художников-декораторов, создавший в 1915 году постановку «Человек, женившийся на немой жене» .
Термин декорации может включать в себя любой визуальный элемент, не являющийся костюмом, используемый для поддержки постановки. Однако в контексте этой статьи он будет определяться как любой непостоянный двух- или трехмерный фон или элемент окружающей среды, который помещается на сцену, чтобы указать на исторический период, место действия и настроение разыгрываемой пьесы.В то время как свойства — например, набор опор (диваны, стулья, драпировки и т. Д.) И ручные опоры (любые предметы, не относящиеся к костюмам, с которыми работают актеры, такие как стеклянная посуда, столовые приборы или книги) — делают то же самое, они обычно не считаются быть декорациями.
До начала 1600-х годов в западных театрах использовалось очень мало декораций. В то время как греческие и римские пьесы исполнялись на открытом воздухе в сложных и внушительных структурах, существует мало физических свидетельств того, что декорации, как определено выше, использовались на этих сценах.Средневековая европейская драма использовала стандартизированные сценические элементы, называемые «особняками» (изображения рая, ада, Эдемского сада и т. Д.), Для изображения различных мест, необходимых в литургической драме, составлявшей основную часть пьес того времени. Особняки часто устанавливались в нефе церкви, на платформе перед церковью или на городской площади. Они также использовались в сочетании с фургонами для театрализованных представлений, которые обычно вмещали от одного до трех особняков, перемещались с места на место и располагались таким образом, чтобы создать соответствующую обстановку.
Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
Эпоха Возрождения была временем развития и экспериментов в искусстве. Это творческое пробуждение коснулось дизайна театральных построек и декораций. Некоторые театры, такие как Театро Олимпико в Виченце, Италия, имели постоянные декорации, построенные как часть их театральной архитектуры. В других, например, в лондонском театре «Глобус», были голые открытые сцены без постоянных сценических элементов. Между серединой XVII и серединой XIX века в больших и малых городах и частных усадьбах по всей Европе были построены многочисленные театры.
Театро Олимпико, спроектированный Андреа Палладио и завершенный Винченцо Скамоцци, 1585, Виченца, Италия.
Foto Tapparo e Trentin, Виченца, Италия
Оперные театры часто были одними из первых муниципальных зданий, возведенных в новых городах, которые возникли в американском и канадском ландшафте в 19 веке. Подавляющее большинство этих театров имело авансцену (рамочную) сцену. Способ создания декораций для этих театров в целом определялся масштабом производственной программы продюсерской организации.Театры с постоянными труппами и обширными производственными программами — например, Ла Скала в Милане, Театр Ковент-Гарден в Лондоне и многие европейские придворные театры — нанимали местных художников для создания и раскрашивания декораций. Производственные организации с менее обширными производственными программами, такие как передвижные труппы, либо нанимали странствующих художников и мастеров, либо заказывали стандартные декорации у производителей, которые существовали почти во всех крупных и многих средних городах как в Европе, так и в Северной Америке к середине XIX века. век.Наборы инвентаря, произведенные этими производителями, не были адаптированы к конкретным потребностям какой-либо конкретной игры, а вместо этого изображали места, которые были стандартными для большинства: библиотека дворянина, двор, лес и так далее. Если сценарий требовал определенного места — например, уличной сцены — продюсерская организация заказывала набор «уличных сцен», который обычно состоял из капли (ткань, висящая за сценой) и крыльев (ткани, висящие параллельно капля по бокам сцены) из списка доступных сцен, представленных в каталогах многих театральных студий.После закрытия спектакля набор был сдан на хранение до тех пор, пока для другого спектакля не потребовалась уличная сцена; затем набор будет использоваться повторно, обычно с небольшими изменениями, если таковые имеются.
В середине 1800-х годов началось движение, которое должно было изменить театральный мир. Это движение, реализм, возникшее отчасти как реакция на мелодрамы конца 18 — начала 19 веков, породило одни из первых пьес, в которых основное внимание уделялось социальным вопросам жизни простых граждан, а не действиям аристократии и монархов. .Этот сдвиг тематической направленности привел к серьезным нововведениям в декорациях. Реализм требовал декораций, более точно воспроизводящих повседневную жизнь. Начиная с середины 1870-х годов, количество реалистичных декораций для интерьера и экстерьера увеличивалось, и уровень зрелищности, казалось, определялся только сценическим бюджетом.
Реализм XIX века привнес в сценический дизайн реалистичные детали. Но этот акцент на исторической точности привел к созданию декораций, которые слишком часто становились важнее самой пьесы.Лишь в начале 1900-х годов сценический дизайн начал выходить за рамки периода, страны и места постановки пьес, чтобы сосредоточиться на социально-экономическом статусе персонажей пьесы и окружающей среде, а также на настроении и духе пьесы. Современный европейский и американский сценический дизайн пытается помочь зрителям понять спектакль и связать его с пьесой, визуально усиливая все эти аспекты.
К началу 20 века дизайн и производство сценических декораций стали достаточно стандартизированными.Продюсер и режиссер — иногда вместе с драматургом или ведущим актером — создали план местности с необходимыми декорациями и наняли декорации для декораций. Затем сотрудники студии создания декораций создали раскрашенные макеты декораций и, после окончательного утверждения, создали масштабные чертежи, по которым были построены декорации. Часто декорации создавала одна компания, а расписывала другая. Постоянно действующие театры с активными производственными программами часто использовали собственных плотников и художников-декораторов для создания декораций.Однако на рубеже 21-го века большинство студий сценического производства — как собственных, так и независимых — стали комплексными, так как они построили и нарисовали почти все декорации и многие объекты, необходимые для постановки. Специализированные предметы, такие как элементы, требующие инженерного оборудования (фермы, лифты и т. Д.), А также старинная мебель и сложные предметы, требующие специальных технологий изготовления и оборудования, часто передавались на субподряд соответствующим предприятиям.
Театр и кино в картинах Эдварда Хоппера
Эдвард Хоппер был выдающимся американским художником-реалистом и гравером.Он был известен двумя типами картин, в частности : первый , один сосредоточен на общих чертах американской жизни (заправочные станции, мотели, рестораны, театры, железные дороги и уличные сцены) и ее обитателей; а второй — морские пейзажи и сельские пейзажи. Все мы знаем самую известную работу Хоппера: Nighthawks . Но сегодня мы поговорим о другом. Хоппер всю жизнь был приверженцем кино и театра, оба из которых стали сюжетами его картин.Каждая форма повлияла на его композиции. Ниже мы представляем картины Хоппера для театров и кинотеатров.
Театр и кино на картинах Эдварда Хоппера: Эдвард Хоппер, Nighthawks , 1942, Чикагский институт искусств, Чикаго, Иллинойс, США.
1. Двое на проходе
Театр и кинотеатр на картинах Эдварда Хоппера: Эдвард Хоппер, Двое на проходе , 1927, Художественный музей Толедо, Нью-Йорк, Нью-Йорк, США.
Два на проходе — это, казалось бы, простая композиция: три фигуры в пустом театре.Это была первая крупная картина Хоппера, изображающая театральную сцену, к которой он впоследствии часто возвращался. Обычно для него как мастера уединения, вместо того, чтобы запечатлеть происходящее на сцене или суету толпы, Хоппер предпочитает сосредоточиться на тихом моменте перед выступлением. Картина изобилует деталями, которые приглашают зрителя в повествование, как если бы Хоппер удалил единственный кадр из киноленты. Композиционная структура Хоппера делает зрителя дополнительным театральным покровителем, лаконично отмечая свое окружение и, возможно, также спокойно занимающим место.
2. Театр Шеридан
Театр и кино на картинах Эдварда Хоппера: Эдвард Хоппер, Театр Шеридан , 1937, Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, Нью-Йорк, США. Artrenewal.
Эдвард Хоппер был большим исследователем современной жизни. Однако вместо того, чтобы рисовать шумные танцевальные залы и неистовые театры бурлеска, Хоппер решил нарисовать пустой кинотеатр. Хоппер стал свидетелем захватывающего периода в истории кино: появление электричества и звука, а затем рост голливудского кино.Сами кинотеатры превращались из темных залов в дворцы с роскошной обстановкой. Театр Шеридан, вмещавший 2000 гостей, находился совсем рядом с его домом.
3. New York Movie Театр и кино на картинах Эдварда Хоппера: Эдвард Хоппер, New York Movie , 1939, Музей современного искусства, Нью-Йорк, Нью-Йорк, США.
Как и большинство женских фигур на картинах Хоппера, эта была основана на его жене Джо, которая позировала стоя под лампой в холле своей квартиры.Хоппер нарисовал свою жену в разных позах для New York Movie , а также точно разработал декор зала, вплоть до узора ковра. Снова и снова он рисовал фойе, лестницы и залы своих любимых кинотеатров — Palace, Globe, Republic и Strand.
Официантка — это двойник скучающей официантки в 20-м веке в A Bar в Folies-Bergeres Эдуарда Мане. Подобно Мане, Хоппер был гением, сделав иллюзорный мир театра таким соблазнительным, таким очаровательным и таким совершенно пустым.
4. First Row Orchestra
Театр и кино на картинах Эдварда Хоппера: Эдвард Хоппер, First Row Orchestra , 1951, Музей современного искусства Хиршхорна, Вашингтон, округ Колумбия, США. Смитсоновский институт.
Здесь мы имеем ситуацию, довольно похожую на ситуацию Два на проходе : люди ждут начала концерта, элегантная дама кажется закрытой для всех внешних раздражителей. Творчество Хоппера демонстрирует уникальность его видения, делая его изображения столь же актуальными сегодня, как и в тот день, когда он их создавал.Его искусство обращается не к одной стране или одному времени, а ко всем, кто борется с испытаниями цивилизации, как они происходят в повседневной жизни.
5. Антракт
Театр и кино в картинах Эдварда Хоппера: Эдвард Хоппер, Антракт , 1963, Музей современного искусства Сан-Франциско, Сан-Франциско. Калифорния, США. Викиарт.
Intermission — одна из крупнейших и самых амбициозных картин художника. Идея создания картины пришла Хопперу, когда он смотрел фильм, и его жена Жозефина Хоппер устроила ему работу над картиной в пустом кинотеатре.Однако Хоппер решил закончить Intermission у себя дома и в студии в Нью-Йорке. Сохранившийся подготовительный набросок к картине показывает, что он рассматривал возможность включения еще одной фигуры в третий ряд. В интервью он сказал: «На фотографии изображена половина другого человека». Финальная композиция изображает одинокую женщину в театре, сидящую в одиночестве в первом ряду бокового прохода. По-видимому, ожидая, пока другие вернутся из антракта, она кажется погруженной в раздумья, глядя вдаль, пока она удовлетворенно сидит на удобном темно-зеленом театральном сиденье со скрещенными лодыжками.
6. Два комика
Театр и кино на картинах Эдварда Хоппера: Эдвард Хоппер, Два комика , 1965, частное собрание. Сотбис.
В возрасте восьмидесяти трех лет Хоппер написал Two Comedians , что он задумал как личное заявление, своего рода прощание. Как позже подтвердил Джо, на картине они оба изящно поклонились. Обоим было за восемьдесят, и они были больны; Хоппер умрет менее чем через два года, а Джо — через год.Они похожи на юных влюбленных Пьеро и Пьеретту из комедии дель арте. Похоже, что после смерти Хоппер предпочел компанию, желая, чтобы Джо была рядом с ним.
Узнайте больше об искусстве и кино:
Если вы найдете радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал
DailyArt, сделав скромное пожертвование. Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.
Theater Educator Pro: Нажмите, чтобы научить / Нажмите, чтобы узнать: Создание дизайна декорации
После того, как вы определились с концепцией дизайна декораций, следующим шагом будет создание его представления, которое поможет вам донести свою идею до других (для например, режиссер шоу).На этом этапе вы создадите либо двухмерный цветовой рендеринг набора, либо трехмерную модель вашего набора. При создании рендеринга или модели старайтесь учитывать масштаб. Решите, насколько велик будет актер, а затем попытайтесь построить или нарисовать все свои декорации с учетом этого размера. Ваш декорации должны быть доступны актерам!
Вы можете нарисовать свой набор цветными карандашами или маркерами для создания 2D-изображения (визуализация) ИЛИ вы можете построить 3D-модель вашего дизайна. Что бы вы ни выбрали, сделайте снимок на мобильный телефон и загрузите его в свое цифровое портфолио.
ПРЕДСТАВЛЕНИЕ ЦВЕТНОГО НАБОРА 2D
«Рендеринг набора» — это другое слово для наброска или чертежа дизайна набора, созданного с целью передачи концепции дизайна другим. Таким образом, хотя ваш рендеринг не обязательно должен быть идеальным, он должен включать достаточно деталей, чтобы ясно донести ваши идеи до кого-то другого.
3D-МОДЕЛЬ
Чтобы создать 3D-модель, сделайте теневую версию своего декорационного дизайна, используя вырезки из бумаги или другие найденные предметы вокруг вашего дома.В качестве основы вашей модели найдите обувную коробку или другую картонную коробку. Вы можете создать свою модель внутри или сверху коробки. Если вы проектируете сцену авансцены, вы можете повернуть коробку боком и использовать отверстие в коробке в качестве авансцены. Если вы проектируете укол или арену, вы можете создать свою модель поверх коробки. Не стесняйтесь проявлять творческий подход при поиске материалов, которые эффективно передадут ваши идеи другим.
Пример дизайна набора 3D-модели
«Муравей и кузнечик»

ВИРТУАЛЬНО
Другой вариант для 3D-модели — создать ее виртуально.У вашей школы может быть доступ к инструменту виртуального дизайна декораций, который вы можете использовать, или вы можете найти в Интернете инструмент для домашнего планирования, который можно использовать. Если ваша наборная модель содержит мебель или другие реалистичные детали, попробуйте «Room Styler: 3D Home Planner», чтобы создать дизайн.
После создания модели или визуализации подумайте о своей работе, ответив на следующие вопросы:
Как ваш дизайн отражает ваше понимание темы пьесы?
Как ваш дизайн включает ваш анализ персонажей и постановку пьесы?
Какие элементы вашего дизайна были вдохновлены вашим Vision Board и другими исследованиями? Какие образы вас особенно вдохновили?
Как вы оценивали удобство использования актерами при создании своего дизайна?
Что-нибудь еще, что вы хотите выделить в своем дизайне
Включите свое отражение в папку цифрового портфолио.
Настройка идей для импровизационного актерского мастерства и комедийных зарисовок
Один из важнейших ингредиентов хорошей импровизационной сцены — это сеттинг. Но иногда идеи просто не текут. Этот список настроек для импровизационной игры и комедийных сценок может помочь смазать колеса.
Ключи к успеху
Если вы не полагаетесь на свою аудиторию, предлагая настройку, вам нужно быстро подумать и выбрать ее самостоятельно. Одна из целей импровизации — научиться быстро и творчески мыслить, когда сталкиваешься с неожиданностями.Для этого вам нужно иметь в виду несколько вещей:
Вперед . Если вам говорят надеть плащ, сделайте это. Теперь у вас есть одна деталь, которую нужно добавить к наброску персонажа, которого вы создаете: частный сыщик в старом детективном фильме. Принимайте все, что люди делают или говорят, как буквальную правду и не пытайтесь обмануть или перехитрить своих коллег-актеров.
Создать предысторию . Вы можете добавить реализма своему персонажу, задавая вопросы или делая заявления, которые ссылаются на прошлое событие.Возможно, ваш детективный персонаж только что столкнулся с полицейским, которому он не нравится. Когда двое смотрят друг на друга, ваш персонаж спрашивает: «Ты собираешься арестовать меня, как в прошлый раз?» И вот так вы создали предысторию для своей аудитории, которая дает им больше информации о создаваемой вами сцене.
Будьте конкретны . Актеры-импровизаторы редко работают с замысловатыми декорациями или множеством декораций. Вместо этого задача состоит в том, чтобы своими словами и действиями создать ощущение места и характера.Не говорите односложно. Будьте описательны.
Начать с середины действия. В отличие от сценариев, импровизация не позволяет достичь драматической кульминации через пролог. Вы хотите, чтобы активность (и вдохновение) продолжалась. Каждый набросок должен начинаться с того, что ваши персонажи уже вовлечены в сценарий, например, они по локоть в раковине, полной грязной посуды.
Акт без слов . Речь — это лишь один из способов передачи информации актером.Попробуйте выбрать импровизированную обстановку, а затем использовать пантомиму или другое невербальное общение.
Не будь собой . Вы не играете в импровизацию; ты кто-то другой. Во время выступления заставляйте себя действовать и реагировать так, как вы никогда не сделаете в реальности.
Предлагаемые настройки улучшения
Когда актеры готовы, самое время выбрать обстановку. Некоторые исполнители позволяют публике вносить предложения, а труппа выбирает своего фаворита.Другие оставляют выбор сценария на усмотрение режиссера или ведущего. Нет правильного или неправильного способа сделать это. В этом вся прелесть импровизации.
A:
Художественная галерея
Скорая помощь
Приемная клиника
Тропический лес Амазонки
Антикварный магазин
Чердак
B:
Парикмахерская
Балкон
Лодка
Птичье гнездо
Кузнец
Пекарня
Место обитания бабочек
Бобровая плотина
Учебный лагерь
C:
Замок
Дом кошки
Шахматная доска
Сыроварня
Классное кладбище
(Внутри) Книга комиксов
Кабинет мануального терапевта
Цирк
D:
Dance Studio
Dragon’s Lair
Desert
Deep Sea Diving
Department of Motor Vehicles
Detention
Drunk Tank
E:
Египет
Убежище слонов
Лес эльфов
Камера казней
Класс готовности к землетрясениям
F:
Колесо обозрения
Пожарная часть
Рыболовный пруд
Футбольный стадион
Будущее
Магазин гадалки
G :
Продуктовый магазин
Поле для гольфа
Город-призрак
Гондола
Мусорная свалка
Гараж
Goldmine
Gypsy Camp
Grand Canyon
H :
Строительный магазин
Вертолет
Хенхаус
Хогвартс
Больница
Гавайи
I:
Иглу
Остров (тропический)
Айсберг
Магазин мороженого
Ледниковый период
J:
Джунгли
Кабина пилота реактивного самолета
Судейская палата
Ящик присяжных
Ювелирный магазин
Юрский период
K:
Karate Class
Karaoke Bar
Knight’s Training Ground
King Kong’s Cage
Knitting Circle
Kangaroo Farm
L:
Lagoon
Lighthouse
Library
LOST (The TV Show)
Спасательная шлюпка
Лагерь лесорубов
Лондон
Прачечная
M:
Прилавок для макияжа
Финишная линия Марафона
Магазин механика
Луна
Мышеловка
Могила мумии
(Внутри) Микроволновая печь
Вершина горы
N:
Дом престарелых
Новостная станция
Неверленд
Природная тропа
Ночной клуб
Газета
O:
Orchestra Pit
Office Cubicle
Orchard
Outback (Австралия)
День открытых дверей (недвижимость)
Оптометрист
P:
Место для пикника
Выставка панды
Пром
Пиратский корабль
Зоомагазин
Почтовое отделение
Класс фотографии
Полицейский участок
Q:
Двор королевы Елизаветы
Викторина
Зыбучие пески
R:
Радиопрограмма
Торжественное открытие ресторана
Красная ковровая дорожка (премьера фильма)
Речной корабль
(Внутри) Романтический роман
Убежище разбойника
S:
Safari
Школьная столовая
Кабинет школьной медсестры
Мастерская Санты
Горнолыжный склон
Паутина
Летний лагерь
Деревня смурфов
Игра в софтбол
Космический корабль
Подержанный магазин
Подводная лодка
Конюшня
T:
Treehouse
Travel Agency
Truckstop
Theater Audition
Tidepool
Tribal Ceremony
Tourist Trap
U:
День рождения Уродливой принцессы
Под землей
Под водой
Служба по безработице
Утопическое общество
V:
Дом вампира
Волейбольная площадка
Вулкан
Кабина для голосования
W:
Witch’s Cavern
Warehouse
White House
Waterslide Park
Wrestling Ring
Wild West
Woodshop Class
Свадебная церемония
X:
Рентгеновская лаборатория
Магазин ксилофонов
Y:
Распродажа на ярдах
Yoga Class
Yearbook Club
Z:
Цеппелин (Дирижабль)
Место отдыха зомби
Зоопарк
[Театральная сцена] | Библиотека Конгресса
Библиотека Конгресса не владеет правами на материалы в своих коллекциях.Следовательно, он не лицензирует и не взимает плату за разрешение на использование таких материалов и не может предоставить или отказать в разрешении на публикацию или иное распространение материала.
В конечном итоге, исследователь обязан оценить авторские права или другие ограничения на использование и получить разрешение от третьих лиц, когда это необходимо, перед публикацией или иным распространением материалов, обнаруженных в фондах Библиотеки.
Для получения информации о воспроизведении, публикации и цитировании материалов из этой коллекции, а также о доступе к оригинальным элементам см .: Коллекция карикатур и карикатур Кэролайн и Эрвин Суонн — Информация о правах и ограничениях
Консультации по правам : Нет известных ограничений на публикацию.Нет продления в Бюро регистрации авторских прав.
Номер репродукции : —
Телефонный номер : СВАНН — нет. 1828 г. (размер D) [P&P]
Консультации по доступу : —
Получение копий
Если изображение отображается, вы можете скачать его самостоятельно. (Некоторые изображения отображаются только в виде эскизов вне Библиотеке Конгресса США по соображениям прав человека, но у вас есть доступ к изображениям большего размера на сайт.)
Кроме того, вы можете приобрести копии различных типов через Услуги копирования Библиотеки Конгресса.
Если отображается цифровое изображение: Качество цифрового изображения частично зависит от того, был ли он сделан из оригинала или промежуточного звена, такого как копия негатива или прозрачность. Если вышеприведенное поле «Номер воспроизведения» включает номер воспроизведения, который начинается с LC-DIG…, то есть цифровое изображение, сделанное прямо с оригинала и имеет достаточное разрешение для большинства публикационных целей.
Если есть информация, указанная в поле «Номер репродукции» выше: Вы можете использовать номер репродукции, чтобы купить копию в Duplication Services. Это будет составлен из источника, указанного в скобках после номера.
Если указаны только черно-белые («черно-белые») источники, и вы хотите, чтобы копия показывала цвета или оттенка (при условии, что они есть на оригинале), обычно вы можете приобрести качественную копию оригинал в цвете, указав номер телефона, указанный выше, и включив каталог запись («Об этом элементе») с вашим запросом.
Если в поле «Номер репродукции» выше нет информации: Как правило, вы можете приобрести качественную копию через Службу тиражирования. Укажите номер телефона перечисленных выше, и включите запись каталога («Об этом элементе») в свой запрос.
Прайс-листы, контактная информация и формы заказа доступны на Веб-сайт службы дублирования.
Доступ к оригиналам
Выполните следующие действия, чтобы определить, нужно ли вам заполнять квитанцию о звонках в Распечатках. и Читальный зал фотографий для просмотра оригинала (ов). В некоторых случаях суррогат (замещающее изображение) доступны, часто в виде цифрового изображения, копии или микрофильма.
Товар оцифрован? (Слева будет отображаться уменьшенное (маленькое) изображение.)
Да, товар оцифрован. Пожалуйста, используйте цифровое изображение вместо того, чтобы запрашивать оригинал. Все изображения могут быть смотреть в большом размере, когда вы находитесь в любом читальном зале Библиотеки Конгресса. В некоторых случаях доступны только эскизы (маленькие) изображения, когда вы находитесь за пределами библиотеки Конгресс, потому что права на товар ограничены или права на него не оценивались. ограничения.
В качестве меры по сохранности мы обычно не обслуживаем оригинальный товар, когда цифровое изображение доступен. Если у вас есть веская причина посмотреть оригинал, проконсультируйтесь со ссылкой библиотекарь. (Иногда оригинал слишком хрупкий, чтобы его можно было использовать. Например, стекло и пленочные фотографические негативы особенно подвержены повреждению. Их также легче увидеть в Интернете, где они представлены в виде положительных изображений.)
Нет, товар не оцифрован. Пожалуйста, перейдите к # 2.
Указывают ли вышеприведенные поля Консультативного совета по доступу или Номер вызова, что существует нецифровой суррогат, типа микрофильмов или копий?
Да, существует еще один суррогат. Справочный персонал может направить вас к этому суррогат.
Нет, другого суррогата не существует. Пожалуйста, перейдите к # 3.
Если вы не видите миниатюру или ссылку на другого суррогата, заполните бланк звонка. Читальный зал эстампов и фотографий. Во многих случаях оригиналы могут быть доставлены в течение нескольких минут. Другие материалы требуют записи на более позднее в тот же день или в будущем. Справочный персонал может посоветуют вам как заполнить квитанцию о звонках, так и когда товар может быть подан.
Чтобы связаться со справочным персоналом в Зале эстампов и фотографий, воспользуйтесь нашей Спросите библиотекаря или позвоните в читальный зал с 8:30 до 5:00 по телефону 202-707-6394 и нажмите 3.
Дизайн сцены | Кафедра театра и танца
Программа дизайна сцены в Техасском университете в Остине включает в себя овладение как традиционными, так и современными методами, применимыми ко всем формам повествовательного дизайна.Особое внимание уделяется анализу сценария и интерпретации сюжета и персонажа. Рисование, рендеринг, черчение и построение моделей как на обычных, так и на цифровых носителях являются центральными компонентами программы.
Программа Scene Design направлена на развитие артистизма студентов, одновременно предоставляя базовые знания о навыках и технологических инструментах, чтобы служить будущим рассказчикам в театре, а также множество других творческих начинаний, включая оперу, кино, телевидение, художественные инсталляции, дизайн выставок, тематику. парки и торговые площади.
Мы рассматриваем сценарный дизайн как область работы и учебы, которая находится в контакте со всеми другими дисциплинами в рамках аспирантуры Техасского университета в Остине. М.Ф.А. в области дизайна и технологий — это трехлетний 60-часовой курс обучения, состоящий из четырех компонентов: дизайн-студия, развитие навыков, реализованные продукты и критическое мышление / письмо, кульминацией которого является уникальный тезис собственного изобретения студента. Два кандидата по каждой дисциплине принимаются каждый год на программу из 30 студентов — небольшую группу в рамках большого факультета.
Щелкните изображение, чтобы просмотреть галерею UT Live Design: Scene Design .
Требования
В дополнение к требованиям Техасского университета в аспирантуре Остина мы требуем, чтобы студенты отправляли портфолио работ онлайн или по почте для просмотра. Ознакомьтесь с требованиями и начните подавать заявку сегодня.
Студенты должны иметь портативный компьютер с необходимым набором программного обеспечения и съемный USB-накопитель объемом не менее 100 ГБ.
Возможности дизайна
Студенты обычно помогают аспиранту в их первом семестре, а весной им поручаются производственные проекты. Задания обычно включают в себя один крупный дизайн в год с другими, меньшими возможностями, связанными с центральным проектом (при наличии). Выпускники Scene Design получают полный портфель реализованных работ в самых разных жанрах.
Возможности для конференций и стажировки
Программа в основном проводится на территории кампуса, хотя мы поощряем поездки и участие в профессиональном и культурном образовании.Пражская квадриеннале, Институт театральных технологий США (USITT), возможности оказания помощи в дизайне и обучение за границей часто были частью опыта студентов в аспирантуре университета. Многие студенты прошли стажировку в крупных театрах, крупных оперных труппах, дизайн-студиях и телевизионных студиях. В некоторых случаях университет предоставляет частичную финансовую поддержку для этих возможностей.
Национальный портфель
Выпускники Техасского университета в Austin’s Scene Design могут участвовать в Национальном обзоре портфолио дизайна в Нью-Йорке и / или в Design Showcase West в Лос-Анджелесе.
Художник-живописец драмы и театра
Художники-художники рисуют задники, фрески и реквизиты для театральных, теле- и кинопроизводств. Они берут дизайн и идеи, предоставленные художником-постановщиком или декоратором, и создают декорации, которые могут быть чем угодно, от городского пейзажа до стены, оформленной в старинном стиле.
Работа
Вы могли бы быть:
обсуждение брифа с художником-постановщиком
анализ технических чертежей и макета коробки (масштабная модель набора), чтобы решить, как создать полную репродукцию
исследует лучшие материалы для создания реалистичной сцены, например тип поверхности
Расчет стоимости необходимых материалов и заказ расходных материалов
Использование проектора для переноса рисунка на большую поверхность в качестве ориентира для рисования сцены или фрески
выбор красок, смешивание цветов и нанесение на поверхности с помощью различных кистей и других инструментов, таких как распылитель
с использованием таких методов, как трафарет, мрамор, текстура древесины и текстурирование
Покраска сложных предметов реквизита и других трехмерных предметов
помогает с установкой и удалением предметов сцены.
Оплата
Рисунки ниже являются приблизительными. Фактические зарплаты могут отличаться в зависимости от:
где вы работаете
размер компании или организации, в которой вы работаете
востребованность работы.
Заработная плата художников-сценографов может начинаться примерно с 17 000 фунтов стерлингов в год, а с опытом работы 1-2 года она может возрасти примерно до 21 000 фунтов стерлингов в год. При большем опыте зарплата может быть выше. Однако многие сценические художники работают внештатно и взимают почасовую или дневную плату.Это может зависеть от типа работы и их репутации.
На веб-сайте Союза кинематографистов и театров радиовещания и развлечений (BECTU) публикуются последние расценки, рекомендованные Ассоциацией продюсеров рекламы (APA) по расценкам на съемочную группу (июль 2018 г.).
Минимальная базовая дневная ставка: 437,00 £
Максимальная дневная ставка: 581,00 £
Базовая почасовая оплата: 58,00 фунтов стерлингов.
Условия
Вы можете работать в мастерской или малярной мастерской, работать в театральной, теле- или кинокомпании.
График работы меняется, и при соблюдении сроков может потребоваться работа в выходные и вечерние часы.
Некоторые из используемых материалов могут выделять неприятные и опасные пары.
Возможно, вам придется надеть защитную одежду, например маску.
Возможно, вам придется работать на высоте.
Это физическая работа, и вам нужно будет сгибать, растягивать и использовать лестницы для больших сцен.
Некоторые командировки могут потребоваться, в зависимости от типа компании, в которой вы работаете.
Если вы работаете не по найму, вам необходимо иметь собственное оборудование и транспорт.
Статус занятости персонала
Данные LMI на базе LMI для всех
Попадание
Большинство художников-живописцев получили степень по художественной дисциплине или по художественным предметам.
Соответствующие предметы включают искусство и дизайн, изобразительное искусство, иллюстрацию, живопись, сценографию и производственное искусство.
В идеале, любая принимаемая квалификация должна содержать большой практический элемент.
Это помогает хорошо разбираться в истории искусства, архитектуре и стилях разных эпох.
Королевская консерватория Шотландии (RCS) предлагает степень в области производственного искусства и дизайна со специализацией в области сценического искусства или декорационного дизайна.
Запись с 3-мя высшими и хорошим портфелем работ.
Конкуренция за работу высока, поэтому может быть полезно иметь некоторый опыт, например, в любительской театральной группе.
Водительские права могут быть полезны.
Заявки на участие в RCS проходят через Консерватории UCAS.
Все заявки в художественные школы (Дункан Джорданстон в Университете Данди, Эдинбургский художественный колледж при Эдинбургском университете, Школа искусств Глазго, Школа искусств Грея при Роберте Гордона и Школа искусств Морея при UHI) принимаются через UCAS, при этом на некоторых курсах есть дата закрытия — 15 января, другие — 24 марта.
Вы можете искать работу в театрах и компаниях, занимающихся продюсированием фильмов или телепрограмм, включая те, которые занимаются рекламой на телевидении.Большинство киностудий расположены в Лондоне и на юго-востоке Англии, но есть театры и телекомпании, расположенные по всей Великобритании.
Уровни образования персонала (Великобритания)
Данные LMI предоставлены EMSI UK
Перспективы работы в Шотландии
Доля рабочей силы, зарегистрированной как безработная (Шотландия)
Данные LMI предоставлены EMSI UK
Перспективы работы в Шотландии
Шотландия
2021 г.
675
11.4%
ПОДЪЕМ
2026 г.
752
Данные LMI предоставлены EMSI UK
Что для этого нужно?
Вам необходимо:
страсть к искусству и дизайну
Отличные навыки рисования и рисования
опыт других художественных техник
воображение и творчество
точность и внимание к деталям
Хорошие навыки решения проблем
Способность интерпретировать замыслы и визуализировать идеи и воплощать их в жизнь
хорошие коммуникативные навыки
выносливости.
Вам нужно быть:
умеет работать как самостоятельно, так и в команде
гибкий и своевременный
настойчивый и решительный, для получения работы
умеет нетворкинг и налаживать контакты
осведомлен о правилах безопасности и гигиены труда.
Обучение
Вы бы обучились и приобрели опыт работы у своего работодателя.
Вы продолжите развивать свои навыки, посещая соответствующие курсы неполного рабочего дня и возможности обучения.
Начало
Вы можете перейти к сценическому арт-менеджеру или руководителю.
Вы можете перейти к дизайну декораций (см. Профиль работы Set Designer), производственному дизайну или управлению сценой (см. Профиль задания Stage Manager).
Вы можете заниматься индивидуальной трудовой деятельностью, работая внештатно.
Дополнительная информация
Существует ряд веб-сайтов, рекламирующих вакансии в сфере театра, кино и телевидения, таких как The Stage и Mandy.
Young Scot и Creative Scotland управляют фондом «Воспитание талантов — время сиять», который направлен на поддержку молодых людей в возрасте 11-25 лет, заинтересованных в развитии творческих или художественных навыков. Как отдельные лица, так и группы могут подать заявку на финансирование в размере от 50 до 1000 фунтов стерлингов. Для получения дополнительной информации посетите веб-сайт Young Scot.
Подробнее о творческой карьере см. Здесь
Видео
Контакты
Следующие организации могут предоставить дополнительную информацию.
Была ли эта статья полезной?
Пожалуйста, помогите нам улучшить Planit, оценив эту статью. .